Stylizacja szachowa martwa natura. Mistrzowska klasa ze zdjęciami
Elena Aleksiejewna Nadieńska, nauczycielka Dzieła wizualne Miejska placówka oświatowa „Szkoła Średnia Arseniewska”, wieś Arseniewo, obwód Tula.Opis: materiał zainteresuje nauczycieli sztuk pięknych, pedagogów, pedagogów dodatkowa edukacja, kreatywne dzieci w wieku 10-12 lat.
Zamiar: zastosowanie na lekcjach plastyki, praca może służyć jako dekoracja wnętrz, wspaniały prezent lub przedmiot wystawowy.
Cel: wykonanie martwej natury poprzez podział obrazu na części (komórki)
Zadania:
-wprowadzić różnorodne techniki dekoracyjnego przedstawiania martwej natury;
- rozwijać zmysł kompozycji, wyobraźnię, rozwijać zdolności twórcze;
- doskonalenie umiejętności pracy z gwaszem; ćwiczenie umiejętności pracy pędzlami o różnej wielkości w zależności od zadania,
- kultywować zainteresowanie podstawami umiejętności wizualnych.
- kultywowanie dokładności i zamiłowania do sztuk pięknych.
Materiały:
-czarny gwasz (można użyć tuszu do rzęs)
-pędzle nr 2, nr 5
-ołówek
-linijka
-gumka do mazania
- arkusz A3
Martwa natura to gatunek sztuki poświęcony przedstawianiu przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp.
Jak niezależny gatunek martwa natura powstała w XVII wieku. w kreatywności Holenderscy artyści. A obecnie gatunek ten jest dość szeroko stosowany współcześni artyści i projektanci. Wraz z realistycznym obrazem często można spotkać się z koncepcją „dekoracyjnej martwej natury”.
Martwa natura dekoracyjna charakteryzuje się konwencjonalnym, uproszczonym przedstawieniem form i stylizacji.
Bardzo duże skupienie jest podawany schemat kolorów, kolor – kombinacja kolorów zastosowana w kompozycji. Powszechne jest stosowanie kontrastujących kolorów. Najbardziej harmonijną kombinacją kontrastu jest stosunek czerni i bieli. Ta kombinacja jest aktywnie wykorzystywana w grafice, odzieży, projektowaniu wnętrz itp.
Naszą kompozycję martwej natury spróbujemy dziś stworzyć z połączenia czerni i bieli, ale do koloru dodamy też koncepcję podziału płaszczyzny na części - komórki. Przypomnijmy sobie układ kolorowych kwadratów na szachownicy; zauważmy, że pola tego samego koloru nigdy nie łączą się wspólnym bokiem, stykają się tylko w jednym punkcie. Postaramy się wykorzystać tę funkcję podczas pracy nad kompozycją martwej natury.
Postęp
1. Po przemyśleniu kompozycji wybierz lokalizację arkusza. Nakreślamy lokalizację obiektów. Jeśli pracujesz w tej technice po raz pierwszy, staraj się nie komplikować kompozycji poprzez nakładanie kształtu jednego obiektu na drugi.
2. Nakreśl projekt obiektów przerywane linie. Ponieważ martwa natura będzie dekoracyjna, nie ma potrzeby starania się o oddanie objętości, wystarczy płaska konstrukcja.
3. Wyjaśniamy kontury kształtu obiektów. Więcej gładkie linie Obrysowujemy kontury wazonu, filiżanki, rysujemy łodygi kwiatów, owoców. Usuwanie linii konstrukcyjnych.
4. Obrysowujemy spadające cienie. Za pomocą linijki dzielimy płaszczyznę arkusza na komórki o jednakowej wielkości. Optymalny rozmiar komórki dla arkusza poziomego (A4) wynosi 3 cm, jeśli arkusz jest większy (A3), możesz zwiększyć długość boku komórki do 5 cm Jeśli nie masz doświadczenia w takiej martwej naturze obrazie, staraj się nie komplikować zadania, zmniejszając rozmiar komórek.
5. Zaczynamy malować komórki czarnym gwaszem. Staramy się używać gęstej farby, aby warstwa farby była wystarczająco gęsta i jednolita. Jeżeli kształt przedmiotów mieści się w klatce, wówczas pozostawiamy ją niepomalowaną. Lepiej zacząć pracę od zewnętrznych komórek, stopniowo przesuwając się w stronę środka kompozycji.
6. Przystępujemy do malowania komórek w środku kompozycji, nie wychodząc poza kontury obiektów.
7. Po zakończeniu kolorowania tła zaczynamy kolorować części obiektów, które wpadają na białe komórki.
8. Kontynuując prace nad wybarwieniem poszczególnych elementów, zbliżamy się do zakończenia prac. Wyjaśniamy linie kształtu obiektów, korygujemy niedokładności i niechlujne kontury komórek.
Praca jest gotowa.
Dziękuję za uwagę! Życzę wszystkim twórczych sukcesów!
Można narysować czarno-białą martwą naturę różne sposoby. Może wyglądać jak standardowy szkic ołówkiem lub ciekawa ilustracja kropek lub liter. Dzisiaj porozmawiamy o różne techniki które z łatwością można powtórzyć w domu.
Wzór w kropki
Czarno-biała martwa natura jest najczęściej dekoracyjna. Dlaczego? Tak, ponieważ wygląda to tak korzystnie. Realistyczny obraz, pozbawiony koloru, może wyglądać odpowiednio, jeśli jest to portret, ilustracja lub coś podobnego, wieloszczegółowego. Realistyczna martwa natura nie jest zbyt interesująca. Dlatego wielu artystów preferuje dzieła dekoracyjne. Martwa natura w czerni i bieli jest bardzo prosta do narysowania. Najpierw musisz zbudować kompozycję. Możesz czerpać z życia, co będzie łatwiejsze, lub możesz wymyślić oprawę w swojej wyobraźni. W naszym przypadku na stole stoi dzbanek i miska jabłek. Na ścianie wisi kokarda i draperia. Kiedy już znajdziemy na arkuszu odpowiednie miejsce na to wszystko i dopracujemy szczegóły, możemy przystąpić do dzielenia obiektów na części. Co więcej, nie należy tego robić w sposób chaotyczny, ale jasno przemyślany, tak aby białe części sąsiadowały z czarnymi i nie stracił ani jednego elementu.
Rysowanie linii
Można narysować martwą naturę w czerni i bieli różne techniki. Jednym z nich jest przedstawienie rysunku za pomocą linii. Aby narysować taki obraz, musisz wziąć obiekty o wyraźnie określonej teksturze. Jeśli tak nie jest, trzeba będzie wymyślić ulgę. Musisz zacząć rysować czarno-białą martwą naturę, budując kompozycję. Najpierw zarysowujemy wszystkie obiekty. W naszym przypadku jest to kubek z kwiatami, jabłkami i drewnianym stołem. Gdy wszystkie obiekty zajmą już swoje miejsca, zaczynamy opracowywać kształt, a następnie szczegóły. Ostatnią czynnością jest obraz tekstury. Kubek zyskuje poziome paski, kwiaty i jabłka - ściętą obwódkę. Konieczne jest pokazanie tekstury stołu. Wskazane jest łączenie poziomych i Pionowe linie tak, aby obiekty nie zlewały się, ale korzystnie wyróżniały na tle innych.
Rysunek listu
Ten obraz będzie wyglądał czarno-biała grafika. Martwa natura składa się z liter, które płynnie zamieniają się w słowa, a nawet zdania. Jak narysować tak oryginalną kompozycję dekoracyjną? Najpierw powinieneś narysować szkic. Nakreśl kubek oraz gazetę, które będą leżały w tle. Następnie musisz podzielić rysunek według tonów. Na przykład kawa w kubku powinna być najbardziej nasycona tonem, na drugim miejscu znajduje się padający cień, a na trzecim własny. W ten sposób możesz podzielić cały szkic liniami. Następnie, jeśli jesteś pewien swoich umiejętności, możesz zamalować rysunek długopisem żelowym, a jeśli obawiasz się, że coś nie wyjdzie, najpierw wykonaj podmalowanie liter ołówkiem. Jednak w tym przypadku będziesz musiał obrysować litery tuszem. Długopis żelowy słabo rysuje ołówkiem. Litery należy rozmieszczać zgodnie z kształtem przedmiotów. I zdecydowanie musisz bawić się wysokością i szerokością. Jedno słowo może być bardzo wąskie, podczas gdy inne jest dwa lub trzy razy większe. Możesz zaszyfrować niektóre frazy na takim obrazku lub możesz wpisać dowolne słowa.
Słowo „martwa natura” pochodzi od francuskiego wyrażenia „nature morte” i oznacza umartwioną lub martwą naturę. Wydaje mi się jednak, że lepiej oddaje istotę tego typu sztuki Wyrażenie angielskie„martwa natura” - „nieruchome, zamarznięte życie”. Przecież w swej istocie martwa natura to nic innego jak uchwycony fragment życia.
Zbierając materiał do tego artykułu, napotkałem pewne trudności. Na pierwszy rzut oka fotografowanie martwej natury jest tak proste, jak obieranie gruszek. Postawiłam filiżankę na stole, dodałam do niej kilka szczegółów, ustawiłam światło i nacisnęłam migawkę. Modele są zawsze pod ręką, czas na zdjęcia nieograniczony. Wygoda i minimalne koszty. Dlatego początkujący fotografowie uwielbiają ten gatunek. A niektórzy nawet osiągają bardzo ciekawe wyniki. Wejdź na dowolną stronę internetową o tematyce fotograficznej, wybierz odpowiednią sekcję i podziwiaj naprawdę wspaniałe zdjęcia. Ale czas mija i wiele osób ma pytania: "Po co to filmować? Komu to potrzebne? Co ja z tego będę mieć?" Nie znajdując odpowiedzi na te pytania, wielu decyduje się na fotografię ślubną, dziecięcą lub zwierzęcą, która zapewnia określony dochód. Martwa natura nie jest szczególnie szanowana przez mistrzów fotografii. To nie jest dochodowy biznes. Jeśli cokolwiek może przynieść, to tylko satysfakcję estetyczną. I od czasu do czasu fotografują martwą naturę, że tak powiem, aby doskonalić swoje umiejętności.
Ale są tacy, którzy widzą w martwej naturze coś więcej niż tylko piękne zdjęcie. Właśnie tym mistrzom martwej natury dedykuję swój artykuł.
Przyznam, że na początku chciałem dokonać selekcji prac fotografów, których lubię i którzy słusznie zajmują pierwsze miejsca w rankingach na różnych portalach fotograficznych. I wtedy pojawiło się pytanie: „dlaczego?” Każdy wie, jak korzystać z Internetu, większość przynajmniej raz studiowała strony ze zdjęciami najlepsze prace są znajome, a informacje o interesującym ich fotografie zawsze można znaleźć za pomocą wyszukiwarki. Postanowiłam porozmawiać o Fotografach Specjalnych - tych, których twórczość wywraca do góry nogami uznane kanony, którzy naprawdę wnieśli coś nowego do fotografii martwej natury, którym udało się dostrzec coś niezwykłego w zwykłych rzeczach. Można inaczej potraktować ich twórczość: podziwiać ją lub odwrotnie – nie akceptować. Ale na pewno ich twórczość nie może pozostawić nikogo obojętnym.
1. Cara Barer
Kara Barer (1956), fotografka ze Stanów Zjednoczonych, wybrała jeden temat do zdjęć – książkę. Przekształcając je, tworzy niesamowite rzeźby książkowe, które fotografuje. Jej zdjęcia można oglądać bez końca. W końcu każdy taki jest rzeźba książkowa niesie ze sobą pewne znaczenie i to niejednoznaczne.
2. Guido Mocafico
Szwajcarski fotograf Guido Mocafico (1962) w swojej twórczości nie ogranicza się do jednego tematu. Interesują go różne przedmioty.
Ale nawet podejmując jeden temat, otrzymuje niesamowite prace. Jego cykl „Ruch” jest znany. Wydaje się, że mechanizmy zegarka są po prostu przejęte, ale każdy z nich, jeśli przyjrzysz się uważnie, ma swój własny charakter.
Jak wiadomo, w martwych naturach ” przyroda nieożywiona W swoim cyklu „Węże” Guido Mocafico złamał tę zasadę i podjął temat martwej natury Żyjąca istota. Węże zwinięte w kłębek tworzą niesamowity, jasny i niepowtarzalny obraz.
Ale fotograf tworzy także tradycyjne martwe natury, fotografując je Holenderski styl oraz wykorzystywanie prawdziwie „przedmiotów nieożywionych” jako rekwizytów.
3. Carla Kleinera
Szwedzki fotograf Karl Kleiner (1983) w swoich martwych naturach wykorzystuje najzwyklejsze przedmioty, układając je w fantazyjne obrazy. Fotografie Karla Kleinera są kolorowe, graficzne i eksperymentalne. Jego wyobraźnia jest nieograniczona, wykorzystuje ją absolutnie różne materiały od papieru po jajka. Wszystko, jak mówią, idzie do pracy.
4. Charlesa Grogga
Martwe natury Amerykanina Charlesa Grogga wykonane są w czerni i bieli. Fotograf używa również zwykłych artykuły gospodarstwa domowego dostępny w każdym domu. Ale eksperymentuję z ich układaniem i łączeniem niezwykłe kombinacje, fotograf tworzy naprawdę fantastyczne zdjęcia.
5. Chema Madoz
Jestem pewien, że prace Chemy Madoza (1958), fotografa z Hiszpanii, są znane wielu osobom. Jego czarno-białe martwe natury, wykonane w surrealistycznym stylu, nie pozostawiają nikogo obojętnym. Wyjątkowe spojrzenie fotografa na zwykłe rzeczy jest niesamowite. Dzieła Madosy są pełne nie tylko humoru, ale także głębokiego znaczenia filozoficznego.
Sam fotograf twierdzi, że jego zdjęcia powstały bez żadnej obróbki cyfrowej.
6. Marcin Klimas
Photoshopa nie ma także w pracach Martina Klimasa (1971), fotografa z Niemiec. Tylko krótki, a raczej bardzo krótki czas otwarcia migawki. Jego specjalnie opracowana technika pozwala uchwycić wyjątkowy moment, którego ludzkie oko nie jest w stanie dostrzec. Martin Klimas fotografuje swoje martwe natury w całkowitej ciemności. Za pomocą specjalnego urządzenia lampa błyskowa włącza się na ułamek sekundy w momencie zniszczenia obiektu. A kamera uchwyciła Cud. Oto tylko wazony z kwiatami!
7. Jan Czerwiński
Amerykanin John Czerwinski (1961) jest naukowcem zajmującym się fizyką stosowaną. A jego martwe natury są swego rodzaju mieszanką nauki i sztuki. Tutaj nie zrozumiesz: albo martwa natura, albo instruktaż w fizyce. Tworząc swoje martwe natury, Jan Czerwiński wykorzystuje prawa fizyki, uzyskując niezwykle ciekawe rezultaty.
8. Daniela Gordona
Daniel Gordon (1980), fotograf z Ameryki, nie przejmuje się kwestiami naukowymi. Fotografując martwe natury wybrał inną drogę. Drukuje kolorowe zdjęcia pobrane z Internetu, zgniata te kartki papieru, a następnie je w nie zawija różne przedmioty. Okazuje się, że coś takiego rzeźby z papieru. Jasne, piękne, oryginalne.
9. Andrew B. Myersa
Martwych natur Andrew Myersa (1987), fotografa z Kanady, nie da się pomylić z żadnymi innymi – są zawsze rozpoznawalne. Proste, delikatne, spokojne tło, dużo pustej przestrzeni, co stwarza wrażenie wypełnienia obrazu światłem i powietrzem. Do tworzenia martwych natur wykorzystuje najczęściej przedmioty z lat 70. i 80. Jego prace są graficzne, stylowe i wywołują pewną nostalgię.
10. Reginy DeLuise
Regina DeLuise (1959), fotografka z USA, do tworzenia swoich prac nie korzysta ze sprzętu fotograficznego typu lustrzanka. Wybrała inną metodę – drukuje negatywy z kliszy na specjalnym, szmatowanym papierze. Jej obrazy poetyckie zawierają szeroką gamę tonów i wiele tekstur. Martwe natury są bardzo delikatne i poetyckie. Niesamowita gra świateł i cieni.
11. Bohchang Koo
Bohchang Ku (1953), fotograf z Korea Południowa, woli biały kolor. Martwe natury, które stworzył – białe na białym – są po prostu niesamowite. Są nie tylko piękne, ale także mają określone znaczenie - zachowanie starożytności Kultura koreańska. W końcu fotograf specjalnie podróżuje po całym świecie, szukając obiektów w muzeach dziedzictwo kulturowe swojego kraju.
12. Chen Weia
Z kolei Chen Wei (1980), fotograf z Chin, inspirację do swoich prac czerpie blisko domu. Przedstawiając dziwne przestrzenie, sceny i przedmioty, wykorzystuje rekwizyty, które inni wyrzucili na wysypiska śmieci.
13. Alejandra Laviada
Alejandra Laviada, fotografka z Meksyku, w swoich fotografiach wykorzystuje zniszczone i opuszczone budynki, tworząc martwe natury ze znalezionych tam przedmiotów. Jej martwe natury opowiadają prawdziwe historie o ludziach, którzy mieszkali w tych budynkach i używali pozostawionych rzeczy jako niepotrzebnych.
Czarno-białą martwą naturę można malować na różne sposoby. Może wyglądać jak standardowy szkic ołówkiem lub ciekawa ilustracja kropek lub liter. Dzisiaj porozmawiamy o różnych technikach, które możesz łatwo powtórzyć w domu.
Wzór w kropki
Czarno-biała martwa natura jest najczęściej dekoracyjna. Dlaczego? Tak, ponieważ wygląda to tak korzystnie. Realistyczny obraz, pozbawiony koloru, może wyglądać odpowiednio, jeśli jest to portret, ilustracja lub coś podobnego z wieloma szczegółami. Realistyczna martwa natura nie jest zbyt interesująca. Dlatego wielu artystów preferuje dzieła dekoracyjne. Martwa natura w czerni i bieli jest bardzo prosta do narysowania. Najpierw musisz zbudować kompozycję. Możesz czerpać z życia, co będzie łatwiejsze, lub możesz wymyślić oprawę w swojej wyobraźni. W naszym przypadku na stole stoi dzbanek i miska jabłek. Na ścianie wisi kokarda i draperia. Kiedy już znajdziemy na arkuszu odpowiednie miejsce na to wszystko i dopracujemy szczegóły, możemy przystąpić do dzielenia obiektów na części. Co więcej, nie należy tego robić w sposób chaotyczny, ale jasno przemyślany, tak aby białe części sąsiadowały z czarnymi i nie stracił ani jednego elementu.
Rysowanie linii
Czarno-białą martwą naturę można namalować różnymi technikami. Jednym z nich jest przedstawienie rysunku za pomocą linii. Aby narysować taki obraz, musisz wziąć obiekty o wyraźnie określonej teksturze. Jeśli tak nie jest, trzeba będzie wymyślić ulgę. Musisz zacząć rysować czarno-białą martwą naturę, budując kompozycję. Najpierw zarysowujemy wszystkie obiekty. W naszym przypadku jest to kubek z kwiatami, jabłkami i drewnianym stołem. Gdy wszystkie obiekty zajmą już swoje miejsca, zaczynamy opracowywać kształt, a następnie szczegóły. Ostatnią czynnością jest obraz tekstury. Kubek zyskuje poziome paski, kwiaty i jabłka - ściętą obwódkę. Konieczne jest pokazanie tekstury stołu. W martwej naturze wskazane jest łączenie linii poziomych i pionowych, aby obiekty nie łączyły się, ale wyróżniały na tle innych.
Wideo na ten temat
Rysunek listu
Ten obraz będzie wyświetlany jako czarno-biała grafika. Martwa natura składa się z liter, które płynnie zamieniają się w słowa, a nawet zdania. Jak narysować tak oryginalną kompozycję dekoracyjną? Najpierw powinieneś narysować szkic. Nakreśl kubek oraz gazetę, które będą leżały w tle. Następnie musisz podzielić rysunek według tonów. Na przykład kawa w kubku powinna być najbardziej nasycona tonem, na drugim miejscu znajduje się padający cień, a na trzecim własny. W ten sposób możesz podzielić cały szkic liniami. Następnie, jeśli jesteś pewien swoich umiejętności, możesz zamalować rysunek długopisem żelowym, a jeśli obawiasz się, że coś nie wyjdzie, najpierw wykonaj podmalowanie liter ołówkiem. Jednak w tym przypadku będziesz musiał obrysować litery tuszem. Długopis żelowy nie rysuje dobrze ołówkiem. Litery należy rozmieszczać zgodnie z kształtem przedmiotów. I zdecydowanie musisz bawić się wysokością i szerokością. Jedno słowo może być bardzo wąskie, podczas gdy inne jest dwa lub trzy razy większe. Możesz zaszyfrować niektóre frazy na takim obrazku lub możesz wpisać dowolne słowa.
Źródło: fb.ru
Aktualny
Różnorodny
Różnorodny
W programie dla dzieci Szkoła Artystyczna Dyscyplina „Rysunek” jest uważana za podstawową. Rysujemy dużo i poważnie. Jest to głównie praca nad martwą naturą – od pierwszej do ostatniej klasy rysowanie martwej natury jest główną formą nauczania. W efekcie studenci męczą się długimi sesjami akademickimi i tracą zainteresowanie tą dyscypliną. Aby aktywować kreatywność proces poznawczy, już od pierwszej klasy zaczynam wprowadzać zadania do obróbki martwej natury techniką grafiki czarno-białej. A ponieważ w pierwszej klasie podział na rysunek i kompozycję jest bardzo warunkowy, zadania z kompozycji mają także charakter graficzny i pomagają uczniom zrozumieć prawa i zasady tej techniki. Z każdym rokiem studiów stopień złożoności zadań staje się coraz bardziej złożony, pojawia się zmienność, swoboda wyboru i indywidualne preferencje studentów. Ale podstawowe zasady obraz graficzny- rytm czarno-białych plam, wyrazistość linii i sylwetki, integralność i uogólnienie pozostają i są z biegiem czasu doskonalone aż do automatyzmu. Opanowanie techniki grafiki czarno-białej pomaga dziecku umiejętnie zorganizować kompozycję (czy to malarską, rysunkową, sztalugową czy dekoracyjną) i osiągnąć wyrazistość obraz artystyczny ogółem i czytelność cech poszczególnych elementów. Dlatego wszyscy w szkole zadania edukacyjne zacznij od opracowania czarno-białej wersji szkicu - podstawy do dalszej udanej pracy.
Co to jest grafika? Grafika to rodzaj sztuki pięknej, który obejmuje rysunek i drukowane typy dzieła sztuki, bazujące na sztuce rysunku, ale posiadające własne środki wizualne i możliwości wyrazu. Termin „grafika” pochodzi od greckiego czasownika grapho – piszę, rysuję, rysuję i pierwotnie był używany wyłącznie w odniesieniu do pisma i kaligrafii, ale już na przełomie XIX i XX wieku. w związku z rozwojem produkcji poligraficznej nabrało ono nowego znaczenia. Grafikę zdefiniowano jako sztukę opartą na linii i kontraście czarnego obrazu i białego papieru. Jako główny Dzieła wizualne Oprócz linii konturowej w grafice zastosowano kropkę, kreskę i plamkę. Istnieje jedenaście możliwości łączenia elementów graficznych:
linia i punkt;
linia i udar;
punkt i linia;
kropka i obrys;
plamka i udar;
plamka i kropka;
punkt, linia i miejsce;
kropka, linia i obrys;
punkt, kropka i obrys;
linia, punkt i obrys;
kropka, linia, punkt i obrys;
Posiadanie takiego zestawu wyraziste środki grafiki, studenci mają nieograniczone możliwości twórcza ekspresja siebie. Ale najczęściej dzieci pracują w wersji graficznej liniowej lub punktowej.
Grafika liniowa jest najbardziej zrozumiała dla dziecka, szczególnie podoba się uczniom klasy młodsze. Jest jednocześnie najbardziej dekoracyjna, gdyż różnorodność linii w połączeniu z licznymi fakturami pozwala na tworzenie indywidualnych kompozycji opartych na martwej naturze.
Grafika liniowa jest ściśle związana z przeniesieniem objętości i faktury przedstawianych obiektów. Przedszkolaki mają za zadanie wymyślić różne tekstury, a w pracy graficznej muszą być one różne środki techniczne potrafić oddać tekstury drewna, szkła, futra, liści itp. Oczywiście w zależności od wieku uczniów stopień warunkowości faktur powinien być zróżnicowany. Zadania rysunkowe wykonywane są tuszem, długopisem lub długopisem żelowym.
Grafika punktowa jest najbardziej rygorystyczna, najbardziej integralna i uogólniona; pracując w tej technice, dziecko wykonuje ogromną pracę analityczną, przekształcając przestrzeń trójwymiarową w przestrzeń dwuwymiarową, identyfikując płaskie cechy obiektów i wyrazistość ich sylwetek. Trudność wykonania grafiki punktowej polega na tym, że w martwej naturze dziecko widzi nie tylko światło i cień, ale także masę półtonów, które musi świadomie uogólnić na białe lub czarne plamy. Następnie plamy grupuje się w jedną grupę, w której uwaga skupia się na charakterze ich relacji przestrzennych i wagowych. Na lekcjach stale powtarzam, że wewnątrz arkusza należy monitorować proporcje masy czerni i bieli oraz rytm naprzemiennych elementów czerni i bieli - tzw. „zasada domina”. To właśnie w grafice spotowej studenci najmniej angażują się w czerpienie z życia, ale pracują nad świadomym doborem elementów zbędnych, doborem plam pod względem wagi i charakteru, przez strukturę kompozycji, która z pewnością w takim czy innym stopniu prowadzi do uogólnionego postrzegania scenerii i całościowej konstrukcji kompozycja graficzna. Termin „selekcja” powinien biec jak czerwona nić przez całą pracę nad graficzną wersją martwej natury.
Kolejnym typem obróbki graficznej martwej natury jest grafika w trzech tonacjach – czerni, bieli i szarości. Co więcej, szary może być prostym kolorem lub można go zastąpić dowolną teksturą (na przykład suchym pędzlem). Technika ta jest uważana za bardziej złożoną, dodaje różnorodności proces edukacyjny i pozwala oderwać się od dwuwymiarowości przestrzeni i objętości.
Poprzez obróbkę graficzną martwej natury, oprócz metod jej przedstawiania, uczniowie rozwijają także twórcze myślenie związane z przeniesieniem przestrzeni. Przestrzeń może być liniowo-powietrzna lub semantyczna. Zadania perspektywa liniowo-powietrzna rozwiązywane są w trakcie realizacji edukacyjnych przedstawień edukacyjnych, a uczniowie sami tworzą przestrzeń semantyczną: pracują z formatem i skalą obrazu, podkreślają centrum kompozycji, buduj plany semantyczne, a nie przestrzenne.
Polegając na Twoim Doświadczenie nauczycielskie, zauważyłem, że grafiki martwej natury są bardzo atrakcyjne dla uczniów szkół artystycznych, chętnie poddają się jakiejkolwiek obróbce graficznej. W realizacji pomagają im konwencje języka graficznego, jego wyrazistość, lakoniczność i dekoracyjność kreatywne pomysły nie tylko w rysunku, ale także w kompozycji i malarstwie dekoracyjnym.
Stopień konwencjonalności i płaskości obrazu ma kilka poziomów złożoności:
1. Wzór tonalny z plamką.
2. Rysunek tonalny pociągnięciem z przeniesieniem światła i cienia oraz faktury.
3. Wzór tonalny z plamką podkreślającą kontur.
4. Rysowanie linii: przerywana, kropkowana, ciągła.
5. Kontrastowy czarno-biały wzór.
6. Rysowanie sylwetki o różnym stopniu rozwoju objętości.
Klasyfikacja ta jest dość zwięzła, ale daje jasne zrozumienie sekwencji prac od rysunku wolumetryczno-przestrzennego po stylizację sylwetki. Konwencje języka graficznego, jego wyrazistość, lakoniczność i dekoracyjność pomagają uczniom szkół artystycznych w realizacji twórczych pomysłów nie tylko w rysunku, ale także w kompozycji.