Czym jest dynamika w kompozycji. dynamiczna kompozycja. Centra kompozycyjne i geometryczne kompozycji

18.11.2021

Im większy dynamizm w obrazach fotograficznych, tym większy wpływ wywierają na widza: jest w nich dużo ruchu, życia, dramaturgii. Zastanówmy się wspólnie, co trzeba zrobić, aby Wasze prace fotograficzne, a będziemy rozmawiać o pejzażach, były pełne dynamiki.

Zawsze przyciągają nas fotografie, które uchwyciły jakieś szczególne momenty z życia, w których autor przykuwa naszą uwagę, zmuszając nas do skupienia wzroku widza na jego pracy. Tutaj efekt „co jest” uruchamia się, gdy po raz pierwszy widzimy coś nowego, niezwykłego, oryginalnego.

Odwiedzając różne znane strony fotograficzne, przeglądając prezentowane tam prace, można znaleźć wiele podobnych fotografii przedstawiających obrazy natury. Choć będą przedstawiać widoki różnych miejscowości, to i tak na swój sposób będą najczęściej nudne i monotonne w swej treści. Najbardziej udane ujęcia zawsze uchwycą coś wyjątkowego, czego nigdy byś nie przegapił, gdybyś zrobił to w prawdziwym życiu. Innymi słowy, zdjęcia, które są dosłownie podziwiane, są pełne dokładnie tego, co nazywamy dynamizmem.

Czym jest dynamika w fotograficznym krajobrazie?

Jakie są zatem cechy zdjęć krajobrazowych, które nazywamy dynamicznymi?

Na przykład kręcimy przypływ lub lekko wzburzone morze. Aby oddać dynamikę tego naturalnego zjawiska, możesz po uprzednim ustawieniu aparatu zgodnie z potrzebami, zgodnie z warunkami oświetleniowymi i wszystkim innym, zamontować go na statywie i zrobić nie jedno, ale serię zdjęć na raz. I wtedy w efekcie wszystkie fale wzięte w ruch, rzutowane na jeden kadr, zdają się mieszać ze sobą, a na fotografii otrzymamy ich dynamiczny i żywy obraz. Jeśli zwrócimy się do Wikipedii, jednego z najpopularniejszych źródeł informacji, to możemy tam znaleźć interesujący nas materiał na temat dynamiki obrazu krajobrazu, ale jest to tylko osobista opinia jednego ze znawców to pole.

Wyraźmy własne przemyślenia na ten temat.

Pokaz niestrudzonej i wielkiej energii natury, nieustannie zmieniającej się i przekształcającej - czyli naszym zdaniem dynamika w obrazie krajobrazu. Oglądając dynamiczne obrazy, wydaje się, że obserwujemy efekt 3D, ponieważ są to obrazy niezwykle głębokie i pojemne w swojej treści. Wydają się wykraczać poza zwykły płaski obraz, nabierają objętości. Po raz pierwszy określenie „Dynamiczny obraz krajobrazów” pojawia się u Galena Rowella (Galen Rowell). Ten wspaniały pejzażysta tak opisał swoją twórczość powstałą na początku lat 70. XX wieku.

Oczywiście inni mistrzowie fotografii pejzażowej w tym czasie również wykonywali zdjęcia ciekawe z punktu widzenia dynamiki, ale to właśnie dzięki Rowellowi termin „krajobraz dynamiczny” narodził się i zaczął być często używany. Stał się swego rodzaju znakiem rozpoznawczym tego mistrza, jego znakiem rozpoznawczym. Dynamiczny pejzaż jest wręcz utożsamiany z jego twórczością.

Dynamiczna kompozycja

Podobnie jak w innych gatunkach sztuk pięknych, podstawą każdej dobrej pracy fotograficznej jest kompozycja. Niezależnie od tego, czy przedstawiona jest na nim dynamiczna scena, czy inna, jest to udana kompozycja, która sprawia, że zatrzymujemy naszą uwagę na obrazie i przytrzymujemy go wystarczająco długo.

Łatwo jest tworzyć dynamiczne krajobrazy, których fabuła kojarzy się z obrazem morza. Doskonale łączą wszystkie elementy charakterystyczne dla dynamicznego obrazu, a mianowicie:

linie malejące i rosnące;
Dobrze zaprojektowana perspektywa;
Atrakcyjne wizualnie obiekty planu pierwszego.
Ciekawa i efektowna aranżacja linii horyzontu, a także zapadające w pamięć pejzażowe tło.
Jasny kolor i jasne rozwiązanie obrazu;
Harmonijne połączenie kolorów, które określają główny schemat kolorystyczny i winietowanie.
Wizualizacja ruchu.

Najczęściej fotografowi rzadko udaje się osiągnąć połączenie tych wszystkich elementów w jednej pracy. W prawdziwym życiu cechy charakterystyczne dla dynamizmu są spotykane przez cały czas. Na każdej fotografii przedstawiającej naturalny krajobraz z pewnością znajdziesz przynajmniej jeden element. A jeśli jest ich kilka, można to uznać za szczęście. Sukces autora pracy.

Naszym celem nie jest podawanie jasnych instrukcji tworzenia dobrych fotografii. W końcu fotografia to jedna z form sztuki, a w sztuce, jak wiadomo, wszystko opiera się na drobiazgach. Aby dostrzegać te drobiazgi i dzięki nim tworzyć dzieła sztuki fotograficznej, potrzebny jest dar od Boga, twórcze podejście autora do tworzenia obrazów i oczywiście praca, praca i jeszcze raz praca, która zapewnia stopniowe gromadzenie cenne doświadczenie praktyczne. Dlatego podane przez nas zalecenia dotyczące tworzenia wysokiej jakości dynamicznych ujęć mogą jedynie pomóc w określeniu ścieżki, którą sam musisz podążać na wyżyny doskonalenia swojego unikalnego pisma, techniki i umiejętności.

Teraz chciałbym bardziej szczegółowo omówić każdy z elementów, które przyczyniają się do stworzenia dynamicznego ujęcia krajobrazu.

Wznoszące się i opadające linie w dynamicznym krajobrazie

Pierwszą rzeczą, która pomaga zwrócić uwagę widza na zdjęcie, jest użycie na fotografii zbieżnych, wznoszących się i opadających linii.

Zbiegające się linie od dawna są używane przez artystów w malarstwie i grafice do tworzenia wrażenia głębi w przestrzeni (nazywa się to perspektywą liniową) na dwuwymiarowym obrazie.

Dlatego mistrzowie fotografii często wykorzystują sceny przedstawiające pomosty, rzeki, drogi. Pomimo pewnych stereotypów na obrazie tych obiektów, musisz umieć poprawnie zastosować technikę umieszczania tych obiektów w kompozycji obrazu podczas przedstawiania krajobrazu. Należy więc pamiętać, że wznoszące się linie pomagają utrzymać uwagę widza na zdjęciu, zwracając na nie szczególną uwagę.

Na przykład zdjęcie pomostu zawiera zarówno linie wznoszące, jak i opadające. Zwróć uwagę, jak wyraźne i proste linie mola pędzą w niebo, a jednocześnie linie chmur są skierowane w dół. Możemy zaobserwować, jak wszystkie linie na takim obrazie zbiegają się na linii horyzontu, przez co punkt zbiegu tych linii staje się przedmiotem naszej szczególnej uwagi. Tutaj możemy polecić fotografowanie linii stworzonych przez człowieka, aby nauczyć się szukać cieńszych linii w naturze. Tak, rzeczywiście, molo jest centrum kompozycyjnym całego obrazu, a także źródłem głównych linii, ale można tu również zaobserwować szereg innych linii utworzonych za pomocą wody, wzgórz, chmur. Tak więc w odbiciu wody widzimy ciemne linie, które pomagają skierować nasz wzrok na centralną część zdjęcia.

Za co płacą fotografowie? Za jego świeże spojrzenie na rzeczywistość, za umiejętność odkrywania przed nami tego, czego sami nie możemy zobaczyć w prawdziwym życiu, a ponadto nie mamy na to czasu. Dlatego fotograf musi pokazywać świat w niezwykłym świetle. Aby osiągnąć ten cel, spróbuj znaleźć niezbędny kąt do strzelania. Tak więc zdjęcia wykonane w warunkach, gdy podczas fotografowania leżysz na ziemi, w błocie lub śniegu, są zazwyczaj bardziej dynamiczne. Jest to szczególnie widoczne podczas fotografowania ultraszerokokątnym obiektywem, dzięki czemu zauważamy nawet najmniejsze linie pomocnicze na zdjęciu. Podczas fotografowania tego samego obiektu z poziomu oczu linie te nie będą już widoczne.

Ciekawe zdjęcia uzyskuje się fotografując od góry. Jeśli wejdziesz na drzewo lub staniesz na ramionach przyjaciela, będziesz miał okazję znaleźć interesującą perspektywę. Szczególnie wspaniałe, z reguły, zdjęcia wykonane w ten sposób przy użyciu teleobiektywu.

Pierwszoplanowy

Na pierwszym planie dynamicznych ujęć dobrze jest umieścić znaczące, mocne elementy kompozycji. Uzupełnią postrzeganie całego obrazu. Weźmy na przykład zdjęcie przedstawiające zachód lub wschód słońca. Zwykle w przyrodzie ten moment jest bardzo piękny - różowe lub nawet czerwone chmury przebijają się przez ich bezpośrednie światło słoneczne. Wszystko to jest dość pięknie uzyskane na zdjęciach. Ale trzeba przyznać, że widza nie przyciągnie obraz, że tak powiem, „zachodu słońca w najczystszej postaci” - to znaczy tylko chmury na niebie. Jest jeszcze coś, co należy uwzględnić w kompozycji.

Fotografia dynamiczna wymaga ciekawego pierwszego planu. To zadanie jest ważne, a czasem dość trudne dla fotografa. Element pierwszego planu dopełnia kompozycję. Dlatego musisz znaleźć coś, co wypełni pierwszy plan Twojego ujęcia. Jeśli ten obiekt zostanie odpowiednio dobrany i wprowadzony w płaszczyznę kadru, dynamika obrazu znacznie wzrośnie, a Ty zrobisz kolejny krok w kierunku sukcesu.

Związek między elementami pierwszego planu i tła

W kinie są role pierwszego planu i drugiego planu. W filmie cała fabuła opiera się na relacji głównych bohaterów obrazu. Ale gdyby główni bohaterowie nie zostali wyzwoleni przez bohaterów drugiego planu, to stworzone przez nich obrazy nie byłyby tak jasne i wyraziste. Podobnie elementy kompozycji w dynamicznym krajobrazie. Elementy pierwszego planu i tła wzajemnie na siebie wpływają, oddziałują na siebie. Na przykład, jeśli w tle krajobrazu jest zachód słońca w górach, to na pierwszym planie będzie dobrze wyglądać albo blask słońca grający na strumieniu górskiej rzeki, albo zawalenie się pięknych kamieni.

Spektrum kolorów

Ważną rolę w tworzeniu pięknej i harmonijnej kompozycyjnie oprawy niewątpliwie odgrywa kolorystyka. Wszelkie naturalne kolory wyglądają naturalnie w naturalnym świetle. Jeśli naprawdę chcesz, aby kolory były bardzo jasne, musisz być w stanie odpowiednio je zrównoważyć. A w przypadku, gdy nie można osiągnąć pożądanej równowagi jasnych kolorów, lepiej po prostu wykluczyć taki kolor z kadru. Niektórzy początkujący fotografowie często celowo wprowadzają do zdjęcia różne jasne plamy światła lub koloru. Ale to powoduje nadmierną różnorodność i nie zawsze wygląda dobrze. Dlatego w dynamicznej kompozycji kadru musi być zachowany właściwy balans kolorów. Najlepiej unikać dużej liczby odcieni.

Winietowanie

Winietowanie można nazwać blokadą widzenia. W ujęciach winietowanych pierwszą rzeczą, na którą zwraca uwagę widz, jest główny element kompozycji ujęcia. Koncentracji uwagi w tym przypadku dobrze sprzyjają ciemne krawędzie obrazu. Jeśli spojrzysz na takie zdjęcia, zauważysz ten efekt akcentu wizualnego. Winietowanie można wykonać na wiele sposobów. Na przykład przy użyciu specjalnego filtra lub podczas przetwarzania w edytorach graficznych. Pozwala to na wykonanie wielu, nawet prostych programów. Na przykład samotna biała chmura otoczona ciemnymi krawędziami winietowanej ramki na delikatnym błękitnym niebie wygląda dobrze.

Przeniesienie ruchu

Ruch nie zawsze jest niezbędnym elementem dynamicznego krajobrazu. Ale czasami bardzo pożądane. Ruch można przekazać poprzez rozmycie dowolnego obiektu, elementu kompozycji. Rozmycie uzyskuje się przez zastosowanie długich czasów otwarcia migawki. Jeśli usuniesz przepływ wody w trybie priorytetu przysłony, woda okaże się zamrożona, jakby zatrzymana na czas. Na przykład, jeśli zrobisz zdjęcie przy długim czasie otwarcia migawki ogromnemu głazowi, który leży w burzliwym strumieniu płytkiej górskiej rzeki, ten statyczny ciemny obiekt na środku zdjęcia będzie aktywnie skupiał się na stojącej wodzie. A to da obrazowi dodatkową dynamikę. Świetnie sprawdzi się tu szeroka gama kolorystyczna – woda, kamień, niebo, roślinność nad brzegiem rzeki… Faktura powierzchni kamienia sprawi, że będzie on dominującym elementem w tej kompozycji. Tutaj możesz również zastosować winietowanie.

Czarno-biały dynamiczny krajobraz

Czy dynamiczny krajobraz może być monochromatyczny, czarno-biały? Dlaczego nie? Oczywiście, że może. Klasycy fotografii mają wiele takich zdjęć. Fotografia czarno-biała doskonale oddaje kontrast, korzystnie podkreśla ruch i dynamikę. Ale braku koloru w fotografii trzeba się nauczyć, żeby coś zrekompensować. Aby to zrobić, będziemy musieli trochę poważniej popracować nad innymi wyrazistymi środkami dynamicznego krajobrazu. O tych środkach wyrazu mówiliśmy już dzisiaj. Za pomocą czarno-białych kolorów i ich odcieni musisz nauczyć się przekazywać teksturę i teksturę fotografowanych obiektów. W takich obrazach główny element kompozycji ma ogromne znaczenie.

Stworzono wiele czarno-białych dynamicznych krajobrazów. Wszystkie wypełnione są ruchem. Wystarczy spojrzeć na różne strony ze zdjęciami, a zobaczysz je. Poszukaj na przykład świetnych ujęć Hengkiego Koentjoro lub Mitcha Dobrownera. Prace tych autorów są po prostu hipnotyzujące. Warto się od nich uczyć.

Czy krajobrazy niedynamiczne mogą być atrakcyjne?

Oczywiście, że mogą! Możesz uzyskać najlepsze zdjęcia natury i ogólnie krajobrazów, nawet jeśli nie zastosujesz się do żadnej z naszych dzisiejszych zaleceń. Dynamika w fotograficznym krajobrazie to tylko jeden z wielu sposobów na oddanie stanu natury, otoczenia. Statyczne, spokojne zdjęcia są również bardzo piękne i harmonijne. Ponieważ fotografię zasadniczo ogranicza jej dwuwymiarowość, efekt statyczności uzyskuje się tu stosując zupełnie inne zasady. W tym przypadku działają zupełnie inne prawa niż przy przekazywaniu dynamiki. Ale - statyka w krajobrazie - to temat na osobne omówienie, na osobny artykuł.

Na podstawie materiałów ze strony:

Każdy z nas, patrząc na fotografię, chce znaleźć w niej coś wyjątkowego, niepowtarzalnego, coś, co sprawi, że spojrzysz na to zdjęcie. Człowiek we wszystkim stara się znaleźć różnorodność i oryginalność.
Jeśli spędzisz godzinę lub dwie przeglądając strony ze zdjęciami, takie jak Flickr lub coś podobnego, znajdziesz wiele bardzo podobnych obrazów krajobrazów. Będą przedstawiać różne obszary, ale wszystkie łączy monotonia i nuda. Jeśli jednak spojrzysz na najlepsze ujęcia, zauważysz, że jest w nich coś wyjątkowego, te ujęcia oddają życie. Innymi słowy, zdjęcia, które z pewnością spodobają się ludziom, mają coś, co można nazwać dynamiczną naturą fotografii krajobrazowej.

Czym jest dynamika w obrazie krajobrazowym?

Letnia burza (Queenstown, Nowa Zelandia). Oto przykład dynamicznego obrazu krajobrazu. Aby zmaksymalizować liczbę elementów na tym dynamicznym obrazie, fotograf ustawił aparat, ustawił dobry czas otwarcia migawki i wykonał serię zdjęć. Wszystkie fale, które w tym czasie uderzyły w brzeg, zdawały się mieszać ze sobą i tworzyć ostateczny obraz.
Nawet na Wikipedii jest artykuł o dynamice w przedstawianiu krajobrazu, ale znowu jest to tylko osobista interpretacja i opis osobistych przemyśleń autora.
Moim zdaniem, dynamika w krajobrazie to zdolność do przekazywania energii natury, przekazywania jej mocy i siły. Często zdjęcia dynamiczne wychodzą poza zwykły obraz 2D, są głębokie, mocne, oglądanie ich sprawia wrażenie ujęcia 3D.
Termin „dynamiczny obraz krajobrazu” został po raz pierwszy ukuty przez znanego amerykańskiego fotografa krajobrazu Galena Rowella. Rowell użył tego terminu do opisania swojej pracy już na początku lat siedemdziesiątych. Oczywiście nie był jedynym pejzażystą tamtych czasów i nie jedynym pejzażystą, którego twórczość wyróżniała się dynamizmem, ale to Galen Rovell jest właścicielem tego terminu i stał się jego wizytówką, a Rovell zaczęto utożsamiać z wyrażenie „dynamiczny krajobraz”.

Dynamiczna kompozycja

Kompozycja jest podstawą każdej świetnej fotografii – dynamicznej czy nie, nie ma to znaczenia. Zdjęcia z dobrą kompozycją przyciągają uwagę, sprawiają, że zatrzymasz się przy tym zdjęciu, choćby na kilka sekund.

Wschód słońca nad głazami Moeraki, (Otago, Nowa Zelandia). Pejzaże morskie łatwo nadają się do tworzenia dynamicznych krajobrazów.
Ten obraz doskonale łączy w sobie wszystkie niezbędne elementy, które sprawiają, że obraz jest dynamiczny:

Linie rosnące i malejące;
Ciekawa perspektywa;
Ciekawe wizualnie obiekty na pierwszym planie;
Ciekawa wizualnie sylwetka na tle nieba i krajobrazu;
Jasny kolor i światło na zdjęciu;
Harmoniczna gama kolorów i winietowanie;
Obraz ruchu.

Warto zauważyć, że fotografowi rzadko udaje się zebrać wszystkie te cechy na jednym zdjęciu. Właściwie pojedynczo występują one cały czas, w fotografii krajobrazowej zawsze jest jeden z tych elementów, ale byłoby wielkim szczęściem mieć wszystko na raz.
Informacje zawarte w tym artykule nie powinny być traktowane jako jasne wskazówki dotyczące robienia dobrych zdjęć. Fotografia to sztuka, aby tworzyć piękne zdjęcia potrzebny jest talent, kreatywne podejście do biznesu oraz oczywiście doświadczenie i praktyka. Zalecenia podane do rozważenia mogą służyć jedynie jako wskazówki do rozwijania własnej techniki i umiejętności.
Rzućmy okiem na każdą tezę dotyczącą dynamicznej scenerii.

Linie rosnące i malejące

Jednym z najłatwiejszych sposobów zwrócenia uwagi widza na ujęcie jest użycie linii w kadrze. Zbiegające się linie były używane przez artystów od wieków do tworzenia iluzji głębi na obrazie w dwuwymiarowej przestrzeni.
Dlatego zdjęcia przedstawiające mola, drogi i rzeki cieszą się tak dużą popularnością i są udanym tematem do fotografii. Wiele osób uważa te obiekty w kadrze za raczej schematyczne, ale ważne jest, aby umieć właściwie korzystać z takich rzeczy podczas fotografowania krajobrazu.
Wznoszące się linie nie tylko zwracają uwagę na zdjęcie, ale także pomagają utrzymać je w oczach.

Queenstown, Nowa Zelandia. Zdjęcie molo łączy w sobie zarówno linie wznoszące, jak i opadające. Linie mola skierowane są ku niebu, natomiast linie chmur ku dołowi, w efekcie wszystkie linie na zdjęciu wizualnie zbiegają się na horyzoncie. Zwracamy tam naszą uwagę. Fotografuj linie stworzone przez człowieka, nauczą Cię szukać drobniejszych linii w naturze.

Pomimo tego, że molo jest centralnym obiektem na zdjęciu, będącym jednocześnie źródłem głównych linii w kadrze, jest też szereg innych stworzonych za pomocą wody, wzgórz i chmur. Ciemne linie w odbiciu wody pomagają utrzymać oko na środku zdjęcia.

Czy jesteś fotografem. Płacą ci za pokazanie ludziom czegoś więcej, niż sami mogą zobaczyć, co oznacza, że musisz pokazać świat w niezwykłym świetle.
Zdecydowanie zaleca się robienie zdjęć poza własną strefą komfortu. Jak pokazuje praktyka, zdjęcia zrobione na ziemi, śniegu czy błocie mają bardziej dynamiczną kompozycję.
Jest to szczególnie zauważalne podczas fotografowania ultraszerokokątnym obiektywem. Nawet najmniejsze linie pomocnicze stają się zauważalne podczas fotografowania tego samego krajobrazu, ale z pozycji stojącej te same linie stają się niewidoczne.
Spróbuj zrobić zdjęcie z góry. Bardzo atrakcyjnie wyglądają też zdjęcia wykonane z wysokości.. Spróbuj wspiąć się na drzewo lub stanąć na czyichś ramionach i poszukać ciekawej perspektywy. Szczególnie dobre są zdjęcia wykonane teleobiektywem, a nawet na wysokości.

Paddock Zatoka Jezioro Wanaka Nowa Zelandia. Aby zrobić to zdjęcie, fotograf musiał wyjść ze swojej strefy komfortu. Ale w zamian otrzymał wspaniały obraz skał i ich odbicia. Zwróć także uwagę na mocne linie obecne w tej ramce.

Elementy pierwszego planu

Wszystkie dynamiczne zdjęcia zawierają mocne elementy pierwszego planu, które uzupełniają całość obrazu.

Weźmy jako przykład zdjęcie zachodu słońca (lub wschodu słońca). Piękne promienie słońca, złote i czerwone chmury, wszystko to jest bardzo piękne i świetnie wygląda na zdjęciu. Ale jest mało prawdopodobne, aby widza przyciągnął obraz tylko oświetlonych chmur, tutaj chcę czegoś więcej.
Najlepsze zdjęcia akcji mają zwykle ciekawy pierwszy plan. Zadaniem fotografa jest uzupełnienie zdjęcia. Trzeba znaleźć coś, co dopełni Twoje zdjęcie na pierwszym planie, a jeśli ten element dodatkowo doda obrazowi dynamiki, to jest to gwarancja udanego, dynamicznego ujęcia.

Ciekawe wizualnie elementy tła

Elementy pierwszego planu i elementy tła w fotografii można określić jako aktorów pierwszego i drugiego planu w kinie. Oczywiście wszyscy podążają za głównym bohaterem, ale bez dobrze dobranej obsady drugoplanowej film nie okaże się tak ciekawy i przyjemny w oglądaniu, jak mógłby być.

Milford Sound, Fiordland Nowa Zelandia. W tym przypadku bohaterką fotografii jest dramatyczna gra świateł w chmurach nad hipnotyzującym Mitre Peak – elementy na pierwszym planie, które spajają fotografię.

Kolor i światło

Kolorystyka obrazu i odpowiednie oświetlenie odgrywają ważną rolę w tworzeniu harmonijnej, pięknej oprawy. Każdy kolor będzie wyglądał szczególnie pięknie w naturalnym świetle.. Zbyt jasne kolory powinny być zrównoważone lub całkowicie wykluczone z ogólnej kompozycji. Bardzo często ludzie skupiają się na zbyt różnorodnym kolorze lub jasnym świetle, wtedy jest to błędna decyzja.
Przy dynamicznym obrazie krajobrazu powinien istnieć balans kolorów, więc najlepiej unikać zbyt wielu odcieni.

Wschód słońca z góry Taranaki / Egmont, Nowa Zelandia. Na tym zdjęciu głównym celem było pokazanie rozproszonych promieni światła i bogatych kolorów w chmurach. Kolor to tylko jeden ze składników obrazu. Ciemne, tajemnicze wzgórza doskonale kontrastują z jasnymi chmurami.

Za mocny kolor. Niesamowicie jasny wschód słońca, tak jasny, że kolory na zdjęciu wyglądają nierealistycznie, chociaż tak naprawdę jedyną obróbką tego zdjęcia było zmniejszenie nasycenia koloru czerwonego.

blokada wzroku

Brzmi to jak nazwa ściśle tajnego amerykańskiego programu, ale w rzeczywistości jest to zwykłe winietowanie.
Podczas winietowania na zdjęciu centralny element kadru od razu rzuca się w oczy. Ciemne krawędzie na zdjęciu pomagają skupić się na centralnym obrazie. Zobacz wiele zdjęć, a zauważysz ten efekt w wielu ujęciach. Winietowanie występuje ze względu na cechy aparatu lub za pomocą specjalnego filtra. Najczęściej podczas obróbki graficznej zdjęcia dodawane jest lekkie przyciemnienie krawędzi zdjęcia.

Chmura poruszająca się donikąd, przez nieskończone przestrzenie nieba. Zdjęcie zostało zrobione w Nowej Zelandii. Doskonale łączy jasny, jasny środek i lekkie winietowanie na brzegu obrazu.

Ruch drogowy

Ruch przenoszony przez rozmycie lub długi czas otwarcia migawki jest opcjonalnym, ale zawsze bardzo miłym elementem dynamicznej fotografii krajobrazowej.
Lekka mgiełka lub mgła to strumień wody wystrzelony w trybie priorytetu przysłony przy długim czasie otwarcia migawki. Woda wygląda na nieco zamarzniętą, zatrzymaną w czasie.

Ta para środków harmonizacji służy do wyrażenia stopnia stabilności formy kompozytorskiej. Taka stabilność oceniana jest czysto emocjonalnie, w zależności od wrażenia, jakie forma wywiera na widzu. Wrażenie to może pochodzić od statycznego lub dynamicznego obiektu jako całości lub jego części.

Formy statyczne w zależności od wrażenia, jakie sprawiają, oceniane są jako wyjątkowo stabilne (kwadrat, prostokąt, sześcian, ostrosłup). Kompozycja złożona z takich form ma charakter monumentalny, statyczny. Główne typy form statycznych pokazano na rysunku 13.

1 Symetryczny 2 Metryczny 3 Lekki

elementy offsetowe

4 Dopasowanie równa się 5 Z lekkim 6 Z lekkim topem

elementy fazowane

7 Podział poziomy 8 Równy układ 9 Z dużymi elementami

elementy

10 Z dużym głównym 11 Symetryczny układ 12 Z wydatnym centralnym elementem elementów

Rysunek 13 - Główne typy formularzy statycznych

Kompozycję uważa się za statyczną, jeśli jest zbudowana zgodnie z prawami klasycznej symetrii.

formy dynamiczne są typowe dla kształtów wielu nowoczesnych ruchomych obiektów projektowych, przede wszystkim różnych poruszających się pojazdów. Często te formy faktycznie poruszają się w przestrzeni. Kompozycja dynamiczna opiera się na asymetrycznym rozwiązaniu i pewnej asymetrii. Główne typy formularzy dynamicznych pokazano na rysunku 14.

1 Przesunięty kształt 2 Rytmiczny charakter 3 Prostopadły

od środka osiami elementów

4 Równoległe 5 Lekkie dno 6 Zakrzywione

elementy

7 Artykulacja ukośna 8 Swobodny układ 9 Wydłużone elementy

elementy

10 Nachylony 11 Asymetryczny 12 Zawarty w otwartym

rozmieszczenie elementów rozmieszczenie elementów przestrzeni

Rysunek 14 - Główne typy formularzy dynamicznych

Praktyczne zadanie

1 Utwórz statyczną kompozycję na dowolny temat, korzystając ze schematów na rycinie 13 (Dodatek A, ryciny 10-11).

2 Wykonaj ćwiczenia dynamiczne na tematy: wiatr, eksplozja, prędkość, tyran itp., korzystając ze schematów na rycinie 14 (dodatek A, ryciny 12-13).

Wymagania:

opcje wyszukiwania kompozycji są wykonywane w 7-10 kawałkach;

ukazać zasadniczą różnicę w organizacji statyki i dynamiki w utworze.

Materiał i wymiary kompozycji

Ołówek, tusz, czarny flamaster, długopis helowy. Format arkusza - A3.

Powtarzać

Wiele zjawisk naturalnych charakteryzuje się naprzemiennością i powtarzalnością. Symetria to powtórzenie. Prawo powtarzalności w projektowaniu pojawia się, gdy pewne elementy (linie, kształty, tekstury, kolory) są używane więcej niż raz. Powtarzanie tworzy poczucie porządku. Proste powtórzenie składa się z jednego powtarzającego się elementu. Skomplikowane - w kompozycji powtarzają się elementy dwóch lub więcej typów (kolor, wzór, linie itp.). W zależności od sposobu organizacji elementów w projekcie, powtórzenia mogą mieć różne kierunki: pionowy, poziomy, ukośny, spiralny, promieniowo-belkowy, wachlarzowy. W każdym przypadku pojawia się nowy charakter ruchu, a co za tym idzie nowy dźwięk, szczególna ekspresja. Poziome powtarzanie to stabilność i równowaga; pion - harmonia, wysokość; ukośna, spiralna - aktywny, szybki ruch.

Powtórzenia mogą być regularne (ta sama częstość powtórzeń) (Rysunek 15) i nieregularne (Rysunek 16), co jest bardziej interesujące, ponieważ pozwala oczom porównać małe zmiany.

Rysunek 15 – Regularne powtarzanie Rysunek 16 – Nieregularne powtarzanie

Praktyczne zadanie

1 Skomponuj kompozycję z jednego powtarzającego się elementu, wybierając swój charakter ruchu (poziomo, pionowo, ukośnie, spiralnie).

2 To samo, ale z dwoma lub więcej elementami (dodatek A, rysunek 14).

Wymagania:

Do każdego zadania są dwa szkice.

Materiał i wymiary kompozycji:

Ołówek, tusz, czarny flamaster, długopis helowy. Format arkusza - A4.

statyczna dynamika sztuka kompozycyjna

Ta para środków harmonizacji służy do wyrażenia stopnia stabilności formy kompozytorskiej. Taka stabilność jest oceniana czysto emocjonalnie, w zależności od wrażenia, jakie forma lub kompozycja jako całość wywiera na widzu. Wrażenie to może pochodzić zarówno ze stanu fizycznego formy? stabilny lub dynamiczny, związany z ruchem obiektu jako całości lub jego części oraz czysto kompozycyjny (formalny) sposób organizowania elementów.

Każdy okres w historii sztuk plastycznych charakteryzuje się przewagą statyki lub dynamiki jako głównej oprawy estetycznej. Ogólna postawa epoki historycznej znajduje odzwierciedlenie w sztuce jako tendencja artystów do preferowania form statycznych lub dynamicznych. Wynika to z panującego typu świadomości i światopoglądu.

Przewaga statyki w sztuce starożytnego Egiptu (statyczne pozy kanoniczne, statyczne formy w architekturze) wynika z koncentracji kultury egipskiej na życiu pozagrobowym, innym świecie, którego główną cechą jest bezruch, niezmienność, pokój.

Kultura starożytnej Grecji charakteryzuje się równowagą statyki i dynamiki, co wynika z instalacji starożytnych Greków na kalokagatiya - równowadze piękna i dobra, wewnętrznej i zewnętrznej harmonii.

Pionowa dynamika architektury gotyckiej jest spowodowana wzrostem średniowiecznej świadomości, duchową przemianą, impulsem religijnym.

Dynamika baroku wynika z ogólnego ustawienia renesansu na aktywność, siłę ludzkiego twórcy, aktywność, męskość.

Dynamika romantyzmu wyraża ogólny impuls tamtych czasów do gwałtownej ucieczki od rzeczywistości do egzotycznych krajów i pragnienie heroicznych przygód.

Nowoczesność jest dynamiczna, ponieważ wyraża naturę czasu – pragnienie odnowy we wszystkich sferach życia.

Natura życia w XX wieku stała się bardziej złożona i różnorodna niż w innych epokach, więc w XX wieku statyka i dynamika są ze sobą organicznie połączone. Być może dominuje dynamika jako główna cecha rytmu życia w ponowoczesności.

Żyjemy w ciągle zmieniającym się świecie. W dziełach sztuki artyści starają się przedstawić upływ czasu. Ruch na obrazie jest rzecznikiem czasu. Na płótnie malarskim, fresku, na planszach graficznych i ilustracjach zwykle dostrzegamy ruch w związku z fabułą. Głębia zjawisk i charakterów ludzkich najdobitniej objawia się w konkretnym działaniu, w ruchu. Nawet w gatunkach takich jak portret, pejzaż czy martwa natura, prawdziwi artyści dążą nie tylko do uchwycenia, ale także do wypełnienia obrazu dynamiką, wyrażenia jego istoty w działaniu, na przestrzeni określonego czasu, a nawet wyobrażenia sobie przyszłości.

Dynamika - wizualne wrażenie ruchu, szybkości, szybkości formy. Dzieła sztuki, w których występuje ruch, określane są jako dynamiczne. Dynamikę fabuły można wiązać nie tylko z ruchem niektórych obiektów, ale także z ich stanem wewnętrznym. Dynamizm sprawia, że forma jest chwytliwa, aktywna, zauważalna, podkreślając ją m.in.

Dynamika służy do wyrażenia następujących znaczeń:

zmienność,

nietrwałość,

pościg,

ruch drogowy,

rozwój,

śmiałość,

gotowość,

kulminacja chwili

emocjonalność,

towarzyskość,

"alternatywny".

Zewnętrznie niestabilny, skłonny do ruchu, asymetrii, otwartości, ten typ kompozycji doskonale oddaje nasze czasy z kultem szybkości, presji, kalejdoskopowego życia, pragnienia nowości, z szybkością mody, z myśleniem klipowym. Dynamika często wyklucza wielkość, solidność, klasyczną kompletność; ale byłoby wielkim błędem uważać proste zaniedbania w pracy za dynamikę, to są zupełnie nierówne pojęcia. Kompozycje dynamiczne są bardziej złożone i indywidualne, dlatego wymagają starannego przemyślenia i wirtuozowskiego wykonania.

Statyka to wizualne wrażenie bezruchu. To stan spoczynku, równowaga formy, stałość w całej jej strukturze, w samej geometrycznej podstawie. Stabilne, nieruchome, często symetrycznie wyważone kompozycje tego typu są spokojne, wyciszone, wywołują wrażenie autoafirmacji, niosą ze sobą nie ilustracyjny opis, nie zdarzenie, lecz głębię, filozofię.

Statyka służy do wyrażenia następujących znaczeń:

spokój,

beztroski,

jednolitość,

bezczasowość,

twardość,

zaufanie,

monumentalność,

dokładność,

majestat,

powaga,

znaczenie chwili

Zatrzymaj się,

"klasyczny".

Jeśli porównamy ze sobą powyższe kompozycje i spróbujemy znaleźć związek między nimi, to możemy powiedzieć, że kompozycje statyczne są prawie zawsze symetryczne i często zamknięte, podczas gdy dynamiczne są asymetryczne i otwarte. Ale nie zawsze tak jest, nie widać sztywnej relacji klasyfikacyjnej między parami.

Wiadomo, że ruch na obrazie nie jest tak naprawdę obecny, ale jest postrzegany przez świadomość, będąc reakcją aparatu wzrokowego, ruchem oczu wywołanym pewnymi wrażeniami wzrokowymi. Nawet jeśli obraz przedstawia stan statyczny, kompozycję symetryczną, stabilną i nieruchomą, jest w nim ruch, ponieważ detale, elementy formy plastycznej zawsze wyrażają ruch: ich relacje kolorystyczne i tonacyjne, wzajemne oddziaływanie linii i kształtów, kontrasty, napięcie wywołują silne impulsy wzrokowe, a co za tym idzie wrażenie ruchu, życia. Techniki kompozycyjne mają zdolność kierowania i wzmacniania tego poczucia ruchu w obrazie. Jakimi innymi specyficznymi technikami, środkami wizualnymi można się posłużyć do oddania i wzmocnienia dynamiki akcji, a za pomocą jakich przekazać statyczność?

Artyści znają wiele tajemnic, aby stworzyć iluzję ruchu obiektów na obrazie, podkreślić jego charakter. Rzućmy okiem na niektóre z tych narzędzi.

Tym tematem chcę rozpocząć serię lekcji poświęconych podstawom kompozycji.
W końcu od budowy kompozycji zaczyna się każdy obraz.
Aby Twoje zdjęcia wyglądały harmonijnie i kompetentnie, musisz przestudiować jego podstawy.

Podstawy kompozycji.
Statyka i dynamika w kompozycji.
Na początek mały wstęp
Co to jest kompozycja? Kompozycja (z łac. kompozycja) oznacza rysowanie, łączenie kombinacji różnych części w jedną całość zgodnie z ideą. Odnosi się to do przemyślanej konstrukcji obrazu, odnalezienia proporcji jego poszczególnych części (składowych), które ostatecznie tworzą jedną całość – kompletny i kompletny obraz fotograficzny pod względem struktury liniowej, świetlnej i tonalnej. Aby lepiej oddać ideę w fotografii, stosuje się specjalne środki wyrazu: oświetlenie, tonację, kolor, punkt i moment fotografowania, plan, kąt, a także kontrasty obrazowe i różne. Znajomość praw kompozycji pomoże Ci uczynić zdjęcia bardziej wyrazistymi, ale ta wiedza nie jest celem samym w sobie, a jedynie środkiem, który pomoże Ci osiągnąć sukces.
Można wyróżnić następujące zasady kompozycyjne: transmisja ruchu (dynamika), spoczynek (statyka), złoty podział (jedna trzecia).
Metody kompozycji obejmują: przeniesienie rytmu, symetrii i asymetrii, równowagę części kompozycji oraz wyznaczenie centrum fabularno-kompozycyjnego.
Środki kompozycji obejmują: format, przestrzeń, centrum kompozycyjne, równowagę, rytm, kontrast, światłocień, kolor, dekoracyjność, dynamikę i statykę, symetrię i asymetrię, otwartość i izolację, integralność. Zatem środki kompozycji to wszystko, co jest niezbędne do jej stworzenia, w tym jej techniki i zasady. Są różnorodne, inaczej można je nazwać środkami artystycznego wyrazu kompozycji.

Na pewno wrócimy do rozważań nad tymi i innymi kwestiami, ale dzisiaj bardziej szczegółowo rozważymy transmisję ruchu (dynamika) i spoczynku (statyka).

Dlatego weźmiemy je za podstawę. Do mojej martwej natury wybrałam trzy przedmioty - filiżankę, spodek i jako przedmiot pomocniczy cukierka. Aby uzyskać ciekawszą kompozycję, weźmy obiekty różniące się wielkością, ale bardzo podobne pod względem koloru i faktury (zobowiązują to właściwości statyki). Po lekkim przesunięciu figury zdecydowałem się na ten schemat:

Centrum jest tutaj po prostu zaangażowane, postacie są umieszczone frontalnie i są w spoczynku.
Teraz musimy zdecydować o tonacji obiektów, czyli podzielić na najjaśniejszy obiekt, najciemniejszy i półton. A jednocześnie z nasyceniem kolorów. Po pomalowaniu postaci i zabawie trochę kolorami zatrzymuję się na tej opcji:

Teraz na podstawie tego schematu buduję swoją martwą naturę. Robię zdjęcia i otrzymuję to:

Ale jak widać nie do końca odpowiada to oczekiwanym właściwościom.Musimy osiągnąć większe uogólnienie obiektów, tak aby praktycznie wyglądały jak jedna całość, a także kolory były zbliżone. Zamierzam rozwiązać te problemy za pomocą światła. Stosuję oświetlenie łączone - połączenie światła kierunkowego i rozproszonego: przyćmione światło wypełniające i kierunkowe - wiązka latarki. Po kilku klatkach i eksperymentach ze światłem udaje mi się osiągnąć zamierzony efekt. Przetwarzam to trochę w FS i oto wynik:

Jak widać, udało nam się stworzyć statyczną martwą naturę, zgodnie ze wszystkimi zasadami: Obiekty są w spoczynku, w centrum kompozycji, nakładając się na siebie. Kolory są miękkie i złożone. Wszystko opiera się na niuansach. Przedmioty mają taką samą teksturę, prawie taki sam kolor. Wspólne rozwiązanie oświetleniowe łączy je i tworzy atmosferę spokoju i harmonii.

DYNAMIKA

Przejdźmy teraz do kompozycji dynamicznej. Dynamika jest całkowitym przeciwieństwem statyki we wszystkim! Wykorzystując dynamiczną konstrukcję w swoich pracach, możesz bardziej plastycznie oddać nastrój, eksplozję emocji, radość, podkreślić kształt i kolor przedmiotów! Obiekty w dynamice są najczęściej ułożone po przekątnej, mile widziany jest układ asymetryczny. Wszystko opiera się na kontrastach - kontraście kształtów i rozmiarów, kontraście koloru i sylwetki, kontraście tonu i faktury. Kolory są otwarte, widmowe.
Dla jasności wezmę te same przedmioty, tylko zastąpię kubek bardziej kontrastowym kolorem. Ponownie wykorzystując nasze trzy figury buduję kompozycję, ale w oparciu o właściwości dynamiki. Oto schemat, który wymyśliłem:

Teraz pracuję nad tonacją i kolorem, nie zapominając, że wszystko powinno być jak najbardziej kontrastowe, aby oddać ruch w martwej naturze.Oto gotowy szkic tonalny:
Teraz zamieniamy to wszystko w rzeczywistość, układamy obiekty, fotografujemy, zobaczymy co mamy, a co trzeba zmienić.
Lokalizacja wydaje się więc dobra, ale ze względu na ogólne światło nie bardzo było możliwe stworzenie kontrastu, zwłaszcza w kolorach. Obiekty wyglądają zbyt podobnie, postanawiam użyć kolorowej latarki, aby podkreślić kształt i nadać obiektom kontrast kolorystyczny. Eksperymentuję ze światłem niebieskim, wybieram najbardziej udany kadr, dopracowuję go trochę w FS i oto efekt:

Teraz wszystko wydaje się być na swoim miejscu. Kompozycja zbudowana jest diagonalnie, obiekty i ich układ względem siebie są dynamiczne, można powiedzieć kontrastowe: spodek stoi, a filiżanka leży.Kolory są bardziej niż kontrastowe.)) To samo dotyczy tonacji. To jak wszystko. Szczególnie starałem się ograniczyć wszystkie sztuczki i zasady do minimum, aby nie przepisywać tutaj licznych stron streszczenia.))

1 Symetryczny 2 Metryczny 3 Lekki

elementy offsetowe

4 Dopasowanie równa się 5 Z lekkim 6 Z lekkim topem

elementy fazowane

7 Podział poziomy 8 Równy układ 9 Z dużymi elementami

elementy

10 Z dużym głównym 11 Symetryczny układ 12 Z wydatnym centralnym elementem elementów

Rysunek 13 - Główne typy formularzy statycznych

Kompozycję uważa się za statyczną, jeśli jest zbudowana zgodnie z prawami klasycznej symetrii.

1 Przesunięty kształt 2 Rytmiczny charakter 3 Prostopadły

od środka osiami elementów

4 Równoległe 5 Lekkie dno 6 Zakrzywione

elementy

7 Artykulacja ukośna 8 Swobodny układ 9 Wydłużone elementy

elementy

10 Nachylony 11 Asymetryczny 12 Zawarty w otwartym

rozmieszczenie elementów rozmieszczenie elementów przestrzeni

Rysunek 14 - Główne typy formularzy dynamicznych

Praktyczne zadanie

1 Utwórz statyczną kompozycję na dowolny temat, korzystając ze schematów na rycinie 13 (Dodatek A, ryciny 10-11).

2 Wykonaj ćwiczenia dynamiczne na tematy: wiatr, eksplozja, prędkość, tyran itp., korzystając ze schematów na rycinie 14 (dodatek A, ryciny 12-13).

Wymagania:

opcje wyszukiwania kompozycji są wykonywane w 7-10 kawałkach;

ukazać zasadniczą różnicę w organizacji statyki i dynamiki w utworze.

Materiał i wymiary kompozycji

Ołówek, tusz, czarny flamaster, długopis helowy. Format arkusza - A3.

Powtarzać

Powtórzenia mogą być regularne (ta sama częstość powtórzeń) (Rysunek 15) i nieregularne (Rysunek 16), co jest bardziej interesujące, ponieważ pozwala oczom porównać małe zmiany.

Rysunek 15 – Regularne powtarzanie Rysunek 16 – Nieregularne powtarzanie

Praktyczne zadanie

1 Skomponuj kompozycję z jednego powtarzającego się elementu, wybierając swój charakter ruchu (poziomo, pionowo, ukośnie, spiralnie).

2 To samo, ale z dwoma lub więcej elementami (dodatek A, rysunek 14).

Wymagania:

Do każdego zadania są dwa szkice.

Materiał i wymiary kompozycji:

Ołówek, tusz, czarny flamaster, długopis helowy. Format arkusza - A4.

karta instrukcji

Statyka i dynamika w kompozycji

Na początek mały wstęp. Co to jest kompozycja?

Kompozycja (z łac. compositio) oznacza zestawienie, połączenie, połączenie różnych części w jedną całość zgodnie z ideą.
Odnosi się to do przemyślanej konstrukcji obrazu, odnalezienia proporcji poszczególnych jego części (składowych), które ostatecznie tworzą jedną całość.
całość jest obrazem fotograficznym kompletnym i kompletnym pod względem struktury linearnej, świetlnej i tonalnej.

Aby lepiej oddać ideę w fotografii, stosuje się specjalne środki wyrazu: oświetlenie, tonację, kolor, punkt i moment fotografowania, plan, kąt, a także kontrasty wizualne i inne.

Znajomość praw kompozycji pomoże Ci uczynić zdjęcia bardziej wyrazistymi, ale ta wiedza nie jest celem samym w sobie, a jedynie środkiem, który pomoże Ci osiągnąć sukces.

Można wyróżnić następujące zasady kompozycyjne: transmisja ruchu (dynamika), spoczynek (statyka), złoty podział (jedna trzecia).

Techniki kompozytorskie to m.in : przeniesienie rytmu, symetrii i asymetrii, równowaga części kompozycji oraz podział fabuły i centrum kompozycji.

Środki kompozycji obejmują: format, przestrzeń, centrum kompozycyjne, równowaga, rytm, kontrast, światłocień, kolor, dekoracyjność, dynamika i statyka, symetria i asymetria, otwartość i izolacja, integralność. Zatem środki kompozycji to wszystko, co jest niezbędne do jej stworzenia, w tym jej techniki i zasady. Są różnorodne, inaczej można je nazwać środkami artystycznego wyrazu kompozycji.

Bardziej szczegółowo rozważymy transmisję ruchu (dynamikę)
i odpoczynek (statyka).

STATYKA

Zastanówmy się najpierw, co jest charakterystyczne dla kompozycji statycznej,
i spójrz na przykład, jak to osiągnąć w swojej pracy.

Kompozycje statyczne służą głównie do przekazywania spokoju i harmonii.

Aby podkreślić piękno przedmiotów. Może dla podkreślenia powagi. Spokojne środowisko domowe.

W przypadku kompozycji statycznej wybierane są obiekty o podobnym kształcie, masie i fakturze. Charakteryzuje się miękkością w roztworze tonalnym. Rozwiązanie kolorystyczne opiera się na niuansach zbliżonych kolorystycznie: złożonym, ziemistym, brązowym.
Centrum zajmują głównie symetryczne kompozycje.

Tak więc na początek wybieramy przedmioty, których będziemy używać,
i narysuj schemat swojej przyszłej martwej natury.

W zasadzie każdy przedmiot można wpisać w jeden z następujących kształtów:

Dlatego weźmiemy je za podstawę. Do naszej martwej natury wybieramy trzy przedmioty - filiżankę, spodek i jako przedmiot pomocniczy cukierka. Aby uzyskać ciekawszą kompozycję, weźmy obiekty różniące się wielkością, ale bardzo podobne pod względem koloru i faktury (zobowiązują to właściwości statyki).
Po lekkim przesunięciu figury zdecydowałem się na ten schemat:

Centrum jest tutaj po prostu zaangażowane, figury są umieszczone frontalnie
i odpoczywają.

Teraz musimy zdecydować o tonacji obiektów, czyli podzielić ją na najjaśniejszy obiekt, najciemniejszy i półton. I w tym samym czasie
i nasycenia kolorów. Po pomalowaniu postaci i zabawie kolorami zatrzymujemy się na tej opcji:

Teraz, w oparciu o ten schemat, budujemy naszą martwą naturę. Robimy zdjęcia i oto co otrzymujemy:

Ale nasza wizja nie do końca pasuje do właściwości, których potrzebujemy.
Konieczne jest osiągnięcie większego uogólnienia obiektów, tak aby praktycznie wyglądały jak jedna całość, a także kolory były bliższe. Problemy te można rozwiązać za pomocą światła.

Stosujemy oświetlenie łączone - połączenie kierunkowe
i rozproszone: słabe światło wypełniające i światło kierunkowe - wiązka latarki. Po kilku klatkach i eksperymentach ze światłem osiąga się pożądany rezultat. Trochę obróbki w Photoshopie i oto wynik:

Jak widać udało nam się stworzyć statyczną martwą naturę zgodnie ze wszystkimi zasadami:
Obiekty znajdują się w spoczynku, w centrum kompozycji, nakładając się na siebie. Kolory są miękkie i złożone. Wszystko opiera się na niuansach. Przedmioty mają taką samą teksturę, prawie taki sam kolor. Wspólne rozwiązanie oświetleniowe łączy je i tworzy atmosferę spokoju i harmonii.

DYNAMIKA

Przejdźmy teraz do kompozycji dynamicznej. Dynamika jest dokładnym przeciwieństwem statyki we wszystkim! Korzystanie z dynamicznej konstrukcji
w swoich pracach będziesz w stanie bardziej obrazowo oddać nastrój, eksplozję emocji, radość, podkreślić kształt i kolor przedmiotów!

Obiekty w dynamice są najczęściej ułożone po przekątnej, mile widziany jest układ asymetryczny. Wszystko opiera się na kontrastach - kontraście kształtów i rozmiarów, kontraście koloru i sylwetki, kontraście tonu i faktury. Kolory są otwarte, widmowe.

Dla jasności weźmiemy te same przedmioty, tylko zastąpimy kubek bardziej kontrastowym kolorem. Ponownie, używając naszych trzech figur, budujemy kompozycję, ale w oparciu o właściwości dynamiki. Oto taki schemat:

Teraz pracuję nad tonem i kolorem, nie zapominając, że wszystko powinno być jak najbardziej kontrastowe, aby oddać ruch w martwej naturze.
Oto gotowy szkic:

Teraz zamieniamy to wszystko w rzeczywistość, układamy obiekty, fotografujemy. Patrzymy na to, co osiągnęliśmy i co należy zmienić

Lokalizacja wydaje się więc dobra, ale ze względu na ogólne światło nie bardzo było możliwe stworzenie kontrastu, zwłaszcza w kolorach. Przedmioty wyglądają zbyt podobnie. Możesz użyć kolorowej latarki, aby podkreślić kształt i nadać obiektom kontrast kolorystyczny. Eksperymentujemy z niebieskim światłem, wybieramy najbardziej udany kadr, modyfikujemy go trochę w Photoshopie,
a oto wynik:

Teraz wszystko jest na swoim miejscu. Kompozycja zbudowana jest po skosie, obiekty i ich układ względem siebie są dynamiczne, można powiedzieć - kontrastowe: spodek stoi, a filiżanka leży. Kolory są bardziej niż kontrastowe. To samo dotyczy tonu.

Osobno o tle. Tło odgrywa ważną rolę. I statycznie
zarówno w dynamice, jak iw dowolnej kompozycji.

Tło w statyce należy wybrać bardziej neutralne, w tej samej kolorystyce co obiekty. Jeśli jest to draperia wykonana z tkaniny, lepiej ułożyć fałdy pionowo lub poziomo. W kompozycji statycznej tło pełni rolę elementu spajającego.

Tło w dynamice, wręcz przeciwnie, często powinno być wybierane jako bardziej kontrastowe w stosunku do obiektów. Ale jeśli same obiekty są dość jasne
i nasycone kolorami, wówczas tło można wybrać i po prostu przyciemnić, aby podkreślić jasność obiektów, a tym samym stworzyć dodatkowy kontrast.
Fałdy draperii w dynamicznej kompozycji najlepiej układać po przekątnej lub wzdłuż ruchu przedmiotów. Zwiększy to poczucie dynamiki.

Wykład numer 9. Kompozycja.

Kompozycja przetłumaczone z łaciny dosłownie oznacza kompilację, oprawę, połączenie części.

Kompozycja jest najważniejszym momentem organizującym formę artystyczną, nadającą utworowi jedność i integralność, podporządkowującą jego elementy sobie i całości. Łączy w sobie poszczególne aspekty budowania formy artystycznej (rzeczywiste lub iluzoryczne kształtowanie przestrzeni i bryły, symetria i asymetria, skala, rytm i proporcje, niuans i kontrast, perspektywa, grupowanie, kolorystyka itp.).

Kompozycja jest najważniejszym środkiem budowania całości. Przez kompozycję rozumiemy celową konstrukcję całości, w której układ i wzajemne połączenie części są określone przez znaczenie, treść, cel i harmonię całości.

Gotowe dzieło jest również nazywane kompozycją, na przykład obrazem - obrazem, utworem muzycznym, przedstawieniem baletowym z liczb połączonych jednym pomysłem, kompozycją stopów metali, perfum itp.

W chaotycznym stosie przedmiotów nie ma kompozycji. Nie ma go również tam, gdzie treść jest jednorodna, jednoznaczna, elementarna. Wręcz przeciwnie, kompozycja jest niezbędna dla każdej integralnej struktury, raczej złożonej, niezależnie od tego, czy jest to dzieło sztuki, praca naukowa, przekaz informacyjny, czy organizm stworzony przez naturę.

Kompozycja zapewnia logiczne i piękne ułożenie części składających się na całość, nadając formie wyrazistość i harmonię oraz czyniąc treść zrozumiałą.

Bez zrozumienia konstrukcji kompozycyjnej jako sposobu organizowania materiału niemożliwe jest ocenianie dzieł sztuki, nie mówiąc już o ich tworzeniu.

Zadaniem kompozycyjnej konstrukcji utworu jest takie rozłożenie materiału przyszłego utworu, w takiej kolejności, w takim powiązaniu części utworu, aby jak najlepiej oddać sens i cel utworu. pracować i tworzyć wyrazistą i harmonijną formę artystyczną.

Istnieją dwa sposoby artystycznej wizji przy organizowaniu kompozycji:

Zwrócenie uwagi na odrębny temat jako dominantę całej kompozycji i postrzeganie reszty tylko w odniesieniu do niego. W tym przypadku otoczenie jest postrzegane przez tzw. widzenie peryferyjne i jest zdeformowane, podporządkowując się centrum uwagi i pracując dla niego.

Wizja jako całość, bez podkreślania osobnego obiektu, podczas gdy wszelkie szczegóły są podporządkowane całości, tracą swoją niezależność. W takiej kompozycji nie ma ani głównego, ani drugorzędnego - jest to jeden zespół.

Budowa.

Podstawowe zasady

Nie może być kompozycji, jeśli nie ma porządku. Porządek określa miejsce każdej rzeczy i wnosi klarowność, prostotę i siłę oddziaływania.

Zacznij od poszukiwania koloru tła, powinien być spokojny i podkreślać wyrazistość przedmiotów. Nie zapomnij o lekkim, poprawnym i wyrazistym oświetleniu przedmiotów.

Z przedmiotów nic nie powinno być zbędne. Uważaj na różnorodność. Wskazane jest, aby kompozycja zawierała nie więcej niż cztery podstawowe kolory. Rozpocznij układ od narysowania prostokąta, który określa format przyszłego rysunku, na przykład ściany z przylegającymi obiektami. Wykonaj wstępny szkic obiektów ołówkiem. Określ skalę przedstawionych obiektów. Określ ostateczny stosunek kolorów w kompozycji.

Budowa składu

Dobór charakterystycznych elementów kompozycji:

Skojarzenie według jednorodnych cech, kształtu, koloru, faktury, tekstury;

Identyfikacja najważniejszej jednolitości, którą należy podkreślić w kompozycji;

Włączenie do kompozycji kontrastów, które tworzą w niej napięcie.

Zgodność z prawem przedawnienia (nie więcej niż trzy) w:

materiał,

3. Podstawą żywej kompozycji jest nierówny trójkąt. Podstawą kompozycji statycznej jest symetria. Na przykład w przypadku dużej witryny sklepowej wskazane jest trzykrotne powtórzenie stężeń kolorów (plam).

4. Grupowanie elementów, biorąc pod uwagę fakt, że wybrany materiał znajduje się nie w stosie mieszanym, ale w grupach po dwa lub trzy elementy. Na przykład: trzy świece lub trzy elementy zestawu słuchawkowego (sofa i dwa fotele).

5. Zapewnienie wolnej przestrzeni między zgrupowaniami, aby nie utracić piękna poszczególnych fragmentów kompozycji w zwartym układzie.

6. Podkreślanie podporządkowania (podporządkowania) między grupami. Na przykład najważniejsze elementy umieszcza się w widocznym, honorowym miejscu, aby skierować wzrok zwiedzającego najpierw na nie, a następnie na mniej ważne (wartościowe).

7. Relację między zgrupowaniami iw ich obrębie uzyskuje się poprzez linię, plastyczność, a także zwrócenie niektórych elementów w połowie do innych elementów i do widza (prawo sceniczne).

8. Trójwymiarowość, stereoskopowość, perspektywę uzyskuje się za pomocą dynamiki koloru, wielkości, kształtu.

9. Zachowanie równowagi optycznej poprzez prawidłowe ustawienie dużych, ciężkich, ciemnych form względem małych, jasnych, jasnych.

10. Podążanie za naturalnym położeniem obiektów, a także wzrost, ruch, rozwój. Na przykład materiał roślinny jest ułożony w taki sposób, aby mógł rosnąć.

11. Eksperymentowanie jest kluczem do sukcesu w kreatywności. Staraj się nie przestawać od razu po stworzeniu kompozycji, spróbuj coś zmienić.

Zasady składu

Dominująca zasada

Aby jakakolwiek kompozycja nabrała wyrazistości, musi posiadać centrum kompozycyjne, dominantę, która może składać się z kilku elementów lub jednego dużego, może to być również wolna przestrzeń - pauza kompozycyjna.

Opcje organizacji dominującej:

1. Kondensacja pierwiastków w jednym obszarze płaszczyzny w porównaniu z ich raczej spokojnym i równomiernym rozmieszczeniem w innych obszarach.

2. Podświetlenie elementu kolorem, pozostałe parametry, wymiary i kształt są takie same.

3. Kontrast form, np. wśród figur zaokrąglonych występuje ostrokątny i odwrotnie.

4. Zwiększenie rozmiaru jednego z elementów kompozycji lub odwrotnie: wśród większych elementów jest mały, który również będzie się znacznie różnił i dominował. Możesz to również podkreślić tonem lub kolorem.

5. Powstała w ten sposób pustka (pauza kompozycyjna) zdominuje inne części płaszczyzny, mniej lub bardziej wypełnione elementami.

Możliwe są również dwa ośrodki kompozycyjne, ale jeden z nich powinien być wiodący, a drugi podporządkowany pierwszemu, tak aby nie było sporu ani poczucia niepewności.

Przy organizowaniu dominanty należy wziąć pod uwagę prawa wizualnej percepcji płaszczyzny – dominanta zawsze znajduje się w części czynnej, tj. bliżej geometrycznego środka kompozycji.

Zasada dynamizmu

Aby uzyskać wyrazistość w kompozycji dekoracyjnej, ważną rolę odgrywa rytmiczna organizacja i wzajemne połączenie elementów obrazowych na płaszczyźnie.

Być może rytmiczna przemiana różnych figur ze spadkiem lub wzrostem jakichkolwiek cech (rozmiar, rotacja, miara złożoności, nasycenie kolorem lub tonem, stopień graficznego lub dekoracyjnego przetwarzania formy).

W zależności od umiejscowienia postaci kompozycja może być statyczna lub dynamiczna. W pierwszym przypadku elementy układane są symetrycznie względem osi formatu. W drugim przypadku możliwe są następujące opcje:

1. Przy tych samych motywach dynamizm uzyskuje się dzięki różnym odległościom między elementami kompozycji, a także dzięki ich pogrubieniu w niektórych miejscach kompozycji i rozrzedzeniu w innych. Dzieje się tak w jednym parametrze - odległości.

2. Elementy tego samego motywu mają różne rozmiary i znajdują się w różnych odległościach od siebie. Dynamizm uzyskuje się dzięki kontrastowi trzech parametrów: odległości między elementami, ich wielkości i rotacji.

Ruch na obrazie nie jest tak naprawdę obecny, ale jest postrzegany przez świadomość, będąc reakcją aparatu wzrokowego, ruchem oka wywołanym przez określone wrażenia wzrokowe. Nawet jeśli obraz przedstawia stan statyczny, kompozycję symetryczną, stabilną i nieruchomą, jest w nim ruch, ponieważ detale, elementy formy artystycznej zawsze wyrażają ruch, ich relacje barw i tonów, wzajemne oddziaływanie linii i kształtów, kontrasty, napięcia wywołują silne impulsy wzrokowe, a co za tym idzie poczucie ruchu, życia.

Zasada równowagi

Każda prawidłowo skonstruowana kompozycja jest zrównoważona. Równowaga to układ elementów kompozycji, w którym każdy przedmiot znajduje się w stabilnej pozycji. Jego lokalizacja nie budzi wątpliwości i chęć przesunięcia go wzdłuż płaszczyzny obrazowej. Nie wymaga to dokładnego lustrzanego dopasowania prawej i lewej strony.

Stosunek ilościowy kontrastów tonalnych i kolorystycznych lewej i prawej części kompozycji powinien być równy. Jeśli w jednej części liczba kontrastujących plam jest większa, konieczne jest wzmocnienie współczynników kontrastu w drugiej części lub osłabienie kontrastów w pierwszej. Kontury obiektów można zmieniać, zwiększając obwód współczynników kontrastu.

Równowaga jest dwojakiego rodzaju:

statyczny równowaga występuje wtedy, gdy figury są symetrycznie ułożone na płaszczyźnie względem osi pionowej i poziomej formatu kompozycji o symetrycznym kształcie.

dynamiczny równowaga występuje przy asymetrycznym układzie figur na płaszczyźnie, tj. kiedy przesuwają się w prawo, w lewo, w górę, w dół.

Równowaga części obrazu – nadrzędny wymóg konstrukcji kompozycyjnej – oznacza takie ułożenie materiału obrazowego wokół wyimaginowanej osi symetrii, aby prawa i lewa strona były w równowadze. Ten wymóg kompozycyjny wywodzi się, jak wspomniano wcześniej, z uniwersalnego prawa grawitacji, które określa psychologiczne podłoże postrzegania równowagi.

Zasada harmonii

Harmonia zapewnia połączenie między wszystkimi elementami dzieła - godzi sprzeczności między formą a treścią, między materiałem a formą, między przedmiotem a przestrzenią i innymi elementami formy, łącząc wszystko w jedną kompozycyjną całość.

Przy rozwiązywaniu kwestii równowagi w kompozycji ważne jest rozmieszczenie elementów: ciężar przedmiotu zależy od tego, w której części kompozycji jest on umieszczony. Element, który znajduje się w centrum kompozycji lub blisko niego, lub znajduje się na pionowej osi centralnej, kompozycyjnie waży mniej niż element, który znajduje się poza tymi głównymi liniami.

Rozważ przykłady układu w formacie płaszczyzny. Element na górze kompozycji wygląda na jaśniejszy niż ten na dole.

Obiekt na prawo od środka wydaje się cięższy. Wynika to z faktu, że lewa półkula mózgu dominuje nad prawą. Najpierw widzimy lewą część kompozycji, potem oko przesuwa się w prawo, tj. po lewej stronie kompozycji utrzymuje się mniej niż po prawej.

Obiekt pokazany w wymiarze perspektywicznym wydaje się cięższy niż ten sam obiekt w widoku z przodu.

Przy ustalaniu równowagi w kompozycji ważną rolę odgrywa kształt przedmiotu. Prawidłowa forma wygląda na cięższą niż niewłaściwa.

Zasada jedności

Główna zasada zapewniająca integralność pracy. Dzięki tej zasadzie kompleks nie wygląda jak konglomerat odmiennych części, ale jako spójna całość. Kompozycja działa jak system wewnętrznych powiązań, łączących wszystkie składowe formy i treści w jedną całość.

Brak integralności Integralność w stosunku do ramy

Zasada grupowania

Aby całość mogła być postrzegana, konieczna jest pewna sekwencja w postrzeganiu części. Sekwencja ta jest zapewniona przez grupowanie powiązanych lub kontrastujących ze sobą elementów.

Części całości tworzą grupy powiązane ze sobą podobieństwem lub kontrastem. W każdej z grup powtarza się ta sama zasada (podobieństwo lub kontrast), powstaje rytm przenikający całe dzieło. Wszystkie te grupy odbijają się echem ze wszystkimi swoimi elementami, tak że całość powtarza się w swoich częściach, a część jako całość. Dzięki grupowaniu elementów i części następuje spójne postrzeganie części całości, a jednocześnie całość jest postrzegana w tym samym czasie i jako całość.

Postrzeganie

Linie oddziałują na człowieka emocjonalnie: pozioma wywołuje uczucie spokoju, kojarzona z linią horyzontu; pionowo - przekazuje chęć wzniesienia się; pochylony - powoduje niestabilną pozycję; linia przerywana - związana z niezrównoważonym nastrojem, charakterem, pewną agresywnością; linia falista to płynna linia ruchu, ale z różnymi prędkościami (w zależności od kierunku: pionowy, ukośny lub poziomy). Linia spiralna pokazuje ruch obrotowy w rozwoju.

Istnieją pojęcia „linia powolna”, „linia napięta”, „linia dynamiczna”. Tak więc za pomocą jednej lub drugiej linii osoba może przekazać swój stan emocjonalny. Ekspresyjna jakość linii jest szeroko stosowana przez projektanta w rozwiązywaniu problemów kompozycyjnych, a także w dekoracyjnym projektowaniu wnętrz i artykułów gospodarstwa domowego.

Percepcja wzrokowa zależy od impulsów emocjonalnych, które pojawiają się w oku, gdy wzrok przesuwa się po obrazie. Każdy obrót, czyli zmiana kierunków, linii, ich przecięcie wiąże się z koniecznością przezwyciężenia bezwładności ruchu, mają one ekscytujący wpływ na aparat wzrokowy i wywołują odpowiednią reakcję. Obraz, na którym występuje wiele przecinających się linii i utworzonych przez nie kątów, wywołuje uczucie niepokoju i odwrotnie, gdy oko spokojnie ślizga się po krzywiznach lub ruch ma charakter falisty, pojawia się poczucie naturalności, pokój.

Do pozytywnej reakcji dochodzi, gdy komórki nerwowe aparatu wzrokowego doznają stanu aktywnego spoczynku. Niektóre struktury i kształty geometryczne powodują podobny stan. Należą do nich np. obiekty budowane według proporcji „złotego podziału”.

Symetria wiąże się ze zmysłem równowagi i jest uwarunkowana prawem grawitacji. Asymetria, czyli naruszenie symetrii, powoduje impuls emocjonalny, który sygnalizuje pojawienie się zmian, ruchów. Ruch jest formą istnienia materii, „ruch to życie”.

Wiodąca rola dominanty, głównego obszaru, centrum obrazu związana jest z cechami widzenia kierunkowego i peryferyjnego, dzięki czemu rozróżniamy szczegóły tylko wokół punktu fiksacji. Zdolność ta, ze względu na nierównomierną budowę siatkówki, nie tylko umożliwia odróżnienie niezbędnych informacji od innych, ale w artystycznej pracy kompozytorskiej dyktuje całą strukturę obrazu.

Rytm jest najważniejszym środkiem organizacji dzieła sztuki, potrzeba podporządkowania wszystkiego rytmowi w kompozycji wiąże się z potrzebą biologiczną. Rytm jest formą ruchu i jest organicznie wpisany w materię jako jej właściwość. Rytmowi podlega wszystko, co się porusza, rozwija, funkcjonuje w przyrodzie iw działalności człowieka.

Rytmiczne naprzemienne doznania wywołują pozytywne emocje. Przedłużający się monotonny stan lub jednorodne wrażenia wręcz przeciwnie, przygnębiają psychikę. Stąd potrzeba zmiany stanów, wrażeń, napięć i relaksacji itp. wpisane w biologiczną naturę człowieka. Oczywiście ta sama potrzeba leży u podłoża innego zjawiska – kontrastu, związanego ze zwiększonymi impulsami wzrokowymi w strefach granicznych, im silniejszy impuls, tym ostrzejszy kontrast form. Kontrast jest jednym z najpotężniejszych ekspresyjnych środków artystycznych.

Rodzaje kompozycji

kompozycja zamknięta

Obraz z zamkniętą kompozycją wpasowuje się w kadr w taki sposób, że nie ma tendencji do krawędzi, ale niejako zamyka się w sobie. Spojrzenie widza przemieszcza się od ogniska kompozycji do elementów peryferyjnych, poprzez inne elementy peryferyjne ponownie wraca do ogniska, czyli dąży z dowolnego miejsca kompozycji do jej centrum.

Charakterystyczną cechą kompozycji zamkniętej jest obecność pól. W tym przypadku integralność obrazu przejawia się w sensie dosłownym - na dowolnym tle plama kompozycyjna ma wyraźne granice, wszystkie elementy kompozycyjne są ściśle ze sobą połączone, plastycznie zwarte.

kompozycja otwarta

Wypełnienie przestrzeni obrazowej kompozycją otwartą może być dwojakie. Albo są to szczegóły wychodzące poza kadr, które łatwo sobie wyobrazić poza obrazem, albo jest to duża otwarta przestrzeń, w której zanurzony jest punkt ciężkości kompozycji, dający początek rozwojowi, ruchowi podrzędnych elementów. W tym przypadku nie ma przyciągania wzroku do środka kompozycji - wręcz przeciwnie, spojrzenie swobodnie opuszcza obraz z pewnym domysłem części nieprzedstawionej.

Otwarta kompozycja jest odśrodkowa, ma tendencję do poruszania się do przodu lub ślizgania po spiralnie rozszerzającej się ścieżce. Może to być dość skomplikowane, ale zawsze kończy się oddalaniem od centrum. Często brakuje samego środka kompozycji, a raczej kompozycja składa się z wielu równych mini-centrów, które wypełniają pole obrazu.

Symetryczna kompozycja

Główną cechą symetrycznej kompozycji jest równowaga. Symetria odpowiada jednemu z najgłębszych praw natury - pragnieniu stabilności. Zbudowanie symetrycznego obrazu jest łatwe, wystarczy wyznaczyć granice obrazu i oś symetrii, a następnie powtórzyć wzór w lustrzanym odbiciu. Symetria jest harmonijna, ale jeśli jakikolwiek obraz

zrób to symetrycznie, to po jakimś czasie będziemy otoczeni dobrze prosperującymi, ale monotonnymi dziełami.

Twórczość artystyczna wykracza tak daleko poza ramy geometrycznej poprawności, że w wielu przypadkach konieczne jest celowe złamanie symetrii w kompozycji, w przeciwnym razie trudno oddać ruch, zmianę, sprzeczność. Jednocześnie symetria, jako algebra weryfikująca harmonię, zawsze będzie sędzią, przypomnieniem pierwotnego porządku, równowagi.

Asymetryczna kompozycja

Kompozycje asymetryczne nie zawierają osi ani punktu symetrii, tworzenie w nich form jest bardziej swobodne, ale nie można sądzić, że asymetria usuwa problem równowagi. Wręcz przeciwnie, to właśnie w kompozycjach asymetrycznych autorzy zwracają szczególną uwagę na równowagę jako niezbędny warunek umiejętnej konstrukcji obrazu.

Skład statyczny

Stabilne, nieruchome, często symetrycznie wyważone kompozycje tego typu są spokojne, wyciszone, wywołują wrażenie autoafirmacji, niosą ze sobą nie ilustracyjny opis, nie zdarzenie, lecz głębię, filozofię.

dynamiczna kompozycja

Zewnętrznie niestabilny, skłonny do ruchu, asymetrii, otwartości, tego typu kompozycji

doskonale odzwierciedla nasze czasy ze swoim kultem prędkości, presji, kalejdoskopowego życia, pragnieniem nowości, szybkością mody, myśleniem klipowym. Dynamika często wyklucza wielkość, solidność, klasyczną kompletność; ale byłoby wielkim błędem uważać proste zaniedbania w pracy za dynamikę, to są zupełnie nierówne pojęcia. Kompozycje dynamiczne są bardziej złożone i indywidualne, dlatego wymagają starannego przemyślenia i wirtuozowskiego wykonania.

Kompozycje statyczne są prawie zawsze symetryczne i często zamknięte, podczas gdy kompozycje dynamiczne są asymetryczne i otwarte. Ale nie zawsze tak jest, nie widać sztywnego związku klasyfikacyjnego między parami, ponadto definiując kompozycje według innych kryteriów początkowych, trzeba stworzyć kolejne serie, które dla wygody będziemy już nazywać nie typami, ale formami kompozycji, gdzie decydującą rolę odgrywa wygląd dzieła.

Formy kompozycji

Wszystkie dyscypliny cyklu rzutowego, od geometrii wykreślnej po projektowanie architektoniczne, podają koncepcję elementów składających się na kształt otaczającego świata:

Samolot;

Powierzchnia wolumetryczna;

Przestrzeń.

Korzystając z tych pojęć, łatwo jest sklasyfikować formy kompozycji. Trzeba tylko pamiętać, że sztuka plastyczna nie operuje obiektami matematycznymi, dlatego punkt jako geometryczne miejsce w przestrzeni, które nie ma wymiarów, nie może być formą kompozycji. Dla artystów punktem może być okrąg, kleks i dowolna zwarta plama skupiona wokół środka. Te same uwagi dotyczą linii, płaszczyzn i przestrzeni trójwymiarowej. Zatem formy kompozycji, nazwane w taki czy inny sposób, nie są definicjami, a jedynie w przybliżeniu oznaczone jako coś geometrycznego.

Kompozycja punktowa (centryczna).

Kompozycja punktowa zawsze ma środek; może to być środek symetrii w sensie dosłownym lub środek warunkowy w kompozycji asymetrycznej, wokół którego elementy kompozycyjne tworzące punkt aktywny są zwarte iw przybliżeniu jednakowo oddalone. Kompozycja punktowa jest zawsze dośrodkowa, nawet jeśli jej części wydają się rozpraszać od środka, ognisko kompozycji automatycznie staje się głównym elementem porządkującym obraz. Wartość środka jest najbardziej zaakcentowana w kolistej kompozycji.

Kompozycja punktowa (centryczna) charakteryzuje się największą integralnością i równowagą, jest łatwa w budowie i bardzo wygodna do opanowania pierwszych profesjonalnych technik kompozytorskich.

Liniowy skład taśmy

W teorii ornamentu układ powtarzających się elementów wzdłuż prostej lub zakrzywionej otwartej linii nazywa się symetrią translacyjną. Ogólnie rzecz biorąc, kompozycja taśmy niekoniecznie musi składać się z powtarzających się elementów, ale jej ogólny układ jest zwykle wydłużony w pewnym kierunku, co sugeruje wyimaginowaną linię środkową, wokół której zbudowany jest obraz. Liniowa kompozycja taśmy jest otwarta i często dynamiczna. Format pola obrazowego pozwala na względną swobodę, tutaj obraz i pole nie są ze sobą tak sztywno powiązane w wymiarze absolutnym, najważniejsze jest wydłużenie formatu.

W kompozycji taśmowej często maskowana jest druga z trzech głównych cech kompozycji - podporządkowanie drugorzędnej głównej, dlatego bardzo ważne jest zidentyfikowanie w niej głównego elementu. Jeśli jest to ozdoba, to w powtarzających się elementach, które rozpadają się na osobne mini-obrazy, powtarza się również główny element. Jeśli kompozycja jest jednoczesna, główny element nie jest maskowany.

Kompozycja planarna (frontalna).

Sama nazwa sugeruje, że cała płaszczyzna arkusza jest wypełniona obrazem. Taka kompozycja nie ma osi i środka symetrii, nie dąży do zwartości, nie ma wyraźnego pojedynczego ogniska. Płaszczyzna arkusza (całość) i określa integralność obrazu. Kompozycja frontalna jest często wykorzystywana w tworzeniu dzieł dekoracyjnych - dywanów, malowideł ściennych, ozdób tkanin, a także w malarstwie abstrakcyjnym i realistycznym, w witrażach, mozaikach. Kompozycja ta skłania się ku typowi otwartemu. Za kompozycję płaską (frontalną) nie należy uważać tylko takiej, w której widoczna objętość obiektów znika, a jej miejsce zajmują płaskie plamy barwne. Wielopłaszczyznowe malarstwo realistyczne z transmisją iluzji przestrzennych i objętościowych, zgodnie z klasyfikacją formalną, nawiązuje do kompozycji frontalnej.

Podstawy kompozycji.
Statyka i dynamika w kompozycji.
Na początek mały wstęp
Co to jest kompozycja? Kompozycja (z łac. compositio) oznacza kompozycję, połączenie różnych części w jedną całość zgodnie z ideą. Odnosi się to do przemyślanej konstrukcji obrazu, odnalezienia proporcji jego poszczególnych części (składowych), które ostatecznie tworzą jedną całość – kompletny i kompletny obraz fotograficzny pod względem struktury liniowej, świetlnej i tonalnej. Aby lepiej oddać ideę w fotografii, stosuje się specjalne środki wyrazu: oświetlenie, tonację, kolor, punkt i moment fotografowania, plan, kąt, a także kontrasty obrazowe i różne. Znajomość praw kompozycji pomoże Ci uczynić zdjęcia bardziej wyrazistymi, ale ta wiedza nie jest celem samym w sobie, a jedynie środkiem, który pomoże Ci osiągnąć sukces.
Można wyróżnić następujące zasady kompozycyjne: transmisja ruchu (dynamika), spoczynek (statyka), złoty podział (jedna trzecia).
Metody kompozycji obejmują: przeniesienie rytmu, symetrii i asymetrii, równowagę części kompozycji oraz wyznaczenie centrum fabularno-kompozycyjnego.
Środki kompozycji obejmują: format, przestrzeń, centrum kompozycyjne, równowagę, rytm, kontrast, światłocień, kolor, dekoracyjność, dynamikę i statykę, symetrię i asymetrię, otwartość i izolację, integralność. Zatem środki kompozycji to wszystko, co jest niezbędne do jej stworzenia, w tym jej techniki i zasady. Są różnorodne, inaczej można je nazwać środkami artystycznego wyrazu kompozycji.

Na pewno wrócimy do rozważań nad tymi i innymi kwestiami, ale dzisiaj bardziej szczegółowo rozważymy transmisję ruchu (dynamika) i spoczynku (statyka).

Najpierw powiem ci, co jest typowe dla kompozycji statycznej i pokażę, jak to osiągnąć w swojej pracy na przykładzie. Kompozycje statyczne służą głównie do przekazywania spokoju i harmonii. Aby podkreślić piękno przedmiotów. Może dla podkreślenia powagi. Spokojne środowisko domowe. Przedmioty do kompozycji statycznej są wybierane podobnie pod względem kształtu, wagi, tekstury. Charakteryzuje się miękkością w roztworze tonalnym. Kolorystyka oparta jest na niuansach - bliskie kolory: złożony, ziemisty, brązowy. Centrum zajmują głównie symetryczne kompozycje. Na przykład zrobię małą martwą naturę. Jego wartość artystyczna nie jest wielka, a wszystkie techniki i środki kompozycji są w nim trochę przesadzone dla przejrzystości)) Tak więc na początek wybieram przedmioty, których będę używał i rysuję schemat mojej przyszłej martwej natury. W zasadzie każdy przedmiot można wpisać w jeden z następujących kształtów:

Dlatego weźmiemy je za podstawę. Do mojej martwej natury wybrałam trzy przedmioty - filiżankę, spodek i jako przedmiot pomocniczy cukierka. Aby uzyskać ciekawszą kompozycję, weźmy obiekty różniące się wielkością, ale bardzo podobne pod względem koloru i faktury (zobowiązują to właściwości statyki). Po lekkim przesunięciu figury zdecydowałem się na ten schemat:

Centrum jest tutaj po prostu zaangażowane, postacie są umieszczone frontalnie i są w spoczynku.
Teraz musimy zdecydować o tonacji obiektów, czyli podzielić na najjaśniejszy obiekt, najciemniejszy i półton. A jednocześnie z nasyceniem kolorów. Po pomalowaniu postaci i zabawie trochę kolorami zatrzymuję się na tej opcji:

Teraz na podstawie tego schematu buduję swoją martwą naturę. Robię zdjęcia i otrzymuję to:

Ale jak widać nie do końca odpowiada to oczekiwanym właściwościom.Musimy osiągnąć większe uogólnienie obiektów, tak aby praktycznie wyglądały jak jedna całość, a także kolory były zbliżone. Zamierzam rozwiązać te problemy za pomocą światła. Stosuję oświetlenie łączone - połączenie światła kierunkowego i rozproszonego: przyćmione światło wypełniające i kierunkowe - wiązka latarki. Po kilku klatkach i eksperymentach ze światłem udaje mi się osiągnąć zamierzony efekt. Przetwarzam to trochę w FS i oto wynik:

Jak widać, udało nam się stworzyć statyczną martwą naturę, zgodnie ze wszystkimi zasadami: Obiekty są w spoczynku, w centrum kompozycji, nakładając się na siebie. Kolory są miękkie i złożone. Wszystko opiera się na niuansach. Przedmioty mają taką samą teksturę, prawie taki sam kolor. Wspólne rozwiązanie oświetleniowe łączy je i tworzy atmosferę spokoju i harmonii.