Twórczość polskiego artysty Marcina Owczarka kojarzona jest głównie z dystopijne idee i globalne problemy XXI wieku. W swoich kontrowersyjnych pracach udaje mu się stworzyć niepowtarzalną atmosferę panującego wokół ponurego, tajemniczego, a czasem wręcz tragicznego surrealizmu. Na pierwszy rzut oka te ilustracje są szokujące i obrzydliwe, ale jeśli spojrzeć na nie z drugiej strony i zagłębić się w istotę tego, co się dzieje, to współczesne społeczeństwo na pewno ma nad czym myśleć...

„Moja praca skupia się przede wszystkim na człowieku i środowisku, a także na problemach globalnych XXI wieku. W moich pracach staram się pokazać wszystko, z czym na co dzień spotyka się współczesne społeczeństwo: szkodliwy wpływ nowych technologii, wiecznie pielęgnowane lęki, brzydota moralna, mutacje genowe, problemy społeczne i społeczne. problemy ekologiczne, przeludnienie planety, niemoralne zachowanie i złe nawyki… Wszystko to i wiele więcej, w ten czy inny sposób, pociąga za sobą szereg konsekwencji, które prowadzą do upadku…”– mówi Marcin o serii swoich ilustracji pt „Kraina dystopii”.

Dzięki surrealizmowi wielu artystom i fotografom udaje się nie tylko połączyć to, co niezgodne, ale także ujawnić istotę ludzkiego „ja”. - niesamowity cykl fotografii, na którym ożywają nie tylko najbardziej zakazane pragnienia i tajemnice, ale także koszmary i lęki, które tkwią w każdym człowieku...

Nie zabraknie także prac polskiego artysty Leszka Bujnowskiego. Tajemnicza, smutna, a jednocześnie dziecinnie urocza, a czasem wręcz trudna do zrozumienia jakakolwiek logika, sprawdza się. Przecież jego wyjątkowe ilustracje tworzone przy użyciu grafiki cyfrowej to nic innego jak ukryty świat, który króluje w ludzkiej podświadomości.

Każdy surrealistyczny obraz niesie w sobie efekt zaskoczenia, swoistą dla siebie tajemnicę, własne niezwykłe życie, a także ciąg zagadek i łamigłówek filozoficznych, które pomagają pobudzać świadomość i rozwijać wyobraźnię. A ten, kto pisze w stylu surrealizmu, jest nie tylko artystą, jest filozofem umysłu.

Na przełomie XX i XXI wieku wyznawcy wielkich surrealistów nadal ekscytują widza swoimi niezwykłymi iluzorycznymi dziełami, tak jak wiele lat temu fascynowały ich surrealistyczne dzieła Salvadora Dali, Maxa Ernsta, Miro, Fridy Kahlo, Marka Parkesa i Rene Magritte’a.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/one_love.jpg" alt="Lovers. (1928). Autor: Rene Magritte. | Foto: artchive.ru" title="Zakochani. (1928).

Ale w surrealizmie są też przemyślane i wyważone wątki. Co widać w twórczości belgijskiego surrealisty Rene Magritte’a. Każdy wie, że będąc w środku kreatywne poszukiwania, Salvador Dali zasypiając, trzymał łyżkę nad dużą miedzianą umywalką, która upuszczona obudziła artystę. I nagle się budząc, wydawało się, że wyrwał kawałek swojej wizji głęboki sen dla fabuły przyszłego płótna.

Współcześni malarze surrealistyczni tworzą także swój własny, niepowtarzalny świat złudzeń optycznych, fantastyczne sny z głębin Twojej wyobraźni i świat duchów marzenia, które nie pozostawią nikogo obojętnym.

W świecie kolorowych snów i starożytnych mitów greckich autorstwa artysty Wojtka Siudmaka

Wojtek Siudmak urodził się w starożytnym mieście Wieluń w środkowej Polsce. Kształcił się w Akademii sztuki piękne w Warszawie. Jednak od 1966 roku mieszka i pracuje we Francji. Obrazy Wojtka Siudmaka reprezentują niezwykłą mieszankę stylów: hiperrealizmu, fantastyczny realizm i surrealizm. Sam siebie nazywa fantastycznym hiperrealistą.

Wyjątkowy wszechświat, wypełniony osobistą symboliką i wyimaginowanymi strukturami, organicznie połączonymi w jedną całość, magnetycznie przyciąga widza i zanurza go w świat starożytnych bogów, kolorowych snów i starożytnych mitów greckich.

Między snem a snem. Surrealizm – Anatolij Leushin

Anatolij Leuszyn urodził się w Omsku w 1954 roku. Jest absolwentem szkoły plastycznej.
Surrealizm Leushina polega na świadomej harmonii, w której nie ma agresji i abstrakcji.
Jego dzieła są bardzo bliskie przypowieściom, które niosą ze sobą pojęcia uniwersalne i religijne. Metafizyczne obrazy, łącząc się ze sobą, tworzą fantastyczność prawdziwy świat. Jego płótna tchną kosmiczną energią Wszechświata.

Głównym gatunkiem twórczości artysty jest romantyzm i surrealizm. Ponad sześćdziesiąt dzieł mistrza znajduje się w kolekcjach prywatnych w Europie i Ameryce.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/leyshin-004.jpg" alt=" Wędrująca wyspa. (2002). Autor: Anatolij Leushin. | Foto: art-vernissage.ru." title="Wędrująca Wyspa. (2002).

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/leyshin-006.jpg" alt="Omen. Autor: Anatolij Leuszyn. | Zdjęcie: art-vernissage.ru." title="Omen.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/leyshin-002.jpg" alt="Latający Holender. (2010). Autor: Anatolij Leuszyn. | Zdjęcie: art-vernissage.ru." title="Latający Holender. (2010).

Niesamowite portrety światowej sławy ludzi za pomocą złudzeń optycznych autorstwa Olega Shuplyaka

Oleg Shuplyak ukończył lwowski Wydział Architektury w 1991 roku Instytut Politechniczny. Od końca lat 90-tych uczy rysunku i malarstwa w dziecięcej szkole plastycznej. Od około 30 lat wystawia na wystawach krajowych i zagranicznych.

Oryginalny surrealizm utalentowanego artysty z Ukrainy, tworzącego niepowtarzalne iluzje w portretach znanych osobistości, urzekł miliony widzów. Każdy obraz Olega jest wyjątkowy na swój sposób rozwiązanie kompozycyjne i umiejętnie łączyć ze sobą wiele różne obrazy. Artysta, ukazując dwie strony jednej iluzji, prowadzi nas krok po kroku od jednej kompozycji do drugiej.

Mistrz pracuje w różne techniki i kierunki: malarstwo sztalugowe, malarstwo i restauracja sakralna, w gatunkach symboliki skojarzeniowej, postmodernizmu, sztuki abstrakcyjnej, surrealizmu i realizmu.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/shuplyak-005.jpg" alt=" Shakespeare. (2011). Autor: Oleg Shuplyak. ¦ Zdjęcie: livejournal.com." title="Szekspir. (2011).

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/shuplyak-007.jpg" alt="Gauguina. (2012). Autor: Oleg Shuplyak. ¦ Zdjęcie: livejournal.com." title="Gauguina. (2012).

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/shuplyak-004.jpg" alt="Leonardo da Vinci (2012). Autor: Oleg Shuplyak. ¦ Zdjęcie: livejournal.com." title="Leonardo da Vinci (2012).

Fantastyczne iluzje Alexa Fishgoita

Alex Fishgoyt jest synem słynnego scenografa wielu radzieckich filmów, Michaiła Fishgoyta. Dziedziczny malarz mieszka i pracuje w Nowym Jorku w USA. Jest zwolennikiem tradycji i metod Salvadora Dali. Jego"сюр" скрупулезно продуманный, композиционно сложный, играющий яркой палитрой красок. В некоторой степени его иллюзии напоминают знаменитые полотна малых голландцев.!}

Z filozoficznego punktu widzenia dzieła te stanowią refleksję nad organicznym procesem odwiecznego dążenia do wzniosłych i nieodwracalnych zmian we Wszechświecie.

Surrealizm (z francuskiego Surrealisme - superrealizm) - ruch estetyczny, który powstał we Francji w pierwszych dekadach XX wieku. Surrealizm najwyraźniej objawił się w malarstwie, literaturze i kinie we Francji, Hiszpanii, USA... Najwięksi artyści surrealizmu stali się jednocześnie najbardziej znani malarze Wiek XX to Salvador Dali, Joan Miro, Max Ernst. W kinie surrealizm kojarzony jest z nazwiskami Luisa Buñuela i Georgesa Sadoula, w literaturze - Andre Bretona, Roberta Desnosa, Louisa Aragona, Paula Eluarda, Rene Chara, Henriego Michauda.

Główną kategorią estetyki surrealistycznej jest tzw. pisanie automatyczne, czyli twórczość pozbawiona świadomej kontroli, opierająca się wyłącznie na podświadomych impulsach. Formułując ją, teoretycy surrealizmu opierali się na naukach francuskiego filozofa intuicjonisty Henriego Bergsona oraz na psychoanalizie Freuda i Junga. Oczywiście w rzeczywistości tego typu twórczość jest praktycznie niemożliwa – wręcz przeciwnie, wiele obrazów Salvadora Dali sprawia wrażenie starannie skonstruowanych struktur symbolicznych, których każdy element jest nie tylko czytelny, ale także pilnie tego wymaga. Inną rzeczą jest to, że prawie wszystkie dzieła surrealistów nastawione są na interpretację, przedstawiają nie przedmioty, ale ich idee i obrazy. W związku z tym odbiór surrealistycznych obrazów i tekstów wymaga od widza i czytelnika pewnego przygotowania mentalnego i emocjonalnego, które pozwoliłoby im znaleźć z nimi wspólny język. Chęć wyrażenia swoich myśli i emocji skomplikowanym językiem, w zasadzie przeskakiwanie przez logiczne mosty, brutalna i fantazyjna skojarzalność oraz nasycenie tekstu znaczeniami pośrednimi sprawiają, że lektura dzieł surrealistycznych jest ekscytującym, choć nie zawsze łatwym zajęciem.

Powszechnie przyjmuje się, że samo słowo surrealizm „wymyślił” Guillaume Apollinaire, używając go po raz pierwszy w jednej ze swoich sztuk teatralnych w 1918 roku oraz w artykule z tego samego roku „Duch czasu i poeci”. Jako termin po raz pierwszy użyto go dwa lata później, w artykule przyszłego mistrza tego ruchu, poety Bretona, poświęconym temu samemu Apollinaire’owi. Wydane w tym samym roku klasyczny tekst surrealizm - książka „Magnetyczne ścieżki” Bretona i Soupaulta, która zdaniem autorów ukazuje rewolucyjne możliwości pisma automatycznego. Zatem surrealizm zaczął się nie od pojedynczych tekstów, ale od razu swego rodzaju „księgi próbek”, antologii, w której znalazły się dzieła różnych gatunków: mniej lub bardziej spójne opowiadania, fragmentaryczne notatki i wiersze.

W swoim autokomentarzu do książki Breton jako jedną z jej głównych cech wymienia dużą i stale zmieniającą się szybkość pisania, charakteryzującą z tego punktu widzenia poszczególne teksty zawarte w książce. Jednocześnie autor w pełni spójną, racjonalnie skonstruowaną historię nazwał „Zaćmieniem” najszybciej (a więc i najbardziej automatycznie). A tak wygląda jeden z wierszy znajdujących się w książce – „Zasłony” z cyklu „Powiedzenia Kraba Pustelnika”:

Pułapki na myszy zgasiły grzejnik białego południka sakramentów
Korbowód statku
tratwa ratunkowa
Pięknie opadają piękne glony w różnych kolorach
Dreszcz nocnych powrotów
Dwie głowy płaskie łuski

Następnie w latach 1922-1923 surrealiści przeprowadzili serię sesji sennych („epidemia snów”), podczas których poeta Robert Desnos dyktował to, co widział w snach i odpowiadał na pytania uczestników sesji; odpowiedzi zostały nagrane, a następnie opublikowane w formie transkrypcji. Według Bretona Desnos czytał „w sobie, jakby w otwarta książka i wcale nie zależało mu na ocaleniu tych liści, rozwianych na wietrze jego życia.”

W 1924 roku ten sam Bretończyk stworzył „Manifest surrealizmu”, w którym wymieniono starannie wybrane nazwiska poprzedników nowego kierunku. Wśród nich znajdziemy Swifta, markiza de Sade, Chateaubrianda, Hugo, Poe, Baudelaire’a i innych znanych pisarzy przeszłości. Co więcej, każdy z nich, zdaniem Bretona, okazuje się surrealistą w jednej dziedzinie: Swift jest surrealistą w kaustycyzmie, Sade w sadyzmie, Rimbaud w praktyce życiowej i na wiele innych sposobów, i tak dalej.

W tym samym czasie zaczęto ukazywać się czasopisma „Surrealizm” i „Rewolucja surrealistyczna”. Ten sam rok 1924 datuje się na zbiorową broszurę surrealistów o śmierci klasyka literatury francuskiej Anatole France – kolejny manifest rodzącego się ruchu, który wyraźnie odzwierciedlał inną ważną zasadę estetyki surrealizmu – odwołanie do tzw. czarnego humoru .

W 1924 r. ukazał się surrealistyczny dramat Rogera Vitraca „Sekret miłości” (wystawiony w 1927 r.). Pomimo tego, że w najczystszej formie surrealizm objawiał się przede wszystkim w poezji i bez fabuły krótka proza, dramaturgia również zajmowała ważne miejsce w jego arsenale. Według Bretona „formy języka surrealistycznego najlepiej nadają się do dialogu”, co surrealiści robili w swoich codziennych zabawach, które później publikowali jako dzieła zbiorowe. Oprócz nagrań wymarzonych sesji Desnosa było to np. gra słów„Exquisite Corpse”, którego uczestnicy podpisali czasowniki orzeczeniowe słowami podrzędnymi wobec ich niewidocznych rzeczowników podmiotowych. Wiadomo, co dzieje się w wyniku takich zabaw: jest to dość powszechna rozrywka w codziennym życiu uczniów i studentów na całym świecie. Ale tylko surrealiści postanowili uznać tę prostą grę za dzieło sztuki, ponieważ całkowicie pokrywała się z ich koncepcją spontaniczności procesu twórczego, jego nieprzewidywalności.

Tę samą technikę wykorzystano w innych grach – np. przy układaniu spójnych dialogów, w których osoba udzielająca odpowiedzi nie zna zadawanego pytania. Efektem są następujące definicje: „Co to jest samobójstwo? - Wiele ogłuszających rozmów; Jaka jest radość życia? - To jest piłka w rękach ucznia; Co to jest malowanie? „To trochę białego dymu”. Dialogi te są dość podobne do tych, które surrealiści komponowali dla swoich bohaterów indywidualne zagrania, nie można nazwać całkowicie pozbawionymi sensu – wręcz przeciwnie, nieoczekiwane zderzenie fraz zmusza czytelnika do zajrzenia w nie ukryte znaczenie i zwykle kończy się to sukcesem. Zwłaszcza, gdy autorami pytań i odpowiedzi są profesjonalni pisarze, którzy umiejętnie i z wyobraźnią konstruują swoje uwagi.

Akcja większości sztuk surrealistycznych, których autorami byli T. Tzara, J. Ribmont-Dessaigne, Breton i Soupault, rozgrywa się w tym samym pozornie absurdalnym duchu. I tak w sztuce tego ostatniego „Proszę” (1920) odnajdujemy dialogi napisane w zabawny sposób:

Paweł: Kocham Cię. (Długi pocałunek.)

Valentina: Mleczna chmura w filiżance herbaty...

Jeśli chodzi o duże gatunki, sensowne jest mówienie tylko o większym lub mniejszym wpływie estetyki surrealistycznej, która z definicji nie jest w stanie zorganizować obszernego, spójnego tekstu. Kiedy jednak surrealiści odchodzą nieco od zasady automatyzmu, udaje im się stworzyć opowieść, a nawet powieść. I tak opowiadanie Bretona „Nadia”, wczesna proza ​​Aragona i powieści R. Crevela, zachowując przy tym obowiązującą dla surrealizmu atmosferę zaskoczenia i chaosu tego, co się dzieje, oraz ukazując dziwaczny, subiektywny obraz świata, przy jednocześnie okazują się całkiem czytelne. To prawda, że ​​​​w większości przypadków proza ​​ta z wielkim trudem wpisuje się w tradycyjne wyobrażenia o gatunkach - mamy tu raczej przed sobą rodzaj mutantów gatunkowych.

Na przykład w 1925 r. B. Pere i P. Naville utworzyli „Biuro Badań Surrealistycznych”; W tym czasie ruch miał już platformę teoretyczną; do poetów teoretycznych dołączyli prozaicy, artyści i filmowcy. W tym samym roku surrealiści opublikowali na łamach swojego pisma szereg apeli – do rządów świata („Otwórzcie więzienia. Rozwiążcie armię”), do rektorów uniwersytetów europejskich, do Papieża (z charakterystyczne oskarżenie: „Wkładasz Boga do kieszeni”), kierowanym do naczelnych lekarzy szpitali psychiatrycznych. Wszystkie zawierają gniewne oskarżenia pod adresem istniejącego porządku świata. Natomiast apele do szkół buddyjskich i Dalajlamy są swego rodzaju prośbami o pomoc i przewodnictwo duchowe, nie pozbawione jednak pewnej ironii („Wymyślcie nam nowe domy”).

Kontynuując teoretyczne samostanowienie surrealizmu, w 1927 roku Louis Aragon stworzył „Traktat o stylu”, uzasadniając w nim fundamentalną odmowę przestrzegania przez literaturę surrealistyczną zasad ortografii. W kontekście ogólnej doktryny pisma automatycznego brzmi to całkiem logicznie, a surrealiści konsekwentnie przestrzegali proponowanej przez Aragona antyreguły. To od nich poeci różnych orientacji zaczęli świadomie odmawiać stosowania w poezji tradycyjnego, „prozaicznego” systemu znaków interpunkcyjnych.

Ogólnie rzecz biorąc, poeci surrealistyczni znacznie rozszerzyli zakres środków artystycznych poezji europejskiej. Po pierwsze, ustalili dominację wiersza wolnego (wiersza wolnego), który nie krępuje poety tradycyjnymi ograniczeniami formalnymi w postaci metrum sylabicznego, rymu, zwrotki regularnej i tak dalej. Nie mniej istotne było odrzucenie obowiązkowego logicznego powiązania elementów, przejście od sztywnej struktury tekstu poetyckiego do lirycznego strumienia świadomości, który obejmuje na równych prawach zarówno naturalne, jak i całkowicie dowolne, przypadkowe skojarzenia. Wreszcie surrealiści stoją u źródeł takich nurtów współczesnej poezji światowej, jak konkretyzm i poezja wizualna. W tym sensie można powiedzieć, że prawie wszystko poezja współczesna wywodzi się z twórczej praktyki surrealizmu, która ostatecznie wyzwoliła świadomość artysty słowa.

W tym samym 1927 roku, co traktat Aragona, ukazały się „Wizje półsenu” artysty Maxa Ernsta – swoista kontynuacja eksperymentów Desnosa. W następnym roku Breton i Aragon nagrali i opublikowali swoje „Gry surrealistyczne” - kolejne doświadczenie w tworzeniu nowego gatunku, którego surrealiści wymyślili już całkiem sporo. Co więcej, większość z nich ukazała twierdzenia poetów nowego kierunku o rozwiązywaniu problemów nie tylko artystycznych, ale także psychoterapeutycznych.

Wreszcie w 1929 roku Breton napisał drugi manifest surrealizmu, podsumowujący dziesięcioletnie istnienie nowego nurtu w sztuce. W Nowa praca Po raz kolejny wymienia się poprzedników i ocenia ich wkład w powstanie surrealizmu, analizuje doświadczenia współczesnych surrealistów, nakreśla program nowych działań – tym razem dostosowanych do idei okultyzmu.

Jednocześnie pod koniec lat dwudziestych XX w. w obozie surrealistów zaczął pojawiać się rozłam. Następnie grupa radykalnych surrealistów dołączyła do ruchu marksistowskiego we Francji, część z nich uczestniczyła w ruchu oporu, a nawet wstąpiła do Partii Komunistycznej.

Następnie ścieżki surrealistów rozeszły się w różnych kierunkach. Eluard i Aragon porzucili złożoność obrazów właściwą estetyce surrealistycznej i stopniowo zwrócili się w stronę neoklasycznych form poezji i prozy, w pełni zgodnych z ich sympatią dla ideologii komunistycznej. Pozostali poeci i artyści kontynuują poszukiwania formalne, otwierając coraz to nowe horyzonty twórczości skupionej na podświadomości.

Zainteresowanie surrealizmem wzmagało się wielokrotnie w kolejnych dziesięcioleciach. Tym samym jego wpływ dał się odczuć w twórczości wielu poetów Ameryki Łacińskiej, w poezji i dramacie Stanów Zjednoczonych i krajów słowiańskich lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku, a następnie lat siedemdziesiątych XX wieku. Można śmiało powiedzieć, że techniki wypracowane przez surrealistów miały i nadal wywierają wpływ na sztukę XX wieku.

Poezja rosyjska przyjęła pewne techniki pisania surrealistycznego dość późno, bo w latach 80. i 90. XX wieku. Elementy surrealistycznej obrazowości odnaleźć można w niektórych wierszach I. Brodskiego, G. Sapgira, G. Aigi; Artysta i poeta Lew Kropiwnicki najkonsekwentniej zajmował się poetyką surrealistyczną w latach 70.–80. XX wieku.

Z reguły Dali od razu przychodzi na myśl, ale surrealizm jest pełen wielu innych wspaniałych i utalentowanych artystów. Jeden post to za mało, żeby omówić wszystkich, a wybranie 10 najlepszych spośród surrealistów będzie dla mnie prawdziwą męką. Dlatego też przedstawiam Waszej uwadze TOP 10, a właściwie 10 z tych, których nazwiska jako pierwsze przyszły mi do głowy, żeby było uczciwie ;)

1. Salvador Dali (1904-1989)- Do Wydawać by się mogło, że tego człowieka nie trzeba przedstawiać, a jego nazwisko znane jest nawet tym, którym daleko do sztuki. Salvador to jedna z największych postaci surrealizmu i świata sztuki w ogóle. Oprócz wyjątkowe dzieła, Dali jest znany ze swoich niezwykłych obrazów i ekstrawagancji.

„Nie jestem surrealistą , Jestem surrealizmem”

- Salvador mówił o sobie bez nadmiernej skromności. Czytając o nim książki, oglądając biografie, często można usłyszeć od otaczających go osób, że dosłownie wszystko, czego dotknął artysta, stało się już surrealizmem.

„Jestem całkowicie normalny. A nienormalny jest ten, kto nie rozumie mojego malarstwa, ten, który nie lubi Velasqueza, ten, którego nie interesuje, która jest godzina na moich płynnych tarczach – pokazują dokładną godzinę” – Salvador Dali

2. Maks Ernst (1891-1976)-przynajmniej jeszcze jeden jasny przedstawiciel surrealizm, mistrzu frotaż i kolaż . Ernst nigdzie się nie uczył, mówią, że jest artystą samoukiem. Interesujący fakt: Od 1909 studiował filozofię na uniwersytecie w Bonn, ale wkrótce porzucił to zajęcie i poświęcił się całkowicie sztuce. W czasie studiów dogłębnie studiował psychologię i interesował się sztuką osób chorych psychicznie.

W 1930 roku artysta współpracował z Salvadorem Dali i Luisem Buñuelem przy filmie „Un Chien Andalou”. Nie będę grzęznąć i opóźniać czasu paplaniną, którą można już znaleźć w Internecie, i przejdę bezpośrednio do niektórych obrazów Ernesta:

3. René Magritte (1898-1967)- Obrazy tego artysty opierają się na efekcie odsunięcia rzeczy od jej zwykłego znaczenia, np. widzimy fajkę, ale potem pojawia się podpis „To nie jest fajka”. U Magritte'a, w przeciwieństwie do innych wielkich surrealistów, przedmioty prawie nigdy nie tracą swojej „obiektywności”: nie rozprzestrzeniają się, nie zamieniają się we własne cienie. Jednak już samo dziwne połączenie tych obiektów robi wrażenie i skłania do refleksji.

„Surrealizm to rzeczywistość wolna od banalnych znaczeń”

- Rene Magritte’a

4. Jacek Jerka (ur 1952)- Yerka to pseudonim twórczy utalentowanego polskiego artysty Jacka Kowalskiego. Artysta jest laureatem prestiżowej nagrody World Fantasy Award jako najlepszy artysta w dziedzinie malarstwa fantastycznego.

« Wydaje mi się, że lata 50. to swego rodzaju złoty wiek. Ten szczęśliwe lata Moje dzieciństwo, przepełnione magią otaczającego mnie świata. W mojej twórczości odbija się to na budynkach, meblach i różnych przedwojennych bibelotach. Gdybym miał narysować komputer, z pewnością zastosowałbym do niego także przedwojenną estetykę » – mówi Jacek Yerka

5. Władimir Kusz (rok urodzenia: 1965)- urodziła się i wychowała w Moskwie, obecnie mieszka na Hawajach. Kush ma 4 galerie w USA i planuje w przyszłości otworzyć kolejne galerie na całym świecie. Naprawdę ciężko było wybrać tylko 4 prace do tego wpisu! Jego fantastyczny świat kusi i mimowolnie budzi chęć odnalezienia się w nim:

6. Konstantin Kalinowicz (ur. 1959)- niesamowity artysta pochodzący z Rosji. Członek korespondent Królewskiego Towarzystwa Malarzy i Grawerów (Wielka Brytania), posiadacz duża ilość międzynarodowe nagrody i wyróżnienia w dziedzinie grafiki drukowanej. Prace artysty znajdują się w Royal Academy of Arts (Londyn, Wielka Brytania) w języku rosyjskim Biblioteka Narodowa(St. Petersburg, Rosja), w Cedar Rapids Museum of Art (Iowa, USA), na Uniwersytecie Walijskim (Aberystwyth, Wielka Brytania), w Muzeum Davisa (Wellesley, USA), a także w kolekcjach prywatnych na całym świecie świat.

7. Rafał Olbiński (ur. 1947) - Polski ilustrator od dawna mieszka i pracuje w USA. Jednak jego rozwój jako artysty miał miejsce w rodzinnej Polsce, gdzie Rafał dorastał i wychował się środowisko kulturowe społeczność teatralna. Nie ma wątpliwości, że Olbinsky jest utalentowany, ale tak właśnie jest, gdy moim zdaniem brakuje mu indywidualności.

8. Aleks Andriejew (ur. 1972)- artysta z Petersburga. Najprawdopodobniej często natrafiałeś na jego rysunki w Internecie.

Krótko pisze o sobie: „W mojej głowie nie ma karaluchów. Dawno temu zostały pożarte przez inne, znacznie większe i bardziej niebezpieczne stworzenia.

9. Todd Schorr (ur. 1954)- wyjątkowy artysta tworzący w gatunku pop-surrealizmu. Obrazy Todda Schorra to rozkosz popkulturowych doświadczeń, szalona mieszanka Las Vegas neonu, starego Kreskówki Disneya, wycieczki po LSD, szczekacze na targu w Tangerze, mistycyzm Lewisa Carrolla, obrazy Dali i Picassa, okładki magazynu TIME, wielkie przedstawienia cyrkowe z najwyższej półki. Todd Schorr mieszka i pracuje w Beverly Hills w Kalifornii. Jest to jeden z najdroższych i artyści odnoszący sukcesy USA.

10. Greg Simkins (ur. 1975)– Nie skłamię, nazywając go jednym z moich ulubionych współczesnych surrealistów. Przez pewien czas Greg zajmował się graffiti pod pseudonimem Craola. Brał także udział w opracowywaniu takich gry komputerowe jak Tony Hawk 2X, Spiderman 2 i Ultimate Spiderman, a także współpracował z takimi firmami jak Disney, Mattel, Vans i Converse. Nie musiał długo być artystą nieznanym i wkrótce uzyskał tytuł licencjata sztuki artystyczne w pracowni artystycznej na California State University w Long Beach.

Dodaję tylko 4 jego prace, ale gorąco polecam sprawdzić resztę!

.... Wiem, wiem, że czas to zakończyć! Zaplanowano tylko 10, ale nie mogę powstrzymać się od umieszczenia ich na tej niesamowitej liście Ocena A Raiden A (ur. 1963). Na jego obrazy polują kolekcjonerzy z całego świata. Do jego klientów należą takie gwiazdy jak Stephen King, Alton Brown, Leonardo DiCaprio, Danny Elfman, Chris Carter, Bridget Fonda i wielu innych.

Według słów Raidena: „Chcę to poprzedzić stwierdzeniem, że tak naprawdę to nie ja maluję swoje obrazy. To wszystko Magic Monkey. Przychodzi do mojego studia późnym wieczorem, kiedy panuje cisza. Niezgłębione rzeczy dzieją się, gdy większość ludzi śpi. Pomagam Magicznej Małpie, ale ona robi prawie wszystko. Moim największym dziełem jest pomóc jej zaistnieć. Jest niezwykle kapryśna. Prawa półkula mózg jest bardzo ważny; Muszę zmienić zdanie logiczne myślenie do kreatywności, aby uwolnić wolne doznania. Jeśli zacznę dużo myśleć, lepiej będzie, jeśli pójdę się zdrzemnąć lub pobawię się z synem. Bo wszystko powinno dziać się naturalnie, niemal nieświadomie. Kiedy uwierzysz, wszystko się wydarzy. Poczujesz to. To jak magia. Przychodzi małpa, puka do drzwi, wyjmujemy z pudełka farby i pędzle, idziemy tworzyć sztukę.”

Wokół jego dzieł panuje wiele kontrowersji – jedni uważają je za złe, a artysta jest chory psychicznie, inni natomiast dopatrują się w obrazach Marka sensu i podziwiają jego obrazy. Zdecyduj sam, jakim typem jesteś:

Drogie Plotki i Plotki, jakie jest Twoje zdanie na temat surrealizmu i czyje dzieła najbardziej przypadły Ci do gustu? Jak daleko współczesny surrealizm odszedł od wczesnego surrealizmu (jeśli oczywiście można go tak scharakteryzować) i w jakim kierunku? Chętnie posłucham! Nie żegnam ;)

„Gracze w karty”

Autor

Paula Cezanne’a

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po osobistej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie obiektu lub fabuły na płótno, dlatego jego obrazy nie wywołują u widza dezorientacji. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowych tekstur nadawał kształtom obiektów niesamowitą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890–1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera Georg Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowego” dzieła Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Acquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz za 250 milionów trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Katar.W lutym 2012 roku sfinalizowano największą w historii malarstwa transakcję na dzieła sztuki. Dziennikarka Alexandra Pierce poinformowała o tym w Vanity Fair. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

Muzeum Arabskie zostało otwarte w Katarze w 2010 roku. Sztuka współczesna i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.

Najbardziejdrogie malowaniena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten mały kraj ma największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju i kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety mają prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al-Dżazira. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2

"Numer 5"

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich rozlewał farbę na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej. Od najmłodszych lat interesował się filozofią Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Nieprzypadkowo autor nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock zmieszał farbę z piaskiem, rozbite szkło, ale pisał kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem, łyżką. Artysta cieszył się tak dużą popularnością, że w latach 50. XX wieku naśladowcy znaleźli się nawet w ZSRR. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał na aukcji Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawnicza wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Tylko jedno jest pewne: meksykański finansista naprawdę jest w dobrej formie Ostatnio gromadził dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku miało to miejsce wystawa osobista artysta. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając ich autora za wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa i szeroka kreska, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiały się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach twarzy. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu, która trafiła na aukcję.

Od lat 70. obraz przechowywany był w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stevenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął wyprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić gazetę Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu „Dama z gronostajem” Leonarda da Vinci. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także źle narysowana korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeliBloch-Bauer I”

Autor

Gustava Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, ale dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca przejął odpowiedzialność za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Każdy widz zatrzymuje się przed jego obrazami: szczery erotyzm jest wyraźnie widoczny pod cienkimi pociągnięciami złota.

138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Twórczość artystki wywołała konflikt pomiędzy całym państwem a jedną starszą panią.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnim życzeniem było przekazanie obrazu Austriakowi galeria państwowa. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria miała trudności z zakupem” Złota Adela„, ale potem pojawiła się dziedziczka – Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altmann przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego film „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: przeprowadzono negocjacje w sprawie pożyczek, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili postępowania miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła testament Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz został zakupiony przez Ronalda Laudera, właściciela „ Nowa galeria„w Nowym Jorku, gdzie mieści się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (jest pięć kopii) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo depresyjnej tematyki jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weźmy na przykład „Krzyk”.

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's

Pełny tytuł obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jeden z klucz działa Ekspresjonizm ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został skradziony dwukrotnie różne muzea, ale została zwrócona. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i ponownie gotowy do wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jego drukowanych kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Munch napisał cztery wersje pracy na jeden temat: ta znajdująca się w kolekcji prywatnej wykonana jest pastelami. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Lincoln Art Center. Muzeum metropolitalne sztuka On ma największa kolekcja obrazy współczesnych artystów i klasycznych mistrzów minionych wieków.

6

„Akt na tle popiersia i zielonych liści”

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku występuje podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu i przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu bohater znalazł uznanie, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – wg Wielka miłość, co, jak zawsze w przypadku Picassa, było krótkotrwałe. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Płótno zakupił nowojorski handlarz Paul Rosenberg, który w 1951 roku sprzedał je Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta kończył 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie’s. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie wystawiono ją po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy’ego Warhole’a

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla firmy I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola to nazwa nadana epoce pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w studiu Factory, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego wybitni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol testował technikę sitodruku – wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Tę metodę zastosował także podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz ma wrażenie, że widzi materiał z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Ten pierwszy wydał w 2008 roku 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tyle że za wyższą cenę. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalot pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać „Osiem Elvisów” nieznanemu nabywcy za rekordową dla Warhola kwotę – 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,Czerwony żółty"

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dvinsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie) w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale i zdobył stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.

206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, w latach 60. XX wieku stały się brązowo-fioletowe, by po śmierci artysty zgęstnieć i przejść w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor rozpuszczający się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, aby widz „wciągnął się” w kolor niczym w lejek. Bądź ostrożny: patrzenie według wszystkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowej świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu i oczyszczenia. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silny wpływ emocjonalny (mówią, czasem uzdrawiający). Artystka deklarowała: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i takie przypadki rzeczywiście miały miejsce. Według teorii Rothki ludzie w tym momencie przeżywają to samo duchowe przeżycie, jakie on przeżył podczas pracy nad obrazem. Gdybyś mógł to tak zrozumieć subtelny poziom, to nie zdziwisz się, że krytycy często porównują te dzieła sztuki abstrakcyjnej do ikon.

Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowa cena na aukcji Christie’s w Nowym Jorku wynosi 35–45 mln dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostaje ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, zupełnego imiennika, a jednocześnie dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego tropy pomieszały się w całej Europie. Za jego życia jego prace były wystawiane w wiodących centra kulturalneświata, w tym Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za okres początkowy swojej twórczości sam artysta uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył wielkie arcydzieła. Przed powstaniem „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez Furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a Furie są jego udręką. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale czym jest kilka milionów dla konesera sztuki, i to hojnego? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90., na co znaczący wpływ miała jego przyjaciółka Dasza Żukowa, która została współczesna Rosja modna właścicielka galerii. Według nieoficjalnych danych biznesmen osobiście jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadjewicz.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Obiad na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury i prawdziwe malarstwo jakie podejmował podczas swoich podróży wzdłuż wybrzeża i dalej na dworze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także zapalonym ogrodnikiem i uwielbiał przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazach późnego Moneta temat wody i życia w niej zajmuje szczególne miejsce. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął malować. Cykl „Lilie wodne” składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody wygląd stawu stale się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy doszedł do zrozumienia istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Muzeum Narodowym Sztuka zachodnia(Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones rozpoczął naukę w szkole projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe przedmioty: butelkę po piwie, flagę czy kartki. W filmie Falstart nie ma jasnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” etykietując kolory na obrazie, odwracając samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby można go było określić inną metodą”. Według krytyków jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” obraz kupił nieznany nabywca.

12

„Siedzinagina kanapie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani od dzieciństwa często chorował, w czasie gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka rozkwitła.

65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby's

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a następnie żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnim rekordem przed sprzedażą „Aktu siedzącego na sofie” w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za cenę maksymalną za Modiglianiego przy ul ten moment cena. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, chory na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią doprowadziło Qi Baishi do malarstwa. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Chińskie Ministerstwo Kultury przyznało mu tytuł „Wielkiego Artysty” Chińczycy„, w 1956 roku otrzymał Nagroda Międzynarodowa pokój.

10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Strażnik Chin

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Najbardziej uznawana jest kompozycja „Orzeł na sośnie”. ważne dzieło artysta. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono dzieło, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Sam zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-nr 1”

Autor

Clyfforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedziłem Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i byłem rozczarowany. Później zapisał się na kurs w Studenckiej Lidze Artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć - okazało się, że „nie dla niego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie

79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Still zapisał wszystkie swoje dzieła, ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, jednak sama budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią ponownie na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-Nr 1” został sprzedany za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie na 25–35 mln dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).

71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Obraz przechowywany był w Muzeum Miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym ukazał się „Manifest suprematyzmu”, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją zapowiadał, że nie zostanie sprzedane za mniej niż 60 milionów dolarów. prywatna kolekcja. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „Kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją na aukcji Phillipsa za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować i zaprzyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na podróż w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których wyczuwalny jest subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście wdawać się w rozwiązłe związki. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak dla Gauguina było tam tłoczno i ​​wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

"Żonkile i obrusy w odcieniach błękitu i różu"

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 roku Henri Matisse dostał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, mama kupiła mu farby. Początkowo Matisse z nudów kopiował kolorowe pocztówki, potem kopiował dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, aż na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie

Malarstwo „Żonkile i obrusy w kolorze niebieskim i różowe odcienie» przez długi czas należał do Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre’a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie’s. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w odcieniach błękitu i różu”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze słynnego cyklu obrazów malowanych na obrusach, dzieło to, jako jedyne, znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyZawietrzny

htensteina

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Lichtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność posługiwania się ironią uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.

91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Któregoś dnia w ręce Lichtensteina wpadła guma do żucia. Przeniósł obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tej historii z jego biografii zawarte jest całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Mój prawdziwe imię– Cornelis – artysta zmienił się w Mondriana po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.

27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzyczni” artyści XX wieku utrzymywali się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork zainspirowały go najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie Woogie" - najlepszy przykład. Charakterystyczne, schludne kwadraty uzyskano za pomocą taśmy samoprzylepnej, ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wypuścił słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużymi nadrukami w kratkę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

BazyliaKandinsky'ego

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z rządem sowieckim, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasach nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, a w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu swoich naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernand Léger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Léger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie uczęszczał do Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

David Norman, prezes międzynarodowego działu impresjonizmu i modernizmu w Sotheby's, uważa ogromną kwotę zapłaconą za „Błękitną damę” za w pełni uzasadnioną. Obraz należy do słynnej kolekcji Légera (artysta namalował trzy obrazy o tej samej tematyce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwigaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla Niemiecki ekspresjonizm Kirchner stał się postacią ikoniczną. Jednakże lokalne autorytety Zarzucano mu, że uprawia „sztukę zdegenerowaną”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspirowało go zamieszanie i nerwowość duże miasto. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku szczególnie dotkliwie odczuwa się niepokój artysty: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Było to ostatnie dzieło ze słynnej serii sprzedane na aukcji, pozostałe znajdują się w muzeach. W 1937 roku hitlerowcy surowo potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł wywieziono z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Urlopowicz"tancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od pracy kopisty w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i w końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być szpiegowane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. „Resting Dancer” został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższe dzieło artysty, jakie kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabraniał ich zmiany. Zastanawiam się, jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Obraz"

Autor

Joanna Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiedział się po stronie republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowskim reżimem do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro namalował obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Drugi tytuł obrazu to „ Niebieska gwiazda" Artysta namalował go w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie naśmiewał się z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując prace śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Obraz” należy do cyklu „obrazów snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, jednak jedna rozmowa telefoniczna incognito rozstrzygnęła spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yvesa Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnika, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s

Pierwsza wystawa monochromatycznych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy”. Kolor niebieski Kleina.” Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając tekturę, wykonując odbitki ciała człowieka na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.

26

„W poszukiwaniu Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence'a Alma-Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”, aby móc pojawiać się na pierwszych miejscach w katalogach dzieł sztuki. W Wiktoriańska Anglia jego obrazy cieszyły się takim zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. W obrazach próbował najdrobniejsze szczegóły aby zobrazować epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu nawet się uczyłem wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim i w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego tematy mitologiczne. Artysta za życia był niezwykle poszukiwany, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Teraz zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, która jest siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection Museum w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Do widzenia artyści mody Wiek XX stworzył pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedał je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i sprzedawały się z sukcesem, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret nagiego śpiącego urzędnika” – jak podaje „The Sun” – kupił koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden Gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Légera, a także współpracował z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Gris, przez w moich własnych słowach, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co upodabnia twórczość do geometrii. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło w stylu kubistycznym „Tribute to Picasso”. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był sławny i lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda”

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, gdy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa Chups.

25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Podczas tej historycznej wizyty namalowano obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uwiecznienia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marka Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30. XX w., podczas przejęcia władzy przez nazistów, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.

80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s

Obraz „Rocznica” uznawany jest za jeden z najlepsze prace artysta. Zawiera wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii mieszczańskiego życia zostaje zachowany klimat baśni, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie czerpał ludzi z życia, a jedynie z pamięci lub wyobraźni. Obraz „Rocznica” przedstawia samego artystę i jego żonę Belę. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, w nowojorskim Museum of Modern Art MoMA znajduje się dokładnie taki sam egzemplarz, tyle że pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

przygotował projekt
Tatiana Palasowa
ocena została opracowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13 (maj-czerwiec 2013)