Saratów. To ciekawe miasto o bogatej historii położone jest prawie tysiąc kilometrów od stolicy. Początkowo znajdowała się tu twierdza graniczna, jednak stopniowo przekształciła się w miasto kupieckie. Pod koniec XIX wieku Saratów nadal był prowincją, co stanowiło uderzający kontrast między nimi
„problemy kanalizacyjne i „paryskie rozrywki”, a jednocześnie – miasto Wołgi z niezwykłym latem i tajemniczą jesienią. Miasto, które przez długi czas nie było muzeów ani szkół artystycznych. A jednak ziemia Saratowa dała światu Borysowa-Musatowa, Utkina, Kuzniecowa, Pietrowa-Wodkina.
Wiktor Elpidiforowicz Borysow-Musatow urodził się 2 kwietnia (14) 1870 r. Wiktor był pierworodnym ze swoich rodziców. Nie mogliby być bardziej zadowoleni ze swojego zwinnego chłopczyka. Ale w trzy lata chłopiec upadł tak mocno, że z biegiem czasu zaczął mu rosnąć garb. Pomimo swojej zewnętrznej wady Vitya dorastał jako towarzyskie i pełne życia dziecko. Ułatwiła to bezgraniczna miłość rodzicielska. Do dziś przetrwała domowej roboty książeczka P.P. Erszowa „Mały garbaty koń”, wykonany przez ojca Elpidifora Borysowicza dla syna. Chłopiec uwielbiał też marzyć i samotnie wędrować. Dość wcześnie ujawnił kolejną skłonność: zainteresował się rysunkiem.
Zaczął rysować w wieku sześciu lat. „W pobliżu Saratowa na Wołdze jest wyspa” – wspominał później sam Borysow-Musatow. - Ta wyspa nazywa się Zielona. Jako dziecko była to dla mnie niemal „Tajemnicza Wyspa”. Znałem tylko jeden z jego najbliższych brzegów. Był opuszczony i kochałam go za to. Tam nikt nie przeszkodził mi w pierwszych nieśmiałych eksperymentach z paletą.”
Od 11 roku życia Victor jest uczniem drugiej klasy Realnej Szkoły w Saratowie. Chłopiec lubił się uczyć, ale szczególnie pilnie rysował i rysował. Mapy konturowe w jego wykonaniu stały się całymi obrazami. Morze w pobliżu brzegów obrysowano niezwykle malowniczymi kolorami, góry cieniowano z niezwykłą starannością, rzeki i jeziora pokrywały fale.
W szkole Victor zyskał wielu przyjaciół. Chłopaki traktowali go życzliwie, nie śmiali się z jego nieszczęścia, a Victor „... był wspaniałym towarzyszem, zawsze wrażliwym, a nawet, o ile pamiętam, wesołym, co czyniło jego małą figurę szczególnie wzruszającą” – jeden z jego kolegów z klasy później wspominane.
Od 14 roku życia Victor zaczął zajmować się wyłącznie malarstwem. W Saratowie nie było szkoły artystycznej. Nauczyciel szkoły Wasilij Wasiljewicz Konowałow podjął się nauczania chłopca rysunku i malarstwa. W każdy możliwy sposób starał się poszerzać horyzonty swojego ucznia. W 1885 roku w Saratowie otwarto Muzeum Radiszewskiego, zawierające dużą liczbę dzieł sztuki uznanych klasyków malarstwa. Wiktor odwiedzał muzeum przez długi czas, ale jeszcze więcej czasu poświęcił pędzlom i sztalugom. I pomimo tego, że jego zdrowie było słabe, a plecy bolały go od obciążeń, Victor postanawia na zawsze związać swoje życie z malarstwem. Jeden z pierwszych obrazów napisany przez niego w tamtych latach i zachowany do dziś „Okno” znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
W 1890 roku Borysow-Musatow wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury (MUZHVZ), gdzie studiował przez prawie pięć lat. Jednocześnie jest także wolnym studentem Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu. Bardzo chce kontynuować naukę w Petersburgu, ale wilgotny petersburski klimat źle wpływa na jego zdrowie. Artysta zmuszony jest opuścić Petersburg. Podczas studiów w MUZhVZ Victor uczestniczy w kręgu, w którym w gorących debatach i długich dyskusjach młodzi artyści próbują znaleźć nowe sposoby i style w malarstwie. Tam po raz pierwszy spotka swojego przyszła żona Elena Władimirowna Aleksandrowa, także artystka.
Po ukończeniu MUZHVZ Borysow-Musatow chce kontynuować naukę Edukacja plastyczna. W tym celu przygotowuje się do podróży do Francji. Ale moje serce zawsze przypomina mi Elenę Władimirowna. Zaprasza ją, żeby poszła razem. Ale nie... Jej uczucia do niego są wciąż zbyt małe, by odważyć się na taki czyn. I podróżuje sam.
Borysow-Musatow spędza trzy zimy w Paryżu. „Moje horyzonty artystyczne się poszerzyły” – powiedział później. „Większość z tego, o czym marzyłem, widziałem już zrealizowaną, więc dostałem możliwość głębszego marzenia, posunięcia się dalej w swojej pracy”. Tak znaczące było wszystko, co ten gorliwy student i niestrudzony badacz odnalazł we współczesnej sztuce francuskiej. Przede wszystkim Borysow-Musatow interesował się impresjonizmem i artystami symbolistycznymi.
Ale każde lato spędzał w rodzinnym Saratowie, w otoczeniu bliskich – matki i młodszych sióstr. Był szczególnie blisko swojej siostry Eleny. Była jego najczęstszą modelką. Dla niej matka na prośbę artystki uszyła antyczną sukienkę, a Wiktor sam wykonał krynolinę. Bardzo podoba mu się ten kobiecy wizerunek - czysty, nieziemski, z jakiegoś odległego czasu. „Kobieta w starej sukience z krynoliną jest mniej zmysłowa, a bardziej jak chmury i drzewa…” – wierzył Musatow.
W 1898 r. Borysow-Musatow wrócił z Francji. Jest pełen wiedzy i nie może się doczekać, aż zacznie wdrażać swoje pomysły. Ale skąd wziąć naturę, skąd wziąć modele? Pozowanie dla dziwnego artysty, który wyglądał jak życzliwy skrzat, choć zachował paryską elegancję w ubiorze i wyglądzie, jest dla wielu prowincjonalnych dziewcząt czymś karygodnym! „Dręczy mnie tęsknota, może muzyczna tęsknota za paletą. Gdzie znajdę moje piękne kobiety? Czyje kobiece twarze i dłonie ożywią moje marzenia?” – pisze artystka. A teraz raz po raz widzimy jego ukochaną siostrę na płótnach Borysowa-Musatowa. Obraz „Autoportret z siostrą” rozpoczyna nowy etap w życiu artysty. Praktyka dobiegła końca. Musimy poszukać siebie i spróbować ucieleśnić nieziemsko piękny i boleśnie trudny obraz kobiecego piękna, który prześladuje artystę. „Są artyści” – pisał o Borysowie-Musatowie M. Wołoszyn – „którzy przez całe życie są zakochani w jednej osobie. Nie interesuje ich piękno, to znaczy nie to, co wszyscy uważają za piękno, ale konkretna brzydota. Poświęcają tej brzydocie całą swoją twórczość, ozdabiają ją wszystkimi skarbami swojego talentu, czynią ją przezroczystą, wywyższają ją na tron i mocą swojej miłości tworzą z „brzydoty” nowe Piękno.
A dla natury Borysow-Musatow idzie do starożytności majątki szlacheckie: Sleptsovka, Zubrilovka, Vvedenskoye. Takich wyjazdów w jego życiu było niewiele, ale wszystkie były pełne wrażeń i pracy. Znacząca była wyprawa do majątku Zubrilovka w 1902 roku. Pojechał tam w towarzystwie swojej siostry Eleny, a obecnie jego narzeczonej Eleny Władimirowna Aleksandrowej. Według historii siostry artysty Eleny Elpidiforovnej Musatow „ciężko pracował, korzystając z ciepłych letnich dni i swojej natury, niezawodnie realizując swoje pragnienie planowanych obrazów”. Uznanym arcydziełem tego roku był „Reservoir”. V.K. Stanyukovich wspomina pierwsze wrażenie, jakie odniósł po spotkaniu z obrazem „Zbiornik”: „Przybyliśmy do Victora z niespokojnego życia. Kolory nas oślepiły, nie rozumieliśmy... Zdumieni usiedliśmy przed obrazem i długo milczeliśmy. Zapadła cisza. Victor szedł do drugiego pokoju. „Tak dobrze... Boże, tak dobrze!” – szepnął ktoś cicho. A szeroki strumień szczęścia zalał nasze serca, jakby nie było niskiego warsztatu, za oknem deszczu, tej długiej, prowincjonalnej codzienności. Od razu się ożywiliśmy, zaczęliśmy rozmawiać, hałasować – szczęśliwi, radośni. A Victor uśmiechnął się radośnie zawstydzony.
W 1903 r. Odbył się ślub Wiktora Borysowa-Musatowa i Eleny Aleksandrowej. „Małżeństwo niewiele zmieniło jego życie z wyglądu, zwłaszcza że jego żona należała do świata artystów, ale rozwiązanie kwestii „harmonii miłości” znalazło odzwierciedlenie we wszystkich kolejnych pracach artysty, dodało mu siły, pewności siebie, zrównoważyło jego impulsy i nadał znaczenie i dojrzałość wszystkim dalszym pracom wewnętrzny spokój„- pisze V. Stanyukovich. Elena Władimirowna była nie tylko żoną Musatowa, była przyjaciółką, sojuszniczką i muzą. Jej wizerunek widzimy w wielu pracach jej męża. Pomogła nazwać obrazy. „Szmaragdowy naszyjnik”, „Duchy”, „Park tonie w cieniu”, „Sen bóstwa” - wszystkie te nazwy nadała jej. W grudniu 1904 r. w rodzinie Musatowów urodziła się córka Marianna, która poszła w ślady rodziców. Absolwent Leningradzkiej Szkoły Artystycznej i Przemysłowej. Stanie się wykres książkowy. Będzie żył do 1991 roku.
Według wspomnień siostry V. E. Borysowa-Musatowa, Eleny Elpidiforovnej: „Elena Władimirowna… uwielbiała malować, ale malowała w innym gatunku - wolała krajobrazy, opuszczone miejsca w lesie lub gdzieś w pobliżu rzeki, czasem malowała portrety. W stosunku do brata bardzo dobrze rozumiała i wyczuwała jego pragnienie twórczości i zawsze starała się go uważnie wspierać w chwilach zmiennych nastrojów duchowych”.
Musatow ciężko pracuje. Rocznie tworzył 6-9 gotowych płócien. Ale jego styl nie każdemu odpowiada. Niewiele wystawia, a jego obrazy są rzadko kupowane. Ale bardzo go krytykują lub w ogóle o nim nie mówią. Ale są prawdziwi przyjaciele.
Nie opuszczają go, wiedząc, jak trudne jest życie rodziny artysty. Szczególnie bliscy im byli Władimir Konstantinowicz i Nadieżda Juriewna Stanyukowicz. Władimir Stanyukowicz stanie się jednym z pierwszych biografów Borysowa-Musatowa. A Nadieżda Juriewna była jednym ze stałych modeli artysty i po prostu bardzo sympatyczną osobą. Dlatego jej wczesna i trudna śmierć nie mogła nie wpłynąć na artystkę. „Jej śmierć – pisał – „pogodziła mnie ze śmiercią w ogóle... Czuję, jak w duszę moją napływa jakiś spokój”.
Musatow wraz z rodziną spędził jesień 1905 roku w Tarusie, na daczy Cwietajewów. Jak zawsze ciężko i owocnie pracuje. Ale nagle 26 października (8 listopada) 1905 roku zmarł Borysow-Musatow. Miał 35 lat. W ciągu tego krótkiego życia stworzył 77 obrazów, które przechowywane są w 20 muzeach. Artysta został pochowany na wysokim brzegu rzeki Oka w Tarusie. A w rodzinnym Saratowie cudem ocalała oficyna, w której mieszkał Borysow-Musatow przed wyjazdem do Francji. Teraz istnieje oddział państwa Saratów Muzeum Sztuki nazwany na cześć A. N. Radishcheva z wystawa stała poświęcony artyście.
Do najważniejszych zjawisk w sztuce przełomu XIX i XX wieku należy, obok twórczości V.A. Serow i M.A. Vrubel, V.E. Borysowa-Musatowa (1870-1905). Absolwent Szkoły Moskiewskiej Borysow-Musatow wznosi się ponad jednostronność petersburskiej grafiki i moskiewskich, głównie obrazowych, kierunków, które pojawiły się na początku XX wieku. Impresjonizm ze swoją dbałością o efekty świetlne, reprodukcją płynnych, zmiennych stanów, upodobaniem do szkicu i szeroką manierą malarską (która ujawniła się już w twórczości Lewitana, Korovina i Sierowa) stał się punktem wyjścia punkt twórczego rozwoju Borysowa-Musatowa. Jednakże dojrzały styl tego mistrza w całości należy scharakteryzować jako postimpresjonizm w wersji malarsko-dekoracyjnej, w niektórych cechach zbliżony do stylu Artyści francuscy Grupy „Nabi”.
NA przełomie XIX i XX wieku-XX wieki nowy temat Temat samotności zaczyna stale wybrzmiewać w losach wielu postaci rosyjskiej sztuki. W tej epoce rodzą się „samotni” artyści, którzy gwałtownie zrywają z urzędnikiem szkoła akademicka, z pogardą odwracają się od utartych ścieżek sukcesu i wkraczają na wyjątkową, wyjątkowo oryginalną ścieżkę rozwoju. Przez długi czas – czasem przez całe życie – starają się pozostać poza grupami i nie przyłączać się do żadnej ustalonej ruch artystyczny a przede wszystkim cenią sobie niezależność swojej kreatywne zadania. Artyści tego typu, nawet z bardzo dużym talentem, rzadko kiedy uzyskiwali zauważalną pozycję w sztuce swojej epoki. Nowoczesność odebrała im sławę. Zwykle losem „samotników” była zapomnienie w życiu i w najlepszym przypadku pośmiertne uznanie w wąskim kręgu artystycznym.
Ścieżka „samotnych” artystów często przypomina boczną ścieżkę, uciekającą od głównego kanału rozwoju sztuki rosyjskiej. Jednak w czasach ideologicznego zamętu charakteryzującego kulturę końca XIX i początku XX wieku liczba i znaczenie historyczne te boczne ścieżki rosną. „Samotni” artyści zajmują teraz integralne miejsce Duży obraz kultura. Historia nie ma prawa ignorować ich poszukiwań i osiągnięć – nie tylko ze względu na wyczerpującą kompletność opowieści o sztuce tamtych czasów, ale przede wszystkim dlatego, że najbardziej uzdolnionym i wrażliwym z „samotnych” mistrzów udało się wyrazić ze szczególną wyrazistością pewne istotne cechy ich złożonej epoki, a nawet antycypować pewne trendy ideologiczne i twórcze, które później odegrały znaczącą rolę w malarstwie rosyjskim lat przedrewolucyjnych.
Spośród tych mistrzów najważniejszy był Borysow-Musatow, przede wszystkim pod względem stopnia wpływu na późniejsze malarstwo rosyjskie. Bez wątpienia był też największym z nich pod względem kultury i skali talentu. Borisowa-Musatowa należy nazwać najbardziej typowym z „samotnych” artystów swojego pokolenia, jeśli w ogóle można mówić o „typowości” w odniesieniu do takich zjawisk, w których oryginalność i niepowtarzalność wyniesione są na główną zasadę.
Borysow-Musatow padł ofiarą wszystkich prób, którym poddawani byli „samotni” artyści, którzy wybrali niezależną i niezależną ścieżkę w sztuce. Doświadczył nieuznania, złośliwych ośmieszeń krytyki, oskarżeń o dekadencję, wybryków, a przede wszystkim samotności. Jego obrazów nie zakupiono, projekty malowideł ściennych pozostały niezrealizowane. Borysow-Musatow mógł pomyśleć, że jego praca nie jest nikomu potrzebna. Dopiero w ostatnich latach życia odniósł w końcu pozory sukcesu.
W duchowym wyglądzie „samotnych” artystów często można dostrzec cechy fanatyzmu i zgorzkniałej bezkompromisowości. Borysow-Musatow ich nie miał. Ale jego najbardziej charakterystyczną cechą należy nazwać niezłomność moralną w obliczu prób i niezachwianą pewność co do słuszności obranej ścieżki.
Biografie rosyjskich artystów tej epoki przez większą część nie obfituje w wydarzenia zewnętrzne. Życie Wiktora Elpidiforowicza Musatowa (1870-1905) łatwo jest opowiedzieć w kilku zdaniach.
Nazwisko „Borysow”, dodane przez niego do pseudonimu rodzinnego, jest pseudonimem. Artysta wywodził się ze środowiska demokratycznego. Jego dziadek był chłopem pańszczyźnianym, ojciec był drobnym pracownikiem kolei w Saratowie. W tym mieście upłynęła większość życia artysty. Tutaj, w przeciwieństwie do innych prowincjonalnych miast, od dawna tworzy się krąg intelektualistów, nieobcych artystycznym zainteresowaniom; istniało nawet „Saratowskie Towarzystwo Sztuk Pięknych”. Podstawy szerokiej kultury estetycznej charakterystycznej dla Musatowa zostały położone już w dzieciństwie. W szkolne lata czytał Lessinga, Taine’a i Hegla. Od swojego nauczyciela, artysty V.V. Konovalov, młody Musatow po raz pierwszy usłyszał o impresjonizmie.
Jednak nawet w zaawansowanym jak na tamte czasy środowisku Saratowa młody artysta nie mógł powstrzymać się od poczucia samotności. Już wtedy jego idee i przemyślenia na temat sztuki były nieporównywalnie bardziej złożone i głębsze niż powszechnie dostępna estetyka prowincjonalnego kręgu intelektualistów. W swojej ojczyźnie Musatow pozostał niezrozumiany. Poczucie osamotnienia pogłębiała niepełnosprawność fizyczna artysty: był garbaty i od dzieciństwa boleśnie odczuwał wyobcowanie ze świata zdrowych ludzi.
Edukacja zawodowa Musatowa rozpoczęła się bardzo wcześnie. Opuścił piątą klasę prawdziwej szkoły, aby całkowicie poświęcić się malarstwu i przez cztery lata malował i malował olejami pod okiem V.V. Konovalova. W 1890 roku dwudziestoletni Musatow wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury, ale w istocie od tego czasu zaczął uczyć się samodzielnie, polegając nie tyle na autorytecie nauczycieli, ile na własnych poglądów i sądów na temat sztuki.
Po krótkim pobycie w szkole moskiewskiej Musatow przeniósł się w 1891 r. do Akademii Sztuk Pięknych, gdzie początkowo pokazywał Wielki sukces, łącząc pracę w klasie figury z zajęciami w prywatnej pracowni P.P. Czistyakowa. Ale rok później, w miarę jak niezależność twórcza Musatowa rosła, różnice między młodym artystą a jego nauczycielami zaczęły się coraz bardziej uwydatniać. Podobnie jak wielu artystów swojego pokolenia, Musatow opuścił Akademię i w 1893 roku wrócił do Szkoły Moskiewskiej, gdzie przebywał przez kolejne półtora roku, wytrwale pracując i uczestnicząc w wystawach studenckich, ale coraz bardziej oddalając się od szkoły. Wreszcie wiosną 1895 roku Musatow ostatecznie zerwał ze szkołą i postanowił doskonalić się za granicą. W latach 1895-1897 każdą zimę spędzał w Paryżu, pracując w pracowni Fernanda Cormona, studiując muzea i uważnie przyglądając się twórczości współczesnych francuskich artystów. Próba nauki u Puvisa de Chavannesa, którego Musatow uważał za największego malarza naszych czasów, zakończyła się niepowodzeniem, ale praca z Cormonem ogólnie zadowalała artystę. Znalazł tu swobodę twórczą, a jednocześnie świadomy, ściśle przemyślany i konsekwentny system nauczania. Jednak nawet w Paryżu pilnie strzegł swojej niepodległości. W pracowni tylko malował i nigdy nie pokazywał Cormonowi swojego obrazu.
Błędem byłoby jednak zaprzeczać znaczeniu szkoły w twórczym rozwoju Musatowa. Sam artysta napomknął o tym, zauważając kiedyś, że trzej najbardziej szanowani nauczyciele, wędrowiec S.A. Korovin, „akademik” P.P. Czistyakow i przedstawiciel spóźnionego klasycyzmu F. Cormon – tym samym zasadom służyli w nauczaniu plastyki. Przekazali charakterystyczną dla siebie umiejętność opanowania środków wizualnych w odtwarzaniu natury, bez narzucania jej poglądy estetyczne i swój własny styl artystyczny. Szkoła – zarówno rosyjska, jak i francuska – odegrała pozytywną rolę w kształtowaniu się mistrzostwa Musatowa.
Jednak jeszcze większe znaczenie dla Borysowa-Musatowa miała znajomość zaawansowanej sztuki francuskiej końca XIX wieku, zwłaszcza dokładne przestudiowanie doświadczenia zawodowego impresjonistów. Borysow-Musatow docenił i pokochał Moneta, Pissarro, Renoira i Morisota na długo przed tym, jak ich wpływ przeniknął do kultury rosyjskiej. kultura artystyczna. W tych latach, gdy przyszli mistrzowie „Świata sztuki” nadal znajdowali oparcie dla swoich poszukiwań w monachijskiej secesji i malarstwie Böcklina, a w swoim rozumieniu impresjonizmu nie poszli dalej niż Whistler i Zorn, Borysow-Musatow zwrócił się z dużą uwagą do dzieła założycieli nowego malarstwo francuskie. W ogóle wyraźnie francuska orientacja malarstwa Musatowa wyraźnie odróżnia go od petersburskiego „Świata sztuki”, wychowanego przede wszystkim na przykładach grafiki niemieckiej i angielskiej.
Zainteresowania młodego artysty zwróciły się także ku późniejszym nurtom postimpresjonistycznym. Sztuka francuska, takim mistrzom jak Denis, Bonnard, Vuillard i Roussel, będącym wówczas częścią grupy „Nabis”, która w wyjątkowy sposób przepracowała tradycję impresjonizmu i połączyła ją z tradycjami malarstwa dekoracyjnego Gauguina i Puvisa de Chavannesa.
Skończyły się lata nauki, zaczęły się lata odosobnienia i ciężkiej pracy. W życiu Musatowa nie było już żadnych „wydarzeń” poza obrazami i szkicami. Od 1898 do 1903 mieszkał w Saratowie, tylko sporadycznie przyjeżdżając do Moskwy.
Jego prace pojawiały się corocznie na wystawach Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów i początkowo budziły jednomyślne potępienie w prasie. Krytyka powoli i z trudem przyzwyczajała się do wyjątkowości malarstwa Musatowa. Chcąc być bliżej Moskwy, artysta opuścił Saratów pod koniec 1903 roku i przeniósł się do Podolska, a następnie do Tarusy. W Ostatni rok Przez całe życie wystawiał swoje prace w Związku Artystów Rosyjskich, a także w Berlinie, Monachium, Lipsku i Paryskim Salonie Jesiennym. 26 października (w starym stylu) 1905 roku zmarł Borysow-Musatow, ledwie dożywszy trzydziestu pięciu lat.
Życie artysty, na pozór tak monotonne, samotne i spokojne, wyróżniało się jednak niezwykłą intensywnością wewnętrzną. Jego samotność była wypełniona niestrudzoną pracą; Dni spędzaliśmy na pracy nad obrazami i na ciągłym, systematycznym czytaniu. Ale świat wyobraźni wydawał się artyście bogatszy i bardziej znaczący niż zwykła codzienna rzeczywistość. Świadomie odwracając się od otaczającej go prowincjonalnej rzeczywistości, Borysow-Musatow prowadził życie samotnego marzyciela. Malarstwo stało się dla niego jedynie środkiem wyrazu lirycznego światopoglądu. Aby zrozumieć duchową atmosferę, w której rozwijała się twórczość Borysowa-Musatowa, należy zajrzeć do jego pamiętników i notatników, do spisów przeczytanych książek. Znajdują się tu nazwiska Nietzschego i Maeterlincka, neoromantyków i symbolistów; filozofia indywidualizmu i poezja pesymistyczna końca XIX wieku odcisnęła wyraźne piętno na myśleniu artysty i problematyce twórczej jego dzieł.
Sztukę Borysowa-Musatowa charakteryzuje wczesna dojrzałość. Już w jego studiach studenckich i pierwszych samodzielnych kompozycjach widać pewną, wcale nie studencką umiejętność i ściśle przemyślaną jasność w stawianiu i rozwiązywaniu problemów artystycznych.
Nie Duży obraz„Kwiaty majowe” (1894, Państwowa Galeria Trietiakowska), napisane przez dwudziestoczteroletniego Borysowa-Musatowa, wprowadzają w atmosferę jego początkowych poszukiwań twórczych, a jednocześnie wyjaśniają przyczyny ciągłych nieporozumień pomiędzy młodym artystą a jego oficjalnymi przywódcami.
Właściwie wszystko tutaj stoi w sprzeczności ze szkolnymi wytycznymi – nawet fabuła, której nie da się przypisać do żadnej kategorii gatunkowej, która wyłoniła się w XIX wieku. W filmie w zasadzie nie ma żadnej fabuły, żadnej dramatycznej akcji rozgrywającej się w czasie. Dwie dziewczynki są przedstawione z dużą czerwoną piłką i bawią się w ogrodzie wśród kwitnących drzew. Postacie dzieci w białych strojach nie są uwydatnione, nie wyizolowane z pejzażu, a wręcz przeciwnie, jakby zlane z nim i roztopione w ogólnej dekoracyjnej harmonii barw. Ostre i trafne obserwacje płynące z żywej natury w wyjątkowy sposób łączą się w obrazie „Kwiaty Maja” ze świadomą konwencją. Impresjonistycznie uogólniając formę, podkreślając kolorystykę, próbując oddać nie tylko jasność i harmonię kolorów, ale także zwiewną okładkę, która je otacza, Borysow-Musatow zdaje się odbijać echem w swoich poszukiwaniach z Konstantinem Korowinem i młodym Sierowem; on jednak nie powtarza ich eksperymentów, lecz podąża samodzielną, całkowicie niezależną drogą; w jego twórczości dużą dekoracyjność widać wyraźnie w rozwiązaniu pozbawionego fabuły obrazu, w którym elementy gatunku i pejzażu łączą się w nierozerwalną całość.
W jednym z notatników Borysowa-Musatowa znajduje się zapis, który wymownie świadczy o charakterze jego zainteresowań. Artystka postanowiła „przeprowadzić eksperyment na głowie kobiety na portrecie w powietrzu, nie krępując się jasnością kolorów. Cała twarz będzie niebieska – jasna, fioletowa, zielona.” Większość jego dzieł, powstałych w latach 1895–1900, reprezentuje szereg podobnych doświadczeń w opanowaniu systemu impresjonizmu; takie są na przykład szkic „Chłopiec w kapeluszu” (1896-1898, Państwowe Muzeum Rosyjskie) czy „Dziewczyna z agawą” (1897, Państwowa Galeria Trietiakowska), w którym zrealizowano powyższy program malarski, czy wreszcie obraz „Harmonia” (1899-1900, zbiory prywatne w Moskwie) z jej szkicami przygotowawczymi (Państwowa Galeria Trietiakowska).
Najważniejszym z tych dzieł jest „Autoportret z siostrą” (1898, Państwowe Muzeum Rosyjskie), przedstawiający artystę i jego siostrę w ogrodzie, przy marmurowym stole z leżącymi na nim różami. W tym pierwszym ważnym dziele Borysowa-Musatowa nie wszystko jest spójne i harmonijne, ale same sprzeczności widoczne na obrazie są charakterystyczne dla rodzącego się twórczego światopoglądu rosyjskiego mistrza.
Obraz jest namalowany jakby w dwóch różnych tonacjach, w dwóch niespójnych ze sobą zasady artystyczne. Tło pejzażu, a także szczegóły scenerii i strój białej kobiety na pierwszym planie – czyli wszystkie elementy dekoracyjne „Autoportretu” – rozwiązane są w systemie technik malarskich impresjonizmu. Kształty ulegają uogólnieniu, kontury rozpływają się w plamach koloru, obiekty ukazane są w świetle; Kolorystyka opiera się na precyzyjnie dobranych odcieniach, osobno rozmieszczonych pociągnięciach dodatkowych tonów i starannie obserwowanych refleksach. Jednak główne obrazy „Autoportretu”, wyrażające jego emocjonalną treść, nie mieszczą się w systemie malarstwa impresjonistycznego. Portretując siebie i swoją siostrę, Borysow-Musatow zwrócił się ku zupełnie innej gamie pomysłów artystycznych i zawodowych techniki twórcze. Twarz kobiety, zwrócona z profilu, jest starannie wymodelowana i wyłania się jako wyraźna sylwetka, nie wolna nawet od graficznej sztywności; Twarz artysty jest namalowana z takim samym naciskiem i szczegółowością. Borysow-Musatow starał się przekazać wewnętrzny świat człowieka głębiej, niż jest to możliwe za pomocą artystycznych środków impresjonizmu.
Zatem impresjonizm jako historycznie ugruntowany ruch twórczy, z charakterystycznym odwołaniem do otaczającej rzeczywistości, przede wszystkim do żywej natury, nie stał się dla Borysowa-Musatowa artystycznym światopoglądem, spójnym i integralnym. Obce były mu stanowiska ideologiczne i zasady teoretyczne francuskich impresjonistów. Impresjonizm na zawsze pozostał dla rosyjskiego malarza jedynie dobrze znanym zestawem profesjonalnych technik, tylko systemem formę artystyczną, co można skontrastować z tradycjami szkół akademickich. W ostatnich latach życia Borysow-Musatow starał się przezwyciężyć dominujący wpływ technik impresjonizmu, przerobić je zgodnie ze specyficznymi zadaniami swojej twórczości, ale ślad techniki impresjonistycznej jest wyraźnie widoczny w jego najbardziej ostatnie prace.
Pod koniec lat 90. XIX w. - na początku XX w. Borysow-Musatow spędzał każde lato w „Sleptsovce” i „Zubrilovce” – dawnych majątkach ziemskich w guberni Saratowskiej. „Zubriłowka” była niezwykły zabytek Rosyjska architektura osiedlowa klasycyzmu. Tutaj artysta odnalazł cały świat obrazów i wątków fabularnych, w które ostatecznie wcieliły się jego, dotąd jeszcze niejasne i nieuformowane plany. Odtąd twórczość Borysowa-Musatowa nabrała własnego charakteru motyw liryczny.
W latach 1901-1904 namalował obszerny cykl obrazów, zróżnicowanych pod względem treści emocjonalnych oraz charakteru decyzji zawodowych i twórczych, ale połączonych jednością jego lirycznego światopoglądu. Tematyka tych obrazów zaczerpnięta jest z przeszłości majątku rosyjskiego, rozumianej jednak w sposób zdecydowanie subiektywny. Artysty nie interesują społeczne i psychologiczne cechy bohaterów. Parkowymi alejkami, przy sztucznych stawach i niedaleko dworu z kolumnami marzycielsko przechadzają się smukłe kobiety w dawnych strojach.
Jego bohaterki pojawiają się w krajobrazie jak bezcielesne wizje, jak duchy minionych czasów.
Równolegle z artystami „Świata sztuki” (choć najwyraźniej niezależnie od nich) Borysow-Musatow zwrócił się ku retrospektywie, jak mogłoby się wydawać, tematem - romantycznej idealizacji starożytności. Krytyka artystyczna początku XX wieku postrzegała go jako „ostatniego poetę”. ostatnie dni kultura majątkowa” i często zbliżała go do Somowa.
To, co łączy Musatowa ze „Światem sztuki”, to to, co krytycy nazywają „marzycielskim retrospektywizmem”. To motyw twórczości obcej współczesności, nostalgii za utraconym pięknem, elegijnej poezji opuszczonych starych osiedli i parków. Ale jednocześnie różnica jest zbyt oczywista – w twórczości Musatowa zwykle nie ma konkretnych realiów historycznych życia i kultury danej epoki, tak ważnych dla „Mir Iskusstiki”. Świat Musatowa znajduje się poza czasem i przestrzenią – jak ujął to jeden z krytyków, jest to rodzaj „ery ogólnie pięknej”. Rosyjska kultura majątkowa jako zjawisko historyczne w istocie nie była głównym tematem Borysowa-Musatowa; służyła jedynie jako zewnętrzna powłoka, w której wyrażała się wewnętrzna emocjonalny świat artysta.
W odróżnieniu od większości artystów z kręgu „Świata Sztuki”, którzy tendencje dekoracyjne właściwe secesji rozwinęli zarówno w malarstwie sztalugowym, jak i w samej sztuce zdobniczej i użytkowej (projektowanie książek, meble, rzeźba, sceneria teatralna i kostium), styl dekoracyjny Borysowa-Musatowa realizowany jest głównie w formie malarstwa sztalugowego.
Wśród obrazów sztalugowych namalowanych przez Borysowa-Musatowa w latach 1901-1904 trudno wyróżnić taki, który byłby centralny i najbardziej charakterystyczny dla mistrza; dzieła tego okresu nie ustępują sobie ani stopniem intensywności emocjonalnej, ani poziomem jakości artystycznej. Aby określić specyfikę malarstwa Borysowa-Musatowa i zauważyć wzorce jego rozwoju, należy zwrócić się do całej serii, od „Spotkania przy kolumnie” (akwarela, pióro, Państwowe Muzeum Rosyjskie) i „Gobelin” (1901, Państwo Trietiakowskie Galeria) i niemal impresjonistyczna „Wiosna” (1901, Państwowe Muzeum Rosyjskie) do obrazów temperowych „Staw” (1902, Państwowa Galeria Trietiakowska), „Spacer o zachodzie słońca” (1903, Państwowe Muzeum Rosyjskie), „Duchy” (1903, Państwowa Galeria Trietiakowska) i wreszcie do ostatniego dzieła z cyklu „Park tonie w cieniu” (1904, Państwowa Galeria Trietiakowska).
Łączy ich przede wszystkim podejście do fabuły. Na żadnym z obrazów nie ma elementów narracyjnych, nie ma nawet śladu „historii”. Fabuła sprowadza się jedynie do motywu. Sam artysta nazwał jedno ze swoich dzieł „Motywem bez słów”. Nazwę tę można zastosować do któregokolwiek z jego późniejszych dzieł sztalugowych. Emocjonalne przeżycia artysty zawarte w jego malarstwie ujawniają się jedynie za pomocą koloru, kompozycji i konstrukcji przestrzeni.
Dominuje kolor. Borysow-Musatow jako malarz myśli przede wszystkim kategoriami kolorystycznymi, tworząc na płótnie wyrafinowaną harmonię plam, blatów i odcieni. Jeśli jednak w stosunkowo wczesnych pracach, jak „Wiosna” z 1901 roku, kolor wciąż odtwarza rzeczywiste wrażenia żywej, konkretnie widzianej natury, to później, w „Ghosts” i „Sunset Walk” kolor staje się coraz bardziej konwencjonalny. W ich konstrukcje kolorystyczne artysta nie czerpie już tyle z natury, ile z dekoracyjnego projektu. Zrywając z tradycją impresjonizmu, Borisov-Musatov porzuca farby olejne i tworzy obecnie przede wszystkim temperą, w jej głębokich, nieco przyćmionych tonach, a także pastelami i akwarelami. W zależności od emocjonalnej zawartości obrazu kolor staje się albo intensywny i intensywnie jasny, albo wręcz przeciwnie, przytłumiony i wyblakły. Zawsze jednak we wszystkich swoich decyzjach kolorystycznych artysta zdaje się podkreślać, że życie, które odtwarza na płótnie, jest iluzoryczne i nierealne.
Jej konstrukcje przestrzenne podporządkowane są temu samemu celowi. Chcąc zachować i podkreślić płaskość płótna, unikając iluzjonistycznej przestrzenności, Borysow-Musatow stawia na wysokie horyzonty i zbliża plany przestrzenne. Ale poczucie niepewnej, jakby upiornej odległości, wnikania w głąb pejzażu – wrażenie tworzone za pomocą koloru i perspektywy powietrznej – jest niezmiennie obecne w obrazach Borysowa-Musatowa. Tworząc kompozycję artysta unika schematów. Jednak wszystkie jego konstrukcje opierają się na głębokim wyczuciu rytmu. Masy obrazowe i plamy barwne są zrównoważone, choć artysta nie podkreśla celowej symetrii w układzie form.
Obraz „Zbiornik” (1902, Państwowa Galeria Trietiakowska) reprezentuje niejako skoncentrowaną formułę systemu malarskiego Borisowa-Musatowa. Płótno przeznaczone jest jako panel dekoracyjny lub gobelin. Linia horyzontu umieszczona jest daleko poza górną ramą kadru, tak że płaszczyzna ziemi ze zwierciadłem zbiornika okazuje się niemal równoległa do płaszczyzny płótna. Błękitne niebo z białymi chmurami oddaje się jedynie w odbiciu na powierzchni zbiornika. Jednocześnie sama powierzchnia odbicia jest nieuchwytna – tafla wody ma być na tyle spokojna i lustrzanie przezroczysta, aby stała się niewidoczna, a odbicie w wodzie odbierane jest na równi z realnymi obiektami. A raczej świat realny i odbity okazują się podobne, wzajemnie odwracalne. Niebiańskie wyżyny wywrócone na niewidzialną powierzchnię zbiornika stają się jakby głębią przestrzennej studni bez dna, na brzegu której żyją ludzkie duchy – swoista malownicza analogia do obrazu symbolicznej studni w twórczości Maeterlincka „Peléas i Melisanda”. Malownicze i strukturę kompozycyjną Obraz ucieleśnia szczególną strukturę kontemplacji, przypominającą sen, w którym zacierają się granice pomiędzy tym, co pozorne, odbite i oczywiste. W takim samym stanie hipnotycznej fascynacji znajdują się bohaterki filmu Musatowa. Nie powiązane werbalnym dialogiem ani żadnym konkretnym działaniem, łączy je odmienna ciągłość rozwoju kompozycyjnego, która ma charakter ruchu po okręgu oraz podobna ciągłość obrazowych i kolorystycznych „melo”. Główne plamy barwne interpretowane są jako dźwięki wypełniające „studnię przestrzenną” wibrującym echem. W twórczości Musatova biel i biel tworzą niezależny temat kolorystyczny, wraz z chromatyczną gamą barw. Ale biel w „Zbiorniku” nie jest kolorem obiektywnym, ale czymś w rodzaju pomocy w malowaniu ikon. Tworzy efekt zamrożonego, migoczącego obrazu na niepewnej granicy pomiędzy „pozytywem” a „negatywem”.
Impresjonistyczne wibracje pociągnięć pędzla Musatow przekształca w czysto dekoracyjny efekt matowej, połyskującej faktury, przypominającej starożytne gobeliny (nieprzypadkowo artysta nazywa jeden ze swoich obrazów z 1901 roku „Gobelinem”). warstwa farby(temperę) wciera się w płótno tak, że na powierzchni obrazu pojawia się ziarnisty relief grubo utkanego płótna. Formularze widzialny świat na tej chropowatej powierzchni wydają się dematerializować, tracić określone kontury i zdają się być utkane z jednej substancji. Świat pojawia się przed widzem przemieniony w swego rodzaju krainę wspomnień, gdzie wszystko oddzielone w czasie i przestrzeni zamieszkuje razem, a jednocześnie wszystko tak naprawdę jest utkane z tego samego materiału – pamięci, i nie ma tu nic martwego, nieuduchowionego. Na obrazie „Duchy” (1903, Państwowa Galeria Trietiakowska) kręte ścieżki starego parku zdają się ożywać w zwodniczym podobieństwie do wstęg mgły rozprzestrzeniających się po ziemi, pojawiają się posągi na schodach klasycznej rezydencji ożywieniu bryła budynku z kolumnami pod kopułą otrzymuje organiczną nieregularność i płynność konturu. Ważne jest jednak, aby iluzja uduchowienia obiektywnych, naturalnych form u Musatowa nie zawierała żadnych inkluzji mistyczno-fantastycznych, niczego wprowadzonego poza tym, czym oko może się zwieść w faktycznie obserwowanej przyrodzie. Tworzy integralny świat poetycki nie poprzez komponowanie niezwykłych sytuacji i zabawę z cieniami przeszłości jak w „Mir Iskusstiki”, nie zapełnia swoich obrazów baśniowymi i stworzenia mitologiczne jak Vrubel. W Borysowie-Musatowie nie ma aureoli stowarzyszeń historycznych, kulturalnych i literackich, tak istotnej dla odbioru twórczości Vrubela i artystów Świata Sztuki. Głównym narzędziem poetyckiej transformacji w jego twórczości jest samo malarstwo. W naturze artysta wyobraził sobie pewną „niekończącą się melodię” - „monotonną, beznamiętną, bez narożników”, której wyrazem staje się linia rysunku i struktura jego kompozycji jako całości. Wszechprzenikający, powolny rytm, realizowany z prawdziwie urzekającą konsekwencją i jednolitością poprzez wszystkie różnorodne modyfikacje sylwetek, kształtów i kolorów przedstawianych rzeczy, jest ucieleśnionym przez Borysowa-Musatowa symbolem wszechłączącego i wszystko godzącego ducha życia, przypomina Goethego obraz „wiecznie kobiecej” natury w wyobraźni.
Niemal równocześnie z pracą nad serią obrazów sztalugowych w latach 1903-1905 Borysow-Musatow stworzył szereg szkiców do monumentalnych malowideł ściennych.
Pierwsze szkice wykonane dla Moskiewskiego Centralnego Zarządu Tramwajów, z obowiązkowym „przedstawieniem prądu” wymaganym przez klientów, nie są zbyt charakterystyczne dla artysty. Bardziej znaczący jest drugi cykl, składający się z czterech akwareli: „ Wiosenna opowieść„, „Letnie melodie”, „Jesienny wieczór” i „Sen o bóstwie” (1904–1905, wszystko w Państwowej Galerii Trietiakowskiej), na zamówienie osoby prywatnej.
Pod względem treści i nastroju emocjonalnego, a także charakteru technik twórczych akwarele te są ściśle powiązane z opisywanym cyklem obrazów. Istnieje jednak granica oddzielająca szkice do obrazów od prac sztalugowych artysty. Język wizualny akwareli staje się bardziej lakoniczny, mocniej podkreślona jest rytmiczna struktura kompozycji, odważniejsze i zdecydowane uogólnienie mas obrazowych, a forma zamienia się czasami w ozdobną, niemal zdobniczą arabeskę.
Charakterystyczne cechy monumentalnego malarstwa dekoracyjnego Borysowa-Musatowa pojawiają się w obrazie „Szmaragdowy naszyjnik” (tempera, 1903–1904, Państwowa Galeria Trietiakowska), a szczególnie wyraźnie w jego ostatnim umierającym dziele - akwarelowym szkicu obrazu „Requiem” (1905) , Państwowa Galeria Trietiakowska).
Tutaj, podobnie jak w innych szkicach, nie ma szczegółowej akcji dramatycznej. Na pierwszym planie widać rząd postaci kobiecych, a w tle kępy drzew i stopnie marmurowych schodów prowadzących do wysokiego, białego pałacu. Ale nie ma tu żadnej fabuły, o której mówiono w związku z malarstwem sztalugowym, i nie ma dawnej obojętności na indywidualne cechy bohaterów. Wręcz przeciwnie, Borysow-Musatow celowo skupia uwagę widza na Centralna figura, któremu poświęcone jest „Requiem”, i nadaje mu szczególną duchowość. Wydaje się, że łączy ze sobą dwie grupy postaci, które wypełniają pierwszy plan szkicu i prowadzi je wzdłuż. „Requiem” zawiera nie tylko uczucie, ale także myśl artysty, jego filozoficzną refleksję na temat śmierci, której nie jest obca nuta mistycyzmu. Liryczny „motyw bez słów” ustępuje miejsca obrazowi-symbolowi.
Szczególne miejsce wśród najnowszych dzieł Borysowa-Musatowa zajmują dzieła pejzażowe z 1905 r.: pastel „Jesienna piosenka”, akwarela „Balkon” i wreszcie arcydzieło artysty - pastel „Leszczynowy krzak” (w Państwie Tretiakowskim Galeria).
Można w nich dostrzec początek jakiejś nowej fazy rozwoju mistrza – fazy niezrealizowanej, którą przedwcześnie przerwała śmierć. Nie tracąc nic z dotychczasowych osiągnięć swojej sztuki, zachowując i wyostrzając wyśmienitą harmonię koloru i monumentalne uogólnienie formy, Borysow-Musatow ponownie zwraca się ku wrażeniam bezpośrednio postrzeganej natury i osiąga wielką siłę twórczej ekspresji. W ostatnim roku życia stworzył przykłady czystego liryzmu pejzażowego, wolnego od wątków retrospektywnych i symbolistycznych alegorii.
Twórczość Borysowa-Musatowa, która rozwinęła się z dala od głównych nurtów sztuki rosyjskiej przełomu XIX i XX w., nie była jednak odizolowana od swojej epoki. Doświadczenie artystyczne Borysowa-Musatowa było pełne możliwości dalszy rozwój. Został przyjęty i opracowany przez grupę moskiewskich malarzy, którzy pojawili się w 1907 roku na wystawie pod symboliczne imię "Niebieska róża".
Rosyjski artysta, przedstawiciel symboliki. Trauma, jaką przeżył w dzieciństwie, uczyniła go garbusem i podkopała zdrowie, ale nie przeszkodziła mu stać się jednym z najpiękniejszych liryków swoich czasów. W młodości Borysow-Musatow wykazywał szczególne zainteresowanie systemem malarskim impresjonistów, co wpłynęło na jego wczesne prace W 1898 roku artysta namalował „Autoportret z siostrą”, próbując po raz pierwszy stworzyć własny piękny świat. gdzie rzeczywistość splata się z fikcją. Malował młode kobiety w strojach starożytnych na tle rosyjskich posiadłości, łącząc materialność przedmiotów i ulotność snów. Nie były to jednak kostiumowe rekonstrukcje przeszłości, lecz elegijny poemat o czymś, co bezpowrotnie minęło („Gobelin”, 1901; „Zbiornik”, 1902). Swoim wyrafinowaniem estetycznym i oderwaniem się od spraw ziemskich panie Borysowa-Musatowa przypominały bohaterki obrazów M. Denisa.Dzieło mistrza było wysoko cenione w Rosji i za granicą, ale nie przyniosło mu to dobrobytu, artysta był biedny przez całe życie.
Studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Następnie mieszkał i pracował w Paryżu. Pod wpływem francuskiej szkoły malarstwa ukształtował się szczególny styl artysty. Krytycy zwracali uwagę na nowatorskie, eksperymentalne początki w jego obrazach. Był jednym z liderów Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów. Zobacz obrazy Borysowa-Musatowa Biografia i działalność twórcza
Słynny rosyjski artysta Wiktor Elpidiforowicz Borysow-Musatow urodził się w Saratowie 2 (14) kwietnia 1870 r. W wyniku wypadku chłopiec już w wieku trzech lat stał się garbaty. W 1881 roku przyszły artysta wstąpił do prawdziwej szkoły w Saratowie. To tutaj ujawniły się zdolności artystyczne młody człowiek. Ze wszystkich przedmiotów Victor lubił malować najbardziej. Jego pierwszym nauczycielem rysunku był absolwent petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych V. Konovalov, który poradził chłopcu, aby poświęcił się malarstwu.
W 1890 roku Borysow-Musatow pomyślnie zdał egzaminy w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, ale zdecydował się przenieść do Petersburga. Tutaj zostaje wolontariuszem Akademii Sztuk Pięknych, zaczyna uczęszczać do prywatnego warsztatu P. Chistyakova, którego studenci w różne lata byli I. Repin, V. Serov, M. Vrubel. Ten okres petersburski stał się ważny etap powstanie artysty Borysowa-Musatowa. Jednak w 1893 roku z powodu zaostrzonej choroby malarz opuścił Petersburg i wrócił do Moskwy. Tutaj zanurza się w atmosferę twórczych poszukiwań. Młodzi artyści - I.I. Lewitan, M. Niestierow, V.A. Serow, K.A. Korovin, A.E. Archipow, innowator w malarstwie, walczył o odnowę sztuki. Zapoznanie się z twórczością N.N. Ge i on Nowe zdjęcia„Ukrzyżowanie” i ich rozmowy wywarły ogromny wpływ na światopogląd twórczy młodego artysty. Borysow-Musatow kontynuował naukę w MUZHVZ pod kierunkiem W. Polenowa, a w 1895 r. wyjechał na studia do Paryża. W Paryżu, w ciągu trzech lat codziennych wizyt w Luwrze i pracowni Cormona, artysta wypracował własny styl i zyskał uznanie. Borysow-Musatow już planował powrót do Rosji, ale nagłe zaostrzenie choroby zmusiło go do opóźnienia. Po powrocie do Rosji w 1898 roku malarz osiadł w Saratowie, gdzie nadal dużo pracował.
Śmierć matki i konieczność opieki nad młodszą siostrą zmusiły go do przeprowadzki do Moskwy. W 1899 r. Borysow-Musatow został członkiem Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów i stał się jednym z liderów tej organizacji. Do jego obowiązków należało organizowanie wystaw Partnerstwa w Moskwie i Petersburgu, na których notabene najwięcej znaczące dzieła artysta.
Rok 1901 to okres największego twórczego rozkwitu mistrza. W latach 1901–1904 Borysow-Musatow stworzył swoje najważniejsze dzieła, z których niektóre zostały uznane za arcydzieła malarstwa rosyjskiego. Można zauważyć obrazy „Wiosna”, „Gobelin” (1901), „Staw” (1902), „Szmaragdowy naszyjnik” (1903–04), „Duchy” (1903). Krytycy zauważyli w jego obrazach nowatorskiego, eksperymentalnego ducha. Zdaniem K. Pietrowa-Wodkina Borysow-Musatow nadał poezji „solidną formę obrazową”. Jego prace wyróżniały się budową niemal architektoniczną. Jego odkrycia stylistyczne wywarły ogromny wpływ na język artystyczny Sztuka rosyjska przełomu XIX i XX wieku. Stworzył system obrazowy, którego istotą jest jedność prawdziwy świat i świat warunkowej, upiornej wizji.
W 1904 r wystawa osobista Borisova-Musatova odniosła sukces w Niemczech. Prace artysty spotkały się z entuzjastycznymi recenzjami krytyków. W tym samym czasie malarz otrzymał w Moskwie zamówienie na wykonanie dwóch cykli obrazów monumentalnych i dekoracyjnych. Jednak plany te nie miały się spełnić. Artysta ostatnie miesiące życia spędził w Tarusie, stworzył cykl wspaniałe krajobrazy wykonane akwarelami i pastelami. W planach artysty był duży obraz „Wianki z chabrów”, stworzył wiele szkiców do cykli malarskich, rozpoczął pracę nad „Requiem”.
Ładowanie wideo...
Россия!}Kiedy życie mnie przeraża, relaksuję się w sztuce i muzyce
Borysow-Musatow
„Był wzruszający, słodki i serdeczny” – wspomina bliski przyjaciel Borysowa-Musatowa. I. Grabar.
„Był chorowitym, małym, garbatym mężczyzną z ostrą brodą” – napisał. M. Dobużyński- Ubierał się bardzo elegancko i nosił złotą bransoletkę.
Borysow-Musatow nazwany „najcieńszym i najłagodniejszym garbusem” Andriej Bieły.
Dzieciństwo. Twarzowy
2/14 kwietnia 1870 r. w prowincjonalnym mieście Saratów urodził się syn pracownika kolei Elpidifora Borisowicza Musatowa i jego żony Evdokii Gavrilovnej, syn imieniem Victor. Ten chłopiec, z którego narodzinami rodzice wiązali wiele jasnych nadziei, miał stać się jednym z najbardziej poetyckich i uduchowionych rosyjskich malarzy.
Wśród czynników, które wpłynęły na kształtowanie się twórczego wizerunku Musatowa, jednym z pierwszych miejsc jest miasto, w którym się urodził, dorastał i otrzymał swoje najwcześniejsze wrażenia artystyczne. W ten czy inny sposób prawie całe krótkie życie Musatowa jest związane z Saratowem.
Położony na wysokim prawym brzegu Wołgi, pomiędzy trzema wzgórzami, Saratów jest bardzo malowniczy. Jego ulice otoczone bulwarami schodzą do szerokiej powierzchni Wołgi, olśniewająco mieniącej się w słońcu. W okolicy znajdują się gaje, wąwozy porośnięte dębami, lipami, klonami, a w pobliżu Wołska i Chwalińska, które Musatow odwiedzał jako dziecko, nastolatek i młody człowiek, znajdują się lasy sosnowe. Za Wołgą rozciągają się spalone słońcem, różowawe i żółte stepy pod bladym niebem oddychającym upałem. Czuje się bliskość Wschodu, bliskość pustyni. Często w dzieciństwie Musatow widywał wielbłądy wolno spacerujące ulicami miasta, a na bazarze w Saratowie spotykał Kałmuków i Kirgizów, którzy przywozili do miasta sól, jagnięcinę i ryby.
Wrażenia z dzieciństwa mają ogromny wpływ na kształtowanie się ludzkiej psychiki. Im bardziej otwarty i subtelny charakter przyszłego artysty, tym silniejszy wpływ impulsów otrzymanych w jego wczesnych latach. Nie bez powodu obrazy artystów Wołgi, którzy weszli do sztuki rosyjskiej na przełomie XIX i XX wieku - Borysowa-Musatowa, Pawła Kuzniecowa, Pietrowa-Wodkina, Utkina, Kariewa i Matiuszyna - są tak bogate światło słoneczne, jest wypełniony przezroczystym błękitem, nie bez powodu wszyscy są przede wszystkim kolorystami, czyli pracują nad kolorem. I nie ma znaczenia, że Musatow, w przeciwieństwie do Pietrowa-Wodkina, prawie nigdy nie napisał Wołgi. Błękitne, srebrne, perłowe odbicia wody Wołgi, szmaragdowe zielenie i ochra jej brzegów, drżące odbicia ciemnozielonych liści i różowawe chmury na niestabilnej powierzchni żyją w ten czy inny sposób we wszystkich obrazach Musatowa. Nie bez powodu jeden z jego towarzyszy z dzieciństwa, pisarz A. M. Fiodorow, napisał później o obrazach Musatowa: „A patrząc na to błękitne młode niebo wśród białych chmur, które Musatow uwielbiał przedstawiać, pamiętam powódź Wołgi. Zielona wyspa z dolinami w lesie, biała od konwalii, jakby chmury spadły z nieba na trawę i tam się czaiły.
W dzieciństwie rodzina Wiktora Musatowa była przyjazna i prosta. Jego dziadek ze strony ojca, Borys Aleksandrowicz Musatow, silny, silny mężczyzna, który dożył dziewięćdziesięciu pięciu lat, był kiedyś poddanym, ale zamożnym poddanym i w pewnym stopniu uprzywilejowany. Był właścicielem młyna wodnego we wsi Chmelewka, położonej nad Wołgą niedaleko Saratowa. Dumny z tego artysta dodał później swoje imię do nazwiska rodowego – stąd podwójne nazwisko.
Borys Aleksandrowicz miał czterech synów. Elpidifor, ojciec Musatowa, w młodości był lokajem właściciela ziemskiego prowincji Saratow A. A. Szachmatow, podróżował ze swoim panem, mieszkał z nim w Paryżu. W 1861 r., po uwolnieniu z pańszczyzny, zapisał się jako kupiec miasto powiatowe Kuźnieck, ale osiadł w Saratowie. Do dwudziestego drugiego roku życia, niepiśmienny, ale oczywiście bardzo zdolny, Elpidifor Musatow w krótkim czasie zdobył wiedzę wystarczającą, aby zostać pomniejszym urzędnikiem w kierownictwie budowanej kolei Saratów-Tambow; kilka lat później był już na liście księgowych. 
Z natury był człowiekiem łagodnym i spokojnym. Ale jego młoda żona Evdokia Gavrilovna Konopleva, córka właściciela warsztatu malarsko-introligatorskiego w mieście Gżatsk, była aktywna i energiczna. Dobra szwaczka, hafciarka z wielkim gustem, była kobietą schludną i pracowitą, nie zagubioną w obliczu codziennych trudności i co najważniejsze, bezinteresownie oddaną rodzinie – mężowi, synowi i dwóm małym córkom, Agrypinie i Elena.
W 1873 r. doszło do wypadku z Wiktorem Musatowem. Wesoły, aktywny chłopiec doznał kontuzji pleców po upadku z ławki. ten siniak spowodował przewlekły proces zapalny kręgosłupa. Jego rodzice boleśnie martwili się nieszczęściem, które go spotkało. Zrobili wszystko, co w ich mocy, aby przywrócić jego powrót do zdrowia. Ale ani w Moskwie, ani w Petersburgu, gdzie ojciec zabrał chłopca, nie mogli nic zrobić, aby pomóc, a Wiktor został „z piękną, dumnie podniesioną głową i garbatym ciałem” – według jednego z jego biografów.
Choroba i uraz miały pewien wpływ na stan moralny i kształtowanie się charakteru chłopca. Niektóre cechy jego wewnętrznego wyglądu - marzenia, koncentracja, zaabsorbowanie sobą - rozwinęły się już w dzieciństwie, oczywiście w wyniku choroby. Artysta nie stracił jednak towarzyskości, umiejętności nawiązywania lojalnych przyjaciół, ciągłej gotowości do niesienia pomocy ludziom i po prostu pogody ducha, która nieustannie objawiała się pomimo choroby. Taki był w dzieciństwie – skupiony mały filozof, a jednocześnie dziecko towarzyskie i żywiołowe, zachłannie chłonące „wszelkie wrażenia istnienia”.
Tak więc Victor dorastał, otoczony opieką kochającej rodziny, w małym parterowym domu, który kupił jego ojciec wkrótce po jego urodzeniu, z widokiem na plac porośnięty gęstą komosą ryżową o głośnej nazwie „Place Parade”.
Za domem znajdował się ogród, który był dla chłopca niewyczerpanym źródłem radości. Następnie ogród ten stał się na wiele lat głównym miejscem pisania szkiców plenarnych i materiału do kompozycji Musatowa. Tymczasem przyszły malarz z zapałem opiekuje się kwiatami i drzewami owocowymi – rodzina nazywa go ogrodnikiem. Ta miłość do kwiatów kwitnące drzewa Musatow będzie nosił swoją pasję do wszelkiego rodzaju roślin, zarówno prostych, jak i egzotycznych, przez całe życie i ucieleśnia ją we wszystkich swoich pracach.
Pasja do malarstwa
W tym samym czasie pojawiło się kolejne, jeszcze bardziej uporczywe uzależnienie chłopca. W wieku około sześciu lat zaczął rysować. Ojciec chętnie kupował ołówki dla Wiktora i farby akwarelowe. Mając dziewięć lat, w imieniny ojca, chłopiec wręcza mu swój pierwszy „obrazek”, a Elpidifor Borisowicz oprawia go w ramkę i starannie wiesza na ścianie.
Jesienią 1881 roku Victor wstąpił do drugiej klasy prawdziwej szkoły w Saratowie. Głównymi przedmiotami w szkole były matematyka, nauki przyrodnicze, a także rysunek i rysunek.
Rysowania w szkole po raz pierwszy uczył „łagodny starzec” Fiodor Andriejewicz Wasiliew. Zwracając uwagę na utalentowanego chłopca, zaczął zwracać nieporównywalnie więcej uwagi na Musatowa niż na innych uczniów i mówiąc o przyszłości, poradził Victorowi, aby po ukończeniu sześciu klas wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Artysta starej szkoły Wasiljew naturalnie podkreślał jedną cechę „maniery” Musatowa z tamtych lat – niezwykłą staranność i dokładność rysunku.
Chłopiec przez dwie zimy uczył się u Wasiliewa, a jesienią 1883 roku miało miejsce wydarzenie, które miało ogromny wpływ na całą przyszłość Musatowa. Stary dyrektor został zastąpiony, a nowy wprowadził nowe zasady, zaprosił nowych nauczycieli, w tym Wasilija Wasiljewicza Konowałowa, który właśnie ukończył Akademię Sztuk Pięknych, a był jeszcze bardzo młody - miał dwadzieścia lat. Konovalov wniósł żywego ducha nie tylko do nauczania rysunku w prawdziwej szkole, ale także do całej atmosfery artystycznej prowincji Saratów. Wciąż pełen wrażeń z lat akademickich, gość i zagorzały wielbiciel wystawy objazdowe Konowaliow podbił serca wszystkich Saratowskich nastolatków i młodych mężczyzn zainteresowanych sztuką, a przede wszystkim swojego ucznia z prawdziwej szkoły, Musatowa. Konovalov natychmiast docenił umiejętności Musatowa i zaczął go szczególnie szkolić. Będąc bibliotekarzem na pół etatu w prawdziwej szkole, która posiadała pokaźny księgozbiór, zaczął nadzorować lektury Musatowa, zaopatrując go w książki o sztuce.
Stopniowo, coraz bardziej zainteresowany rysunkiem i pierwszymi eksperymentami malarskimi, Victor całkowicie zaniedbywał naukę innych przedmiotów. Matematyka i Niemiecki. Wreszcie w 1884 roku, wiedząc doskonale, że droga utalentowanego chłopca jest już z góry przesądzona, Konowaliow namówił rodziców Musatowa, aby pozwolili mu opuścić szkołę i całkowicie poświęcić się malarstwu.
W Saratowie w tamtych latach nie było Szkoła Artystyczna, a Konovalov wziął na siebie całkowicie edukację przyszłego malarza.
Romans rosyjskiej posiadłości
Wkrótce Musatow zmienił się z dobrego nastolatka w młodego mężczyznę z wyraźnie zrealizowanym pragnieniem zostania malarzem. Artystka potrzebowała przede wszystkim natury, cierpliwej kobiety. Na szczęście tę rolę grała jego siostra Elena od najmłodszych lat. A potem ożenił się z dziewczyną o imieniu Elena i te dwie Eleny można zobaczyć na prawie wszystkich jego obrazach.
Musatowa nie pociągają cechy psychologiczne, nie potrzebuje szczegółów krajobrazu, ważne jest dla niego poczucie, że życie wśród natury, na osiedlach jest równie piękne, co ulotne.
Poczucie, że rysunek nie jest jego silny punkt, Musatow przywiązuje mniejszą wagę do wyraźnych linii i dokładności małe części, a na pierwszy plan wysuwa się kolor, gamma, kolor, podporządkowany muzycznemu rytmowi. Na szczęście zarówno tam, w majątku Zubrilovka w Saratowie, jak i tutaj, jego siostra pozuje dla niego, a żona gra muzykę. Z werandy słychać cichą, stłumioną muzykę - i rodzi się kolor jasnozielonych, jasnoniebieskich, liliowych, szaro-perłowych odcieni.
Gładkie, „muzyczne” rytmy obrazów raz po raz odtwarzają ulubione motywy Borysowa-Musatowa: są to zakątki parku i postacie kobiece(siostra i żona artysty), które sprawiają wrażenie obrazów dusze ludzkie wędrując po nieziemskiej krainie snu. W większości swoich prac mistrz przedkłada akwarelę, temperę czy pastel od oleju, uzyskując szczególną, „rozpływającą się” lekkość kreski.
Poetycki magazyn jego duszy i piękno rodzimej natury stworzyły szczególny styl malarstwa, wyróżniający się wzruszającą czułością i smutkiem. Tematem przewodnim Borysowa-Musatowa jest nostalgia za odchodzącym życiem szlacheckim, romans starej rosyjskiej posiadłości, domów z antresolami i drewnianymi kolumnami, opuszczonych parków i zarośniętych stawów.
Dzień stał się szczęśliwy dla artysty, gdy przyjaciel podarował mu całą skrzynię starych sukienek, spódnic z krynolinami, szalami, koronkami itp. Łatwiej jest realizować swoje wizje i marzenia z przeszłości.
Borysow-Musatow, podobnie jak Blok, odczuwał nie tylko czas, ale także jego przyszłe okrucieństwo i agresywność. Chciał żyć tym, co drogie - wizerunki dziewcząt Turgieniewa, Tatiany Lariny, marzył o nich, stały się jego bohaterkami. I przeniósł akcję nie tylko do XIX wieku, ale także dalej, głębiej, do wieku XVIII.
Już za jego życia krytycy celowali w artystę ostrymi, trującymi strzałami. Pryanisznikow ogłosił werdykt: „Przesadziłem”, a inny wydrukował: „To wszystko żart”.
Ale Musatow wiedział, jak ich nie słuchać. Generalnie lubił ciszę. Jego obrazy przypominają starożytne freski. A także gobeliny. Artysta czując, że świat traci harmonię, spieszy się, aby ją uchwycić. Świadczą o tym nazwy obrazów: „Harmonia” (1900), „Gobelin” (1901), „Motywy jesieni”. W „Tapestry” harmonie są przytłumione, w „Requiem” – kolory jesieni oraz w filmie „Duchy” postacie ludzkie mijają jak kłęby białej mgły, tajemnicze i zdystansowane. „Szmaragdowy naszyjnik” jest pełen żądzy życia i radości. Osiem kobiet, jedna za drugą w parku, albo stoją, albo spacerują, ale jaka stabilność, pewność w tak frontalnej kompozycji i w kolorach - ile czułości, harmonii, spokoju! Takie obrazy można wykorzystać w leczeniu niestabilnej psychiki współczesnego człowieka.
W pamiętnikach Musatowa znajduje się zapis: „Moje myśli to kolory, moje kolory to melodie”. I znowu: „Kiedy życie mnie przeraża, relaksuję się w sztuce i muzyce”.
Miłość
Ale pewnego dnia zdarzyło się, że kolory zaczęły brzmieć z pasją Beethovena. To właśnie wtedy napisał „Zbiornik” i uświadomił sobie, że jest nieodwołalnie zakochany w żonie swojego przyjaciela, Nadieżdzie Juriewnej Stanyukowicz.
Jej pochwały, zachwyt, który wybuchł w jej piersi na widok obrazu „Zbiornik”, były silniejsze niż jakiekolwiek artykuły krytyków, działały jak kieliszek szampana. A ona sama jest jak szampan: wesoła, energiczna, fascynująca, z iskierkami w oczach, które potrafią rozpalić innych wokół niej. Jej śmiech, zainteresowanie malarstwem, muzyką, aktywny stosunek do ludzi („Czy mam Ci pomóc?..Może przywieźć farby z Paryża?”).
I napisał dla niej „Reservoir”, a ona go kupiła. Bogata, „aktywna” kolorystyka, oryginalna kompozycja: okrągły staw - i dwie kobiety rozmawiające na brzegu, ale w stawie wyraźnie odbijają się błękitne niebo i białe chmury. Woda jest zapisywana z wyższego punktu, a kobiety z niższego punktu. Niebieska sukienka współgra z błękitem nieba, a białe chmury z białą koronkową peleryną stojącej bokiem damy.
Tarusa
Borysow-Musatow przybył do Tarusy wiosną 1905 roku na zaproszenie krytyka sztuki I.V. Cwietajewa i zamieszkał z rodziną w wynajętej przez Tswietajewa daczy Pesochnaja. Okres Tarusa był bardzo owocny w twórczości artysty. Tutaj akwarele „Wiosenna opowieść”, „Letnia melodia”, „Sen bóstwa”, pejzaż „Na balkonie Tarusa”, szkice do „Wieńców chabrów”, obrazy „Jesienna piosenka”, „Leszczynowy krzak”, „ Requiem” – najbardziej duże dzieła V twórcza biografia artysta.
W Tarusie artysta tworzy swoje najlepsze krajobrazy, są pisane delikatnymi, rozpływającymi się kolorami i z dużą siłą uogólnienia. Brzmią melodię zanikania jesienna natura, bliski stanowi ducha artysty..
Wkrótce po rozpoczęciu wojny rosyjsko-japońskiej został wcielony do wojska aktywna armia V. K. Stanyukovich. Jego żona, Nadieżda Juriewna, poszła z nim na front, aby pracować w wojskowym szpitalu polowym, ale nie mogąc znieść skrajnego napięcia nerwowego, zachorowała i wróciła do Moskwy. Jej sytuacja zaczęła się pogarszać. Musatow bohatersko walczył o życie pacjenta. „Włożył wszystkie siły, aby ją uratować. Biegał do lekarzy po lekarstwa i codziennie przynosił jej kwiaty, co ją bardzo uszczęśliwiało. Ale nic nie pomogło... Pacjent rozpoznał tylko V.E. i przy nim się uspokoił...” 21 sierpnia 1905 N. IO. Stanyukowicz zmarł.
Zaraz po pogrzebie Musatow wraca do Tarusy. Jest zszokowany tym, co się stało. „Uderzył mnie chory, wyczerpany wygląd mojego brata” – pisze Borisova-Musatova – „i ogólnie zmiana na jego twarzy była bardzo zauważalna”. Pomimo stanu depresyjnego i towarzyszącego mu dotkliwego przeziębienia Musatow podejmuje się nowej, dużej pracy. Pragnie stworzyć obraz poświęcony pamięci swojego przyjaciela – „Requiem” dla zmarłego. 15 września pisze do M.E. Bukinika: „Przecież dla mnie ona nie umarła, bo jestem artystą. Nie, teraz nawet żyje jakoś jaśniej. I napiszę to jeszcze raz, żeby i dla niego nie umarło na zawsze [w. K. Stanyukovich].” Ten obraz to łabędzi śpiew Borysowa-Musatowa, jego najdoskonalsze i najwyższe dzieło.
Obraz ten przedstawia panie w starożytnych toaletach spacerujące powoli przed pałacem. W centrum grupy, nieco na uboczu, znajduje się kobieta w sukni, która wyróżnia się bielą nawet wśród jasnych, przezroczystych szat pozostałych. Odwraca się ostrym ruchem, zakłócając płynny rytm pochodu, przyciągając wzrok widza na siebie. Jej rysy twarzy przypominają Nadieżdę Juriewnę Stanyukowicz. Z ciężkimi lokami, z zamrożonym spojrzeniem, oderwany od wszelkich ziemskich zmartwień, niemal cień żywej kobiety.
Ten piękny, jasny i smutny wizerunek kobiety jest tu obecny jako pamięć o kimś, kto odszedł przedwcześnie na zawsze. Wywołuje nie tylko uczucie smutku i czułości, ale także filozoficzne refleksje na temat życia.
Po lewej stronie wysoka dama z odkrytymi ramionami i wachlarzem w opuszczonych rękach. Przypomina jedną z kobiet” Jesienny wieczór„, ale jej wyraz twarzy i gesty są złagodzone, pełne ciepłych, serdecznych uczuć. Jej modelką była żona Musatowa. Pozostali bohaterowie odgrywają rolę obojętnych widzów i są w zasadzie pozbawieni cech psychologicznych. Są niezbędne do stworzenia rytmicznej, dekoracyjnej kompozycji.
Wszystko jest przemyślane i harmonijne: ciepłe kolory – żółtawy i różowy – rytmicznie przeplatają się z zimnymi – niebieskim i niebieskim. W tle zielonkawo-niebieskie kępy drzew. – to nie jest prawdziwy park, chociaż w tajemniczym domu i portyku można rozpoznać pałac Zubriłowski. Ale w rzeczywistości taki nie był – na zdjęciu zdaje się powstawać w uroczystej pamięci”.
Żadne z jego dzieł nie wyrażało nigdy z taką siłą najbardziej intymnych uczuć: namiętnego pragnienia piękna w życiu i związanego z nim smutku i nadziei. Otaczająca rzeczywistość, zdarzenia życie osobiste artysta - wszystko zdawało się odbierać mu wiarę w możliwość urzeczywistnienia wzniosłych i jasnych ideałów. Ale on nadal wierzył. I to pokazało jego wielką hart ducha.
„Requiem” nie zostało całkowicie ukończone. Podobnie jak Requiem Mozarta, stało się requiem dla samego artysty.
Krajobrazy Tarusy
Jednak ten obraz nie wyczerpuje twórczości Musatowa w ostatnich miesiącach jego życia. Przez cały czas – zarówno w okresie młodości artysty, jak i w tamtym czasie dojrzałość twórcza- natura przyciągnęła go do siebie. A teraz, gdy dusza Musatowa była szczególnie niespokojna, odnajduje spokój i radość w pracy nad krajobrazem. Mówiono już o znaczeniu, jakie Musatow przywiązywał do krajobrazu w swoich obrazach, o ogromnej liczbie szkiców krajobrazowych, które stanowiły podstawę wszystkich jego dzieł.
Wśród najnowsze prace Musatow – trzy pejzaże namalowane we wrześniu – październiku 1905 r. Wszystkie zmysły artysty są wyostrzone, jest on sam na sam z naturą, a jej czyste piękno znajduje to samo czyste, niezwykle szczere ucieleśnienie w jego pejzażach. Malarz-poeta, dla którego farba jest najsilniejszym środkiem oddziaływania emocjonalnego, Musatow nawiązuje w swoich pracach do tradycji rosyjskiego pejzażu nastrojowego. Musatow szuka odpowiedników swoich doświadczeń w przyrodzie. W każdym z jego pejzaży natura niejako rozpływa się w odczuciu artysty.
Wszystkie trzy pejzaże powstały w jednym miejscu, w pobliżu jego domu, gdzie pomiędzy brzozami widać rzekę Okę i las na jej drugim brzegu. Ale napisane z niemal tego samego miejsca, bardzo się od siebie różnią.
W akwareli „Na balkonie. Tarusa” jest zdominowana przez blado szkarłatne, złote odcienie liści drzew otaczających balkon, liści pokrywających podłogę balkonu. Tylko w tle, w oddali, pomiędzy pożółkłymi koronami brzoz jest niewielka szczelina, szczelina odsłaniająca widzowi przestrzeń Oki i szare niebo, ale te odległości wynikające z przezroczystej ściany jesiennych liści zajmują tak nieistotne miejsce w kompozycji obrazu, że dominuje wrażenie zamkniętej przestrzeni.
W dużym pastelowym „Leszczynowym krzaku”, najbardziej harmonijnym ze wszystkich pejzaży Musatowa, jest więcej przestrzeni, powietrza, więcej zimnego jesiennego nieba z wolno płynącymi chmurami. Namalował ten pejzaż z balkonu domu w Pesochnach.
Fabuła jest bardzo prosta. Na pierwszym planie krzak leszczyny. Przez polanę widać zimną, stalową Okę. Dalej jest czerwonawa łąka, żółto-niebieski pas lasu. To tak, jakby przezroczysty krzak orzecha włoskiego drżał z zimna, wyciągając mokre gałęzie ku osikom. Artysta widzi niebo przez najpiękniejszą koronkę listowia, błękitny pas rzeki i jej żółto-zielony brzeg wystają tylko nieznacznie pomiędzy drzewa znajdujące się po prawej i lewej stronie. Uwagę widza przyciąga przede wszystkim czysta, pozbawiona zanieczyszczeń, zażółcenie leszczyny, od której krajobraz wziął swoją nazwę. Jasnobrązowe smugi otoczone grubymi plamami żółty kolor, jakby nawiązując do kęp kwitnących bazi leszczyny, obsypanej pyłkiem (choć pejzaż malowany był jesienią). Na tle bladoniebieskiego nieba i przezroczystej koronki z zakrzywionych gałęzi, ubranych w delikatne zielone liście, złoty „bukiet” orzechowych kolczyków sprawia wrażenie wiązki światła, jakby skradzionej słońcu. Musatow osiąga tu niesamowity rytm na przemian lekkich, lekkich tonów.
Patrząc na „Leszczynowy krzak” mimowolnie przywołuje się na myśl wiersz Walerija Bryusowa „Wczesna jesień”, napisany dokładnie na miesiąc przed pejzażem Musatowa:
Wczesna jesień umierającej miłości.
Potajemnie uwielbiam złote kolory
Wczesna jesień, umierająca miłość.
Gałęzie są połamane, aleja pusta,
W bladoniebieskim, wiejącym, topniejącym
Dziwna cisza, piękno, czystość...
To dzieło jest jednym z najbardziej poetyckich obrazów natury Borysowa-Musatowa. Jej powstanie nie było w twórczości artysty czymś przypadkowym. Sztuka artysty była w istocie lekka.
Pejzaż „Jesienna piosenka” jest jakby ostatnim akordem tej krótkiej, obrazowej suity. Jego skład jest niezwykle prosty. Artysta spogląda z wysokiego brzegu Oki na żółte korony brzóz formujące się za kulisami po prawej i lewej stronie. W wodzie odbija się zimne, bladoszare niebo. Błękitny las wznosi się nad szerokim pasem wyblakłego, porośniętego trawą brzegu. Wyraźne poziome linie pni kontrastują z miękkimi, gładkimi liniami opadających, jakby zmęczonych gałęzi, tworząc niesamowity efekt dekoracyjny. Zamyka kompozycję, nadając jej kompletności, trójkąt stado żurawi, czarny łańcuszek, jakby narysowany długopisem.
Na początku października Musatow napisał list do Benoita, jeden ze swoich ostatnich listów. Opowiadał w nim o swoim postrzeganiu życia, przyrody, wydarzeń.
„...Teraz siedzę w Tarusie. W ostępach. Na opuszczonym brzegu Oki. I odcięty od całego świata. Żyję w świecie marzeń i fantazji wśród gajów brzozowych, drzemiąc w głębokim śnie jesiennych mgieł. Od dawna słyszę krzyk żurawi. Polecieli gdzieś na południe, w niekończących się rzędach w kształcie trójkątów. Ich krzyk napełnił te lasy melodią starożytnego smutku, który kiedyś znałem. Ich krzyk ucichł i tylko czerwona wiewiórka zakłóca koronkowe sny brzozowych gajów. Myślisz, że się nudzę. NIE. Na co dzień nie mam czasu. Mimo, że siedzę w domu... Stworzyłam sobie życie. Trochę to dziwne – taka cisza wśród ogólnego zamieszania. Docierają do mnie pewne plotki. Na niektórych drogach doszło do strajku. Trochę nadziei, trochę horroru. Nie ma listów ani gazet. Tylko domysły... Tylko plotki... Jakie to dziwne. Jak długo byłem w Moskwie, w stolicy Imperium Rosyjskie i wkrótce będę w nim ponownie, ale już w stolicy Republiki Rosyjskiej. To jest jak bajka. We śnie. Obudziłem się. Minęło mrugnięcie okiem. Tymczasem minęło sto lat. Życie jest wszędzie. Wszędzie wolni obywatele…”
Spacerując i podziwiając okoliczne krajobrazy, pewnego razu żartobliwie powiedział, że chciałby zostać pochowany tutaj, nad brzegiem Oki. Kto by pomyślał, że życie artysty zakończy się nagle w wieku 35 lat? VE Borysow-Musatow zmarł 26 października 1905 r. Pochowano go, jak zapisał, na wysokim brzegu Oki, na cmentarzu w pobliżu Góry Wozniesienskiej. W 1911 roku na jego grobie umieszczono nagrobek, wykonany przez jego przyjaciela, słynnego rzeźbiarza A.T. Matwiejewa i jest jednym z najciekawszych dzieł tego mistrza. Na cokole z czerwonego granitu w kształcie równoległościanu spoczywa wyrzeźbiona postać nastoletniego chłopca, przypominająca o tym, jak Musatow próbował kiedyś uratować tonące dziecko, którego mimo wszystkich wysiłków nie udało się uratować. Z przodu cokołu napis „1870 - 1905”, z przodu cokołu napis „Borysow – Musatow” oraz wizerunek krzyża prawosławnego.