Jak rysować bajki Disneya. Studio animacji Walta Disneya! Jak powstawały arcydzieła

Disney to nie tylko jedna z najbardziej wpływowych firm na świecie, ale także studio, które dla wielu osób jest synonimem koncepcji animacji. Mówiąc o kreskówkach, mamy na myśli Disneya, mówiąc Disney, mamy na myśli kreskówki, i nagle, widzisz, to by się nie wydarzyło. W naszym artykule opowiemy o tym, jak studio osiągnęło ten sukces. A jeśli Ty, zainspirowany dokonaniami Walta i K., chcesz sam zrobić kreskówkę, możesz ją zamówić u doświadczonych animatorów i scenarzystów ze studia Kinesko!

Pierwsze pełnometrażowe kreskówki wyprodukowane przez Disneya

„Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków” (1937)

Mój aktywność twórcza Założona w 1923 roku firma rozpoczęła działalność od krótkich animacji, które po raz pierwszy przedstawiły klasyczne postacie, takie jak Myszka Miki, Kaczor Donald i Goofy. W latach trzydziestych XX wieku personel studia i produkcja dramatycznie wzrosły i po raz pierwszy Disney mógł sobie pozwolić na pełnoetatową kreskówkę. Ulubioną bajką Walta Disneya była Królewna Śnieżka i Siedmiu Krasnoludków, więc nie było wątpliwości, jaka to będzie kreskówka.

Budżet „Królewny Śnieżki” wynosił wówczas ogromne półtora miliona dolarów, za co Disney musiał nawet zastawić swój dom. Stawka była wysoka – pracownicy studia, na czele z samym Waltem, pracowali siedem dni w tygodniu, a do wykonania kreskówek kolorystycznych wykorzystali system Technicolor, który wcześniej był używany tylko przy produkcji krótkoformatowych kreskówek. wysokie stawki uzasadnione – „Królewna Śnieżka” kilkakrotnie zwróciła swój budżet i na zawsze stała się kultowym klasykiem.

„Pinokio” (1940)

Po ogromnym sukcesie Królewny Śnieżki Disney zdecydował się nakręcić kolejny klasyk dla dzieci. Tym razem – słynna włoska bajka Carlo Collodiego „Przygody Pinokia. Historia drewnianej lalki. Nie myl go z Pinokio - to nie jest inne imię, ale adaptacja oryginalnej bajki napisanej przez Aleksieja Tołstoja.

W Pinokio po raz pierwszy zastosowano masową animację - teraz poruszały się nie tylko obiekty na pierwszym planie, ale także tło. Sama kreskówka, choć nie mogła powtórzyć kasowego sukcesu Królewny Śnieżki, to jednak weszła do panteonu klasyków Disneya.

„Fantazja” (1940)

W tym samym roku Disney przygotował nową kreskówkę - dużą i bardzo ambitną. Fantazja miała zostać przerobiona na krótką adaptację Angielska bajka o uczniu czarnoksiężnika, w którego ucznia „zagrała” Myszka Miki, a całej tej akcji towarzyszyła muzyka klasyczna w wykonaniu Orkiestry Filadelfijskiej.

Kiedy studio zdało sobie sprawę, że budżet kreskówki urósł za bardzo, postanowiono zrobić z niej pełnometrażowy obraz, rozszerzając fabułę o kilka dodatkowych linii. Wytrzymaj dwie i pół godziny muzyka symfoniczna a abstrakcyjne historie były trudne dla dzieci, więc kreskówka zawiodła w kasie, zbierając jeszcze mniej pieniędzy niż Pinokio.

„Głupek” (1941)

Po niepowodzeniach kasowych dwóch poprzednich filmów, w wielkim pośpiechu i przy ograniczonych środkach powstał kolejny film animowany. Jest to dość zauważalne - animacja zaczęła wyglądać gorzej, piosenki z kreskówki prawie zniknęły, a czas trwania został skrócony do godziny. Fabuła też nie błyszczy oryginalnością, będąc adaptacją historia klasyczna o brzydkim kaczątku. Ale, o dziwo, wszystko to nie pogarsza kreskówki. „Dumbo” jest prosty, ale słodki i dobra historia o niezwykle uroczym słoniu, któremu udało się przyciągnąć publiczność i zrekompensować swój budżet, reanimując finansową reputację Disneya.

Kreskówki wykonane w czasie wojny

„Bambi” (1942)

W 1933 roku MGM kupiło prawa filmowe do oryginalnej książki od Felixa Saltena, zamierzając ją sfilmować. film fabularny. Jednak ówczesna technologia na to nie pozwalała, więc studio zwróciło się do Disneya z propozycją narysowania kreskówki. Tworzenie rozpoczęło się trzy lata później i wymagało dużo czasu i wysiłku. Disney chciał zaskoczyć wszystkich jakością kreskówek, a dziesiątki zwierząt spacerowało po pawilonach studia, aby pomóc animatorom studiować ich anatomię. Ale wkrótce kurs się zmienił i nacisk położono nie na realizm, ale na emocjonalność. Sam Disney płakał nawet na pokazie testowym (nawiasem mówiąc, ta kreskówka stała się jego ulubioną).

Przewidywano, że „Bambi” odniesie duży sukces kasowy, ale upadł w kasie, nie odzyskując swojego budżetu. Nie jest to jednak zaskakujące - pod koniec 1941 roku Stany Zjednoczone weszły do ​​Drugiego wojna światowa a Amerykanie nie mieli wtedy czasu na kreskówki. Po zakończeniu wojny „Bambi” ponownie trafił do szerokiej dystrybucji, a następnie obraz zebrał swoje żniwo, zaczynając szybko zyskiwać popularność. W 2006 roku magazyn Los Angeles Business przeprowadził ankietę, według której Bambi został uznany za najlepszą kreskówkę Disneya wszechczasów.

„Pozdrawiam, przyjaciele!” (1942)

Podczas wojny nazistowskie Niemcy aktywnie próbował zaprzyjaźnić się z rządami krajów Ameryki Południowej. Władze USA zastosowały środki nadzwyczajne, aby temu zapobiec. W tym - do stworzenia animacji, zlecając Disneyowi zrobienie kreskówki, która mogłaby poprawić stosunki między Stanami Zjednoczonymi a innymi krajami amerykańskimi.

Akcja filmu rozgrywa się w nietypowej dla Disneya scenerii w Ameryce Łacińskiej, a oprócz Kaczora Donalda i Goofy’ego głównym bohaterem jest Nowa postać studia - papuga o imieniu José Carioca. Oprócz części animowanej „Salute, friends!” zawiera dokumentalne ujęcia miast Ameryki Łacińskiej, które ku zaskoczeniu mieszkańców Stanów Zjednoczonych okazały się nie wioskami z kruchymi chałupami, ale całkiem nowoczesnymi megamiastami. Wielu uważa, że ​​tworząc kreskówkę, Disney zrobił znacznie więcej dla przyjaźni krajów amerykańskich niż ich rządy, a to wiele mówi.

„Trzech caballeros” (1944)

Ta kreskówka kontynuuje kosmopolityczną linię „Salute, friends!”, ponownie wykorzystując nie tylko animację, ale także strzelanie na żywo. Kaczor Donald wciąż podróżuje Ameryka Łacińska Jednak teraz do firmy dołączyła nie tylko papuga Carioca, ale także nowa animowana postać stworzona na potrzeby kreskówki - meksykański kogut Panchito. Jeśli Twoja kreskówka, gra lub handlowy potrzebujesz również zapadającej w pamięć i wysokiej jakości narysowanej postaci, możesz ją zamówić w studio Kinesko!

Era animacji wsadowej

„Odtwórz moją muzykę” (1946)

Disney zdał sobie sprawę, że tworzenie kreskówek składających się z kilku małe historie o wiele łatwiej i taniej niż z jednym dużym. Zrozumiał i zaczął je wypuszczać jeden po drugim. Po ostatnich międzynarodowych projektach studio powróciło do muzycznego motywu „Fantasy”, realizując kreskówkę składającą się z 10 absolutnych różne historie z akompaniamentem muzycznym.

Osobno chciałbym zwrócić uwagę na „Petyę i wilka”, na podstawie opowieść symfoniczna Siergiej Prokofiew. Podobnie jak wiele innych kreskówek z lat czterdziestych XX wieku, Play My Music nigdy nie doczekał się szerokiego wydania. Zamiast tego jego historie zostały podzielone, wydane jako osobne krótkie kreskówki lub wykorzystane w programy telewizyjne Disneya.

„Wesoły i beztroski” (1947)

I znowu kreskówka wsadowa. Tym razem składa się tylko z dwóch wątków, które łączy linia Jiminy'ego - świerszcza z Pinokia, który znajduje dwie smutne lalki i postanawia je rozweselić opowieścią o ucieczce z cyrku niedźwiedziu Bongo. Następnie Jiminy spotyka słynnego brzuchomówcę Edgara Bergena (kolejny aktor na żywo w bajki Disneya), który opowiada swoim lalkom historię opartą na bajce o Jaśku i Łodydze Fasoli. To prawda, zamiast Jacka - Mickey, Kaczor Donald i Goofy.

„Czas melodii” (1948)

Myślisz, że po tym Disney w końcu wydał pełnoprawną kreskówkę? Nie zgadłem. „Time of Melodies” to kolejna kolekcja krótkich metraży opowieści muzyczne, m.in.: surrealistyczna wersja „Lotu trzmiela”, opowieść o Johnnym Appleseedzie, który sadził jabłka w całej Ameryce i nie tylko. Nie jest tak imponujący jak Play My Music czy Fantasy, więc nic dziwnego, że Disney zdecydował się zaprzestać produkcji animacji wsadowych. Ale dopiero po następnej kreskówce.

„Przygody Ichaboda i pana Ropucha” (1949)

Kreskówka łączy w sobie dwie historie oparte na dziełach znaczących dla literatury anglojęzycznej: baśni Szkota Kennetha Grahama „Wiatr wśród wierzb” oraz gotyckiej opowieści „The Legend of Sleepy Hollow” autorstwa Washingtona Irvinga. Disneyowska adaptacja okazała się dorównywać oryginałowi: te same ponure i klimatyczne baśnie, które zachwycają do dziś. Nawet dorośli.

„Przygody Ichaboda i pana Ropucha” Disney zakończył swój nie zawsze płynny etap „paczki”, a wraz z nim skończyły się lata czterdzieste. W latach pięćdziesiątych pracownia czeka prawdziwy sukces, ale to już inna historia, o której opowiemy w następnej części.

Potrzebujesz filmu animowanego lub animowanego? Zamów animację w studio Kinesko!

Dziś animacja jest znana prawie każdemu. Ten gatunek ma ogromny Znaczenie kulturowe w końcu to bajki stają się pierwszymi materiałami edukacyjnymi dla dzieci, to one kładą podwaliny pod kulturę i edukację. Jednak bajki mogą być również interesujące dla dorosłych - niektóre prace mogą mieć głęboką i złożoną fabułę, której dziecko raczej nie zrozumie. Zapraszamy do zapoznania się z tym, jak dziś powstają bajki. Porozmawiamy o głównych gatunkach, a także o jednym z najbardziej udane projekty współczesna rosyjska animacja.

Jak kręcono kreskówkę „Masza i niedźwiedź”.

Twórcy pierwszych arcydzieł animacji, rysując każdą klatkę ręcznie, byliby zaskoczeni widząc to nowoczesne technologie, które posłużyły do ​​stworzenia „Maszy i Niedźwiedzia”. Ta kreskówka jest inna. Każda postać jest rysowana raz, ale szczegółowo i ze wszystkich stron taka praca trwa około miesiąca. Następnie stworzony model jest używany w każdym Nowa seria wielokrotnie. Ruchy niektórych postaci są obliczane przez program, podczas gdy inne (na przykład Niedźwiedzia) są odczytywane z ludzkich postaci za pomocą technologii motion capture.

Jednak to nie wszystko. Tworzenie postaci, zastanawianie się nad ruchami to tylko niewielka część pracy nad kreskówką. Konieczne jest „osiedlenie” postaci w żywym świecie, wygłoszenie ich mowy, dodanie efektów specjalnych. Pełna praca nad jedną serią „Maszy i Niedźwiedzia” zajmuje około 4 miesięcy, podczas gdy studio pracuje jednocześnie nad 4 numerami naraz, aby nie na siłę młodych widzów zbyt długo czekać na aktualizacje.

Ta kreskówka jest pierwszorzędny przykład wysokiej jakości animacja komputerowa. W tym kierunku artyści pracują nad obrazem postaci i ruchami klawiszy, a klatki pośrednie są obliczane przez komputer. Istnieją jednak inne sposoby tworzenia kreskówek, które są obecnie używane.

Ten kierunek klasyczny animacje. Jego istota polega na tym, że każda klatka sceny jest rysowana osobno i jest kopią poprzedniej z minimalnymi zmianami, które zapewniają dynamikę tego, co się dzieje. Z reguły postacie są przedstawiane na przezroczystych arkuszach, pod którymi umieszczone jest główne tło.

Dziś ręcznie rysowana animacja bynajmniej nie traci swojej pozycji pod presją wysokich technologii. Wcale nie - udało jej się je wykorzystać: zamiast przezroczystych folii i płócien stosuje się warstwy redaktorzy graficy, kręcenie klatek w aparacie ustąpiło miejsca korzystaniu z programów do edycji wideo. Dzięki temu gatunek ten jest nadal wykorzystywany przez czołowe studia animacji, takie jak Disney czy Warner Bros. Profesjonaliści znają wiele sztuczek, które pozwalają tworzyć arcydzieła w tym gatunku, a my możemy ci powiedzieć w domu.

animacja lalek

Z punktu widzenia strzelania praktycznie nie ustępuje narysowanemu, z wyjątkiem jednego niuansu: lalki działają jako bohaterowie fabuły. Ich ruchy są filmowane klatka po klatce, co po montażu sprawia wrażenie rzeczywistego ruchu. Miejscem narodzin tego gatunku jest Rosja, a pierwszą lalkową kreskówkę nakręcił Vladislav Starevich w 1911 roku.

Plastelina, sylwetka, kolaż i inne kreskówki wykorzystujące przedmioty fizyczne można również przypisać gatunkowi lalek. Pod względem szczegółowości tego, co się dzieje, taka animacja ustępuje możliwościom animacji odręcznej i komputerowej, ponieważ nie ma sposobu, aby poprawnie oddać dynamikę, emocje i wiele innych niuansów. Możliwe są wyjątki, jeśli materiał filmowy z lalkami zostanie następnie poddany dodatkowej obróbce - ale w tym przypadku mówimy o mieszance gatunków, a nie o kreskówce czysto lalkowej.

Czy można zrobić kreskówkę w domu?

Oczywiście, że możesz! Co więcej, dziś będzie to znacznie łatwiejsze dzięki wszechobecności komputerów i aparatów fotograficznych. Sprzęt fotograficzny przyda się tym, którzy się na to zdecydują animacja lalek, a do tworzenia ręcznie rysowanych kreskówek potrzebny jest edytor graficzny.

Rosyjska wersja programu Windows Movie Maker umożliwia zebranie wszystkich klatek razem. Możesz skorzystać z linku, aby spróbować swoich sił w animacji. W końcu wiesz już, jak powstają kreskówki, i sam możesz zrobić pierwszy krok w dziedzinie animacji!

Kilka komputerów, "inteligentne" programy - i filmowe arcydzieło gotowe? Nie, kręcenie współczesnych filmów animowanych jest znacznie trudniejsze. CHIP odwiedził studio Disneya i jest gotowy do rozmowy na temat fuzji filmu i programowania.

Królewna Śnieżka, Kopciuszek, Pocahontas, Bambi i Myszka Miki - wszystkie powstają w pracowni, gdzie wraz z innymi nie mniej znane postacie bajki Disneya, bohaterowie kreskówek witają nas radośnie z szafek, z półek i rysunków na ścianach. Nowoczesna technologia a tradycyjna idylliczna sztuka rysowania jest esencją dzisiejszego Disneya.

CHIP odwiedził studio z długa historia w Burbank w hrabstwie Los Angeles w Kalifornii, u podnóża Wzgórz Hollywood, aby dowiedzieć się, jak powstają filmy animowane. Założona w 1923 roku firma w ciągu ostatnich dwóch lat wyprodukowała swój 52. film animowany Ralph, w którym pozbawiony złudzeń złoczyńca z gry wideo szuka publicznego uznania.

Tutaj, w „Dolinie Krzemowej” amerykańskiego przemysłu filmowego, w ciągu tych dwóch lat, dzięki staraniom 200 animatorów, programistów i artystów, narodziło się 188 postaci i 79 lokacji. Ponad 10 000 komputerów przetwarzało scenę po scenie. Akcja toczy się w czterech światach gier wideo. Wszystko zaczyna się w Fix-It Felix Jr., ośmiobitowej grze pixelartowej, przypominającej zręcznościową grę Donkey Kong. Następnie główny bohater, Ralph, zakrada się do realistycznej strzelanki Hero%u2019s Duty, a następnie trafia do symulatora wyścigów Sugar Rush — mieszanki Alicji w Krainie Czarów i japońskie anime. Wejścia i wyjścia z tych gier znajdują się w czwartym świecie - Central Game Station. Każdy wszechświat ma swój własny projekt, ruch, kolory i efekty. „To było jak kręcenie jednego filmu z czterech… bardzo złożony film”, - opisuje to niemal przytłaczające techniczne i logiczne zadanie Renato dos Anjos, szef zespołu animatorów.

Pomiędzy automatami do gry a bankami galaretek

Aby przedstawione światy wyraźnie się od siebie różniły, ale jednocześnie były spójne, produkcja kreskówki rozpoczęła się od długich studiów. „Szukaliśmy elementów sugestywne lub nostalgia”, mówi reżyser Rich Moore, znany już publiczności z popularnego serialu animowanego The Simpsons i Futurama. W Barcelonie zespół projektowy inspirował się architekturą Antoniego Gaudiego. Deweloperzy również odwiedzili Międzynarodowa wystawa cukierni w Kolonii, odwiedził tor gokartowy i grał w różne gry wideo. Moore jest szczególnie dumny z automatów do gier z grą Fix-It Felix, opracowaną przez członków ekipy filmowej, zaaranżowaną w studiu filmowym. Na tych porysowanych pudełkach, rzekomo z lat 80., animatorzy, projektanci i programiści walczą w przerwach o rekordowy wynik.

W 2010 roku, po skrupulatnym planowaniu, rozpoczęto produkcję filmu. Scenariusz był gotowy, a aktorzy głosowi, w tym nominowany do Oscara John C. Riley (Ralph) i Sarah Silverman (Vanellope), zaczęli opowiadać o każdej scenie. Najczęściej nagrywali razem, w tym samym pomieszczeniu, co jest niespotykane w filmach animowanych. Doprowadziło to do interesujących improwizowanych dialogów. Ponadto aktorzy zostali sfilmowani, aby animatorzy mogli uchwycić ich mimikę i gesty – dobra pomoc do dalszej pracy. W tym samym czasie specjaliści od układu nałożyli wygenerowane komputerowo podstawowe modele postaci na lokalizacje scen, ustawili pozycje kamery i ustalili czas nagrywania dźwięku.

Kliknięcie myszką - i ... sfilmowane!

W końcu nadszedł czas na animację surowych i wciąż brzydkich scen. W zaciemnionym ministudio wyposażonym w pół tuzina komputerów reżyser Rich Moore wyjaśnia zespołowi animatorów, co bohaterowie robią w danej scenie, co myślą i czują. Pracownicy oglądają nagrania wideo lektorów, a niektórzy nawet sami inscenizują scenę i nagrywają. Tak więc dochodzi do zrozumienia, jak postać stoi, kiedy porusza ręką lub mruga, a także jak zachowuje się w określonej sytuacji. „Tworzenie animacji to nie tyle wyzwanie techniczne, co artystyczne zacięcie” – wyjaśnia Renato Dos Anjos, kierownik działu animacji. Wszystkich 67 animatorów pracujących nad filmem „Ralph” od razu po przygotowaniu siada do komputerów, aby wymodelować ruchy na podstawowym modelu postaci i stworzyć zgrubną animację twarzy. Te początkowe modele to cyfrowe lalki ze szkieletem, który porusza się za pomocą kliknięć myszką na głowie lub stawach. Do realizacji niezbędne jest posiadanie struktur kontrolnych w modelu każdej z postaci. Takie sekwencje, zdefiniowane w programie animacyjnym, przekształcają wszystkie proste i złożone ruchy szkieletu postaci – od zgięcia ręki do taniec choreograficzny. „Jeśli nie możemy zaimplementować ruchu, zawsze znajdzie się ktoś na tyle sprytny, aby stworzyć odpowiednią strukturę sterowania” — mówi dos Anjos. Jednym z tych „zbawicieli” jest Jan Berger, Dyrektor techniczny według znaków. Swój zawód studiował w Instytucie Filmu i Telewizji, a od początku 2012 roku pracuje w Disney. Jan projektuje elementy sterujące zwane „rigami” i dostosowuje je do życzeń animatorów. „W przypadku głównych bohaterów ten proces może zająć kilka miesięcy, a pomniejszych zajmujemy kilka dni lub tygodni” — mówi Berger. Tworząc ruchome modele w Ralphie, zespół odszedł nieco od tradycji Disneya, skupiając się bardziej na grach wideo. Najbardziej widać to w świecie Fix-It Felix. Tutaj bohaterowie poruszają się wyłącznie skacząc ostrymi zakrętami pod kątem 90% B0, jak w klasycznych grach zręcznościowych, gdzie nie ma płynnych ruchów ciała. Inne światy również wysuwają swoje żądania. „Tworząc animację, nieustannie musimy poruszać się między stylem kreskówkowym, realistycznym, uproszczonym, emocjonalnym i komediowym” — wyjaśnia Zack Parrish, główny animator, o wymaganiach stawianych filmowi Ralph. Na pierwszym etapie pracy pojawia się tzw. „Blocking Pass” - szorstka, niepłynna animacja z prędkością zaledwie 10 klatek na sekundę. Rich Moore studiuje to i wyraża swoją opinię, a także o aktorstwie plan filmowy. Jedynie scena zmieniona zgodnie z jego uwagami jest tłumaczona przez animatorów na 24 klatki - w takiej formie taśma zostanie wyświetlona na ekranie kinowym. Po co więc 67 osób? Ze zmęczonym uśmiechem na twarzy tłumaczą nam: każdy tworzy tylko 80 klatek tygodniowo, co odpowiada trzem sekundom filmu. Animowanie sceny trwającej 12 sekund zajmuje średnio miesiąc.

Modelowanie i optymalizacja ręczna

Animatorzy przesyłają swoje prace do działu animacji technicznej. Jego zespół jest zajęty wiatrem rozwiewającym włosy Ralpha, pędzącym przez nie tor wyścigowy w świecie Sugar Rush, czy układ fałd w jego ubraniu, gdy siada. Tutaj przypomina się charakterystyczna dla Disneya fizyka – nie realistyczna, ale kreskówkowa, która jednocześnie powinna wyglądać przekonująco. Jan Berger zajmuje się również animacją techniczną: „Moje doświadczenie jest takie najwyższe wyniki osiągnięte dzięki połączeniu ręcznej animacji i modelowania”. To ostatnie oznacza, że ​​program najpierw określa pozycję początkową obiektu. Następnie aktywowany siła fizyczna, takich jak grawitacja lub wiatr, oraz określa się sztywność materii, czyli włosów lub odzieży. „Teraz konieczne jest wprowadzanie korekt, aż do uzyskania idealnego wyniku”, wyjaśnia krótko Berger. Jak większość jego kolegów, wykorzystuje w tym celu najpopularniejszy program do animacji 3D – Autodesk Maya, do którego opracował nawet własną wtyczkę.

Gdy Ralph i inne postacie ożywają, świat wciąż martwy. Nad tym pracować będzie zespół specjalistów od efektów pod kierownictwem Cesara Velasqueza. Zajmują się animacją wszystkiego, co nie jest związane z postaciami: ognia, wody, dymu, zniszczenia, eksplozji. Nawet takie efekty w każdym świecie filmu wyglądają inaczej. Na przykład w strzelance Hero%u2019s Duty walka Ralpha z kosmitami jest narysowana tak realistycznie, jak to tylko możliwe. „Aby to zrobić, stosujemy kilka warstw efektów: najpierw dym, parę wodną i mgłę, następnie cząsteczki i małe zanieczyszczenia, a na końcu światło, błyski i iskry” — mówi Velasquez. Warto zauważyć, że „Ralph” był pierwszym filmem studia Disneya, w którym brał udział tzw. projektant efektów. Jednocześnie twórcy chcieli nadać każdemu światu niepowtarzalny styl, zachowując przy tym disneyowską tradycję rysowania nawet w efektach specjalnych, bez polegania wyłącznie na Grafika komputerowa. Niektóre efekty Velasquez i jego zespół musieli przetestować w trybie analogowym. Rezultatem jest połączenie efektów generowanych komputerowo i ręcznie rysowanych. Jest to szczególnie widoczne w scenie, w której Ralph wpada do czekoladowej rzeki. Rzeka animowana na komputerze w klasyczny sposób, jak płyn, wygląda realistycznie. Czekoladowe kropelki na ubraniach Ralpha są natomiast utrzymane w typowym dla kreskówek stylu Disneya – zostały narysowane przez projektanta efektów.

Za animację efektów odpowiada Hendrik Panz, który dołączył do ekipy Disneya po ukończeniu studiów na Akademii Filmowej w Ludwigsburgu. Panz jest jedną z nielicznych osób, która pracuje z oprogramowaniem do animacji Houdini, które lepiej nadaje się do złożonych efektów niż oprogramowanie lidera rynku Autodesk. Takie efekty wymagają w dodatku ogromnej mocy komputera, więc zespół animatorów pracuje na prawdziwych „potworach”. Na przykład stacja robocza Pantz z systemem Linux jest wyposażona w 48 GB pamięci RAM i ośmiordzeniowy procesor graficzny.

Dodajmy oświetlenie - i do piwnicy

NA ostatni krok Zespół oświetleniowy Adolfa Lusińskiego oświetla scenę i postacie, tworzy cienie i odbicia oraz sprawia, że ​​kolory lśnią. Całość prac rozpoczyna się w trybie analogowym – w Disneyowskim studiu fotograficznym, gdzie testowane są różne schematy oświetlenia obiektu. Uzbrojeni w zdobytą wiedzę eksperci rzucają światło na konkretną scenę w dwóch etapach. Po pierwsze, renderer w czasie rzeczywistym (kolejny wewnętrzny projekt Disneya o nazwie Figaro) tworzy kształty świateł i cieni na podstawie pozycji kamery. „Dyskutujemy z reżyserem Richem Moore'em, jak skuteczne jest to oświetlenie” — mówi Lusinski. „Następnie mistrzowie oświetlenia opracowują szczegóły ostatecznego renderowania”. Na potrzeby tego filmu Disney opracował nowy moduł cieniowania pikseli. Oblicza parametry poszczególnych pikseli, umożliwiając tworzenie określonego koloru, zmianę wartości światła, wyświetlanie cieni, przezroczystości, świateł i odbić. Po animacji ruchów, efektów i oświetlenia scena trafia do piwnicy studia. „Mamy tutaj około 10 000 komputerów, które renderują tylko obrazy” — wyjaśnia Adolf Lusinski. A ponieważ nawet ta pojemność nie wystarcza na tak pracochłonny film, studio musi wynająć kolejne centrum komputerowe w Los Angeles.

A teraz skończyły się dwa lata produkcji: komputery zakończyły renderowanie, zmontowano bożonarodzeniowy film Disneya dla pokolenia miłośników gier wideo, który pod koniec 2012 roku trafił do kin na całym świecie.

Cztery kroki tworzenia filmu animowanego

Myszka Miki, urodzona w 1928 roku

Myszka Miki stała się zamiennikiem innej postaci z kreskówek - królika Oswalda. Disney wymyślił to, gdy był jeszcze w Universal Pictures, ale stracił do niego prawa autorskie. Według wspomnień kolegów artysta początkowo myślał o narysowaniu kotka lub żaby. Ale zdecydował się na mysz, ponieważ w jego pracowni mieszkało wiele gryzoni.

Królik Oswald jest dalekim „krewnym” Myszki Miki

Warto zauważyć, że Walt Disney najpierw chciał nazwać mysz nie Mickey, ale Mortemir. Żona przekonała go jednak, że to nie brzmi. Jednak we wszechświecie Disneya postać o tym imieniu wciąż się pojawiała. Jest dokładnym przeciwieństwem miłego i pomocnego Mickeya. Sam Walt Disney udzielił głosu Miki. Po raz pierwszy Myszka Miki pojawiła się na ekranach w kreskówce Paraboat Willie. Ta postać pojawia się od pierwszych minut:

Kaczor Donald, urodzony w 1934 r

Walt Disney chciał wymyślić postać, która zawierałaby kilka negatywne cechy brakuje Miki. A poza tym kaczka bardzo lubiła dzieci jako zabawkę. A Clarence Nash, amerykański aktor głosowy, został oficjalnym głosem Ducka. Był jednym z nielicznych, którzy potrafili odtworzyć ten bardzo kaczy głos.

Kaczor Donald „brał udział” w II wojnie światowej jako bohater propagandowej kreskówki parodiującej nazizm. W kreskówce „Twarz Fuhrera” kaczka pozdrawia portrety Hitlera. Debiut Kaczora Donalda można zobaczyć w filmie krótkometrażowym Wise Little Hen:

Podobnie jak Myszka Miki, Donald ma swoją bratnią duszę - jest to Daisy Duck, która pojawiła się z nim w 1940 roku. Myszka Minnie wyszedł w tym samym czasie co Mickey.

Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków, urodzona w 1937 roku

Kiedyś, jako dziecko, Walt Disney zobaczył kreskówkę o Królewnie Śnieżce bez dźwięku i był zachwycony. W 1934 roku, gdy artysta już dawno dorósł, rozpoczął pracę nad pełnometrażowa kreskówka Na podstawie baśni braci Grimm. W 1937 roku odbyła się premiera Królewny Śnieżki i siedmiu krasnoludków. Ten obraz odniósł ogromny sukces. Disney lubił pracować z bajkami, aw 1940 roku ukazał się drugi pełnometrażowy Pinokio, oparty na twórczości Carlo Collodi. A Królewna Śnieżka była pierwszą z serii kreskówek o księżniczkach. Kopciuszek (1950), Śpiąca królewna (1959) i wiele innych filmów.

Fragment kreskówki „Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków”:

Bambi, urodzony w 1942 r

Kreskówka „Bambi” jest uważana za najbardziej ukochaną kreację Walta Disneya i najlepsza kreskówka ogólnie jego studia. Był nawet nominowany w kilku kategoriach do Oscara. Jednak jeleń wcale nie został wymyślony przez Disneya. Bambi jest bohaterem powieść o tym samym tytule austriacki pisarz Felix Salten. Filmowa adaptacja i adaptacja książki odniosły niesamowity sukces. A sama książka była sprzedawana w ogromnych nakładach, krytycy dobrze ją przyjęli.

Walt Disney szkicuje małego jelonka do zwiastuna amerykańskiej kreskówki Bambi.

Oto miejsce, w którym pojawia się najpopularniejsza książka: