Obrazy Rubensa w Luwrze. Wędrowiec z Trójcy. Luwr: malarstwo włoskie

08.03.2019

Legendarna Mona Lisa bije wszelkie rekordy wśród znane obrazy Leonardo da Vinci w Luwrze. Jest to główny cel wielu turystów, dlatego w pobliżu zawsze jest dużo ludzi. Niektórzy ją widzą nieziemskie piękno inne są wyzwaniem dla społeczeństwa, inne są tajnymi przesłaniami autora. Istnieje wiele interpretacji tajemniczego półuśmiechu, magicznego spojrzenia Mony Lisy. Został napisany w 1503 r., a trafił do Luwru w 1793 r. Obecnie, poza Luwrem, nigdzie nie można zobaczyć oryginalnej Mony Lisy. Ponieważ obraz nie jest w zbyt dobrym stanie, dyrekcja muzeum zdecydowała się nie przenosić go na inne wystawy.

antyczny ideał kobiece piękno przedstawia posąg Wenus z Milo. Powstał około 120 roku p.n.e. przez nieznanego rzeźbiarza na wyspach lazurowego Morza Egejskiego. Istnieje kilka wersji, dlaczego posąg nie ma rąk – albo zostały odparte podczas transportu z Turcji do Francji, albo nie było ich już na długo przed odnalezieniem posągu.

Jacques Louis David „Koronacja Napoleona”

Obraz znany przedstawiciel neoklasycyzm wygląda jeszcze bardziej realistycznie, niż miał miejsce w rzeczywistości. Został napisany na rozkaz cesarza Napoleona I, który chciał umieścić swoją matkę na samym środku płótna, odmłodzić królową Józefinę i uczynić siebie nieco wyższą. W przeciwnym razie „Koronacja Napoleona” w pełni odzwierciedla wydarzenie z 1804 roku, które miało miejsce w sali katedry Notre Dame.

Michał Anioł „Niewolnicy”

Dwie rzeźby Michała Anioła, zdobiące galerie Luwru, zdają się być sobie przeciwstawne: „Niewolnik zmartwychwstały” i „Niewolnik umierający”, siła woli i całkowity brak woli, pragnienie życia i pragnienie śmierci. Rzeźby powstały w latach 1513-19. jako dekoracja grobu papieża Juliusza II.

Jan Vermeer „Koronkarka”

Vermeera, który mieszkał w XVII wiek, wyraźnie posługiwał się optyką podczas tworzenia swoich obrazów, osiągając efekty jak na współczesne fotografie. W Lacemaker widać rozmyty pierwszy plan i głębię ostrości osiągniętą poprzez renderowanie nieostrych elementów płótna. To częściowo wyjaśnia realizm obrazu.

Siedzący posąg Ramzesa II

Kolejną rzeczą, którą trzeba zobaczyć w Luwrze jest starożytny posąg egipski Faraon Ramzes II – jeden z najważniejszych w historii stan starożytny. Pomnik znajduje się w skrzydle Sully na pierwszym piętrze muzeum i wygląda bardzo majestatycznie, podobnie jak dziesiątki innych eksponatów z działu Starożytny Egipt.

Męka Rafaela do obrazu Najświętszej Maryi Panny w pozytywny sposób odzwierciedlenie w zbiorach Luwru. Jeden z najbardziej znane prace, prezentowany w Muzeum Paryskim - „Madonna z Dzieciątkiem i św. Janem Chrzcicielem”. To jedno z dzieł kolekcji Franciszka I, które trafiło do Luwru u zarania jego powstania jako muzeum.

Posąg miłującej wolność bogini zwycięstwa Nike wykonany jest z marmuru. Jego wiek szacuje się na około 4 tysiące lat. W tym czasie bogini straciła ręce, głowę i jedno skrzydło. A jeśli drugie skrzydło zostało przywrócone z gipsu na podobieństwo pierwszego, to bogini nie miała szczęścia z resztą ciała. Jednak nawet w tej formie przyciąga uwagę tysięcy turystów.

Theodore Géricault „Tratwa Meduzy”

Kiedyś obraz wywołał wiele oburzenia tylko dlatego, że artysta przedstawił na nim nie fabułę religijną czy bohaterską, ale realistyczną walkę człowieka z żywiołami. Opiera się na wydarzeniach z 1816 roku, kiedy straszliwa tragedia dotknęła statek Meduza u wybrzeży Senegalu. Walka o życie i śmiertelne męki, nadzieja i całkowita rozpacz łączą się w tym dziele.

Antonio Canova „Kupid i Psyche”

Dopełnieniem tych arcydzieł Luwru jest romantyczna rzeźba z motywem „śpiącej królewny” – przebudzenia bogini Psyche ze słodkiego pocałunku skrzydlatego Kupidyna. Istnieją dwie różne wersje tej rzeźby. Pierwsza, wcześniejsza, przechowywana jest w salach Luwru, druga – w Ermitażu. Rzeźba wielkiego Antonia Canovy została podarowana muzeum w 1800 roku i od tego czasu zdobi jedną z sal działu rzeźb.

Jakie arcydzieła paryskiego Luwru przypadły Ci do gustu?

220 lat temu, 10 sierpnia 1793 roku, Luwr został otwarty dla zwiedzających. Sama budowla na przestrzeni prawie dziesięciu wieków przeszła wiele przekształceń, od mrocznej twierdzy z XII wieku po pałac Króla Słońce i najpopularniejszy i najbardziej popularny słynne muzeum pokój. Dzisiejszy Luwr to kilkaset tysięcy eksponatów, cztery piętra z ekspozycjami o łącznej powierzchni 60 600 metry kwadratowe(Ermitaż - 62 324 m2). Dla porównania: to prawie dwa i pół Placu Czerwonego (23 100 mkw.) i ponad osiem boisk piłkarskich stadionu Łużniki (powierzchnia boiska - 7140 mkw.).

„W Luwrze jest coś do zobaczenia” – o tym wiedzą wszyscy. I być może prawie wszyscy wymienią główne eksponaty muzeum: „Mona Lisa” Leonarda da Vinci, Nike z Samotraki i Wenus z Milo, stela z prawami Hamurappiego i tak dalej i tak dalej… W zeszłym roku według oficjalnych danych muzeum odwiedziło ponad dziewięć i pół miliona osób, krążą legendy o tłumach oblegających Mona Lisę, a także o kieszonkowcach w Luwrze, a portale podróżnicze radzą przygotowywać się do jego wizyty niemal jak na wycieczkę: zabierz ze sobą jedzenie, wybierz wygodne ubrania i buty.

Odrzucając podejście formalne, projekt Weekend wybrał dziesięć eksponatów Luwru, nie mniej znanych i pięknych niż te wymienione powyżej, które z łatwością mogą przeoczyć nawet nie najbardziej uważny i kompetentny turysta.

Mitologiczny demon („Naznaczony”).
Baktria.
Koniec II - początek III tysiąclecie PNE.

Skrzydło Richelieu, parter (-1). Sztuka starożytny wschód(Iran i Baktria). Sala numer 9.

Starożytne artefakty tradycyjnie przyciągają mniej uwagi niż dzieła wielkich artystów i rzeźbiarzy. Oglądanie wielu drobnych eksponatów, a często nawet fragmentów czegoś, uważane jest za masę „fanów”. A w oknach skrzydła Richelieu o powierzchni 22 tys. , wysokość nieco niespełna 12 centymetrów, figurka w biegu.To „człowiek z żelaza” pochodzący z Baktrii i mający ponad 5 tysięcy lat (datowany na koniec II – początek III tysiąclecia p.n.e.) Baktria to państwo założone przez Greków po podbojach Aleksandra Wielkiego w rejonie północnego Afganistanu na przełomie III i IV tysiąclecia p.n.e. Do chwili obecnej odnaleziono jedynie cztery w całości zachowane tego typu figurki, z czego jedną nabył Luwr w 1961 roku. Przyjmuje się, że odnaleziono je w Iranie, w pobliżu miasta Sziraz. : jego twarz jest zniekształcona długą blizną. Według badaczy blizna symbolizowała jakieś rytualne, niszczycielskie działanie. Tułów przykryty krótką przepaską biodrową pokryty jest wężowymi łuskami i podkreśla wężowy charakter postaci. Sugeruje to, że tak właśnie przedstawiano antropomorficznego demona-smoka, czczonego w Azji. Kim są owi „oznaczeni”, można się tylko domyślać, najwyraźniej byli to personifikacje duchów, być może dobrych, być może złych.

Materac Hermafrodyta

Śpiąca hermafrodyta.
Rzymska kopia oryginału z II w. n.e. mi. (materac dodany przez Berniniego w XVII wieku)

Skrzydło Sully, parter (1). Sala nr 17 Sala Kariatyd.

Jeśli nie ominiecie znajdującej się w tej samej hali Wenus z Milo, otaczający ją tłum turystów jest dobrym przewodnikiem, to pobliską „Śpiącą Hermafrodytę” można łatwo ominąć, jeśli skręcicie w złą stronę. Według legendy syn Hermesa i Afrodyty był bardzo przystojnym młodym mężczyzną, a zakochana w nim nimfa Salmakida poprosiła bogów, aby zjednoczyli ich w jedno ciało. Rzeźba ta, uważana za rzymską kopię greckiego oryginału z II wieku n.e. e., trafił do muzeum w początek XIX wieku ze zbiorów rodziny Borghese. W 1807 roku Napoleon poprosił księcia Camillo Borghese, który był jego zięciem, o sprzedaż części przedmiotów znajdujących się w kolekcji. Z oczywistych względów propozycji cesarza nie można było odrzucić. Marmurowy materac i poduszka, na których spoczywała Hermafrodyta, zostały dodane w 1620 roku przez Giovanniego Lorenzo Berniniego, barokowego rzeźbiarza, którego patronem był kardynał Borghese. Jednak ten szczegół podkreśla raczej anegdotyczną stronę kompozycji, która raczej nie była częścią pomysłu. Autor grecki. Z rzeźbą wiąże się także wierzenie, o którym czasami mówią przewodnicy muzealni: podobno mężczyźni, dotykając śpiącego mężczyzny, zwiększają w ten sposób swoją męską siłę.

Dorzecze Saint Louis

Miska to „Czcionka St. Louis”. (na zdjęciu fragment to jeden z medalionów)
Syria lub Egipt, około 1320-1340

Chrzcielnica (lub chrzcielnica) St. Louis jest wymieniana wśród najważniejszych eksponatów podziemi, ale niewiele osób ma siłę zejść tutaj po zwiedzeniu głównych atrakcji muzeum. Wykonana z mosiądzu i zdobiona srebrem i złotem misa uznawana jest za arcydzieło sztuki mameluckiej, wcześniej należała do skarbów kaplicy Sainte-Chapelle, a w 1832 roku trafiła do zbiorów muzeum. Ta duża umywalka była częścią francuskiej kolekcji królewskiej, w środku można zobaczyć herb Francji. Rzeczywiście służyła jako chrzcielnica na chrzcie Ludwika XIII i syna Napoleona III, ale nie św. Ludwika IX, mimo że nazwa była do niej „przyklejona”. Przedmiot ten powstał znacznie później: pochodzi z lat 1320-1340, a Ludwik IX zmarł w 1270 roku.

Shah Abbas i jego strona

Muhammad Kazim.
Portret Szacha Abbasa I i jego pazia (Szach Abbas obejmujący stronę).
Iran, Isfahan, 12 marca 1627

Skrzydło Denona, parter. Sala Sztuki Islamskiej.

W tym samym pomieszczeniu warto zwrócić uwagę na dość słynny rysunek, przedstawiający Szacha Abbasa i jego podczaszego, który bardziej przypomina dziewczynę. Abbas I (1587-1629) to najważniejszy przedstawiciel dynastii Safiwidów, uznawany za założycieli współczesnego Iranu. Podczas jego panowania sztuka osiąga szczyt swojego rozwoju, obrazy stają się bardziej realistyczne i dynamiczne. Na tym rysunku Shah Abbas jest ukazany w stożkowym kapeluszu z szerokim rondem, który wprowadził do mody, obok pazia trzymającego kubek wina. Pod koroną drzewa, po prawej stronie, widnieje nazwisko artysty – Muhammad Kazim (jeden z znani mistrzowie tego czasu i najwyraźniej nadworny malarz Abbasa) - i krótki wiersz: „Niech życie da ci to, czego pragniesz z trzech ust: twojego kochanka, rzeki i kielicha”. Na pierwszym planie strumień, którego woda była niegdyś srebrzona. Wiersz można interpretować także symbolicznie, w tradycji perskiej istniało wiele wersetów adresowanych do kamerdynera. Rysunek trafił do muzeum w 1975 roku.

Portret dobrego króla

Nieznany artysta szkoły paryskiej.
Portret Jana II Dobrego, króla Francji.
Około 1350 r

Skrzydło Richelieu, drugie piętro. Malarstwo francuskie. Sala numer 1.

Ten obraz nieznany artysta połowy XIV wieku uważany jest za najstarszy indywidualny portret w Sztuka europejska. pierwsi mistrzowie malarstwo francuskie Zaczęto badać stosunkowo niedawno, bo w drugiej połowie XIX w., a większość ich dzieł zaginęła w czasie wojen i rewolucji. Panowanie Jana Dobrego, które przypadło na lata wojny stuletniej, nie było łatwe: pokonany przez Brytyjczyków w bitwie pod Poitiers, dostał się do niewoli i uwięziony w Londynie, gdzie podpisał porozumienie o swojej abdykacji. Według legendy portret został namalowany w Tower of London, a jego autorstwo przypisuje się Girardowi z Orleanu. Interesujący fakt: został ostatnim francuskim monarchą noszącym imię Jan.

Madonna na korytarzu

Leonardo da Vinci.
Madonna w skałach.
1483-1486 lat.

Skrzydło Denona, Wielka Galeria, pierwsze piętro. Malarstwo włoskie. Sala numer 5.

Duża galeria skrzydła Denona, oprócz słynnej sceny z filmu Jeana-Luca Godarda „Gang outsiderów” z bohaterami biegnącymi po Luwrze, znana jest z tego, że „niezauważona” piękna Madonna Leonarda i wiele innych dzieł powiesić tutaj malarze włoscy w tym Caravaggia. „Niezauważona przez nikogo” – to oczywiście mówi się głośno, ta sama „Madonna w skałach” jest jedną z najbardziej znane obrazy na świecie, a mimo to, rozpoczynając wyścig od mety pod Mona Lisą, turyści niestety często mijają to wspaniałe dzieło, dla którego warto stać jeszcze kilka minut. Istnieją dwie wersje tego obrazu. Ten przechowywany w Luwrze powstał w latach 1483-86, a pierwsza wzmianka o nim (w inwentarzu francuskiej kolekcji królewskiej) pochodzi z 1627 roku. Drugi, należący do Londynu Galeria Narodowa, został napisany później w 1508 roku. Obraz stanowił centralną część tryptyku przeznaczonego dla mediolańskiego kościoła San Francesco Grande, nigdy jednak nie został przekazany klientowi, dla którego artysta namalował drugą, londyńską wersję. Pełna czułości i spokoju scena kontrastuje z dziwnym krajobrazem stromych klifów, geometrią kompozycji, miękkimi półtonami, a także słynną „mgiełką” sfumato, tworząc niezwykłą głębię w przestrzeni tego obrazu. No cóż, nie można nie wspomnieć o jeszcze jednej „wersji” treści tego zdjęcia, która kilka lat temu dręczyła fanów Dana Browna, którzy wywrócili treść zdjęcia do góry nogami.

Szukam pcheł

Giuseppe Marii Crespi.
Kobieta szukająca pcheł.
Około 1720-1725

Skrzydło Denona, pierwsze piętro. Malarstwo włoskie. Sala nr 19 (sale na końcu Wielkiej Galerii).

Obraz boloński autorstwa Giuseppe Marii Crespiego jest jednym z ostatnich nabytków muzeum, otrzymanym w prezencie od Towarzystwa Przyjaciół Luwru. Crespi był wielkim fanem Malarstwo holenderskie a w szczególności sceny rodzajowe. Istniejąca w kilku wersjach „Kobieta poszukująca pcheł” najwyraźniej była częścią serii obrazów (obecnie zaginionych), które opowiadają o życiu pewnej piosenkarki od początków jej kariery do ostatnie lata kiedy stała się pobożna. Takie prace w żadnym wypadku nie są kluczowe dla twórczości artysty, ale dają nowoczesny mężczyznażywe przedstawienie realiów tamtych czasów, kiedy ani jedna przyzwoita osoba nie mogła obejść się bez łapacza pcheł.

Kaleki, nie rozpaczajcie

Pietera Brueghela Starszego.
Kaleki.
1568.

Skrzydło Richelieu, drugie piętro. Malarstwo Holandii. Sala numer 12.

To niewielkie dzieło starszego Brueghela (tylko 18,5 na 21,5 cm) jest jedynym w całym Luwrze. Nie zauważyć, że jest to łatwiejsze niż kiedykolwiek, i to nie tylko ze względu na rozmiar, efekt rozpoznania – „jeśli na zdjęciu jest dużo małych ludzi, to jest to Brueghel” – może nie zadziałać od razu. Dzieło zostało podarowane muzeum w 1892 roku i w tym czasie narodziło się wiele interpretacji fabuły obrazu. Niektórzy postrzegali to jako odzwierciedlenie wrodzonej słabości ludzka natura, inne - satyra społeczna (karnawałowe nakrycia głowy postaci mogą symbolizować króla, biskupa, mieszczanina, żołnierza i chłopa) czy krytyka polityki prowadzonej we Flandrii przez Filipa II. Jednak do tej pory nikt nie podjął się wyjaśnienia postaci z miską w dłoniach (w tle) oraz lisich ogonów na ubraniach bohaterów, choć niektórzy dopatrują się tu nawiązania do corocznego święta biednych, Koppermaandag . Tajemniczości obrazu dodaje napis na odwrocie, którego widzowie nie widzą: „Kaleka, nie rozpaczaj, a twój biznes może prosperować”.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Hieronima Boscha nie jest taki, że nie znamy go „z widzenia”. Być może jego lokalizacja nie gra na korzyść dzieła: niedaleko wejścia do małej sali, a nawet z takimi sąsiadami jak Autoportret Albrechta Dürera i Madonna kanclerza Rolina van Eycka, a siostry d'Estre nie są daleko z dala, niezwykła kompozycja to dzieło nieznanego francuski artysta- nagie panie siedzące w łazience, z których jedna szczypie drugą w sutek - sprawiły, że obraz stał się eksponatem nie mniej popularnym niż sama Gioconda. Ale wracając do Boscha, ci, którzy uważnie się rozglądają, nigdy za nim nie tęsknią. „Statek głupców” jest częścią nie zachowanego tryptyku, którego dolny fragment uznawany jest obecnie za „Alegorię obżarstwa i pożądania” z Galeria Sztuki Uniwersytet Yale. Zakłada się, że „Statek głupców” jest pierwszą z kompozycji artysty o tematyce wad społecznych. Bosch porównuje zdeprawowane społeczeństwo i duchowieństwo do szaleńców, którzy wcisnęli się do niesfornej łodzi i pędzą ku śmierci. Obraz został podarowany Luwrowi przez kompozytora i krytyka sztuki Camille’a Benois w 1918 roku.

Obowiązkowymi punktami zwiedzania Luwru są dwie „holenderskie perły jego kolekcji” – obrazy Jana Vermeera „Koronkarz” i „Astronom”. Jednak jego poprzednik Pieter de Hooch, którego „Pijak” wisi w tym samym pomieszczeniu, często omija uwagę przeciętnego turysty. A jednak warto zwrócić uwagę na tę pracę i nie tylko ze względu na przemyślaną perspektywę i żywą kompozycję, artyście udało się oddać subtelne niuanse relacji pomiędzy bohaterami obrazu. Każdy uczestnik tej szarmanckiej sceny pełni specyficzną rolę: żołnierz nalewa drinka młodej kobiecie, która nie jest już trzeźwa, jego przyjaciel siedzący przy oknie jest prostym obserwatorem, ale druga kobieta jest wyraźnie sprośną, która wydaje się targować w tym momencie. Podpowiada znaczenie sceny i znajdującego się w tle obrazu, przedstawiającego Chrystusa i grzesznika.

Przygotowane przez Natalię Popową

Numery pięter są podane tradycja europejska, tj. parter jest pierwszym rosyjskim.

Publikacje działu Muzea

Rosyjscy sąsiedzi Giocondy: eksponaty krajowe w Luwrze

W jednym z głównych muzeów oczywiście trzeba znaleźć spokój Dzieła rosyjskie. Komu przyznano to wyróżnienie i jak do tego doszło?

średniowieczny skarb

Ramiona Andrieja Bogolyubskiego. OK. 1170–1180

Klejnot XII wieku - naramiennik księcia Andrieja Bogolubskiego, jest także armillą cesarza Fryderyka Barbarossy. Ta złocona bransoletka, którą nosiliśmy w nietypowym dla nas miejscu - na ramieniu, ozdobiona jest wirtuozowską emalią ze sceną Zmartwychwstania Chrystusa. Odznaczenie według legendy zostało przesłane przez cesarza naszemu księciu w prezencie. Później przechowywano go w katedrze Wniebowzięcia Włodzimierza, a po rewolucji został sprzedany przez bolszewików za granicę i to za grosze. W 1934 roku Towarzystwo Przyjaciół Luwru nabyło go od paryskiego antykwariusza i podarowało muzeum. W podobny sposób para naramienników z wizerunkiem Ukrzyżowania trafiła do Norymbergi.

Najstarsza ikona

ukrzyżowanie. Początek XVI wieku

Luwr nie może pochwalić się w swojej kolekcji bardzo starymi ikonami rosyjskimi: najstarsza należy do początek XVI wiek. To „Ukrzyżowanie” powstało w Nowogrodzie, dalszy los nie jest jasne, aż w 1927 r. znalazł się w zbiorach doradcy handlowego z Norwegii, który najwyraźniej skorzystał ze sprzedaży majątku kościelnego. Po 30 latach Luwr nabył od niego ikonę, a także wielką „Odegetrię”.

Pustelnik ze sklepu z antykami

Symeon Stylita. 16 wiek

Kolejną ikoną XVI wieku w salach Luwru jest Symeon Stylita. Opuściła Rosję w bagażu kupca Lwa Grinberga, który później został Leonem i stał na czele sławnego galeria antyków La Vieille Russie, która istnieje do dziś. (Nawiasem mówiąc, to Grinberg jakimś cudem kupił od paryskiego jubilera sześć jajek Faberge, które później trafiły do kolekcji Forbesa-Vekselberga. Dzięki jego duchowi przedsiębiorczości nie rozproszyły się po świecie, a ta kolekcja jest drugą co do wielkości na Kreml.) „Symeon Stylita” w 1956 r. Grinberg podarował Luwr, muzeum również pozostało wdzięczne – w tym samym roku kupił od niego ikonę „ Sąd Ostateczny» XVII wiek.

Wędrowiec Trójcy

Matka Boża „Skaczący Dzieciątko”. 16 wiek

XVI-wieczna Matka Boża skacząca z Dzieciątkiem, na której Chrystus tak czule przyciska się do policzka swojej matki, to kolejna ikona, która dzięki sowieckim wyprzedażom trafiła na przymusową emigrację. A wcześniej jej siedziba była bardzo honorowa - Ławra Trójcy Sergiusza! W 1933 roku kupił go stały przedstawiciel Czerwonego Krzyża w Rosji, Szwajcar Voldemar Verlen – więc bez problemu udając się do Torgsin. Muzeum zakupiło go w 1955 roku.

Dziewczyna Diderota

Dmitrij Lewicki. Portret Marii Naryszkiny. 1773–1774

Bardziej urozmaicona jest droga do Luwru w przypadku dzieł niereligijnych. Na przykład portret Dmitrija Lewickiego przedstawia księżniczkę Marię Naryszkinę, w której petersburskim domu Denis Diderot mieszkał podczas swojej wizyty w Rosji. Prawdopodobnie dała gościowi zdjęcie na pamiątkę. Pudrowana według najnowszej mody arystokratka ubrana jest w ciekawą górną suknię w stylu polskim lub węgierskim, ze sztruksami brandebury i kapturem obszytym futrem. Portret powstał w latach 1773-1774 – właśnie wtedy, po I rozbiorze Polski w 1772 r., nastąpił gwałtowny wzrost zainteresowania tym stylem w modzie.

Obraz przez wiele lat należał do spadkobierców Diderota, aż trafił w ręce pochodzącego z Paryża i Tyflisu artysty, kompozytora i kolekcjonera Jacques’a Zubaloffa, z którego kolekcji w 1916 roku przeniesiono go do Luwru. W przeszłości Jakow Konstantinowicz Zubałow był przedstawicielem znanej ormiańskiej dynastii przemysłowców naftowych, filantropem i mecenasem sztuki (jest Sala Zubałowskiego w Petit Palais w Paryżu i marmurowa tablica z jego imieniem wisi w Luwrze). Na starość zubożał do tego stopnia, że oba muzea pożyczyły nawet swojemu dawnemu dobroczyńcy pomoc finansowa.

Siostrzenice ambasadora z mopsem

Władimir Borowikowski. Siostry Elena i Aleksandra Alekseevna Kurakina. 1808–1812

Młode damy z portretu Władimira Borowikowskiego 1808–1812 to siostrzenice ambasadora Rosji w Paryżu Aleksandra Kurakina ( możliwy prototyp Książę Kuragin w „Wojnie i pokoju”). Księżniczki Elena i Aleksandra oczywiście nie są tak piękne jak Helen Bezukhova, ale otacza je też ciąg historii. Na przykład Aleksandra, będąc żoną Nikołaja Saltykowa, zakochała się w pułkowniku Piotrze Cziczerinie, który odebrał ją mężowi i wyszła za mąż, chociaż nigdy nie otrzymała rozwodu. Ich dzieci, oczywiście, uważano za nieślubne i potrzebny był dekret cesarski, który przyznał im prawo do legalnego urodzenia (i został on wydany dopiero po śmierci Aleksandry). Dziewczynom na portrecie towarzyszy mops, niezwykle modny dodatek mieszkaniowy końca XVIII w. („W każdym przejeżdżającym wagonie widzę mopsa” – napisał współczesny w 1789 r.).

Do początków XX w. obraz przechowywany był w rodzinie Kurakinów, następnie trafił do kolekcji bankiera Abrama Dobrego (tego samego, którego porwanie w 1918 r. doprowadziło do rozproszenia Rady Centralnej przez okupantów niemieckich). siły). Zmarł w 1936 r., a w 1958 r. małżeństwo Leon Baratz podarowało Luwrowi kilka dzieł ku pamięci jego i jego żony.

Luwr jest wyjątkowy kompleks muzealny, jeden z największych na świecie. Ekspozycje zajmują 58 470 metrów kwadratowych, a Całkowita powierzchnia muzeum - 160 106 m². Historia Luwru jest bogata w wydarzenia i obejmuje około 700 lat. Początkowo była to twierdza, którą później przekształcono w pałac królewski.

Luwr został założony w XII wieku przez Filipa Augusta (króla Francji). Od momentu powstania Luwr przeszedł liczne przebudowy i renowacje. Wszyscy królowie francuscy, którzy nawet nie mieszkali na stałe w Luwrze, starali się wnieść coś nowego do wyglądu budowli.

Dla króla Filipa Augusta Luwr był fortecą, główne zadanie która polegała na ochronie zachodnich podejść do Paryża, zatem Luwr był potężną budowlą z centralną wieżą.

Za panowania Karola V twierdza została przekształcona w rezydencję królewską. To właśnie ten król zainicjował przebudowę twierdzy na budynek odpowiedni na pobyt króla. Pomysł zrealizował architekt Reymond de Templelu, który zadbał także o niezawodną ochronę króla, otaczając budowlę potężnymi murami twierdzy.

Około do koniec XVIIIw wieku, wszystkie prace przy budowie Luwru zostały pomyślnie zakończone.

Muzeum otrzymało pierwszych gości w listopadzie 1793 r. Początkowo głównym źródłem uzupełniania funduszy Luwru były zbiory królewskie zgromadzone przez Franciszka I, Ludwika XIV. W chwili założenia muzeum kolekcja liczyła już 2500 obrazów.

Do chwili obecnej w Luwrze znajduje się 350 000 eksponatów, z których część jest przechowywana.

Harmonogram:
Poniedziałek - 9:00-17:30
Wtorek - Zamknięte
Środa - 9:00-21:30
Czwartek - 9:00-17:30
Piątek - 9:00-21:30
Sobota - 9:00-17:30
niedziela - 9:00-17:30

Oficjalna strona muzeum: louvre.fr

Większość Paryżan uważa Luwr za swoją największą atrakcję. Ale szklana piramida autorstwa amerykańskiego architekta Pochodzenie chińskie Według mieszczan Yeo Ming Peo nie bardzo pasuje do renesansowego pałacu. Budynek ten ma takie same parametry jak Piramida egipska Cheopsa. Tworzy wrażenie przestrzeni i światła, a także pełni rolę głównego wejścia do muzeum.

Fabuła

Historycznie rzecz biorąc, architektura Luwru zawsze łączyła wiele stylów. Zapoczątkował go król Filip August, który w XII wieku zbudował fortecę obronną na zachodniej granicy Paryża. Po pierwsze, służyła jako repozytorium królewskiego archiwum i skarbca.

Następnie za panowania króla Karola V przekształcono go w apartamenty królewskie. Przebudowali architekci renesansu zespół pałacowy, pragnąc zrealizować cel wręcz niemożliwy do zrealizowania – zadowolić gusta dwóch królów: Franciszka I i Henryka IV, których pomnik stoi obecnie na Nowym Moście. Zniszczono główną część murów twierdzy i zbudowano ogromną galerię łączącą Luwr z istniejącym wówczas Pałacem Tuileries.

Na początku XVII w. Henryk IV, darzący wielką sympatią sztukę, zaprosił artystów do zamieszkania w pałacu. Obiecał im przestronne sale warsztatowe, mieszkania i rangę malarzy pałacowych.

Ludwik XIV praktycznie położył kres prestiżowi Luwru jako rezydencji królów. Wraz z całym dworem przeniósł się do Wersalu, a artyści, rzeźbiarze i architekci osiedlali się w Luwrze. Byli wśród nich Jean-Honore Fragonard, Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Guillaume Coustout. To wtedy Luwr podupadł do tego stopnia, że zaczęto planować jego rozbiórkę.

Na końcu rewolucja Francuska nadano nazwę Luwr Muzeum Centralne sztuka. Jednocześnie Napoleon Trzeci zrealizuje to, o czym marzył Henryk IV - skrzydło Richelieu zostało dołączone do Luwru. Stała się lustrzanym odbiciem galerii Hauts-Borde-de-l'Eau. Ale Luwr przez długi czas wcale nie stał się symetryczny – w czasach Komuny Paryskiej spłonął Pałac Tuileries, a wraz z nim solidna część Luwru.

Kolekcja

Dziś Luwr to ponad 350 tysięcy dzieł sztuki i około 1600 pracowników, którzy organizują funkcjonowanie muzeum. Zbiory zlokalizowane są w trzech skrzydłach budynku: wzdłuż ulicy Rivoli znajduje się skrzydło Richelieu; skrzydło Denon biegnie równolegle do Sekwany, a kwadratowy dziedziniec otacza skrzydło Sully.

Starożytny Wschód i islam. Przedmioty wystawione w salach starożytna sztuka obszary od Zatoki Perskiej po Bosfor, w szczególności Mezopotamię, kraje Lewantu i Persję.

Kolekcja Luwru zawiera ponad 55 000 dzieł sztuki starożytnego Egiptu. Ekspozycja prezentuje wytwory rzemiosła starożytnych Egipcjan – pluszaki, papirusy, rzeźby, talizmany, obrazy i mumie.

Sztuka Starożytna Grecja, Etruskowie i starożytny Rzym. To jest owoc kreatywne poszukiwania w rekonstrukcji człowieka i szczególnej wizji piękna. Właściwie to właśnie w tych salach prezentowane są główne walory rzeźbiarskie Luwru – te, które zwiedzający muzeum zazwyczaj chcą zobaczyć w pierwszej kolejności. Są to posągi Apolla i Wenus z Milo, datowane na setny rok p.n.e., a także posąg Nike z Samotraki, który w postaci 300 fragmentów odnaleziono tysiąc lat po jego powstaniu.

Na drugim piętrze prezentowana jest sztuka dekoracyjna i użytkowa. Zobaczysz wszelkiego rodzaju przedmioty: tron Napoleona I oraz unikalne gobeliny, miniatury, porcelanę i biżuteria, szlachetny brąz, a nawet korony królewskie.

W piwnicach i na pierwszym piętrze skrzydeł Richelieu i Denon Wing znajduje się bogaty zbiór dzieł sztuki. rzeźby francuskie, a także niewielka liczba eksponatów z Włoch, Holandii, Niemiec i Hiszpanii. Wśród nich znajdują się dwa dzieła wielkiego Michała Anioła, które nazywane są „Niewolnikiem”.

W Luwrze znajduje się jedna z największych na świecie kolekcji obrazów i oczywiście szkoła francuska, jest prezentowana w muzeum w najbardziej kompleksowy sposób.

Mona Lisa

Głównym dziełem, które turyści chcą przede wszystkim zobaczyć, jest Mona Lisa (La Gioconda) Leonarda da Vinci. Obraz ten znajduje się w skrzydle Denona, w osobnym, niewielkim pomieszczeniu – Sal des Eta, do którego można wejść jedynie z Wielkiej Galerii.

Sala ta została wybudowana niedawno, specjalnie po to, aby umożliwić turystom obejrzenie najbardziej rozpoznawalnego obrazu na świecie bez wpadania na siebie, choć jest schowana za dwiema warstwami szkła.

Obraz powstał ponad 500 lat temu i był ulubionym dziełem da Vinci. Istnieje opinia, że Leonardo namalował autoportret Ubrania Damskie i łączy w sobie dwie zasady – yin i yang. Jeśli spojrzysz Mona Lisie w oczy, to podbródek znajduje się w odległej strefie widzenia, co sprawia wrażenie nieuchwytnego uśmiechu. A jeśli spojrzysz na usta, uśmiech w tym znika i kryje się w nim tajemnica.

Pomimo swojej wielkości sama Gioconda jest jeszcze mniejsza niż jej reprodukcje w sklepach z pamiątkami w Luwrze.

Odwiedzić Paryż i nie zajrzeć do Luwru to zbrodnia. Każdy turysta Ci to powie. Jeśli jednak nie przygotowałeś się wcześniej, ryzykujesz, że zgubisz się w tłumie ludzi z aparatami, tabletami i smartfonami i przegapisz najważniejszą rzecz, dla której cały świat stara się odwiedzić największe paryskie muzeum. Luwr jest ogromny i piękny. Nie sposób w jeden dzień obejrzeć wszystkich eksponatów – jest ich ponad 300 000. Aby nie doznać szoku estetycznego z powodu nadmiaru pięknych rzeczy, trzeba dokonać wyboru…
„Mona Lisa” Leonarda da Vinci

La Gioconda Leonarda da Vinci główny eksponatŻaluzja. Wszystkie znaki muzealne prowadzą do tego obrazu. Świetna ilość ludzie codziennie przychodzą do Luwru, aby na własne oczy zobaczyć urzekający uśmiech Mony Lisy. Nigdzie poza Luwrem nie można tego zobaczyć. Ze względu na zły stan obrazu dyrekcja muzeum ogłosiła, że nie będzie już przekazywać go na wystawy.

Stopień ochrony obrazu jest niespotykany.

Mona Lisa nie byłaby tak popularna i znana na całym świecie, gdyby nie została skradziona przez pracownika Luwru w 1911 roku. Zdjęcie odnaleziono dopiero 2 lata później, kiedy złodziej próbował je sprzedać we Włoszech. Przez cały czas trwania śledztwa Mona Lisa nie schodziła z okładek gazet i magazynów na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.

Dziś Mona Lisa ukryta jest za kuloodporną szybą, a barykady powstrzymują tłumy turystów. Zainteresowanie jednym z najbardziej znanych i tajemnicze dzieła malarstwo na świecie nie blaknie.

Tylna strona obrazy. Nie da się jej zobaczyć, dlatego w mediach nieustannie krążą plotki o jakimś sekretnym przesłaniu artystki do świata i ludzkości, rzekomo zapisanym na odwrocie Mony Lisy.

Pewnie każdy o tym wie, ale tak na wszelki wypadek. Obraz ten nazywa się zarówno „Mona Lisa”, jak i „La Gioconda”. Dlaczego? Mona Lisa to skrót od Madonna Lisa. Gioconda – bo kobieta miała na imię Giocondo. Ta dwudziestoczteroletnia kobieta była trzecią żoną bogatego florenckiego mężczyzny imieniem Francesco di Bartolome del Giocondo.

Wenus z Milo

Drugą gwiazdą Luwru jest biały marmurowy posąg bogini miłości Afrodyty. Słynny starożytny ideał piękna, stworzony w 120 roku p.n.e. mi. Wysokość bogini wynosi 164 cm, proporcje to 86x69x93.

Według jednej wersji ręce bogini zaginęły w czasie konfliktu pomiędzy Francuzami, którzy chcieli zabrać ją do swojego kraju, a Turkami – właścicielami wyspy, na której została odkryta. Eksperci zapewniają, że ręce posągu zostały odcięte na długo przed jego odkryciem. Jednakże miejscowi wyspy Morza Egejskiego wierzą w inną piękną legendę.

Jeden znany rzeźbiarz poszukiwał modela do stworzenia posągu bogini Wenus. Usłyszał plotkę o kobiecie o niezwykłej urodzie z wyspy Milos. Artysta rzucił się tam, odnalazł piękno i zakochał się w niej po uszy. Otrzymawszy zgodę, zabrał się do pracy.

W dniu, w którym arcydzieło było już prawie gotowe, nie mogąc już powstrzymać pasji, rzeźbiarz i model rzucili się sobie w ramiona. Dziewczyna tak mocno przycisnęła rzeźbiarza do piersi, że udusił się i umarł. A rzeźba pozostała bez obu rąk.

Tratwa Meduzy Theodore Géricault

Dziś obraz Theodore’a Géricaulta jest jedną z perełek muzeum. Choć po śmierci artysty w 1824 r. przedstawiciele Luwru nie byli gotowi zapłacić za niego przyzwoitej kwoty, a bliski przyjaciel artysty kupił obraz na aukcji.

Za życia autora płótno wywołało oburzenie i oburzenie: jak artysta śmie używać tak dużego formatu nie do przyjętej wówczas fabuły heroicznej lub religijnej, ale do przedstawienia prawdziwego wydarzenia.

Fabuła obrazu opiera się na incydencie, który miał miejsce 2 lipca 1816 roku u wybrzeży Senegalu. Fregata „Medusa” została rozbita, a 140 osób próbowało uciec na tratwie. Przeżyło tylko 15 z nich i 12 dni później zostali zabrani przez bryg Argus. Szczegóły podróży ocalałych – morderstwa, kanibalizm – zszokowały społeczeństwo i zamieniły się w skandal.

Gericault połączył w jednym obrazie nadzieję i rozpacz, żywych i umarłych. Przed przedstawieniem tego ostatniego artysta wykonał liczne szkice przedstawiające umierających w szpitalach i zwłoki rozstrzelanych. Tratwa Meduzy była ostatnim z ukończonych dzieł Géricaulta.

Nike z Samotraki

Kolejna duma muzeum - marmurowa rzeźba boginie zwycięstwa. Badacze uważają, że nieznany rzeźbiarz stworzył Nike w II wieku p.n.e. jako znak greckich zwycięstw morskich.

W rzeźbie brakuje głowy i ramion, prawe skrzydło jest rekonstrukcją, gipsową kopią lewego skrzydła. Wielokrotnie próbowano przywrócić ręce posągu, ale bezskutecznie - wszyscy zepsuli arcydzieło. Posąg tracił poczucie lotu i szybkości, niepowstrzymanego pędu do przodu.

Początkowo Nika stała na stromym klifie nad morzem, a jej cokół przedstawiał nos okręt wojenny. Dziś pomnik znajduje się na drugim piętrze Luwru, na schodach prowadzących do Daru w Galerii Denon i jest widoczny z daleka.

Koronacja Napoleona Jacques’a Louisa Davida

Koneserzy sztuki udają się do Luwru, aby zobaczyć monumentalne obrazy francuskiego artysty Jacques’a Louisa Davida „Przysięga Horatii”, „Śmierć Marata” oraz wspaniałe płótno przedstawiające koronację Napoleona.

Pełny tytuł obrazu brzmi: „Poświęcenie cesarza Napoleona I i koronacja cesarzowej Józefiny w Katedrze Notre Dame w Paryżu 2 grudnia 1804.” Dawid wybrał moment, w którym Napoleon koronuje Józefinę, a papież Pius VII udziela mu błogosławieństwa.

Obraz powstał na zamówienie samego Napoleona I, któremu zależało na tym, aby wszystko wyglądało na nim lepiej, niż było w rzeczywistości. Dlatego poprosił Dawida, aby przedstawił swoją matkę, której nie było na koronacji, w samym środku obrazu, aby był trochę wyższy, a Józefina trochę młodsza.

„Amor i Psyche” Antonio Canovy

Istnieją dwie wersje rzeźby. W Luwrze znajduje się pierwsza wersja, podarowana muzeum w 1800 roku przez męża siostry Napoleona, Joachima Murata. Druga, późniejsza wersja znajduje się w Ermitażu w Petersburgu. Został podarowany muzeum przez księcia Jusupowa, który nabył arcydzieło w Rzymie w 1796 roku.

Rzeźba przedstawia boga Kupidyna w momencie przebudzenia Psyche z pocałunku. W katalogu Luwru grupa rzeźbiarska zatytułowany „Psychika przebudzona przez pocałunek Kupidyna”. Aby stworzyć arcydzieło Włoski rzeźbiarz Inspiracja Antonio Canovy starożytne mity greckie o bogu miłości Kupidynie i Psyche, którego Grecy uważali za uosobienie ludzkiej duszy.

To arcydzieło ucieleśnienia zmysłowości w marmurze zdecydowanie warto docenić na żywo.

« Duży odalisk»Jean Ingres

Ingres namalował Wielką Odaliskę dla siostry Napoleona Caroline Murat. Jednak zdjęcie nigdy nie zostało zaakceptowane przez klienta.

Dziś jest to jeden z najcenniejszych eksponatów Luwru, pomimo oczywistych błędów anatomicznych. Odaliska ma trzy dodatkowe kręgi, prawa ręka niewiarygodnie długi, a lewa noga wykręcona pod niemożliwym kątem. Kiedy obraz pojawił się w salonie w 1819 roku, jeden z krytyków napisał, że w „Odalisce” „nie ma kości, nie ma mięśni, nie ma krwi, nie ma życia, nie ma ulgi”.

Ingres zawsze bez wahania i żalu wyolbrzymiał cechy swoich modeli, aby podkreślić wyrazistość i wartość artystyczna obrazy. I dzisiaj nikomu to nie przeszkadza. „Wielka Odaliska” uważana jest za najbardziej znaną i znacząca praca mistrzowie.

„Niewolnicy” Michała Anioła

Wśród najbardziej cenne eksponaty W Luwrze dwie rzeźby Michała Anioła: słynna „Niewolnik zmartwychwstały” i „Niewolnik umierający”. Powstały w latach 1513-1519 dla nagrobka papieża Juliusza II, jednak nigdy nie zostały uwzględnione wersja ostateczna grobowce.

Według zamysłu rzeźbiarza w sumie posągów miało być sześć. Ale Michał Anioł nie ukończył pracy nad czterema z nich. Dziś znajdują się w Galerii Accademia we Florencji.

Dwie ukończone posągi w Luwrze stanowią kontrast pomiędzy silnym młodzieńcem próbującym zerwać swoje więzy, a innym młodzieńcem wiszącym w nich bezradnie. Pokonani, związani, umierający ludzie u Michała Anioła jednak jak zawsze zadziwiająco piękni i silni.

Siedzący posąg Ramzesa II

Luwr posiada jedną z najbogatszych kolekcji na świecie Starożytności egipskie. Arcydziełem kultury starożytnego Egiptu, które trzeba zobaczyć na własne oczy, jest posąg słynnego faraona Ramzesa II.

Będąc w sali egipskich starożytności, nie przegap posągu siedzącego skryby o zaskakująco żywym wyrazie twarzy.

Koronkarka Jana Vermeera

Obrazy Vermeera są o tyle interesujące, że badacze znajdują dowody na to, że wielcy artyści, począwszy od renesansu, używali optyki do pisania swoich realistycznych obrazów.

W szczególności podczas tworzenia Koronkarki Vermeer rzekomo użył kamery obscura. Na zdjęciu widać wiele efektów optycznych stosowanych w fotografii, np.: rozmyty pierwszy plan.

W Luwrze można zobaczyć także obraz Vermeera „Astronom”. Przedstawia przyjaciela artysty i pośmiertnego zarządcę Anthony'ego van Leeuwenhoeka, naukowca i mikrobiologa, wyjątkowy mistrz który stworzył własne mikroskopy i soczewki. Podobno dostarczył Vermeerowi optykę, za pomocą której artysta malował swoje arcydzieła.