Główni impresjoniści. Czym rosyjski impresjonizm w malarstwie różni się od francuskiego? Impresjonizm w rzeźbie

13.06.2019

Termin „impresjonizm” powstał z lekkiej ręki krytyka magazynu „Le Charivari” Louisa Leroya, który swój felieton o Salonie Odrzutów zatytułował „Wystawa impresjonistów”, opierając się na tytule obrazu Claude'a Moneta „ Wrażenie. Wschodzące słońce ”(francuski: wrażenie, soleil levant). Początkowo określenie to było nieco pogardliwe, wskazujące na odpowiedni stosunek do artystów malujących w nowy, „nieostrożny” sposób.

Impresjonizm w malarstwie

Początki

W połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku impresjonizm stopniowo przestał istnieć jako pojedynczy ruch i rozpadł się, dając zauważalny impuls ewolucji sztuki. Na początku XX wieku trendy odchodzące od realizmu nabrały tempa, a nowe pokolenie artystów odwróciło się od impresjonizmu.

Pochodzenie imienia

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowano tam 30 artystów, w sumie 165 prac. Płótno Moneta - „Wrażenie. Wschodzące słońce " ( Wrażenie, soleil levant), obecnie w Muzeum Marmottin w Paryżu, napisany w 1872 r., dał początek terminowi „impresjonizm”: mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule w magazynie „Le Charivari” nazwał grupę „impresjonistami”, aby wyrazić jego pogardę. Artyści na przekór przyjęli ten epitet, który później zakorzenił się, utracił swoje pierwotne negatywne znaczenie i zaczął być aktywnie używany.

Nazwa „impresjonizm” jest zupełnie pozbawiona znaczenia, w przeciwieństwie do nazwy „szkoła Barbizon”, w której przynajmniej znajduje się wskazanie geograficznego położenia grupy artystycznej. Jeszcze mniej jasne jest w przypadku niektórych artystów, którzy formalnie nie byli zaliczani do kręgu pierwszych impresjonistów, chociaż ich techniki i środki techniczne są całkowicie „impresjonistyczne” - Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin itp. Ponadto środki techniczne impresjoniści byli znani na długo przed XIX wiekiem i byli (częściowo, w ograniczonym zakresie) wykorzystywani przez Tycjana i Velazqueza, nie zrywając z dominującymi ideami swojej epoki.

Był inny artykuł (napisany przez Emila Cardona) i inny tytuł – „Wystawa Rebeliantów”, który był absolutnie dezaprobujący i potępiający. To właśnie wiernie odtworzyło panującą od lat dezaprobatę mieszczańskiego społeczeństwa i krytykę wobec artystów (impresjonistów). Impresjonistów natychmiast oskarżono o niemoralność, buntownicze uczucia i brak szacunku. W tej chwili jest to zaskakujące, ponieważ nie jest jasne, co jest niemoralne w pejzażach Camille'a Pissarro, Alfreda Sisleya, codziennych scenach Edgara Degasa, martwych naturach Moneta i Renoira.

Minęły dziesięciolecia. A nowe pokolenie artystów dojdzie do prawdziwego upadku form i zubożenia treści. Wtedy zarówno krytyka, jak i opinia publiczna uznała potępionych impresjonistów za realistów, a nieco później za klasykę sztuki francuskiej.

Specyfika filozofii impresjonizmu

Francuski impresjonizm nie podnosił problemów filozoficznych i nie próbował nawet przeniknąć pod kolorową powierzchnię codzienności. Zamiast tego impresjonizm, będący sztuką nieco manieryczną i manierystyczną, skupia się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu czy kącie widzenia.

Podobnie jak sztuka renesansu (renesans), impresjonizm opiera się na cechach i umiejętnościach postrzegania perspektywy. Jednocześnie wizja renesansu eksploduje udowodnioną subiektywnością i względnością ludzkiej percepcji, która nadaje kolor i tworzy autonomiczne składniki obrazu. Dla impresjonizmu nie jest tak ważne, co jest przedstawione na obrazie, ale ważne jest, jak jest to przedstawione.

Obrazy impresjonistów nie niosą ze sobą krytyki społecznej, nie poruszają problemów społecznych takich jak głód, choroby, śmierć, ukazując jedynie pozytywne strony życia. Doprowadziło to później do rozłamu wśród samych impresjonistów.

Impresjonizm i społeczeństwo

Impresjonizm charakteryzuje się demokracją. Przez bezwładność sztuka nawet w XIX wieku była uważana za monopol arystokratów i wyższych warstw ludności. Byli głównymi odbiorcami obrazów i pomników oraz byli głównymi odbiorcami obrazów i rzeźb. Spiski przedstawiające ciężką pracę chłopów, tragiczne karty czasów nowożytnych, haniebne strony wojen, biedy i niepokojów społecznych zostały potępione, potępione i nie kupione. Krytyka bluźnierczej moralności społeczeństwa w obrazach Theodore’a Gericaulta i Francois Milleta znalazła odzew jedynie wśród zwolenników artystów i nielicznych znawców.

Impresjoniści zajęli w tej kwestii dość kompromisowe, pośrednie stanowisko. Odrzucono tematy biblijne, literackie, mitologiczne i historyczne nieodłącznie związane z oficjalnym akademizmem. Z drugiej strony żarliwie pragnęli uznania, szacunku, a nawet nagród. Charakterystyczną cechą jest działalność Edouarda Maneta, który przez lata zabiegał o uznanie i nagrody oficjalnego Salonu i jego administracji.

Zamiast tego wyłoniła się wizja codzienności i nowoczesności. Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy lub relaksu, przedstawiali wygląd określonego miejsca przy określonym oświetleniu, a motywem ich prac była także przyroda. Poruszano tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarni i teatrze, pływania łódką, na plażach i w ogrodach. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to seria małych wakacji, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu (kilka obrazów Renoira, Maneta i Claude'a Moneta). Impresjoniści jako jedni z pierwszych malowali w powietrzu, nie kończąc pracy w pracowni.

Technika

Nowy ruch różnił się od malarstwa akademickiego zarówno pod względem technicznym, jak i ideologicznym. Przede wszystkim impresjoniści porzucili kontur, zastępując go małymi, odrębnymi i kontrastującymi pociągnięciami, które stosowali zgodnie z teoriami kolorów Chevreula, Helmholtza i Ruda. Promień słoneczny dzieli się na składniki: fioletowy, niebieski, cyjan, zielony, żółty, pomarańczowy, czerwony, ale ponieważ niebieski jest rodzajem niebieskiego, ich liczba jest zmniejszona do sześciu. Dwa kolory umieszczone obok siebie wzmacniają się i odwrotnie, po zmieszaniu tracą intensywność. Ponadto wszystkie kolory są podzielone na podstawowe, czyli podstawowe i podwójne, czyli pochodne, przy czym każdy podwójny kolor jest uzupełnieniem pierwszego:

Niebiesko-pomarańczowy
czerwony zielony
Żółty - Fioletowy

W ten sposób stało się możliwe, aby nie mieszać farb na palecie i uzyskać pożądany kolor poprzez prawidłowe nałożenie ich na płótno. To później stało się powodem porzucenia czerni.

Potem impresjoniści przestali skupiać całą swoją pracę na płótnach w pracowniach, teraz wolą plenery, gdzie wygodniej jest uchwycić ulotne wrażenie tego, co zobaczyli, co stało się możliwe dzięki wynalezieniu stalowych rurek malarskich, które w odróżnieniu od skórzane torby, można było zamknąć, aby farba nie wyschła.

Artyści używali także farb kryjących, które słabo przepuszczają światło i nie nadają się do mieszania, bo szybko szarzeją, co pozwalało im na tworzenie obrazów bez „ wewnętrzny", A " zewnętrzny» światło odbite od powierzchni.

Różnice techniczne przyczyniły się do osiągnięcia innych celów, przede wszystkim impresjoniści starali się uchwycić ulotne wrażenie, najmniejsze zmiany w każdym obiekcie w zależności od oświetlenia i pory dnia; najwyższym ucieleśnieniem były cykle obrazów Moneta „Stogi siana” , „Katedra w Rouen” i „Parlament Londynu”.

Ogólnie rzecz biorąc, w stylu impresjonistycznym pracowało wielu mistrzów, ale podstawą ruchu byli Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille i Berthe Morisot. Jednak Manet zawsze nazywał siebie „artystą niezależnym” i nigdy nie brał udziału w wystawach, a Degas, choć brał w nich udział, nigdy nie malował swoich prac w plenerze.

Chronologia według artysty

Impresjoniści

Wystawy

Pierwsza wystawa(15 kwietnia - 15 maja)

Druga wystawa(Kwiecień )

Adres: ul. Lepeletiera 11 (Galeria Duranda-Ruela). Uczestnicy: Basil (pośmiertnie, artysta zmarł w 1870 r.), Beliard, Bureau, Debutin, Degas, Caillebotte, Cals, Lever, Legros, Lepic, Millet, Monet, Morisot, L. Otten, Pissarro, Renoir, Roir, Sisley, Tillo, Francois

Trzecia wystawa(Kwiecień )

Adres: ul. Lepelety, 6. Uczestnicy: Guillaumin, Degas, Caillebotte, Cals, Cordey, Lever, Lamy, Monet, Morisot, Alphonse Moreau, Piette, Pissarro, Renoir, Roir, Cezanne, Sisley, Tillo, Francois.

Czwarta wystawa(10 kwietnia - 11 maja)

Adres: Opera Avenue, 28. Uczestnicy: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Roir, Somm, Tillo, Foren.

Piąta wystawa(1 kwietnia - 30 kwietnia)

Adres: ul. Piramida, 10. Uczestnicy: Bracquemont, Madame Bracquemont, Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cassatt, Lebourg, Lever, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Roir, Tillo, Foren.

Szósta wystawa(2 kwietnia - 1 maja)

Adres: Boulevard Capucines, 35 (pracownia fotografa Nadara). Uczestnicy: Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassatt, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Roir, Tillo, Foren.

Siódma wystawa(Marsz )

Adres: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (w Durand-Ruel). Uczestnicy: Vignon, Guillaumin, Gauguin, Caillebotte, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley.

Ósma wystawa(15 maja - 15 czerwca)

Adres: ul. Laffitte’a, 1. Uczestnicy: Madame Braquemont, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Casset, Morisot, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Roir, Seurat, Signac, Tillo, Forain, Schuffenecker.

Impresjonizm w literaturze

W literaturze impresjonizm nie rozwinął się jako odrębny ruch, ale jego cechy znalazły odzwierciedlenie w naturalizmie i symbolice.

Przede wszystkim charakteryzuje się ekspresją prywatnego wrażenia autora, odrzuceniem obiektywnego obrazu rzeczywistości, przedstawieniem każdej chwili, co powinno wiązać się z brakiem fabuły, historii i zastąpieniem myślenia percepcją, a rozumuj instynktownie. Główne cechy stylu impresjonistycznego sformułowali bracia Goncourt w swoim dziele „Dziennik”, w którym słynne zdanie „ Widzieć, czuć, wyrażać - to wszystko jest sztuką„stała się dla wielu pisarzy centralnym stanowiskiem.

IMPRESJONIZM (francuski impression-n-nisme, od impresja - wrażenie) - kierunek w sztuce (przed wszystkim w życiu) -pi-si) w ostatniej tercji XIX - pierwszej ćwierci XX wieku.

Pojawienie się tego terminu w związku z pierwszą wystawą artystów francuskich (pod tytułem „Ano-nim-noe koo-pe-ra-tiv-noe Society of hu-dozh-ni-kov...”), zorganizowaną w latach Paryska pracownia G. Na-da-ra w 1874 roku. Jeden z obrazów przedstawionych na niej przez K. Mo-ne („Impresja-le-nie. Wschód słońca”; on-pi-sa-na w Le Hav-re wiosną 1873 r.; obecnie – w Mar-mot-tan Museum w Paryżu) pozwolił L. Le-royowi z magazynu „Le Charivari” nazwać swój artykuł przeglądowy „Stałeś się im-pres-sio-nistovem”. Samo słowo „impresja” w znaczeniu zdolności artystycznego poznania akcji-st-vi-tel-no-sti spotyka się z -Xia i wcześniej: tego używali S. Baudelaire i P. Ver-len, K. Ko-ro, T. Russo, Sh.F. Do-bi-nyi (już w latach 60. XIX w. Cry-ti-ka nazywał go „szefem szkoły wrażeń”), E. Ma-ne. Studia w press-sio-ni-stov (ostatnia, VIII, odbyła się w 1886 r.) zdaniem Mono, miałyby L.E. Bu-den, A. Guy-o-men, E. De-ga, G. Kai-bott, M. Cassett, B. Mo-ri-zo, K. Pis-sar-ro, O. Re- Nu- ar, A. Sis-ley, a także P. Se-zann, P. Go-gen i inni

Historię impresjonizmu w życiu można podzielić na okresy: przygotowania (dojrzewanie nowego ja do tak) – lata 60. XIX w.; wyścig koloru i walka o nową sztukę – lata 70. XIX w. (okres „klasycznego impresjonizmu”); na-chi-nayu-sche-go-sya kri-zi-sa (1880); późno – od lat 90. XIX w. do lat 20. XX w. Gotowe do odkrycia były innowacje impresjonizmu w dziedzinie opt-ti-ki i fizjologii wzroku, teorii kontrastów barwnych M. Chev-re-la, research-ska-mi E. De-la-roy w dziedzinie najdoskonalszych tonów, drink-live-in-pi-sue K. Ko-ro i mas-te-rov z bar-bi-zon-school, us-pe- ha-mi w regionie-las-ti fo-to-graphics. Znaczącą rolę odegrało także zbliżenie przyszłych prasjonistów z E. Ma-ne (od końca lat 60. XIX w.), który wywarł nasz wielki wpływ na młodych artystów (nie uczestnicząc w wystawach impresjonistów, sam Ma-ne składał hołd im -sio-ni-stic ma-ne-re writing), znajomość sztuki angielskiej (W. Turner, R. Bo-nington, J. Constable) w latach 1870-1871 (podczas pobytu K. Mo-ne i K. Pis-sar-ro w Londynie) i „otwarcie” Unii Europejskiej na sztukę japońską w połowie XIX wieku. Chęć uchwycenia „chwilowości” stanów at-mo-sfery i naturalnego stanu rzeczy można dostrzec już w zazh-nom Creative-che-st-ve mas-te-rov tzw. pre-dim-press-sio-niz-ma (E. Bu-den, J. Jon-gkind, F. Basil), ale dopiero w ramach impresjonizmu urządzenia te przekształciły się w cały system artystyczny. Ostatnio K. Mo-ne utrzymywał ten system w swojej pracy; w twórczości innych artystów europejskich (w tym rosyjskich) i amerykańskich różne techniki impresjonizmu on-ho-di- czy w każdym przypadku nie ma drugiego-mo-in-di-vi-du-al-nu-inter-pre -ta-cja.

Im-press-sio-ni-sty były prin-tsi-pi-al-ny-mi przeciwko-przeciw-ni-ka-mi wszystkich theo-re-ti-zi-ro-va-niya ; Teoria impresjonizmu powstała dopiero na początku XX wieku, opierała się na artystycznych odkryciach mistrza tej prawicowej niyi, na wrodzonym impresjonizmie innego, niezrozumiałego mentalność. Impresjonizm opiera się na nietradycyjnej wizji świata jako swego rodzaju „poruszającej się substancji materialnej” (B.A. Zer-nov), chęci odciskania otaczającego świata jego mobilności i zmiany -in sti, „chwilowe” przypadkowe sytuacje, ruchy, stany natury. Im-press-sio-ni-stam był bliski for-mu-li-ro-van-noe E. Zo-lya po-ni-ma-nie about-from-ve-de-art jako „narożnik budowanie świata widziane przez temp-pe-ra-ment” (czyli w subiektywnym pre-lo-le-tionie hu-doge -Nika); starali się stworzyć w „mic-ro-cos-me” pojedyncze, nierozrywające połączenie pro-from-ve-de-no w -dy i che-lo-ve-ka, in-di-vi -duu-ma i otaczające środowisko.

Impresjonizm w malarstwie

Zniszczenie akademickich can-no-nov w life-in-pi-si przez francuskich impresjonistów zakończyło się kilkoma prawicowymi le-no-yah: odmową ze strony wszystkich lit-te-ra-tur-no- sti, „plot-no-sti”, mo-ra-li-zi-ro-va-niya, own- st-ven-nyh salon-no-mu art-kus-st-vu-z tamtych czasów, od- pociąga-jest-ra-fa-elev-skaya, piękno zmarłej francuskiej klasy-si-tsiz-ma (J.O.D. Ingres i jego po-przed-va-te-li), brak akceptacji jako programu - no-sti i pa-fo-sa sztuki romantycznej oraz for-ost-ryon-no-go so-ci-al-no-go real-iz-ma G. Cour-be. W rzadkich przypadkach sztuka impresjonizmu wiąże się z nowoczesnością: dominuje w tych narodzinach, „częściowym” życiu (życie codzienne, rekreacja, rozrywka), pięknie wiejskich krajobrazów. Impresjonizm zniszczył wszelkie tradycyjne wyobrażenia o hierarchii gatunków i ich specjalnościach (mieszanie gatunków) ra z port-re-tom, port-re-ta z pay-za-zhem czy inter-ter-e-rum i tym podobne), o kim-pozycji jako o śluzie-studzie-tej całej formacji-st-struktury-tu-re. Ostatni w życiu impresjonizmu zastępują obrazy jako fragment na-tu-ry, słowa „pił-den-nie-przechodź” w oknie-ale (lub nawet „pod-patrz-nie-przechodź przez -the-hole”, według op-re-de-leniyu E. De-ga). Dla zdjęć im-press-sio-ni-stov kha-rak-ter-ny „nie-dana-ność” ramy, de-cent-tra-li-za-tion obrazu-bra-zheniya (z centralnego systemu formacji i statycznego, pojedynczego punktu widzenia), niezwykłe zróżnicowanie kursów bi-ra-ra, przesunięcie osi kompozycyjnych, „swobodne” sekcje części kompozycji, przed -me-tov i fi-gur ra-my kar-ti-ny.

Pragnienie wzlotu do życia w stu yang, ale zmienny sposób (w de-vis-si-mo-sti z os-ve-sche-nii) piękne raz-no-ra-zie vi-di-mo-go-world doprowadzony do nich-press-sio-nistov (dla klucza użycia- nie E. De-ha) do swego rodzaju współ-lo-rystycznej reformy - od złożonej (mieszanej ) do-nowości, czasów -zamienić je w czyste widmowe kolory, nakładane na płótno osobnymi pociągnięciami, co powinno wywołać straszliwy śmiech w oczach widza. Kolor w impresjonizmie realistycznym zyskuje auto-no-mię, która nie jest jego własną, aż do punktu odejścia od pre-meta i pojawia się jako-si-ni-ni-o-nich porządków świetlnych, które pro-niz- nazwij wszystko zgodnie z obrazkiem -nia. Ple-ner pre-de-la-ha-posiada wielką subtelność gradacji światła, koloru od-no-she-niy i per-re-ho-Dov, staranne rozwinięcie systemu, w którym się znajdujemy .

Os-lab-le-nie plastikowej na-cha-la w impresjonizmie life-pi-si-si wiąże się z odrzuceniem światła i ciemności jako formy czynnika. Światło stało się niemal głównym „bohaterem” życia impresjonistów, najważniejszym składnikiem całych struktur obrazu, substancją form; Jasne światło słoneczne nie intensyfikuje brzmienia koloru, ale go rozjaśnia, wytrącając go z cieni. Ci o poranku nie mówią o czerni i czerni, o stawaniu się kolorowym i przezroczystym; w cieniach kolor traci jedynie swoją moc świetlną i zostaje wzbogacony o dodatkowe, zimne części widma. On-chi-naya od lat 70. XIX wieku z zhi-vo-pi-si im-press-sio-ni-stov prawie Windows-cha-tel-ale z-gna-ny ah-ro-ma-ti- czeskie kolory (czarny , szary i otwarty biały), co-lo-rit of ple-ner zdjęcia os-no-van na co-post-tav-le-ni-yah ciepłe i zimne widmowe kolory, wykorzystują możliwości „przestrzeni- kolory „ven-no-go” stacji wiejskich - obraz żywiołów wody, nieba, chmur, tu-ma-na, ducha powietrza, pół-lu- tych, którzy są ok-ra-sku ze względu na rasę- se-yan-no-go i od-ra-żony światła słońca-no-go. Opanowanie języka pisania życia, zwrócenie uwagi na przenoszenie efektów os-materiału i koloru, Twoje odruchy prowadzą do ich swoistej de-ma-te-ria-li-za-lizacji przedmiotu świata , rano są gęste, ale-sti, wzajemne-za-nick-ale-ve-niy elementów obrazu. Odnalezione w procesie pracy w naturze techniki te wkrótce zaczęto stosować nie tylko w krajobrazie -noy live-in-pi-si; podobny system opracował E. De-ga z ple-ne-re.

Kolejną innowacją impresjonizmu jest późniejsza „rewizja” tradycyjnej perspektywy, odrzucenie centrum nie-wizualizacji, którego nie można i nie ma, centrum pro-ek-tion, pro-ti-vo-re- cha-che-go es-te-st-ven-no-mu (dwuogniskowe -but-mu i z części-sfery-che-sko-mu) postrzeganie kosmicznego kraju; tendencja do pogłębiania się głębin, wzmacniania dwuwymiarowości; w niektórych przypadkach użycie ac-so-no-meters, skutki gwałtownie zintensyfikowane bezpośrednio lub cri-vo-czy -no-noy per-spec-ti-you, później zamieniły się w P. Se-zan-na w kompletny system „perceptywnego” patrzenia na ciebie. Konsekwentne odrzucenie przez impresjonizm antrocentrycznej koncepcji sztuki europejskiej (człowiek nie jest centrum budowania świata, ale jego godzina -ti-tsa) nastąpiło w znacznym stopniu pod wpływem sztuki japońskiej i objawiło się w równouprawnieniu wszystkie elementy firmy -zi-tion, równe znaczenie głównego obrazu i drugiego kroku-ro-pen-noy de-ta-li, aż do prawie pełnego „glo-sche” -niy” głównego obraz, napój-dla-tworzenia, napój-dla-napoju we mgle zjeżdżalni; ogólnie rzecz biorąc, w ten sposób nie ma-do-ka-zan-no-sti i „domyślnie”.

Chęć wydrukowania „jednoruchowej ma-te-rii” es-te-st-ven-ale sprowadziła je-press-sio-ni -stov (również nie bez wpływu japońskiego gr-vu) na język tworzenie serii i cykli prac, poświęconych jednemu tematowi - temu obrazowi i utrwalaniu lub obrazowi di-na-mi-ku (obraz „to-po-lei”, „in-kza” - łapanie” autorstwa K. Mo-ne , „tancerze” z E. De-ha, zatłoczone paryskie bulwary itp.), teksty Bo-zmieniające się działanie substancji i koloru w ich wzajemnych relacjach, ruch im-ma-te-ri-al -tego elementu światła ( „sto-ha se-na”, „so-bo-ry” Mo-ne). Każde z dzieł takiego cyklu (lub cyklu) odsłania jakiś aspekt obrazu, a ich współcałość tworzy cały, syntetyczny obraz w przedczynnikach ogólnej idei hu-dozh-ka.

Początkowo impresjonizm spowodował ostre odrzucenie większości krytyków i publiczności; wspierać nowego is-ka-ni-yam w sztuce oka-za-li E. Zo-lya, S. Mallar-me, Zh.K. Gu-is-mans, cri-ti-ki T. Du-re, E. Du-ran-ti, G. Geoff-froy, zbiór-wykład-nie-ry P. Du-ran-Ru-el, G. Kaybotte, J.B. Faure i V. Sho-ke. Szerokie uznanie im-press-sio-ni-sty osiągnęło dopiero lata 90. XIX wieku, kiedy impresjonizm wszedł w ostatnią fazę. Późny impresjonizm znany jest ze swoich tendencji dekoracyjnych (wspólnych dla sztuki epoki nowożytnej), całego bólu - wyrafinowania gry kolorystycznej od cieni do tonów uzupełniających, czasem z niezwykłymi poglądami kolorystycznymi (drink-for-zhi E. De-ga z końca lat 90. XIX w., seria „pla-ku-chih willows” K. Mo-ne, późne życiorysy O. Re-nua -ra i in.), ak- tsen-ti-ro-va-ni-em sa-mo-tsen-no-sti in-di-vi-du-al-noy hu-do-destvennoy ma-ne-ry, „lich -but-st-no stylu „idź”.

W tych latach w sztuce wyznaczono już nowe kierunki ze względu na wpływ innowacji impresjonizmu w tym czy innym miejscu.re is-py-ta-li wielu hu-dozh-ki francuskiej sztuki salon-no-go , post-im-presion-sio-niz-ma i wczesna awangarda europejska dis-ma. Zatem zasada optycznego mieszania kolorów stała się podstawą teorii neo-im-press-sio-niz-ma (di-vi-zio-niz-ma); malowanie w „czystym kolorze”, sugestywna funkcja koloru (jego wrodzona emotywność i siła sugestii) w co-che-ta-nii z darmowym ex-press-si-maz-were we unus-le-do-va- ny V. Van Go-g, P. Go-gen, grupy mas-te-ra-mi fo-viz-ma i „na-bi”, a także ab-st-rak-tsio-niz-ma.

Jednocześnie poza granicami Francji wpływ impresjonizmu objawił się w rozwoju niektórych technik (efekty -riz-ma, you-light-le-nie pa-lit-ry, es-kiz-ness i wolność -of-a-living ma-ne-ry), w ra-schetion do współczesnego te-ma-ti-ke - w twórczości hu-dozh-ni-kov Ve-li-ko-bri-ta -nii (U. Sik-kert, U. Steer), Ger -ma-nii (M. Lieber-man, L. Ko-rint, M. Sle-vogt), Włochy (J. De Nit-tis), Norwegia (F. Tau-lov), Polska (L. Vychul-kovsky), USA (M. Cassett, M. Pre-der-gast, T. Robin-son, J.S. Sargent, J. G. Tu-ok-t- mężczyźni) i inne. W Rosji wpływ impresjonizmu odczuwalny jest od końca lat 80. XIX wieku - na świeżym powietrzu I.E. Re-pi-na, V.A. Se-ro-va, I.I. Le-vi-ta-na, V.D. Po-le-no-va, N.N. Dub-bov-skogo; Sztuka K.A. niemal w całości należy do tego prawa. Ko-ro-vi-na, tj. Gra-ba-rya; okresu „im-pres-sio-ni-st-sky” to samo można zrobić u przyszłych mistrzów rosyjskiej awangardy (K.S Ma-le-vi-cha, M.F. La-rio-no- va, A.D. Dre-vi-na).

Termin „impresjonizm” odnosi się także do rzeźby z lat 1880–1910. (dążenie do przeniesienia natychmiastowego ruchu, te-ku-honoru form, na-ro-chi-th plastycznej non-ver-perfekcji, interakcji rzeźby ze światłem); Najważniejsze cechy impresjonizmu w twórczości rzeźbiarskiej O. Rodena i E. Degasa (Francja), M. Russia co (Włochy), P.P. Tru-bets-ko-go i A.S. Go-lub-ki-noy (Rosja).

Zasady programowe impresjonizmu pisanego na żywo zaczęto następnie przenosić na inne sztuki: muzy -ku, li-te-ra-tu-ru, te-atr, ho-reo-grafia, ki-no, fo-to-is -kus-st-vo. Użycie w stosunku do nich terminu „impresjonizm” jest wystarczająco warunkowe i os-pa-ri -va-et-sya part-is-follow-to-va-te-lei.

Impresjonizm w muzyce

Od impresjonizmu w muzyce, który nie stanowi bezpośredniej analogii impresjonizmu w życiu i nie jest tym samym, jest z nim chro-no-lo-gi-che-ski (czas rozkwitu impresjonizmu muzycznego - lata 1890-1900 ), zwykle związane z re-da- czuję od-men-chi-vyh-nastroje, subtelne psychologiczno-logiczne niuanse, pragnienie etycznego krajobrazu programowo-informacyjnego (w tym reprezentacji w dźwiękach gry fal, blasku światła na wodzie, wiatru, chmur i tym podobnych), zgodnie z -wyższym zainteresowaniem kompozytora tematem i harmonijnym pięknem. Jednak środki artystyczne związane z wizą często współwystępują z wstępnym utworzeniem znakomitych zeskanowanych obrazów sztuki starożytnej (styl live-in-pi-si rok-ko-ko, muzyka francuskiego clave-si-ni- st.).

Preformy muzycznego impresjonizmu – w dźwiękowym-co-pi-si F. Listy, kolorystycznych schodach A.P. Bo-ro-di-na, E. Gri-ga, N.A. Roman-go-Kor-sa-ko-va, svo-bo-de go-lo-so-ve-de-niya i żywiołowy im-pro-vi-za-tsi-on-nosty M.P. Mu-sorg-sko-go. Impresjonizm znalazł swój klasyczny wyraz w muzyce francuskiej, przede wszystkim w twórczości K. Debussy'ego; Jego rysy pojawiały się także w muzyce M. Ra-ve-li, P. Du-ki, F. Schmit-ty, J. J. Ro-zhe-Du-ka-sa. Impresjonizm muzyczny unas-le-do-val wielu szczególnie-ben-no-sti późnego ro-man-tiz-ma i narodowych szkół muzycznych XIX wieku. W tym samym czasie burzliwy pat-te-tike, rel-ef-no-mu te-ma-tiz-mu, napięty chat-te-ni-yam chro-ma-ti -che-ski us-false-no- noy to-nal-noy gar-mo-nii zmarłego ro-man-ti-kova (esp-ben-no R. Vag-ne-ra) im-press-sio -nie o powściągliwości emocjonalnej, zwięzłości i niezauważalnej zmianie -of-men-ness w stu yang-ale vari-and-rue mo-ti-vov, dia-to-no-ku, mod-zakres progów symmetrycznych (w tym całe -ale-in-th) , o przejrzystym fakcie. Twórczość impresjonizmu pod wieloma względami dotyczy ekspresyjnych środków muzycznych, zwłaszcza w sferze -ru gar-mo-nii, do-tig-shey Great uton-chen-no-sti. Zastosowanie kompleksów ak-kor-do-vyh z-che-ta-et-sya w harmonii impresjonizmu z ar-hai-za-tsi la-do-vo -th mysz-le-tion; Ryt-jesteśmy niestabilni, czasem ostro-ro-ha-rak-ter-ny. Wzmocnienie wszechstronności fonicznej ac-cor-da (patrz F-nizm), dzięki wprowadzeniu nowego elementu os-no-ve-tov mod-dal-noy gar-mo-nii rozszerza sferę la-do-vaya, w czystych barwach or-ke-st-rovke pre-ob-la-da-yut. Szczególna świeżość muzyki francuskich impresjonistów zwróciła uwagę na gatunki pe-sen-no-tan-tse-val, na elementy, które zawierają język muzyczny Vos-ka, Is-pa-nii, sti -li-za-tion wczesnych form jazzu. Dla Francji pre-de-la-mi zasady impresjonizmu muzycznego są oryginalne, ale raz-vi-va-li M. de Falla w Hiszpanii, O. Res-pi -gi, częściowo A. Ka-zel-la i J.F. Ma-lip-e-ro we Włoszech, F. Di-li-us i S. Scott w Ve-li-ko-bri-ta-nii, K. Shi-ma-novsky w Polsce, A.K. Lyadov, N.N. Che-rep-nin (patrz Che-rep-nin), częściowo I.F. Strawińskiego w Rosji.

Impresjonizm w literaturze

Istota impresjonizmu jako av-to-no-go on-right-le-niya in li-te-ra-tu-re jest przedmiotem długiej dyskusji. Impresjonizm literacki jest często kojarzony z na-tu-ra-liz lub uważany jest za zwolennika pomiędzy dokładnym pojawieniem się między na-tu-ra-liz-mom a sim-in-liz-mom, a zbliżeniem się do sima -in-liz-mama mama. Jako samodzielny ruch literacki, impresjonizm najczęściej spotyka się w literaturze francuskiej, a także austriackiej (tzw. ruch wiedeński).turf) epoki-hi-de-ka-dan-sa. Mówią także o im-press-sio-ni-stich-no-sti jako o stylu-le-voy special-ben-no-sti, nieodłącznie związanym z wieloma pi-sa-te-lyam 2 - poł. XIX - początek XX wieku. Impresjonizm literacki nie stworzył programu teoretycznego, lecz pozostawał pod wpływem życia francuskich im-presjonistów, Mun-Hen-sko-go i Vienna-go se-ces-sio-nov, fi-lo-so -phy of time-me-ni A. Berg-so-na, psi-ho-lo-gyi U. James-sa (idea stworzenia), em-pi-ri-ok-ri-ti-tsiz- ma E. Ma-ha, psi-ho-ana-li-za Z. Frey -Tak. Od czasów impresjonizmu w literaturze kładzie się zwykle nacisk na sugestywność, konstruowanie obrazu na zasadzie własnych -bo-d-as-s-s-ts-ów, wzywanych do wpajania chi-ta- te-lyu-not-op-re-de-line „muzyczny” nastrój -nie, wciągający go w świat lirycznego przeżywania av-to-ra - es-te-ta-ge-do-ni- sta, so-zer-tsa – świat w jego zastępstwie-yang-od-men-chi-in-sti.

W poezji im-pres-sio-ni-stich-ness przejawia się w os-lab-le-nii metrycznej i semantycznej jedności struktury.ki (tzw. vy-bo-zh-de-nie wersetu), pre-sky-re-sam regularność rytmu i precyzyjny rym (aż do połowy rymu w ver-lib-re), with-ho-li-vyh an- jamb-ma-nah (P. Ver-len, A. Rem-bo we Francji; D. von Li-li-en-kron w Niemczech; G. von Hoffman-stael, R. M. Rilke w Austrii; K. D. Bal-Mont, I.F. Annensky’ego w Rosji i innych); in pro-se - w konwersji do małych form (fragment, cykl luźno powiązanych ze sobą opowiadań, historie codzienne) ko-vye for-pi-si, es-se-istichesky on-bro-juice) , bez-fabuły-no-sti, używając-użycia-wagi-słowa-ale-o-wymiarze-ny leit-mo-ti-vov, styl de-ko-ra-tiv-no-sti (J.C. Gu- is-mans, M. Proust, A. Gide we Francji, P. Alten-berg w Austrii, O. Wilde w Vel-li-ko-bri-ta-nia, G. D'Annunzio we Włoszech, K. Gam-sun w Norwegii, A. Bely w Rosji i inne). Im-pres-sio-ni-stich-ness w cri-ti-ka łączy się z gatunkami „etyu-da”, „si-lu-eta”, „pro-fi-la” poprzez ich aforyzm, sub-ektiv-no-vku-so-you-mi ha-rak-te-ri-sti-ka-mi (A. France, R. de Gourmont, A. de Re-nier we Francji; D.S. Me-rezh- kowskiego, Yu.I. Aikhen-walda, M.A. Kuz-min w Rosji).

Impresjonizm w dramacie

Istnieje opinia, że malarstwo w impresjonizmie nie zajmuje tak ważnego miejsca. Ale impresjonizm w malarstwie jest odwrotny. Stwierdzenie to jest bardzo paradoksalne i sprzeczne. Ale to tylko na pierwszy, powierzchowny rzut oka.

Możliwe, że przez tysiąclecia istnienia w arsenale ludzkich sztuk wizualnych nie pojawiło się nic bardziej nowego ani rewolucyjnego. Impresjonizm jest obecny na każdym nowoczesnym płótnie artystycznym. Widać to wyraźnie zarówno w kadrach filmu słynnego mistrza, jak i wśród glosów magazynu dla kobiet. Znalazło swoje miejsce w muzyce i książkach. Ale kiedyś wszystko było inne.

Początki impresjonizmu

W 1901 roku we Francji, w jaskini Combarel, przypadkowo odkryto malowidła jaskiniowe, z których najmłodszy miał 15 000 lat. I to był pierwszy impresjonizm w malarstwie. Bo prymitywny artysta nie miał zamiaru czytać widzowi morału. Po prostu malował życie, które go otaczało.

A potem ta metoda została zapomniana na wiele, wiele lat. Ludzkość wymyśliła innych, a przekazywanie emocji metodą wizualną przestało być dla niego aktualnym tematem.

W pewnym sensie starożytni Rzymianie byli bliscy impresjonizmu. Ale część ich wysiłków została pokryta popiołem. A gdzie Wezuwiusz nie mógł dotrzeć, przybyli barbarzyńcy.

Obraz został zachowany, ale zaczął ilustrować teksty, przesłania, przesłania, wiedzę. To przestało być uczuciem. Stało się przypowieścią, wyjaśnieniem, opowieścią. Spójrz na gobelin z Bayeux. Jest piękny i bezcenny. Ale to nie jest zdjęcie. To siedemdziesiąt metrów lnianych komiksów.

Malarstwo w impresjonizmie: początek

Malarstwo rozwijało się na świecie powoli i majestatycznie przez tysiące lat. Pojawiły się nowe farby i techniki. Artyści przekonali się, jak ważna jest perspektywa i siła kolorowego, ręcznie rysowanego przekazu, która wpływa na ludzki umysł. Malarstwo stało się nauką akademicką i nabrało wszelkich cech sztuki monumentalnej. Stała się niezdarna, prymitywna i umiarkowanie pretensjonalna. Jednocześnie ostry i niewzruszony, niczym kanoniczny postulat religijny.

Źródłem tematów obrazów były przypowieści religijne, literatura i inscenizowane sceny rodzajowe. Uderzenia były małe i niezauważalne. Szkliwienie wprowadzono do rangi dogmatu. A sztuka rysowania w dającej się przewidzieć przyszłości zapowiadała się skostnieć, jak pierwotna puszcza.

Życie się zmieniło, technologia szybko się rozwinęła i tylko artyści nadal tworzyli prymitywne portrety i wygładzone szkice wiejskich parków. Nie każdemu taki stan rzeczy odpowiadał. Jednak bezwład świadomości społecznej był zawsze trudny do przezwyciężenia.

Jednak wiek XIX był już na podwórzu, mając już dawno za sobą drugą połowę. Procesy społeczne, które wcześniej trwały stulecia, teraz rozgrywają się na oczach jednego pokolenia. Przemysł, medycyna, ekonomia, literatura i samo społeczeństwo rozwijały się szybko. Tutaj pokazało się malarstwo w impresjonizmie.

Wszystkiego najlepszego z okazji urodzin! Impresjonizm w malarstwie: obrazy

Impresjonizm w malarstwie, podobnie jak obrazy, ma dokładną datę swoich narodzin - rok 1863. Jego narodziny nie były pozbawione dziwactw.

Centrum sztuki światowej był wówczas oczywiście Paryż. Co roku odbywały się w nim duże paryskie salony – wystawy światowe i sprzedaż obrazów. Jury wybierające prace na salony było pogrążone w drobnych intrygach wewnętrznych, bezużytecznych sprzeczkach i uparcie zorientowane na starcze gusta ówczesnych akademii. W rezultacie w salonie nie pojawili się nowi, błyskotliwi artyści, których talent nie odpowiadał skostniałym akademickim dogmatom. Przy wyborze uczestników wystawy w 1863 r. odrzucono ponad 60% zgłoszeń. To tysiące malarzy. Szykował się skandal.

Galerzysta cesarski

I wybuchł skandal. Brak możliwości wystawiania pozbawił ogromną liczbę artystów środków do życia i zamknął dostęp do publiczności. Wśród nich są nazwiska znane obecnie na całym świecie: Monet i Manet, Renoir i Pizarro.

Wiadomo, że im to nie odpowiadało. I w prasie zaczęło się wielkie zamieszanie. Doszło do tego, że 22 kwietnia 1863 roku Napoleon III odwiedził Salon Paryski i oprócz wystawy celowo obejrzał część odrzuconych dzieł. I nie znalazłam w nich nic nagannego. I nawet wydał to oświadczenie w prasie. Dlatego równolegle z wielkim Salonem Paryskim otwarto alternatywną wystawę malarstwa z pracami odrzuconymi przez salonowe jury. Przeszła do historii pod nazwą „Wystawa Ludzi Odrzuconych”.

Zatem 22 kwietnia 1863 roku można uznać za urodziny całej sztuki współczesnej. Sztuka, która uniezależniła się od literatury, muzyki i religii. Co więcej: samo malarstwo zaczęło dyktować pisarzom i kompozytorom swoje warunki, po raz pierwszy pozbywając się podrzędnych ról.

Przedstawiciele impresjonizmu

Kiedy mówimy o impresjonizmie, mamy na myśli przede wszystkim impresjonizm w malarstwie. Jej przedstawiciele są liczni i różnorodni. Wystarczy wymienić najsłynniejszych: Degas, Renoin, Pizarro, Cezanne, Morisot, Lepic, Legros, Gauguin, Renoir, Thilo, Foren i wielu, wielu innych. Po raz pierwszy impresjoniści postawili sobie za zadanie uchwycenie nie tylko statycznego obrazu życia, ale także uchwycenia uczucia, emocji, wewnętrznego doświadczenia. To była migawka, szybka fotografia świata wewnętrznego, świata emocji.

Stąd nowe kontrasty i kolory, które wcześniej nie były stosowane w malarstwie. Stąd duże, odważne kreski i ciągłe poszukiwanie nowych form. Nie ma dawnej przejrzystości i elegancji. Obraz jest rozmazany i ulotny, jak nastrój danej osoby. To nie jest historia. To uczucia widoczne gołym okiem. Spójrz na. Wszystkie są trochę ucięte w połowie zdania, trochę ulotne. To nie są obrazy. To szkice doprowadzone do genialnej perfekcji.

Pojawienie się postimpresjonizmu

To właśnie chęć wysunięcia na pierwszy plan uczucia, a nie zamrożonego fragmentu czasu, była jak na tamte czasy rewolucyjna i nowatorska. I tutaj pozostał tylko jeden krok do postimpresjonizmu - ruchu artystycznego, który na pierwszy plan wysunął nie emocje, ale wzorce. A dokładniej przekaz artysty dotyczący jego wewnętrznej, osobistej rzeczywistości. To próba rozmowy nie o świecie zewnętrznym, ale wewnętrznym poprzez sposób, w jaki artysta widzi świat. postrzeganie.

Impresjonizm i postimpresjonizm w malarstwie są bardzo blisko. A sam podział jest bardzo warunkowy. Obie części są zbliżone w czasie, a sami autorzy, często ci sami, z reguły dość swobodnie przechodzą od jednego sposobu do drugiego.

I jeszcze. Przyjrzyj się twórczości impresjonistów. Trochę nienaturalne kolory. Świat nam znany, ale jednocześnie trochę fikcyjny. Tak to widział artysta. Nie daje nam natury współczesnej. Po prostu obnażył trochę swoją duszę dla nas. Dusza Bonnarda i Toulouse-Lautreca, Van Gogha i Denisa, Gauguina i Seurata.

Rosyjski impresjonizm

Doświadczenie impresjonizmu, które ogarnęło cały świat, nie pozostawiło Rosji na boku. Tymczasem w naszym kraju, przyzwyczajonym do bardziej wyważonego życia, który nie rozumie zgiełku i aspiracji Paryża, impresjonizm nigdy nie był w stanie pozbyć się akademickiego charakteru. Jest jak ptak, który rzucił się do lotu, ale zamarł w połowie drogi do nieba.

Impresjonizm w malarstwie rosyjskim nie otrzymał dynamiki francuskiego pędzla. Zyskał jednak wyrafinowaną dominację semantyczną, co uczyniło go jasnym, nieco izolowanym zjawiskiem w sztuce światowej.

Impresjonizm to uczucie wyrażone w formie obrazu. Nie wychowuje, nie wymaga. Twierdzi.

Impresjonizm był punktem wyjścia dla secesji i ekspresjonizmu, konstruktywizmu i awangardy. W rzeczywistości cała sztuka współczesna rozpoczęła swoją historię od odległego 20 kwietnia 1863 roku. Malarstwo impresjonistyczne to sztuka zrodzona w Paryżu.

Impresjonizm (z francuskiego „ wrażenie„ – impresja) to kierunek w sztuce (literaturze, malarstwie, architekturze), który pojawił się na przełomie XIX i XX wieku we Francji i szybko rozpowszechnił się w innych krajach świata. Zwolennicy nowego kierunku, wierząc, że akademickie, tradycyjne techniki, np. w malarstwie czy architekturze, nie są w stanie w pełni oddać pełni i najdrobniejszych szczegółów otaczającego świata, przeszli na stosowanie zupełnie nowych technik i metod, przede wszystkim w malarstwie, potem w literaturze i muzyce. Umożliwiły najżywsze i najbardziej naturalne zobrazowanie całej mobilności i zmienności prawdziwego świata, przekazując nie jego fotograficzny wygląd, ale przez pryzmat wrażeń i emocji autorów związanych z tym, co widzieli.

Za autora terminu „impresjonizm” uważa się francuskiego krytyka i dziennikarza Louisa Leroya, który pod wrażeniem wizyty na wystawie grupy młodych artystów „Salon Odrzuconych” w 1874 roku w Paryżu wzywa ich do jego felietonowi impresjoniści, swego rodzaju „impresjoniści”, a stwierdzenie to ma charakter nieco lekceważący i ironiczny. Podstawą nazwy tego terminu był obraz Claude’a Moneta „Impresja” oglądany przez krytyka. Wschodzące słońce". I choć początkowo wiele obrazów na tej wystawie spotkało się z ostrą krytyką i odrzuceniem, później kierunek ten zyskał szersze uznanie społeczne i stał się popularny na całym świecie.

Impresjonizm w malarstwie

(Claude Monet „Łodzie na plaży”)

Nowy styl, sposób i technika przedstawiania nie została wymyślona przez francuskich artystów impresjonistów znikąd, lecz opierała się na doświadczeniach i dorobku najzdolniejszych malarzy renesansu: Rubensa, Velazqueza, El Greco, Goi. Od nich impresjoniści przejęli takie metody żywszego i wyrazistszego przekazywania otaczającego świata lub wyrazistości warunków pogodowych, jak stosowanie tonów pośrednich, stosowanie technik jasnych lub przeciwnie, matowych pociągnięć, dużych lub małych, charakteryzujących się abstrakcyjność. Zwolennicy nowego kierunku w malarstwie albo całkowicie porzucili tradycyjny akademicki sposób rysowania, albo całkowicie na nowo przerobili metody i metody przedstawiania, wprowadzając takie innowacje jak:

Przedmioty, przedmioty czy postacie były przedstawiane bez konturu, zastępowano go małymi i kontrastującymi kresami;
Do mieszania kolorów nie zastosowano palety, wybrano kolory, które uzupełniają się i nie wymagają łączenia. Czasami farbę wyciskano na płótno bezpośrednio z metalowej tuby, tworząc czysty, błyszczący kolor z efektem pociągnięcia pędzla;
Wirtualny brak czarnego koloru;
Płótna malowane były przeważnie w plenerze, z natury, aby w sposób obrazniejszy i wyrazisty przekazać emocje i wrażenia z tego, co zobaczyli;
Stosowanie farb o dużej sile krycia;
Nakładanie świeżych pociągnięć bezpośrednio na jeszcze mokrą powierzchnię płótna;
Tworzenie cykli obrazów badających zmiany światła i cienia („Stogi siana” Claude’a Moneta);
Brak przedstawienia palących kwestii społecznych, filozoficznych lub religijnych, wydarzeń historycznych lub znaczących. Prace impresjonistów przepełnione są pozytywnymi emocjami, nie ma w nich miejsca na mrok i ciężkie myśli, jest tylko lekkość, radość i piękno każdej chwili, szczerość uczuć i szczerość emocji.

(Edouard Manet „Czytanie”)

I choć nie wszyscy artyści tego ruchu zachowywali szczególną precyzję w wykonaniu wszystkich precyzyjnych cech stylu impresjonistycznego (Edouard Manet pozycjonował się jako artysta indywidualny i nigdy nie brał udziału we wspólnych wystawach (w sumie było ich 8 w latach 1874–1886) Edgar Degas tworzył wyłącznie we własnym warsztacie) nie przeszkodziło im to w tworzeniu arcydzieł sztuki pięknej, które do dziś znajdują się w najlepszych muzeach i kolekcjach prywatnych na całym świecie.

Rosyjscy artyści impresjoniści

Pod wrażeniem twórczych idei francuskich impresjonistów rosyjscy artyści przełomu XIX i XX wieku stworzyli swoje oryginalne arcydzieła sztuki pięknej, znane później pod ogólną nazwą „rosyjski impresjonizm”.

(V. A. Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami”)

Jego najwybitniejszymi przedstawicielami są Konstantin Korovin („Portret dziewczyny z chóru”, 1883, „Północna sielanka” 1886), Walentin Serow („Otwarte okno. Liliowy”, 1886, „Dziewczyna z brzoskwiniami”, 1887), Arkhip Kuindzhi („ Północ”, 1879, „Dniepr o poranku” 1881), Abram Arkhipow („Morze Północne”, „Krajobraz. Gabinet z domem z bali”), „późny” impresjonista Igor Grabar („Aleja Brzozowa”, 1940, „Pejzaż zimowy ”, 1954).

(Borisow-Musatow „Jesienna piosenka”)

Metody i sposób przedstawiania właściwe impresjonizmowi miały miejsce w twórczości tak wybitnych rosyjskich artystów jak Borysow-Musatow, Bogdanow Belski, Nilus. Klasyczne kanony francuskiego impresjonizmu w malarstwie rosyjskich artystów uległy pewnym zmianom, w wyniku czego kierunek ten nabrał wyjątkowej specyfiki narodowej.

Zagraniczni impresjoniści

Za jedno z pierwszych dzieł wykonanych w stylu impresjonizmu uważa się obraz Edouarda Maneta „Obiad na trawie”, który został wystawiony publiczności w 1860 roku w paryskim „Salonie Odrzuconych”, gdzie płótna, które nie przeszły wybór paryskiego Salonu Sztuki mógłby zostać rozebrany. Obraz, namalowany w stylu radykalnie odbiegającym od tradycyjnego sposobu przedstawiania, wzbudził wiele krytycznych komentarzy i zjednoczył wokół artysty zwolenników nowego nurtu artystycznego.

(Edouard Manet „W tawernie ojca Lathuile”)

Do najsłynniejszych artystów impresjonistów należą Edouard Manet („Bar w Folies-Bergere”, „Muzyka w Tuileries”, „Śniadanie na trawie”, „U ojca Lathuile’a”, „Argenteuil”), Claude Monet („Pole maków w Argenteuil”, „Spacer na klif w Pourville”, „Kobiety w ogrodzie”, „Dama z parasolką”, „Boulevard des Capucines”, cykl prac „Lilie wodne”, „Impresja. Wschodzące słońce”), Alfred Sisley („Wiejska aleja”, „Mróz w Louveciennes”, „Most w Argenteuil”, „Wczesny śnieg w Louveciennes”, „Trawniki na wiosnę”), Pierre Auguste Renoir („Śniadanie wioślarzy”, „Bal w Moulin de la Galette”, „Taniec na wsi”, „Parasole”, „Taniec w Bougival”, „Dziewczyny przy fortepianie”), Camille Pizarro („Nocny bulwar Montmartre”, „Żniwa w Eragny”, „Odpoczynek żniwiarzy” , „Ogród w Pontoise”, „Wejście do wioski Voisin”), Edgar Degas („Zajęcia taneczne”, „Próba”, „Koncert w kawiarni Ambassador”, „Orkiestra operowa”, „Tancerze w błękicie”, „Miłośnicy absyntu ”), Georges Seurat („Niedzielne popołudnie”, „Cancan”, „Modele”) i inni.

(Paul Cezanne „Pierrot i Arlekin”")

Czterech artystów w latach 90. XIX wieku stworzyło nowy kierunek w sztuce oparty na impresjonizmie i nazwało siebie postimpresjonistami (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Ich twórczość charakteryzuje się przekazywaniem nie ulotnych wrażeń i wrażeń z otaczającego ich świata, ale poznaniem prawdziwej istoty rzeczy, która kryje się pod ich zewnętrzną powłoką. Ich najsłynniejsze dzieła: Paul Gauguin („Niegrzeczny żart”, „La Orana Maria”, „Walka Jakuba z aniołem”, „Żółty Chrystus”), Paul Cezanne („Pierrot i Arlekin”, „Wielcy kąpiący się”, „Pani w błękicie”, Vincent Van Gogh (Gwiaździsta noc, Słoneczniki, Irysy), Henri de Toulouse-Lautrec (Praczka, Toaleta, Szkolenie taneczne w Moulin Rouge).

Impresjonizm w rzeźbie

(Auguste Rodin „Myśliciel”)

Impresjonizm nie rozwinął się jako odrębny kierunek w architekturze, jego indywidualne cechy i cechy można odnaleźć w niektórych kompozycjach rzeźbiarskich i pomnikach. Ten styl nadaje pozbawionym rzeźb plastycznym, miękkim formom, tworzą one niesamowitą grę światła na powierzchni postaci i dają poczucie niekompletności; postacie rzeźbiarskie są często przedstawiane w momencie ruchu. Prace w tym kierunku obejmują rzeźby słynnego francuskiego rzeźbiarza Auguste'a Rodina („Pocałunek”, „Myśliciel”, „Poeta i muza”, „Romeo i Julia”, „Wieczna wiosna”), włoskiego artysty i rzeźbiarza Medardo Rosso (figury wykonane z gliny i gipsu wypełnione woskiem dla uzyskania niepowtarzalnego efektu świetlnego: „Odźwierny i swatka”, „Złoty wiek”, „Macierzyństwo”), rosyjski samorodek genialny Paweł Trubieckoj (popiersie Lwa Tołstoja z brązu, pomnik Aleksandra III w Petersburgu).

Dziś impresjonizm postrzegany jest jako klasyka, jednak w epoce jego powstania był prawdziwym rewolucyjnym przełomem w sztuce. Innowacyjność i idee tego ruchu całkowicie zmieniły artystyczne postrzeganie sztuki XIX i XX wieku. A współczesny impresjonizm w malarstwie dziedziczy zasady, które stały się już kanoniczne i kontynuuje poszukiwania estetyczne w przekazie wrażeń, emocji i światła.

Warunki wstępne

Powodów pojawienia się impresjonizmu jest kilka, jest to cały zespół przesłanek, które doprowadziły do prawdziwej rewolucji w sztuce. W XIX wieku w malarstwie francuskim narastał kryzys, wynikający z tego, że „oficjalna” krytyka nie chciała dostrzec i dopuścić do galerii pojawiających się różnych, nowych form. Dlatego malarstwo w impresjonizmie stało się rodzajem protestu przeciwko bezwładności i konserwatyzmowi ogólnie przyjętych norm. Także korzeni tego ruchu należy doszukiwać się w tendencjach nieodłącznie związanych z renesansem i związanych z próbami przekazania żywej rzeczywistości. Artyści szkoły weneckiej uważani są za pierwszych przodków impresjonizmu, następnie Hiszpanie poszli tą drogą: El Greco, Goya, Velazquez, którzy bezpośrednio wywarli wpływ na Maneta i Renoira. Postęp technologiczny również odegrał rolę w powstaniu tej szkoły. Tym samym pojawienie się fotografii zrodziło w sztuce nową koncepcję uchwycenia chwilowych emocji i wrażeń. To właśnie to chwilowe wrażenie starają się „uchwycić” artyści rozważanego przez nas ruchu. Wpływ na tę tendencję miał także rozwój szkoły plenerowej, której założycielami byli przedstawiciele szkoły barbizonskiej.

Historia impresjonizmu

W drugiej połowie XIX wieku w sztuce francuskiej doszło do krytycznej sytuacji. Przedstawiciele szkoły klasycznej nie akceptują innowacyjności młodych artystów i nie pozwalają im na udział w Salonie – jedynej wystawie, która otwiera drogę klientom. Skandal wybuchł, gdy młody Edouard Manet zaprezentował swoją pracę „Obiad na trawie”. Obraz wzbudził oburzenie krytyki i publiczności, a artyście zakazano jego wystawiania. Dlatego Manet bierze udział w tzw. „Salonie Odrzuconych” wraz z innymi malarzami, którym nie pozwolono na udział w wystawie. Praca spotkała się z ogromnym odzewem, a wokół Maneta zaczął tworzyć się krąg młodych artystów. Gromadzili się w kawiarni, dyskutowali o problemach sztuki współczesnej, spierali się o nowe formy. Powstaje stowarzyszenie malarzy, których od jednego z dzieł Claude'a Moneta nazwie się impresjonistami. Do tej społeczności należeli Pissarro, Renoir, Cezanne, Monet, Basil, Degas. Pierwsza wystawa artystów tego ruchu odbyła się w 1874 roku w Paryżu i zakończyła się, jak wszystkie kolejne, niepowodzeniem. Właściwie impresjonizm w muzyce i malarstwie obejmuje okres zaledwie 12 lat, od pierwszej do ostatniej wystawy, która odbyła się w 1886 roku. Później ruch zaczyna się rozpadać na nowe, a niektórzy artyści umierają. Ale ten okres przyniósł prawdziwą rewolucję w świadomości twórców i opinii publicznej.

Zasady ideologiczne

W przeciwieństwie do wielu innych ruchów malarstwo w impresjonizmie nie było kojarzone z głębokimi poglądami filozoficznymi. Ideologią tej szkoły było chwilowe przeżycie, wrażenie. Artyści nie stawiali sobie celów społecznych, starali się przekazać pełnię i radość życia w codzienności. Dlatego system gatunkowy impresjonizmu był ogólnie bardzo tradycyjny: pejzaże, portrety, martwe natury. Kierunek ten nie jest zjednoczeniem ludzi opartym na poglądach filozoficznych, ale wspólnotą ludzi o podobnych poglądach, z których każdy prowadzi własne dążenie do badania formy bytu. Impresjonizm polega właśnie na wyjątkowości spojrzenia na zwykłe przedmioty, koncentruje się na indywidualnym doświadczeniu.

Technika

Malarstwo w impresjonizmie dość łatwo rozpoznać po pewnych charakterystycznych cechach. Przede wszystkim warto pamiętać, że artyści tego ruchu byli zagorzałymi miłośnikami koloru. Niemal całkowicie rezygnują z czerni i brązu na rzecz bogatej, jasnej palety, często mocno wybielonej. Technika impresjonistyczna charakteryzuje się krótkimi pociągnięciami. Dążą do ogólnego wrażenia, a nie do starannego rysowania szczegółów. Płótna mają charakter dynamiczny i przerywany, co odpowiada ludzkiej percepcji. Malarze starają się tak rozmieszczać kolory na płótnie, aby uzyskać intensywność kolorystyczną lub bliskość obrazu, nie mieszają kolorów na palecie. Artyści często pracowali w plenerze, co znalazło odzwierciedlenie w technice, która nie miała czasu na wyschnięcie poprzednich warstw. Farby nakładano obok siebie lub jedna na drugą i stosowano materiał kryjący, co pozwalało uzyskać efekt „wewnętrznego blasku”.

Główni przedstawiciele malarstwa francuskiego

Kolebką tego ruchu jest Francja, to tutaj po raz pierwszy w malarstwie pojawił się impresjonizm. Artyści tej szkoły mieszkali w Paryżu w drugiej połowie XIX wieku. Zaprezentowali swoje prace na 8 wystawach impresjonistów, a obrazy te stały się klasyką tego ruchu. Protoplastami ruchu, który rozważamy, są Francuzi Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot i inni. Najbardziej znanym impresjonistą jest oczywiście Claude Monet, którego prace w pełni ucieleśniały wszystkie cechy tego ruchu. Ruch ten słusznie kojarzy się także z nazwiskiem Auguste'a Renoira, który za swoje główne zadanie artystyczne uważał przekazanie gry słońca; ponadto był mistrzem portretu sentymentalnego. Impresjonizm to także tak wybitni artyści jak Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impresjonizm w innych krajach

Stopniowo trend ten rozprzestrzenia się w wielu krajach, francuskie doświadczenia zostały z powodzeniem przejęte w innych kulturach narodowych, choć w nich trzeba mówić bardziej o pojedynczych dziełach i technikach niż o konsekwentnej realizacji pomysłów. Malarstwo niemieckie w impresjonizmie reprezentowane jest przede wszystkim przez nazwiska Lesser Ury, Max Liebermann, Lovis Corinth. W USA pomysły wdrażał J. Whistler, w Hiszpanii – H. Sorolla, w Anglii – J. Sargent, w Szwecji – A. Zorn.

Impresjonizm w Rosji

Sztuka rosyjska w XIX wieku pozostawała pod znaczącym wpływem kultury francuskiej, więc krajowi artyści również nie mogli uniknąć porwania przez nowy ruch. Rosyjski impresjonizm w malarstwie jest najbardziej konsekwentnie i owocnie reprezentowany w twórczości Konstantina Korovina, a także w twórczości Igora Grabara, Izaaka Lewitana, Walentina Serowa. Cechą charakterystyczną szkoły rosyjskiej był etiudowy charakter dzieł.

Czym był impresjonizm w malarstwie? Twórcy założyciele starali się uchwycić chwilowe wrażenia kontaktu z naturą, a twórcy rosyjscy starali się także przekazać głębszy, filozoficzny sens dzieła.

Impresjonizm dzisiaj

Pomimo tego, że od powstania ruchu minęło prawie 150 lat, nowoczesny impresjonizm w malarstwie nie stracił dziś na aktualności. Dzięki swojej emocjonalności i łatwości odbioru obrazy w tym stylu cieszą się dużą popularnością, a nawet sukcesem komercyjnym. Dlatego wielu artystów na całym świecie pracuje w tym kierunku. Tak więc rosyjski impresjonizm w malarstwie prezentowany jest w nowym moskiewskim muzeum o tej samej nazwie. Regularnie odbywają się tu wystawy współczesnych autorów, m.in. W. Koshlyakova, N. Bondarenko, B. Gladchenko i innych.

Arcydzieła

Współcześni miłośnicy sztuk pięknych często nazywają impresjonizm w malarstwie swoim ulubionym ruchem. Obrazy artystów tej szkoły sprzedawane są na aukcjach po niewiarygodnych cenach, a zbiory w muzeach cieszą się ogromnym zainteresowaniem publiczności. Za główne arcydzieła impresjonizmu uważa się obrazy C. Moneta „Lilie wodne” i „Wschodzące słońce”, O. Renoira „Ball w Moulin de la Galette”, C. Pissarro „Boulevard Montmartre at Night” i „ Most Boildier w Rouen w deszczowy dzień”, E. Degas „Absinthe”, choć tę listę można ciągnąć niemal bez końca.