La pittura in Russia nel XIX secolo è ricca e interessante.
Il 19° secolo è solitamente chiamato “l’età dell’oro della cultura russa”. La pittura russa conobbe una fioritura straordinaria.
Ogni tanto una stella nuova, luminosa e originale lampeggiava nel cielo, formando costellazioni di artisti di talento. Ognuno di loro aveva la propria calligrafia individuale, che era impossibile non riconoscere o confondere.
Artista dalla “Russia ribassista”
Orest Adamovich Kiprensky (24 marzo 1782 - 17 ottobre 1836) Venerabili professori di pittura italiani all'inizio non credevano che i ritratti realizzati con una tecnica eccellente, che trasmettessero il carattere, l'umore e lo stato mentale della persona raffigurata, non appartenessero a nessuno artista famoso Orest Kiprensky dalla selvaggia Russia.
Dipinto in Russia del XIX secolo
La maestria dei dipinti di Kiprensky, che era il figlio illegittimo di un proprietario terriero e di una contadina serva, non era in alcun modo inferiore a maestri come Rubens o Van Dyck. Questo pittore è giustamente considerato il miglior ritrattista del XIX secolo. Peccato che nel suo Paese non sia stato apprezzato come avrebbe meritato. Il ritratto di A.S. Pushkin di Kiprensky è stato stampato in un'edizione che, forse, nessun altro artista.
Pittore della vita popolare
Aleksey Gavrilovich Venetsianov (18 febbraio 1780 - 16 dicembre 1847), stanco di dodici anni trascorsi a copiare dipinti accademici all'Ermitage, partì per il villaggio di Safonkovo, nella provincia di Tver. Comincia a scrivere la vita dei contadini nel suo modo unico. Abbondanza luce del sole, flussi d'aria, straordinaria leggerezza sulle tele del fondatore del genere russo e della pittura di paesaggio.
Dipinto in Russia del XIX secolo
Spazi aperti e pace russi dipinti famosi“Sul terreno coltivabile. Primavera” e “Alla vendemmia. Estate". "Carlo Magno" Questo era il nome dato agli studenti e a molti contemporanei del grande artista russo, rappresentante della pittura monumentale, Karl Pavlovich Bryullov (23 dicembre 1799 - 23 giugno 1852). I suoi dipinti furono definiti un fenomeno sorprendente nella pittura del 19° secolo. Il suo dipinto più famoso, “L’ultimo giorno di Pompei”, divenne un trionfo dell’arte russa. E l'aristocratica “Amazzone” o l'intera ragazza del villaggio permeata di luce solare nel dipinto “Pomeriggio italiano” eccitano e risvegliano sentimenti romantici.
"Recluso Romano"
Alexander Andreevich Ivanov (28 luglio 1806 - 15 luglio 1858) è un fenomeno controverso nella pittura russa. Ha scritto in modo strettamente accademico. I soggetti dei suoi dipinti sono biblici e miti antichi. Il più famoso di questi è “L’apparizione di Cristo al popolo”. Questa tela, di dimensioni grandiose, attira ancora lo spettatore e non gli permette semplicemente di guardare e allontanarsi.
Dipinto in Russia del XIX secolo
È questo il genio di questo pittore, che per un quarto di secolo non lasciò la sua bottega romana, temendo la perdita della libertà personale e dell'indipendenza dell'artista a causa del ritorno in patria. Era molto più avanti non solo dei suoi contemporanei, ma anche delle generazioni successive con la sua capacità di trasmettere magistralmente non solo contenuti esterni ma anche interni. Da Ivanov, i fili della continuità si estendono a Surikov, Ge, Vrubel, Korin.
Come vivono le persone nel mondo...
Cantante genere quotidiano- così si può definire l'opera dell'artista Pavel Andreevich Fedotov (4 luglio 1815 - 26 novembre 1852), che visse una vita molto breve ma molto fruttuosa. I soggetti di tutti i suoi pochi dipinti sono letteralmente un unico evento, spesso piuttosto breve nel tempo. Ma puoi usarlo per scrivere un'intera storia non solo sul presente, ma anche sul passato e sul futuro.
Dipinto in Russia del XIX secolo
E questo nonostante il fatto che i dipinti di Fedotov non fossero mai sovraccarichi di dettagli. Il mistero del presente artista di talento! E triste tragico destino quando il vero riconoscimento arriva solo dopo la morte.
È ora di cambiare
Cambiamenti in atto Società russa la seconda metà del XIX secolo, riportò in vita non solo novità movimenti politici, ma anche le tendenze dell’arte. Il realismo sta sostituendo l’accademismo. Avendo assorbito tutte le migliori tradizioni dei loro predecessori, la nuova generazione di pittori preferisce lavorare nello stile del realismo.
Ribelli
Il 9 novembre 1863 quattordici studenti diplomandi dell'Accademia delle Arti protestarono contro il rifiuto di consentire loro di scrivere la concorrenza funziona SU argomento libero, lasciò l'Accademia. L'iniziatore della rivolta accademica fu Ivan Nikolaevich Kramskoy (8 giugno 1837 - 5 aprile 1887), un eccellente ritrattista e autore di una straordinaria tela filosofica e morale, "Cristo nel deserto". I ribelli organizzarono la propria “Associazione delle mostre d’arte itineranti”.
Dipinto in Russia del XIX secolo
La composizione sociale dei "Peredvizhniki" era molto diversificata: gente comune, figli di contadini e artigiani, soldati in pensione, sagrestini rurali e funzionari minori. Cercavano di servire la loro gente con la forza del loro talento. Vasily Grigorievich Perov (21 dicembre 1833 - 29 maggio 1882) ideologo e guida spirituale“Peredvižniki”.
I suoi dipinti sono pieni di tragedia della dura sorte delle persone, "Vedere i morti", e allo stesso tempo crea tele piene di umorismo e amore per la natura. ("Cacciatori in riposo") Alexey Kondratievich Savrasov nel 1871 dipinse un dipinto di piccole dimensioni "The Rooks Have Arrived" e divenne il fondatore della pittura di paesaggio russa. Il famoso dipinto è esposto in una delle sale della Galleria Tretyakov ed è considerato un simbolo pittorico della Russia.
Nuova era della pittura russa
Il mondo del bisogno, dell'illegalità e dell'oppressione appare davanti allo spettatore nei dipinti del grande artista russo Ilya Efimovich Repin (5 agosto 1844 - 29 settembre 1930). Il suo famoso "Trasportatori di chiatte sul Volga" non è solo un'immagine di un duro lavoro massacrante, ma anche una celebrazione della forza e del potere delle persone, del loro carattere ribelle. Isaac Ilyich Levitan (30 agosto 1860 - 4 agosto 1900) rimane ancora maestro consumato Paesaggio russo.
Dipinto in Russia del XIX secolo
Allievo di Savrasov, percepisce e raffigura la natura in un modo completamente diverso. L’abbondanza di sole, aria e infiniti spazi aperti in qualsiasi periodo dell’anno sulle tele di Levitan creano un’atmosfera di pace, tranquillità e silenziosa felicità. L'anima si prende una pausa da queste deliziose anse dei fiumi russi, dai prati irrigui e dai boschi autunnali.
Cronisti
I soggetti storici attiravano i pittori con il loro dramma, l'intensità delle passioni e il desiderio di rappresentare personaggi storici famosi. Nikolai Nikolaevich Ge (27 febbraio 1831 - 13 giugno 1894), un pittore unico, estremamente sincero, artista, pensatore e filosofo, complesso, contraddittorio e molto emotivo.
Dipinto in Russia del XIX secolo
Per lui la pittura era un'alta missione morale, che apriva la strada alla conoscenza e alla storia. Credeva che l'artista non fosse obbligato a dare allo spettatore solo piacere, ma dovesse essere in grado di farlo piangere. Che forza, che tragedia, che potenza di passioni su di lui famoso dipinto, raffigurante la scena di Pietro I che interroga suo figlio Alessio!
Dipinto in Russia del XIX secolo
V. Surikov dipinge la foto della Traversata delle Alpi di Suvorov
Vasily Ivanovich Surikov (24 gennaio 1848-19 marzo 1916) cosacco ereditario, siberiano. Ha studiato all'Accademia delle arti a spese di un commerciante e filantropo di Krasnoyarsk. Il suo grande talento come pittore era alimentato da un profondo patriottismo e da un'alta cittadinanza. Pertanto, le sue tele su un tema storico deliziano non solo con la loro abilità e alta tecnica, ma riempiono anche lo spettatore di orgoglio per il coraggio e il coraggio del popolo russo.
Dipinto in Russia del XIX secolo
Viktor Mikhailovich Vasnetsov (15 maggio 1848-23 luglio 1926), famoso pittore, ha cercato nelle sue opere di combinare soggetti fiabeschi e mitici con tratti nazionali Popolo russo. Si definiva un narratore, uno scrittore epico e un pittoresco guslar. Pertanto, sia "Alyonushka" che "Tre Eroi" sono diventati da tempo simboli del popolo russo e della Russia.
Fatto interessante
La leggendaria Budenovka e il soprabito a tesa lunga dei combattenti della prima armata di cavalleria di Budyonny furono inventati dall'artista Viktor Vasnetsov. Il copricapo somigliava all'elmo degli antichi guerrieri russi e il soprabito “con conversazioni” (strisce trasversali cucite sul petto) era simile al caftano Streltsy.
In una delle fasi del suo sviluppo, una persona ha abbandonato l'obiettivo di agire solo per funzionalità e comodità e ha iniziato a prestare attenzione alla bellezza. È così che è apparsa l'arte: qualcosa che rallegra la vita di tutti i giorni, evoca emozioni e conserva per secoli. L’arte è un modo per tramandare la storia attraverso le generazioni.
Tra il gran numero di rami, ogni genere si distingue per le proprie caratteristiche e sfumature, modi di evocare impressioni, originalità e indipendenza. Anche questa è la pittura, che da secoli piace all'occhio umano. Copre molti stili e tendenze, il che ci permette di parlare della pittura come fonte illimitata di ispirazione ed emozioni profonde. Guardando la foto, ognuno trova in essa qualcosa di proprio, nota piccole cose a cui, forse, l'autore non ha attribuito alcun significato. Questo è il valore dell'arte visiva.
I dipinti del XIX secolo, insieme a quelli moderni, sono capaci di evocare un'ampia varietà di emozioni, spesso contraddittorie, che colpiscono il cervello e ribaltano il significato consueto delle cose.
Dipinto del XIX secolo
La fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo si riflettono nella storia come il predominio alto classicismo in tutte le forme d'arte, compresa la pittura. Questo periodo è pieno del desiderio degli artisti di trasmettere romanticismo, unicità e individualità di bellezza nelle loro creazioni. I dipinti del XIX secolo sono qualcosa che ti fa fissare lo sguardo su ogni tratto e ammirarlo come parte di una grande tela vivente. Questa volta ha rivelato ancora una volta al mondo la bellezza del ritratto, la sua capacità di mostrare non solo le qualità individuali della persona raffigurata e le nuove tecniche di pittura, ma anche parte dell'artista stesso, il modo in cui vede il mondo.
Inoltre, i dipinti del 19° secolo sono riempiti con una gradazione di due colori vicini nell'ombra, che aggiungono vita e realtà ai dipinti. Più tardi, negli anni '50, la sublimità e il romanticismo dei dipinti si trasformarono in un riflesso della vita senza esagerazione e abbellimento, in realismo. Tuttavia, nonostante le tendenze generali, gli artisti hanno dipinto ciò che hanno visto, ciò che hanno sentito e ciò che volevano trasmettere. Il periodo di tempo di un genere popolare o di una tecnica prioritaria non li ha influenzati, perché è difficile comprimere una persona creativa, un maestro del suo mestiere, in un determinato formato.
Dipinti di Ivan Aivazovsky
Se dici solo due parole: "mare" e "pittura", il primo che mi verrà in mente sarà Ivan Aivazovsky. Il modo in cui ha trasmesso l'elemento acqua non può essere paragonato a nulla. Nei suoi dipinti l'acqua, come una persona, è piena di pensieri, emozioni ed esperienze. Ciascuno dei suoi dipinti è un'immagine del mondo del 19° secolo, dove le navi lottano con gli elementi, dove la luce e l'oscurità trovano il loro contrasto in ogni angolo della vita, dove i sentimenti traboccano, come se l'ultimo giorno fosse già arrivato.
Le sue opere, come “Battaglie”, “Tempesta e naufragio”, “Crimea e dintorni”, sono un portale attraverso il quale è possibile arrivare al luogo raffigurato sulla tela e diventarne parte integrante. Dedicando molto impegno e tempo ai paesaggi, Ivan Aivazovsky ha anche creato ritratti. Alcuni di loro sono "Ritratto del vice ammiraglio M. P. Lazarev", "Ritratto di A. I. Kaznacheev" e altri.
Karl Bryullov e le sue creazioni
I dipinti russi del XIX secolo sono una raccolta delle opere più belle di un gran numero di maestri, tra i quali spicca Karl Bryullov con un amore speciale per l'arte. Avendo ricevuto da suo padre la capacità di apprezzare la bellezza, Karl, fin dall'infanzia, ha superato di gran lunga in abilità molti dei suoi compagni di classe. Nelle sue attività, ha operato con un ampio elenco di tecniche. Olio, acquerello, seppia o disegno: i suoi dipinti riflettevano l'eterno interesse dell'autore per tutti gli aspetti dell'arte.
Bryullov, ispirato dalle opere i migliori maestri di tutti i tempi, è stato in grado di trasmettere plasticità, uno speciale senso della forma e una comprensione individuale della pittura. L'opera più significativa di questo artista è il monumentale dipinto storico “L'ultimo giorno di Pompei”, la cui creazione ha richiesto sei anni. Tutto patrimonio creativo Bryullov è incluso nel “fondo d’oro” non solo della pittura russa, ma anche mondiale.
Viktor Vasnetsov e i suoi dipinti del XIX secolo
Molte delle opere di Viktor Vasnetsov vengono familiarizzate a scuola. Questo artista è stato notato per la sua passione per folclore, fiabe storiche e, significato storia nazionale. "Bogatyrs", "Knight at the Crossroads", "Tsar Ivan Vasilyevich il Terribile" - tutte queste opere, come luoghi di concentrazione di energia figurativa, evocano un forte impulso interno.
Nei dipinti di Vasnetsov, la scena e la trama sono importanti, e il colore gioca, anche se un ruolo secondario, ma estremamente importante, perché è grazie alla precisa selezione dei colori e alla dolce trepidazione, la bellezza spirituale di ciò che viene raffigurato che i suoi dipinti sono in grado di riempire l'anima di piacevole calore e ammirazione.
Dipinto di Arkhip Kuindzhi
Semplice ma emozionante; sembrava poco impegnativo ma impressionante: tale è l'arte del XIX secolo. I dipinti di Arkhip Kuindzhi si adattano perfettamente all'atmosfera di quel tempo. L'assenza di trama nelle sue opere avrebbe dovuto ridurne il valore e togliere l'interesse entusiasta con cui vengono guardate, ma tuttavia queste immagini catturano e trasportano nelle lontane profondità della coscienza.
È tutta una questione di colore. La pienezza con cui Arkhip Kuindzhi trasmette la semplicità dell'ambiente circostante rende impossibile non ammirare le sue opere. "Snowy Peaks", "Sunrise", "Forest" - tutti questi sono vividi esempi dell'elevata abilità di Arkhip Ivanovich, grazie alla quale si può vedere la bellezza e l'armonia del mondo che ci circonda.
Il mondo attraverso gli occhi di Isaac Levitan
Tutti i dipinti degli artisti del XIX secolo sono emozionanti e toccanti a modo loro, e le opere di Isaac Levitan occupano un posto tra questi. Nell'ambito di una tela, l'artista ha mostrato molte sfumature, grazie alle quali è stata raggiunta la speciale sensualità dei suoi dipinti.
L'artista amava appassionatamente la vita e tutte le sue sfaccettature. Le sue opere sono paesaggi semplici e, a prima vista, senza pretese, come “Above Eternal Peace”, “Wooded Shore”, ma è nella loro brevità che si nasconde l'espressività emotiva.
Il XIX secolo ha lasciato segni indelebili in tutte le forme d'arte. Questo è un momento di cambiamento delle norme e dei requisiti sociali, di progressi colossali nell'architettura, nell'edilizia e nell'industria. Riforme e rivoluzioni vengono attuate attivamente in Europa, vengono create organizzazioni bancarie e governative e tutti questi cambiamenti hanno influenzato direttamente gli artisti. Artisti stranieri Il XIX secolo portò la pittura a un livello nuovo e più moderno, introducendo gradualmente tendenze come l'impressionismo e il romanticismo, che dovettero superare molte prove prima di essere riconosciute dalla società. Gli artisti dei secoli passati non avevano fretta di dotare i loro personaggi di emozioni violente, ma li rappresentavano più o meno sobri. Ma l'impressionismo aveva nei suoi tratti sfrenati e audaci mondo di fantasia, che era brillantemente combinato con il mistero romantico. Nel 19° secolo, gli artisti iniziarono a pensare fuori dagli schemi, rifiutando completamente gli schemi accettati, e questa forza d'animo è trasmessa nell'atmosfera delle loro opere. Durante questo periodo lavorarono molti artisti, i cui nomi consideriamo ancora grandi e le loro opere inimitabili.
Francia
Spagna
La penisola iberica ci ha dato anche molti nomi famosi, tra cui:
Olanda
Vincent van Gogh è uno degli olandesi più importanti. Come tutti sanno, Van Gogh soffriva di una grave malattia mentale, ma ciò non influì sul suo genio interiore. Realizzati con una tecnica insolita, i suoi dipinti divennero popolari solo dopo la morte dell'artista. Il più famoso: " Notte stellata", "Iris", "Girasoli" sono inclusi nell'elenco delle opere d'arte più costose del mondo intero, sebbene Van Gogh non avesse alcuna educazione artistica speciale.
Norvegia
Edvard Munch è originario della Norvegia, famoso per la sua pittura. Il lavoro di Edvard Munch è nettamente caratterizzato dalla malinconia e da una certa incoscienza. Morte della madre e sorella anche durante l’infanzia, i rapporti disfunzionali con le donne hanno fortemente influenzato lo stile pittorico dell’artista. Ad esempio, tutti opera famosa"Scream" e l'altrettanto popolare "Sick Girl" portano dolore, sofferenza e oppressione.
Stati Uniti d'America
Kent Rockwell è uno dei famosi pittori paesaggisti americani. Le sue opere combinano realismo e romanticismo, trasmettendo in modo molto accurato lo stato d'animo della persona raffigurata. Puoi guardare i suoi paesaggi per ore e interpretare i simboli ogni volta in modo diverso. Pochi artisti sono riusciti a rappresentare la natura invernale in modo tale che chi la guarda senta veramente il freddo. La saturazione e il contrasto del colore sono lo stile riconoscibile di Rockwell.
Il 19° secolo è ricco di brillanti creatori che hanno contribuito enorme contributo nell'arte. Gli artisti stranieri del XIX secolo aprirono le porte a numerosi nuovi movimenti, come il postimpressionismo e il romanticismo, che, di fatto, si rivelarono un compito difficile. La maggior parte di loro ha dimostrato instancabilmente alla società che la propria creatività ha il diritto di esistere, ma molti ci sono riusciti, sfortunatamente, solo dopo la morte. Il loro carattere sfrenato, il coraggio e la prontezza a combattere si uniscono al talento eccezionale e alla facilità di percezione che conferisce loro ogni diritto occupare una cella significativa e significativa.
Dipinto russo della prima metà del XIX secolo.
L'arte raffinata russa era caratterizzata da romanticismo e realismo. Tuttavia, il metodo ufficialmente riconosciuto era il classicismo. L'Accademia delle Arti divenne un'istituzione conservatrice e inerte che ostacolava ogni tentativo di libertà creativa. Ha chiesto una stretta aderenza ai canoni del classicismo e ha incoraggiato la pittura su argomenti biblici e mitologici. I giovani artisti russi di talento non erano soddisfatti della struttura dell'accademismo. Pertanto, si sono rivolti più spesso al genere dei ritratti.
Il dipinto incarnava gli ideali romantici dell'era della rivolta nazionale. Avendo rifiutato i principi rigorosi e non devianti del classicismo, gli artisti hanno scoperto la diversità e l'unicità del mondo circostante. Ciò non si è riflesso solo nei generi già familiari - ritratto e paesaggio - ma ha anche dato impulso alla nascita pittura domestica, che divenne il centro dell'attenzione dei maestri della seconda metà del secolo. Per ora il primato è rimasto al genere storico. Era l'ultimo rifugio del classicismo, tuttavia anche qui, dietro la “facciata” formalmente classica, si nascondevano idee e temi romantici.
Romanticismo - (romantismo francese), movimento ideologico e artistico nella cultura spirituale europea e americana della fine del XVIII - prima metà. XIX secolo Riflettendo la delusione per i risultati della Rivoluzione francese della fine del XVIII secolo, per l'ideologia dell'Illuminismo e del progresso sociale. Il romanticismo contrapponeva all'utilitarismo e all'appiattimento dell'individuo l'aspirazione alla libertà sconfinata e all'“infinito”, la sete di perfezione e di rinnovamento, il pathos dell'indipendenza personale e civile. La base è la dolorosa discordanza tra l'ideale e la realtà sociale visione del mondo romantica e arte. Affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, immagine passioni forti, un'immagine di passioni forti, spiritualizzate e natura curativa, per molti romantici, gli eroi della protesta o della lotta convivono con i motivi del “dolore mondiale”, del “male mondiale”, del lato “notturno” dell'anima, vestito con le forme dell'ironia, del grottesco, della poetica dei due mondi. Interesse per il passato nazionale (spesso la sua idealizzazione), le tradizioni del folklore e della cultura del proprio e degli altri popoli, il desiderio di creare un'immagine universale del mondo (principalmente storia e letteratura), l'idea di una sintesi delle arti trovò espressione nell’ideologia e nella pratica del Romanticismo.
IN belle arti Il romanticismo si è manifestato più chiaramente nella pittura e nella grafica, meno chiaramente nella scultura e nell'architettura (ad esempio, il falso gotico). La maggior parte delle scuole nazionali del romanticismo nelle belle arti sono emerse nella lotta contro il classicismo accademico ufficiale.
Nel profondo della cultura ufficiale statale c'è uno strato notevole di cultura “d'élite”, al servizio della classe dirigente (l'aristocrazia e la corte reale) e con una speciale ricettività verso le innovazioni straniere. Basti ricordare la pittura romantica di O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov e altri maggiori artisti XIX secolo
Kiprensky Orest Adamovich, artista russo. Un eccezionale maestro dell'arte raffinata del romanticismo russo, conosciuto come un meraviglioso ritrattista. Nel dipinto “Dmitry Donskoy sul campo di Kulikovo” (1805, Museo Russo) ha dimostrato una conoscenza sicura dei canoni della pittura storica accademica. Ma all’inizio, l’area in cui il suo talento si è rivelato in modo più naturale e senza sforzo è stata la ritrattistica. Il suo primo ritratto pittorico (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibid.), scritto alla maniera “Rembrandt”, si distingue per la sua struttura chiaroscurale espressiva e drammatica. Nel corso degli anni, la sua abilità – manifestata nella capacità di creare, innanzitutto, immagini uniche e individualmente caratteristiche, selezionando speciali mezzi plastici per evidenziare questa caratteristica – si è rafforzata. Pieno di impressionante vitalità: un ritratto del ragazzo A. A. Chelishchev (circa 1810-11), immagini accoppiate dei coniugi F. V. ed E. P. Rostopchin (1809) e V. S. e D. N. Khvostov (1814, tutti - Galleria Tretyakov). L’artista gioca sempre più con le possibilità del colore e dei contrasti di luci e ombre, degli sfondi paesaggistici e dei dettagli simbolici (“E. S. Avdulina”, 1822 circa, ibid.). L'artista sa realizzare anche grandi ritratti cerimoniali in modo lirico, quasi intimamente rilassato (“Ritratto della vita del colonnello ussaro Evgraf Davydov”, 1809, Museo Russo). Il suo ritratto del giovane A. S. Pushkin, ricoperto di gloria poetica, è uno dei migliori nel creare un'immagine romantica. Nell'opera di Kiprensky, Pushkin appare solenne e romantico, in un'aura di gloria poetica. "Mi lusinghi, Oreste", sospirò Pushkin, guardando la tela finita. Kiprensky era anche un disegnatore virtuoso che creava (principalmente utilizzando la tecnica italiana della matita e del pastello) esempi di abilità grafica, spesso superando i suoi ritratti dipinti nella loro emotività aperta, emozionante e leggera. Si tratta di tipi di uso quotidiano (“Il musicista cieco”, 1809, Museo Russo; “Kalmychka Bayausta”, 1813, Galleria Tretyakov) e della famosa serie di ritratti a matita dei partecipanti Guerra Patriottica 1812 (disegni raffiguranti E.I. Chaplits, A.R. Tomilov, P.A. Olenin, lo stesso disegno con il poeta Batyushkov e altri; 1813-15, Galleria Tretyakov e altre collezioni); l'inizio eroico acquista qui una connotazione sincera. Un gran numero di schizzi e testimonianze testuali mostrano che l'artista durante il suo periodo maturo gravitò verso la creazione di un grande (secondo lui a parole mie da una lettera ad A.N. Olenin del 1834), "un quadro spettacolare o, in russo, sorprendente e magico", in cui i risultati sarebbero stati rappresentati in forma allegorica Storia europea, così come lo scopo della Russia. “Lettori di giornali a Napoli” (1831, Galleria Tretyakov) - in apparenza solo un ritratto di gruppo - in realtà c'è una risposta segretamente simbolica a eventi rivoluzionari in Europa.
Tuttavia, la più ambiziosa delle allegorie pittoriche di Kiprensky rimase non realizzata o scomparve (come la "Tomba di Anacreonte", completata nel 1821). Queste ricerche romantiche, tuttavia, hanno ricevuto una continuazione su larga scala nelle opere di K. P. Bryullov e A. A. Ivanov.
Lo stile realistico si rifletteva nelle opere di V.A. Tropinina. I primi ritratti di Tropinin, dipinti con colori sobri ( ritratti di famiglia Conti Morkov, 1813 e 1815, entrambi nella Galleria Tretyakov), appartengono ancora interamente alla tradizione dell'Illuminismo: in essi il modello è il centro incondizionato e stabile dell'immagine. Successivamente, il colore del dipinto di Tropinin diventa più intenso, i volumi sono solitamente scolpiti in modo più chiaro e scultoreo, ma, soprattutto, cresce insinuante il sentimento puramente romantico dell'elemento in movimento della vita, di cui l'eroe del ritratto sembra essere solo un parte, un frammento (“Bulakhov”, 1823; “K.G. Ravich”, 1823; autoritratto, intorno al 1824; tutti e tre - nello stesso posto). Tale è A. S. Pushkin nel famoso ritratto del 1827 (Museo tutto russo di A. S. Pushkin, Pushkin): il poeta, ponendo la mano su una risma di carta, come se “ascoltasse la musa”, ascoltando sogno creativo, circondando l'immagine con un alone invisibile. Ha anche dipinto un ritratto di A.S. Pushkin. Un uomo saggio appare davanti allo spettatore esperienza di vita, non una persona molto felice. Nel ritratto di Tropinin, il poeta è affascinante in modo familiare. Dalle opere di Tropinin emana uno speciale calore e conforto della vecchia Mosca. Fino all'età di 47 anni fu in cattività. Questo è probabilmente il motivo per cui i volti sulle sue tele sono così freschi e ispirati persone normali. E la giovinezza e il fascino della sua “Merlettaia” sono infiniti. Molto spesso, V. A. Tropinin si è rivolto all'immagine di persone del popolo ("La merlettaia", "Ritratto di un figlio", ecc.).
Ricerche artistiche e ideologiche del russo pensiero sociale, l'aspettativa di cambiamento si rifletteva nei dipinti di K.P. Bryullov “L’ultimo giorno di Pompei” e A. A. Ivanov “L’apparizione di Cristo al popolo”.
Una grande opera d’arte è il dipinto “L’ultimo giorno di Pompei” di Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). Nel 1830 durante gli scavi città antica L'artista russo Karl Pavlovich Bryullov ha visitato Pompei. Camminò lungo gli antichi pavimenti, ammirò gli affreschi e nella sua immaginazione nacque quella tragica notte dell'agosto del 79 d.C. e., quando la città era ricoperta dalle ceneri calde e dalla pomice del Vesuvio risvegliato. Tre anni dopo, il dipinto “L’ultimo giorno di Pompei” fece un viaggio trionfale dall’Italia alla Russia. L'artista ha trovato colori sorprendenti per rappresentare la tragedia dell'antica città, morente sotto la lava e la cenere del Vesuvio in eruzione. L'immagine è intrisa di alti ideali umanistici. Mostra il coraggio delle persone, la loro dedizione, mostrata durante un terribile disastro. Bryullov era in Italia in viaggio d'affari all'Accademia delle arti. Questa istituzione educativa ha fornito una buona formazione nelle tecniche di pittura e disegno. Tuttavia, l'Accademia si è chiaramente concentrata su patrimonio antico e temi eroici. Per pittura accademica Caratteristico era il paesaggio decorativo e la teatralità della composizione complessiva. Scene da vita moderna, il normale paesaggio russo era considerato indegno del pennello dell’artista. Il classicismo nella pittura era chiamato accademismo. Bryullov era associato all'Accademia con tutta la sua creatività.
Aveva una potente immaginazione, un occhio acuto e una mano fedele - e ha dato vita a creazioni viventi coerenti con i canoni dell'accademismo. Davvero, con la grazia di Pushkin, ha saputo catturare sulla tela la bellezza del nudo corpo umano, e il tremore di un raggio di sole su una foglia verde. Le sue tele “Amazzone”, “Bathsheba”, “Mattina italiana”, “Pomeriggio italiano”, numerose cerimonie e ritratti intimi. Tuttavia, l'artista ha sempre gravitato verso grandi temi storici, verso la rappresentazione di eventi significativi storia umana. Molti dei suoi piani a questo riguardo non furono realizzati. Bryullov non ha mai abbandonato l'idea di creare una tela epica basata su una trama della storia russa. Inizia il dipinto “L’assedio di Pskov da parte delle truppe del re Stefan Batory”. Raffigura il culmine dell'assedio del 1581, quando i guerrieri di Pskov e. I cittadini si precipitano ad attaccare i polacchi che hanno fatto irruzione in città e li gettano dietro le mura. Ma il dipinto rimase incompiuto e il compito di creare dipinti storici veramente nazionali non fu svolto da Bryullov, ma dalla successiva generazione di artisti russi. Coetaneo di Pushkin, Bryullov gli sopravvisse di 15 anni. È stato malato negli ultimi anni. Da un autoritratto dipinto in quel periodo, un uomo rossastro con caratteristiche sottili viso e sguardo calmo e pensoso.
Nella prima metà del XIX secolo. L'artista Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) visse e lavorò. Tutto il mio vita creativa ha dedicato l'idea del risveglio spirituale delle persone, incarnandola nel dipinto “L'apparizione di Cristo al popolo”. Per più di 20 anni ha lavorato al dipinto “L'apparizione di Cristo al popolo”, nel quale ha investito tutta la forza e la luminosità del suo talento. In primo piano della sua grandiosa tela, attira l'attenzione la figura coraggiosa di Giovanni Battista, che indica al popolo l'avvicinarsi di Cristo. La sua figura è mostrata in lontananza. Non è ancora arrivato, viene, verrà sicuramente, dice l'artista. E i volti e gli animi di chi aspetta il Salvatore si illuminano e si illuminano. In questa immagine mostrava, come disse in seguito I. E. Repin, “un popolo oppresso che desidera ardentemente la parola di libertà”.
Nella prima metà del XIX secolo. La pittura russa include soggetti quotidiani.
Uno dei primi a rivolgersi a lui fu Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Ha dedicato il suo lavoro a rappresentare la vita dei contadini. Mostra questa vita in una forma idealizzata e abbellita, rendendo omaggio al sentimentalismo allora di moda. Tuttavia, i dipinti di Venetsianov “The Threshing Barn”, “At the Harvest. Estate", "Sui seminativi. Primavera”, “Contadina con fiordalisi”, “Zakharka”, “Mattina del proprietario terriero”, che riflette la bellezza e la nobiltà della gente comune russa, serviva ad affermare la dignità di una persona, indipendentemente dal suo status sociale.
Le sue tradizioni furono continuate da Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). Le sue tele sono realistiche, piene di contenuto satirico, che espongono la moralità mercantile, la vita e i costumi dell'élite della società ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", ecc.). Ha iniziato il suo percorso di artista satirico come ufficiale delle guardie. Poi ha realizzato schizzi divertenti e maliziosi della vita militare. Nel 1848, il suo dipinto “Fresh Cavalier” fu presentato ad una mostra accademica. Si trattava di un'audace presa in giro non solo della stupida e compiacente burocrazia, ma anche delle tradizioni accademiche. La veste sporca con cui era vestito il personaggio principale della foto ricordava molto un'antica toga. Bryullov rimase a lungo davanti alla tela, quindi disse all'autore, per metà scherzosamente e per metà sul serio: "Congratulazioni, mi hai sconfitto". Anche altri film di Fedotov ("La colazione di un aristocratico", "Major's Matchmaking") sono di natura comica e satirica. I suoi ultimi dipinti sono molto tristi (“Ancora, ancora ancora!”, “Vedova”). I contemporanei hanno giustamente paragonato P. A. Fedotov in pittura a N. V. Gogol in letteratura. Denunciare i mali della Russia feudale è il tema principale del lavoro di Pavel Andreevich Fedotov.
Dipinto russo della seconda metà del XIX secolo.
Seconda metà del XIX secolo. fu segnato dal fiorire delle belle arti russe. È diventata un’arte davvero grande, è stata intrisa del pathos della lotta di liberazione popolare, ha risposto alle esigenze della vita e ha invaso attivamente la vita. Nelle belle arti è stato finalmente stabilito il realismo: un riflesso veritiero e completo della vita delle persone, il desiderio di ricostruire questa vita secondo i principi di uguaglianza e giustizia.
Una svolta consapevole della nuova pittura russa verso il realismo democratico, la nazionalità e la modernità emerse alla fine degli anni ’50, insieme a situazione rivoluzionaria nel paese, con la maturazione sociale delle varie intellighenzia, con l'illuminazione rivoluzionaria di Chernyshevskij, Dobrolyubov, Saltykov-Shchedrin, con la poesia amante del popolo di Nekrasov. In “Saggi Periodo Gogol" (nel 1856) Chernyshevsky scrisse: "Se la pittura si trova oggi generalmente in una posizione piuttosto pietosa, il motivo principale Inoltre, bisogna considerare l’alienazione di quest’arte dalle aspirazioni moderne”. La stessa idea è stata presentata in molti articoli sulla rivista Sovremennik.
Tema centrale l'arte è diventata un popolo, non solo gli oppressi e i sofferenti, ma anche il popolo: il creatore della storia, il combattente popolare, il creatore di tutto il meglio che c'è nella vita.
L'affermazione del realismo nell'arte ebbe luogo in una lotta ostinata con la direzione ufficiale, il cui rappresentante era la direzione dell'Accademia delle arti. I dirigenti dell'accademia hanno instillato nei loro studenti l'idea che l'arte è superiore alla vita e hanno proposto solo temi biblici e mitologici per la creatività degli artisti.
Ma la pittura stava già cominciando a unirsi alle aspirazioni moderne, prima di tutto a Mosca. Scuola di Mosca e un decimo non godeva di privilegi Accademia di San Pietroburgo arti, ma dipendeva meno dai suoi dogmi radicati, l'atmosfera in essa era più vivace. Sebbene gli insegnanti della Scuola siano per lo più accademici, gli accademici sono secondari e vacillanti - non hanno represso con la loro autorità tanto quanto all'Accademia F. Bruni, il pilastro della vecchia scuola, che un tempo gareggiava con la pittura di Bryullov “ Il Serpente di Rame”.
Nel 1862, il Consiglio dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo decise di parificare i diritti di tutti i generi, abolendo il primato della pittura storica. La medaglia d'oro veniva ora assegnata indipendentemente dal tema dell'immagine, tenendo conto solo dei suoi meriti. Tuttavia, le “libertà” all’interno delle mura dell’accademia non durarono a lungo.
Nel 1863, i giovani artisti che partecipavano a un concorso accademico presentarono una petizione “per ottenere il permesso di scegliere liberamente i soggetti per gli argomenti che desiderano, oltre all’argomento dato”. Il Consiglio dell'Accademia ha rifiutato. Quello che accadde dopo viene chiamato nella storia dell’arte russa la “rivolta dei quattordici”. Quattordici studenti del corso di storia non volevano dipingere quadri sul tema proposto dalla mitologia scandinava - "La festa a Valgaal" e hanno presentato una petizione per lasciare l'accademia. Trovandosi senza officine e senza soldi, i ribelli si unirono in una sorta di comune - simile al tipo di comune descritto da Chernyshevskij nel romanzo "Che fare?" - l'Artel degli artisti, guidata dal pittore Ivan Nikolaevich Kramskoy . Gli operai dell'artel accettavano ordini per l'esecuzione di varie opere artistiche, vivevano nella stessa casa e si riunivano in una sala comune per conversare, discutere di dipinti e leggere libri.
Sette anni dopo, Artel si sciolse. A questo punto, negli anni '70, su iniziativa dell'artista Grigory Grigorievich Myasoedov, nacque un'associazione: la "Associazione degli inserti mobili artistici", un'associazione professionale e commerciale di artisti che si trovavano su posizioni ideologiche simili.
L'Associazione degli Itineranti, a differenza di molte associazioni successive, fece a meno di dichiarazioni e manifesti. Il suo statuto affermava solo che i membri del partenariato dovrebbero gestire i propri affari materiali, senza dipendere da nessuno in questo senso, e anche organizzare mostre stesse e portarle in diverse città ("spostarsi" in Russia) per far conoscere al paese Arte russa. Entrambi questi punti erano di notevole importanza, affermando l'indipendenza dell'arte dalle autorità e la volontà degli artisti di comunicare ampiamente con le persone non solo nella capitale. Il ruolo principale nella creazione del partenariato e nello sviluppo della sua carta è appartenuto, oltre a Kramskoy, a Myasoedov, Ge - di San Pietroburgo, e ai moscoviti - Perov, Pryanishnikov, Savrasov.
I Peredvizhniki erano uniti nel rifiuto dell’“accademismo” attraverso la sua mitologia, paesaggi decorativi e pomposa teatralità. Volevano ritrarre vivere la vita. Le scene di genere (quotidiane) occupavano un posto di primo piano nel loro lavoro. I contadini godevano di particolare simpatia per gli “Itinerante”. Mostravano la sua posizione bisognosa, sofferente e oppressa. A quel tempo - negli anni '60 e '70. XIX secolo: il lato ideologico dell'arte era valutato più in alto di quello estetico. Solo col tempo gli artisti si sono ricordati del valore intrinseco della pittura.
Forse il più grande tributo all'ideologia fu pagato da Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Basti ricordare i suoi dipinti come "L'arrivo del capo delle indagini", "Tea Party a Mytishchi". Alcune delle opere di Perov sono intrise di vera tragedia ("Troika", "Vecchi genitori alla tomba del figlio"). Perov dipinse numerosi ritratti dei suoi famosi contemporanei (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevskij).
Alcuni dipinti degli “Itinerante”, dipinti dal vero o ispirati a scene reali, hanno arricchito le nostre idee sulla vita contadina. Il film di S. A. Korovin “On the World” mostra uno scontro in un raduno rurale tra un uomo ricco e un uomo povero. V. M. Maksimov ha catturato la rabbia, le lacrime e il dolore della divisione familiare. La solenne festa del lavoro contadino si riflette nel dipinto “Falciatrici” di G. G. Myasoedov.
La ritrattistica occupava il posto principale nell’opera di Kramskoy. Ha scritto Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Possiede uno dei migliori ritratti di Leone Tolstoj. Lo sguardo dello scrittore non lascia lo spettatore, non importa da quale punto guardi la tela. Una delle opere più potenti di Kramskoy è il dipinto “Cristo nel deserto”.
La prima mostra degli “Itinerante”, inaugurata nel 1871, dimostrò in modo convincente l'esistenza di una nuova direzione che prese forma nel corso degli anni '60. C'erano solo 46 mostre (a differenza delle ingombranti mostre dell'Accademia), ma accuratamente selezionate, e sebbene la mostra non fosse volutamente programmatica, il programma complessivo non scritto emergeva abbastanza chiaramente. Erano rappresentati tutti i generi - storico, vita quotidiana, ritrattistica paesaggistica - e il pubblico poteva giudicare quali novità portavano loro i "Vagabondi". Solo la scultura fu sfortunata (ce n'era una, e anche allora una piccola scultura notevole di F. Kamensky), ma questo tipo di arte fu “sfortunata” per molto tempo, in effetti, per tutta la seconda metà del secolo.
All'inizio degli anni '90, tra i giovani artisti della scuola di Mosca, c'erano però quelli che continuavano degnamente e seriamente la tradizione civile itinerante: S. Ivanov con il suo ciclo di dipinti sugli immigrati, S. Korovin - l'autore di il dipinto “On the World”, dove è interessante e i conflitti drammatici (davvero drammatici!) del villaggio pre-riforma vengono rivelati con cura. Ma non davano il tono: si avvicinava l'ingresso in prima linea nel “Mondo dell'Arte”, altrettanto lontano dagli Erranti e dall'Accademia. Com’era l’Accademia in quel periodo? I suoi precedenti atteggiamenti rigoristici artistici erano tramontati; non insisteva più sui rigidi dettami del neoclassicismo, sulla famigerata gerarchia dei generi; era abbastanza tollerante nei confronti del genere quotidiano, preferiva solo che fosse “bello” piuttosto che “contadino”. (un esempio di “belle” opere non accademiche - scene dell'antica vita dell'allora popolare S. Bakalovich). Per la maggior parte, la produzione non accademica, come in altri paesi, era un salotto borghese, la sua “bellezza” era una volgare bellezza. Ma non si può dire che non abbia presentato talenti: G. Semiradsky, menzionato sopra, era di grande talento, V. Smirnov, morto prematuramente (che riuscì a creare un impressionante quadro generale"La morte di Nerone"); Non si possono negare alcuni meriti artistici dei dipinti di A. Svedomsky e V. Kotarbinsky. Parlò con approvazione di questi artisti, considerandoli portatori dello “spirito ellenico”. anni dopo Repin, hanno impressionato Vrubel, proprio come Aivazovsky, anche lui un artista "accademico". D'altra parte, niente meno che Semiradsky, durante la riorganizzazione dell'Accademia, si espresse decisamente a favore del genere quotidiano, indicando Perov, Repin e V. Mayakovsky come esempi positivi. Quindi c'erano abbastanza punti di convergenza tra gli “Itineranti” e l'Accademia, e questo fu capito dall'allora vicepresidente dell'Accademia I. I. Tolstoj, su iniziativa della quale i principali “Itineranti” furono chiamati a insegnare.
Ma la cosa principale che non ci permette di scartare del tutto il ruolo dell'Accademia delle Arti, prima di tutto, come Istituto d'Istruzione, nella seconda metà del secolo, è il semplice fatto che dalle sue mura emersero molti artisti di rilievo. Questi sono Repin, Surikov, Polenov e Vasnetsov, e più tardi - Serov e Vrubel. Inoltre, non ripeterono la “rivolta dei quattordici” e, a quanto pare, beneficiarono del loro apprendistato.
Il rispetto per il disegno, per la forma costruttiva costruita, affonda le sue radici nell'arte russa. L'orientamento generale della cultura russa verso il realismo divenne la ragione della popolarità del metodo Chistyakov: in un modo o nell'altro, i pittori russi fino a Serov, Nesterov e Vrubel onoravano le "immutabili eterne leggi della forma" e diffidavano della "smaterializzazione". ” o subordinazione del colorato elemento amorfo, non importa quanto amassero il colore.
Tra i Peredvizhniki invitati all'Accademia c'erano due pittori paesaggisti: Shishkin e Kuindzhi. Fu proprio in quel periodo che iniziò l'egemonia del paesaggio nell'arte eccome genere indipendente, dove regnò Levitan, e come elemento paritario della pittura quotidiana, storica e in parte ritrattistica. Contrariamente alle previsioni di Stasov, che ritiene che il ruolo del paesaggio diminuirà, negli anni '90 è aumentato più che mai. Il “paesaggio dell’umore” lirico ha prevalso, facendo risalire i suoi antenati a Savrasov e Polenov.
Il gruppo Peredvizhniki ha fatto vere e proprie scoperte nella pittura di paesaggio. Alexey Kondratyevich Savrasov (1830-1897) riuscì a mostrare la bellezza e il sottile lirismo di un semplice paesaggio russo. Il suo dipinto "The Rooks Have Arrived" (1871) ha costretto molti contemporanei a dare uno sguardo nuovo alla loro natura nativa.
Fyodor Alexandrovich Vasiliev (1850-1873) visse una vita breve. Il suo lavoro, interrotto all'inizio, ha arricchito la pittura russa con una serie di paesaggi dinamici ed emozionanti. L'artista era particolarmente bravo negli stati di transizione della natura: dal sole alla pioggia, dalla calma alla tempesta.
Il cantante della foresta russa, l'ampiezza epica della natura russa, divenne Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898). Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) fu attratto dal pittoresco gioco di luce e aria. La luce misteriosa della luna tra le rare nuvole, i riflessi rossi dell'alba sui muri bianchi delle capanne ucraine, oblique raggi del mattino, sfondare la nebbia e giocare nelle pozzanghere su una strada fangosa: queste e molte altre scoperte pittoresche vengono catturate sulle sue tele.
Il russo al suo apice dipinto di paesaggio XIX secolo raggiunto nel lavoro dello studente di Savrasov Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan è un maestro dei paesaggi calmi e silenziosi: un uomo molto timido, timido e vulnerabile, sapeva rilassarsi solo da solo con la natura, intriso dell'atmosfera del suo paesaggio preferito.
Un giorno venne sul Volga per dipingere il sole, l'aria e le distese fluviali. Ma non c'era il sole, nuvole infinite strisciavano nel cielo e le piogge sorde cessarono. L'artista era nervoso finché non si è lasciato coinvolgere da questo tempo e ha scoperto un fascino speciale colori lilla Maltempo russo. Da allora, l'Alto Volga e la città provinciale di Ples si sono saldamente radicate nella sua opera. Da quelle parti ha realizzato le sue opere “piovose”: “After the Rain”, “Gloomy Day”, “Above Eternal Peace”. Lì furono dipinti anche pacifici paesaggi serali: “Serata sul Volga”, “Sera. Porta d'Oro", "Suono della sera", "Dimora tranquilla".
Negli ultimi anni della sua vita, Levitan attirò l'attenzione sul lavoro degli artisti impressionisti francesi (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Si rese conto che aveva molto in comune con loro, che le loro ricerche creative andavano nella stessa direzione. Come loro, preferiva lavorare non in studio, ma all'aria (all'aria aperta, come dicono gli artisti). Come loro, ha alleggerito la tavolozza, bandendo i colori scuri e terrosi. Come loro, ha cercato di catturare la natura fugace dell'esistenza, di trasmettere i movimenti della luce e dell'aria. In questo andarono oltre lui, ma quasi dissolsero le forme volumetriche (case, alberi) in flussi di aria leggera. Lo ha evitato.
“I dipinti di Levitan richiedono una visione lenta”, ha scritto K. G. Paustovsky, un grande conoscitore della sua opera, “non stordiscono l’occhio. Sono modesti e precisi, come i racconti di Cechov, ma più a lungo li guardi, più dolce diventa il silenzio delle città di provincia, dei fiumi familiari e delle strade di campagna.
Sul secondo metà del XIX V. dovere fioritura creativa I. E. Repin, V. I. Surikov e V. A. Serov.
Ilya Efimovich Repin (1844-1930) è nata nella città di Chuguev, nella famiglia di un colono militare. Riuscì ad entrare all'Accademia delle arti, dove il suo insegnante era P. P. Chistyakov, che formò un'intera galassia di artisti famosi (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Anche Repin ha imparato molto da Kramskoy. Nel 1870, il giovane artista viaggiò lungo il Volga. Utilizzò numerosi schizzi portati dai suoi viaggi per il dipinto “Barge Haulers on the Volga” (1872). Ha fatto una forte impressione sul pubblico. L'autore salì immediatamente ai ranghi dei maestri più famosi.
Repin era un artista molto versatile. Al suo pennello appartengono numerosi dipinti di genere monumentali. Forse non meno impressionante di “Barge Haulers” è la “Processione religiosa in Provincia di Kursk" Luminoso cielo blu, nuvole di polvere stradale trafitte dal sole, il bagliore dorato di croci e paramenti, polizia, gente comune e storpi: tutto si adatta a questa tela: la grandezza, la forza, la debolezza e il dolore della Russia.
Molti dei film di Repin trattavano temi rivoluzionari ("Rifiuto della confessione", "Non si aspettavano", "Arresto del propagandista"). I rivoluzionari nei suoi dipinti si comportano in modo semplice e naturale, evitando pose e gesti teatrali. Nel dipinto “Rifiuto di confessare”, il condannato a morte sembrava aver deliberatamente nascosto le mani nelle maniche. L'artista simpatizzava chiaramente con i personaggi dei suoi dipinti.
Sono stati scritti numerosi dipinti di Repin argomenti storici("Ivan il Terribile e suo figlio Ivan", "Cosacchi che compongono una lettera al sultano turco", ecc.). Repin ha creato un'intera galleria di ritratti. Dipinse ritratti di scienziati (Pirogov e Sechenov), scrittori Tolstoj, Turgenev e Garshin, compositori Glinka e Mussorgsky, artisti Kramskoy e Surikov. All'inizio del 20 ° secolo. ha ricevuto un ordine per il dipinto “La riunione cerimoniale del Consiglio di Stato”. L'artista è riuscito non solo a collocare compositivamente un numero così elevato di presenti sulla tela, ma anche a conferire a molti di loro caratteristiche psicologiche. Tra questi c'erano i seguenti personaggi famosi, come S. Yu. Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov Tian-Shansky. Nicola II è appena percettibile nella foto, ma è raffigurato in modo molto sottile.
Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nacque a Krasnoyarsk, nel Famiglia cosacca. Il periodo di massimo splendore del suo lavoro si verificò negli anni '80, quando creò i suoi tre dipinti storici più famosi: “Morning Esecuzione streltsiana", "Menshikov a Berezovo" e "Boyarina Morozova".
Surikov conosceva bene la vita e i costumi delle epoche passate ed era in grado di fornire vivide caratteristiche psicologiche. Inoltre, era un eccellente colorista (maestro del colore). Basti ricordare la neve abbagliante, fresca e scintillante nel film "Boyaryna Morozova". Se ti avvicini alla tela, la neve sembra “sgretolarsi” in pennellate blu, azzurre e rosa. Questo tecnica pittoresca, quando due o tre tratti diversi si fondono a distanza e danno il colore desiderato, era ampiamente utilizzato dagli impressionisti francesi.
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), figlio del compositore, dipinse paesaggi, tele su temi storici e lavorò come artista teatrale. Ma furono soprattutto i suoi ritratti a dargli fama.
Nel 1887, il ventiduenne Serov era in vacanza ad Abramtsevo, la dacia del filantropo S.I. Mamontov vicino a Mosca. Tra i suoi tanti figli, il giovane artista era il suo uomo, un partecipante ai loro giochi rumorosi. Un giorno, dopo pranzo, due persone si sono trattenute accidentalmente nella sala da pranzo: Serov e la dodicenne Verusha Mamontova. Si sedettero al tavolo su cui c'erano le pesche e durante la conversazione Verusha non notò come l'artista iniziò a disegnare il suo ritratto. Il lavoro durò un mese e Verusha era arrabbiata perché Anton (come veniva chiamato Serov a casa) la fece sedere per ore nella sala da pranzo.
All'inizio di settembre è stata completata "La ragazza con le pesche". Nonostante le sue piccole dimensioni, il dipinto, dipinto in tonalità oro rosa, sembrava molto “spazioso”. C'era molta luce e aria dentro. La ragazza, che si è seduta al tavolo per quello che è sembrato un minuto e ha fissato lo sguardo sullo spettatore, ha incantato con la sua chiarezza e spiritualità. E l'intera tela era ricoperta da una percezione puramente infantile della vita quotidiana, quando la felicità non è cosciente di se stessa e tutta la vita è davanti a sé.
Gli abitanti della casa di Abramtsevo, ovviamente, capirono che davanti ai loro occhi era accaduto un miracolo. Ma solo il tempo darà le valutazioni definitive. Ha messo "Girl with Peaches" tra i migliori opere di ritratto nella pittura russa e mondiale.
L'anno successivo Serov riuscì quasi a ripetere la sua magia. Ha dipinto il ritratto di sua sorella Maria Simonović (“Ragazza illuminata dal sole”). Il nome è un po' impreciso: la ragazza è seduta all'ombra, e i raggi del sole mattutino illuminano la radura sullo sfondo. Ma nella foto tutto è così unito, così unito - mattina, sole, estate, giovinezza e bellezza - che è difficile trovare un nome migliore.
Serov divenne un ritrattista alla moda. Di fronte a lui posarono famosi scrittori, attori, artisti, imprenditori, aristocratici e persino re. Apparentemente, non tutti quelli che ha scritto ci avevano messo il cuore. Alcuni ritratti dell'alta società, nonostante la tecnica di esecuzione in filigrana, risultavano freddi.
Per diversi anni Serov ha insegnato alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Era un insegnante esigente. Avversario delle forme congelate della pittura, Serov credeva allo stesso tempo che le ricerche creative dovessero basarsi su una solida padronanza delle tecniche del disegno e della scrittura pittorica. Molti maestri eccezionali si consideravano studenti di Serov. Sono M.S. Saryan, K.F. Yuon, PV Kuznetsov, KS Petrov-Vodkin.
Molti dipinti di Repin, Surikov, Levitan, Serov e dei “Vagabondi” finirono nella collezione di Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), rappresentante dell'antica Mosca famiglia di commercianti, era una persona insolita. Magro e alto, con barba folta e con la sua voce tranquilla sembrava più un santo che un mercante. Iniziò a collezionare dipinti di artisti russi nel 1856. Il suo hobby divenne l'attività principale della sua vita. All'inizio degli anni '90. la collezione raggiunse il livello di un museo, assorbendo quasi l'intero patrimonio del collezionista. Successivamente divenne proprietà di Mosca. La Galleria Tretyakov è diventata mondiale famoso museo Pittura, grafica e scultura russa.
Nel 1898, il Museo Russo fu aperto a San Pietroburgo, nel Palazzo Mikhailovsky (la creazione di K. Rossi). Ha ricevuto opere di artisti russi dall'Ermitage, dall'Accademia delle Arti e da alcuni palazzi imperiali. L'apertura di questi due musei sembrava coronare le conquiste della pittura russa del XIX secolo.