Boudoir è la stanza di una donna, un armadio o una camera da letto in generale, qualcosa a cui non tutti hanno accesso, qualcosa di molto intimo. Fotografia del lato privato, intimo della vita sta diventando uno dei mercati fotografici in maggiore crescita nel segmento dei ritratti del moderno business della fotografia. Le persone vogliono mostrare ciò a cui tengono, come lavorano, vivono e vogliono che tutto appaia bello ed elegante. Allo stesso tempo, i giorni delle fotografie luminose e patinate scattate in chiave alta stanno svanendo sullo sfondo. Le donne hanno iniziato a capire come fossero le fotografie stampate sulle riviste patinate, pubblicate sui blog di moda e su risorse online come Pinterest. Se rimani al passo con i tempi, ora dovresti essere pronto per entrare in questo mercato e allontanarti gradualmente dal patinato.
Quanto spesso fotografi modelli professionisti? Quanto spesso si fermano nel tuo studio? Esatto, non così spesso. La maggior parte dei nostri clienti sono persone comuni che desiderano avere scatti professionali nei propri album, ma allo stesso tempo non sanno come posare davanti alla macchina fotografica. Il compito del fotografo è liberarli e farli sentire al loro posto. Essendo un uomo di mezza età, capisco quanto sia un processo dispendioso in termini di tempo. Dopo 25 anni di lavoro nel settore della moda, posso onestamente dire di aver visto un'enorme varietà di tipi di corpo e di volti e, soprattutto, di personalità delle persone.
E la prima cosa che faccio prima di iniziare un servizio fotografico è incontrare persone, parlare di me, mostrare il mio lavoro. Allo stesso tempo, cerco di sembrare il più goffo e anche un po' idiota possibile. Questo risolve due problemi. I clienti smettono di essere nervosi, iniziano a comportarsi a proprio agio e, soprattutto, smettono di aver paura di sembrare stupidi. Da qualche parte a livello subconscio, capiscono che non esistono persone ideali e per ottenere fotografie di alta qualità devi solo rilassarti ed essere te stesso. Ricorda questo, il tuo comportamento aiuterà a rilassare il tuo cliente.
Ora proviamo a considerare gli errori principali quando si scatta un ritratto di un "modello" impreparato.
In questa foto, il bianco degli occhi risalta fortemente e la mano giace in qualche modo goffamente. La ragazza appare tesa e in stato di disagio. Inoltre, i fianchi sono troppo pieni. Personalmente non sono soddisfatto di questo scatto.
Nel fotogramma successivo, la ragazza ha abbassato le mani un po' più in basso, ha girato la testa e gli occhi verso la telecamera, ha allontanato i fianchi dall'inquadratura e questo è quello che è successo. Sembrano piccoli cambiamenti, ma come cresce la cultura della fotografia e come diventa più attraente.
Scegli l'angolazione giusta, perché può migliorare la tua foto o rovinarla.
Molto spesso, i clienti cercano di alzare il mento più in alto per allungare la pelle, rimuovere il doppio mento e, in generale, sembrare più impressionanti. Ma come spesso accade, il risultato è completamente opposto. Nella foto successiva, la modella ha appena alzato leggermente il mento e immediatamente appare la tensione nella sua figura e nel suo sguardo; è assolutamente chiaro allo spettatore che la ragazza è completamente a disagio in questa posizione.
Proviamo ad abbassare un po' il mento. Come puoi vedere nella foto successiva, non è successo nulla alla bellezza della ragazza, ma è stata questa piccola sfumatura a conferire alla foto un po' di mistero e a far sembrare la modella rilassata!
Osserva la posizione delle mani.
Le mani sono un altro dettaglio importante che può rovinare una foto. Lo scatto successivo va bene finché non inizi a guardare le mani. Si posizionano come un portiere di calcio prima di tirare un calcio di rigore. In questo caso, la mano in alto sembra più grande della mano in basso.
La prossima foto sembra essere migliore. Ma la modella sembra ancora in qualche modo scomoda e sgradevole in questa posa. Sembra che una mano stia crescendo nella direzione sbagliata, mentre l'altra è solo d'intralcio ed è completamente fuori posto.
Cambiamo posizione, liberando la mano vicina posizionandola sul bracciolo del divano, che nasconderà anche alcuni dettagli. E posizioneremo la lancetta dei secondi lungo il corpo, il che non farà altro che enfatizzare le linee morbide della figura del modello.
Pensa fuori dagli schemi.
A volte siamo così affascinati dalla modella che abbiamo di fronte che dimentichiamo tutto e premiamo senza pensarci il pulsante di scatto della fotocamera. Ma cosa potrebbe esserci di più semplice che andare oltre il pensiero normale? Guardati attorno. Cerca angoli favorevoli, usa oggetti circostanti.
Per lo scatto successivo ho utilizzato una finestra, o meglio, ho fotografato stando fuori dalla finestra. Onestamente, sono rimasto a lungo attorno a questa finestra, pensando a come avrei potuto usarla con profitto. Volevo creare qualcosa di insolito. Dopo aver impostato l'esposizione, ho "sviluppato" i riflessi sul vetro, quindi ho abbinato il modello e i riflessi per creare un'immagine straordinaria.
So che ora molti di voi stanno pensando: “...va tutto bene, ma è facile insegnare lavorando con una modella professionista...”. Sì, è una vera modella, ma spesso le modelle non sono perfette quando le vedi per la prima volta. Questo è esattamente l'aspetto della mia eroina nella normale vita di tutti i giorni.
Il fotografo Kevin Focht
Sono giunto a questa conclusione relativamente di recente, quando ho iniziato a sistematizzare tutte le mie riprese. Ho selezionato le fotografie, le ho messe in cartelle, le ho messe nell'ordine giusto, le ho guardate per un tempo infinito, le ho ritagliate, ruotate, ho pensato... Finora non ho caratterizzato in alcun modo le mie fotografie . Quadro psicologico? Chissà, queste ragazze non hanno più di 16 anni. Non sono rock star, né attori né personaggi pubblici. Ragazze normali che vanno a scuola. Camminano, fanno i compiti e camminano di nuovo. Questi possono essere visti per strada ogni giorno. Ma senza un filtro Instagram e la sfocatura di Photoshop, non li riconoscerai. Non prestare nemmeno attenzione. Sui social network tutti sembrano diversi rispetto alla vita reale. Nella vita quotidiana ordinaria, tutto è più semplice. È scandalosamente più semplice. E le persone moderne non sono interessate lì. Noioso. Ed è fantastico per me! Sono felice. Perché sono l'unico lì.
Sono stato fortunato: qualche anno fa sono arrivato in una delle meravigliose agenzie di modelle di Mosca e ho chiesto di fare dei test. Mi hanno sorriso e il giorno dopo ho lavorato con la ragazza. Questi sono chiamati "nuovo volto". Nuova faccia. Le ragazze provengono da varie regioni. Da Nižnij Tagil a Samara. Fanno diversi scatti con diversi fotografi e poi valutano se può essere richiesto in Occidente. Se il tipo è richiesto, viene inviato, ad esempio, in Giappone. La ragazza è costantemente sotto la supervisione dell'agenzia, nessun accompagnatore o servizio, solo riprese o proiezioni. Dopo un paio di mesi restituisce, con soldi, un portafoglio incredibile e impressioni indimenticabili. Evviva!
I miei modelli non hanno più di 16 anni. Sono stato fortunato: li ho sorpresi in quella fase quando ancora non avevano idea di come stavano andando le riprese e non erano viziati dai movimenti e dallo sguardo “coreografati”. Li ho presi completamente puliti. Sia all'interno che all'esterno. Ho parlato con alcune ragazze, mi sono interessato alle loro vite, ai loro hobby e alle loro speranze. Stavo filmando nello stesso momento. C'erano anche quelli con cui non potevo dire una parola. Ci siamo semplicemente seduti e ci siamo guardati. E ho filmato di nuovo. Non ci sono trucchi, tranne una cosa: eravamo sempre insieme.
Sono quasi sempre insoddisfatto di ciò che scatto mentre giro. Internamente, ovviamente. Il modello non dovrebbe sospettare nulla. Altrimenti non funzionerà assolutamente nulla. Guardando indietro, voglio sottolineare che questo è un sicuro segno di lavoro di successo. Sono costantemente in uno stato di lotta interiore. Con cosa esattamente - non lo so. Ma mi sento benissimo. Sono arrabbiato con me stesso, con la modella, con la luce, con la macchina fotografica, con tutto. Maledico ogni piccola cosa. Da un momento all'altro posso scoppiare e allora tutto è catarsi.
Non importa quanto possa sembrare strano, la domanda “come lavorare con il modello” rimane ancora rilevante. Ti dirò. Ascoltare. È molto semplice: lasciale fare quello che vuole. Senza eccezioni. Vuole gettarsi la gamba sopra la testa: vai avanti! Siediti sulle fessure tra i rami di un albero: inizia, sto filmando! Si dimena e non entra mai nella posizione giusta? Dovrebbe essere così, credetemi. Perché combattere la modella e costringerla a fare qualcosa? A nessuno piace essere costretto. C'è solo un'energia che ribolle dentro di lei, la travolge e chiede di uscire allo scoperto. Quindi lasciala andare tranquillamente. Non appena ciò accadrà – e lo capirai subito – lei sarà tua. Completamente. Senza traccia. Fai quello che vuoi con lei. Ora assorbirà solo ciò che emetti. Donati a lei! Non essere avido. Alla fine del lavoro sarai vuoto. Non avere paura. E' così che dovrebbe essere. Hai girato quello che volevi? Ne sono sicuro.
Quando ho iniziato a dedicarmi alla fotografia, ero molto tormentato dalla questione della tecnologia. Non sapevo quale obiettivo scegliere per ottenere la nitidezza richiesta, ho pensato al numero di megapixel presenti nella fotocamera e ho provato a scattare solo in studio per controllare la luce. Credevo nel pulsante magico della fotocamera più costosa. La stavo cercando. Eh... Adesso sono completamente diverso. Ho un obiettivo standard fornito con la mia DSLR amatoriale e mi sono dimenticato della confusione con i megapixel. Perché sono tutte sciocchezze. Completare. Se sei un artista, cosa te ne frega di un pennello? La tua foto è scritta nella tua testa e il pennello è solo uno strumento che ti permette di trasferire le tue fantasie sulla tela. Se ancora non mi credete, ecco una citazione di Francesco Bonami: “L'arte esiste per chi (e soprattutto per chi) non ha soldi, ma sa sognare - e non ha bisogno di altro per vivere. Questo."
La cosa più difficile per me dopo le riprese è la selezione. Impressioni residue troppo forti possono intralciarti e potresti non notare il volto dietro una bella fotografia. In questo caso, guardo dei bei film, preparo la cena o faccio una passeggiata. È necessario interrompere le vecchie impressioni con una porzione di nuove. È molto importante. Non mi piace lasciare 10 foto. Una, massimo due fotografie hanno senso. È in loro che dovrebbe esserci una scoperta. Se non c’è continuo a cercarlo in duplicati, oppure rimando le riprese a tempi migliori. Forse ho bisogno di crescere con queste foto.
Mi piace stare da solo. Quando le persone si riuniscono, diventano incredibilmente noiose. Inizia uno scambio di sciocchezze e problemi. Non mi interessa discutere dei problemi. Per me contano i significati, le idee, le scoperte. Devi restare solo, in silenzio. Sviluppare i tratti individuali di una persona. Sono loro che creano la personalità. E silenzio. Silenzio.
C'è un'opinione secondo cui è necessario mantenere un dialogo con una persona durante le riprese, altrimenti non sarà in grado di rilassarsi. Sarà in grado. Senza volerlo. Lo so per certo. Punta l'obiettivo su di esso. Sì, ancora. E guarda. In silenzio. All'inizio si innervosirà, forse inizierà anche a mettersi in posa. Ma tu, fotografo, sei immobile e questo ti confonde ancora di più. Come mai? Dov'è la squadra? Dove rivolgersi? Ora la persona non sa più cosa fare. La cosa principale qui è non lasciare andare il suo sguardo. Deve guardarti. Pensa di avere il controllo su di te. Costantemente. Il suo sguardo è fisso su di te. Nella lente. Lo stai aspettando. Si accomodi! Che cosa? Clic! Grazie, sei stato fantastico.
Ovviamente uso Photoshop! Non c'è alcun segreto in questo, così come nel fatto che tutti lo usano. Anche gli odiatori incalliti dei programmi di grafica e gli idealisti della fotografia “pura” ricorrono al suo aiuto. Ma l'intero indizio è nascosto in questa parola: "aiuto". Non un remake fotografico. Non ridisegnare con la luce. Non un cambiamento di plastica. Il tocco finale, lo svolazzo dell'autore, un autografo. Chiamalo come vuoi. Mi sembra che se Leonardo avesse avuto Photoshop, avrebbe impiegato molto meno tempo per finire il sorriso della Gioconda, invece di 13 anni. Scadenza seria. Photoshop mi aiuta a identificare quei tratti del viso che i nostri occhi, e ancor di più la macchina fotografica, non notano. Per me un volto non è due occhi e una bocca, è un'intera architettura, un paesaggio. Mi sembra che un volto non sia solo il ritratto dell'anima, ma l'anima stessa, capovolta. E sono infinitamente felice che non sappia posare.
Mi sembra che un ritratto in fotografia sia qualcosa di magico. Questo non è solo un volto catturato in modo affidabile in un file da dieci megabyte, non è un mucchio di rughe o occhi chiusi, e nemmeno le tue impressioni sulla persona. Questo è qualcosa di terzo. Ci sei tu, il tuo ritratto e lui, il terzo. Una certa sostanza che ha assorbito una parte di te, della modella, del tuo umore, dell'atmosfera esterna, per poi digerirla per un po 'e rilasciarla per la stampa. La procedura è peggiore di qualsiasi fotosintesi! Una specie di soia che riempi di additivi mentre lavori. Litigio durante le riprese? Un po' di pepe, per favore! Problemi con la luce? Alloro e un po' di sale! Nessun contatto tra modella e fotografo? E aggiungi più frutti di mare! Queste non sono le "100 migliori ricette". Questa è già una cucina originale. Sperimentare. Aggiungi il tuo, prendi in prestito quello di qualcun altro. Sei un artista, il che significa che sei un po' un ladro. In senso buono, ovviamente.
Ho capito troppo tardi cosa volevo essere.
Come ogni giovane diligente, dopo la scuola andai al college. Un evento emozionante, non è vero? Per me è stato lo stesso. Circa un anno. Due dozzine di esami eccellenti, maggiore borsa di studio e tranquillità. E poi è tutto. No, no, non ho abbandonato la scuola come hanno fatto tutti i ragazzi fantastici della Silicon Valley. Ho finito gli studi. Con dolore.
Perché? Foto. Mi ha consumato. Mi possedeva. Con fermezza. Minx. Non potevo più assistere a lezioni noiose. Ho vagato per le strade. Girato. Tutti saranno d'accordo. E poi ho guardato. Confrontare. Ripetuto. Ho provato meglio. Quasi senza pensarci. Quasi.
Questa è la mia scuola. Scuola di fotografia. È improbabile che ti insegnino alla tua scrivania. Ho bisogno di trovare. Me stessa. Ripensa e prova. E poi tutto funzionerà per te. Lascialo fermentare.
La composizione è la base per creare un'immagine. Questa è la relazione spaziale tra tutte le parti dell'immagine. In generale, come ha detto uno dei miei magnifici artisti: "Tutto dovrebbe essere al suo posto". Ecco come capirlo, se tutto è al suo posto, è una questione di tempo o di istinto. Se hai tempo, guarda immagini, film, leggi letteratura e osserva la vita. E chi non ha tempo solitamente ha l’istinto. Lo so. A volte lo sento.
Un artista non ha bisogno di spiegare il suo lavoro. Ne sono convinto. Mi sembra che non sia del tutto corretto imporre allo spettatore il significato che tu, come artista, hai portato. Dopotutto, questa è la cosa più bella: osservare come lo spettatore decifra il tuo lavoro. Cerca collegamenti, metafore, confronta, si gira, strizza gli occhi, ammira o non capisce. Ma più spesso lo spettatore decide se può ripeterlo allo stesso modo oppure no. Se capisce che può farcela, passa volentieri al lavoro successivo e, in caso contrario, spegne la luce: inizierà a chiedersi in che tipo di padella è stato cotto, quanto pepe hanno aggiunto e perché lo hanno fatto. non ha aggiunto sale. Magari invece della firma dell'autore lasciare una ricetta sotto l'opera? Sai, come nei vecchi calendari a strappo. Ogni giorno. Molto carino.
Scatto ritratti intimi.
Questo non è sempre un ritratto complimentoso, perché non cerco di decorare la persona; questo è l'esatto contrario di un ritratto psicologico, poiché non mostro una persona “come se stessa”; e infine, questa non è un'immagine individualizzata di una persona, poiché non mi interessa il momento della somiglianza. Questo è uno stato assolutamente personale, sconosciuto di una persona, in cui penetro con il pretesto di fotografarlo, e per qualche tempo guardo il mondo con occhi diversi. Questo è ciò che è un ritratto intimo. Questo è il momento in cui puoi inserirti spudoratamente in un'altra persona e guardarti attraverso i suoi occhi.
La questione della luce rimane sempre importante. Quante fonti utilizzi nel tuo lavoro? Cambi spesso la luce mentre scatti? Quali schemi di illuminazione usi?
A febbraio, RIA Novosti ha tenuto una conferenza aperta di Yuri Norshtein (“Riccio nella nebbia”). Il tema del discorso era “L’arte della libertà, la libertà nell’arte”. Ha parlato del suo lavoro, di come stavano andando le riprese, dei successi e dei fallimenti. Ma la sua idea più importante, con cui ho trovato delle intersezioni in seguito, era che quando l’arte ti impone determinate restrizioni, il tuo lavoro diventa più produttivo. Questo è tutto in poche parole.
Torniamo alla questione della luce. Succede che vieni a una ripresa e sembrerebbe che tutto sia fantastico. Sei di ottimo umore, la macchina fotografica è impostata su un capolavoro, la modella è bellissima, ma... Non c'è luce. Quelle fonti di luce che erano destinate a te sono state prese da un altro cliente più importante (può succedere di tutto), oppure la luce pulsata si è bruciata e da quella costante si è bruciata solo la luce pilota. È triste, vero? Ma, per fortuna, in questo momento capisci che questi sono proprio i limiti attraverso i quali l’arte vuole mettere alla prova la tua resistenza. E in questo momento l'entusiasmo diventa ancora più grande! In questi casi prendevo una lampada pilota, una lampada da tavolo o qualcosa di più o meno luminoso e scattavo. Attenzione! - filmato. E ha funzionato. E spesso molto meglio che in condizioni ideali. Ti auguro lo stesso.
Non è necessario trasformare lo studio in un culto. È solo uno strumento. Non male però.
La fotografia è un piacere costoso. Proprio come il ballo da sala. Anche se non è ancora noto quale sia il migliore. Quando ho iniziato a lavorare ho sempre puntato ad un grande risultato. E per riuscirci serve un team di persone meravigliose. Truccatori e stilisti sono considerati persone la cui partecipazione non è nemmeno discussa! Tutti sanno che sono necessari. Se è duro, il truccatore si occuperà del trucco e lo stilista lo vestirà. Tutto quello che devi fare è sparare. Miracolo!
Giorno delle riprese. Il modello si sta muovendo e parte della squadra sopra descritta è caduta nell'abisso della zona inaccessibile. Non ce n'è nessuno. E non è previsto. Emergenza, nientemeno. Ma non sono solo le qualità personali a impedire alle persone di annullare una ripresa. Quindi prendo il modello e lo seguiamo da Metropolis. Sai, quello sulla Voykovskaya. Grande centro commerciale. Bel posto! Dopo aver girovagato un po', puoi facilmente dipingere il modello lì, ma la cosa più importante è il motivo per cui siamo andati lì: per scattare. Ci sono un sacco di vestiti lì. Tonnellate. Vai in qualsiasi negozio, prendi i vestiti e toglili. Dove? Nei camerini. Credimi, c'è abbastanza spazio. È possibile? Dio sa. Non l'ho chiesto, perché sono solo un fotografo.
Aderisco costantemente e ogni giorno a un principio: fai ciò che ami. Non mi interessano assolutamente tutte le obiezioni e le proteste: esistono solo nelle nostre teste. Se non hai ancora trovato ciò che ami, continua a cercare. Instancabilmente. Ogni giorno. In ogni angolo. Saprai che è così solo quando lo troverai. Non essere compiacente. La cosa più importante – e questa è anche più della metà della battaglia – è compiere alcuni passi. Tutto questo è infinitamente banale e lo sanno tutti, ma... Ci sono ancora dei “ma”, giusto? Sii abbastanza coraggioso da trovare la tua passione. Questo può essere – e il più delle volte accade! - per niente quello che hai studiato. Nessuno può dirti di cosa si tratta, solo tu.
Scatto ritratti intimi.
Non ho mai girato in tempo. Non ho un timer che suona dopo tre ore e dice: "Stop! Ce lo siamo tolti. È ora di tornare a casa". Scatto esattamente quello che mi dice il mio istinto. Se sento che mi mancano 300 fotogrammi, cancello la parte originale dello scatto e vado avanti. Se vedo che sto impazzendo per una ragazza entro il fotogramma 30, ho finito. Non provo mai a riempire l'intera scheda di memoria. Ha funzionato: sono felice. Se no, allora...
Quando stavo filmando una ragazza, io e lei abbiamo riso come matti per tutta la durata delle riprese. Non so perché. Non l'ho fatta ridere. Abbiamo chiacchierato, riso e sembrava che fossimo diventati così vicini che ero pronto per qualcosa di più delle semplici riprese. Ma tutto è andato molto meglio. Lei ha smesso di ridere, mi ha guardato e ha detto: "Ecco, adesso tu. Dammi la macchina fotografica!" E dovevo prendere il suo posto. Adesso mi stava filmando. Non sapevo dove andare. Si stringeva, sorrideva, provava perfino a ballare. E stava filmando.
Questa è un'esperienza molto gratificante. A volte è necessario mettersi nei panni di un'altra persona per capirla. Non puoi guardare il mondo da un punto di vista, devi provare ad adottare l’esperienza di qualcun altro, il punto di vista di qualcun altro. Come si suol dire, apri la mente. In quel momento ho scattato alcuni dei miei migliori lavori di ritratto.
Non mi preparo mai per una ripresa. Nel senso che non costruisco la scenografia, non seleziono lo sfondo, non porto con me un mucchio di cose. NO. Uso solo quello che ho a portata di mano. C'è un angolo della stanza: meraviglioso! Gireremo lì. C'è una sedia trasandata: è solo una favola! Sfondo nero, parete opaca, linoleum: non fa assolutamente alcuna differenza. L'interno non è assolutamente importante. Assolutamente. Le persone si adattano a qualsiasi cosa. Quindi scarafaggi. È così che io e le ragazze ci abituiamo a qualsiasi atmosfera. E ci piace. E non è più importante per noi. Ci dimentichiamo di noi stessi. E noi guardiamo e basta. Uno sopra l'altro, fuori dalla finestra, sul muro. Nel vuoto. Mettiamo al lavoro la tua immaginazione. Noi sogniamo. Riposiamoci. Non c'è nessun altro posto. C'è parecchio trambusto in giro. E noi due. Rimaniamo in silenzio e guardiamo. Rimaniamo in silenzio e sogniamo. E ancora una volta rimaniamo in silenzio.
Non si sa mai cosa hanno in mente queste donne.
Sono sempre stata affascinata dalla visione del mondo delle donne. Questo incredibile mondo interiore che non può essere risolto. Un mistero avvolto in una fiaba. Tanti pensieri nascosti dietro un'apparenza magica. La collisione della bellezza interiore ed esteriore. Flirt nati, seguendo i loro desideri. Fiducia in se stessi incrollabile. Sentimenti assolutamente aperti, passione assolutamente ammaliante. Imponenza e semplicità. Occhi limpidi e un cuore grande. Meravigliosa.
Come non notarlo? È tutto in bella vista! Costantemente. Proprio davanti al tuo naso! Apri già gli occhi! E guarda. Aspetto. Una volta che ho visto tutto questo, non sono riuscito a fermarmi. E ho iniziato a guardarlo ancora e ancora. Solo attraverso la telecamera. È più affidabile.
Come disse una volta Zhvanetsky: "Devi scrivere quando non puoi fare a meno di scrivere".
Aderisco esattamente allo stesso principio nella fotografia. Non filmo solo per filmare. Questo non è l'approccio giusto. Fondamentalmente non è vero. Una sorta di inganno. Prima di tutto te stesso. E la fotografia punisce gli ingannatori. Lo sente. Devi essere sincero nei tuoi desideri e nelle tue azioni. Non è necessario parlare se non c'è niente da dire. Non sarebbe male ascoltare prima. E poi pensaci ancora un po'. E non solo per quanto detto. Sono troppo scettico nei confronti di questi oratori. E sono completamente diffidente nei confronti di chi dice: "Perché taci? Dimmi una cosa". Com'è questo "qualcosa"? Non so come parlarne. E non so come. Ecco perché sto zitto. Sto ascoltando quello che hai da dire. È molto più interessante. E più educativo. Anche se molto raro.
Onestamente non so quanti passi occorra fare per arrivare ad un buon ritratto.
Angolo, sfondo, emozione, momento... Al giorno d'oggi c'è molta letteratura, lezioni, esempi di "come fare per essere bravi". Ce ne sono davvero tanti. È l'era digitale. Assolutamente qualsiasi conoscenza può essere ottenuta di pubblico dominio. E applicarli. E ottieni qualcosa. In effetti, non ci vuole molto per diventare un artista. Qualcuno ha detto che per fare questo o devi fare come tutti gli altri, oppure convincere gli altri che sei un artista attraverso il tuo lavoro. Il primo modo è incredibilmente semplice. E accessibile. Tutti. Il secondo è completamente sconosciuto. E dove porta, nessuno lo sa. Lotteria. Sei fortunato?
L'esempio più evidente sono gli artisti di Arbat. Quante volte li ho superati e ho osservato: tutti sanno disegnare. Alcuni sono migliori, altri sono un po’ peggio. Ma tutti possono farlo. Hanno un background accademico. Posizionato a mano. Fermo e incrollabile.
Un vero artista deve rompere queste basi. Gli è stato insegnato, ma sta imparando di nuovo. Me stessa. Come desidera. E non preoccuparti delle regole. E poi c'è speranza. E a volte un capolavoro. Ma questo verrà dopo.
Non penso troppo a nulla nei miei lavori.
Mi sembra che l'arte sia stata deliberatamente elevata a una sorta di status magico. Sembrerebbe un quadrato nero. Ebbene sì, un quadrato. E ne disegnerei uno così. E poi guardi: sì, non è del tutto quadrato. Le proporzioni non sono geometricamente precise. Hmm... E tu pensi. Lo guardi di nuovo. Ma in modo completamente diverso, non come una piazza, ma come un sacramento. Cosa nascondi lì? Ricordi, analizzi, confronti... Guarda di nuovo. Certamente! Tutto è molto semplice. Ti dirò. Di segreto. Oscar Wilde me ne ha parlato. Più precisamente, non ha detto nulla, ha lasciato un biglietto. E non l'ho semplicemente lasciato, l'ho nascosto. E l'ho trovato. Quindi: “La vita imita l’arte molto più di quanto l’arte imiti la vita”.
È tutto.
Cosa mi guida nel mio lavoro?
Ho diversi principi a cui aderisco. Sorprendentemente, anche la grande Apple li conosce e li applica immancabilmente! È vero, a Cupertino. E io sono qui, accanto a te.
Quindi eccolo qui:
"Fa quello che ami." Ci vuole molto coraggio per mantenerlo, qualunque cosa accada.
"Scuoti la mente." La creatività è il processo di mettere insieme le cose. Una vasta gamma di esperienze amplia la comprensione dell’esperienza umana.
"Dì no a mille cose." La semplicità è la cosa più difficile.
Conosci persone che seguono la loro passione? Hai hobby e interessi al di fuori del lavoro? Quanto in alto ti fissi il tuo obiettivo? Sembrano domande semplici, ma danno tantissime risposte.
Buona fortuna!
Come si fa a distinguere una bella foto da una brutta? Avevo la stessa domanda. Ed è giusto. Dovrebbe essere. Lo scopo della fotografia e del fotografare stesso è trovare risposte. E questo è infinitamente importante! Questa è una delle cose della fotografia che amo appassionatamente. Niente al mondo darà una risposta più accurata del processo di ricerca stesso. La semplicità è la cosa più difficile. Ricordare? Quando hai valutato mille opzioni, hai molto a cui rinunciare. Quando hai una sola opzione, la mantieni. Ma è improbabile che sia esattamente quello che stavi cercando.
Torniamo alla domanda. Alexey Brodovich mi interrompe... Bene, diamogli la parola. "Guarda migliaia di fotografie e conservale nella tua memoria. In seguito, se vedi qualcosa nel mirino che ti ricorda le fotografie che hai visto, non scattarle."
Grazie.
Non sono uno di quei fotografi che arriva con un tema in anticipo e poi inizia a lavorarci sopra. NO. Per me è il contrario: prima lavoro, scatto. Lo sto rimandando. Sto accumulando. Lo sto raccogliendo lentamente. E poi mi siedo e inizio a pensare a questo materiale. E tutto funziona da solo. Naturalmente, questo non avviene immediatamente. Richiede tempo. Un pensiero lascia il posto a un altro, un'affermazione si trasforma in un'altra. Questo è molto importante: il modo in cui immaginavi il tuo lavoro all'inizio del tuo viaggio dovrebbe cambiare radicalmente alla fine. Ottieni un vettore di sviluppo completamente diverso. Alla fine dovresti arrivare a un risultato completamente diverso. Inconsciamente. Intuitivamente. È molto difficile farsi strada al tatto. Ma questa è la cosa più intrigante: arriverai sicuramente a qualcosa. E il modo in cui arriverai a questo dipenderà in gran parte da ciò che hai visto lungo il percorso. È come conservare barattoli di cetrioli: non sai mai se qualcuno esploderà.
Sono molto felice quando le ragazze arrivano di buon umore o di cattivo umore. Nel primo caso, alla fine delle riprese, la situazione cambierà radicalmente per loro, nel secondo racconteranno chi gliel'ha rovinata. Ciò non significa che voglio rovinare deliberatamente la loro esperienza. Affatto. Per me è importante lavorare attraverso l'intero spettro della condizione femminile ed estrarre quella che è più caratteristica in un caso particolare.
La cosa più interessante è che non esiste uno schema. Non esiste un unico modello perfetto per nessuna ragazza! Ogni ragazza richiede un approccio diverso. Il trucco che ti ha permesso di ottenere una foto fantastica l'ultima volta non funzionerà questa volta. Dobbiamo reinventare la tattica. Dimentica tutto quello che usavi prima e cerca qualcosa di nuovo. Solo lì puoi scoprire qualcosa e non ripeterlo. E questo è il compito principale dell'artista.
L'appetito vien mangiando.
Questa regola vale anche per la fotografia. Sul serio. Non mi viene in mente nulla in anticipo. Esattamente fino al primo scatto, non so come scatterò. Ma non appena viene scattato il primo fotogramma, è importante non sopprimere la fantasia e l'ispirazione. Devi seguire il tuo intuito e il tuo istinto. Scatta al tocco, cambia la posizione (se possibile), segui il tuo cuore, ti dirà dove muoverti.
Allo stesso tempo, è importante non diventare schiavo del modello, perché in quel momento sei come un bambino pioniere che non sa dove andare e un modello determinato può prendere il sopravvento sulla tua iniziativa. Prendi ciò che ti dà, ma elaboralo a modo tuo. Studia il tuo modello, presta attenzione alla plasticità, alle emozioni e alle condizioni. E non dimenticare di darle consigli. Dirigi i suoi pensieri nella direzione che desideri.
Indubbiamente l'artista dovrebbe analizzare tutto.
E questa è una delle qualità che devi allenare in te stesso. E la parte migliore è che non è necessario acquistare, prendere in prestito, collezionare o costruire nulla per farlo. Tutto quello che devi fare è sederti e guardare. E gradualmente verrà rivelato ciò che ogni giorno corriamo così ostinatamente. Ma c’è così tanta bellezza intorno a noi.
La ritrattistica e il disegno raccontano la storia di una persona, la sua bellezza, il suo carattere e le sue aspirazioni. Un ritrattista si occupa del carattere di una persona, della sua complessa individualità. Per comprendere una persona, per comprendere la sua essenza attraverso l'apparenza, è necessaria molta esperienza di vita e professionale. L'artista deve avere una profonda conoscenza della persona raffigurata. Oltre ai tratti individuali della persona raffigurata, è anche importante trasmettere quelle caratteristiche che il suo ambiente professionale gli impone.
Ritratto(Ritratto francese - immagine) - un genere di belle arti che raffigura una persona o un gruppo di persone. Oltre alla somiglianza esterna e individuale, gli artisti si sforzano di trasmettere il carattere di una persona, il suo mondo spirituale in un ritratto.
Esistono molti tipi di ritratto. Il genere del ritratto comprende: ritratto a mezzo busto, busto (in scultura), ritratto a figura intera, ritratto di gruppo, ritratto di interni, ritratto su sfondo paesaggistico. In base alla natura dell'immagine, si distinguono due gruppi principali: ritratti cerimoniali e da camera. Di norma, un ritratto cerimoniale comporta un'immagine a figura intera di una persona (a cavallo, in piedi o seduta). In un ritratto da camera, viene utilizzata un'immagine lunga fino alla vita, al petto e alle spalle. In un ritratto cerimoniale, la figura è solitamente raffigurata su uno sfondo architettonico o paesaggistico, mentre in un ritratto da camera, più spesso su uno sfondo neutro.
In base al numero di immagini su una tela, oltre alle solite, individuali, si distinguono i ritratti doppi e di gruppo. I ritratti dipinti su tele diverse sono detti accoppiati se sono coerenti per composizione, formato e colore. Molto spesso si tratta di ritratti di coniugi. I ritratti spesso formano interi insiemi: gallerie di ritratti.
Un ritratto in cui una persona è presentata sotto forma di un personaggio allegorico, mitologico, storico, teatrale o letterario è chiamato in costume. I titoli di tali ritratti di solito includono le parole “nella forma” o “nell’immagine” (ad esempio, Caterina II sotto forma di Minerva).
I ritratti si distinguono anche per dimensione, ad esempio in miniatura. Puoi anche evidenziare un autoritratto: la rappresentazione di se stesso da parte dell'artista. Un ritratto trasmette non solo i tratti individuali della persona ritratta o, come dicono gli artisti, del modello, ma riflette anche l'epoca in cui visse la persona raffigurata.
L'arte della ritrattistica risale a diverse migliaia di anni fa. Già nell'antico Egitto, gli scultori creavano una somiglianza abbastanza accurata dell'aspetto esteriore di una persona. Alla statua è stata data una somiglianza con un ritratto in modo che dopo la morte di una persona, la sua anima potesse trasferirsi al suo interno e trovare facilmente il suo proprietario. Allo stesso scopo servivano anche i pittoreschi ritratti di Fayyum, realizzati con la tecnica dell'encausto (pittura a cera) nei secoli I-IV. I ritratti idealizzati di poeti, filosofi e personaggi pubblici erano comuni nella scultura dell'antica Grecia. I busti-ritratto scultorei dell'antica Roma si distinguevano per la loro veridicità e precise caratteristiche psicologiche. Riflettevano il carattere e la personalità di una persona in particolare.
La rappresentazione del volto di una persona nella scultura o nella pittura ha sempre attratto gli artisti. Il genere del ritratto fiorì soprattutto durante il Rinascimento, quando la personalità umana umanistica ed efficace fu riconosciuta come il valore principale (Leonardo da Vinci, Raffaello, Giorgione, Tiziano, Tintoretto). I maestri del Rinascimento approfondiscono il contenuto delle immagini dei ritratti, dotandole di intelligenza, armonia spirituale e talvolta drammaticità interiore.
Nel XVII secolo Nella pittura europea, viene alla ribalta un ritratto da camera, intimo, in contrapposizione a un ritratto cerimoniale, ufficiale, esaltante. Eccezionali maestri di quest'epoca - Rembrandt, Van Rijn, F. Hals, Van Dyck, D. Velasquez - hanno creato una galleria di meravigliose immagini di persone semplici e non famose, scoprendo in loro la più grande ricchezza di gentilezza e umanità.
In Russia, il genere dei ritratti iniziò a svilupparsi attivamente dall'inizio del XVIII secolo. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky hanno creato una serie di magnifici ritratti di nobili. Le immagini femminili dipinte da questi artisti erano particolarmente affascinanti e affascinanti, intrise di lirismo e spiritualità. Nella prima metà del XIX secolo. il personaggio principale della ritrattistica diventa una personalità sognante e allo stesso tempo romantica, incline all'impulso eroico (nei dipinti di O. Kiprensky, K. Bryullov).
L'emergere del realismo nell'arte degli Itineranti si riflette anche nell'arte della ritrattistica. Gli artisti V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin hanno creato un'intera galleria di ritratti di contemporanei eccezionali. Gli artisti trasmettono le caratteristiche individuali e tipiche dei ritratti, le loro caratteristiche spirituali con l'aiuto di espressioni facciali, pose e gesti caratteristici. La persona è stata raffigurata in tutta la sua complessità psicologica ed è stato valutato anche il suo ruolo nella società. Nel 20 ° secolo il ritratto combina le tendenze più contraddittorie: caratteristiche individuali realistiche e luminose e deformazioni espressive astratte dei modelli (P. Picasso, A. Modigliani, A. Bourdelle in Francia, V. Serov, M. Vrubel, S. Konenkov, M. Nesterov, P Korin in Russia).
I ritratti ci trasmettono non solo immagini di persone di epoche diverse, riflettono parte della storia, ma parlano anche di come l'artista vedeva il mondo, di come si relazionava con la persona ritratta.
Indubbiamente vengono date tutte le indicazioni per semplificare e catalogare la creatività. Da un lato è vero: per non affogare nell’oceano dell’arte è necessario costruire delle “piscine per bambini”. Una tale definizione costringe inconsciamente l'autore a determinati quadri e restrizioni, perché le persone si abituano al fatto che l'artista lavora in una tonalità, e quando il vettore del suo sviluppo cambia leggermente, ciò provoca una certa risonanza di incomprensioni e il pubblico richiede un ritornare alle radici. Questo le rende le cose più facili: ha già una certa comprensione. Le novità vengono sempre accettate con timore e ostilità, ma solo all'inizio, col tempo ci si abitua.
Fotografo ragazze e non riesco a determinare chiaramente la direzione in cui lo sto facendo. Ciò che mi dà un po’ di pace è che non ho set pazzeschi, padiglioni enormi e nemmeno oggetti di scena. Ho persone e luce, solare o pulsata. A questo proposito sono assolutamente tranquillo: nessuna preparazione, ci incontriamo ad una certa ora in un certo posto e lavoriamo. Faccio delle foto, ma la ragazza... no, non sta affatto posando: crede di posare.
Eppure, perché un ritratto intimo? "Dov'è l'intimità?" - mi ha chiesto una volta il mio amico. Davvero dove? Le ragazze non sono seminude, le loro pose non sono affatto giocose e si comportano in modo piuttosto sobrio. Solo i ciechi possono discernere qui un'intimità schietta. Ingannato?!
Ti do una definizione secca: “Un ritratto intimo è un ritratto su uno sfondo intimo e uniforme, che mostra un rapporto di fiducia tra la persona ritratta e l’artista”. Bingo!
Le persone (nel mio caso, le ragazze) sono una fonte inesauribile di ricerca. Ciascuno dei modelli è incredibilmente unico: carattere individuale, comportamento, aspetto, stile di comunicazione: nulla si ripete. La cosa più importante è vederlo e registrarlo in tempo, e per vederlo bisogna avvicinarsi ad esso. Ragazza individuale - approccio individuale. Tutto è semplice, anche troppo semplice.
Alla fine del XIX secolo Van Gogh era affascinato dal tema dei contadini. Visse tra loro per qualche tempo e dipinse quadri. Ma una cosa è semplicemente osservare i contadini al lavoro e poi trasferire le proprie impressioni sulla tela, un’altra cosa è diventare uno di loro, pensare come uno di loro e sentirsi assolutamente uguali, cioè integrarsi completamente nell’ambiente.
Ho un approccio molto simile. Cerco di essere alla pari con le ragazze, di ridurre al minimo tutte le differenze tra noi, di capire il loro modo di pensare, di conoscere i loro vissuti e le loro preoccupazioni. Naturalmente, il compito è molto difficile, poiché la visione del mondo delle donne è completamente diversa e talvolta è impossibile capirla. Cosa possiamo dire di entrare nelle loro teste! Questo è un compito super, ma questo è esattamente l'obiettivo che mi sono prefissato durante le riprese. Se voglio mettere una ragazza in una foto, e non l'immagine di una ragazza che si è sviluppata durante il mio lavoro, devo prendere le sue parti, guardare il mondo attraverso i suoi occhi e provare a sentire quello che sente lei. È molto importante guardarsi attraverso gli occhi della persona che stai fotografando, per diventare uno dei contadini.
Si dà il caso che per me sia molto più facile mettersi d’accordo con le ragazze che con la popolazione maschile. I primi sono troppo illogici e i secondi sono troppo testardi. Scegliendo il minore dei due mali, ho optato per il primo e avevo ragione.
Ogni scatto è un'avventura durante la quale cerchi di scoprire cosa preoccupa il soggetto, sentire il filo dei suoi pensieri e catturare lo stato che si crea tra di voi. E tutto questo in qualche modo deve essere preservato nella fotografia! E non dimenticare di lasciare una parte di te come autore. In altre parole, lavorare con un modello è simile alla modellazione con la plastilina: all'inizio il materiale è piuttosto duro e resistente, ma una volta riscaldato un po', abituato alla consistenza e impastato tra le mani, le forme iniziano ad emergere. . E non resta che decidere in quale direzione andare oltre: iniziare con qualcosa di familiare, modificandolo gradualmente, oppure muoversi fin dall'inizio in modo intuitivo, al tatto, senza pensare al risultato. L'ultimo percorso è molto intrigante: o si aprirà qualcosa di nuovo, oppure ti imbatterai in uno schema. Ma ne vale la pena!
La cosa più pericolosa che può restare in agguato durante le riprese sono i tuoi pensieri, pensieri mostruosi, contraddittori e irrequieti. Qualche domanda ti girerà costantemente in testa: ne vale la pena? Le impostazioni della fotocamera sono corrette? cosa dovrei dirle? perché mi guarda così? Questo rumore è incredibilmente pericoloso, per questo motivo potresti non ottenere il fotogramma finale, perché ti griderà: “Okay, finiscilo! Abbiamo ottenuto quello che volevamo, procediamo velocemente!” Questo rumore ti fornirà costantemente una nuova porzione di pensieri, impedendoti di concentrarti sulla cosa principale: lavorare con il modello, l'umore psicologico e il ritorno emotivo. A volte è molto difficile lasciare a casa tutti i problemi quotidiani. Se non sbatti la porta appropriata nella tua testa in tempo, sarai perso. Una fotografia è costruita nella tua mente e la fotocamera funge da intermediario tra la tua testa, il tuo cuore e la tua modella. Libera la mente prima di fare una dichiarazione, lasciati guidare dal cuore. Discuterai e rifiuterai più tardi, andrebbe bene.
Lavorare con una modella ricorda in qualche modo il lavoro come domatore. Sì sì, esattamente! Esistono due tipi di modelli: attivi e passivi. I primi sono estremamente proattivi e se non la calmi in tempo puoi perdere il timone del capitano delle riprese. Quando dico "sistemarsi", ovviamente esagero un po': la modella dovrebbe sentire la tua fiducia e conoscenza di ciò che vuoi ottenere da lei, anche se rimani in silenzio. Altrimenti, penserà che non sai cosa vuoi ottenere da lei, dandole così l'opportunità di gestire da sola il processo di ripresa. Questo percorso porta a un risultato completamente diverso da quello previsto. Sii abbastanza audace nel tuo lavoro e non lasciare che gli altri controllino i tuoi pensieri.
I modelli passivi sono leggermente diversi. Ricordano un po' la soia: senza il ripieno è impossibile mangiarla. Queste ragazze soddisfano chiaramente tutte le tue esigenze, sanno chi è responsabile. Stai fermo, salta cento volte, cinque passi avanti e stai a testa in giù, a patto di dirgli cosa fare. È improbabile che una ragazza litigherà con te: sa che questo è il suo lavoro.
La questione della luce non può essere ignorata, e qui ricordo sempre Yuri Norshtein, uno splendido animatore e regista. Una persona costantemente limitata dall'arte crea arte senza limiti!
Una volta ha raccontato come, qualche tempo dopo l'uscita di Hedgehog in the Fog, è stato invitato alla Pixar. La gente della California voleva davvero sapere come Norshtein realizza i suoi cartoni animati, quali attrezzature usa e quanti soldi ci investe. Ha raccontato, mostrato e persino riprodotto davanti ai loro occhi un frammento del cartone animato. Potete immaginare gli occhi di queste persone, i giganti dell'animazione al computer che hanno creato Toy Story, quando Yuri Norshtein tirò fuori dalla sua valigia pinze, carta da lucido e un riccio ritagliato dal cartone e iniziò a spostare tutto sul tavolo. Il riccio non solo si muoveva, ma era anche nella nebbia: la carta da lucido creava un tale effetto. Non c'era limite alla sorpresa, perché da lui si aspettavano qualcosa di diverso, sicuramente non artigianale. Norstein era l'artista preistorico di arte rupestre dell'era dei computer della Pixar, un artista artigianale.
Norshtein non aveva computer costosi, studi cinematografici enormi e super attrezzature; aveva solo pinze, carta da lucido e cartone. Queste sono le limitazioni. Ma aveva un sogno: creare un cartone animato di cui potesse innamorarsi, e una volta che ti innamori, fai innamorare gli altri. Questa è arte.
In conclusione vorrei citare un critico d'arte, Francesco Bonami: “L'arte esiste per chi (e soprattutto per chi) non ha soldi, ma sa sognare – e per questo non ha bisogno di altro. "
Circa l'autore
Nome, cognome, età:Mikhail Ryzhov, 22 anni.
Tecnica: Nikon D7000.
Mostre, premi, realizzazioni:
Ha conseguito il diploma di III grado presso il Centro Internazionale di Fotografia;
I ritratti sono stati inclusi nel libro “100 fotografi russi. Ritratti in bianco e nero";
Si è diplomato ai corsi del dipartimento di fotografia della VGIK.
Ispirazione: film e letteratura.
Miglior consiglio: viaggiare di più! Il viaggio è la ricompensa. La fotografia è un viaggio.
L'interesse per l'uomo alla fine ha portato il talentuoso pittore a creare immagini intime espressive, notevoli per la forza del sentimento investito in esse. Argunov non è arrivato subito a questo. Con il passare degli anni, i gusti e l’atteggiamento dell’artista nei confronti del suo modello sono cambiati. Un atteggiamento quasi entusiastico all'inizio di un percorso creativo diventa ora più profondo e complesso. L'artista ha imparato a vedere non solo l'aspetto esteriore di una persona, ma anche ad avvicinarsi alla comprensione del suo mondo interiore. Ora trova il tempo per dipingere ritratti di persone che gli piacciono profondamente, cercando di esprimere il suo atteggiamento nei loro confronti in modo più completo e profondo. I ritratti intimi sono quindi l’apice del lavoro di Ivan Argunov. In queste opere era meno vincolato dalle norme convenzionali della rappresentazione cerimoniale, in esse le caratteristiche individuali dell’opera del maestro erano rivelate più pienamente: veridicità, spontaneità e profonda umanità.
Alla fine del 1757, Ivan Argunov dipinse i ritratti del marito e della moglie dei Khripunov, incarnando in essi la sua idea della personalità umana, associata agli ideali dell'Illuminismo. I Khripunov appartenevano a una piccola intellighenzia russa della metà del XVIII secolo e vivevano a San Pietroburgo, affittando un appartamento nel condominio del conte Sheremetev in via Millionnaya, “a noleggio”, nello stesso luogo in cui viveva l'artista stesso. La coppia era molto più anziana dell'artista, ma a quanto pare erano uniti da interessi spirituali comuni.
| Ritratto di K.A. Khripunova |
Kozma Aksentievich Khripunov era un traduttore e segretario del Collegium degli affari esteri. Non era ricco, ma era noto al conte Sheremetev e potrebbe aver goduto del suo favore. Argunov lo ha raffigurato in un ambiente domestico, con una rivista o un giornale in mano. Chiaramente non è un caso che l'artista abbia scelto una piccola tela, una composizione semplice e una gamma di toni modesta. Khripunov si siede leggermente appoggiato all'indietro, facendo sembrare la sua figura paffuta ancora più massiccia. Lo sguardo degli occhi piccoli con le palpebre pesanti è pensieroso, la fronte è corrugata, sta pensando a qualcosa. L'artista è riuscito a vedere e rivelare il suo mondo interiore in quest'uomo anziano e brutto. Un viso bitorzoluto, leggermente rossastro con un grande naso carnoso, occhi piccoli e labbra spesse, scritto in modo molto convincente. Nel giro della testa, nel gesto della mano, nell'intera postura, si avverte chiaramente la dignità di una persona intelligente ed educata.
Il ritratto della moglie di Khripunov si distingue per la stessa espressività. Seduta su una sedia con un libro tra le mani, guarda attentamente lo spettatore. Un abito grigio-bluastro con un ampio colletto di scoiattolo nasconde il contorno della figura.
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| Ritratto di Khripunova |
Non c'è ombra di civetteria nel suo aspetto (capelli accuratamente pettinati all'indietro) e nel comportamento. Questa è una donna internamente in forma, volitiva e decisa, forse piuttosto arida. Khripunova dedica il suo tempo libero alla lettura e questa attività la colloca in una posizione speciale tra le donne della sua cerchia, poiché a metà del XVIII secolo un simile passatempo non era tipico dei suoi contemporanei. Con la signora Khripunova la giovane artista ha potuto parlare molto e con piacere di argomenti scientifici.
Un ritratto intimo del XVIII secolo ha le sue caratteristiche distintive, riflette ancora fortemente l'idea di classe di una persona.
Un grande successo creativo di Ian Argunov è il ritratto della ragazza Kalmyk Annushka. Era l'allieva preferita della contessa Varvara Alekseevna Sheremeteva. Questo è uno dei ritratti più sentiti dell’artista, dipinto con grande calore.
Nel ritratto di Annushka, l'artista ha trasmesso il fascino della sua spontaneità infantile, del suo carattere socievole e vivace e, in verità, senza esotismo, ha mostrato l'originalità nazionale del suo aspetto. Un viso scuro, ardente, vivace, obliquo, occhi neri dal taglio a mandorla, rialzati alle tempie alla maniera orientale. La contessa Varvara Alekseevna li chiamava figurativamente "piccoli occhi da scarafaggio". Il fascino infantile è trasmesso nei contorni netti della fronte, nel disegno delle sopracciglia, nel delicato ovale del viso con guance carnose e fossette agli angoli delle labbra. La ragazza indossa un elegante abito rosso, decorato con pizzo e un berretto di pizzo con fiocchi blu. Su una mano dalla pelle scura c'è un braccialetto di velluto marrone. Orecchini nelle orecchie. Circondata dalle sue dame, è amata e apprezzata. C'è una moda tra i ricchi di prendere i Kalmyks al loro servizio, dovuta all'attenzione prestata loro dalla corte imperiale, che voleva ottenere la completa annessione dei Kalmyks alla Russia. I cosacchi spesso portavano con sé i bambini Kalmyk quando arrivavano dalle lontane steppe alla capitale e regalavano alla regina e al suo entourage doni, come pesce, caviale, carri e cavalli. Tali erano i capricci di un secolo saggio e crudele. Quando si trovavano in famiglie russe, le ragazze Kalmyk ricevevano nomi russi, ma di solito venivano chiamate semplicemente "contessa Kalmyk tal dei tali". Ad esempio, la lettera della nostra Annushka indicava l'indirizzo: "Pietroburgo. Anna Nikolaevna, Kalmyk della contessa Sheremeteva". Le responsabilità di Annushka erano piuttosto varie e dipendevano dall'ingegno della padrona di casa. Il ritratto è stato dipinto dopo la morte di Varvara Alekseevna. Apparentemente, il conte Sheremetev desiderava in questo modo perpetuare la memoria di sua moglie e glorificare le sue attività educative e di beneficenza. Annushka tiene tra le mani il ritratto della signora, mostrandolo allo spettatore.
Il ritratto di una donna Kalmyk è stato dipinto con grande amore e attenzione dall'artista al modello, sincerità e calore. A quanto pare, Annushka era tra gli amici più cari dell'artista.
Nel 1785 Ivan Argunov creò una delle sue opere migliori: il ritratto di una contadina sconosciuta. La scelta del modello, a quanto pare, non è stata casuale per l'artista. Nell'arte della seconda metà del XVIII secolo sorsero grande interesse per i temi contadini. In questo momento, sulle pagine di libri e riviste, in opere drammatiche, si rifletteva il nobile carattere morale del contadino, la sua onestà e il suo duro lavoro, in contrasto con la pigrizia e l'ozio della nobiltà. Argunov ha creato un'immagine attraente di una donna russa dal popolo, catturandone la purezza spirituale, la cordialità e la modestia.
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| Ritratto di una contadina sconosciuta |
Il viso della donna dai lineamenti morbidi e i piccoli occhi grigi è pieno di calore e gentilezza. A sua immagine, l'artista ha espresso la sua idea della bellezza e della nobiltà spirituale di una contadina. La sua figura è leggermente spostata a sinistra, le forme plastiche del suo corpo giovane e forte sono trasmesse con una tangibilità quasi scultorea. Il collo alto e cesellato confluisce nei contorni morbidi della testa e del copricapo ricamato in oro. La colorazione è calda e ricca: combinazioni di un copricapo rosso e oro, toni carnosi del viso, un filo di perline rosse sul collo, una camicia bianca e un prendisole rosso con ricami dorati creano un aspetto elegante e, allo stesso tempo, tavolozza rigorosa, che conferisce al ritratto una chiara completezza armoniosa. Il colore rosso domina il ritratto: gli orecchini con lunghi pendenti e il bottone al colletto brillano nelle pietre. L'artista ha incarnato la calma, la maestosità e la dignità interiore di una donna russa del popolo sotto le spoglie di una modella sconosciuta.
Chi è lei? Il tempo non ha preservato il nome della bellezza. Tuttavia, possiamo dire con sicurezza che questa non è un'attrice serva o una socialite vestita con il costume russo di una contadina della provincia di Mosca. L'unico dettaglio del suo outfit che non corrisponde al solito abbigliamento contadino è lo scollo troppo ampio della camicia e la cintura colorata. Molto probabilmente, la nostra eroina non è una cittadina, ma un'abitante di città, che vive con i signori come balia. Immagini simili di balie si trovano in dipinti o ritratti di famiglia di altri pittori vissuti all'incirca nello stesso periodo di Ivan Argunov. Ha avuto la fortuna di creare un'immagine sublime e poetica di una contadina russa, che l'arte del XVIII secolo non conosceva ancora.
Negli anni Novanta del Settecento e all'inizio del nuovo secolo Argunov quasi smise di creare. Ciò è ancora una volta collegato alla sua posizione di schiavo forzato. Nel 1788 fu nominato amministratore della “Casa di Mosca” degli Sheremetev e membro del consiglio dei servi, che era responsabile di tutti gli affari economici del conte. Dopo essersi trasferito da San Pietroburgo a Mosca e, a quanto pare, sentendo che il suo tempo stava passando e una nuova generazione di giovani pittori di talento lo stava sostituendo, Argunov obbedì alla volontà del suo maestro, che ora divenne, dopo la morte di suo padre, Nikolai Petrovich Sheremetev.
Dai numerosi documenti sopravvissuti è noto quanto divenne poco interessante e, a volte, umiliante la vita dell'artista, che si trasformò nel "manager di Argunov". Il figlio dell’artista, Nikolai, raccolse il pennello caduto dalle mani di suo padre, tuttavia, avendo creato bellissimi ritratti di personalità interessanti, non superò suo padre.
Ivan Petrovich Argunov morì all'inizio del 1802 all'età di 73 anni, servo dei conti Sheremetev.