È stata una vera rivoluzione. Invece di soggetti mitologici accuratamente disegnati e ritratti indifferentemente belli, ora vengono presentate mostre d'arte vita reale- produzione multicolore, non abbellita forte impressione. Le origini del nuovo stile furono artisti francesi, i cui nomi sono ancora venerati in tutto il mondo.
Fondatori dell'impressionismo
Il nome del nuovo movimento, che cominciò ad essere utilizzato non solo nella pittura, ma anche nella poesia e nella musica, inizialmente aveva un significato dispregiativo. È stato creato dal critico Louis Leroy, che ha utilizzato il nome del dipinto di quest’ultimo “Impression. Sunrise" (1872) (francese: Impression, soleil levan). Si tratta di artisti francesi, le cui opere non furono ammesse all'accademia esibizione artistica a Parigi, espongono le loro opere al Salon of Refugees.
La prima mostra ebbe luogo nello studio del fotografo Nadar sul Boulevard des Capucines nell'aprile-maggio 1874. Vi hanno preso parte, tra gli altri, artisti francesi, le cui opere sono considerate i primi esempi di pittura veramente nuova e progressista. Oltre a Monet, questi sono Edgar Degas (1934-1917), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Berthe Morisot (1841-1895), Frédéric Bazille (1841-1870). Uno stile speciale è riconosciuto a Edouard Manet (1832-1883), che non espose mai con gli impressionisti, ma fu in stretta interazione e influenza reciproca con loro. Paul Cezanne (1839-1906), partecipando a mostre, condivise molte delle opinioni dei suoi amici, ma poi iniziò a cercare e trovò la propria strada, dove il realismo giocava un ruolo molto minore. Divenne un diretto precursore delle ricerche formali dei primi artisti d'avanguardia del XX secolo.
Base teorica
La mostra al Salon of Refugees non è l'inizio del conto alla rovescia nella storia dell'impressionismo, ma il periodo della formazione finale di questo movimento. Gli impressionisti francesi - artisti che non erano d'accordo con le opinioni accademiche - hanno espresso le loro opinioni sulla rappresentazione della natura a favore per molto tempo Prima. I paesaggi di Monet, Sisley, Pissarro, Cezanne contenevano il tentativo di fermare un attimo, di trasmettere un fugace sentimento di ammirazione per un mondo pieno di colori e luce. Per questo motivo il loro lavoro sembrava incompiuto, trascurato e troppo diverso dai soliti esempi classici.
Nel frattempo, l’influenza dell’opera di maestri del passato come Rubens, Velazquez, Goya, Delacroix sui principali maestri dell’impressionismo è evidente. Oltre alla precisione nel disegno, ai ricchi rapporti tra luce e ombra e alla raffinatezza del colore, gli artisti francesi hanno imparato ad osservare attentamente la natura e la libertà nella scelta dei temi. Il periodo di studio quando futuro maestro va in Italia, studia collezioni museali Venezia e Firenze, copie dei capolavori del Rinascimento, sono nella biografia di ogni eminente impressionista.
Passò molto tempo prima che diventasse chiaro a tutti che i dipinti degli artisti impressionisti francesi avevano il carattere di una pittura veramente realistica, che le accuse di trascuratezza e imprecisione, mancato rispetto della prospettiva e uso di una tavolozza colorata innaturale erano sostanzialmente errate. . Le loro tele contengono un invito a guardare con più attenzione ciò che lo circonda, a distinguere la ricchezza di linee e sfumature.
Claude Monet
Non per niente è stato il dipinto di Claude Monet a dare il nome all’intero stile. Questo artista fu uno dei primi ad apprezzare il valore del lavoro en plein air, utilizzando colori in tubetto, che permettevano di catturare il paesaggio alla luce naturale, senza modifiche in studio. “Boulevard des Capucines” (1873), “Gare Saint-Lazare” (1877), “Cattedrale di Rouen al sole” (1894), “Ninfee” (1915) sono esempi di libertà di visione e di tecnica pittorica innovativa che ha sorpreso per quel tempo.
Edgar Degas
Amava lavorare in studio e non accettava il desiderio degli impressionisti di lavorare solo all'aria aperta. Ha trovato i suoi modelli preferiti dietro le quinte dei teatri, nei caffè, nei laboratori e nelle lavanderie... I suoi interessi includevano il pastello, la grafica e la scultura. Degas non ha mai dato importanza all'appartenenza ad un movimento particolare, ma è sempre stato incluso tra gli impressionisti francesi. Gli artisti di questo stile erano vicini a Degas nella scelta dei soggetti, nella freschezza e nella ricchezza della tavolozza, e le famose “Ballerine” rimarranno per sempre uno dei più grandi capolavori dell'impressionismo.
Lo stile apparso in fine XIX secolo in Francia è un fenomeno sorprendente. Innanzitutto i nomi degli artisti francesi che l'hanno ritrovata nuova strada nell'arte, furono attribuiti epiteti derisori, definendoli dilettanti incompetenti, teppisti del sublime mondo dell'arte. Ma si è scoperto che tutte le generazioni successive di artisti non potevano evitare l'influenza del loro metodo creativo. Le collezioni più significative di dipinti, sia museali che personali, non possono fare a meno della presenza degli impressionisti francesi, e ogni loro apparizione all'asta è un evento mondiale.
Nella seconda metà del diciannovesimo secolo emerse in Francia una nuova direzione: l'impressionismo. Si basa sul desiderio degli artisti di trasmettere impressioni fugaci di eventi e fenomeni utilizzando un'ampia varietà di mezzi.
Impressionismo nella pittura
Imbevuti delle peculiarità di questa tendenza, i giovani artisti francesi iniziano a lavorare in questo stile. D'ora in poi dipingono i loro quadri non in studio, come prima, ma sotto all'aria aperta. Cercando di esprimere le proprie impressioni nel modo più chiaro possibile, creano completamente nuovo metodo pittura. La sua idea principale è trasmettere le sensazioni esterne di ombra e luce sulla superficie degli oggetti utilizzando tratti separati e vernici eccezionalmente pure. In tal modo, varie forme, che prima venivano alla ribalta, ora si dissolvono nell'aria piena di vita.
Durante l'era dell'impressionismo, gli artisti francesi lavoravano principalmente nella ritrattistica e generi paesaggistici, trasmettendo le tue impressioni sugli eventi circostanti (schizzi di passeggiate, scene in un bar, per strada). Nei loro dipinti raffiguravano la vita naturale, dove una persona è in contatto diretto con una straordinaria varietà di colori vivaci ambiente. L'aria in cui sembrano immersi oggetti e persone diventa il loro tema principale.
Guardando le opere degli impressionisti, puoi sentire sorprendentemente il vento, la terra riscaldata dal sole e persino il gelo: gli artisti francesi hanno trasmesso così bene la ricchezza del colore naturale. Questo movimento fu l'ultimo grande movimento del diciannovesimo secolo.
Artisti impressionisti francesi. Claude Monet
Ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'impressionismo nella pittura. è il creatore famoso dipinto"Impressione. Alba". Oltre a questo capolavoro, l'artista ne ha creati numerosi niente meno opere famose: “Donne nel giardino” (dove ha raffigurato la sua amata Camille), “Vista dalla chiesa di Saint-Germain”, “Argine del Louvre”. I dipinti di questo grande pittore sono presentati in molti musei di tutto il mondo (a Parigi, New York, Chicago, Boston, Mosca e San Pietroburgo).
Edouard Manet
Il suo primo lavoro significativo Viene preso in considerazione il dipinto “L’amante dell’assenzio”. Estremamente apprezzato è anche il capolavoro “Bathing”, esposto nel Salon of Rejects, dove sono esposte le opere che non sono state accettate dalla commissione ufficiale. è autore di numerosi dipinti, tra cui “Ritratto di genitori”, “Colazione sull'erba”, “Olympia”, “Balcone”.
Augusto Renoir
Molti artisti francesi che dipingevano in stile impressionista cercavano di trasmettere una percezione allegra della realtà. Questa tendenza è particolarmente pronunciata nell'opera di Renoir. Per i suoi dipinti ha scelto volti giovani e freschi e pose naturali rilassate. Le sue opere più famose "Ball in the Garden" e "Umbrellas".
Impressionismo in chiave moderna
Oggi, le idee principali di questa tendenza un tempo popolare rimangono rilevanti. Gli artisti francesi contemporanei continuano a sviluppare questo stile nelle loro opere. Dopotutto, finché una persona avrà il bisogno di godersi tutto ciò che lo circonda, l'impressionismo, con i suoi colori vivaci e le immagini impressionanti, continuerà ad esistere.
La scuola d'arte francese a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo può essere definita la principale scuola europea; fu in Francia a quel tempo che nacquero stili artistici come il rococò, il romanticismo, il classicismo, il realismo, l'impressionismo e il postimpressionismo.
Rococò (Rococò francese, da rocaille - motivo decorativo a forma di conchiglia) - uno stile nell'arte europea della prima metà del XVIII secolo. Il rococò è caratterizzato dall'edonismo, dal ritiro nel mondo del gioco teatrale idilliaco e da una predilezione per i soggetti pastorali e sensuali-erotici. Il carattere dell'arredamento rococò ha acquisito forme decisamente eleganti e sofisticate.François Boucher, Antoine Watteau e Jean Honoré Fragonard lavorarono in stile rococò.
Classicismo - uno stile nell'arte europea del XVII - inizio XIX secolo, la cui caratteristica era un appello alle forme dell'arte antica come standard estetico ed etico ideale.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres e Jacques-Louis David hanno lavorato nello stile del classicismo.
Romanticismo - stile Arte europea nei secoli XVIII-XIX, caratteristiche peculiari che era un'affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, una rappresentazione di passioni e caratteri forti e spesso ribelli.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault e William Blake hanno lavorato nello stile del romanticismo.
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Edouard Manet. Colazione in officina. 1868 |
La nascita del realismo nella pittura è spesso associata al lavoro dell'artista francese Gustave Courbet, che inaugurò la sua mostra personale "Padiglione del realismo" a Parigi nel 1855, sebbene anche prima di lui artisti della scuola di Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet e Jules Breton hanno lavorato in modo realistico. Negli anni '70 dell'Ottocento. il realismo era diviso in due direzioni principali: naturalismo e impressionismo.
La pittura realistica è diventata diffusa in tutto il mondo. Gli Itineranti lavorarono nello stile del realismo con un forte orientamento sociale nella Russia del XIX secolo.
Impressionismo (dall'impressione francese - impressione) - uno stile nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo, la cui caratteristica era il desiderio di catturare il più naturale mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere le tue fugaci impressioni. L'impressionismo non sollevava questioni filosofiche, ma si concentrava sulla fluidità del momento, dell'atmosfera e dell'illuminazione. I soggetti degli impressionisti diventano la vita stessa, come una serie di piccole vacanze, feste, piacevoli picnic nella natura in un ambiente amichevole. Gli impressionisti furono tra i primi a dipingere en plein air, senza terminare il lavoro in studio.Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley e altri hanno lavorato nello stile dell'impressionismo.
Post impressionismo è uno stile artistico emerso alla fine del XIX secolo. I postimpressionisti cercavano di trasmettere liberamente e in generale la materialità del mondo, ricorrendo alla stilizzazione decorativa.Il postimpressionismo ha dato origine a movimenti artistici come l’espressionismo, il simbolismo e il modernismo.
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne e Toulouse-Lautrec hanno lavorato in stile postimpressionista.
Diamo uno sguardo più da vicino all'impressionismo e al postimpressionismo usando l'esempio del lavoro di singoli maestri francesi nel XIX secolo.
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Edgar Degas. Auto ritratto. 1854-1855 |
A partire da dipinti storici e ritratti dalla composizione rigorosa, negli anni '70 dell'Ottocento Degas si avvicinò ai rappresentanti dell'impressionismo e si dedicò alla rappresentazione della vita cittadina moderna: strade, caffè, spettacoli teatrali.
Nei dipinti di Degas, una composizione dinamica, spesso asimmetrica, un disegno flessibile e preciso, angoli inaspettati e un'interazione attiva tra figura e spazio sono attentamente pensati e verificati.
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E. Degas. Bagno. 1885 |
La tecnica pastello preferita ha permesso a Edgar Degas di dimostrare pienamente il suo talento di disegnatore. Toni ricchi e tratti “scintillanti” di pastello hanno aiutato l'artista a creare quella speciale atmosfera colorata, quell'ariosità iridescente che contraddistingue così tutte le sue opere.
Nei suoi anni maturi, Degas si rivolse spesso al tema del balletto. Figure fragili e senza peso di ballerine appaiono davanti allo spettatore nel crepuscolo delle lezioni di danza, o sotto i riflettori sul palco, o in brevi minuti di riposo. L'apparente casualità della composizione e la posizione imparziale dell'autore creano l'impressione di spiare la vita di qualcun altro; l'artista ci mostra un mondo di grazia e bellezza, senza cadere in un eccessivo sentimentalismo.Edgar Degas può essere definito un colorista sottile; i suoi pastelli sono sorprendentemente armoniosi, a volte delicati e leggeri, a volte costruiti su linee taglienti contrasti di colore. Lo stile di Degas era notevole per la sua sorprendente libertà; applicava i pastelli con tratti audaci e spezzati, a volte lasciando trasparire il tono della carta attraverso il pastello o aggiungendo tratti ad olio o acquerello. Il colore nei dipinti di Degas nasce da uno splendore iridescente, da un flusso fluente di linee arcobaleno che danno vita alla forma.
Le ultime opere di Degas si distinguono per l'intensità e la ricchezza del colore, che sono completate dagli effetti dell'illuminazione artificiale, delle forme ingrandite, quasi piatte e dello spazio angusto, conferendo loro un carattere intensamente drammatico. In ciò
periodo Degas ne scrisse uno dei suoi i migliori lavori- "Ballerini blu". L'artista lavora qui con ampie macchie di colore, dando primaria importanza all'organizzazione decorativa della superficie del dipinto. In termini di bellezza dell’armonia dei colori e del design compositivo, si può considerare il dipinto “Blue Dancers”. migliore incarnazione temi del balletto di Degas, che ha raggiunto in questo dipinto la massima ricchezza di texture e combinazioni di colori.|
P. O. Renoir. Auto ritratto. 1875 |
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P. O. Renoir. Piscina per bambini. 1869 |
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P. O. Renoir. Ritratto dell'attrice Zhanna Samari. 1877 |
Va notato che l’uso dei toni del verde, del giallo, dell’ocra, del rosa e del rosso per rappresentare la pelle sconvolse il pubblico di quel tempo, impreparato a percepire il fatto che le ombre dovrebbero essere colorate, piene di luce.
Negli anni Ottanta dell’Ottocento, nell’opera di Renoir, iniziò il cosiddetto “periodo Ingres”. Maggior parte opera famosa questo periodo - " Grandi bagnanti" Per costruire una composizione, Renoir iniziò per la prima volta a utilizzare schizzi e schizzi, le linee del disegno divennero chiare e definite, i colori persero la loro precedente luminosità e saturazione, il dipinto nel suo insieme cominciò a sembrare più sobrio e freddo.
All'inizio degli anni Novanta dell'Ottocento si verificarono nuovi cambiamenti nell'arte di Renoir. In maniera pittorica appare un'iridescenza di colore, motivo per cui questo periodo viene talvolta chiamato “perla”, poi questo periodo lascia il posto al “rosso”, così chiamato per la preferenza per le sfumature dei colori rossastri e rosa.
Eugène Henri Paul Gauguin (vita 1848-1903) - Pittore, scultore e grafico francese. Insieme a Cézanne e Van Gogh, fu il più grande rappresentante del postimpressionismo. Ha iniziato a dipingere in età adulta; il suo primo periodo di creatività è associato all'impressionismo. Le migliori opere di Gauguin furono scritte nelle isole di Tahiti e Hiva Oa in Oceania, dove Gauguin lasciò la "civiltà feroce". I tratti caratteristici dello stile di Gauguin includono la creazione su grandi tele piatte di composizioni cromatiche statiche e contrastanti, profondamente emotive e allo stesso tempo decorative.Nel dipinto “Cristo giallo”, Gauguin ha raffigurato la crocifissione sullo sfondo di un tipico paesaggio rurale francese, Gesù sofferente è circondato da tre contadine bretoni. La pace nell'aria, le pose calme e sottomesse delle donne, il paesaggio saturo di colore giallo solare con alberi dal rosso fogliame autunnale, il contadino impegnato nei suoi affari in lontananza, non possono che entrare in conflitto con ciò che sta accadendo sulla croce. L'ambiente è in netto contrasto con Gesù, il cui volto mostra quello stadio di sofferenza che sconfina nell'apatia, nell'indifferenza verso tutto ciò che lo circonda. La contraddizione tra i tormenti sconfinati accettati da Cristo e la "inosservatezza" di questo sacrificio da parte delle persone - questo è argomento principale quest'opera di Gauguin.
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P. Gauguin. Sei geloso? 1892 |
sulla riva, due sorelle - hanno appena nuotato, e ora i loro corpi sono distesi sulla sabbia in pose casuali e voluttuose - parlando d'amore, un ricordo provoca discordia: “Come? Sei geloso!".
Dipingendo la lussureggiante bellezza pura della natura tropicale, gente naturale incontaminata dalla civiltà, Gauguin ha raffigurato il sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura. I dipinti polinesiani di Gauguin assomigliano a pannelli nel colore decorativo, nella piattezza e nella monumentalità della composizione e nella generalità del disegno stilizzato.
P. Gauguin. Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando? 1897-1898
Il dipinto “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" Gauguin lo considerava il sublime culmine delle sue riflessioni. Secondo il progetto dell’artista, il dipinto va letto da destra a sinistra: tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Il gruppo di donne con bambino sul lato destro del quadro rappresenta l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo di estrema sinistra, Gauguin raffigurava la vecchiaia umana, avvicinandosi alla morte; l'idolo blu sullo sfondo simboleggia l'altro mondo. Questo dipinto è l'apice dell'innovativo stile postimpressionista di Gauguin; il suo stile combinava un chiaro uso dei colori, colori decorativi e composizione, piattezza e monumentalità dell'immagine con espressività emotiva.
L'opera di Gauguin anticipò molte caratteristiche dello stile Art Nouveau che stava emergendo in questo periodo e influenzò lo sviluppo dei maestri del gruppo “Nabi” e di altri pittori dell'inizio del XX secolo.
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V. Van Gogh. Auto ritratto. 1889 |
Nel 1888 Van Gogh si trasferì ad Arles, dove la sua originalità fu finalmente determinata. modo creativo. Il temperamento artistico focoso, un doloroso impulso verso l'armonia, la bellezza e la felicità e, allo stesso tempo, la paura delle forze ostili all'uomo, si incarnano sia nei paesaggi splendenti dei colori solari del sud (“La casa gialla”, “La vendemmia”. La Croe Valley”), o in inquietante, che ricorda un incubo di immagini (“ Terrazza notturna bar"); dinamica del colore e della pennellata
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V. Van Gogh. Terrazza del bar notturno. 1888 |
L'intenso lavoro di Van Gogh negli ultimi anni fu accompagnato da attacchi di malattie mentali, che lo portarono al manicomio di Arles, poi a Saint-Rémy (1889–1890) e ad Auvers-sur-Oise (1890), dove si suicidò. . Creatività di due anni recenti La vita dell'artista è caratterizzata da un'ossessione estatica, un'espressione estremamente accentuata di combinazioni di colori, improvvisi cambiamenti di umore - dalla disperazione frenetica e cupo visionario ("Strada con cipressi e stelle") a un tremulo sentimento di illuminazione e pace ("Paesaggio ad Auvers dopo la pioggia").
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V. Van Gogh. Iris. 1889 |
V. Van Gogh. Campo di grano con corvi. 1890
“Campo di grano con corvi” è un dipinto di Van Gogh, dipinto dall'artista nel luglio 1890 ed è una delle sue opere più famose. Si suppone che il dipinto sia stato completato il 10 luglio 1890, 19 giorni prima della sua morte ad Auvers-sur-Oise. Esiste una versione secondo cui Van Gogh si suicidò mentre dipingeva questo dipinto (uscendo all'aria aperta con materiali per dipingere, si sparò nella zona del cuore con una pistola acquistata per spaventare stormi di uccelli, poi raggiunse autonomamente il ospedale, dove morì per la perdita di sangue).
"Giocatori di carte"
Autore
Paolo Cézanne
Un paese Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile post impressionismo
L'artista è nato nel sud della Francia, nella piccola città di Aix-en-Provence, ma ha iniziato a dipingere a Parigi. Vero successoè arrivato a lui dopo una mostra personale organizzata dal collezionista Ambroise Vollard. Nel 1886, 20 anni prima della sua partenza, si trasferì in periferia città natale. I giovani artisti chiamavano i suoi viaggi “un pellegrinaggio ad Aix”.
130x97 centimetri
1895
prezzo
$ 250 milioni
venduto nel 2012
all'asta privata
Il lavoro di Cézanne è facile da capire. L'unica regola dell'artista era il trasferimento diretto di un oggetto o di una trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non causano sconcerto nello spettatore. Cezanne ha combinato nella sua arte due principali Tradizioni francesi: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di trame colorate, ha dato alla forma degli oggetti una straordinaria plasticità.
La serie di cinque dipinti “Giocatori di carte” fu dipinta nel 1890–1895. La loro trama è la stessa: molte persone giocano con entusiasmo al poker. Le opere differiscono solo per il numero dei giocatori e per la dimensione della tela.
Quattro dipinti sono conservati in musei in Europa e in America (Museo d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e il quinto, fino a poco tempo fa, era un ornamento della collezione privata dell'armatore miliardario greco Georg Embirikos. Poco prima di morire, nell'inverno del 2011, decise di metterlo in vendita. I potenziali acquirenti dell’opera “gratuita” di Cezanne erano il mercante d’arte William Acquavella e il gallerista di fama mondiale Larry Gagosian, che offrirono circa 220 milioni di dollari per essa. Di conseguenza, l'immagine è andata a famiglia reale allo stato arabo del Qatar per 250 milioni.Il più grande affare d'arte nella storia della pittura è stato concluso nel febbraio 2012. Lo ha riferito la giornalista Alexandra Pierce su Vanity Fair. Ha scoperto il costo del dipinto e il nome del nuovo proprietario, quindi l'informazione è penetrata nei media di tutto il mondo.
Il Museo Arabo è stato inaugurato in Qatar nel 2010. arte contemporanea e Museo Nazionale del Qatar. Ora le loro collezioni stanno crescendo. Forse la quinta versione di The Card Players fu acquistata dallo sceicco per questo scopo.
Piùdipinto costosonel mondo
Proprietario
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani
La dinastia al-Thani governa il Qatar da oltre 130 anni. Circa mezzo secolo fa qui furono scoperte enormi riserve di petrolio e gas, che resero immediatamente il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi, questo piccolo paese ha il più grande PIL pro capite. Lo sceicco Hamad bin Khalifa al-Thani prese il potere nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei familiari. Il merito dell'attuale sovrano, secondo gli esperti, sta nella chiara strategia per lo sviluppo del Paese e nella creazione di un'immagine di successo dello Stato. Il Qatar ora ha una costituzione e un primo ministro e le donne hanno il diritto di voto. elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'emiro del Qatar a fondare il canale di notizie Al-Jazeera. Le autorità dello stato arabo prestano grande attenzione alla cultura.
2
"Numero 5"
Autore
Jackson Pollock
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile espressionismo astratto
Jack the Sprinkler - questo era il soprannome dato a Pollock dal pubblico americano per la sua particolare tecnica pittorica. L'artista ha abbandonato pennello e cavalletto e ha versato la vernice sulla superficie della tela o del pannello di fibra durante un movimento continuo attorno e all'interno di essi. CON nei primi anni amava la filosofia di Jiddu Krishnamurti, il cui messaggio principale è che la verità viene rivelata durante una libera “effusione”.
122x244 centimetri
1948
prezzo
$ 140 milioni
venduto nel 2006
all'asta Sotheby's
Il valore del lavoro di Pollock non sta nel risultato, ma nel processo. Non è un caso che l’autore chiami la sua arte “action painting”. Con lui mano leggeraè diventata la più grande risorsa dell'America. Jackson Pollock ha mescolato la vernice con sabbia e vetri rotti e ha dipinto con un pezzo di cartone, una spatola, un coltello e una paletta. L'artista era così popolare che negli anni '50 furono trovati imitatori anche in URSS. Il dipinto “Numero 5” è riconosciuto come uno dei più strani e costosi al mondo. Uno dei fondatori della DreamWorks, David Geffen, lo acquistò per una collezione privata e nel 2006 lo vendette all'asta di Sotheby's per 140 milioni di dollari al collezionista messicano David Martinez. Tuttavia, lo studio legale ha presto emesso un comunicato stampa per conto del suo cliente, affermando che David Martinez non era il proprietario del dipinto. Solo una cosa è certa: il finanziere messicano c’è davvero Ultimamente raccolte di opere d'arte moderna. Difficilmente si sarebbe perso un “pesce grosso” come “Numero 5” di Pollock.
3
"Donna III"
Autore
Willem de Kooning
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile espressionismo astratto
Originario dei Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948 ebbe luogo la mostra personale dell’artista. I critici d'arte apprezzarono le complesse e nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore un grande artista modernista. Ha sofferto di alcolismo per gran parte della sua vita, ma la gioia di creare nuova arte si avverte in ogni opera. De Kooning si distingue per l'impulsività della sua pittura e per i tratti ampi, motivo per cui a volte l'immagine non rientra nei confini della tela.
121x171cm
1953
prezzo
$ 137 milioni
venduto nel 2006
all'asta privata
Negli anni ’50, nei dipinti di de Kooning apparvero donne con gli occhi vuoti, il seno massiccio e i lineamenti brutti. "Donna III" divenne ultimo lavoro di questa serie che partecipa all'asta.
Dagli anni '70, il dipinto era conservato nel Museo d'Arte Moderna di Teheran, ma dopo l'introduzione di rigide regole morali nel paese, hanno cercato di liberarsene. Nel 1994, l’opera fu esportata dall’Iran e 12 anni dopo il suo proprietario David Geffen (lo stesso produttore che vendette “Number 5” di Jackson Pollock) vendette il dipinto al milionario Steven Cohen per 137,5 milioni di dollari. È interessante notare che in un anno Geffen iniziò a svendere la sua collezione di dipinti. Ciò ha dato origine a molte voci: ad esempio, che il produttore abbia deciso di acquistare il quotidiano Los Angeles Times.
In uno dei forum d'arte è stata espressa un'opinione sulla somiglianza di “Donna III” con il dipinto “Dama con l'ermellino” di Leonardo da Vinci. Dietro il sorriso a trentadue denti e la figura informe dell'eroina, l'intenditore della pittura vedeva la grazia di una persona di sangue reale. Ciò è evidenziato anche dalla corona mal disegnata che corona la testa della donna.
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"Ritratto di AdeleBloch-Bauer I"
Autore
Gustav Klimt
Un paese Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile moderno
Gustav Klimt nacque nella famiglia di un incisore ed era il secondo di sette figli. I tre figli di Ernest Klimt divennero artisti, ma solo Gustav divenne famoso in tutto il mondo. Ha trascorso gran parte della sua infanzia in povertà. Dopo la morte del padre, divenne responsabile dell'intera famiglia. Fu in questo periodo che Klimt sviluppò il suo stile. Qualsiasi spettatore si blocca davanti ai suoi dipinti: il franco erotismo è chiaramente visibile sotto i sottili tratti d'oro.
138x136cm
1907
prezzo
$ 135 milioni
venduto nel 2006
all'asta Sotheby's
Il destino del dipinto, che si chiama " Mona austriaca Lisa”, potrebbe facilmente diventare la base per un bestseller. Il lavoro dell’artista ha causato un conflitto tra un intero stato e una signora anziana.
Quindi, il “Ritratto di Adele Bloch-Bauer I” raffigura un’aristocratica, la moglie di Ferdinand Bloch. Il suo ultimo desiderio era donare il dipinto alla Galleria di Stato austriaca. Tuttavia Bloch annullò la donazione nel suo testamento e i nazisti espropriarono il dipinto. Successivamente la galleria ha avuto difficoltà ad acquistare " Adele d'oro“, ma poi apparve un'ereditiera: Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.
Nel 2005 è iniziato il processo di alto profilo "Maria Altmann contro la Repubblica d'Austria", a seguito del quale il film "è partito" con lei per Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: si sono svolte trattative sui prestiti, la popolazione ha donato denaro per acquistare il ritratto. Il bene non ha mai sconfitto il male: Altman ha alzato il prezzo a 300 milioni di dollari. Al momento del procedimento aveva 79 anni ed è passata alla storia come la persona che ha cambiato il testamento di Bloch-Bauer a favore degli interessi personali. Il dipinto fu acquistato da Ronald Lauder, proprietario della New Gallery di New York, dove si trova ancora oggi. Non per l'Austria, per lui Altman ha ridotto il prezzo a 135 milioni di dollari.
5
"Grido"
Autore
Edvard Munch
Un paese Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo
Il primo dipinto di Munch, divenuto famoso in tutto il mondo, “La ragazza malata” (ne esistono cinque copie) è dedicato alla sorella dell’artista, morta di tubercolosi all’età di 15 anni. Munch è sempre stato interessato al tema della morte e della solitudine. In Germania la sua pittura pesante e maniacale provocò addirittura uno scandalo. Tuttavia, nonostante i soggetti depressivi, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi "Scream" per esempio.
73,5x91 cm
1895
prezzo
$ 119,992 milioni
venduto 2012
all'asta Sotheby's
Il titolo completo del dipinto è Der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco come “il grido della natura”). Il volto di un essere umano o di un alieno esprime disperazione e panico, le stesse emozioni che lo spettatore prova guardando l'immagine. Uno di opere chiave l'espressionismo mette in guardia da temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una versione, l'artista lo ha creato sotto l'influenza di un disturbo mentale di cui ha sofferto per tutta la vita.
Il dipinto è stato rubato due volte diversi musei, ma è stata restituita. Leggermente danneggiato dopo il furto, L'Urlo è stato restaurato ed è stato nuovamente esposto al Museo Munch nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, l'opera è diventata una fonte di ispirazione: Andy Warhol ne ha creato una serie di copie stampate e la maschera del film "Scream" è stata realizzata a immagine e somiglianza dell'eroe del film.
Per un soggetto, Munch ha scritto quattro versioni dell'opera: quella che si trova in una collezione privata è realizzata a pastello. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non si è pentito di “Scream” importo record. Fondatore di Apollo Advisors, L.P. e i Consulenti Lions, L.P. noto per il suo amore per l'arte. Black è un mecenate del Dartmouth College, del Museum of Modern Art, del Lincoln Art Center e del Metropolitan Museum of Art. Lui ha collezione più grande dipinti di artisti contemporanei e di maestri classici dei secoli passati.
6
"Nudo sullo sfondo di un busto e foglie verdi"
Autore
Pablo Picasso
Un paese Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo
È spagnolo di origine, ma per spirito e luogo di residenza è un vero francese. Picasso aprì il suo studio d'arte a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi andò a Parigi e trascorse maggior parte vita. Ecco perché il suo cognome ha il doppio accento. Lo stile inventato da Picasso si basa sulla negazione dell'idea che un oggetto raffigurato su tela possa essere visto solo da un'angolazione.
130x162 centimetri
1932
prezzo
$ 106,482 milioni
venduto nel 2010
all'asta Christie's
Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato la ballerina Olga Khokhlova, che presto divenne sua moglie. Ha posto fine al vagabondaggio e si è trasferito con lei in un lussuoso appartamento. A quel punto, il riconoscimento aveva trovato l'eroe, ma il matrimonio era stato distrutto. Una delle più quadri costosi il mondo è stato creato quasi per caso - da Grande amore, che, come sempre con Picasso, fu di breve durata. Nel 1927 si interessò alla giovane Marie-Therese Walter (lei aveva 17 anni, lui 45). Segretamente da sua moglie, partì con la sua amante in una città vicino a Parigi, dove dipinse un ritratto, raffigurante Maria Teresa nell'immagine di Dafne. La tela fu acquistata dal commerciante di New York Paul Rosenberg e nel 1951 la vendette a Sidney F. Brody. I Brody mostrarono il dipinto al mondo solo una volta e solo perché l'artista aveva compiuto 80 anni. Dopo la morte del marito, la signora Brody ha messo l'opera all'asta da Christie's nel marzo 2010. Nel corso di sessant’anni, il prezzo è aumentato più di 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto lo acquistò per 106,5 milioni di dollari. Nel 2011, in Gran Bretagna si è svolta una "mostra di un dipinto", dove è stato pubblicato per la seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.
7
"Otto Elvis"
Autore
Andy Warhole
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art
"Il sesso e le feste lo sono gli unici posti dove devi apparire di persona", ha detto l'artista cult della pop art, regista, uno dei fondatori della rivista Interview, il designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Harper's Bazaar, ha disegnato copertine di dischi e disegnato scarpe per l'azienda I.Miller. Negli anni '60 apparvero dipinti raffiguranti simboli dell'America: zuppa Campbell e Coca-Cola, Presley e Monroe, che lo resero una leggenda.
358x208cm
1963
prezzo
$ 100 milioni
venduto nel 2008
all'asta privata
Gli anni '60 di Warhol erano il nome dato all'era della pop art in America. Nel 1962 lavora a Manhattan presso lo studio Factory, dove si riuniscono tutti i bohémien di New York. I suoi rappresentanti di spicco: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e altri personaggi famosi nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha testato la tecnica della serigrafia: ripetizione ripetuta di un'immagine. Ha utilizzato questo metodo anche durante la creazione di “The Eight Elvises”: allo spettatore sembra di vedere le riprese di un film in cui la star prende vita. Qui c'è tutto ciò che l'artista ha amato così tanto: un'immagine pubblica vantaggiosa per tutti, il colore argento e una premonizione di morte come messaggio principale.
Ci sono due galleristi d'arte che promuovono oggi il lavoro di Warhol sul mercato mondiale: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. Il primo ha speso 200 milioni di dollari nel 2008 per acquisire più di 15 opere di Warhol. Il secondo compra e vende i suoi quadri come cartoline di Natale, solo a un prezzo più alto. Ma non furono loro, bensì il modesto consulente d’arte francese Philippe Segalot ad aiutare l’intenditore d’arte romano Annibale Berlinghieri a vendere “Otto Elvis” a un acquirente sconosciuto per una cifra record per Warhol: 100 milioni di dollari.
8
"Arancia,Rosso Giallo"
Autore
Marco Rothko
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile espressionismo astratto
Uno dei creatori della pittura a colori è nato a Dvinsk, in Russia (ora Daugavpils, in Lettonia), in una numerosa famiglia di farmacista ebreo. Nel 1911 emigrarono negli Stati Uniti. Rothko studiò al dipartimento d'arte dell'Università di Yale e vinse una borsa di studio, ma i sentimenti antisemiti lo costrinsero a lasciare gli studi. Nonostante tutto, i critici d'arte idolatrarono l'artista e i musei lo perseguitarono per tutta la vita.
206x236cm
1961
prezzo
$ 86,882 milioni
venduto nel 2012
all'asta Christie's
Primo esperienze artistiche I dipinti di Rothko erano di orientamento surrealista, ma col tempo semplificò la trama in macchie di colore, privandole di ogni oggettività. All’inizio avevano sfumature brillanti, e negli anni ’60 divennero marroni e viola, fino a diventare neri al momento della morte dell’artista. Mark Rothko ha messo in guardia dal cercare qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore ha voluto dire esattamente quello che ha detto: solo colore che si dissolve nell'aria, e niente più. Consigliava di osservare le opere da una distanza di 45 cm, in modo che lo spettatore venisse “attirato” nel colore, come in un imbuto. Fai attenzione: la visione secondo tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè la consapevolezza dell'infinito, la completa immersione in se stessi, il rilassamento e la purificazione arrivano gradualmente. Il colore nei suoi dipinti vive, respira e ha un forte impatto emotivo (si dice, a volte curativo). L’artista ha dichiarato: “Lo spettatore dovrebbe piangere mentre li guarda”, e casi del genere sono realmente accaduti. Secondo la teoria di Rothko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale vissuta da lui mentre lavorava al dipinto. Se tu potessi capirlo così livello sottile, allora non ti sorprenderà che i critici spesso paragonino queste opere d’arte astratta alle icone.
L’opera “Orange, Red, Yellow” esprime l’essenza della pittura di Mark Rothko. Il suo prezzo iniziale all’asta di Christie’s a New York è di 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo doppio rispetto a quello stimato. Il nome del fortunato proprietario del dipinto, come spesso accade, non viene reso noto.
9
"Trittico"
Autore
Francesco Bacone
Un paese
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo
Le avventure di Francis Bacon, omonimo assoluto e anche lontano discendente del grande filosofo, iniziarono quando suo padre lo rinnegò, incapace di accettare le inclinazioni omosessuali del figlio. Bacon andò prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce si confusero in tutta Europa. Durante la sua vita, le sue opere furono esposte in importanti mostre centri culturali mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.
147,5x198 cm (ciascuno)
1976
prezzo
$ 86,2 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's
I musei prestigiosi cercavano di possedere i dipinti di Bacon, ma il pubblico inglese non aveva fretta di sborsare per tale arte. Il leggendario primo ministro britannico Margaret Thatcher disse di lui: “L’uomo che dipinge questi quadri terrificanti”.
L'artista stesso considerava il dopoguerra il periodo di inizio del suo lavoro. Di ritorno dal servizio, riprese a dipingere e creò importanti capolavori. Prima della partecipazione a “Trittico, 1976”, l’opera più costosa di Bacon era “Studio per un ritratto di papa Innocenzo X” (52,7 milioni di dollari). In “Trittico, 1976” l'artista ha raffigurato trama mitica persecuzione di Oreste da parte delle Furie. Naturalmente Oreste è lo stesso Bacone e le Furie sono il suo tormento. Per più di 30 anni il dipinto è stato in una collezione privata e non ha partecipato a mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta il costo. Ma cosa sono pochi milioni per un intenditore d'arte, per di più generoso? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, nella quale è stato significativamente influenzato dalla sua amica Dasha Zhukova, che è diventata una gallerista alla moda nella Russia moderna. Secondo dati non ufficiali, l'uomo d'affari possiede personalmente opere di Alberto Giacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a 100 milioni di dollari. Nel 2008 diventa proprietario del Trittico. A proposito, nel 2011 è stata acquisita un'altra preziosa opera di Bacon: "Tre schizzi per un ritratto di Lucian Freud". Fonti nascoste dicono che Roman Arkadyevich divenne di nuovo l'acquirente.
10
"Laghetto con ninfee"
Autore
Claude Monet
Un paese Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo
L’artista è riconosciuto come il fondatore dell’impressionismo, che ha “brevettato” questo metodo nei suoi dipinti. La prima opera significativa fu il dipinto “Colazione sull’erba” ( versione originale opere di Edouard Manet). Da giovane disegnava caricature e si dedicava alla pittura vera e propria durante i suoi viaggi lungo la costa e oltre all'aperto. A Parigi condusse uno stile di vita bohémien e non lo abbandonò nemmeno dopo aver prestato servizio nell'esercito.
210x100cm
1919
prezzo
$ 80,5 milioni
venduto nel 2008
all'asta Christie's
Oltre ad essere un grande artista, Monet era anche appassionato di giardinaggio e amava molto animali selvatici e fiori. Nei suoi paesaggi lo stato della natura è momentaneo, gli oggetti sembrano sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è rafforzata da grandi tratti; da una certa distanza diventano invisibili e si fondono in un'immagine strutturata e tridimensionale. Nei dipinti del defunto Monet, il tema dell'acqua e della vita in essa occupa un posto speciale. Nella città di Giverny, l'artista aveva il suo stagno, dove coltivava ninfee dai semi portati appositamente dal Giappone. Quando i fiori sbocciarono, cominciò a disegnare. La serie “Ninfee” è composta da 60 opere che l'artista ha dipinto nell'arco di quasi 30 anni, fino alla sua morte. La sua vista è peggiorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, del periodo dell'anno e del tempo, l'aspetto dello stagno cambiava costantemente e Monet voleva catturare questi cambiamenti. Attraverso un lavoro attento, è arrivato a comprendere l'essenza della natura. Alcuni dei dipinti della serie sono conservati nelle principali gallerie del mondo: Museo Nazionale Arte occidentale(Tokyo), Orangerie (Parigi). Una versione del successivo "Stagno con ninfee" è andata nelle mani di un acquirente sconosciuto per una cifra record.
11
Falsa stella T
Autore
Jasper Johns
Un paese Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art
Nel 1949, Jones entrò alla scuola di design di New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Kooning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del XX secolo. Nel 2012 ha ricevuto la Medaglia Presidenziale della Libertà, la più alta onorificenza civile degli Stati Uniti.
137,2x170,8 cm
1959
prezzo
$ 80 milioni
venduto nel 2006
all'asta privata
Come Marcel Duchamp, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurandoli su tela e in scultura nel pieno rispetto dell'originale. Per le sue opere ha utilizzato oggetti semplici e comprensibili: una bottiglia di birra, una bandiera o delle carte. Non esiste una composizione chiara nel film False Start. L’artista sembra giocare con lo spettatore, spesso etichettando “erroneamente” i colori nel dipinto, invertendo il concetto stesso di colore: “Volevo trovare un modo per rappresentare il colore in modo che potesse essere determinato con qualche altro metodo”. Il suo dipinto più esplosivo e “incerto”, secondo i critici, è stato acquistato da un acquirente sconosciuto.
12
"Sedutonudosul divano"
Autore
Amedeo Modigliani
Un paese Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo
Modigliani fu spesso malato fin dall'infanzia; durante un delirio febbrile, riconobbe il suo destino di artista. Studiò disegno a Livorno, Firenze, Venezia e nel 1906 andò a Parigi, dove fiorì la sua arte.
65x100cm
1917
prezzo
$ 68,962 milioni
venduto nel 2010
all'asta Sotheby's
Nel 1917 Modigliani incontrò la diciannovenne Jeanne Hébuterne, che divenne la sua modella e poi sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per 31,3 milioni di dollari, l'ultimo record prima della vendita di "Nudo seduto su un divano" nel 2010. Il dipinto è stato acquistato da un acquirente sconosciuto per il prezzo massimo per Modigliani a questo momento prezzo. Le vendite attive di opere sono iniziate solo dopo la morte dell’artista. Morì in povertà, malato di tubercolosi, e il giorno dopo anche Jeanne Hébuterne, incinta di nove mesi, si suicidò.
13
"Aquila su un pino"
Autore
Qi Baishi
Un paese Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile Guohua
L'interesse per la calligrafia ha portato Qi Baishi alla pittura. All'età di 28 anni divenne allievo dell'artista Hu Qingyuan. Il Ministero della Cultura cinese gli ha conferito il titolo di "Grande Artista" persone cinesi", nel 1956 ricevette Premio Internazionale pace.
10×26 cm
1946
prezzo
$ 65,4 milioni
venduto nel 2011
all'asta Guardiano della Cina
Qi Baishi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante a cui molti non attribuiscono importanza, e questa è la sua grandezza. Un uomo senza istruzione divenne un professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso disse di lui: “Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina c’è Qi Baishi”. La composizione “Aquila su un pino” è riconosciuta come l’opera più grande dell’artista. Oltre alla tela, comprende due rotoli di geroglifici. Per la Cina l’importo per l’acquisto dell’opera rappresenta un record: 425,5 milioni di yuan. Il solo rotolo dell'antico calligrafo Huang Tingjian è stato venduto per 436,8 milioni.
14
"1949-A-N. 1"
Autore
Clyfford Ancora
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile espressionismo astratto
All’età di 20 anni visitai il Metropolitan Museum of Art di New York e rimasi deluso. Successivamente si iscrisse a un corso presso la Student Arts League, ma se ne andò 45 minuti dopo l'inizio della lezione: si rivelò "non adatto a lui". La prima mostra personale ha suscitato risonanza, l'artista ha ritrovato se stesso e con essa il riconoscimento
79x93 centimetri
1949
prezzo
$ 61,7 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's
Still lasciò in eredità tutte le sue opere, più di 800 tele e 1.600 opere su carta, ad una città americana dove verrà aperto un museo a lui intitolato. Denver divenne una città del genere, ma la sola costruzione risultò costosa per le autorità e per completarla furono messe all'asta quattro opere. È improbabile che le opere di Still vengano nuovamente messe all'asta, il che ha aumentato il loro prezzo in anticipo. Il dipinto “1949-A-No.1” è stato venduto per una cifra record per l’artista, anche se gli esperti avevano previsto una vendita massima di 25-35 milioni di dollari.
15
"Composizione suprematista"
Autore
Kazimir Malevich
Un paese Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile Suprematismo
Malevich ha studiato pittura a Kiev scuola d'arte, poi all'Accademia delle arti di Mosca. Nel 1913 iniziò a dipingere quadri geometrici astratti in uno stile che chiamò Suprematismo (dal latino “dominanza”).
71x88,5 cm
1916
prezzo
$ 60 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's
Il dipinto è stato conservato nel Museo della Città di Amsterdam per circa 50 anni, ma dopo una disputa durata 17 anni con i parenti di Malevich, il museo lo ha ceduto. L’artista dipinse quest’opera nello stesso anno del “Manifesto del Suprematismo”, quindi Sotheby’s annunciò ancor prima dell’asta che non sarebbe stata venduta per meno di 60 milioni di dollari. collezione privata. E così è successo. È meglio guardarlo dall'alto: le figure sulla tela ricordano una veduta aerea della terra. A proposito, qualche anno prima, gli stessi parenti avevano espropriato un'altra “Composizione suprematista” dal Museo MoMA per venderla all'asta Phillips per 17 milioni di dollari.
16
"Bagnanti"
Autore
Paolo Gauguin
Un paese Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile post impressionismo
Fino all'età di sette anni, l'artista ha vissuto in Perù, poi è tornato in Francia con la famiglia, ma i suoi ricordi d'infanzia lo hanno spinto costantemente a viaggiare. In Francia iniziò a dipingere e divenne amico di Van Gogh. Trascorse anche diversi mesi con lui ad Arles, finché Van Gogh non gli tagliò l'orecchio durante una lite.
93,4x60,4 centimetri
1902
prezzo
$ 55 milioni
venduto nel 2005
all'asta Sotheby's
Nel 1891 Gauguin organizzò una vendita dei suoi dipinti per utilizzare il ricavato per viaggiare nelle profondità dell'isola di Tahiti. Lì ha creato opere in cui ci si sente connessione sottile natura e uomo. Gauguin viveva in una capanna dal tetto di paglia e sulle sue tele sbocciava un paradiso tropicale. Sua moglie era la tahitiana Tehura, 13 anni, il che non ha impedito all'artista di intrattenere relazioni promiscue. Avendo contratto la sifilide, partì per la Francia. Tuttavia, lì era affollato per Gauguin e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato il "secondo tahitiano": fu allora che fu dipinto il dipinto "Bagnanti", uno dei più lussuosi della sua opera.
17
"Narcisi e tovaglia nei toni del blu e del rosa"
Autore
Henri Matisse
Un paese Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fauvismo
Nel 1889 Henri Matisse venne colpito da un attacco di appendicite. Quando si stava riprendendo da un intervento chirurgico, sua madre gli comprò dei colori. All'inizio Matisse copiò cartoline a colori per noia, poi copiò le opere di grandi pittori che vide al Louvre e all'inizio del XX secolo inventò uno stile: il fauvismo.
65,2x81 centimetri
1911
prezzo
$ 46,4 milioni
venduto nel 2009
all'asta Christie's
Il dipinto “Narcisi e tovaglie in blu e rosa” è appartenuto a Yves Saint Laurent per molto tempo. Dopo la morte dello stilista, tutta la sua collezione d'arte passò nelle mani del suo amico e amante Pierre Berger, che decise di metterla all'asta da Christie's. La perla della collezione venduta era il dipinto “Narcisi e una tovaglia nei toni del blu e del rosa”, dipinto su una normale tovaglia invece che su tela. Come esempio di Fauvismo, è pieno dell'energia del colore, i colori sembrano esplodere e urlare. Della famosa serie di dipinti dipinti su tovaglie, oggi quest'opera è l'unica presente in una collezione privata.
18
"Ragazza addormentata"
Autore
RoyLee
htenstein
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art
L'artista è nato a New York e, dopo essersi diplomato, è andato in Ohio, dove ha frequentato corsi d'arte. Nel 1949, Lichtenstein ha conseguito un Master in Belle Arti. Il suo interesse per i fumetti e la sua capacità di usare l'ironia lo hanno reso un artista di culto del secolo scorso.
91x91 cm
1964
prezzo
$ 44,882 milioni
venduto nel 2012
all'asta Sotheby's
Un giorno, la gomma da masticare cadde nelle mani di Lichtenstein. Ha ridisegnato l'immagine dall'inserto su tela ed è diventato famoso. Questa storia tratta dalla sua biografia contiene l'intero messaggio della pop art: il consumo è il nuovo dio e non esiste l'involucro di caramelle di gomma da masticare. meno bellezza che nella Gioconda. I suoi dipinti ricordano fumetti e cartoni animati: Lichtenstein ha semplicemente ingrandito l'immagine finita, ha disegnato raster, ha utilizzato la serigrafia e la serigrafia. Il dipinto “La ragazza addormentata” è appartenuto per quasi 50 anni ai collezionisti Beatrice e Philip Gersh, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.
19
"Vittoria. Boogie Woogie"
Autore
Pie Mondrian
Un paese Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile neoplasticismo
Mio vero nome– Cornelis – l’artista cambiò in Mondrian quando si trasferì a Parigi nel 1912. Insieme all'artista Theo van Doesburg fondò il movimento del Neoplasticismo. Il linguaggio di programmazione Piet prende il nome da Mondrian.
27x127cm
1944
prezzo
$ 40 milioni
venduto nel 1998
all'asta Sotheby's
L'artista più “musicale” del Novecento si guadagnava da vivere con le nature morte acquerellate, anche se divenne famoso come artista neoplastico. Si trasferì negli Stati Uniti negli anni '40 e lì trascorse il resto della sua vita. Il jazz e New York sono ciò che lo ha ispirato di più! Dipinto “Vittoria. Boogie Woogie" - il migliore esempio. I caratteristici quadrati netti sono stati ottenuti utilizzando il nastro adesivo, il materiale preferito di Mondrian. In America fu definito “l’immigrato più famoso”. Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent lanciò abiti “Mondrian” famosi in tutto il mondo con grandi stampe a quadri.
20
"Composizione n. 5"
Autore
BasilicoKandinsky
Un paese Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia
L'artista è nato a Mosca e suo padre era della Siberia. Dopo la rivoluzione ha cercato di collaborare Il potere sovietico, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non erano state create per lui, e non senza difficoltà emigrò in Germania.
275x190 centimetri
1911
prezzo
$ 40 milioni
venduto nel 2007
all'asta Sotheby's
Kandinsky fu uno dei primi ad abbandonare completamente la pittura di oggetti, per la quale ricevette il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti furono classificati come “arte degenerata” e non furono esposti da nessuna parte. Nel 1939 Kandinsky prese la cittadinanza francese e a Parigi partecipò liberamente al processo artistico. I suoi quadri “suonano” come fughe, per questo molti vengono chiamati “composizioni” (il primo è stato scritto nel 1910, l'ultimo nel 1939). “Composizione n. 5” è una delle opere chiave di questo genere: “La parola “composizione” mi suonava come una preghiera”, ha detto l'artista. A differenza di molti dei suoi seguaci, progettò ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se stesse scrivendo degli appunti.
21
"Studio di una donna in blu"
Autore
Fernando Léger
Un paese Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-post-impressionismo
Léger ha ricevuto una formazione in architettura e poi ha frequentato l'Ecole des Beaux-Arts di Parigi. L'artista si considerava un seguace di Cézanne, era un apologista del cubismo e nel XX secolo ebbe successo anche come scultore.
96,5x129,5cm
1912-1913
prezzo
$ 39,2 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's
David Norman, presidente del dipartimento internazionale dell'impressionismo e del modernismo di Sotheby's, ritiene che l'enorme cifra pagata per “The Lady in Blue” sia completamente giustificata. Il dipinto appartiene alla famosa collezione Léger (l'artista ha dipinto tre dipinti sullo stesso soggetto, l'ultimo dei quali è oggi in mani private. - ndr), e la superficie della tela è stata conservata nella sua forma originale. L'autore stesso ha donato quest'opera alla galleria Der Sturm, poi è finita nella collezione di Hermann Lang, collezionista tedesco di modernismo, e ora appartiene ad un acquirente sconosciuto.
22
“Scena di strada. Berlino"
Autore
Ernesto LudovicoKirchner
Un paese Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo
Per Espressionismo tedesco Kirchner è diventato una persona iconica. Tuttavia, le autorità locali lo accusarono di aderire all’“arte degenerata”, che influenzò tragicamente il destino dei suoi dipinti e la vita dell’artista, che si suicidò nel 1938.
95x121cm
1913
prezzo
$ 38,096 milioni
venduto nel 2006
all'asta Christie's
Dopo essersi trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. È stato ispirato dal trambusto e dal nervosismo della grande città. Nel dipinto, venduto nel 2006 a New York, lo stato ansioso dell'artista è particolarmente sentito: le persone in una strada di Berlino assomigliano a uccelli: aggraziate e pericolose. È diventata l'ultima opera da serie famosa, venduti all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937 i nazisti trattarono Kirchner duramente: 639 delle sue opere furono confiscate. gallerie tedesche, distrutti o venduti all'estero. L'artista non potrebbe sopravvivere a questo.
23
"Vacanzesta"ballerino"
Autore
Edgar Degas
Un paese Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo
La storia di Degas come artista inizia con il suo lavoro come copista al Louvre. Sognava di diventare “famoso e sconosciuto” e alla fine ci è riuscito. Alla fine della sua vita, sordo e cieco, l'ottantenne Degas continuò a frequentare mostre e aste.
64x59cm
1879
prezzo
$ 37,043 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's
"Le ballerine sono sempre state per me solo una scusa per rappresentare tessuti e catturare il movimento", ha detto Degas. Scene della vita delle ballerine sembrano essere state spiate: le ragazze non posano per l’artista, ma semplicemente diventano parte dell’atmosfera catturata dallo sguardo di Degas. “Resting Dancer” fu venduto per 28 milioni di dollari nel 1999 e meno di 10 anni dopo fu acquistato per 37 milioni di dollari: oggi è l’opera più costosa dell’artista mai messa all’asta. Molta attenzione Degas prestò attenzione alle montature, le disegnò lui stesso e proibì che venissero modificate. Mi chiedo quale cornice è installata sul dipinto venduto?
24
"Pittura"
Autore
Joan Mirò
Un paese Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta
Durante guerra civile in Spagna l'artista si schierò dalla parte dei repubblicani. Nel 1937 fuggì dal regime fascista a Parigi, dove visse in povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Mirò dipinse il dipinto “Aiuta la Spagna!”, attirando l'attenzione di tutto il mondo sul dominio del fascismo.
89x115 cm
1927
prezzo
$ 36,824 milioni
venduto nel 2012
all'asta Sotheby's
Il secondo titolo del dipinto è “ Stella blu" L'artista lo dipinse nello stesso anno in cui annunciò: “Voglio uccidere la pittura” e derideva senza pietà le tele, graffiando la vernice con i chiodi, incollando piume sulla tela, ricoprendo le opere di spazzatura. Il suo obiettivo era sfatare i miti sul mistero della pittura, ma dopo aver affrontato questo, Miro ha creato il suo mito: l'astrazione surreale. La sua “Pittura” appartiene al ciclo dei “quadri onirici”. All’asta, quattro acquirenti si sono battuti per questo, ma una telefonata in incognito ha risolto la controversia e “Pittura” è diventata il dipinto più costoso dell’artista.
25
"Rosa blu"
Autore
Yves Klein
Un paese Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile pittura monocroma
L'artista è nato in una famiglia di pittori, ma ha studiato lingue orientali, navigazione, il mestiere di doratore di cornici, buddismo Zen e molto altro ancora. La sua personalità e le sue buffonate sfacciate erano molte volte più interessanti dei dipinti monocromi.
153x199x16cm
1960
prezzo
$ 36,779 milioni
venduto nel 2012
all'asta di Christie's
La prima mostra di opere monocromatiche gialle, arancioni e rosa non suscitò interesse del pubblico. Klein si offese e la volta successiva presentò 11 tele identiche, dipinte con blu oltremare mescolato con una speciale resina sintetica. Ha persino brevettato questo metodo. Il colore è passato alla storia come “internazionale”. Colore blu Klein." L’artista vendeva anche il vuoto, creava dipinti esponendo la carta alla pioggia, dando fuoco al cartone, realizzando stampe del corpo di una persona su tela. In una parola, ho sperimentato come meglio potevo. Per creare “Blue Rose” ho utilizzato pigmenti secchi, resine, sassolini e una spugna naturale.
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"Alla ricerca di Mosè"
Autore
Sir Lawrence Alma-Tadema
Un paese Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile neoclassicismo
Lo stesso Sir Lawrence aggiunse al suo cognome il prefisso “alma” per poter essere elencato per primo nei cataloghi d'arte. IN Inghilterra vittoriana i suoi dipinti erano così richiesti che all'artista fu assegnato il cavalierato.
213,4x136,7 cm
1902
prezzo
$ 35,922 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's
Il tema principale del lavoro di Alma-Tadema era l'antichità. Nei dipinti ci ha provato i più piccoli dettagli per rappresentare l'epoca dell'Impero Romano, per questo effettuò anche scavi archeologici sulla penisola appenninica, e nella sua casa londinese riprodusse gli interni storici di quegli anni. Soggetti mitologici divenne per lui un'altra fonte di ispirazione. L'artista era estremamente richiesto durante la sua vita, ma dopo la sua morte fu rapidamente dimenticato. Ora l'interesse sta rinascendo, come dimostra il costo del dipinto “Alla ricerca di Mosè”, che è sette volte superiore alla stima pre-vendita.
27
"Ritratto di funzionario nudo addormentato"
Autore
Luciano Freud
Un paese Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile pittura figurativa
L'artista è il nipote di Sigmund Freud, il padre della psicoanalisi. Dopo l'instaurazione del fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò in Gran Bretagna. Le opere di Freud si trovano al Wallace Collection Museum di Londra, dove nessun artista contemporaneo ha mai esposto in precedenza.
219,1x151,4cm
1995
prezzo
$ 33,6 milioni
venduto nel 2008
all'asta Christie's
Ciao artisti della moda Il XX secolo creò “macchie di colore sul muro” positive e le vendette per milioni; Freud dipinse quadri estremamente naturalistici e li vendette a prezzi ancora più alti. "Catturo le grida dell'anima e la sofferenza della carne che sfiorisce", ha detto. I critici ritengono che tutto ciò sia “l’eredità” di Sigmund Freud. I dipinti furono esposti e venduti così attivamente che gli esperti iniziarono a dubitare: hanno proprietà ipnotiche? Il ritratto di un ufficiale nudo addormentato, venduto all'asta, secondo il Sun, è stato acquistato da un intenditore di bellezza e dal miliardario Roman Abramovich.
28
"Violino e chitarra"
Autore
Xuno Gris
Un paese Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo
Nato a Madrid, dove si è diplomato alla Scuola di Arti e Mestieri. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nella cerchia degli artisti più influenti dell'epoca: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, e lavorò anche con Sergei Diaghilev e la sua troupe.
5x100cm
1913
prezzo
$ 28,642 milioni
venduto nel 2010
all'asta Christie's
Gris, di a parole mie, era impegnato in “un’architettura planare e colorata”. I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato un solo tratto casuale, il che rende la creatività simile alla geometria. L'artista creò la propria versione del cubismo, sebbene rispettasse molto Pablo Picasso, il padre fondatore del movimento. Il successore gli dedicò addirittura la sua prima opera in stile cubista, “Omaggio a Picasso”. Il dipinto “Violino e chitarra” è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell’artista. Durante la sua vita, Gris fu famoso e favorito da critici e critici d'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo e sono conservate in collezioni private.
29
"RitrattoCampi di Eluard"
Autore
Salvador Dalì
Un paese Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo
"Il surrealismo sono io", disse Dalì quando fu espulso dal gruppo surrealista. Nel tempo divenne l'artista surrealista più famoso. Il lavoro di Dalì è ovunque, non solo nelle gallerie. Ad esempio, è stato lui a inventare la confezione di Chupa Chups.
25x33cm
1929
prezzo
$ 20,6 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's
Nel 1929, il poeta Paul Eluard e sua moglie russa Gala vennero a visitare il grande provocatore e attaccabrighe Dalì. L'incontro fu l'inizio di una storia d'amore durata più di mezzo secolo. Durante questa visita storica è stato dipinto il dipinto “Ritratto di Paul Eluard”. "Ho sentito che mi era stata affidata la responsabilità di catturare il volto del poeta, dal cui Olimpo ho rubato una delle muse", ha detto l'artista. Prima di incontrare Gala, era vergine ed era disgustato al pensiero di fare sesso con una donna. Triangolo amoroso esistette fino alla morte di Eluard, dopo di che divenne il duetto Dali-Gala.
30
"Anniversario"
Autore
Marc Chagall
Un paese Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile avanguardia
Moishe Segal nacque a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, cambiò nome e si avvicinò ai principali artisti d'avanguardia dell'epoca. Negli anni '30, durante la presa del potere da parte dei nazisti, partì per gli Stati Uniti con l'aiuto del console americano. Ritornò in Francia solo nel 1948.
80x103cm
1923
prezzo
$ 14,85 milioni
venduto nel 1990
all'asta di Sotheby's
Il dipinto “Anniversario” è riconosciuto come una delle migliori opere dell’artista. Contiene tutte le caratteristiche del suo lavoro: le leggi fisiche del mondo vengono cancellate, il sentimento di una fiaba è preservato nello scenario della vita borghese e l'amore è al centro della trama. Chagall non disegnava le persone dalla vita, ma solo dalla memoria o dall'immaginazione. Il dipinto “Anniversario” raffigura l’artista stesso e sua moglie Bela. Il dipinto è stato venduto nel 1990 e da allora non è più stato messo all'asta. È interessante notare che il MoMA del Museum of Modern Art di New York ospita esattamente lo stesso, solo sotto il nome "Compleanno". A proposito, è stato scritto prima, nel 1915.
preparato il progetto
Tatiana Palasova
la valutazione è stata compilata
secondo l'elenco www.art-spb.ru
rivista tmn n. 13
(maggio-giugno 2013)
Gli artisti francesi sono i più grandi nomi della cultura mondiale. Inoltre, sono stati i maestri francesi a battere tutti i record per i prezzi delle opere d'arte migliori aste. È un peccato che i loro autori abbiano solo ricevuto fama postuma, ma tali sono le vicissitudini del destino di tanti creatori di bellezza.
Artisti di Francia: il fenomeno dell'impressionismo francese
Quindi, i più venduti, e quindi i più famosi e riconosciuti nel mondo, furono gli artisti francesi del XX secolo. Anche quelli completamente inesperti belle arti le persone conoscono i loro nomi. Prima di tutto, questi sono artisti impressionisti. La Francia fu ostile nei loro confronti durante la loro vita, ma dopo la morte divennero un vero orgoglio nazionale.
I più grandi artisti di Francia che hanno ricevuto riconoscimento mondiale, fama e fama in cerchi larghi, - Questo Pierre Renoir, Edouard Manet, Edgar Degas, Paolo Cézanne, Claude Monet E Paolo Gauguin. Tutti loro sono rappresentanti del movimento pittorico più famoso e più venduto del XX secolo: l'impressionismo. Inutile dire che questo movimento ha avuto origine in Francia e rivela pienamente il suo posto e il suo significato nella storia dell'arte mondiale. La straordinaria combinazione di tecnica originale e grande espressività emotiva ha affascinato e continua ad affascinare gli intenditori della bellezza di tutto il mondo nell'impressionismo.
Artisti di Francia: la formazione della pittura francese
Ma gli artisti francesi non si occupano solo di impressionismo. Come altrove in Europa, la pittura fiorì qui durante il Rinascimento. Certo, la Francia non può vantare giganti come Leonardo da Vinci o Raffaello, ma ha comunque dato il suo contributo alla causa comune. Ma Influenze italiane erano troppo forti per formare una scuola nazionale originale.
Il primo grande artista francese che si liberò completamente dalle influenze esterne fu Jacques Louis David, giustamente considerato il fondatore della tradizione pittorica nazionale. Maggior parte famoso dipinto L'artista divenne famoso il ritratto equestre dell'imperatore Napoleone intitolato “Napoleone al passo del San Bernardo” (1801).
Gli artisti francesi del XIX secolo che lavoravano in una direzione realistica sono, ovviamente, meno famosi degli impressionisti, ma hanno comunque dato un contributo tangibile allo sviluppo della pittura mondiale. Ma il XX secolo fu il trionfo dell'arte francese e Parigi divenne il centro delle muse. Zona famosa la capitale francese Montmartre, che ospitò decine di poveri artisti che poi entrarono a far parte del fondo d'oro del patrimonio dell'umanità, tra cui ricordiamo i nomi Renoir, VanGogh, Toulouse-Lautrec, E Picasso E Modigliani, divenne un centro di belle arti e attira ancora folle di turisti. Anche famosi artisti francesi contemporanei vivono tradizionalmente a Montmartre.