Tutti gli oggetti e le figure sono posizionati nello spazio. Anche in disegno semplice Vale la pena comprendere non oggetti completamente diversi, ma tutto ciò che contiene e tutto ciò che vogliamo rappresentare. Vale la pena considerarlo come un flusso di forme e linee, bianco e nero, luce e ombra.
Il disegno dovrebbe essere percepito come uno spazio su carta, dove c'è un piano e le proporzioni di tutti gli oggetti, luce e ombra, che è diretto in base alla forma dell'oggetto.
Forme geometriche di base:
Forme piatte 2D
Figure tridimensionali che hanno volume
Assolutamente tutti gli oggetti si basano su queste cifre.
Un cubo è una figura, la cui base è un'immagine tridimensionale nella relazione spaziale del foglio. Il cubo ha tutti i parametri geometrici, come ad esempio: verticalità, orizzontalità e profondità. Il cubo stesso contiene il concetto del disegno nel suo insieme.
Per iniziare a capire il disegno, lavoreremo con esso. Con l'aiuto di costruzioni figurative e logiche, tu ed io Svilupperemo il pensiero attraverso l'analisi dei moduli. Per una maggiore comprensione e analisi del disegno, sono disponibili diversi esercizi.
Esercizi
Ci sediamo al cavalletto, prendiamo un grande foglio di carta, magari poco costoso, o anche un pezzo di carta da parati (la carta non ha molta importanza in questo esercizio). Disegniamo un quadrato, naturalmente cerchiamo di assicurarci che i suoi lati siano pari e le sue linee siano dritte.
Quindi, vediamo una piazza ordinaria, del tutto priva di interesse e di poca impressione, ma questo è solo al momento...
Creare un cubo da un quadrato usando una matita: tracciare linee dai bordi a circa 45 gradi. Finiamo di disegnare la parte posteriore e... otteniamo un cubo. Ma ancora una volta non vediamo alcuno spazio nel nostro foglio. Puoi confondere liberamente i bordi più vicini e quelli più lontani. Adesso sono solo poche righe su carta.
Per poter sentire lo spazio, dobbiamo dare morbidezza al disegno. Cioè per farci capire dov'è il fronte del disegno e dov'è il retro.
Il lato del cubo più vicino a noi ha bisogno di essere evidenziato, reso più chiaro e trasmesso in modo più attivo. Prendi la matita e disegna con un tono audace sui bordi anteriori. Ora possiamo già vedere dove si trova il lato più vicino e dove è più lontano da noi.
Questo è il modo in cui abbiamo convogliato lo spazio per ottenere il risultato desiderato. Ma non è tutto. Ora è importante trasmettere correttamente la levigatezza per ottenere volume nel disegno.
Presentiamo alla vostra attenzione un breve video tutorial sull'argomento illusioni ottiche.
Se pensi che il disegno di uno stencil sembrerà “piatto”, ti sbagli. Allo stesso modo vi sbagliate se pensate che solo gli artisti siano capaci di dare vita alla pittura con stencil. In questo tutorial ne mostreremo due semplici trucchi aggiungere volume a un disegno realizzato utilizzando uno stencil.
Non elencheremo regole di base Speriamo che tu li abbia già memorizzati. Affinché gli oggetti acquisiscano volume e ombre, devi solo seguire alcuni consigli. Per prima cosa, inizia a dipingere con colori chiari. Ad esempio, se hai una mela e vuoi renderla gialla, prendi prima il colore che sarà sul lato più illuminato. Dipingi l'intero stencil con una tonalità chiara. Non aver paura di commettere errori: quanto segue colori scuri dipingerà sopra la tua tonalità chiara dove non dovrebbe essere. Se la tua mela dovesse avere un forte riflesso del sole, lasciare quest'area completamente non verniciata- bianco.
Puoi limitarti a una vernice Quando inizi a dipingere la mela dai bordi verso il centro, il pennello perderà gradualmente vernice e il colore diventerà sempre più chiaro. Dipingi anche le foglie di giallo, questa tonalità darà loro morbidezza. Se vuoi rendere la figura più voluminosa, o ne hai una molto grande, dopo il primo passaggio puoi aggiungere un po' di nero al colore principale e dipingere nuovamente dai bordi al centro.
Secondo colore può essere tutto quello che vuoi. Nel nostro caso è giallo, con il quale dipingiamo quasi completamente sulle foglie e superiamo un po' le mele.
Terzo colore dovresti prendere quello più scuro. Nel nostro caso, rosso scuro. Usa una tonalità scura per camminare lungo i bordi dello stencil per definire chiaramente i contorni del disegno. Se il pennello è quasi completamente sulla pellicola e solo poche setole entrano nel disegno, il contorno risulterà sottile e delicato. Tieni presente che la maggior parte del colore scuro viene applicato all'esterno dei tuoi oggetti e non all'interno.
E un'ultima cosa. Disegnare molte ripetizioni identiche, non provare a copiare le sfumature precisamente. Ricordatelo con punto artistico "simile" sembra sempre migliore di "uguale"".
Informazioni di base sul design, sulla grafica e sugli accessori
Il disegno è un tipo di grafica. Un'immagine realizzata a mano, a occhio, utilizzando mezzi grafici: linee, tratti, macchie - si chiama disegno. Il disegno è sia una forma indipendente di arte figurativa che la base per la pittura, la scultura, l'incisione, i manifesti, l'artigianato e altre arti. Non solo nelle opere d'arte, ma anche nella maggior parte dei casi tipi diversi giochi di figure di attività umana ruolo importante, gli esempi includono disegni nei libri di testo, vari elementi di progettazione di articoli scientifici, schizzi dettagli tecnici, bozzetti di costumi e bozzetti di dettagli di abbigliamento, unità di lavorazione del prodotto e molto altro.
L'ambito del disegno è vasto, ma è di eccezionale importanza come mezzo di conoscenza e studio della realtà. Sia nel discorso orale e scritto di una persona, sia nei disegni, si riflette il processo di pensiero e comunicazione dell'artista con il mondo.
Qualsiasi oggetto può essere oggetto di un'immagine, ma le persone percepiscono il mondo oggettivo che li circonda in modo diverso. E sebbene ognuno di noi abbia l'opportunità di percepire la diversità della qualità degli oggetti con l'aiuto della visione, la percezione visiva dell'artista è più acuta. Con l'aiuto del disegno, l'artista conosce il mondo esterno, comprende i segreti della sua rappresentazione su un piano e in volume.
Qui considereremo il disegno come un tipo di grafica e come un fenomeno artistico indipendente.
La grafica (dal greco grapho - scrivo, disegno) è un tipo di arte figurativa che comprende il disegno e una gamma molto ampia e diversificata di materiali stampati. opere d'arte. Vediamo grafica ovunque. Illustrazioni in libri, disegni in riviste e giornali, progettazione di imballaggi per prodotti vari, postali e banconote, stemmi, poster e molto altro: tutte queste sono opere di artisti grafici. Rispetto alla pittura, la grafica è più convenzionale e non trasmette tutta la ricchezza di colori e forme dell'ambiente circostante mondo oggettivo, l'artista seleziona ed evidenzia le cose più importanti.
La grafica combina il disegno come area indipendente e le immagini artistiche stampate: xilografia (xilografia), metallo (acquaforte), pietra (litografia), linoleum (linoleografia), cartone e altri tipi basati sull'arte del disegno, ma dotati di strutture proprie espressione artistica.
A differenza delle opere di grafica stampata, che possono essere replicate in molte copie - stampe, il disegno è unico. 
I disegni possono variare nella tecnica e nella natura dell'esecuzione, nello scopo, nei generi e nei temi. Il disegno da cavalletto ha significato indipendente- si tratta di un'opera realizzata con cura, eseguita su cavalletto (macchina dell'artista), su un foglio a parte. Questi possono essere disegni di vari generi: paesaggi, ritratti, nature morte, disegni per la casa e argomenti storici eccetera. A seconda del tempo di esecuzione, i disegni possono essere a lungo o breve termine. A differenza dei lunghi disegni, negli schizzi e negli schizzi l'artista registra rapidamente le sue impressioni su ciò che vede. Nei disegni e negli schizzi preparatori si incarnano artisti, scultori e designer piani iniziali i loro progetti.
Mezzi di espressione artistica nella grafica
Come ogni tipo di arte, il disegno ha un proprio linguaggio figurativo. Linea, tratto, punto, tono, chiaroscuro sono i mezzi di espressività artistica di un disegno. Varie combinazioni di questi strumenti consentono di creare effetti di luce e ombra ed effetti tonali.
Principale mezzi di espressione disegno - linea. Il suo ruolo nel disegno è complesso e responsabile: è indissolubilmente legato all'essenza di ciò che viene raffigurato ed è il risultato comprensione artistica la realtà. La linea dell'artista è diversa dalla linea del disegno. A volte si ispessisce, a volte si assottiglia, a volte si rafforza, a volte si indebolisce e può essere rigido, spigoloso, insicuro e timido (Fig. 1.1). La linea trasmette non solo il carattere dell'oggetto raffigurato, ma anche lo stato emotivo dell'artista stesso.
La tavolozza emotiva della linea è varia. Quanto è plastica ed espressiva la linea nello schizzo di V. Mukhina (Fig. 1.2) e quanto è dinamica nel disegno di L. Spazzapan (Fig. 1.3).
Un tratto è una breve traccia di una penna o di una matita, l'elemento più semplice della tecnica di disegno. Un sistema di tratti trasmette lo spazio, rivela le proprietà volumetrico-plastiche degli oggetti, la loro consistenza e crea effetti espressivi di dinamica, luce e ombra.
Il disegno stupisce con la magia dello spazio e della luce Artista francese J. Seurat (Fig. 1.4), raffigurante un cantante sul palco. È realizzato con una matita, ma non con un normale tratto di matita, ma con un'ombreggiatura morbida e uniforme, creando, per così dire, contorni sfocati e poco chiari di figure e oggetti.
Se il contorno di un disegno lineare viene riempito dall'interno con un colore uniforme, il risultato è una silhouette - una macchia - un'immagine a colori planare. Un punto apparentemente non plastico può rivelare un’infinita varietà di stati. Usando uno spot puoi esprimere non solo la forma, ma anche il carattere del modello e la situazione della trama (Fig. 1.5). Usano magistralmente le macchie nell'arte dei tessuti, che tendono sempre ad essere piatte.
Capacità di lavorare con le macchie - qualità importante per gli artigiani che realizzano disegni su tessuto (Fig. 1.6).
Il motivo a punti potrebbe non essere una silhouette. Per la maggior parte si basa sull'uso di gradazioni di tono, cioè transizioni graduali dal buio alla luce. Il disegno di N. Kupriyanov (Fig. 1.7) è stato realizzato in acquerello nero, ma in questo schizzo c'è poesia e mistero.
Materiali grafici, accessori e requisiti per essi
Molti strumenti e materiali vengono utilizzati per disegnare. La più comune di queste è la matita di grafite. Già gli antichi romani conoscevano la matita, ma solo quella d'argento o di piombo. Nel Medioevo vi furono aggiunti stagno e una lega di stagno e piombo. Tuttavia, tali matite non potrebbero diffondersi. La rivoluzione fu fatta dalla scoperta della grafite nella seconda metà del XVI secolo. in Inghilterra. Ma matite di grafite presentavano degli inconvenienti: si sporcavano e non aderivano bene alla carta. E solo dentro fine XVIII V. Il meccanico francese Gonte, dopo aver mescolato polvere di grafite con argilla nella giusta proporzione, inventò la matita che usiamo ancora oggi.
Le matite di grafite sono disponibili in vari gradi di durezza. Matite domestiche hanno 13 gradi di durezza, quelli più duri sono indicati dalla lettera T (da 1T a 7T), quelli più morbidi dalla lettera M (da 1M a 5M); matite importate: rispettivamente N e V.
Le matite relativamente morbide dei marchi TM, M, 2M - 5M sono le più adatte per il disegno. Possono creare linee di vario spessore e una gamma di gradazioni tonali dal più chiaro al quasi nero, ottenuto mediante ombreggiatura.
Il carboncino è molto utilizzato anche nel disegno perché possiede grandi capacità espressive. Dona un colore nero profondo e vellutato e varie transizioni tonali. Sono soddisfatti schizzi veloci e disegni a lungo termine. Puoi tracciare una linea sottile con il carbone e coprire rapidamente una vasta area con il tono. I disegni a carboncino devono essere fissati con un fissativo speciale.
Il carboncino si sposa bene con altri materiali: sanguigna, gesso, pastelli, matite colorate e una speciale matita a carboncino "Ritocco".
Disegnare con una penna sviluppa bene la mano e l'occhio. Le piume vengono utilizzate per disegnare con coloranti liquidi: inchiostro, inchiostro, macchia, acquerello. La penna è conosciuta da molto tempo come strumento dell'artista. Ai vecchi tempi venivano usate piume d'oca, cigno, corvo, pavone, canna e paglia. Attualmente, le piume di metallo sono comuni nella pratica artistica. forme diverse e dimensioni (Fig. 1.8). 
Lavorare con una penna richiede osservazione, attenzione, sicurezza e precisione. La particolarità di lavorare con una penna è che le correzioni sono quasi impossibili. Modificando la pressione della penna è possibile ottenere linee di diverso spessore. Le piume d'acciaio danno una linea chiara e sottile, mentre le piume d'oca e di canna danno una linea espressiva e vivace (Fig. 1.9).
Con le matite colorate è possibile ottenere una varietà di effetti grafici. Sfocatura con acqua matite acquerellabili, si possono ottenere anche effetti pittoreschi.
Il lavoro grafico viene eseguito principalmente su carta, la cui selezione deve essere selettiva. Esistere diverse varietà carta. Per disegni veloci con una matita o colori, uno spesso è più adatto. carta bianca con una superficie leggermente ruvida: carta Whatman o carta Half-Whatman. Per disegni e schizzi di breve durata realizzati con materiali grafici morbidi (matite molto morbide, carboncino, sanguigna, ecc.), viene utilizzata carta di diversa qualità: carta da parati, carta da imballaggio, giornale, ecc. La carta bianca spessa, liscia, senza rugosità, è adatta per lavorare con una penna.
Per i disegni didattici, utilizzare carta di dimensioni pari a 1/2 o 1/4 di un foglio di carta da disegno standard. È meglio conservare i fogli di carta da disegno in una cartella speciale piuttosto che su un rotolo, poiché un foglio arricciato è difficile da attaccare a un cavalletto o a un tavolo da disegno.
Il set di accessori da disegno comprende anche un coltello pieghevole o un bisturi e un elastico morbido tagliato in diagonale, poiché è più comodo eliminare le linee non necessarie con un'estremità affilata.
Conoscenza materiali artistici e le tecniche per lavorare con loro aiutano a implementare idee creative e rendere i disegni più espressivi.
Tridimensionalità. Modulo. Volume
Il mondo che ci circonda è ricco di una varietà di forme. Tutto ciò che vediamo intorno a noi ha una forma così il modo migliore caratterizza qualsiasi oggetto (Fig. 1.11, aeb). Quando è necessario rappresentare graficamente un oggetto su un piano, focalizziamo la nostra attenzione sulla forma. Qualsiasi forma che è già passata attraverso la nostra percezione visiva può essere associata nella coscienza ad altre forme simili, con le quali la nostra immaginazione creerà determinate relazioni e connessioni. Ad esempio, una macchia di vernice può essere associata a un volto e nel contorno delle nuvole è possibile vedere un cane sdraiato, un cavallo in corsa e molto altro ancora.
L'espressività della forma dell'oggetto raffigurato è molto importante per l'artista, perché determina il tipo di modelli che crea. Su un foglio piano l'artista crea un'immagine in cui lo spettatore vede volumi e spazio. Affinché il pittore riesca, deve imparare a percepire tridimensionalmente tutto lo spazio visibile: quando disegna un oggetto da un lato, è come se lo vedesse da tutti i lati. L'artista deve rappresentare consapevolmente la struttura dell'oggetto, le leggi della sua costruzione, e non “copiare” i contorni, i punti chiari e scuri senza significato.
Qualsiasi forma creata dalla natura o dall'uomo si basa su corpi geometrici, da cui inizia l'apprendimento del disegno.
Il volume di un oggetto è caratterizzato da tre parametri: lunghezza, larghezza, altezza. L'aspetto dell'oggetto e i contorni della sua forma dipendono dal loro rapporto.
Per trasmettere una forma tridimensionale in un disegno, è necessario usare l'immaginazione e la logica per immaginare la sua struttura interna, cioè per comprendere il design dell'oggetto.
Un disegno è la base strutturale di una forma, la sua cornice, che collega singoli elementi e parti reciprocamente posizionati nello spazio in un unico volume plastico.
Per comprendere le caratteristiche strutturali della forma e il suo design, nel disegno viene utilizzato il metodo del disegno continuo (Fig. 1.12). 
In base alla loro forma gli oggetti possono essere classificati in semplici o complessi. Le forme complesse sono una combinazione di diverse superfici (piatte, convesse e concave). Un esempio potrebbe essere la forma di un'auto.
Le forme semplici degli oggetti possono essere divise in sfaccettate e rotonde. Superfici sfaccettate corpi geometrici formato da facce piatte: questi sono cubi, prismi, piramidi. Le superfici dei corpi geometrici rotondi sono formate dalla rotazione di un contorno piatto attorno al proprio asse: si tratta di una palla, di un cilindro, di un cono. Sono caratterizzati da superfici curve - sferiche o cilindriche.
Quando inizi a disegnare, devi esaminare attentamente l'oggetto raffigurato da tutti i lati per avere un'idea chiara del suo volume. Successivamente, per chiarire il design dell'oggetto, realizzare diversi schizzi, utilizzando il metodo del disegno end-to-end, in cui delineare gli assi e le linee caratteristiche delle sezioni.
Illusioni ottiche. Per rappresentare correttamente la forma degli oggetti è necessario acquisire familiarità con la percezione. Gli artisti incontrano una serie di fenomeni chiamati illusioni ottiche. Studiarli e tenerne conto aiuterà a evitare distorsioni visive degli oggetti. Gli psicologi hanno notato che la nostra coscienza tende a raggruppare le cose in unità semplici. I punti situati a uguale distanza l'uno dall'altro e che rappresentano oggetti non correlati sono organizzati in righe e colonne nella nostra mente (Fig. 1.13).
Nella fig. 1.14, a - illusioni che sorgono quando si confrontano le lunghezze dei segmenti. Durante il confronto possono apparire anche illusioni ottiche forme geometriche(Fig. 1.14, b). Gli stessi oggetti possono apparire più grandi se circondati da oggetti piccoli e piccoli se circondati da oggetti grandi. La percezione di una caratteristica geometrica può essere distorta se i lati del rettangolo sono attraversati da molti raggi provenienti dal centro (Fig. 1.14, c). Questi raggi sembrano trasformare le rette parallele dei lati del rettangolo in curve. Quadrato bianco su sfondo nero sembra più nero su bianco, sebbene siano uguali (Fig. 1.14, d). Le illusioni ottiche sono il risultato della nostra mente. Ad esempio, i cosiddetti disegni ambigui, che dimostrano chiaramente come la percezione di uno stesso oggetto dia un'immagine alternata e venga letta come figura, poi come sfondo: ora vediamo due profili scuri su sfondo bianco, ora un vaso bianco su uno scuro (Fig. 1.14, d).
La conoscenza delle peculiarità della percezione della forma ti aiuterà a creare disegni accurati ed espressivi, composizioni interessanti. Nel design artistico abiti moderni conoscenza delle leggi percezione visiva e il verificarsi di illusioni ottiche aiuterà il costumista a realizzare la sua idea nel modo più completo e interessante, e il tagliatore aiuterà a correggere alcuni difetti della figura del cliente.
Chiaroscuro e i suoi motivi.
La forma volumetrica è trasmessa nel disegno non solo con l'aiuto della costruzione costruttiva, ma anche con l'aiuto del chiaroscuro. Qualsiasi oggetto tridimensionale è limitato da superfici curve o piatte che, una volta illuminate, cadono in diverse condizioni di luce. La luce, diffondendosi attraverso la forma, a seconda della natura della sua superficie, ha varie sfumature- dal più chiaro al più scuro.
Il grado di illuminazione della superficie dipende dalla distanza dalla sorgente luminosa: più la sorgente luminosa è lontana dalla superficie, più debole è illuminata e viceversa. La leggerezza apparente della superficie di un oggetto dipende anche dalla distanza tra l'oggetto e lo spettatore. Una volta rimosse, le superfici chiare si scuriscono gradualmente e quelle scure si schiariscono.
Anche l'angolo di incidenza dei raggi luminosi sulla superficie gioca un ruolo significativo nel grado di illuminazione della superficie. La superficie più intensamente illuminata sarà quella su cui i raggi luminosi cadono ad angolo retto, cioè perpendicolare. Quanto più piccolo è l'angolo di inclinazione dei raggi luminosi rispetto alla superficie, tanto più debole è l'illuminazione.
La leggerezza di un oggetto dipende dal colore e dalla consistenza della sua superficie: una superficie lucida rifletterà la luce più di una opaca e ruvida. Le superfici scure assorbono più raggi luminosi e riflettono meno. Su superfici molto scure o molto chiare le gradazioni di luce si distinguono male, poiché il nostro occhio non è in grado di distinguere tra una stimolazione luminosa troppo debole o troppo forte.
Come esempio della distribuzione del chiaroscuro su varie superfici a seconda dell'angolo di incidenza, consideriamo il chiaroscuro sui corpi geometrici più semplici.
Basato su forme vari articoli giacciono i corpi geometrici più semplici. Conoscendo le leggi della distribuzione della luce e dell'ombra su superfici sferiche, cilindriche e piane, puoi comprendere la luce e l'ombra di qualsiasi oggetto di forma complessa.
Per immaginare meglio la natura della distribuzione di luce e ombra sulla superficie dei corpi geometrici, immagina che saranno illuminati da una forte luce laterale con i lati in ombra illuminati dai raggi riflessi da un vicino piano verticale bianco (Fig. 1.15) .
Viene chiamata la parte della superficie corporea nascosta dalla sorgente luminosa ed è in ombra propria ombra e la parte illuminata della superficie è chiara. Il grado di illuminazione di una superficie curva è determinato dall'angolo di incidenza dei raggi luminosi: la zona più illuminata sarà quella su cui essi cadono ad angolo retto. Dove i raggi scivolano solo sulla superficie, si forma la penombra. Avvicinandosi alla linea d'ombra, l'angolo di incidenza dei raggi luminosi diminuisce. Sulle superfici lisce e lucide la sorgente luminosa viene riflessa e si forma il punto più luminoso: l'abbagliamento. L'illuminazione di un'ombra mediante raggi riflessi da piani illuminati situati nelle vicinanze è chiamata riflesso. L'ombra proiettata da un oggetto è un'ombra cadente.
Per i poliedri, la faccia più illuminata sarà quella su cui i raggi luminosi cadono con un ampio angolo, e man mano che l'angolo tra i raggi luminosi e la faccia diminuisce, diminuisce il grado della sua illuminazione. Ciascuna faccia del poliedro viene percepita visivamente come illuminata in modo diseguale in tutti i suoi punti. Una superficie chiara confinante con una scura apparirà più chiara, mentre una superficie scura apparirà più scura.
Sulle superfici cilindriche, coniche e sferiche, la transizione dalla luce all'ombra avverrà gradualmente, senza un brusco cambiamento nei rapporti luce-ombra. Tali superfici sono caratterizzate da una transizione dei mezzitoni uniforme e saturata dal punto più chiaro a quello più scuro.
Proporzioni 
Le proporzioni sono le relazioni dimensionali delle parti di una forma tra loro, nonché tra forme diverse.
Il senso delle proporzioni è una delle cose principali nel processo di disegno. Il rispetto delle proporzioni significa la capacità di subordinare le dimensioni di tutte le parti dell'oggetto raffigurato l'una rispetto all'altra e rispetto all'insieme.
Ad esempio, per disegnare una natura morta da diversi oggetti domestici, è necessario determinare come si relazionano tra loro in termini di dimensioni: altezza, larghezza, volume, peso. Dopo aver stabilito i rapporti proporzionali tra gli oggetti, si passa all'individuazione della proporzionalità delle parti della forma di un singolo oggetto. Pertanto, stabilendo relazioni tra oggetti e tra parti della forma di un singolo oggetto, identifichiamo le loro caratteristiche proporzionali. Pertanto, la base delle proporzioni è il metodo di confronto.
La proporzionalità delle parti della forma crea la sua bellezza. Quando ammiriamo le opere dei maestri del passato, restiamo colpiti dalla loro straordinaria armonia, che è in gran parte determinata da una qualità estetica come la proporzionalità dell'insieme e dei dettagli.
Artisti epoche diverse ha cercato di comprendere i modelli proporzionali degli oggetti nel mondo circostante, e soprattutto corpo umano.
IN Antico Egitto Per rappresentare il corpo umano, è stato sviluppato un canone speciale, secondo il quale le parti del corpo umano venivano misurate con precisione matematica. Gli egiziani basavano la divisione della figura su 21 parti (Fig. 1.18), e la figura stessa contava 19 parti uguali e 2 parti - per il copricapo (corona del faraone). Sono state stabilite le regole per l'immagine uomo in piedi, camminare, sedersi, inginocchiarsi, ecc. Le regole T9.K LS6 sono state sviluppate per la raffigurazione di un fiore di loto, animali sacri e uccelli. Durante la creazione di rilievi e dipinti, gli egiziani utilizzavano speciali tavole a griglia, che venivano applicate su muri e lastre di pietra. L'artista doveva conoscere le regole stabilite dal canone e seguirle utilizzando una tabella a griglia.
Gli antichi greci basavano le loro arti visive sull'immagine persona meravigliosa. Sostenevano che nel mondo regna uno schema rigoroso e che l'essenza della bellezza risiede nell'ordine armonioso, nella simmetria, nell'unità armoniosa delle parti e del tutto. Queste disposizioni costituirono la base dei canoni creati dai Greci. Nel 432 a.C. e. Lo scultore Policleto scrisse un saggio sulle proporzioni del corpo umano, chiamato “Canone”. Per illustrare la sua teoria, creò una statua di "Doriphoros", che significa lanciere. Questa statua di un giovane atleta è servita da modello per gli artisti. Gli artisti dell’Antica Grecia scoprirono un sistema di proporzioni, che in seguito divenne noto come “ rapporto aureo" L'essenza di questa proporzione è che la somma di due quantità si riferisce al valore maggiore, così come il valore maggiore sta a quello minore. Un esempio di divisione del segmento AB secondo il principio della “sezione aurea” è mostrato in Fig. 1,19 (AB:AC = AC:SV). Approssimativamente in numeri interi, il "rapporto aureo" è espresso come 5:3; 8:5; 13:8; 21:13, ecc.
La conoscenza della legge della “sezione aurea” ha svolto un ruolo significativo nell'architettura, nella pittura e nella scultura antiche. Se gli artisti antichi seguivano intuitivamente il principio della “sezione aurea” alla ricerca dell’armonia, allora veniva teoricamente descritto nel Rinascimento. Leonardo da Vinci, basandosi sull'esperienza degli antichi, sviluppò un sistema di proporzioni del corpo umano. Creando regole per rappresentare la figura umana, ha realizzato un diagramma di disegno che mostra chiaramente lo schema proporzionale delle parti del corpo umano (Fig. 1.20).
Tra i maestri del Rinascimento che si occuparono dei fondamenti teorici del disegno, un posto di rilievo spetta all'artista tedesco Albrecht Dürer. Dopo aver scritto diversi libri sulle proporzioni umane, si è adoperato per una fondatezza scientifica dell'argomento, aggiungendo ai testi un gran numero di disegni, diagrammi e disegni.
Problema proporzioni perfette preoccuparono gli artisti delle epoche successive. Nel 1947, l'architetto francese S. E. Le Corbusier sviluppò il modulatore, un sistema per dividere la figura umana secondo il principio della “sezione aurea”. Su questa base è stata creata una scuola di modelli per la progettazione e il design architettonico. In questo sistema, la figura umana è divisa in segmenti dal piede alla vita, dalla vita alla parte posteriore della testa, dalla parte posteriore della testa alla punta delle dita della mano alzata (Fig. 1.21).
Un senso delle proporzioni sviluppato determina in gran parte il successo nel disegno. La pratica mostra: quanto più accuratamente vengono trovate le proporzioni, tanto più luminoso ed espressivo è il disegno. La corretta selezione dei rapporti proporzionali ha Grande importanza quando si disegna un costume. La co-dimensione e l'organizzazione riuscita delle parti del costume aiutano a dare figura umana attrattiva e nascondere alcuni difetti. E non solo nel campo del design dell'abbigliamento, ma anche in qualsiasi attività artistica e di design, la proporzione gioca un ruolo importante.
IN arti visive, quando si disegna dalla vita, le proporzioni degli oggetti possono essere controllate mediante avvistamento (Fig. 1.22). 
Questo è fatto in questo modo: premiamo la matita con l'anulare e il medio sul palmo e pollice si muove lungo la matita e serve a segnare su di essa le dimensioni richieste. La matita viene tenuta con la mano tesa orizzontalmente tra il soggetto e l'occhio. Può inclinarsi sia a destra che a sinistra a seconda della posizione dell'oggetto da misurare, ma in questo caso la matita deve trovarsi in una posizione strettamente perpendicolare alla linea visiva principale. Senza queste condizioni, le misurazioni saranno errate.
Utilizzando il metodo di avvistamento, puoi determinare quante volte la larghezza di un oggetto si adatta alla sua altezza, chiarire il grado di inclinazione degli assi della forma, ecc. Tuttavia non bisogna abusare del metodo di mira, poiché inibisce lo sviluppo dell'occhio, che viene allenato attraverso esercizi sistematici. Le misurazioni a occhio possono essere più accurate delle misurazioni mediante mira se è sviluppato il senso delle proporzioni.
Nozioni di base sulla prospettiva
Quando impari a disegnare dalla vita, così come dalla memoria e dall'immaginazione, devi sapere base teorica costruzione immagini realistiche. Considerando il mondo, una persona non può fare a meno di notare che gli oggetti, allontanandosi, diminuiscono di dimensioni.
La spiegazione di ciò risiede nelle proprietà della nostra visione. Gli oggetti che vediamo sono necessariamente illuminati in un modo o nell'altro, altrimenti non li vedremmo. I raggi riflessi dagli oggetti illuminati vengono percepiti dal nostro occhio e provocano l'irritazione delle terminazioni nervose della retina. Questa irritazione nella nostra coscienza si trasforma in immagine visiva. Nella fig. La Figura 1.23 mostra un diagramma della percezione visiva, che mostra che, a causa delle proprietà ottiche dell'occhio, di due oggetti di uguali dimensioni, quello più vicino è più grande e quello più distante è più piccolo. 
Un classico esempio di promettente riduzione delle dimensioni è una strada che corre in lontananza fiancheggiata da pilastri. Allontanandosi, la strada si restringe e i pilastri diventano più piccoli finché non convergono da qualche parte sull'orizzonte in un punto (Fig. 1.24).
L'orizzonte non è sempre visibile: non lo vedrai in città o nella foresta. In questo caso deve essere presentato. caratteristica principale La linea dell'orizzonte è che passa sempre all'altezza degli occhi dell'osservatore. Guardi tutto ciò che è sopra la linea dell'orizzonte dal basso, e tutto ciò che è sotto lo guardi dall'alto. Tutte le linee orizzontali degli oggetti che si trovano sopra la linea dell'orizzonte sono inclinate verso il basso, e le linee simili di un oggetto che si trova sotto la linea dell'orizzonte sono inclinate verso l'alto verso questa linea. Tutti questi cambiamenti avvengono secondo determinate leggi.
Studiare i modelli di immagini su un aereo mondo visibile secondo caratteristiche ottiche e le proprietà fisiologiche della nostra visione sono studiate da una scienza chiamata prospettiva (dal latino perspicio - vedo chiaramente). L'immagine stessa, realizzata secondo le disposizioni di questa scienza, è anche chiamata prospettiva. Il metodo prospettico fu sviluppato durante il Rinascimento. Uno dei creatori della teoria scientifica della prospettiva fu l'architetto del primo Rinascimento Filippo Brunelleschi in collaborazione con il matematico Paolo Toscanelli. Poi italiano e artisti tedeschi Pierodella Francesca, Paolo Uccello, Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer ed altri nei loro lavori scientifici e le opere d'arte svilupparono leggi precedentemente scoperte.
IN belle arti Si possono distinguere tre tipi di prospettiva: osservativa, lineare e aerea. La prospettiva osservativa è un insieme di regole derivate dall'esperienza dell'osservazione diretta. In questo caso l'artista, nel trasmettere un'immagine a grandezza naturale, non si basa su calcoli geometrici precisi, ma su propria visione e analisi. A differenza della prospettiva osservativa, la prospettiva lineare è un sistema vari metodi costruzione geometrica immagini prospettiche su un aereo. La prospettiva aerea è una sezione particolare della prospettiva di osservazione e parla del cambiamento di colore e della chiarezza del contorno degli oggetti mentre si allontanano dallo spettatore sotto l'influenza dell'atmosfera. Viene utilizzato principalmente in pittura.
Prima di iniziare ad apprendere le basi della prospettiva, ci sono alcuni concetti con cui dovresti familiarizzare. Tutto ciò che una persona può coprire con uno sguardo, senza muovere o muovere gli occhi, è chiamato campo visivo. Si trova all'interno di un angolo visivo che si avvicina ai 60°, ma la percezione più chiara è all'interno di un angolo visivo di circa 30°.
Se guardiamo lo stesso oggetto, spostandoci ora a destra, ora a sinistra, ora accovacciandoci, ora raddrizzandoci, esso ci apparirà ogni volta diverso. La posizione degli occhi dell'osservatore rispetto all'oggetto osservato è chiamata punto di vista.
Quando guardiamo fuori dalla finestra dalla stanza vediamo ampio spazio con case, alberi o altri oggetti situati a distanze diverse. Se tracciamo i loro contorni sul vetro con la vernice, otteniamo immagine di contorno oggetti situati nello spazio. In questo caso, il vetro sarà il piano dell'immagine. Guardando l'ambientazione a grandezza naturale, il pittore sembra immaginare davanti a sé un piano pittorico immaginario, sul quale sono visibili gli oggetti così come dovrebbero essere raffigurati sulla carta.
Il piano orizzontale del terreno, del pavimento o del tavolo su cui si trovano gli oggetti raffigurati è solitamente chiamato piano dell'oggetto.
Punti all'orizzonte che convergono visivamente linee parallele, andando più in profondità nell'immagine, sono chiamati punti di fuga.
Per ogni gruppo di linee parallele, non importa dove si trovino nell'immagine e non importa a quali oggetti appartengano, esiste un solo punto di fuga. Le linee parallele, situate ad angolo retto rispetto all'orizzonte, vanno verso un punto, che si trova di fronte ai nostri occhi ed è chiamato punto principale. Nella fig. La Figura 1.25 mostra un modello spaziale per costruire un'immagine prospettica.
Prospettiva delle linee. Le linee parallele al piano dell'immagine in natura sono chiamate frontali. Nel disegno hanno le stesse direzioni della natura, non importa quanto siano lontane. Tutte le linee frontali, indipendentemente dalla posizione in cui si trovano, non hanno punti di fuga.
Le linee dirette nella profondità dell'immagine possono essere perpendicolari al piano dell'immagine o raggiungerlo da diverse angolazioni. Un oggetto ci sembra rimpicciolirsi man mano che si allontana dagli occhi e linee parallele dirette verso l'interno sembrano avvicinarsi nel punto di fuga.
Prospettiva quadrata e circolare. Un quadrato in prospettiva sarà un trapezio se i suoi due lati sono paralleli al piano dell'immagine, oppure un quadrilatero irregolare se il piano del quadrato si trova ad un angolo casuale. Nel primo caso, due lati del quadrato saranno paralleli alla linea dell'orizzonte, e i lati che vanno più in profondità convergeranno nel punto di fuga centrale P (Fig. 1.26, a). Nel secondo caso, i lati del quadrato saranno diretti verso i punti di fuga Fx e F2, situati a destra e a sinistra di quello centrale (Fig. 1.26, b).
Un cerchio in prospettiva sembra un'ellisse (Fig. 1.27). Quanto più ci si avvicina alla linea dell'orizzonte, tanto più stretta diventa l'ellisse e, quando coincide con la linea dell'orizzonte, si trasforma in una linea retta. Quando costruisci la prospettiva di un cerchio, dovresti prestare attenzione al fatto che la metà anteriore del cerchio sarà più grande e la metà posteriore sarà più piccola.
Prospettiva del cubo. È meglio comprendere i principi del cambiamento di forma in prospettiva usando l'esempio di un corpo geometrico così semplice come un cubo. Potrebbero essercene due principali, disposizioni caratteristiche cubo rispetto al piano dell'immagine: frontale (piani situati parallelamente all'immagine) e ad angolo. Nel primo caso la prospettiva è frontale e nel secondo angolare.
Nella disposizione frontale del cubo, due delle sue facce sono parallele al piano dell'immagine e le altre sono perpendicolari ad esso. Le linee orizzontali che formano i bordi andando in profondità convergeranno in un punto di fuga centrale P (Fig. 1.28). 
Quando si costruisce una prospettiva cubica in posizione angolare, ci saranno due punti di fuga Fx e F2 sulla linea dell'orizzonte, situati a destra e a sinistra di quello centrale (Fig. 1.29). Inoltre, uno o entrambi i punti di fuga potrebbero essere fuori dall'immagine.
Conoscenza delle leggi prospettiva lineare aiuterà il pittore a comprendere la struttura interna della forma per rappresentarla in modo vivido e convincente. Tuttavia, l'uso costruzioni promettenti non dovrebbe trasformare i disegni in diagrammi aridi. La conoscenza delle leggi della prospettiva aiuta quando si attinge dalla vita, dalla memoria e dall'immaginazione. 
Il compito principale quando si impara a disegnare è imparare a vedere correttamente la forma tridimensionale di un oggetto ed essere in grado di rappresentarlo in modo logico e coerente sul piano di un foglio di carta. Per fare ciò, diamo un’occhiata alla struttura degli oggetti in modo più dettagliato.
Nella natura fisica è impossibile immaginare che un corpo abbia forma astratta, ad esempio, il vuoto.
Senza lasciarsi distrarre questo tipo oggetti, passiamo agli oggetti reali che ci circondano ovunque, comprese le forme della natura vivente.
La forma di un oggetto dovrebbe essere intesa come l'essenza geometrica della superficie dell'oggetto, caratterizzandone l'aspetto. Ogni elemento o oggetto in natura, dalle microparticelle ai giganteschi corpi cosmici, ha una certa forma e la forma del corpo umano non fa eccezione. Di conseguenza, qualsiasi oggetto è una forma e la forma implica volume.
Questi due concetti - forma e volume - sono indissolubilmente interconnessi, formano un unico insieme e non esistono separatamente in natura. Ad esempio, prendiamo un oggetto piatto: un foglio di carta, il cui aspetto è caratterizzato da forme piatte, rettangolari o ripide. Il suo volume sarà determinato dallo spessore della sezione, non importa quanto sia sottile. Naturalmente questo esempio in relazione allo specifico argomento in esame non è del tutto riuscito. Sarebbe meglio se il foglio di carta fosse accartocciato o gli fosse stata data una forma tridimensionale diversa. In questo caso, l'oggetto sembrerebbe più espressivo. Prendiamo un libro, la cui sagoma esterna, ad un primo esame, ha la stessa forma di un foglio di carta. Tuttavia, lo spessore del libro insieme con superficie totale creare il suo volume, rendendo questo esempio più chiaro.
Il volume di un oggetto è una quantità tridimensionale limitata nello spazio da superfici di varia forma (qualsiasi oggetto ha altezza, larghezza e lunghezza, anche nelle sue dimensioni relative).
La forma di qualsiasi oggetto è fondamentalmente intesa o considerata come la sua essenza geometrica, il suo aspetto o i suoi contorni esterni. Artista famoso e l'insegnante D.N. Kardovsky credeva che la forma fosse una massa che ha l'uno o l'altro carattere, come corpi geometrici come un cubo, una palla, un cilindro, ecc. Ciò vale anche per le forme viventi, che, nonostante tutta la loro complessità, si basano su (diagramma ) entità geometrica nascosta. Quindi, ad esempio, la forma del busto di una persona può essere rappresentata sotto forma di diverse forme geometriche: un cilindro, un parallelepipedo o un prisma appiattito più vicino alla forma del busto (Fig. 1). Tuttavia, queste forme geometriche non hanno contorni chiari nel torso umano; ci sono depressioni, sporgenze e altre deviazioni che impediscono ai disegnatori inesperti di vedere questi corpi geometrici in forma vivente. Tuttavia, un'attenta analisi della forma del corpo rivela la sua essenza geometrica, che si avvicina alla forma di un prisma. Utilizzando queste forme geometriche durante la costruzione di una figura umana, specificando e generalizzando le deviazioni esistenti, è possibile dare alla figura contorni reali.
Quando si comprendono i contorni esterni degli oggetti, è anche necessario comprenderne l'essenza struttura interna, il design della forma e la connessione dei singoli elementi che compongono questa o quella forma. Il design di un oggetto, di regola, determina la natura della sua forma. Nel disegno educativo, il concetto di design della forma acquisisce un significato speciale dal punto di vista della sua organizzazione spaziale, struttura geometrica, struttura plastica esterna, materiale e scopo funzionale. Ciò consente agli studenti di avvicinarsi al disegno in modo più consapevole.
Quando analizzi attentamente le forme degli oggetti, con tutta la loro apparente complessità, puoi sempre vedere in essi una base geometrica costruttiva o una combinazione di diverse basi che formano questa forma. Ad esempio, prendiamo una brocca, in base alla quale possiamo distinguere diversi corpi geometrici di forme diverse nella seguente combinazione: collo - cilindro, corpo - palla, base - cono. La forma strutturale di una casa a due piani è ~~ rettangolare, il suo tetto è un prisma triangolare.
Base geometrica del disegno oggetti semplici ovvio, è più difficile vederlo nelle forme viventi. La Figura 2 mostra chiaramente immagini di teschi di animali, le cui forme complesse hanno anche una parte nascosta base geometrica, il che semplifica notevolmente la comprensione dell'essenza strutturale e costruttiva di questi oggetti. I metodi per costruire la sua forma su un piano dipendono in gran parte dalla struttura dell'oggetto. Pertanto, quando si analizza la forma di un oggetto, per quanto complessa possa essere a prima vista, è necessario innanzitutto penetrare nell'essenza della sua struttura interna, senza lasciarsi distrarre da piccole parti, impedendo di comprendere le basi geometriche del suo disegno. Ciò consentirà agli studenti di ottenere di più informazioni complete sull'argomento e completare consapevolmente il disegno. Solo dopo puoi iniziare a risolvere problemi visivi e attingere liberamente e con sicurezza sia dalla natura che dalla tua immaginazione, che è estremamente importante per l'attività creativa professionale.
Per comprendere meglio la progettazione degli oggetti e acquisire le competenze per rappresentarne correttamente la forma, è necessario anche richiamare le conoscenze in geometria acquisite a scuola, come i concetti di punto, retta e forme tridimensionali.
(Puoi visionare il disegno risultante nella sezione di questo sito)
Affinché il disegno della foresta sia voluminoso e lo spazio della foresta si senta nel paesaggio, è necessario essere in grado di applicare le leggi del chiaroscuro a forme naturali complesse. Se immagini disegno accademico corpi geometrici: una palla, un cilindro, un cubo, quindi puoi ricordare come è costruito il chiaroscuro. Si compone di sei zone principali: evidenziazione, luce, penombra, ombra, riflesso, ombra cadente. La chioma di un albero può essere convenzionalmente rappresentata come una palla. Quelli. dall'alto l'albero sarà illuminato dalla luce, poi ci sarà l'ombra parziale, e sotto ce ne sarà di più parte oscura- ombra. Ma questo è solo condizionale. L'albero non ha una superficie liscia e anche da lontano la sua sagoma sarà goffa, curva... Pertanto, se l'albero nel suo insieme è illuminato come una palla, allora in particolare i singoli rami e i gruppi di foglie saranno illuminati di più o, al contrario, meno. Si ottiene così una superficie di fogliame irregolare, poco illuminata, all'interno della quale, nell'ombra, si possono osservare spazi bui tra i rami. Il tronco dell'albero e i grandi rami sono illuminati come un cilindro, perché hanno una forma cilindrica. Ma il tronco di un albero raramente è piano e liscio, quindi è necessario aggiungere al chiaroscuro dei tratti che introducono irregolarità, piegature, nodi, crepe, corteccia...
Se parliamo dello spazio della foresta, ad esso si applicano le stesse leggi del chiaroscuro. Ad esempio, le ombre che cadono dagli alberi giacciono a terra. Ma poiché la terra non ha una superficie piana, le ombre si piegheranno attorno a queste irregolarità, ripetendone la forma. Un'enorme varietà di erbe e arbusti aggiunge anche caratteristiche al carattere delle ombre cadenti. Le ombre si piegheranno attorno alle cime dei fili d'erba, quindi queste ombre non saranno uniformi. Le sagome delle ombre assumeranno una texture “sciolta” in base alla natura dell'erba. Inoltre, il disegno della foresta sarà composto da piani diversi: primo, secondo, terzo... Se in primo piano l'artista può disegnare gli alberi in modo sufficientemente dettagliato, sullo sfondo sono generalizzati. Ad esempio, un gruppo di cinque o sei aceri sullo sfondo può essere disegnato in modo generale: gli alberi sono riuniti in un gruppo e l'artista disegna in chiaroscuro non singoli alberi, ma l'intero gruppo.
Oltre alle leggi del chiaroscuro, le leggi del prospettiva aerea. Ciò significa che la tonalità degli alberi nel primo e nel secondo piano sarà diversa. Ad esempio, i tronchi degli alberi in lontananza saranno più scuri o più chiari di quelli in primo piano. Dipende dal tempo, dall'ora del giorno, dal periodo dell'anno... Se consideri il tempo nebbioso, le sagome delle piante in primo piano saranno più scure di quelle in lontananza. Nella nebbia, tutte le sagome scure diventano più chiare e le sagome chiare diventano più scure. E più l'albero è lontano, più chiaramente appare questo schema.
In conclusione, vorrei aggiungere che disegnare una foresta è un'immagine di varie masse. Possono essere masse di fogliame di un albero o di un intero gruppo. Possono essere masse di tronchi d'albero o masse di erba e arbusti. L'artista deve conoscere la natura di alcune specie vegetali. Ciò influenzerà la trama del tratto, la forma dei rami o dei tronchi d'albero. L'artista deve anche vedere la differenza di tono di queste sfaccettate masse di vegetazione. È necessario trasmettere la luce e l'ombra di queste masse. Ebbene, le abilità di cui sopra sono coronate dalla capacità di generalizzare il superfluo e disegnare i dettagli della cosa principale. Di conseguenza, in queste masse di fogliame ed erba appariranno rami, singole foglie, corteccia, una cavità, un ostacolo, un gambo d'erba, petali di fiori... Allora il paesaggio delizierà l'occhio dell'autore e dello spettatore. con la sua espressività.