È opinione diffusa che non vi siano differenze fondamentali tra i metodi di rappresentazione della realtà nel folklore e nella finzione. E qua e là la realtà è rappresentata ugualmente vera e veritiera. Quindi, ad esempio, M. M. Plisetsky, nel suo libro sullo storicismo dei poemi epici russi, non è d'accordo con coloro che affermano che i poemi epici non rappresentano gli eventi di un'epoca particolare, ma le sue aspirazioni.
Perché, chiede, gli eventi storici sono rappresentati, ad esempio, nelle canzoni sulla cattura di Kazan, su Stepan Razin, perché il Racconto della campagna di Igor può rappresentare correttamente la campagna dei Polovtsiani contro i russi, perché L. N. Tolstoy nel romanzo " Guerra e pace" o A. N. Tolstoy nel romanzo "Pietro il Grande" potrebbero rappresentare molte persone ed eventi storici, ma l'epopea non può farlo? "Perché questo non è consentito dai poemi epici?" esclama l'autore. Quindi, non c'è alcuna differenza fondamentale nella rappresentazione della realtà tra poemi epici, canzoni storiche, "Il racconto della campagna di Igor" e romanzi storici del XIX-XX secolo.
Questa opinione, in cui l'autore non tiene conto né dei mezzi artistici dei generi del folklore e della letteratura, né dell'ambiente sociale che crea l'arte, né dei secoli di sviluppo storico delle persone, nonostante la sua evidente e in qualche modo primitiva anti- storicità, è abbastanza tipico di un certo numero di opere contemporanee. La stessa rappresentazione veritiera della realtà, come per i poemi epici, è consentita anche per una fiaba.
Nelle fiabe, ad esempio, cercano riflessi di quelle forme di lotta di classe che hanno avuto luogo nel XIX secolo. Quindi, E. A. Tudorovskaya scrive quanto segue su una fiaba: "L'antica inimicizia di classe tra gli oppressori-signori feudali e il popolo oppresso è veramente mostrata". Ma quando si tratta di esempi, risulta essere quanto segue: "Baba Yaga, la 'padrona' della foresta e degli animali, è ritratta come una vera sfruttatrice, che opprime i suoi servitori animali ...". Secondo E. A. Tudorovskaya, la lotta di classe in una fiaba acquisisce una "specie di finzione". "Limita in qualche modo il realismo della fiaba."
Quindi, una fiaba è realistica, ma ha uno svantaggio: è finzione, e questo riduce, limita il suo realismo.La logica conseguenza di tale opinione è l'affermazione che se non ci fosse finzione nella fiaba, sarebbe Meglio.
Tali opinioni curiose non varrebbero la pena menzionare se il punto di vista di E. A. Tudorovskaya fosse single. Ma altri lo condividono. Quindi, VP Anikin scrive: "L'esperienza socio-storica della vita diretta è la fonte di una rappresentazione veritiera della realtà nella creatività orale delle persone". Anikin vede la lotta di classe nelle fiabe sugli animali.
Dichiara che sono allegorie. "L'allegorismo sociale è la proprietà più importante dei racconti popolari sugli animali, e senza questo significato allegorico, le persone non avrebbero bisogno di una fiaba". Pertanto, le persone non hanno bisogno di una fiaba in quanto tale.
Tutto ciò che serve è un significato sociale allegorico. L'autore sta cercando di dimostrare che il lupo è un "oppressore del popolo". L'orso appartiene agli stessi oppressori. Nel campo di una fiaba, Koschey e altri antagonisti dell'eroe sono attribuiti agli oppressori del popolo dell'ordine sociale.
La giustizia richiede di notare che nel libro di V.P. Anikin ci sono molte osservazioni corrette. Ma negli anni in cui è stato scritto questo libro, tali concetti erano considerati in una certa misura obbligatori e progressivi.
Non entreremo in ulteriori polemiche, ma cercheremo di affrontare la questione di come la realtà è rappresentata nel folklore, che significato ha per questo e quali sono le differenze specifiche tra folklore e letteratura realista, non per speculazione astratta, ma per studiare il materiale stesso.
Vedremo che il folklore ha leggi specifiche della sua poetica, diverse dai metodi della creazione artistica professionale. La questione avrebbe dovuto essere posta storicamente; tuttavia, prima di farlo, è necessario farsi un'idea chiara di ciò che è disponibile oggi.
Prenderemo in considerazione i monumenti folcloristici secondo i documenti dei secoli XVIII-XX, spingendo lo studio storico del processo di composizione e sviluppo nel futuro. Considereremo solo il folklore russo. Tale studio descrittivo deve essere fatto prima di iniziare uno studio storico-comparativo.
Esistono modelli comuni a tutti o molti generi di folklore e esistono modelli specifici solo per singoli generi. Prenderemo in considerazione la questione dei generi, non cercando in alcun modo di descriverli in modo esaustivo, ma limitandoci al problema del rapporto tra folklore e realtà.
Inizieremo il nostro studio con la fiaba come genere in cui la questione del rapporto con la realtà è relativamente semplice. Allo stesso tempo, è la fiaba che permette di rivelare alcune leggi generali dei generi narrativi in \u200b\u200bgenerale.
Parlando di una fiaba, è necessario ricordare l'affermazione di VI Lenin: "In ogni fiaba ci sono elementi di realtà ...". Lo sguardo più superficiale al racconto è sufficiente per convincersi della correttezza di questa affermazione. Nelle fiabe ci sono meno di questi elementi, in altri tipi ce ne sono di più.
Animali come la volpe, il lupo, l'orso, la lepre, il gallo, la capra e altri, sono proprio gli animali con cui il contadino ha a che fare; contadini e donne, vecchi e vecchie, matrigna e figliastra, soldati, zingari, braccianti, preti e proprietari terrieri sono passati dalla vita alla favola.
La fiaba riflette sia la realtà preistorica che gli usi e costumi medievali e le relazioni sociali dei tempi feudali e dei tempi del capitalismo. Tutti questi elementi della realtà sono attentamente studiati dalla scienza sovietica e straniera, e su di essi esiste già una letteratura molto significativa.
Tuttavia, guardando più da vicino le parole di Lenin, vediamo che Lenin non afferma affatto che una fiaba sia composta interamente da elementi di realtà. Dice solo che "ci sono" dentro. Non appena passiamo alla domanda su cosa fanno questi uomini, donne, soldati o altri personaggi realistici in una fiaba, cioè ci rivolgiamo alle trame, ci tufferemo immediatamente nel mondo dell'impossibile e inventato.
Basta prendere l'indice delle trame delle fiabe di Aarne-Andreev e aprire lì almeno la sezione “Racconti di novelle” per convincersi subito che è così. Dove sono nella vita questi giullari che ingannano tutti nel mondo e non vengono mai sconfitti? Ci sono ladri così intelligenti nella vita che rubano uova da sotto un'anatra o un lenzuolo da sotto un proprietario terriero e sua moglie? È così nella vita che le mogli ostinate vengono domate, come in una fiaba, e ci sono tali sciocchi al mondo che guardano nella canna di una pistola per vedere come vola fuori un proiettile? Non c'è una sola trama plausibile nella fiaba russa.
Non entreremo nei dettagli, ma ci concentreremo solo su un esempio tipico come esempio. Questa è la storia dei morti sfortunati. In termini generali, va così. Lo sciocco uccide accidentalmente sua madre: cade in una trappola o cade in una buca che lo sciocco ha scavato davanti alla casa.
A volte, tuttavia, la uccide intenzionalmente; si nasconde in una cassa per scoprire di cosa sta parlando lo sciocco con la sua famiglia, e lui lo sa e versa acqua bollente sulla cassa. Mette il cadavere di sua madre su una slitta, le dà un cerchio o un sedere, un pettine e un fuso e cavalca. Verso la signorile troika si precipita. Non esce di strada e viene travolto.
Lo stolto grida che sua madre, l'orafo reale, è stata uccisa. Gli viene dato un risarcimento di cento rubli. Prosegue e ora mette il cadavere in cantina al prete; nelle sue mani dà alla madre morta una brocca di panna acida e un cucchiaio. Popadya pensa che sia una ladra e la colpisce sulla testa con un bastone. Lo sciocco riceve di nuovo un risarcimento di cento rubli. Dopodiché, la mette su una barca e la cala lungo il fiume. La barca finisce nelle reti dei pescatori.
I pescatori colpiscono il cadavere con un remo, cade in acqua e annega. Lo sciocco grida che sua madre è annegata. Riceve anche cento rubli dai pescatori. Torna a casa con i soldi e dice ai fratelli che ha venduto sua madre in città al mercato. I fratelli uccidono le loro mogli e le prendono per venderle. I gendarmi li portano in prigione e la proprietà dei fratelli va allo sciocco. Con questa proprietà e il denaro portato, inizia a vivere a trifoglio.
Esiste un'altra versione di questo racconto, che però può essere considerata un racconto diverso. Qui le cose sono un po' diverse. La moglie dell'uomo tratta il suo amante. Il marito sta guardando.
Mentre lei va in cantina a prendere l'olio, il marito uccide il suo amante e gli mette in bocca una frittella perché credano che sia soffocato. Quindi iniziano i trucchi con il cadavere, che possono in parte coincidere con la versione precedente, in parte avere una forma diversa.
In questo caso, il cadavere deve essere smaltito per scaricare da se stessi il sospetto di omicidio. Un uomo appoggia un cadavere alla casa dove si sta svolgendo il banchetto di nozze e comincia a imprecare. Gli ospiti saltano fuori, pensando che il contadino appoggiato al muro stia imprecando, e lo colpiscono in testa. Vedendolo morto, si spaventano e, per liberarsi del morto, lo legano a cavallo a un cavallo e lo lasciano andare.
Il cavallo corre nella foresta e rovina le trappole del cacciatore. Il cacciatore picchia il morto e pensa di averlo ucciso. Mette il cadavere nella barca e l'azione finisce, come nella versione precedente: lo sfortunato morto cade in acqua per il colpo del pescatore, e il cadavere scompare.
Se una scrittrice sovietica contemporanea dovesse scrivere una storia su come sua madre è stata uccisa e su come l'assassino abbia poi usato il cadavere per estorcere denaro, allora nessuna casa editrice pubblicherebbe una storia del genere, e se fosse pubblicata, causerebbe giustificata indignazione di lettori.
Nel frattempo, il racconto non provoca alcuna indignazione tra la gente, nonostante i contadini trattino i morti con una speciale riverenza. Questo racconto è popolare non solo tra i russi, ma tra molti popoli europei. È penetrato anche negli indiani del Nord America.
Perché una trama così oltraggiosa potrebbe diventare popolare? Questo è stato possibile solo perché questa storia è una farsa esilarante. Né il narratore né l'ascoltatore collegano la storia alla realtà. Il ricercatore può e deve riferirlo alla realtà e determinare quali aspetti della vita quotidiana hanno dato origine a questa trama, ma questo appartiene già al campo della percezione non artistica, ma scientifica. Questo non è realismo ridotto, limitato o fiabesco, questa non è un'allegoria o una favola, questa è una favola.
Ci siamo soffermati su questo esempio in modo così dettagliato perché è indicativo e tipico della questione del rapporto di una fiaba con la realtà.
Una fiaba è una finzione deliberata e poetica. Non è mai presentato come realtà. "Una fiaba è una piega, una canzone è una storia vera", dice il proverbio. "Un magazzino da favola, la canzone è intonata al rosso." Terminata la storia, dicono: "L'intera fiaba, non puoi più mentire". Nel linguaggio moderno, la parola "fiaba" è sinonimo della parola "bugia".
Ma cosa attrae allora una fiaba, se la rappresentazione della realtà non è il suo obiettivo? Prima di tutto, attrae con l'insolita della sua storia. Incoerenza con la realtà, la finzione in quanto tale offre un piacere speciale.
Nelle fiabe, la realtà è deliberatamente capovolta, e questo è tutto il loro fascino per le persone. È vero, lo straordinario ha luogo nella finzione.
Nella prosa romantica è più forte (i romanzi di Walter Scott, Hugo), nella prosa realistica è più debole (Cechov). In letteratura, lo straordinario è ritratto come possibile, evocando emozioni di orrore, o ammirazione, o sorpresa, e noi crediamo nella possibilità di ciò che viene rappresentato.
Nella prosa popolare, lo straordinario è tale che di fatto sarebbe impossibile nella vita reale. È vero, nelle fiabe quotidiane nella maggior parte dei casi non vi è alcuna violazione delle leggi della natura. Tutto ciò che viene raccontato, infatti, potrebbe esserlo. Ma comunque gli eventi che vengono raccontati sono così straordinari che non sarebbero mai potuti accadere nella realtà, ed è questo che suscita interesse.
V. Ya. Propp. Poetica del folklore - M., 1998
III. La musica nelle opere.
II. Il linguaggio delle opere.
Le opere di Eschilo erano caratterizzate da un elevato stile mitologico, eroico, pieno di metafore dalla sfera della guerra e delle armi. Non è un caso che lo stesso Eschilo definisse le sue tragedie "avanzi della tavola di Omero". L'arte orientale era un'altra fonte del suo stile poetico. Ecco cosa rivela Euripide:
Tutti gli scamandri e le fortezze e sugli scudi suonano
Aquile grifoni, rame e la brillantezza del linguaggio dei cefalopodi, -
Capirli è il lavoro più grande.
In effetti, il linguaggio delle opere di Eschilo è sublime, solenne, non sempre comprensibile. Il linguaggio di Euripide è semplice e comprensibile. I suoi eroi non "borbottano e non dicono sciocchezze". Quando esce, parla sempre prima di tutto della sua origine. Tuttavia, a giudicare da una delle frasi di Dioniso, pronunciate nella prima parte, anche il linguaggio di Euripide non è molto buono. Le sue opere sono caratterizzate da riduzione naturalistica ("l'etere è l'appartamento di Zeus") e manierismi ("zampa del tempo").
I prologhi dell'opera sono di particolare importanza. Quindi, in Eschilo, l'eroe dice una frase in cui due sinonimi significano la stessa cosa, che, secondo Euripide, è la ridondanza del linguaggio:
Afflusso e ritorno: qual è la differenza?
"Ascoltare, ascoltare: qui l'identità è indiscutibile". Euripide si vanta del fatto che i suoi prologhi siano privi di parole superflue. Nota che Eschilo è incline a ripetere le stesse svolte costanti ("Hai quasi fretta di aiutare gli stanchi?")
Eschilo osserva, tuttavia, che i prologhi di Euripide sono costruiti allo stesso modo, quindi possono essere tutti continuati con la frase "ha perso la bottiglia". Certo, questa è un'esagerazione da parte di Aristofane, non tutte le tragedie sono costruite secondo uno schema, ma solo quelle che ha scelto per la sua opera. Ma molti sono davvero simili nella loro costruzione:
Il dio Dioniso, che tiene in mano il tirso
E coperto di pelle, nello splendore delle torce
Delfi sta ballando... perso una bottiglia.
Un mortale non può essere fortunato in tutto:
Uno, degno, muore in povertà,
Un altro brutto... perso la bottiglia.
Questi sono estratti dalle tragedie non salvate Ipsipilo e Stenebeo.
Non possiamo dire che tipo di musica accompagnasse le tragedie degli autori. Ma Eschilo nella commedia parodia con l'aiuto di un tamburello lo squisito manierismo nella composizione musicale dei canti corali di Euripide. Euripide ha introdotto nella produzione la monodia, le arie monofoniche, seguendo l'esempio della musica ditirambica
Autori che hanno lavorato in epoche diverse hanno anche percezioni diverse del mondo. Eschilo scrisse poco dopo la vittoria dei greci nella battaglia di Maratona. Le sue opere glorificano re mitici, grandi gesta di persone, eroi coraggiosi. Questo non glielo può chiedere Euripide, il quale afferma che nelle sue tragedie Eschilo ha tirato fuori persone di arroganti, arroganti chiacchieroni. Ed Euripide ha parlato su argomenti semplici, sulla vita familiare e più vicina. Il suo eroe era l'intelligente Theramenes, noto tra gli antichi come un esempio di politico losco ma senza principi. Gli è stato persino dato il soprannome di "Feramen-giradischi". Euripide considera un merito aver introdotto il buon senso nella poesia. Ma Eschilo crede che le opere di Eschilo abbiano avuto una cattiva influenza sugli Ateniesi. Afferma nella commedia di Aristofane che Euripide ha reso le persone ragionevoli, oneste e sincere dei mascalzoni. Le persone che hanno letto le sue opere erano eroi ai loro tempi, ben fatte, non hanno intrecciato litigi, hanno vinto guerre. Le sue opere "Sette contro Tebe" e "Persiani" erano piene dello spirito di guerra e ispirarono il desiderio di vittoria degli Ateniesi. Il famoso comandante Lamah, morto durante i giorni della spedizione siciliana, è stato educato alle sue opere. Quanto a Euripide, ha portato in scena, secondo Eschilo, la "troia" Fedra (nella tragedia "Ippolito"). L'immagine di una donna innamorata è completamente estranea all'opera eroica di Eschilo. Eschilo vede nella rappresentazione delle donne innamorate sul palco il declino della moralità ad Atene. Crede che non siano degni dell'immagine. Ma Euripide ha creato un vero dramma psicologico. Ritrae la psicologia di ciascuno dei personaggi. Nelle opere di Euripide erano frequenti detti senza Dio, nella commedia prega anche divinità diverse da Zeus. Alla fine, Dioniso usa gli stessi detti, scegliendo Eschilo come vincitore.
La commedia di Aristofane "Le rane" fornisce una descrizione molto soggettiva dei due più grandi tragici. In realtà, questa è una critica a Euripide, la cui opera Aristofane contrastava con Eschilo. Certo, Aristofane, da persona istruita, capì che il nuovo tempo richiedeva nuove idee e mezzi di espressione artistica, quindi non poté fare a meno di vedere la progressività della drammaturgia di Euripide. D'altra parte, l'interesse di Euripide per il mondo interiore di una persona, per le passioni che lo travolgono e per il tragico esito dei conflitti, a cui conduce l'incompatibilità di sentimenti contrastanti, ha distrutto anche l'integrità dei fondamenti morali su cui poggiava la democrazia ateniese era basata, che preferiva il pubblico al personale, come la filosofia dei sofisti. . Aristofane nella commedia ha fornito una descrizione molto dettagliata dei loro principi creativi, del loro stile poetico e delle caratteristiche della produzione.
43. Dramma quotidiano di Menander "Arbitration Court" e il suo uso in
Letteratura romana ("Suocera" Terenzio).
Breve rivisitazione commedia di Menandro "The Grouch". [Prima che la storia iniziasse, ma era di grande importanza. Un giovane ricco di nome Kharisius violentò una ragazza a lui sconosciuta durante la festa di Tauropoli. In effetti, avrebbe dovuto sposare questa ragazza, ma è successo tutto di notte, Kharisy non ricordava nulla e non si sono riconosciuti. Ben presto sposò Pamphila, che era quella disonorata, ma lui e lei non si ricordavano. Il marito se n'è andato da qualche parte e lei ha dato alla luce un figlio illegittimo. Cosa fare? Il marito la lascerà dopo! Decide di abbandonare il bambino. La serva di suo marito Onesimo viene a sapere di questo. Racconta tutto al proprietario. Secondo le leggi di Atene, Charisios aveva il diritto di restituire Panphyla ai suoi genitori, perché era stato ingannato dal fatto che fosse una ragazza. Ma non osa farlo, ma va semplicemente dal suo vicino amico Herestrat per bere e divertirsi]. È qui che inizia la commedia. Charisius si sta divertendo a una festa con un flautista di nome Gabrotonon, ma lei stessa afferma che non la lascia andare al palco. Il padre di Pamphila, Smikrin, non sapendo nulla del parto, viene a prendere la figlia da un genero infedele, che spende solo la dote e non le presta attenzione. Ma Pamphila è una ragazza di carattere. Non vuole lasciare suo marito. In quel momento, il pastore Colomba trovò il bambino abbandonato. Il bambino aveva ricchi doni e un anello. Prese il bambino, ma presto si rese conto che non aveva nulla da dargli da mangiare. Ha lasciato i regali a casa, ma voleva dare il bambino a qualcuno. Ho incontrato il mio amico Sirisk, un minatore di carbone. Sirisk era uno schiavo di Harestraat e implorò che gli fosse dato il bambino. Diede. Ma poi Sirisk iniziò a pregarlo di regalare cose ricche, in modo che se i genitori del bambino fossero stati trovati, avrebbero potuto identificarlo. Non vuole. Quindi chiedono a Smikrin di giudicarli. Smikrin, avendo sentito qual era il problema, lascia i doni e il bambino a Sirisk. In questo momento, Onesimo vede l'anello nelle mani di Sirisk. Dichiara che questo è l'anello del suo maestro Charisius, e lo ha perso al festival di Tauropolis. Prende l'anello, ma non osa mostrarlo a Kharisiya, perché poi dovrà riconoscere la paternità di un bambino sconosciuto. Geter Gabr esce dalla casa di Herestrat O tonon e vede Onesimo con un anello. Le racconta tutto e lei ricorda che nella Tauropolia, dove si trovava, una ragazza è stata violentata. Conosce la sua faccia, ma non conosce il suo nome. Suggerisce che Charisius venga prima messo alla prova: fingere che fosse questa ragazza nella Tauropolia, e poi, quando confesserà la sua paternità, trovare la madre. E così fa. Poi accompagna la bambina e incontra Pamfila, nella quale riconosce sua madre. Smikrin sta cercando di prendere sua figlia da suo genero, che, a quanto pare, ha ancora un figlio da un'etera, ma lei risponde che non lascerà suo marito nei guai. Charisius sente e, commosso, si rende conto di non essere degno di sua moglie. Qui Gabrotonon gli annuncia chi è la madre del bambino. C'è sollievo generale. A Gabroton, come salvatore, viene concessa la libertà Breve rivisitazione commedia Terence "Suocera". Pamfil e Filumena, recentemente sposati, sono costretti a separarsi per un po'. Durante il loro matrimonio, Panfilo, ancora innamorato della sua ex fidanzata Bacchida, non tocca la moglie. Pamfil parte per affari su Imbros, e Filumena ha un bambino prematuro. Il marito tornato trova il parto nella casa dei genitori della moglie, dai quali lei è tornata, presumibilmente non andando d'accordo con la suocera. Panfilo sospetta sua moglie di tradimento e non vuole più vederla, e torna dalla sua vecchia fidanzata, hetera Bacchis. Non tradisce a nessuno i segreti della moglie e dice di essere arrabbiato con lei perché non rispetta la suocera Sostrata. Sostrata è pronta per andare in paese, se solo i giovani fossero contenti. Anche il padre di Pamphila, Lachete, e il padre della sposa, Fidippo, stanno cercando di risolvere il conflitto. Ciò è ottenuto anche dall'etera Bacchis, che riesce a stabilire che l'anello che indossa Philumena le è stato regalato da Panfilo, che ha commesso violenza contro di lei prima del matrimonio, durante una vacanza quando era ubriaco. La commedia si conclude felicemente, il bambino trova un padre e tutti i personaggi, comprese le etere, si rivelano gentili e nobili.
Menandro - l'ultimo poeta che l'Attica ha dato alla luce. Nacque ad Atene nel 342 a.C. e visse una lunga vita fino al 293. Ha lavorato in epoca ellenistica. Questo drammaturgo divenne il creatore della commedia neo-attica (IV-III secolo aC). In effetti, questo genere può essere descritto come un dramma quotidiano con elementi di tragedia e commedia. Menandro ha messo in scena più di cento di queste commedie, ma ai suoi contemporanei non piaceva. Apparteneva alla più alta aristocrazia, era l'antenato di Solone. Dopo la caduta della democrazia ateniese, suo caro amico Demetrio di Falero divenne governatore della Macedonia in Grecia.
Menandro ha creato spettacoli di natura conciliante. La commedia non esprimeva più problemi sociali, come aveva fatto sotto Aristofane. L'autore era preoccupato per l'idea di partire nella vita privata, promuoveva i principi dell'umanità - negava il trattamento crudele degli schiavi. Era una posizione morbida, umana, intelligente. Rifletteva ciò che stava accadendo in Attica. La gente non era più interessata alla politica e si addentrava nella vita privata. Menandro era anche un seguace di Talete, che perseguiva l'idea dell'uguaglianza di tutti i cittadini nello stato.
La drammaturgia di Menandro è il successore dell'antica commedia e tragedia di Euripide. Le sue commedie per molti aspetti continuano le tradizioni della commedia allegra della città alla festa di Dioniso, poiché nonostante tutte le prove che attendono gli eroi, la fine della commedia è sempre felice. I motivi costanti di Menandro - violenza contro una ragazza, lancio di bambini, riconoscimento - erano già usati da Euripide. Ma in Euripide questi motivi sono legati alla vita di tutti i giorni, mentre in Menandro sono trasferiti alla vita di tutti i giorni.
I personaggi quotidiani di Menandro, che ha raffigurato così magistralmente nella sua commedia, erano condizionati dai fenomeni della vita sociale. Le persone sono stanche di guerre, conflitti e sconvolgimenti. Anche i suoi personaggi sono senza grandi pretese. Il loro ideale è una tranquilla vita familiare in abbondanza. Nelle sue opere non c'era puramente comico, c'era un misto di comico e tragico. Il monologo e il dialogo dell'autore sono discorsi quotidiani. Non ci sono espressioni arcaiche qui. Il coro sta gradualmente abbandonando la commedia. Così, nella "Corte Arbitrale" ci sono scene corali solo alla fine delle azioni, tra gli atti.
Commedia "Tribunale arbitrale". È stato conservato per circa due terzi. La data della sua produzione è sconosciuta, ma secondo la padronanza delle caratteristiche psicologiche, gli scienziati l'hanno collocata alla fine del lavoro di Menandro. Prima di tutto, questa commedia si distingue per una magistrale delineazione dei personaggi. Menandro ha creato un'intera galleria di tipi, che sono stati poi utilizzati attivamente nella letteratura mondiale. Ma ciò che è importante, è riuscito ad arricchire le immagini tipiche, a renderle vive e autentiche. Si tratta di immagini come:
Vecchio uomo. Parsimonioso, scontroso padre di una ragazza. Avido. Nel "Tribunale arbitrale" questo ruolo è svolto da Smikrin padre di Panfila. Dopo aver appreso delle avventure di suo genero, decide di portare sua figlia a casa, perché ha paura che Charisius spenda tutte le donazioni in intrattenimento e getter.
Etera. Una donna istruita. Sapeva come portare avanti una conversazione, era talentuosa, intelligente, istruita, una spanna al di sopra delle normali donne greche domestiche. Nel Tribunale Arbitrale il ruolo dell'etera è svolto da Gabroton- flautista. È una tipica attrice comica, ma la gentilezza, l'onestà e l'amore per la libertà diventano i suoi tratti individuali. Non è solo intelligente, ma anche astuta. Sa come fare in modo che gli amanti stiano insieme e le viene data la libertà. Partecipa attivamente all'azione e contribuisce alla risoluzione più rapida del conflitto. In relazione a Pamphila, si comporta nobilmente. All'inizio voleva usare il trovatello per i propri scopi, ma poi ha restaurato la famiglia.
"Arbitrato" era considerato un classico esempio di una nuova commedia. Al centro della commedia c'è una storia insolita di una coppia sposata, davanti alla cui casa si svolge l'azione. Si svolge vicino ad Atene.
Idee importanti: Quando il figlio di Pamphila viene raccolto da Sirisk, rivendica i diritti del bambino su ciò che è stato piantato con lui. Per la prima volta nella commedia è stata avanzata l'idea che un bambino abbandonato abbia dei diritti. L'essenza della commedia è che la felicità delle persone dipende da se stesse e il destino di una persona, non esente da incidenti, è sempre determinato dal suo carattere. Lo dice anche il servitore Onesimo, il quale afferma che tutte le cure degli dei per le persone si riducono alla distribuzione dei caratteri.
La commedia quotidiana, sebbene realistica, era completamente artificiale. La società greca stava perdendo il controllo sul proprio destino. Restava da costruire castelli in aria, la commedia si allontanava sempre di più dalla realtà.
Mettiti in mostra: Aristofane di Bisanzio disse: “Menandro e la vita, chi di voi ha imitato chi? "
Uso successivo nella letteratura romana ed europea. Menandro è l'antenato del dramma quotidiano, passato poi alla letteratura romana. Le sue commedie sono caratterizzate da 5 atti, sviluppati intrighi con vari motivi: il rapimento di una ragazza, un bambino abbandonato, la perdita di memoria. Il caso gioca un ruolo enorme nelle commedie di Menandro. È il caso che aiuta a risolvere il conflitto. Una tale soluzione al conflitto era caratteristica della successiva letteratura popolare.
I comici romani fecero ampio uso delle commedie di Menandro, in particolare Terenzio, soprannominato "Mezzo Menandro" da Cesare. Ma gli scrittori romani hanno trattato le fonti in modo così arbitrario che è assolutamente impossibile scoprire l'originalità degli originali greci dalle alterazioni latine.
Publio Terenzio (190-159 a.C.)- era uno schiavo liberato del senatore Terenzio, portato a Roma da Cartagine. Ha ricevuto la sua educazione a Roma, dove ha conosciuto la commedia neo-attica e ha iniziato a scrivere le sue opere basate sulle sue trame. Ha mostrato grande interesse per il lavoro di Menandro (4 delle sue commedie risalgono a Menandro). Non solo ha disegnato trame, ma ha anche cercato di ricreare i sottili personaggi menandrei e l'orientamento umano delle sue opere. Terenzio ha creato una commedia imitativa. Ha trasmesso non solo la trama, ma anche i personaggi e lo stile del dramma neoattico. La trama della sua "suocera" non è molto diversa dal "tribunale arbitrale". Ha cercato solo di dare credibilità realistica alle opere di Menandro. Se gli eroi di Menandro sono tipi ideali, gli eroi di Terence sono individui più vicini alla realtà. Così, nella suocera c'è una scena tra lo schiavo Parmenon e l'etero Filotida, dove lei gli chiede di raccontargli del fallimento del matrimonio di Panfilo, poiché è l'ex amante della sua amica Bacchida. All'inizio Parmenon rifiuta, ma lei gli dice: "Tu stesso vuoi parlarmene!" E sospirò: "Sì, questo è il mio più grande vizio". Come le opere di Menandro, le opere di Terence non erano molto popolari.
Se nel periodo precedente l'attività principale per i romani era l'attività statale, ora il tempo libero, la letteratura e la filosofia cominciarono ad acquisire un'importanza crescente nella vita dei romani. Gli affari culturali venivano trattati privatamente, in casa, e non in piazza, come era consuetudine in Grecia. L'opera di Terenzio era un riflesso di una tale cerchia di nobili colti. La morale romana tradizionale viene rivista, la vita dei greci diventa l'ideale.
Nel prologo dell'opera "Suocera" Terenzio racconta che il pubblico interruppe due volte lo spettacolo, uscendo dal teatro per assistere ai ballerini o ai giochi dei gladiatori. Sebbene le commedie di Terence siano destinate a pochi, i suoi successi nella caratterizzazione sono significativi e non sono passati inosservati nella storia della letteratura. Terenzio ha cercato di trasmettere al pubblico la sottigliezza dei personaggi di Menandro e l'eleganza del linguaggio della commedia neo-attica. Nelle sue commedie non ci sono battute rozze, espressioni areali, buffonate. Le sue opere appartengono al genere dei "drammi commoventi", "commedia in lacrime". A differenza di Menandro, ci sono momenti più filosofici nell'opera.
Le trame di Terenzio sono tratte dalla commedia neo-attica. Nelle sue commedie, giovani innamorati, etere, ragazze libere, padri severi, schiavi compiacenti, magnaccia agiscono anche come eroi. Ma, come Menandro, cerca di arricchire le immagini tipiche con caratteristiche individuali. Uno dei personaggi centrali delle sue opere è un giovane che è in balia dei suoi sentimenti ardenti, che sceglie una linea d'azione per se stesso e riflette su quale strada dovrebbe prendere. Il problema dell'educazione risulta essere uno dei principali per il poeta.
È interessante notare che la suocera nella commedia non è affatto malvagia. E gentile e in tutto cerca di riconciliare i giovani sposi.
Misha
44. Epopea ellenistica di Apollonio di Rodi "Argonautica".
Breve rivisitazione:
La poesia inizia con un elenco di eroi che Jason raccoglie da tutta la Grecia per inseguire il vello d'oro - la pelle di un ariete d'oro, su cui una volta il principe Frix fuggì dalla Grecia (fuggì dalle persone entusiaste di uccidere dalla sua matrigna Frix ). Gli eroi furono riuniti, Arg costruì una nave con 50 remi, si sedette e navigò attraverso il Mar Egeo. Siamo finiti sull'isola di Lemnos, dove vive una tribù come le Amazzoni. Abbiamo vissuto lì per qualche tempo, poi siamo andati al Mar di Marmara e lì abbiamo fatto la nostra prima tappa. Hylas, amico di Ercole, si recò nella foresta costiera, si chinò verso il torrente e fu trascinato in acqua dalle ninfe. Ercole corse a salvarlo. Gli altri pensarono a cosa fare, poi un'enorme testa apparve dal mare e disse di lasciare Ercole e continuare a nuotare. Al secondo parcheggio nel Mar di Marmara, Dioscurus Polideuces, figlio di Zeus e dell'Argonauta, ha combattuto con il leader locale e il figlio di Poseidone, che amava bagnare gli alieni in una scazzottata. Il capo ha perso, la sua tribù è stata sconfitta e ha navigato. La terza stazione era anche nel Mar di Marmara, e lì salvarono il vecchio re-indovino Fineo dalle arpie, inviando loro (le arpie) alcuni Boreadi alati. Fineo spiegò loro come navigare. Più avanti, si rivelò essere quello che oggi viene chiamato lo stretto del Bosforo, e poi era uno spazio vuoto tra due rocce erranti. Su consiglio di Fineo, lanciarono una colomba e lei riuscì a scivolare via, avendo perso diverse piume dalla coda. Ciò significa che passeremo, decisero gli Argonauti, infilarono la testa e, non senza l'aiuto di Atena, passarono, lasciando nel vuoto diverse assi dalla poppa. Le rocce gelarono e divennero le rive del Bosforo. Nel Mar Nero incontrano diverse terre (tribù amazzoniche, residenze di Apollo e Artemide, nidi di uccelli di rame, ecc.). In Colchide, chiedono aiuto ad Afrodite, e lei dice a Eros di innamorarsi della figlia del re locale Medea in Giasone. Giasone compie prove impossibili al re Eet, con l'aiuto di Medea, ruba il vello d'oro custodito dal drago, lo carica (e contemporaneamente Medea) sulla nave e salpa. Lungo la strada vengono raggiunti dal figlio di Eeta con il suo popolo, lo uccidono e salpano per Circe (la parte occidentale del Mar Mediterraneo) per espiare il peccato. Quindi navigano quasi lungo la rotta di Ulisse (la madre di Achille Teti li aiuta a saltare su Scilla e Cariddi su un'onda marina, e le sirene sono soffocate dalla musica dell'argonauta Orfeo), e in Theakia vengono raggiunti dal secondo inseguimento dalla Colchide. Il re dei feaci decide che Medea dovrebbe essere data via se non è ancora la moglie di Giasone, e di notte celebrano segretamente le nozze nella grotta. Alla fine una tempesta li fa arenare in Africa, prendono in mano la nave e 12 giorni e 12 notti attraversano il deserto. Poi cadono in un'oasi e, dal serpente morto e dalle rocce distrutte, capiscono che Ercole è già stato qui. Alla fine arrivano al punto di partenza e tornano a casa. È qui che finisce l'azione della poesia.
Modi impressionistici di rappresentare la realtà nel racconto di Nikolay Khvylovy "Il gatto con gli stivali"
Volnovy, dopo V. Stefanik e M. Kotsiubynsky, ha creato il proprio stile nella scrittura ucraina, una sorta di racconto lirico-romantico e impressionista. Uno dei racconti dello scrittore, "Il gatto con gli stivali", sebbene sia basato su una base realistica - gli anni difficili della guerra civile, contiene un potente flusso lirico-impressionistico. In questo racconto, eventi realistici sono presentati come attraverso il prisma di una percezione impressionistica della realtà.
Per analizzare il racconto "Il gatto con gli stivali" da questo punto di vista, ricordiamo brevemente l'essenza ei principi estetici dell'impressionismo.
L'impressionismo è una tendenza artistica nell'arte della seconda metà del XIX e dell'inizio del XX secolo, sebbene sia sorto nella cerchia degli artisti, i principi della rappresentazione impressionistica dell'ambiente sono passati rapidamente alla letteratura. Gli scrittori hanno cercato con grazia, attraverso dettagli artistici, di trasmettere impressioni soggettive momentanee e mutevoli di qualcosa e le più piccole sfumature dalle osservazioni della realtà circostante. Ed è in continuo mutamento. Di conseguenza, il compito degli impressionisti era quello di "catturare" e catturare un momento unico di impressione da un oggetto, paesaggio o altro. Le opere, come prima le tele, sono state dipinte con tratti di dettaglio, che si esprimono in microimmagini sonore, visive, tattili o dei suoi elementi. Dinamismo, proceduralità, mistero, rozimknenist nell'eternità - le caratteristiche dell'impressione dell'immagine.
Tali caratteristiche, secondo me, hanno l'immagine di un "gatto con gli stivali" - il compagno Zhuchka. Il racconto "Il gatto con gli stivali" può essere analizzato sotto tre aspetti: problemi specifici; organizzazione compositiva; mezzi visivi.
Uno dei problemi più importanti in questo racconto è il problema della discrepanza tra sogno e realtà. M. Volnovoi, da impressionista, cerca di rappresentare l'arrivo del futuro felice desiderato attraverso l'umanità e la spontaneità di un compagno
Bug, descrive il tempo personale di Bug evitando il tempo storico, ma l'inesorabile realtà mostra il vero stato delle cose.
E da qui - due piani temporanei: un futuro immaginario (o un passato affascinante) e un presente sgradevole si oppongono ad esso.
Sogno: "... l'inizio è ottobre, e l'epilogo è l'età del sole, e ci stiamo andando". Realtà: la caduta dei fondamenti morali nella società durante gli anni rivoluzionari; mancanza di carburante e molto altro; questione nazionale irrisolta (russi e ucraini); la verità sul compagno Zhuchka.
Se proviamo a determinare la composizione del racconto, arriveremo alla conclusione che manca. Più precisamente, non esiste una composizione classica con trama, sviluppo dell'azione, epilogo, ma ci sono tratti di trama separati. E questo indica direttamente la natura impressionistica della composizione dell'opera. Lo stesso autore del racconto avverte: "E non ti aspetterai un legame da me... Un epilogo nei poeti della chitarra..." Quali tratti si possono vedere nella composizione del racconto? Credo che ce ne siano cinque principali: l'immagine del compagno Bug; guerra civile, treno merci; un incontro accidentale dell'eroe lirico con il compagno Zhuchk alla fine della guerra; "discussione"; la verità sul compagno Zhuchka. Questi tratti non sono direttamente correlati tra loro, ma se li guardi tutti insieme, è più di un'immagine in rilievo di questo periodo. È persino possibile fare una previsione dello sviluppo della società sulla base di questi fatti.
Per quanto riguarda l'impressionismo dei mezzi visivi, ce ne sono molti. Ecco solo alcuni esempi eclatanti.
In che modo l'autore del romanzo ritrae il suo personaggio principale? Il non impressionista avrebbe cominciato a farlo in modo descrittivo. M. Volnovoi lo fa in modo diverso: sembra che non dica nulla direttamente su una persona, ma abbiamo una certa impressione: “Gapka è sordo, non siamo Gapka, ma il compagno Zhuchok. Questo è così, ma quello è sordo. Oppure: "Ma il ricamo è luminoso, perché ricamare: ricamare con oro o argento", "Ricamato è una parola profumata, come accade a settembre o l'erba nei sinovals - erba quando lo spirito lo accompagna al carice allagato". L'autore utilizza insolite immagini associative e istantanee per raffigurare il compagno Zhuchka: "Il gatto con gli stivali" ... caldo e vicino, come una mano con una vena blu, come una sera trasparente nei chervonet autunnali.
Prossimo esempio. M. Volnovaya solo con frasi nominali e parole sonore descrive tutto il tumulto dei lunghi anni di guerra: “Piangi! Gridare! Gridare! Whoo! Whoo! Bach! Bach!
Gridare! Gridare! Gridare! Est. Ovest. Nord. Sud. Russia. Ucraina. Siberia. Polonia. Turkestan, Georgia. Bielorussia.
Un mese, due, tre, sei, dodici... ancora, ancora, ancora... Whoo! Whoo! Bach! Bach!
I mesi sono volati via".
Dov'è finito il "gatto con gli stivali" - compagni Zhuchki -? Per "Il compagno Bug n. 1 non lo è". Invece - n. 2, 3, 4, ecc. Forse è morta durante le guerre senza fine, forse si è trasformata, nelle parole dello stesso M. Khvylovy, "nel bastardo del mondo", o forse è diventata un normale burocrate. Ma l'immagine unica del compagno Zhuchka è stata ricordata dall'autore per sempre.
Artisti e scultori, designer e architetti: tutte queste persone portano quotidianamente bellezza e armonia nelle nostre vite. Grazie a loro guardiamo le statue nei musei, ammiriamo i dipinti, ci meravigliamo della bellezza degli edifici antichi. L'arte moderna ci stupisce, l'arte classica ci fa riflettere. Ma in ogni caso, le creazioni umane ci circondano ovunque. Pertanto, è utile comprendere questo problema.
Belle arti
L'arte è spaziale. Cioè, ha una forma oggettiva che non cambia nel tempo. Ed è proprio dall'aspetto di questa forma che si distinguono i tipi di belle arti.
Possono essere suddivisi in diverse categorie. Ad esempio, in base al momento dell'apparizione. Fino al XIX secolo solo tre tipi erano considerati i principali: scultura, pittura e architettura. Ma la storia delle belle arti si sviluppò e presto la grafica si unì a loro. Successivamente si sono distinti altri: decorativi e applicati, teatrali e decorativi, design e altri.
Ad oggi, non c'è consenso su quali tipi di belle arti debbano essere distinti. Ma ce ne sono alcuni principali, la cui esistenza non causa alcuna polemica.
Pittura
Il disegno è un tipo di arte in cui le immagini vengono trasmesse con l'aiuto di coloranti. Sono applicati su una superficie solida: tela, vetro, carta, pietra e molto altro.
Per la pittura vengono utilizzati colori diversi. Possono essere olio e acquerello, silicato e ceramica. Allo stesso tempo, c'è un dipinto a cera, smalto e altri. Dipende da quali sostanze vengono applicate sulla superficie e da come vengono fissate lì.
Ci sono due direzioni nella pittura: cavalletto e monumentale. Il primo unisce tutte quelle opere che vengono create su varie tele. Il suo nome deriva dalla parola "macchina", che si riferisce a un cavalletto. Ma la pittura monumentale è un'arte raffinata che viene riprodotta su varie strutture architettoniche. Questi sono tutti i tipi di templi, castelli, chiese.
Architettura
La costruzione è una forma monumentale di arte visiva, il cui scopo è costruire edifici. Questa è praticamente l'unica categoria che non ha solo valore estetico, ma svolge anche funzioni pratiche. Dopotutto, l'architettura implica la costruzione di edifici e strutture per la vita e le attività delle persone.
Non riproduce la realtà, ma esprime i desideri ei bisogni dell'uomo. Pertanto, la storia delle belle arti è meglio tracciata attraverso di essa. In tempi diversi, il modo di vivere e le idee sulla bellezza erano molto diversi. È per questo che l'architettura permette di tracciare il volo del pensiero umano.
Inoltre, questa specie è fortemente dipendente dall'ambiente. Ad esempio, la forma delle strutture architettoniche è influenzata dalle condizioni climatiche e geografiche, dalla natura del paesaggio e molto altro.
Scultura
Questa è un'arte antica, i cui campioni hanno un aspetto tridimensionale. Sono realizzati mediante fusione, intaglio, taglio.
Fondamentalmente, pietra, bronzo, legno o marmo vengono utilizzati per realizzare sculture. Ma recentemente, il cemento, la plastica e altri materiali artificiali non hanno guadagnato meno popolarità.
La scultura ha due varietà principali. È circolare o in rilievo. In questo caso la seconda tipologia si divide in alta, bassa e mortasa.
Come nella pittura, nella scultura ci sono direzioni monumentali e da cavalletto. Ma separatamente anche distinguere decorativo. Sculture monumentali sotto forma di monumenti e monumenti adornano le strade, designano luoghi importanti. Cavalletto utilizzato per decorare i locali dall'interno. E quelli decorativi decorano la vita di tutti i giorni come piccoli oggetti di piccola plastica.
Arti grafiche
È un'arte decorativa che consiste in disegni e stampe artistiche. La grafica differisce dalla pittura nei materiali, nelle tecniche e nelle forme utilizzate. Per creare incisioni o litografie, vengono utilizzate macchine e attrezzature speciali per stampare immagini. E i disegni sono realizzati con inchiostro, matita e altri materiali simili che consentono di riprodurre le forme degli oggetti, la loro illuminazione.
La grafica può essere cavalletto, libro e applicata. Il primo viene creato grazie a dispositivi speciali. Queste sono incisioni, disegni, schizzi. Il secondo decora le pagine dei libri o le loro copertine. E il terzo sono tutti i tipi di etichette, imballaggi, marchi.
Le prime opere di grafica sono pitture rupestri. Ma il suo risultato più alto è la pittura vascolare nell'antica Grecia.
Arti e mestieri
Questo è un tipo speciale di attività creativa, che consiste nella creazione di vari articoli per la casa. Soddisfano le nostre esigenze estetiche e spesso hanno funzioni utilitarie. Inoltre, prima venivano realizzati proprio per motivi pratici.
Non tutte le mostre di belle arti possono vantare la presenza di arti e mestieri, ma sono in ogni casa. Si tratta di gioielli e prodotti in ceramica, vetri dipinti, oggetti ricamati e molto altro.
L'arte raffinata e applicata riflette soprattutto il carattere nazionale. Il fatto è che la sua componente importante è l'artigianato artistico popolare. E loro, a loro volta, si basano sui costumi, le tradizioni, le credenze e lo stile di vita delle persone.
Dall'arte teatrale e decorativa al design
Nel corso della storia compaiono sempre più nuovi tipi di belle arti. Con la formazione del primo tempio di Melpomene sorse l'arte teatrale e decorativa, che consiste nella fabbricazione di oggetti di scena, costumi, scenografie e persino trucco.
E il design, come una delle forme d'arte, sebbene sia apparso nell'antichità, solo di recente è stato individuato in una categoria separata con le proprie leggi, tecniche e caratteristiche.
Generi artistici
Ogni opera che esce dalla penna, dal martello o dalla matita del maestro è dedicata a un tema specifico. Dopotutto, creandolo, il creatore voleva trasmettere i suoi pensieri, sentimenti o persino la trama. È in base a queste caratteristiche che si distinguono i generi di belle arti.
Per la prima volta, nei Paesi Bassi nel XVI secolo si pensò a qualsiasi sistematizzazione di un'enorme quantità di patrimonio culturale. A quel tempo si distinguevano solo due categorie: generi alti e bassi. Il primo includeva tutto ciò che contribuiva all'arricchimento spirituale di una persona. Erano opere dedicate a miti, religione, eventi storici. E al secondo - cose legate alla vita di tutti i giorni. Queste sono persone, oggetti, natura.
I generi sono forme di visualizzazione della vita nelle arti visive. E con esso cambiano, si sviluppano ed evolvono. Passano intere epoche di belle arti, mentre alcuni generi acquistano un nuovo significato, altri muoiono, altri nascono. Ma ce ne sono diversi principali che hanno attraversato i secoli ed esistono ancora con successo.
Storia e mitologia
Gli alti generi del Rinascimento includevano storico e mitologico. Si credeva che non fossero destinati a un semplice laico, ma a una persona con un alto livello di cultura.
Il genere storico è uno dei principali nelle arti visive. È dedicato a ricreare quegli eventi del passato e del presente che sono di grande importanza per un popolo, un paese o una località separata. Le sue fondamenta risalgono all'antico Egitto. Ma si formò pienamente già in Italia, durante il Rinascimento, nelle opere di Uccelo.
Il genere mitologico comprende quelle opere d'arte che riflettono trame leggendarie. Già nell'arte antica apparvero i suoi primi esempi, quando i poemi epici divennero normali storie istruttive. Ma le più famose sono le opere del Rinascimento. Ad esempio, affreschi di Raffaello o dipinti di Botticelli.
Le trame delle opere d'arte di genere religioso sono vari episodi del Vangelo, della Bibbia e di altri libri simili. Nella pittura, i suoi famosi maestri furono Raffaello e Michelangelo. Ma il genere ha trovato il suo riflesso anche nelle incisioni, nella scultura e persino nell'architettura, data la costruzione di templi e chiese.
Guerra e vita
Mostrare la guerra nell'arte è iniziata nell'antichità. Ma questo tema è stato sviluppato attivamente nel XVI secolo. Tutti i tipi di campagne, battaglie e vittorie trovarono espressione in sculture, dipinti, incisioni e arazzi dell'epoca. Chiamano le opere d'arte su questo argomento un genere di battaglia. La parola stessa ha radici francesi e si traduce come "guerra". Gli artisti che dipingono tali quadri sono chiamati pittori di battaglie.
Al contrario, esiste un genere quotidiano nelle arti visive. È un lavoro che riflette la quotidianità. È difficile tracciare la storia di questa direzione, perché non appena una persona ha imparato a usare gli strumenti, ha iniziato a catturare la sua dura quotidianità. Il genere quotidiano nelle arti visive ti consente di conoscere gli eventi accaduti migliaia di anni fa.
Persone e natura
Un ritratto è una rappresentazione di una persona nell'arte. Questo è uno dei generi più antichi. È interessante notare che inizialmente aveva un significato di culto. I ritratti sono stati identificati con l'anima di una persona deceduta. Ma la cultura delle belle arti si è sviluppata e oggi questo genere ci permette di vedere le immagini di persone di epoche passate. Il che rende l'idea degli abiti, della moda e dei gusti di quel tempo.
Il paesaggio è un genere di belle arti in cui l'oggetto principale è la natura. Ha avuto origine in Olanda. Ma la stessa pittura di paesaggio è molto varia. Può mostrare sia la natura reale che quella fantastica. A seconda del tipo di immagine si distinguono paesaggi rurali e urbani. Quest'ultimo include sottospecie come industriale e veduta. Inoltre, parlano dell'esistenza di paesaggi panoramici e da camera.
Si distingue anche il genere di animazione. Queste sono opere d'arte raffiguranti animali.
Tema marino
I paesaggi marini rappresentano principalmente la prima pittura olandese. Le belle arti di questo paese hanno dato origine allo stesso genere marina. È caratterizzato dai riflessi del mare in tutte le sue forme. Gli artisti marini dipingono gli elementi ribollenti e la superficie dell'acqua serena, battaglie rumorose e velieri solitari. Il primo dipinto di questo genere risale al XVI secolo. Su di esso, Cornelis Antonis ha raffigurato la flotta portoghese.
Sebbene il porto turistico sia più un genere di pittura, puoi trovare motivi d'acqua non solo nei dipinti. Ad esempio, le arti decorative e visive usano spesso elementi di paesaggi marini. Può essere arazzi, gioielli, incisioni.
Elementi
Natura morta - principalmente anche un genere di pittura. Il suo nome è tradotto dal francese come "natura morta". In effetti, gli eroi delle nature morte sono vari oggetti inanimati. Di solito si tratta di cose di tutti i giorni, così come verdure, frutta e fiori.
La caratteristica principale di una natura morta può essere considerata la sua apparente assenza di trama. Tuttavia, questo è un genere filosofico che in ogni momento rifletteva la connessione tra l'uomo e il mondo esterno.
I prototipi delle nature morte si trovano nella pittura monumentale di Pompei. Successivamente questo genere entrò a far parte di altri dipinti. Ad esempio, dipinti religiosi. Ma il nome dietro di esso è stato stabilito solo nel XVI secolo.
L'arte è un modo per conoscere la realtà e il posto dell'uomo in essa. Ti permette di ricreare la realtà con l'aiuto di varie immagini visive. Le opere di quest'arte trovano il loro posto non solo nei musei o nelle mostre, ma anche nelle strade cittadine, nelle case e nelle biblioteche, nei libri e persino nelle buste. Sono tutti intorno a noi. E il minimo che possiamo fare è imparare ad apprezzare, comprendere e preservare lo straordinario patrimonio che abbiamo ereditato dai grandi maestri delle epoche passate.