© Zhivov V.L., 2003, 2018
© LLC Casa editrice VLADOS, 2018
Prefazione alla seconda edizione
La cultura corale è una delle specie antiche attività artistica. IN paesi diversi il suo sviluppo è proceduto in modi diversi, ma ha sempre contenuto l'unità di creatività corale, esecuzione corale e pedagogia corale. Queste tre componenti interconnesse definiscono il concetto: la cultura corale del popolo, il cui studio, insieme ad altre discipline del ciclo direttore-coro, costituisce l'obiettivo più alto della materia degli studi corali. Allo stesso tempo, non dobbiamo dimenticare che la cultura corale non è qualcosa di isolato, ma parte di un comune cultura musicale e l'esecuzione corale (nonostante le sue caratteristiche intrinseche) è solo uno dei tipi di esecuzione musicale che obbedisce alle sue leggi generali.
Lo stesso vale per la pedagogia corale del direttore. La restrizione della materia "studi corali" a una ristretta cerchia di problemi tecnologici, l'orientamento dei futuri maestri di coro alla soluzione di problemi prevalentemente tecnici (cosa purtroppo ancora diffusa), crea terreno fertile per la formazione di musicisti artigiani in grado di organizzare un coro e apprendere opere musicali con esso, ma molto lontano dai problemi di interpretazione dell'intenzione dell'autore, dalla vera interpretazione esecutiva della musica.
I moderni studi corali dovrebbero oggi essere un campo della musicologia che generalizza la teoria e la pratica dell'esecuzione corale, sia professionale che amatoriale. Essendo parte del sistema di direzione e formazione corale dei futuri maestri di coro, è progettato per formare in loro non solo conoscenze, abilità e abilità speciali per dirigere un coro, ma anche per contribuire all'arricchimento e all'approfondimento delle informazioni ottenute in altri corsi di formazione - nelle classi di direzione d'orchestra, canto, lettura di spartiti corali, solfeggio, armonia, storia della musica, psicologia, pedagogia. In definitiva, dovrebbe mirare a educare uno specialista altamente erudito, una personalità creativa e un'individualità performante.
Se ti rivolgi al "Dizionario della lingua russa", puoi vedere che le parole "critica d'arte" e "critica letteraria" sono interpretate in esso come "scienza dell'arte" e "scienza della letteratura". Con la stessa logica, la parola "studi corali" significa "la scienza del coro". E se è una scienza, dovrebbe includere almeno tre aree principali: la storia della cultura corale, la teoria corale e i metodi di lavoro con il coro. A sua volta, la conoscenza della storia della cultura corale è inconcepibile senza lo studio della creatività corale di compositori, esecutori e gruppi esecutori e, di conseguenza, senza la letteratura corale e la storia e la teoria dell'esecuzione corale. Non sarebbe fuori luogo includere lo studio della storia dell'educazione corale. Questa enumerazione da sola testimonia in modo eloquente l'evidente saturazione dei problemi del corso di "studi corali", che richiede di selezionare alcune aree più locali dalla gamma "completa" dei suoi problemi, che, in sostanza, possono essere, e anzi sono , discipline indipendenti.
Queste discipline includono, in particolare, il corso "Teoria dell'esecuzione corale", i cui argomenti principali costituiscono il contenuto di questo libro.
Il problema della rappresentazione di un'opera d'arte non ha cessato di essere uno dei problemi più urgenti della critica d'arte ormai da diversi decenni. Tale attenzione al tipo più importante di creatività, secondaria nella sua essenza, è spiegata dal crescente interesse di varie scienze (in particolare l'orientamento psicologico e pedagogico) per le questioni dell'autoespressione creativa dell'individuo. A questo proposito, notiamo che il bisogno di autoespressione, che è alla base della vita umana, si manifesta chiaramente nell'interpretazione delle informazioni da lui ricevute, anche nella decodifica del testo di un'opera d'arte. Interpretazione, interpretazione, meccanismi di comprensione del testo, metodi e confini della trasformazione dell'informazione sono il cuore dell'informatica, della linguistica, della psicologia, dell'ermeneutica e di molte altre scienze.
Il problema dell'interpretazione in musica è particolarmente rilevante, fin dalla vita reale composizione musicale inizia dal momento dell'esecuzione.
L'arte corale vive secondo le leggi inerenti a qualsiasi arte musicale e performativa. Come altri tipi di arti dello spettacolo, implica la formazione del concetto performativo della composizione, ad es. l'interpretazione soggettiva-oggettiva (interpretazione) del testo dell'autore e la sua attuazione sia nella fase del lavoro di prova con il coro che nella fase di esecuzione concertistica.
Quanto sopra determina lo scopo del corso: fornire agli studenti la conoscenza dei fondamenti teorici e metodologici dell'esecuzione corale - il fondamento delle loro future attività esecutive e didattiche.
Per fare ciò, deve risolvere quanto segue compiti:
1) rivelare le specifiche e gli schemi generali dell'esecuzione corale come uno dei tipi di arti dello spettacolo;
2) rivelare i modelli di influenza artistica ed espressiva, espressiva e architettonica di mezzi e tecniche di esecuzione corale generale e speciale;
3) rivelare fondamenti metodologici e fasi del lavoro del direttore sulla partitura corale;
4) fornire agli studenti un metodo razionale di lavoro di prova con il coro;
5) dare agli studenti un'idea dei segreti dell'espressività del gesto del direttore d'orchestra;
6) far conoscere agli studenti le problematiche dello stile musicale e musicale-performativo, per dare loro un'idea delle varie tendenze stilistiche, per promuovere l'educazione di un approccio consapevole alla scelta delle tecniche esecutive corrispondenti a uno stile particolare;
7) dare agli studenti un'idea delle norme etiche e delle regole che il capogruppo corale deve rispettare.
E un'altra considerazione.
È noto che la qualità di un coro o di un'orchestra e il suo livello di esecuzione sono determinati, in primo luogo, dai criteri artistici ed esecutivi del suo direttore. Se questi criteri sono alti, allora il capo del coro o dell'orchestra porta involontariamente la squadra che conduce al loro livello; se sono bassi, le sue esigenze per la squadra sono basse e, di conseguenza, il livello del coro o dell'orchestra lascia molto a desiderare. Due tipi fondamentalmente diversi di insegnanti e leader sono stati a lungo stabiliti nel direttore-coro, e in effetti in qualsiasi pratica esecutiva musicale. I primi lavorano con il collettivo secondo il principio del “fai come faccio io”, chiedendo ai membri del coro l'impeccabile adempimento delle loro istruzioni, senza preoccuparsi di spiegare la loro opportunità. Altri cercano di rendere i cantanti del coro le loro persone che la pensano allo stesso modo, sostenendo la necessità di utilizzare questi e non altri mezzi e tecniche di esecuzione. Sono un rappresentante del secondo tipo di insegnanti-musicisti. Per me è importante capire perché la composizione o il suo frammento debba essere eseguita in questo modo e non altrimenti. Pertanto, sostengo la sensazione intuitiva della musica con la sua analisi, il cui risultato è l'argomentazione dell'opportunità delle tecniche esecutive applicate. Questo approccio consente di rendere i membri del coro non insensati esecutori obbedienti della volontà del leader, ma creatori che la pensano allo stesso modo che obbediscono consapevolmente alle sue esigenze.
Il desiderio di condividere la tua esperienza è possibile Di più direttori di coro e maestri di coro e mi ha spinto a ripubblicare questo libro, le cui disposizioni principali sono riportate nell'Appendice 1.
Vladimir Zivov
MBUDO DSHI Ob, regione di Novosibirsk.
SVILUPPO GENERALE AGGIUNTIVO PROGRAMMA FORMATIVO GENERALE NEL CAMPO DELL'ARTE MUSICALE nella materia SOLFEGIO
Il programma è rivolto agli insegnanti di solfeggio della Scuola d'Arte per Bambini e della Scuola di Musica per Bambini. È destinato agli studenti delle classi 1 - 7 del PE "Esecuzione strumentale", "Esecuzione vocale e corale", bambini di età compresa tra 7 e 17 anni sullo strumento, nonché nello studio di altre materie di programmi di istruzione generale aggiuntivi nel campo delle arti.
PROGRAMMA FORMATIVO GENERALE AGGIUNTIVO NEL CAMPO DELL'ARTE MUSICALE
per argomento
SOLFEGIO
Per gli studenti delle classi 1 - 7 DShI
Secondo l'OP "Esecuzione strumentale",
"Esibizione vocale e corale"
Bambini di età compresa tra 7 e 17 anni
La struttura del curriculum della materia
- Caratteristiche del soggetto, suo posto e ruolo in processo educativo; – il termine per l'attuazione della materia; – La quantità di tempo di studio fornito curriculum istituto di istruzione per l'attuazione della materia; — La modalità di svolgimento della formazione in aula; — Finalità e obiettivi della materia; — Sostanza della struttura del curriculum della materia; – Descrizione delle condizioni materiali e tecniche per l'attuazione della materia;
- Il contenuto dell'argomento
— Piano didattico e tematico; -Distribuzione materiale didattico da anni di studio; – Forme di lavoro alle lezioni di solfeggio;
III. Requisiti per il livello di formazione degli studenti
Certificazione: obiettivi, tipologie, forma, contenuto; - Criteri di valutazione; – Requisiti di controllo nelle diverse fasi della formazione;
- Supporto metodologico del processo educativo
- Elenco della letteratura educativa consigliata
— Letteratura educativa; – Letteratura educativa e metodica; — Letteratura metodica.
Nota esplicativa
Caratteristiche del soggetto, suo posto e ruolo
nel processo educativo
Il solfeggio è una materia obbligatoria nelle scuole d'arte per bambini che implementano ulteriori programmi generali di educazione generale allo sviluppo. Le lezioni di solfeggio sviluppano dati musicali come l'udito, la memoria, il ritmo, aiutano a identificare le inclinazioni creative degli studenti e introducono i fondamenti teorici dell'arte musicale. Insieme ad altre attività, contribuiscono all'espansione degli orizzonti musicali, alla formazione del gusto musicale e al risveglio dell'amore per la musica. Le conoscenze acquisite nelle lezioni di solfeggio, le abilità e le abilità formate dovrebbero aiutare gli studenti nelle loro classi nella materia "Fare musica collettiva (coro)", sullo strumento, nonché nello studio di altre materie di ulteriori programmi di istruzione generale nel campo della arti.
La materia "Solfeggio" ha lo scopo di sviluppare le capacità musicali e creative degli studenti sulla base delle conoscenze acquisite, l'acquisizione dell'esperienza dei bambini di interazione creativa in una squadra.
Il corso "Solfeggio" è in collegamento diretto con altre materie accademiche, quali "Letteratura musicale", "Strumento musicale", prende luogo importante nel sistema di insegnamento dei bambini ed è necessario nello sviluppo di materie nel campo dell'esecuzione musicale.
Il programma della materia "Solfeggio" è stato sviluppato sulla base delle "Raccomandazioni sull'organizzazione di attività educative e metodologiche nell'attuazione di programmi generali di sviluppo nel campo delle arti", inviate con lettera del Ministero della Cultura della Russia Federazione del 21 novembre 2013 n. 191-01-39 / 06-GI, e tenendo conto anche dell'esperienza pedagogica personale a lungo termine del lavoro dell'autore-compilatore presso la Children's School of Arts della città di Ob.
Il termine per l'attuazione del soggetto
Il termine per l'attuazione della materia Solfeggio è di 7 anni
per i ragazzi dai 7 ai 16 anni che studiano nel PE "Esecuzione strumentale", "Esecuzione vocale e corale" può essere prorogato di un anno. Il programma è adattato alle condizioni di studio presso la MBUDO Children's School of Art nella città di Ob.
Modalità di svolgimento della formazione in aula
Modulo di condotta sessione di allenamento gruppo (da 6 a 12 persone).
Il curriculum della Children's School of Arts di Ob prevede lo sviluppo di un corso di solfeggio per un importo di 1,5 ore accademiche a settimana per gli studenti
1-5 classi e 2 ore accademiche per gli studenti delle classi 6.7 (livello avanzato). Per le attività extrascolastiche, viene assegnata 1 ora accademica per gli studenti delle classi 1–5 e 1,5 ore accademiche per gli studenti delle classi 6.7. La durata dell'anno accademico è di 35 settimane.
La lezione tradizionale prende posizione centrale nella Children's Music School, è inteso come una combinazione di metodi di influenza complessa sugli studenti, garantendo il raggiungimento più efficace dell'obiettivo della lezione nel contesto degli obiettivi del curriculum in corso di attuazione.
Insieme al tradizionale, sono accettabili anche altre forme di conduzione di una lezione:
— lezioni aperte con la presenza dei genitori;
- credito per abilità creative accumulate;
- lezione - viaggio;
- lezione - competizione;
— concorsi, quiz, giochi educativi sul solfeggio.
La partecipazione dei bambini a tali lezioni aiuta a consolidare conoscenze, abilità e abilità in modo giocoso e contribuisce anche all'autorealizzazione creativa dei bambini, sviluppa la perseveranza, il desiderio di successo e coltiva l'indipendenza come tratto della personalità.
Finalità e obiettivi della materia
Bersaglio il tema del solfeggio è contribuire all'educazione musicale ed estetica degli studenti, espandere i loro orizzonti musicali generali, formare un gusto musicale, sviluppare
orecchio musicale, memoria musicale, pensiero, capacità creative.
Compiti:
- sviluppo sistematico mirato delle capacità musicali e uditive degli studenti, del pensiero musicale e della memoria musicale come base per le abilità pratiche;
- educazione delle basi della percezione analitica, consapevolezza di alcune regolarità nell'organizzazione del linguaggio musicale;
- la formazione di abilità pratiche e la capacità di usarle in un complesso durante l'esecuzione materiale musicale, v forme creative fare musica;
- sviluppo delle rappresentazioni uditive negli studenti.
Sostanza della struttura del curriculum della materia
La giustificazione della struttura del programma sono le "Raccomandazioni sull'organizzazione di attività educative e metodologiche nell'attuazione di programmi generali di sviluppo nel campo delle arti", approvate dall'ordine del Ministero della Cultura della Federazione Russa e che riflettono tutto aspetti del lavoro dell'insegnante con gli studenti.
Il programma contiene le seguenti sezioni:
- informazioni sul costo del tempo di studio previsto per lo sviluppo di una materia;
- distribuzione del materiale didattico per anni di studio;
— descrizione delle unità didattiche della materia;
- requisiti per il livello di formazione degli studenti;
— forme e modalità di controllo, sistema di valutazione;
- supporto metodologico del processo educativo.
In accordo con queste indicazioni, è in fase di realizzazione la sezione principale del programma "Contenuto soggetto".
Metodi di insegnamento:
- verbale;
- visivi (schede didattiche, schede ritmiche, tabelle di accordi e intervalli, ausili visivi: "Colonna", "Nota in movimento", ecc.);
- ricerca del problema;
— metodo di motivazione del gioco (usando giochi didattici);
— metodo scientifico(utilizzo di test, tabelle, schede di rilevazione individuale).
Descrizione del materiale e delle condizioni tecniche per l'attuazione dell'argomento
La base materiale e tecnica dell'istituto scolastico è conforme agli standard sanitari e di sicurezza antincendio, agli standard di protezione del lavoro.
L'attuazione del programma della materia "Solfeggio" è assicurata dall'accesso di ogni studente ai fondi della biblioteca. Fondo della biblioteca La Scuola d'arte per bambini è dotata di edizioni cartacee ed elettroniche di letteratura didattica ed educativa di base e aggiuntiva sul tema "Solfeggio", nonché edizioni di opere musicali, edizioni speciali di libri di testo. Durante il lavoro indipendente, agli studenti può essere fornito l'accesso a Internet. Ad ogni studente viene fornita la letteratura didattica di base sulla materia "Solfeggio".
Le aule destinate allo svolgimento della materia "Solfeggio" sono dotate di pianoforte, attrezzatura fonoriproduttiva e multimediale, arredi didattici (lavagna magnetica, tavoli, sedie, scaffali), decorati con ausili visivi e isolamento acustico.
Attrezzatura di classe
Nei gradi inferiori viene utilizzato attivamente materiale visivo: carte con numeri romani che denotano gradini, una "scala" che raffigura la struttura delle scale maggiori e minori, carte con i nomi di intervalli e accordi. Al liceo vengono utilizzati poster con informazioni sulle informazioni teoriche di base. In ufficio è presente uno stand con nozioni teoriche di base.
È possibile utilizzare apparecchiature di registrazione del suono per riprodurre dettati timbrici, ascoltare un frammento musicale per l'analisi uditiva, ecc.
Il materiale didattico viene selezionato dall'insegnante sulla base di sussidi didattici esistenti, libri di testo, raccolte per solfeggio, raccolte di dettati, ed è anche sviluppato dall'insegnante in modo indipendente.
Educativo - piano tematico
1 classe
| №№ | Nome della sezione, argomento | Tipo di lezione | Tempo totale (in ore) | Lavoro indipendente | Lezioni uditive | |
| 1 | Notazione musicale | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 2 | Gamma in do maggiore. Fasi stabili e instabili | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 3 | Risoluzione di passi instabili, suoni introduttivi | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 4 | Il canto di passi stabili. Triade tonica | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 5 | Durata, tempo in chiave, misura | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 6 | Taglia 2/4 | Lezione | 2,5 | 1 | 1.5 | |
| 7 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 8 | Pausa | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| Imparare gli elementi della scala di sol maggiore | Lezione | 5 | 2 | 3 | ||
| Taglia 3/4 | Lezione | 5 | 2 | 3 | ||
| 11 | Dettati orali | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 12 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 13 | Imparare gli elementi della scala di re maggiore | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 14 | Imparare gli elementi della scala di fa maggiore | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 15 | Gamma in la minore (per gruppi avanzati) | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 16 | Introduzione agli intervalli | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 17 | Zatakt quarto, due ottavi in tempo 2/4 | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 18 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 19 | Registrazione di dettati monofonici in tempo 3/4 | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 20 | Taglia 4/4 (per gruppi avanzati) | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 21 | Ripetizione | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 | |
| 22 | controllo intermedio | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| TOTALE: | 87,5 | 35 | 52,5 | |||
2a classe
| 1 | Ripetizione del materiale | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 | |
| 2 | Zatakt quarto nel tempo 3/4 | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 3 | Tonalità di si bemolle maggiore | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 4 | Taglia 4/4 | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 5 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 6 | Digita la minore | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 7 | Tre tipi di minore | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 8 | Ritmo puntato quarto e ottavo | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 9 | Chiavi parallele | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 10 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 11 | Ritmo quattro sedicesimi in misure prese | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 12 | Chiave in re minore | Lezione | 2.5 | 1 | 1.5 | |
| 13 | Chiave in mi minore | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 14 | Chiave in si minore | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 15 | Intervalli h.1, m.2, b.2, m.3, b.3 | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 | |
| 16 | Intervalli in tonalità e dal suono | Lezione | 2.5 | 1 | 1,5 | |
| 17 | controllo corrente | lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 18 | Chiave in sol minore | Lezione | 3 | |||
| 19 | Intervalli h.4, h.5, h.8 | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 20 | Consolidamento del passato | Lezione | 5 | 2 | 3 | |
| 21 | controllo intermedio | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 22 | Prenota lezione | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| TOTALE: | 87,5 | 35 | 52,5 | |||
3a classe
| 1 | Ripetizione del materiale di classe 2 | Lezione | 10 | 4 | 6 |
| 2 | Digita la maggiore | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 3 | Ritmo ottavo e due sedicesimi | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 4 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 5 | Tonalità minore di fa diesis | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 6 | Ritmo due sedicesimi e un ottavo | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 7 | Tasto variabile | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 8 | Intervalli dal suono e nella tonalità | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 9 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 10 | Tonalità di mi bemolle maggiore e do minore | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 |
| 11 | Intervalli m.6 e b.6 | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 12 | Inversioni di intervallo | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 13 | Principali triadi di modo | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 14 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 15 | Taglia 3/8 | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 16 | Inversioni di triade | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 17 | Ripetizione | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 18 | Tritoni (introduzione) | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 19 | controllo intermedio | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 20 | Prenota lezione | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| TOTALE: | 87,5 | 35 | 52,5 |
4 ° GRADO
| 1 | Ripetizione del materiale di terza elementare | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 |
| 2 | Tonalità di mi maggiore | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 3 | ritmo punteggiato | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 4 | Principali triadi di modo | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 5 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 6 | Digita il do diesis minore | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 7 | Sincope | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 8 | Tritoni a IV e VII (aumentati) st. in maggiore e armonica. minore | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 9 | Corda di sesso e corda di quarto sesto della triade tonica | Lezione | 2.5 | 1 | 1,5 |
| 10 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 11 | Triolo | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 12 | Digita la bemolle maggiore | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 13 | Taglia 6/8 | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 14 | Intervallo m.7 | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 15 | Accordo di settima dominante in maggiore e minore armonico | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 16 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 17 | chiave in fa minore | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 18 | La ripetizione dei tritoni | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 19 | Ripetizione dell'accordo di settima dominante | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 20 | Secordo e quarto di sesto dal suono | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 21 | controllo intermedio | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 22 | Prenota lezione | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| TOTALE: | 87,5 | 35 | 52,5 |
5 ° grado
| 1 | Ripetizione del materiale 4 lezioni | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 |
| 2 | Triade dominante con invocazioni e permessi | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 3 | Quarto di gruppo ritmico con un punto e due sedicesimi | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 4 | Quinto cerchio di chiavi | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 5 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 6 | Triade sottodominante con invocazioni e permessi | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 |
| 7 | Ripetizione di tritoni sui passi IV e VII in maggiore e minore armonica | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 8 | Triade ridotta di 7° grado in maggiore e minore armonica | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| Modo, tonalità, trasposizione | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 | |
| 9 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 10 | Tonalità Si maggiore, Sol diesis minore | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 |
| 11 | Diversi tipi di sincope | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 |
| 12 | Costruzione di triadi maggiori e minori, accordi di sesta, accordi di un quarto di sesto dal suono | Lezione | 7,5 | 3 | 4,5 |
| 13 | controllo corrente | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 14 | Chiavi re bemolle maggiore, si bemolle minore | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 15 | Designazioni di lettere delle chiavi | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 16 | Periodo, frasi, frase | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 17 | Ripetizione | Lezione | 5 | 2 | 3 |
| 18 | controllo intermedio | Lezione di controllo | 2,5 | 1 | 1,5 |
| 19 | Prenota lezione | Lezione | 2,5 | 1 | 1,5 |
| TOTALE: | 87,5 | 35 | 52,5 |
6° grado
| 1 | Ripetizione del materiale di grado 5 | Lezione | 10,5 | 4,5 | 6 |
| 2 | Inversioni di accordo di settima dominante, risoluzioni | Lezione | 10,5 | 4,5 | 6 |
| 3 | Figure ritmiche con sedicesimi in 3/8, 6/8 metri | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 4 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 5 | Maggiore armonico | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 6 | Sottodominante in armonico maggiore | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 7 | Tritoni in armonica maggiore e minore naturale | Lezione | 10,5 | 4,5 | 6 |
| 8 | Terzina ritmica (sedicesimi) | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 9 | Modulo. Modalità variabile (analisi uditiva) | Lezione | 3.5 | 1.5 | 2 |
| 10 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 11 | Chiavi Fa diesis maggiore, Re diesis minore | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 12 | Triade diminuita in armonico maggiore | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 13 | Triade diminuita in minore naturale | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 14 | Gruppi ritmici con note legate | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 15 | Cromatismo, alterazione. IV grado alzato in maggiore e minore |
Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 16 | Deviazione, modulazione in una chiave parallela, nella chiave di una dominante | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 17 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 18 | Tasti Sol bemolle maggiore, Mi bemolle minore | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 19 | Anarmonicità delle chiavi con 6 segni | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 20 | Quinto cerchio di chiavi | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 21 | Ripetizione | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 22 | Dimensioni variabili e complesse | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 23 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 24 | Prenota lezione | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| TOTALE: | 122,5 | 52,5 | 70 |
7 ° grado
| 1 | Ripetizione del materiale di 6a elementare | Lezione | 14 | 6 | 8 |
| 2 | Intervalli caratteristici u.2 e u.7 in armonica maggiore e armonica minore | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 3 | Intervalli caratteristici um.4 e uv.5 in armonico maggiore | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 4 | Intervalli caratteristici um.4 e uv.5 in armonica minore | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 5 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 6 | Piccolo accordo di settima introduttiva in maggiore naturale | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 7 | Accordo di settima iniziale diminuito in armonico maggiore | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 8 | Accordo di settima iniziale diminuita in minore armonica | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 9 | Vari tipi di sincope intrabarra | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 10 | Metro, dimensioni, tipi di dimensioni | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 11 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 12 | Chiavi con sette segni nella chiave | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 13 | Costruzione e risoluzione di tritoni dal suono | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 13 | Costruzione e risoluzione di uv.2 e ud.7 dal suono | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 14 | Modi diatonici | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 15 | pentatonico | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 16 | dimensione variabile | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 17 | Taglie 6/4, 3/2 | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 18 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 19 | Chiavi di 1° grado di parentela | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 20 | Periodo, deviazioni, modulazione in chiavi correlate | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 21 | Alterazioni di passi instabili | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 22 | Analisi della forma | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 23 | Ripetizione | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 24 | controllo intermedio | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 25 | Prenota lezione | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| TOTALE: | 122,5 | 52,5 | 70 |
8 ° grado
| 1 | Ripetizione del materiale di seconda media | Lezione | 14 | 6 | 8 |
| 2 | Suoni cromatici ausiliari | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 3 | Suoni cromatici di passaggio | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 4 | Taglie 9/8, 12/8 | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 5 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 6 | Ortografia della scala cromatica (modo base - maggiore) | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 7 | Ortografia della scala cromatica (base - modo minore) | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 8 | Accordo di settima di 2° grado in maggiore e minore | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 9 | Sincopi interbar | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 10 | Melismi. Nota i segni di abbreviazione | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 11 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 12 | Rivoluzione interrotta in maggiore e minore armonica | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 13 | Triade aumentata in armonica maggiore e minore | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 14 | Tipi complessi di sincope | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 15 | Tipi di accordi di settima | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 16 | Costruzione di accordi di settima dal suono e loro risoluzione in chiave | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 17 | Costruire dal suono dei rivolti di un piccolo accordo di settima maggiore e risolverlo come dominante in maggiore e minore armonica | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 18 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3,5 | 1,5 | 2 |
| 19 | Ripetizione | Lezione | 14 | 6 | 8 |
| 20 | Prove scritte | Lezione | 7 | 3 | 4 |
| 21 | controllo corrente | Lezione di controllo | 3.5 | 1.5 | 2 |
| 22 | Prenota lezione | Lezione | 3,5 | 1,5 | 2 |
| TOTALE: | 122,5 | 52,5 | 70 |
Distribuzione del materiale didattico per anni di studio
Primo grado
Informazioni teoriche
Suoni alti e bassi. Tastiera. Registrati. Scala. Gamma. Tono, semitono. Passi. Metro, ritmo. Parti deboli e parti forti. Durate di ottavi, quarti, mezze, intere. Ritmo. Taglia 2/4, 3/4. Linea di tatto. Ragazzo. Maggiore e minore. Triadi maggiori e minori. Triade tonica. Chiave. Passi stabili e instabili. Tonico. Il canto di passi stabili. La struttura della scala maggiore. Chiavi Do maggiore, Sol maggiore, Fa maggiore, Re maggiore. Il concetto della stessa tonalità. Recepimento. Canone. Movimento passo-passo e salti a una quarta, una quinta, un'ottava in una melodia. Ripresa. Pausa. Zatakt. Conoscente - taglia 4/4.
Sviluppare il senso del ritmo
Durata
Orale esercizi ritmici: riproduzione di schemi ritmici di melodie con denominazione di sillabe ritmiche, riconoscimento di una melodia da parte di uno schema ritmico. Abilità di cronometraggio con durate.
Determinazione a orecchio delle dimensioni durante l'ascolto di opere musicali. 2/4,3/4 Movimento a ritmo di musica (camminare, correre, ballare).
Solfegging melodie con tempo in chiave 2/4 e 3/4 (nelle tonalità di Do, Sol, Fa, Re maggiore).
Trasposizione strumentale e vocale di semplici melodie-canti per un secondo, un terzo su e giù.
Sviluppo del pensiero modale
Determinazione a orecchio dei modelli modali più semplici V-III-I, V-VI-III, V-IV-II-I, V-VI-VII-I, maggiore e minore nei frammenti musicali sonori.
Dettatura
Dettato ritmico - orale e scritto (4-6 battute). Dettatura melodica. Volume - da due a otto misure. Le difficoltà intonazionali del dettato sono il volume all'interno dell'ottava, il movimento è graduale e lungo suoni stabili. Trasposizione scritta e orale di dettati per secondo su e giù.
abilità creative
Composizione di ritmo senza parole e a parole date nelle dimensioni passate, composizione di accompagnamento ritmico a una melodia, fine di un ritmo.
Cantare una melodia (frase, frase) alla tonica su qualsiasi sillaba o con il nome delle note.
Scritto portando la melodia alla tonica, solfeggiandola dall'inizio alla fine.
Cantare melodie improvvisate a diversi testi poetici, improvvisare melodie in una "catena", improvvisare melodie in un carattere diverso per ogni sillaba (possibilmente per un dato schema ritmico).
Composizione di melodie senza testo e con testo in una data tonalità. Selezione di melodie familiari canzoni popolari e melodie, melodie di film e cartoni animati, canti e canti del repertorio corale) sullo strumento.
Selezione di melodie da suoni diversi, composizione di melodie a un dato ritmo.
Seconda classe
Informazioni teoriche
Tipi di minore: naturale, armonico. Tonalità maggiori e minori fino a due segni di tonalità. toni paralleli. Taglia 4/4. Gruppi ritmici un quarto con un punto e un ottavo. Zatakt: un quarto, un ottavo, due ottavi. Pause: ottavo, quarto, mezzo. intervalli. Valore quantitativo e qualitativo dell'intervallo. Designazione numerica degli intervalli.
Sviluppare il senso del ritmo
Le forme degli esercizi ritmici della 1a classe sono conservate, tenendo conto delle difficoltà ritmiche della seconda. durata.
La ripetizione di un dato schema ritmico su una sillaba. Toccando lo schema ritmico della melodia, così come il testo musicale, le tabelle, le carte. Riconoscimento di melodie per pattern ritmico. Condurre in dimensioni studiate. 2/4.3/4.4/4.
Sviluppo delle capacità di intonazione vocale
Canto in maggiore e scale minori(naturale maggiore, naturale e minore armonica) fino a 2 caratteri in chiave.
Sviluppo del pensiero modale
Canto triade tonica, passi individuali, turni melodici tipo VI, I-VII-II-I, V-IV-VI-V, ecc. (per sillaba, con il nome dei suoni, usando una scala). Lavora con le caratteristiche formule di intonazione del minore armonico. Consolidamento uditivo dei modelli di naturale maggiore, naturale e minore armonica V-III-I, V–VII-I, III-II-VII–I.
Canto degli intervalli trascorsi in tonalità e stonata a una e due voci m2,b2,m3,b3,ch4,ch5 in passi maggiori e minori.
Trasposizione orale e scritta nelle chiavi passate.
Determinare il tipo di minore in un brano musicale che suona.
abilità creative
Capacità di creare ritmo data dimensione, compreso completato gruppi ritmici, pause.
La capacità di comporre diverse varianti ritmiche per una data frase (poesia), comprese pause, insolite, canti.
Comporre melodie a un dato ritmo, in un dato genere (valzer, ninna nanna, ecc.), in una data dimensione.
Comporre melodie su un argomento trattato (ad esempio intervalli, ecc.), Melodie per una poesia con canti.
Composizione di variazioni (ritmiche e intonazione) su un dato tema.
Comporre melodie con una sequenza (per studenti avanzati), una frase di risposta, una frase.
Improvvisazione di brevi e semplici melodie basate sul materiale trattato.
Selezione di brani da diversi suoni dello strumento, voce di basso o seconda voce alla melodia (per studenti avanzati).
Dettatura
Ritmico: orale e scritto nell'ambito della frase.
Dettatura scritta nella quantità di 4-8 misure (melodica).
Il grado di complessità del dettato corrisponde all'esperienza metroritmica e modale della classe (tonalità fino a due segni).
Intervalli di canto (3,5,6,8) con il metodo della “stratificazione” oa due voci.
Cantando le triadi maggiori e minori allo stesso modo.
Terza classe
Informazioni teoriche
Tonalità maggiori e minori fino a tre segni chiave inclusi. Tre tipi di minore. Taglia 3/8. Gruppi ritmici ottavi e due sedicesimi, due sedicesimi e ottavi. Raggruppamento vocale e strumentale di durate. Inversione degli intervalli. Inversione delle triadi. Forma semplice in una parte, in tre parti.
Le principali triadi della modalità. Modalità variabile. Intervalli b6, m6 Determinazione degli elementi passati del linguaggio musicale nelle opere per specialità.
Sviluppare il senso del ritmo
Le forme di lavoro apprese in seconda elementare sono conservate. Vengono prese in considerazione nuove complessità ritmiche. Esercizi ritmici che utilizzano durate completate in tempi in chiave 2/4.3/4.4/4.3/8.
Taglie 3/4,4/4,3/8, dettati ritmici in queste misure.
Esecuzione per gruppi di partiture ritmiche.
Sviluppo delle capacità di intonazione vocale
Il lavoro viene eseguito in chiavi fino a tre segni inclusi.
Cantando scale maggiori e minori (tre tipi di minore) in una certa dimensione e schema ritmico, triadi toniche e le loro inversioni nelle tonalità passate.
Solfegging di esempi a voce singola lungo una catena con e senza priorità preliminare. Rivoluzioni melodiche del tipo IV-VI-V-II, ecc. In vari tipi di suoni minori, stabili e instabili con risoluzione, intervalli passati, sequenze diatoniche, melodie in modalità variabile, intervalli a due voci e con appelli.
Sviluppo del pensiero modale
Consolidamento uditivo dei modelli di maggiore naturale e tre tipi di minore.
Gli esercizi vengono eseguiti in chiavi fino a tre segni inclusi.
Triadi toniche cantate e loro inversioni in tonalità fino a tre segni inclusi.
Cantare melodie ed esercizi di intonazione in modalità variabile.
Sviluppo dell'udito armonico
Intervalli di canto su e giù in chiave e dal suono, a due voci.
Nell'analisi uditiva degli accordi, non è solo la determinazione delle inversioni delle triadi maggiori e minori, ma anche una catena di 2-4 accordi in una tonalità.
Vengono fornite catene di 4-5 accordi per la costruzione, l'intonazione e l'esecuzione al pianoforte in un semplice arrangiamento ritmico.
Dettatura
Varie forme di dettatura orale, riproduzione di una melodia o di uno schema ritmico a orecchio. Dettatura scritta - nella quantità di 6-8 cicli. È possibile utilizzare una canzone russa persistente come dettatura come esempio di pensiero non quadrato.
Il disco comprende tutti i gruppi ritmici passati, i salti III-VI, VI-, IIIII-V (in basso), VI-II, II-VI, VII-III, III-VII, nonché il movimento lungo i suoni delle inversioni di la triade tonica.
abilità creative
Composizione (e improvvisazione) di melodie nelle chiavi passate usando i turni melodici e ritmici passati, con movimento lungo i suoni di accordi conosciuti, salti agli intervalli passati.
Composizione di melodie per poesie (con e senza canti).
Composizione di melodie in forme armoniche e melodiche di minore.
Selezione dell'accompagnamento alle melodie utilizzando i passi principali del tasto nel basso, le principali triadi del tasto.
Selezione dell'accompagnamento a una melodia sotto forma dell'accompagnamento di accordi più semplice, accompagnamento strutturato nella natura di un valzer e polka (solo per studenti avanzati).
Composizione di variazioni su un dato tema, sequenze, melodie con una sequenza.
quarto Grado
Informazioni teoriche
Chiavi fino a quattro caratteri inclusi. Tipi principali:
naturale, armonico e melodico. Ausiliario del cromatismo
e di passaggio. Gruppo ritmico ottavo con punto e sedicesimo.
Sincope intrabarra in metro semplice. Terzina di ottavi. Dimensione 6/8, semplici gruppi ritmici in esso. Tritoni. Accordo di settima dominante con risoluzione come armonia di cadenza. Triadi dei passi principali Modulazione.
Sviluppare il senso del ritmo
I gruppi ritmici dell'ottavo con un punto e del sedicesimo, la terzina degli ottavi vengono elaborati in collaborazione con tutto ciò che è stato appreso in precedenza
figure ritmiche in tutti i tipi di esercizi.
Particolare attenzione è rivolta alla taglia 6/8 + taglie passate
(2/4,3/4,4/4,3/8).
Sviluppo delle capacità di intonazione vocale
Scale di canto nelle chiavi passate in vari arrangiamenti ritmici, sotto forma di canone.
conduzione nelle dimensioni passate (2/4.3/4.4/4.3/8.6/8).
Sviluppo del pensiero modale
Scale di canto, singoli passi, turni melodici,
intervalli precedentemente passati nelle chiavi.
Gli esercizi vengono eseguiti in tutte le chiavi passate.
Intonazione e consolidamento uditivo di tutti i tipi di minore.
Sviluppo dell'udito armonico
La necessaria complicazione delle forme di lavoro apprese in terza elementare.
Costruire e cantare catene di 6-8 accordi in monofonico e
L'analisi uditiva include complessi simili di minore entità.
Acquisizione di competenze nell'analisi armonica del testo musicale.
Educazione dell'orecchio interno e della memoria musicale
Definizione a orecchio e consapevolezza delle caratteristiche del genere,
carattere, struttura dell'opera, modo, intervalli, accordi, indicazione del tempo,
Trasposizione orale dalla memoria in un piccolo volume
turni melodici, incluso il movimento lungo i suoni
triadi dei passi principali, dominanti del settimo accordo, passate
intervalli, tritoni in maggiore e minore armonico.
Conoscenza di colorazione funzionale T, S, D.
Dettatura
La dettatura ritmica è usata come forma ausiliaria di lavoro
per padroneggiare figure ritmiche e soprattutto per padroneggiare la dimensione 6/8,
caratteristiche del suo gruppo.
dettatura - 8-10 cicli. Tutte le difficoltà di intonazione e ritmica
sono organicamente inclusi nella pratica della dettatura man mano che vengono padroneggiati.
(con intervalli h5, b3, m3, h8, h4) in chiavi fino a 4 caratteri.
abilità creative
Improvvisare e comporre melodie a un dato ritmo, testo, carattere, in un dato genere (polka, valzer, mazurka, tarantella, marcia, canto, ninna nanna, barcarola, ecc.), a una data base armonica (usando le intonazioni degli intervalli passato, movimento dai suoni di accordi passati, certi schemi ritmici).
Selezione dell'accompagnamento di accordi alla melodia.
Selezione di accompagnamento strutturato alla melodia nella natura di polka, valzer, marcia, ninna nanna.
Selezione dell'accompagnamento in modalità variabile (confronto di tasti paralleli e simili) - per studenti avanzati.
Comporre melodie in una certa forma, in un certo modo.
Quinto grado
Informazioni teoriche
Chiavi fino a cinque caratteri chiave inclusi. Quinto cerchio. Tonalità parallele, omonime. Designazione della lettera
chiavi. Deviazione e modulazione. Modulazione in parallelo
tonalità e tonalità della dominante. Taglie 3/8 e 6/8 a confronto, tutte
gruppi ritmici in essi. T, S, D con ricorsi, D7, mind3 5 su VII art.
Scale di canto: anche durate con la denominazione di chiave e
segni casuali, in varie varianti metro-ritmiche. Cantando
passaggi separati, turni melodici usando separati
gradini di tipo III-IV-IV-V; III-II-II-I
opzioni. Cantando tutti gli accordi conosciuti dal suono con risoluzione dentro
toni possibili.
Imparare e cantare solfeggio e con il testo di monofonico e
Trasposizione di melodie apprese per seconda e terza.
analisi uditiva
Riconoscimento dei tipi maggiori e minori nel movimento della scala e nella melodia.
Identificazione a orecchio di tutti gli accordi passati.
Determinazione a orecchio di tutti gli intervalli passati in diversi registri.
Identificazione ad orecchio di catene di accordi composte da 5-6 accordi.
Consapevolezza a orecchio della natura dell'opera, modo, forma,
caratteristiche ritmiche.
Le difficoltà intonazionali includono una combinazione di salti al sesto e
settimo, passa al tritono, il movimento della melodia secondo i suoni passati
Esercizi ritmici con durate completate, anche
gruppo ritmico quarto con punto e due sedicesimi in indicazione di tempo
2/4.3/4.4/4. Taglia 6/8 Sincope.
abilità creative
Comporre melodie in un certo genere, in una certa forma (periodo, variazioni).
Composizione di melodie con accompagnamento armonico.
Composizione di melodie con cromatismi.
Armonizzazione di mezza e piena cadenza.
Selezione dell'accompagnamento utilizzando tutte le inversioni delle triadi principali del modo, l'accordo di settima dominante.
Selezione dell'accompagnamento alle melodie in modalità parallela-variabile (conoscenza di deviazioni e modulazioni in chiave parallela).
Selezione di accompagnamento strutturato nel carattere opera lirica(canzone, romanticismo, notturno).
Sesto grado
Informazioni teoriche.
Chiavi fino a sei caratteri chiave inclusi. pentatonico.
Enarmonico chiavi uguali. Taglie 3/2, 2/2, 6/4. Più complesso
tipi di sincope.
Tipi di triadi (maggiori, minori, aumentate e diminuite).
Accordo di settima introduttivo con risoluzione. Rifiuto e modulazione in relazione
tonalità. Analisi della struttura del periodo, del suo piano tonale. Musicale
terminologia. Maggiore armonico. Intervalli caratteristici, tritoni.
Inversioni D7 con permesso, mente 35 sul II grado in minore e
armonico maggiore, minore sottodominante in armonico
maggiore, diminuita VII7.
Esercizi di intonazione e solfeggio
Le vecchie forme di lavoro sono conservate. Esercizi di intonazione
eseguita in tutte le tonalità passate (cromatismo, modulazione,
movimento lungo i suoni di accordi e intervalli passati).
Canto intervalli caratteristici e tritoni su e giù dal suono con risoluzione e definizione di tonalità. Canto intervalli caratteristici e tritoni in chiave.
Catene di intervalli di canto (8-10 intervalli).
Canto dal suono degli appelli dell'accordo di settima dominante con risoluzione in maggiore e minore, mente 35 sul secondo gradino.
Canto nella tonalità di VII7 con risoluzione, accordi di S in armonico maggiore.
Cantare progressioni di accordi di un tono nella forma
periodo, inclusi tutti gli accordi passati.
sequenze modulanti (2 su e giù). Costruire e giocare
pianoforte in una certa disposizione metro-ritmica degli accordi
catene con intonazione simultanea di una delle voci.
Tutti gli esercizi con intervalli e accordi vengono eseguiti con una sola voce.
chiavi passate con una varietà di modelli ritmici, in tutto
dimensioni passate.
terzo su e giù.
analisi uditiva
I tipi di esercizi appresi in quinta elementare sono conservati.
Determinazione a orecchio di tritoni e intervalli caratteristici in una melodia,
passati intervalli compositi, appelli dell'accordo di settima dominante lungo
autorizzazione.
la preferenza è data alla dettatura con un'analisi preliminare,
autoregistrazione di una melodia e registrazione di una melodia che suona con
accompagnamento armonico. Il lavoro è svolto in tutto passato
chiavi. Il volume del dettato è un periodo. Tutto è usato nella melodia
intervalli caratteristici dei tipi armonici di maggiore e minore,
passaggi cromatici e suoni ausiliari, sviluppo sequenziale.
Il complesso metroritmico include tutta l'esperienza precedente. Registrazione
abilità creative
Composizione di melodie con cromatismi, deviazioni, modulazioni (in chiave parallela, dominante o sottodominante).
Comporre o improvvisare melodie su una data base armonica.
Composizione di melodie in armonico maggiore, in scala pentatonica.
Comporre melodie in una certa forma (periodo, semplice in due o tre parti, rondò, distico, variazione).
Comporre melodie per un dato testo, carattere, immagine o genere (utilizzando uno schema ritmico più complesso).
Selezione dell'accompagnamento di una melodia mediante inversioni D7, triadi di passi laterali del modo, accordo di settima ridotta VII7.
Selezione dell'accompagnamento a una melodia con deviazioni o modulazione in una tonalità correlata (attraverso una dominante secondaria o VII7).
Suonando le combinazioni di accordi, rivoluzioni interrotte al pianoforte in varie versioni materiche.
Esercizi strutturati per la mano sinistra.
Composizione varie opzioni accompagnamento di tessitura a un dato schema armonico.
Settimo grado
Informazioni teoriche
Ortografia delle scale cromatiche maggiori e minori. Dimensioni miste e variabili. Sincope intralobare. Intervalli composti. Anarmonicità degli intervalli. Tipi di accordi di settima. Accordo di settimo del II grado (per studenti avanzati). cadenze in un periodo. Analisi della struttura del periodo, piano tonale, cadenze nelle opere per solfeggio.
pentatonico. Tasti di musica popolare.
Modulazione in tonalità correlate.
Esercizi di intonazione
Le precedenti forme di lavoro sono conservate: scale di canto, individuali
passi, turni melodici usando alterato
passi.
Cantando la scala cromatica in frammenti da piede a piede,
combinazione di movimento diatonico e cromatico.
Esercizi di canto basati sul passaggio e sull'ausiliare
cromatismo.
Sequenze di canto di 8-10 intervalli.
Cantando nella tonalità di tutti gli accordi appresi.
analisi uditiva
Determinazione a orecchio di intervalli semplici e composti, di tutti i tipi
triadi, accordi di settima principale del modo e inversioni dell'accordo di settima dominante.
Determinazione a orecchio di progressioni di accordi monotonali sotto forma di periodo (analisi per frasi); modulazioni in tonalità parallele, tonalità D, II stadio.
Analisi di frammenti di opere musicali sotto forma di un periodo da
punti di vista della struttura, delle cadenze, del piano tonale.
controllo e registrazione da parte dell'insegnante di melodie che suonano con l'accompagnamento;
le dettature timbriche vengono utilizzate attivamente. Altre forme
il dettato include suoni cromatici (ausiliari,
passaggio). Vengono utilizzate tutte le dimensioni studiate.
Coltivare il senso del ritmo
Esercizi ritmici utilizzando tutti i
durate e dimensioni. Familiarizzazione con le taglie 9/8,12/8.
abilità creative
Composizione di melodie nei modi diatonici della musica popolare.
Armonizzazione della melodia mediante II7 e suoi rivolti, triadi laterali del modo, alcuni accordi di doppia dominante.
Armonizzazione delle melodie con deviazioni e modulazioni in tutte le relative tonalità.
Suonare le combinazioni delle triadi principale e laterale del modo al pianoforte in varie versioni testurizzate.
Suonare in varie versioni materiche di sequenze diatoniche utilizzando accordi di settima dei passi laterali della modalità.
Selezione dell'accompagnamento utilizzando le triadi II, III, VI e VII passi gravi in maggiore.
Armonizzazione delle melodie tramite digitale (usando accordi alterati).
Ottavo grado
Informazioni teoriche
Chiavi: tutte le chiavi del cerchio di quarta quinta.
Tasti: tasti pentatonici, diatonici a sette gradini.
Modulazione: deviazioni e modulazioni nella tonalità del 1° grado di parentela, dominanti secondarie; sequenza modulante.
Intervalli: tutti gli intervalli diatonici, intervalli caratteristici con tonalità e risoluzione del suono, tritoni con risoluzione della tonalità e del suono (in 8 tonalità utilizzando l'anarmonicità dei suoni).
Accordi: triadi di passi principali e laterali; con ricorsi; "Armonia napoletana" (N5 3 e N6); II7 in 2 tipi di maggiore e minore con invocazioni; D7 con ricorsi; MVII7 e UmVII7 con permessi (2 tipi); di passaggio e ausiliario, giri di cadenza, cadenza interrotta.
Gruppi ritmici: tipi più complessi di sincope e note legate; regole di raggruppamento per le durate 2/4, 3/4, 4/4, 3/8, 6/8.
Contatore: dimensioni complesse, miste e variabili; conducendo in essi.
Concetti: tipi di periodo; periodo di espansione; periodo supplementare.
Abilità vocali e di intonazione
Canto: tutti i tipi di scale maggiori e minori; gradini dei tasti, incl. alterato e cromatico;
scala cromatica;
tasti pentatonici e diatonici a sette gradini;
sequenze diatoniche e cromatiche con figure ritmiche passate;
tutti gli intervalli diatonici studiati nella chiave e dal suono e ↓;
intervalli caratteristici e tritoni con risoluzione in tonalità e dal suono.
tutti gli accordi passati nelle chiavi e dal suono e ↓;
sequenze di intervalli e accordi in tonalità melodicamente e armonicamente (ensemble, con un insegnante, con pianoforte);
lettura a prima vista;
trasposizione da un foglio nelle chiavi studiate;
melodie (canzoni, romanzi) con il proprio accompagnamento.
Coltivare il senso del ritmo
Esercizi ritmici con tipi più complessi di sincope e note legate; regole per raggruppare le durate 2/4, 3/4, 4/4, 3/8, 6/8.
Esecuzione di accompagnamento ritmico, lettura di spartiti ritmici.
Conduzione in dimensioni miste e variabili.
Dettatura ritmica.
analisi uditiva
Definizione a orecchio e comprensione:
passi armonici (anche alterati e cromatici) e rapporti di passo;
step dettation (registrazione di passi con note su uno o due pentagrammi e notazione);
giri melodici con suoni cromatici passanti e ausiliari;
scale di tutte le modalità superate (comprese le modalità pentatoniche e diatoniche a sette fasi);
sequenze di intervalli in tonalità (registrazione in note e notazione);
sequenze di accordi nella tonalità, comprese deviazioni e modulazione nella tonalità del 1 ° grado di parentela (registrazione di cifre da 7-8 accordi durante la riproduzione e dalla memoria);
intervallo, accordi e sequenze miste dal suono (notazione notazione);
Analisi dei frammenti musicali (carattere, genere, modo, dimensione, forma, caratteristiche strutturali, metro-ritmiche, melodiche e armoniche).
Analisi armonica del testo musicale (periodo, tonalità, cadenze, deviazioni e modulazioni, funzioni armoniche, accordi passati e giri).
Dettatura musicale
Dettatura orale.
Dettatura a memoria (una semplice melodia in 3 ascolti).
Un dettato a una voce in forma di periodo monotonale e modulante di 8-10 misure nei metri passati, compreso il tasto passato, giri melodici e figure ritmiche, passi alterati e cromatici.
Dettatura timbrica.
Trasposizione del dettato nelle chiavi passate.
abilità creative
Composizione di melodie con condizioni date.
Composizione in un determinato genere (preludio, studio, lavoro programmatico, ecc.).
Composizione di variazioni su un tema (proprie o proposte).
Selezione dell'accompagnamento alla melodia.
Selezione di una melodia per una data armonia.
Registrazione ed esecuzione di opere composte.
Esecuzione di musica solistica e d'insieme: canto di romanze e canzoni (monofoniche e polifoniche), arie e complessi (duetti, trii, quartetti, cori) di opere con l'accompagnamento di strumenti musicali.
Forme di lavoro nella lezione di solfeggio
Le principali forme di lavoro e i tipi di compiti nelle lezioni di solfeggio servono a sviluppare l'orecchio per la musica, la memoria, il senso del ritmo, l'iniziativa creativa e aiutano lo sviluppo pratico materiale teorico, forma le capacità di lettura a prima vista, intonazione pura, analisi uditiva, registrazione di melodie a orecchio, selezione dell'accompagnamento. Ad ogni lezione è necessario combinare proporzionalmente esercizi per sviluppare abilità di intonazione vocale, sviluppare un senso di metroritmo, solfeggio e canto a prima vista, analisi dell'ascolto, vari tipi di dettati musicali, compiti per padroneggiare concetti teorici ed esercizi creativi.
Requisiti per il livello di formazione
1 classe
Alla fine della classe 1, gli studenti dovrebbero essere in grado di:
- Scrivi sotto la guida di un insegnante un semplice dettato (4-8 misure) entro un'ottava, includendo movimenti graduali o suoni costanti.
- Canta le scale di Do, Sol, F, Re maggiore su e giù, suoni stabili in esse, cantando suoni stabili.
- Dare definizioni: tasto; chiave; maggiore e minore, ripresa, scala, tonica, pausa, avvio. La struttura della scala maggiore.
- Determina a orecchio i modelli modali più semplici, maggiori e minori; schemi ritmici, metro.
5. Risolvi melodie familiari, semplici melodie da un foglio in 2/4 e 3/4 con clocking.
Grado 2
Alla fine della classe 2, gli studenti dovrebbero essere in grado di:
2. Risolvi dirigendo un esempio musicale familiare.
3. Canta una melodia da un foglio, compresi diversi salti (II-V-I, V-II-I, V-VII-I).
5. Determinare a orecchio i tipi di passi di scala minori, intervalli con la definizione di qualità, triadi maggiori e minori.
6. Esegui la tua canzone con l'accompagnamento (facoltativo).
Informazioni teoriche: tipi di minore (naturale, armonica e melodica). Chiavi fino a 2 caratteri (anche parallele) Chiavi parallele (definizione ed esempio). Battute 2/4,3/4,4/4 Gruppi ritmici: un quarto con punto e un ottavo, quattro sedicesimi e tutte le durate trascorse. Zatakt. Pausa. Intervallo (definizione, designazione numerica, 2 valori di intervallo).
3a elementare
Il risultato di 3 anni di studio è il seguente:
2.Solfegging con la conduzione di una melodia familiare.
3. Canto da uno spartito melodico, catene di intervalli di canto (assolo e ensemble).
4. Analisi uditiva dei tipi di minore, intervalli in chiave e dal suono, triadi in un frammento musicale.
Conoscere le definizioni:
Tonalità fino a tre caratteri con chiave;
Tre tipi di minore;
Inversione di intervalli;
Inversione della triade;
Le principali triadi della modalità;
Modalità variabile;
Intervalli (2 valori, designazione, definizione).
Suonare al pianoforte triadi con inversioni, triadi di tasti paralleli, triadi dei passi principali.
4 ° grado
Il risultato di 4 anni di studio è un compito scritto:
salti in combinazione, movimento secondo i suoni degli appelli delle triadi principali
tasto, varie figure ritmiche con sedicesimi.
2. Risposta orale:
Solfegging di una melodia suonata in precedenza.
Tritoni che cantano con risoluzione.
Cantando una catena di 4-6 accordi.
Determinare a orecchio il tipo di maggiore o minore, intervalli e accordi
stonato e in tono, catene di 3-4 accordi in tono.
Informazioni teoriche:
Chiavi fino a 4 caratteri inclusi;
Tre tipi di minore;
Cromatismo, modulazione;
Tritoni, b7, m7 in tonalità e da suono;
Settimo accordo. Re 7;
Triadi dei passaggi principali;
Inversione delle triadi.
5 ° grado
Il risultato del 5° anno di studio è un esame di trasferimento.
L'esame si svolge in 2 fasi:
- Scritto (1,5 ore)
- Orale (1,5 ore)
Cantando da un foglio di melodia con intonazioni di intervalli passati
con movimento lungo i suoni degli accordi passati (incluso D7, mind35).
Cantare intervalli e accordi attraversati in isolamento e in sequenze (intervalli e accordi dissonanti
intonato con risoluzione).
Analisi uditiva di singoli intervalli e accordi stonati.
Determinazione dei ricorsi D7 per il permesso.
Analisi di una sequenza di 6-7 accordi.
Informazioni teoriche
Concetti: circolo delle quinte di tonalità, periodo, frase, cadenza, figurazione, cromatismo, deviazione, modulazione, tonalità fino a 5 caratteri inclusi.
Gruppi ritmici in 2/4, 3/4, 4/4 tempi in chiave
Intervalli: m7 sul 7° grado della maggiore, um7 sul 7° grado nei modi armonici, tritoni con risoluzione.
Inversioni delle triadi principali, triadi dal suono, mente35 sul secondo gradino.
D7 dalla risoluzione del suono.
Designazioni di lettere di tonalità.
Determinazione degli elementi del linguaggio musicale, deviazioni, modulazioni dal testo musicale.
6° grado
Entro la fine del sesto anno lo studente deve conoscere ed essere in grado di:
costruire, suonare e cantare intervalli semplici in tonalità fino a sei segni, nonché tritoni, intervalli caratteristici, Re7 e suoi rivolti in maggiore e minore;
costruisci, suona e canta dal suono e risolvi in tonalità maggiore e minore D7 e sua conversione, tritoni;
conoscere il circolo delle quinte delle tonalità maggiori e minori, l'accordo di settima introduttivo, il giro interrotto;
costruire inversioni di intervalli e triadi;
cantare catene di intervalli, progressioni di accordi a tono singolo composte da 7-8 accordi;
essere in grado di identificare singoli intervalli al di fuori della tonalità e accordi nella tonalità;
analizzare una progressione di accordi di 6-7 accordi;
essere in grado di comporre e comporre melodie, variare, selezionare l'accompagnamento di accordi, strutturare l'accompagnamento alla melodia.
7 ° grado
Il risultato di 7 anni di studio è l'esame finale,
che si svolge in 2 fasi:
1. Scritto - 2 ore
elencati nella sezione "Dettatura");
che soddisfa i requisiti della sezione "Intonazione
esercizi e solfeggio»);
melodia di solfeggio a memoria con direzione (dalla raccolta di Solfeggio, parte 1 Autori a una voce Kalmykov, Fridkin, Solfeggio 6a elementare autore T. Kaluzhskaya);
canto in chiave di intervalli caratteristici e tritoni, D7 e le sue invocazioni con risoluzione.
cantando una data progressione di accordi di un tono,
composto da 6-8 accordi, intervalli su e giù dal suono.
analisi uditiva di 8-10 intervalli e 6-8 accordi.
analisi armonica del periodo monotonale della struttura ripetuta.
esecuzione d'insieme di un duetto semplice (a discrezione del docente).
determinazione a orecchio della modulazione melodica nella tonalità della prima
grado di parentela (a discrezione del docente).
Informazioni teoriche
toni correlati;
modulazione in chiavi correlate;
tonalità uguali parallele, simili, enarmoniche;
scala cromatica;
tutti i tipi di dimensioni (semplici, complesse, miste, variabili);
tutti i toni;
2 tipi di maggiore, 3 tipi di minore;
tasti di musica folk (conoscenza);
grafia delle scale cromatiche maggiori e minori;
raggruppamenti in dimensioni miste;
intervalli: diatonici, semplici e composti, tritoni, caratteristici;
accordi: triadi di passi principali con inversioni, mente 35 in poi
VII e II gradi in maggiore e minore e dal suono; accordi di settima del VII stadio, II stadio, D7 con ricorsi e con permesso nel VI Art. (per studenti avanzati), uv35 in maggiore e minore.
8 ° grado
Requisiti approssimativi per l'esame in terza media:
scrivere un dettato monofonico (volume 8-10 misure) in una delle tonalità comunemente usate (naturale, armonica maggiore o uno dei tre tipi di minore), compresi i giri melodici passati e i gruppi ritmici, elementi di cromatismo, modulazione nella tonalità di parentela diatonica. Taglie: 2 4, 3 4, 4 4, 3 8, 6 8;
analizzare gli elementi del discorso musicale e la struttura della melodia in una delle chiavi passate; cantalo da un foglio;
eseguire (in duetto) uno degli esempi appresi a due voci;
cantare, determinare a orecchio in una qualsiasi delle chiavi passate gli elementi del discorso musicale: scale, singoli tetracordi, passi diatonici e cromatici, intervalli e accordi con risoluzioni, sequenze diatoniche e modulanti, sequenze di 8-10 intervalli, accordi;
intervalli - diatonici, caratteristici: SW. 2, SW. 5, mente. 7, mente 4, tritoni sui gradi IV, VII, II, VI in maggiore e minore (naturale e armonico);
accordi: triadi dei gradi principali e loro rivolti, triade aumentata sui gradi III e VI dell'armonico minore e maggiore, triade diminuita sui gradi VII e II dei maggiori e minori, D7 con rivolti, accordi di settima dei gradi VII e II gradi in maggiore e minore (naturale e armonico);
cantare, suonare intervalli separati, accordi dal suono su o giù, risolverli in chiavi diverse;
Forme e modalità del controllo, sistema di inquadramento
Certificazione: obiettivi, tipologie, forma, contenuto della certificazione degli studenti
Gli obiettivi della certificazione: stabilire la corrispondenza del livello di conoscenza e abilità raggiunto dallo studente in una determinata fase della formazione ai requisiti del programma.
Forme di controllo: attuale, intermedio, finale.
controllo corrente viene svolto regolarmente dall'insegnante in classe, nel corso delle lezioni ed è finalizzato al mantenimento della disciplina accademica, all'organizzazione responsabile dei compiti a casa.La conoscenza viene verificata sotto forma di sondaggio orale, lavoro scritto indipendente. Inoltre, è possibile utilizzare forme di gioco test di conoscenza, come i quiz.
Durante la valutazione, vengono presi in considerazione la qualità dei compiti proposti, l'iniziativa e l'indipendenza nell'esecuzione della classe e dei compiti, il ritmo dei progressi degli studenti.
controllo intermedio prodotto sotto forma di lezioni di controllo, che si tengono alla fine di ogni trimestre (ottobre, dicembre, marzo, maggio).
Controllo finale si svolge in seconda media sotto forma di esame, che si svolge in 2 fasi: scritta (2 ore) e orale (2 ore).
indagine orale (individuale e frontale), comprese le principali forme di lavoro - solfeggio di esempi a una e due voci, lettura a prima vista, analisi uditiva di intervalli e accordi stonati e come sequenza in chiave, esercizi di intonazione;
compiti scritti indipendenti - registrazione di un dettato musicale, analisi uditiva, esecuzione di un compito teorico;
compiti creativi "competitivi" (per la migliore selezione di accompagnamento, composizione per un dato ritmo, migliore esecuzione, ecc.).
Criteri di valutazione
Il livello di conoscenze, abilità e capacità acquisite deve soddisfare i requisiti del programma.
Le attività devono essere completate in in toto ed entro il tempo loro assegnato, che dimostra le competenze acquisite dallo studente. Un approccio individuale allo studente può essere espresso in materiale di diversa complessità con lo stesso tipo di compito.
Per l'attestazione degli studenti viene utilizzato un sistema di valutazione differenziato a 5 punti.
Dettatura musicale
Grado 5 (eccellente) - il dettato musicale è stato registrato completamente senza errori entro il tempo e il numero di ascolti assegnati. Possono esserci piccoli difetti (non più di due) nel raggruppamento delle durate o nella registrazione dei suoni cromatici.
Grado 4 (buono) - il dettato musicale è stato registrato completamente entro il tempo e il numero di ascolti assegnati. Sono stati commessi 2-3 errori nella registrazione della linea melodica, del modello ritmico o di un gran numero di carenze.
Grado 3 (soddisfacente) - il dettato musicale è stato registrato completamente entro il tempo assegnato e il numero di ascolti, è stato commesso un numero elevato (4-8) di errori nella registrazione della linea melodica, dello schema ritmico o il dettato musicale non è stato registrato completamente (ma più della metà).
Grado 2 (insoddisfacente) - la dettatura musicale è stata registrata entro il tempo assegnato e il numero di riproduzioni, è stato commesso un gran numero di errori grossolani nella registrazione della linea melodica e del modello ritmico, oppure la dettatura musicale è stata registrata meno della metà.
Solfegging, esercizi di intonazione, analisi uditiva
Grado 5 (eccellente) - intonazione pura, buon tasso di risposta, direzione corretta, dimostrazione di conoscenze teoriche di base.
Grado 4 (buono) - carenze in alcuni tipi lavoro: piccoli errori nell'intonazione, violazioni nel tempo della risposta, errori nella direzione, errori nella conoscenza teorica.
Grado 3 (soddisfacente) - errori, scarsa padronanza dell'intonazione, velocità di risposta lenta, errori grossolani nella conoscenza teorica.
Grado 2 (insoddisfacente) - errori grossolani, mancanza di intonazione, velocità di risposta lenta, mancanza di conoscenze teoriche.
Requisiti di controllo nelle diverse fasi della formazione
In ogni fase della formazione, gli studenti, in conformità con i requisiti del programma, dovrebbero essere in grado di:
scrivere un dettato musicale della difficoltà corrispondente;
solfeggio imparato melodie;
cantare una melodia sconosciuta da un foglio;
determinare a orecchio gli intervalli e gli accordi passati;
costruire intervalli passati e accordi nelle chiavi passate per iscritto, oralmente e al pianoforte;
analizzare il testo musicale utilizzando quanto ottenuto Conoscenza teoretica;
conoscere la terminologia professionale necessaria.
Forme approssimative dell'esame finale:
biglietti d'esame;
Pratica:
cantare da un foglio;
analisi uditiva.
SUPPORTO METODOLOGICO DEL PROCESSO FORMATIVO
Brevi linee guida
Abilità vocali e di intonazione.
Una delle forme necessarie di lavoro nelle lezioni di solfeggio sono gli esercizi di intonazione vocale (scale di canto, intervalli, accordi, sequenze, vari turni melodici, ecc.). Aiutano a sviluppare un orecchio per la musica (modale, armonico, interno), nonché lo sviluppo di abilità pratiche nel canto a prima vista, nella registrazione di melodie e nell'analisi a orecchio. Gli esercizi di intonazione vocale consentono di consolidare praticamente le informazioni teoriche che gli studenti ricevono nelle lezioni di solfeggio.
Quando si lavora sugli esercizi di intonazione, l'insegnante dovrebbe monitorare attentamente la qualità del canto (purezza dell'intonazione, struttura, respiro libero, capacità di cantare con una voce cantilenante, legato).
Come per il solfeggio, l'accordatura tonale gioca un ruolo importante. Nella fase iniziale dell'allenamento, si consiglia di cantare esercizi di intonazione in un coro o in gruppi e solo successivamente procedere all'esecuzione individuale. Gli esercizi di intonazione all'inizio vengono eseguiti in ritmo moderato, a ritmo libero e secondo la mano del maestro. In futuro, gli esercizi di intonazione dovrebbero essere formalizzati ritmicamente. Gli esercizi dovrebbero essere dati sia in armonia che da un dato suono.
Gli esercizi di intonazione modale includono scale di canto (maggiore, minore), singoli passi di scala e turni melodici composti da esse, sequenze tonali, intervalli e accordi in armonia con risoluzione, ecc.
Per sviluppare un orecchio funzionale-armonico, un senso dell'ordine, un ensemble e come esercizi preparatori per il solfeggio polifonico, è necessario cantare intervalli, accordi e le loro sequenze in suono armonico. Parallelamente agli esercizi sui tasti, si dovrebbe esercitarsi sistematicamente a cantare gli intervalli e gli accordi passati (in melodico e forma armonica) dal suono dato.
Gli esercizi di intonazione vocale sono spesso usati all'inizio di una lezione, quando si canta o prima del solfeggio. Non dovresti dedicare troppo tempo a loro, poiché questo è un mezzo ausiliario per educare le abilità di base. Il materiale vocale per gli esercizi di intonazione può essere estratto da letteratura musicale, così come esercizi compilati dall'insegnante.
Solfegging e canto a prima vista.
Il solfeggio è la principale forma di lavoro nella classe di solfeggio. Durante il solfeggio si sviluppano le corrette capacità di canto, l'accuratezza dell'intonazione, un atteggiamento consapevole nei confronti del testo musicale, si sviluppa un senso di armonia. Il lavoro in questa direzione dovrebbe essere svolto durante tutti gli anni di studio. Durante il solfeggio, dovresti ottenere un canto pulito, armonioso ed espressivo dalle note (all'inizio - melodie apprese a orecchio e successivamente - melodie, canzoni sconosciute). Allo stesso tempo, l'insegnante dovrebbe prestare attenzione alla correttezza e alla chiarezza del gesto del direttore dello studente.
Fin dalle prime lezioni è necessario seguire la corretta produzione del suono, respirazione, fraseggio, prestare attenzione all'atterraggio degli studenti durante il canto. L'insegnante dovrebbe concentrarsi sulla gamma vocale degli studenti delle scuole elementari. Al liceo, può essere ampliato. Ci sono studenti con una gamma vocale limitata. Dovresti lavorare sistematicamente sulla sua espansione senza sovraccaricare l'apparato vocale. In alcuni casi, è consigliabile cambiare il tono lavoro svolto, trasponendolo secondo l'estensione vocale dello studente. Le lezioni di solfeggio dovrebbero essere dominate dal canto non accompagnato (a cappella); Non è consigliabile duplicare la melodia eseguita al pianoforte. In alcuni casi, con giri di intonazione difficili, con perdita del senso dell'armonia, è possibile sostenere il canto dell'allievo con un accompagnamento armonico. Tuttavia, oltre al canto senza accompagnamento, è necessario utilizzare (soprattutto nelle classi inferiori) il canto con testo e accompagnamento di pianoforte.
Per lo sviluppo del sentimento d'insieme e dell'udito armonico, dovrebbero essere introdotti elementi di esempi a due voci.
Il canto a prima vista è una delle abilità pratiche più importanti. Questo è cantare dalle note di una melodia sconosciuta. L'abilità del canto a prima vista si sviluppa gradualmente e richiede all'allievo una notevole esperienza uditiva, senso del metroritmo, familiarità con le regole per raggruppare le durate, capacità di cantare senza strumento, conoscenza delle note e della notazione musicale all'inizio del il momento del lavoro. Il momento determinante in questo caso è l'orientamento in armonia, la capacità di sentire i giri modali, di mantenere l'armonia, la tonalità.
In corso Attenzione speciale dovrebbe essere dato allo sviluppo dell'udito interiore (insegnare agli studenti a immaginare mentalmente una melodia scritta, navigarla liberamente).
Nel processo di sviluppo dell'abilità del canto a prima vista, dovrebbe essere raggiunto un canto significativo ed espressivo. Il canto meccanico da una nota all'altra non dovrebbe essere consentito, allo studente dovrebbe essere insegnato tutto il tempo a guardare il testo musicale come se fosse avanti e cantare senza fermarsi, senza perdere la sensazione di una tonalità specifica.
Prima di cantare, l'esempio eseguibile deve essere smontato e analizzato. Nelle classi inferiori, gli studenti lo fanno insieme all'insegnante, nelle classi superiori - da soli. Dovrebbero essere analizzate le caratteristiche strutturali, modali, metro-ritmiche e altre caratteristiche dell'esempio. Come esercizio preparatorio, puoi usare la tecnica della solmisizzazione (pronunciando i nomi dei suoni nel ritmo).
La pre-accordatura in una determinata tonalità è molto importante quando si canta da uno spartito. Forma approssimativa impostazioni: l'insegnante suona una sequenza armonica libera in questa tonalità (diversi accordi che affermano questa tonalità).
Esempi musicali Il canto a prima vista dovrebbe essere più facile da imparare in classe. Dovrebbero essere dominati da svolte melodiche e ritmiche familiari agli studenti. Il valore artistico degli esempi, l'accessibilità per una data età e la diversità stilistica sono molto importanti.
Dovrebbero essere eseguiti sia il solfeggio di esempi appresi che il canto a prima vista nelle classi inferiori per la maggior parte collettivamente, in gruppo e solo in futuro per passare al canto individuale.
Una tecnica importante e utile nel lavoro è la trasposizione di melodie apprese in altre chiavi, così come la trasposizione di melodie sconosciute da un foglio.
Coltivare il senso del ritmo.
Lo sviluppo di un senso del metroritmo è tanto necessario quanto lo sviluppo di abilità modali e intonazionali. Esistono opportunità per sviluppare un senso del metroritmo in ogni tipo di lavoro (solfegging, dettatura, analisi uditiva, ecc.), Ma per un risultato più efficace ed efficace, a volte è necessario isolare ed elaborare separatamente, comprendere le relazioni metroritmiche in i lavori studiati, e anche applicano esercizi ritmici speciali.
Quando si selezionano gli esercizi ritmici iniziali, si dovrebbe fare affidamento sul fatto che la percezione del ritmo, specialmente nei bambini, è associata a una risposta motoria. È a questi movimenti che sono associate le idee iniziali dei bambini sulle durate (un quarto - un "passo", ottavi - una "corsa"). Si possono raccomandare una serie di esercizi ritmici:
toccando lo schema ritmico di una canzone familiare, melodia;
picchiettio ripetuto (con applausi, matita, su strumenti a percussione) di uno schema ritmico eseguito dall'insegnante;
toccando uno schema ritmico scritto sulla lavagna; carte speciali, secondo la notazione musicale;
pronuncia di uno schema ritmico in sillabe con o senza clocking;
ostinato ritmico come accompagnamento di canzoni;
leggere e suonare semplici spartiti ritmici su strumenti a percussione;
dettati ritmici (registrazione di uno schema ritmico di una melodia o di uno schema ritmico eseguito con applausi, matita, strumento a percussione, ecc.).
Tutti gli esercizi sono offerti in diverse dimensioni e ritmi. L'insegnante può anche creare opzioni per tali esercizi. Va ricordato che ogni figura ritmica, turnover deve essere prima di tutto percepita emotivamente, poi praticamente elaborata, e solo allora data la sua giustificazione teorica.
La direzione gioca un ruolo importante nello sviluppo del senso del metroritmo, che rappresenta una difficoltà significativa per lo studente nella fase iniziale. Pertanto, può essere sostituito da qualsiasi altro movimento che segna la pulsazione uniforme del battito, ad esempio il clocking. A poco a poco, viene assegnato un ritmo forte, quindi viene determinato ed elaborato uno schema di gesti. All'inizio, è meglio lavorare sul gesto del direttore d'orchestra quando canta melodie familiari, apprese, esercizi e anche quando ascolta la musica.
Educazione alla percezione musicale (Analisi a orecchio)
L'analisi uditiva nel corso di solfeggio, insieme al canto, è la principale forma di lavoro sullo sviluppo dell'orecchio musicale di uno studente. Tutta la consapevolezza inizia con la percezione, quindi il compito più importante è insegnare allo studente ad ascoltare correttamente la musica. La percezione musicale crea la base uditiva necessaria per studiare e comprendere vari fenomeni e concetti musicali. È strettamente connesso con altre forme di lavoro (esercizi di intonazione, canto a prima vista, lavoro creativo, dettato). Il lavoro sistematico sull'analisi a orecchio consente allo studente di accumulare rappresentazioni uditive interne, sviluppa la memoria musicale, il pensiero. È di particolare importanza nello sviluppo dell'udito armonico. Infine, l'analisi ad orecchio collega il solfeggio con la pratica musicale degli studenti, li aiuta nell'analisi e nell'esecuzione di brani sullo strumento. Le lezioni di analisi uditiva dovrebbero svolgersi contemporaneamente in due direzioni:
analisi olistica di opere musicali o loro frammenti;
analisi dei singoli elementi del linguaggio musicale.
Analisi olistica.
Il compito principale di questo tipo di analisi è insegnare agli studenti ad ascoltare le opere musicali. Quando ascoltano una melodia monofonica, non dovrebbero solo percepirla emotivamente, ma anche analizzare la struttura della melodia, il principio, la logica della sua costruzione e sviluppo (la direzione della linea melodica, ripetizione, sequenza, ecc.), Riconoscere giri melodici e ritmici familiari in esso, sentire alterazioni, cromatismi, modulazioni e dare a tutto una spiegazione verbale.
Quando si analizza la musica polifonica, gli studenti dovrebbero ascoltare le armonie trasmesse in essa (accordi, intervalli), comprendere la trama (melodia, accompagnamento), i tipi di polifonia (imitazione, subvocale, contrasto). La selezione del materiale musicale gioca un ruolo decisivo in questo. Le opere musicali, soprattutto all'inizio, dovrebbero essere di piccolo volume, accessibili nei contenuti, di natura diversa, caratteristiche stilistiche. Questi possono essere esempi tratti dalla letteratura musicale. È auspicabile utilizzare il più possibile i lavori eseguiti dagli studenti nelle classi strumentali.
Uno dei prerequisiti per un lavoro di successo sull'analisi uditiva è un'esecuzione brillante, emotiva e competente di opere musicali da parte di un insegnante. È anche possibile utilizzare manuali ed esempi sonori in una registrazione audio. analisi olisticaè necessario studiare durante tutti gli anni di studio, ma è particolarmente importante nelle classi 1-3, cioè prima di iniziare le lezioni di musica.
Analisi degli elementi del linguaggio musicale.
Il compito di questo tipo di analisi è lo studio uditivo (determinazione dell'orecchio e della consapevolezza) di quegli elementi del linguaggio musicale che determinano l'espressività. pezzo di musica: analisi di scale, scale, segmenti di scale, singoli passi della modalità, turni melodici; giri ritmici; intervalli nel suono melodico su e giù, nel suono armonico, nell'eco, nelle tonalità sui passi della modalità, presi separatamente e in sequenze; accordi e le loro inversioni in un arrangiamento serrato, in un suono melodico e armonico.
Va ricordato che questa sezione dell'opera, nonostante la sua importanza, non dovrebbe prevalere nelle lezioni di solfeggio e determinare intervalli e accordi a orecchio non può essere l'obiettivo.
Dettatura musicale.
Il dettato è una delle forme di lavoro più difficili nel corso di solfeggio. Sviluppa la memoria musicale degli studenti, contribuisce alla percezione cosciente della melodia e di altri elementi del discorso musicale e insegna a scrivere ciò che si sente. Nel lavoro sulla dettatura vengono sintetizzate tutte le conoscenze e le abilità degli studenti, viene determinato il livello del loro sviluppo uditivo. Pertanto, non bisogna affrettarsi a introdurre questa forma di lavoro, ma per qualche tempo (a seconda dell'avanzamento del gruppo) impegnarsi solo in vari esercizi preparatori.
La registrazione riuscita di un dettato dipende anche dall'individualità dello studente, dalla sua memoria musicale, dall'udito modale, dal pensiero modale, dall'orientamento nel movimento melodico: su, giù, bruscamente, secondo i suoni degli accordi, ecc. È altrettanto importante che gli studenti comprendano la struttura della forma della melodia (dividendo la melodia in frasi e frasi), nonché avere un'idea chiara della struttura ritmica metrica della melodia: la sua dimensione, la struttura di le misure e le caratteristiche del modello ritmico.
Le forme di dettatura possono essere diverse. Può essere un dettato con un'analisi preliminare. Con l'aiuto di un insegnante, gli studenti determinano la modalità e il tono di una data melodia, le sue dimensioni, il tempo, i momenti strutturali, le caratteristiche di uno schema ritmico, analizzano lo schema di sviluppo di una melodia e quindi iniziano a registrare. L'analisi preliminare non dovrebbe richiedere più di 8-10 minuti.
Insieme a tali dettati, dovrebbe essere dato un dettato senza un'analisi preliminare. Tale dettato viene registrato dagli studenti con un certo numero di riproduzioni. Innanzitutto, il dettato viene riprodotto 2-3 volte di seguito (gli studenti ascoltano e memorizzano la melodia in questo momento), quindi più volte con un intervallo di 3-4 minuti.
È necessario utilizzare ampiamente la forma del dettato orale, che aiuta gli studenti a percepire consapevolmente le difficoltà individuali della melodia e sviluppa la memoria musicale.
Per lo sviluppo dell'udito interiore, gli studenti dovrebbero essere offerti, in particolare per compiti a casa, una registrazione di una melodia familiare precedentemente letta da un foglio. Questo aiuta a ricordare e realizzare la melodia cantata e rafforza la connessione del suono ascoltato con la sua immagine musicale.
Molto punto importante nel lavorare su un dettato è la sua verifica, correzione e analisi degli errori. Le forme di verifica possono essere diverse (l'insegnante controlla i quaderni, gli studenti controllano i quaderni degli altri, uno degli studenti scrive il dettato alla lavagna o lo suona al pianoforte, la classe canta il dettato con il nome dei suoni e conduzione, ecc.).
A casa puoi imparare il dettato a memoria, trasporre, riprendere al pianoforte.
Educazione delle capacità creative.
Lo sviluppo dell'iniziativa creativa nel processo di apprendimento gioca un ruolo enorme. Contribuisce a un atteggiamento più emotivo e allo stesso tempo significativo degli studenti nei confronti della musica, rivela le possibilità creative individuali di ciascuno di loro, suscita interesse per la materia, che è un prerequisito necessario per la sua padronanza di successo e aiuta nell'esecuzione della pratica. Poiché la creatività del bambino è associata ad azioni indipendenti, è psicologicamente liberato, diventa più audace quando svolge compiti pratici. incarichi musicali, impara a prendere decisioni rapide, a pensare in modo analitico. Gli esercizi creativi nelle lezioni di solfeggio attivano l'attenzione uditiva, allenano vari aspetti dell'udito musicale e sviluppano anche capacità uditive e di osservazione.
Uno dei prerequisiti per il lavoro creativo, soprattutto nella fase iniziale, è il ruolo guida del principio emotivo. Tuttavia, gli esercizi devono essere collegati alle sezioni principali del corso. Lo scopo di questi esercizi non è solo quello di sviluppare abilità creative negli studenti, ma anche di aiutarli ad acquisire abilità di base: canto a prima vista, scrittura di dettati e determinazione a orecchio.
Gli esercizi creativi rafforzano le conoscenze teoriche, dovrebbero essere disponibili per gli studenti. Il lavoro creativo può essere avviato dalla prima elementare, ma solo dopo che i bambini hanno accumulato almeno una piccola quantità di impressioni e conoscenze musicali e uditive. Il tipo principale di creatività è l'improvvisazione:
cantando la frase di risposta;
comporre una melodia su un dato schema ritmico;
composizione di melodie sul testo dato.
Anche la selezione dell'accompagnamento appartiene al lavoro creativo.
I compiti creativi possono essere sia in aula che a casa, con la condizione di verifica o discussione obbligatoria del lavoro da parte di tutta la classe. Le migliori opere possono essere utilizzate come materiale per dettatura, canto a prima vista, trasposizione, ecc. Le tecniche creative per sviluppare l'udito sono particolarmente efficaci nelle classi elementari.
Informazioni teoriche.
Questa sezione contiene un elenco delle conoscenze richieste di alfabetizzazione musicale e teoria musicale elementare. In ogni lezione successiva viene presentato nuovo materiale, che può essere padroneggiato ripetendo e consolidando ciò che è stato precedentemente trattato. Tutte le informazioni teoriche dovrebbero essere strettamente correlate all'esperienza musicale e uditiva degli studenti. Ciò è particolarmente vero per gli studenti delle classi inferiori, dove ogni generalizzazione teorica dovrebbe essere preceduta da un allenamento uditivo sul materiale musicale appropriato.
Suonare tutti gli elementi del linguaggio musicale (intervalli, accordi, scale, turni melodici e armonici, ecc.) Al pianoforte è di grande beneficio per padroneggiare il materiale teorico, orientamento libero nelle chiavi. Gli studenti delle lezioni di solfeggio eseguono, registrano, analizzano opere musicali e loro frammenti, pertanto è necessario far conoscere loro i principali termini musicali, designazioni di tassi, sfumature dinamiche, carattere di esecuzione. Questo viene fatto durante gli anni di studio.
Una condizione indispensabile per il successo del processo di apprendimento è la forza dell'assimilazione del materiale didattico e il consolidamento del materiale didattico con i compiti a casa. I compiti a casa sono progettati per rafforzare ciò che è stato appreso in classe. Dovrebbero essere di piccolo volume e accessibili in termini di difficoltà. I compiti a casa possono includere tutte le forme di lavoro in classe: intonazione, esercizi ritmici, trasposizione, esercizi scritti creativi e teorici.
Letteratura educativa
Abelyan L. Solfeggio divertente. Libro di testo per bambini in età prescolare e primaria. - M., sov. compositore, 1982.
Alexandrova N. Cartella di lavoro sul solfeggio.1, 2 classi -
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Grecia, penisola del Peloponneso
REGOLAMENTO DEL CONCORSO INTERNAZIONALE - FESTIVAL
"CERCHIO"
OBIETTIVI E COMPITI PRINCIPALI DEL FESTIVAL:
ü Revival, conservazione e sviluppo culture nazionali;
ü Conoscenza dei migliori solisti ed ensemble, stabilire contatti creativi tra i partecipanti, scambio di esperienze lavorative;
ü Creazione di condizioni per il sostegno e lo sviluppo della creatività dei bambini e dei giovani;
ü Conservazione eredità culturale e il miglioramento dell'arte e della danza;
ü Crescere la prossima generazione nello spirito del patriottismo
PERFORMANCE VOCALE CANTO CORALE PERFORMANCE STRUMENTALE PAROLA ARTISTICA
Concetto di base
– un esecutore o un compositore presenta una o due opere qualsiasi, i membri esperti della giuria valutano gli esecutori. Gli esecutori e le squadre che si sono particolarmente distinti in ogni categoria competitiva, disciplina e nomination sono insigniti del titolo di Laureato e Diploma vincitore del concorso-festival delle arti - con il premio corrispondente al rango diplomi e medaglie del FORUM. Vincitori - squadre (da 3 persone) coppe.
Il principio principale della formazione di categorie, nomination e discipline competitive è l'allontanamento dalla loro tradizionale divisione esclusivamente in gruppi di età. Inoltre, viene introdotta una categoria competitiva separata. "Per partecipanti dai 18 anni in su", che si forma sulla base dell'esperienza e esperienza generale le lezioni del concorrente in una o nell'altra disciplina musicale e nomination, indipendentemente dall'età del concorrente il giorno della competizione in base all'età del concorrente 18 anni il giorno della competizione. Viene introdotta la categoria professionisti(solisti o gruppi - per i quali le capacità esecutive sono una professione).
Commenti: Ad esempio, un membro ha 18 anni ed è al terzo anno di studi musicali, e un altro membro ha 46 anni ed è anche al terzo anno presso una scuola di musica privata, da solo o con un insegnante. In questo esempio, entrambi questi partecipanti concorreranno nella stessa nomination: 3-4 anni di studio. Pertanto, questo concorso offre l'opportunità di esprimersi a persone che, per vari motivi, hanno iniziato a suonare la musica in ritardo e per le quali il percorso per una partecipazione di successo alle competizioni, in cui il principio della formazione dei partecipanti e dei requisiti competitivi si basa esclusivamente sull'età, è chiusa per sempre.
Inoltre, questo concorso non viola in alcun modo il potenziale e le opportunità di esprimersi di quei partecipanti che sono tradizionalmente coinvolti nella musica fin dall'infanzia. Per tali concorrenti la cui età non supera i 17 anni anni interi il giorno della competizione viene preservata la tradizionale categoria competitiva, in cui si forma il metodo di distribuzione dei partecipanti alle discipline competitive e alle nomination in base a criteri di età. Il successo arriva sempre in modi diversi. A qualcuno in gioventù e a qualcuno in maturità. Tutti dovrebbero avere la possibilità di mettersi alla prova.
Candidature, tempi di esibizione
ü Solo (1 persona) fino a 7 minuti
Bambino 7 anni e sotto
Bambini (fino a 11 anni)
ü Duetto (2 persone) fino a 7 minuti
Bambini 7-9 anni
Giovani (12-15 anni)
ü Duetto misto (2 persone di età diverse) fino a 7 minuti
Bambini 10-11 anni
Giovani (16-17 anni)
ü Insegnante + studente fino a 7 minuti
Ragazzi 12-13 anni
Adulti (dai 18 anni in su
ü Trio (3 persone) fino a 7 minuti
Ragazzi 14-15 anni
Misto (diversa età)
ü Quartetto (4 persone) fino a 7 minuti
Giovani 16-17 anni
ü Ensemble, cori, orchestre,
Adulti dai 18 anni in su
gruppi (da 5 persone) fino a 7 min ut (che indica l'esperienza di suonare la musica)
ü Professionisti dai 18 anni in su, limite del programma fino a 10 minuti
Appunti:
1) 1 o 2 opere vengono eseguite entro il tempo specificato per la nomina.
2) Nella voce pop - 1 pezzo.
Discipline
PERFORMANCE VOCALE CANTO CORALE PERFORMANCE STRUMENTALE PAROLA ARTISTICA
ü Canto accademico
ü Strumenti classici
o Canto popolare
ü Voce pop
ü Voce jazz
ü Orchestre
ü Composizione letteraria e musicale
ü Strumenti elettronici
MUSICA D'AUTORE (COMPOSIZIONE) Vengono eseguite 1 o 2 opere d'autore con una durata non superiore a 7 minuti. È possibile eseguire la performance dell'autore a tempo pieno, il coinvolgimento a tempo pieno degli interpreti, nonché l'ascolto pubblico della versione audio dell'opera in presenza dell'autore. I partecipanti alla candidatura, unitamente alla domanda, inviano le note delle proprie composizioni in qualsiasi formato, purché in formato chiaro e preciso. Tutti gli artisti coinvolti nella disciplina ricevono medaglie commemorative della competizione.
Regole
Disciplina: PRESTAZIONI STRUMENTALI
Criteri di valutazione: musicalità, purezza e qualità del suono, virtuosismo, cultura scenica, complessità del repertorio, conformità del repertorio con capacità esecutive e categoria di età, abilità esecutive.
Programma:
-pianoforte, sintetizzatore– 1 o 2 opere
-violino, violoncello, viola, contrabbasso- 1 o 2 opere.
- fisarmonica a bottoni, fisarmonica– 1 o 2 opere
-balalaica/domra– 1 o 2 opere
-chitarra-1 o 2 pezzi
- ottone– 1 o 2 opere
-ensemble e gruppi- 1 o 2 opere.
Disciplina: PRESTAZIONI VOCALI
(accademico, popolare, direzione pop)
Criteri di valutazione: musicalità, interpretazione artistica di un'opera musicale, purezza dell'intonazione e qualità del suono, bellezza del timbro e potenza della voce, cultura scenica, complessità del repertorio, conformità del repertorio con le capacità esecutive e la categoria di età dell'esecutore, abilità esecutive.
Programma: in direzioni popolari e accademiche - 1 o 2 qualsiasi opera.
Nella direzione pop - 1 qualsiasi lavoro.
Nota:
vocale pop
In questa nomination, le esibizioni sono presentate in base allo stile di performance pop .
I teatrini sono i benvenuti. È consentito avere "cori" sotto forma di supporto armonico, precedentemente registrati nel fonogramma "meno uno" o eseguiti "dal vivo", il gruppo non ha il diritto di utilizzare i cori nella registrazione. Non è consentito ricevere un "doppio brano" (duplicazione della parte del solista sotto forma di un singolo armonico). Prestazioni competitive vengono eseguiti utilizzando fonogrammi "meno", accompagnamento "live" ( complesso strumentale, pianoforte, ecc.) o non accompagnati. È consentito l'uso di fonogrammi con parti vocali di accompagnamento registrate (previa aggiunta e decorazione del numero, ma non la sostituzione dei dati vocali). È possibile la partecipazione di coristi (su richiesta del concorrente).
Valutato: capacità di usare i registri, padronanza del respiro, dizione, abilità artistica,
la complessità del lavoro, il possesso del microfono.
Disciplina: CANTO CORALE
( direzioni accademiche, folk, pop)
Non è suddiviso in categorie di età.
Criteri di valutazione: musicalità, interpretazione artistica di un'opera musicale, purezza dell'intonazione e qualità del suono, complessità del repertorio, conformità del repertorio con le capacità esecutive e la categoria di età dell'esecutore.
Disciplina: PAROLA ARTISTICA.
(prosa, poesia, racconto, composizione letteraria e musicale)
Criteri di valutazione: completezza ed espressività della divulgazione del tema dell'opera, performance scenica (plasticità, costume, cultura della performance), divulgazione e luminosità delle immagini artistiche, livello di performance, dizione degli attori, decorazione performance, oggetti di scena, conformità del repertorio con le caratteristiche di età degli interpreti.
Criteri di valutazione: logica composizione musicale, dimostrazione di conoscenza e capacità di lavorare con vari mezzi espressività musicale, generi e forme, originalità dello stile creativo.
MUSICA
Media: USB - unità flash con registrazione (l'unità flash dovrebbe contenere solo melodie per il festival in formato mp3, indicando il numero del partecipante, la nomination e la categoria di età). I supporti flash devono essere controllati per i virus. Si consiglia di portare con sé una copia della registrazione su CD-R. I dischi CD-RW non sono accettati. Per la mancanza di melodie per il festival e/o la loro qualità, il partecipante stesso è responsabile.
Domande principali.
IO.1) Definizione del coro da parte di eminenti maestri dell'arte corale.
2) Indicazioni nell'esecuzione corale.
3) Tipo di coro.
4) Il numero dei cori.
II. Tipi di coro.
III. Arrangiamento del coro.
Bersaglio: Determina il significato della disposizione del coro per il suono più favorevole dell'opera corale, in relazione al tipo e al tipo di coro.
Definizione di coro da parte di eminenti maestri dell'arte corale
A. A. Egorov (“Teoria e pratica del lavoro con il coro”): “Un coro è un gruppo più o meno numeroso di cantanti che eseguono un'opera vocale-corale. Inoltre, ogni parte è cantata da più voci omogenee. In questo il gruppo corale, come organizzazione vocale, si differenzia notevolmente dall'ensemble vocale da camera (duetto, trio, quartetto, ecc.), in cui ogni singola parte è sempre affidata ad un solo esecutore. Il più tipico vista pulita un gruppo corale è un coro a cappella, cioè un gruppo che canta senza accompagnamento strumentale. Un altro tipo di gruppo corale - un gruppo corale accompagnato da un pianoforte, un insieme di strumenti o un'orchestra - non è più completamente autonomo: condivide i suoi compiti esecutivi con l'accompagnamento strumentale.
Il coro a cappella è una sorta di orchestra vocale che, basata sulla sintesi di suoni e parole, trasmette le immagini artistiche di un'opera musicale con i suoi ricchi colori.
V. G. Sokolov (“Lavorare con il coro”): “Un coro è una squadra che ha sufficientemente familiarità con i mezzi tecnici, artistici ed espressivi dell'esecuzione corale necessari per trasmettere i pensieri, i sentimenti e il contenuto ideologico che sono incorporati nel lavoro. "
P. G. Chesnokov (“Coro e la sua direzione”): “Il coro a cappella è un'unione a tutti gli effetti di un numero significativo di voci umane, in grado di trasmettere le più sottili curve di movimenti spirituali, pensieri e sentimenti espressi in una composizione eseguita. Un coro è una tale raccolta di cantanti, nella cui sonorità c'è un insieme rigorosamente equilibrato, un sistema regolato con precisione e sfumature artistiche, distintamente elaborate.
Si noti che Chesnokov riferisce le sfumature agli elementi della sonorità corale, interpretando questo concetto in modo più ampio rispetto a una scala dinamica mobile. Le sfumature, secondo Chesnokov, coprono i mezzi di espressività musicale e corale - caratteristiche di ritmo, tempo, agogica, dizione, ecc., In connessione con i loro cambiamenti dinamici.
Il coro è un concetto estremamente capiente. Di solito è considerato un gruppo musicale e di canto la cui attività è processo creativo fare musica corale (o esecuzione corale). In questo contesto, il coro è un gruppo vocale ed esecutore unito e organizzato da scopi e obiettivi creativi. Il principio dell'inizio collettivo è obbligatorio per tutti i partecipanti al coro e deve essere mantenuto in qualsiasi fase del lavoro del coro. Un coro è un grande ensemble vocale in termini di numero di partecipanti, composto da parti corali. La base di base di ogni parte corale è l'unisono, che implica la completa fusione di tutte le componenti vocali e corali dell'esecuzione: formazione del suono, intonazione, timbro, dinamica, ritmo, dizione, in altre parole, il coro è un insieme di parti vocali unisoni. L'esecuzione corale si esprime in due forme di fare musica: il canto senza accompagnamento (a cappella) e il canto con l'accompagnamento. A seconda del metodo di intonazione - in accordatura naturale o temperata - aumenta il ruolo dell'intonazione. Intonazione accurata (sistema) e suono equilibrato (ensemble) nel coro sono le condizioni principali per la sua professionalità. Un coro ben coordinato è sempre percepito come un'orchestra vocale composta da voci umane, e quindi richiede l'attenzione costante e sistematica del maestro dal momento in cui il coro canta fino all'esecuzione del concerto sul palco. La struttura del coro dipende dall'abilità e dalla preparazione dei cantori che vi partecipano, nonché dalle qualità personali e professionali del direttore-maestro, dalla sua volontà, conoscenza ed esperienza. Il sistema nel coro è sempre associato all'esecuzione di molti diversi compiti interconnessi - dall'organizzazione del processo di canto e corale e l'educazione (formazione) dei cantanti all'incorporamento della sonorità corale effettiva con l'identificazione dei problemi dell'insieme e del sistema . Allo stesso tempo, compiti importanti nel processo di costruzione di un coro - la creazione di un insieme di unisoni vocali, l'uniformità ad alta quota dei suoni eseguiti, la loro unità timbrica - vengono risolti a condizione di un lavoro vocale e corale adeguatamente organizzato con cantanti. Nell'esecuzione corale, vari tipi di arti sono combinati organicamente: musica e letteratura (poetica). La sintesi di questi due tipi di arte introduce caratteristiche specifiche nella creatività corale. Una combinazione logica e significativa di musica e parole definisce il concetto di genere vocale-corale. Un buon coro si distingue sempre per l'esecuzione tecnica, artistica ed espressiva, dove, insieme ai problemi dell'ensemble e del sistema, vengono risolti i compiti dell'interpretazione musicale e letteraria.
Nessuna delle proprietà sopra elencate può esistere isolatamente. Tutti i componenti sono interconnessi e sono in costante accordo.
Inizialmente, l'esecuzione corale era amatoriale e solo a causa di speciali condizioni storiche ha acquisito lo status di arte professionale. Da qui derivano due forme principali di attività corale: professionale e amatoriale, da cui i loro nomi: coro professionale e coro amatoriale (folk, amatoriale). Il primo è un coro composto da cantanti appositamente formati, il secondo è un coro a cui prendono parte tutti coloro che vogliono cantare. Le lezioni nei cori amatoriali non sono regolamentate come in quelle professionali.
Ci sono due direzioni principali nell'esecuzione corale: accademica e popolare, che sono caratterizzate da differenze qualitative nel modo di esibirsi.
Il coro accademico (o cappella) si basa nella sua attività sui principi e criteri di creatività ed esecuzione musicale, sviluppati dalla cultura musicale professionale e dalle tradizioni della secolare esperienza del genere operistico e cameristico. I cori accademici hanno un'unica condizione per il lavoro vocale: il modo accademico di cantare. Nel considerare i problemi del canto vocale-corale, partiremo dal concetto di modo accademico di cantare.
Un coro folk è un gruppo vocale che esegue canzoni folk con le loro caratteristiche intrinseche (tessitura corale, guida vocale, modo vocale, fonetica). I cori folcloristici, di regola, costruiscono il loro lavoro sulla base delle tradizioni canore locali o regionali. Ciò determina la varietà delle composizioni e il modo di esibirsi dei cori folk. dovrebbe essere distinto coro popolare nella sua forma naturale e quotidiana da un coro folk appositamente organizzato, professionale o amatoriale, che esegue sia canzoni popolari autentiche che composizioni d'autore nello spirito popolare.
Le opere corali possono essere caratterizzate dal numero di parti corali indipendenti in esse contenute, che è determinato dal concetto di tipo di coro. Ci sono opere per coro di varie composizioni: a una voce, a due voci, a tre, a quattro e altro ancora. I principi dell'uso di divisi (separazione) nelle parti corali sono legati ai rapporti di tono delle voci cantate, nonché alle loro combinazioni armoniche e timbro-colore. È noto che divisi satura armonicamente la presentazione corale, ma allo stesso tempo indebolisce notevolmente la potenza del suono delle voci corali.
L'unità strutturale principale e minima del coro è la parte corale, che è un insieme coordinato di cantanti le cui voci nei loro parametri generali sono relativamente le stesse per estensione e timbro. È con la parte corale (un gruppo di cantanti) che inizia la costruzione della sonorità corale sotto molti aspetti: la parte corale è l'oggetto iniziale del lavoro del direttore nella costituzione dell'insieme e dell'impianto, nella decorazione artistica dell'opera. A questo proposito, viene rivelato il problema del minor numero di cantanti (voci) nella parte corale - 3-4 cantanti, nonché del loro timbro ed equilibrio dinamico.
Teoricamente, secondo la definizione di P. G. Chesnokov, un coro omogeneo di bambini, donne o uomini a due voci può essere composto da almeno 6 cantanti, ad esempio 3 soprani (acuti) + 3 contralti, 3 tenori + 3 bassi. Tuttavia, nella moderna pratica esecutiva, viene chiamato un coro di dimensioni simili ensemble vocale. Più sonora è considerata la doppia composizione del coro, dove ogni parte ha due composizioni minime: 6 primi soprani + 6 secondi soprani + 6 primi contralti + 6 secondi contralti, in totale si ottengono 24 cantanti. Qui è anche possibile dividere (divisi) ogni parte in due gruppi.
Il numero dei cantori nelle parti del coro deve essere lo stesso. È inaccettabile che un gruppo di cantanti femminili o di bambini di 30 persone sia composto, ad esempio, da 11 primi soprani, 9 secondi soprani, 6 primi contralti e 4 secondi contralti. Si consiglia di aumentare leggermente il numero di cantanti nelle parti dei primi soprani e dei secondi contralti nel coro a quattro voci femminile (bambini), che è associato sia alla selezione dinamica della parte corale che esegue la voce melodica superiore ( C I), e con un suono più compatto della base dell'accordo (A II), ad esempio:
primo soprano - 8 persone;
soprano secondo - 7 persone;
prime viole - 7 persone;
viole secondo - 8 persone.
Totale: 30 persone
La densità sonora delle parti all'unisono del coro da camera, il cui numero non supera i 10 cantanti, è incommensurabile con il suono delle parti corali di un grande coro, dove il numero dei cantanti nelle parti corali è di 20-25 cantanti .
Nella teoria degli studi corali, è consuetudine classificare la composizione quantitativa dei cori in tre tipi principali: cori piccoli (da camera), medi e grandi. Nella moderna pratica esecutiva, un coro da camera con un numero approssimativo di cantanti è di 20-30 persone. Il coro misto medio, che conta fino a 40 persone, prevede la divisione di ciascuna parte corale in due. Il numero di un grande coro misto di solito varia da 80 a 120 persone (occasionalmente di più).
In condizioni favorevoli, è possibile creare cori di massa e combinati di diverse centinaia e persino migliaia di persone. Nella letteratura corale ci sono esempi di composizioni a più cori, in genere, che contano più di una dozzina e mezza di parti corali indipendenti.
Il concetto esistente di doppio coro significa un coro diviso in due lodi, ciascuno dei quali è relativamente indipendente; entrambe le parti del doppio coro possono essere sia di composizione mista (piena e incompleta) che omogenea. Il triplo coro è quindi composto da tre parti.
Esiste una letteratura corale speciale per qualsiasi composizione esecutiva di cori, che, ovviamente, tiene conto delle caratteristiche catalistiche timbriche e delle dimensioni della composizione corale. Pertanto, le opere scritte per un coro da camera, e quindi rivolte a un piccolo gruppo, suoneranno spesse e pesanti in un grande coro, che conta circa 100 cantanti. E viceversa, la partitura per un grande coro con divisi a voci diverse nel suono di un piccolo coro perde la sua brillantezza figurativa.
Tipi di coro
La composizione della squadra esecutiva per gruppi è caratterizzata dal termine tipo di coro. Le voci che cantano sono divise in tre gruppi: femminili, maschili e infantili. Un coro composto dalle voci di un gruppo è chiamato omogeneo e un coro composto da voci femminili (o di bambini) e maschili o voci cantanti di tutti e tre i gruppi è chiamato misto. Attualmente esistono quattro tipi di cori: femminili, maschili, di bambini e misti.
Coro misto (composizione completa)
L'estensione del coro misto è superiore a 4 ottave in sol-la controottave fino a 3 ottave. Il coro misto ha una grande dinamica di potenza sonora da pp appena udibile a ff, capace di competere con un'orchestra sinfonica.
coro maschile
La gamma per l'ottava del contatore è fino a 2 ottave. Il coro maschile ha un grande dinamismo del suono, colori timbrici brillanti. La parte del tenore è la voce melodica principale e canta con un suono di petto più denso.
Coro femminile
La gamma va dall'ottava fatale fino a 3 ottave. I suoni estremi sono rari. Il più comune è un arrangiamento misto e ravvicinato delle voci. Molte composizioni originali e adattamenti di canti popolari per coro femminile sono stati creati da compositori russi e stranieri.
Coro di bambini
Le capacità espressive e tecniche del coro dei bambini sono strettamente correlate alle caratteristiche dell'età della composizione.
La voce di un bambino è caratterizzata da trasparenza, morbidezza, nitidezza dell'intonazione e capacità di perfezionare l'armonia e l'insieme. Il suono del coro dei bambini si distingue per l'immediatezza e la sincerità dell'esecuzione. Il coro dei bambini ha grandi capacità di esecuzione.
La disposizione del coro
L'arrangiamento del coro è un sistema specifico per l'arrangiamento dei cantanti ai fini della loro attività concertistica. La cultura corale domestica ha accumulato una ricca esperienza sulla questione dell'organizzazione del coro. La comprensione teorica di questa esperienza si rifletteva nelle opere di P.G. Chesnokov, G.A. Dmitrevsky, A.A. Egorov, S.V. Popov, K.K. Pirogov, V.G.Sokolova e altri. Quindi, V.G.Sokolov osserva che "per il lavoro di successo del coro, una certa disposizione delle parti durante le prove e le esibizioni dei concerti, che è familiare sia al leader che ai cantanti, non ha poca importanza. "
Uno dei più importanti in questa materia è l'aspetto artistico e performativo. È noto che l'arrangiamento dovrebbe fornire ai cantanti delle parti le condizioni più favorevoli per gli ensemble. A questo proposito, A.A. Egorov scrive: “Riorganizzando successivamente le voci all'interno del gruppo e selezionando attentamente una voce per un'altra sulla base dell'omogeneità e dei timbri, è possibile stabilire una fusione completa e gettare così le basi per una parte corale. "
Il corretto arrangiamento dovrebbe garantire la possibilità di contatto uditivo tra i cantori di vari paria corali, perché "il buon ascolto reciproco delle parti corali crea le condizioni più favorevoli per l'emergere di un insieme e di un sistema, che è la base per la coerenza del coro."
Di solito, nella collocazione del coro o del palcoscenico, sono guidati da tradizioni consolidate. Le parti correlate sono nello stesso gruppo. Le voci di ciascuna parte corrispondono tra loro in termini di timbro, gamma sonora, ecc. Il coro si trova in modo tale che mano sinistra dal conduttore erano voci alte, a destra - in basso. In un coro misto, i soprani sono posti alla sinistra del direttore, seguiti dai tenori; a destra i contralti, seguiti dai bassi.
Tra le tante opzioni per la disposizione di cori omogenei, è popolare quella in cui ogni parte si trova in un gruppo, come un settore. Nel coro femminile o di bambini (da sinistra a destra): secondi soprani, primi soprani, primi contralti, secondi contralti. Nel coro maschile: al centro sono secondi tenori, primi tenori, secondi bassi, primi bassi, ottavisti. Si ritiene che la collocazione delle prime voci acute (I soprano o I tenori) al centro del coro migliori la sonorità, e la collocazione delle seconde voci acute (II soprano o II tenori) “copra” il suono della prima a una certa misura.
Coro femminile (di bambini).
coro maschile
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Ottavisti |
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Tenora II | |||
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Tenora II | |||
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Tenora II | |||
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Tenora II | |||
Questa disposizione del coro viene solitamente utilizzata nella registrazione del suono. In questo caso, un microfono separato viene posizionato prima di ogni parte corale. Il posizionamento di un coro misto durante la registrazione del suono tiene conto della direzione del suono di ciascuna parte corale verso un microfono esposto separatamente.
Oltre a quanto sopra, vengono utilizzate anche altre opzioni per organizzare i gruppi del gruppo del coro, ad esempio:
Coro femminile (di bambini).
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Soprano I |
Soprano II |
Durante le prove, il coro dovrebbe essere posizionato come durante lo spettacolo. Si sconsiglia di posizionare il coro sullo stesso piano orizzontale, in quanto ciò perde il corretto contatto visivo tra i cantanti e il direttore. Inoltre, i membri del coro saranno costretti a cantare "dietro" rispetto ai coristi davanti. In un coro misto è consuetudine che le parti maschili siano poste leggermente più in alto di quelle femminili.
L'arrangiamento in quartetto del coro crea le migliori condizioni per l'autocontrollo uditivo dei cantanti, tiene conto delle capacità canore individuali di ogni membro del collettivo e viene utilizzato nei cori da camera.
Il posizionamento del coro sul palco dipende dalle proprietà acustiche del riverbero. Il riverbero è la proprietà acustica di una stanza dovuta alla capacità riflettente delle sue superfici interne di aumentare l'intensità e la durata dei suoni (l'effetto "eco"). Con riverbero insufficiente il suono diventa “secco”, con riverbero eccessivo la performance sarà “illeggibile, sporca”. Sulla base di ciò, attualmente nello Stato di San Pietroburgo cappella del canto loro. MI Glinka (guidato da V.A. Chernushenko) utilizza la disposizione del coro, in cui le voci femminili costituiscono la terza e la quarta fila e le voci maschili occupano la prima e la seconda fila. Allo stesso tempo, il leader di questo gruppo utilizza un'ampia disposizione del coro.
È preferibile disporre il coro a forma di piccolo semicerchio (a ventaglio) o, in casi estremi, in linea retta con piccoli arrotondamenti agli spigoli. La posizione del coro esclusivamente in linea retta è meno appropriata.
Quando si eseguono brani corali con accompagnamento di pianoforte, lo strumento è posto davanti al coro al centro oa destra (rispetto al direttore); quando eseguito con un accompagnamento di un'orchestra o di un ensemble, l'orchestra o l'ensemble è posto davanti e il coro è posto in un piccolo semicerchio dietro di esso. Ad esempio, quando si eseguono "Tre canzoni russe" di S. Rachmaninov, scritte per un coro misto incompleto (contralti e bassi) e orchestra, le voci corali si trovano solitamente a sinistra (contralti) e a destra (basso) del direttore dietro l'orchestra su apposita pedana (banchi corali). In questo caso la sonorità di ogni singola parte diventa più compatta e monolitica. L'uso a lungo termine di una parte corale, come, ad esempio, nell'opera specificata, consente di caratterizzare la parte corale con un termine molto raro: coro di viole o coro di bassi.
La moderna ricerca scientifica condotta sull'influenza dei modelli acustici e sulla posizione dei cantanti ha permesso di apportare modifiche alla disposizione del coro e sviluppare una serie di raccomandazioni pratiche volte a garantire condizioni adeguate per l'autocontrollo uditivo dei cantanti:
non mettere voci forti e deboli nel quartiere;
utilizza una versione mista di un ampio arrangiamento con un'alternanza di voci affini ed eterogenee.
La disposizione presentata presenta i seguenti vantaggi:
Crea le condizioni per raggiungere un ensemble artistico non sulla base del livellamento dei timbri, ma identificando le capacità timbriche naturali di ciascuna voce, che riflette la tendenza dei metodi vocali e corali progressivi e contribuisce al successo dello sviluppo e al miglioramento delle capacità di canto.
Crea di più condizioni effettive organizzare il coro come una comunità di individui (ensemble di solisti).
Contribuisce alla formazione di ogni cantante un maggior grado di responsabilità per la qualità della propria "produzione vocale". Fare musica in un tale arrangiamento richiede al cantante di mostrare la massima iniziativa e indipendenza.
Contribuisce all'individuazione delle singole caratteristiche timbriche di ciascuna voce e quindi ha un impatto molto significativo sulla qualità del suono del coro, che diventa più ricco di timbri, più saturo e voluminoso.
Parole chiave
Coro; tipo; visualizzazione; numero; parti corali; femmina; maschio; misto; bambini; disposizione; esecuzione; timbri.
Brevi conclusioni
L'aspetto vocale e metodologico dell'arrangiamento del coro è toccato nelle opere sull'educazione musicale dei bambini. Quindi, M.F. Zarinskaya rileva l'importanza della disposizione dei cantanti per organizzare l'influenza di alcune voci su altre nel processo di educazione vocale nel coro. Raccomanda di collocare nell'ultima fila e lungo i bordi del coro "quelli che cantano con il timbro più bello e, naturalmente, anche coristi esperti, davanti - bambini che cantano più debolmente o hanno certe carenze nel canto".
Domande di controllo
1. Cos'è un coro?
2. Fornire una descrizione del coro misto.
3. Quali opzioni conosci per arrangiare il coro?
4. Quali fattori influenzano la posizione dei coristi sul palco?
Letteratura
Osenneva M.S., Samarin V.A. Classe corale e lavoro pratico con il coro. -M.2003
Keerig OP Coreologia - S.-P. 2004
Sokolov Vl. Lavora con il coro - M., "Music", 1983