یکی از اصلی ترین فتوحات هنرمندان اولیه رنسانس. هنر رنسانس اولیه - مقاله

رنسانس تغییرات بزرگی در هنر نقاشی ایجاد کرد. هنرمندان بر توانایی انتقال ظریف نور و سایه مسلط شده اند، فضا، ژست ها و ژست های شخصیت هایشان طبیعی شده است. آنها با مهارت زیادی احساسات پیچیده انسانی را در نقاشی های خود به تصویر می کشیدند.

در نقاشی‌های رنسانس اولیه یا کواتروسنتو (قرن پانزدهم)، نت‌های اصلی معمولاً به صدا در می‌آیند. با رنگ‌های خالص متمایز می‌شود، شخصیت‌ها با خطوط تیره ردیف‌شده و مشخص شده‌اند که آنها را از پس‌زمینه و عکس‌های دور روشن جدا می‌کند. تمام جزئیات بسیار دقیق و دقیق است. اگرچه نقاشی کواتروسنتو هنوز به اندازه هنر رنسانس عالی و اواخر رنسانس کامل نیست، اما با خلوص و صمیمیت خود بیننده را تا حد زیادی لمس می کند.

اولین نقاش مهم رنسانس اولیه ماساچیو بود. اگرچه این هنرمند تنها 28 سال زندگی کرد، اما توانست سهم قابل توجهی را نه تنها در نقاشی رنسانس، بلکه در همه چیز به جای بگذارد. هنر جهانی. نقاشی های او با رنگ های عمیق متمایز می شوند، چهره ها متراکم و به طرز شگفت انگیزی زنده به نظر می رسند. Masaccio به خوبی چشم انداز و حجم را منتقل می کند، دارای جلوه های کیاروسکورو است. او اولین نقاش رنسانس اولیه بود که بدن برهنه انسان را به تصویر کشید و قهرمانان خود را زیبا و قوی و شایسته احترام و تحسین معرفی کرد. بعدها، استادان بزرگی رنسانس بالامانند لئوناردو داوینچی، میکل آنژ و رافائل.

در این دوره، بسیاری از هنرمندان شگفت انگیز آثار خود را خلق کردند. پائولو اوچلو در فلورانس کار می‌کرد که صحنه‌های جنگ را نقاشی می‌کرد و به دلیل توانایی‌اش در به تصویر کشیدن اسب‌ها و سواران در زوایای پیچیده و ژست‌ها مشهور بود. جورجیو وازاری، هنرمندی متوسط ​​و زندگی‌نامه‌نویس و مورخ هنر برجسته که در قرن شانزدهم زندگی می‌کرد، گفت که اوچلو نمی‌توانست هفته‌ها و حتی ماه‌ها خانه‌اش را ترک کند و سخت‌ترین مشکلات چشم‌اندازی را که با آن روبرو بود حل کرد. به عزیزانش که از او التماس می‌کردند که این مطالعات را قطع کند، پاسخ داد: مرا رها کن، چیزی شیرین‌تر از چشم‌انداز نیست.

فیلیپو لیپی نقاش در فلورانس کار می کرد. او در جوانی راهب صومعه برادران کارملیت بود، اما به زودی آن را ترک کرد و خود را وقف نقاشی کرد. در مورد زندگی او افسانه های زیادی وجود دارد. میگن چی امور عشقیتمام فلورانس راهب سابق را با علاقه تماشا کردند. من همسر آینده، لوکرزیا بوتی، هنرمند ربوده شده از صومعه. در آینده ، او بیش از یک بار او را در تصویر مدونا نوشت ("تاج گذاری مریم" ، 1447؛ "مدونا زیر حجاب"). نقاشی های فیلیپو لیپی فقط به طور رسمی با مضامین مذهبی مرتبط است: آنها از درام و ترحم خالی هستند ، هیچ عظمت و یادبودی در آنها وجود ندارد. در عین حال، فرشته های شاداب با موهای مجعد، کودکان زیبا و زنان دوست داشتنی با جذابیت خود بیننده را مجذوب خود می کنند. این هنرمند با مهارت بسیار، مناظر جنگلی دنج و با طراوت را نقاشی می کند که پس زمینه صحنه های کتاب مقدس است. در میان معاصران، آثار فیلیپو لیپی بسیار محبوب بود؛ او هنرمند مورد علاقه کوزیمو دی مدیچی، که در آن زمان حاکم فلورانس بود، بود.

در همان زمان، یک استاد فلورانسی دیگر، راهب دومینیکن و راهب صومعه سن مارکو، فرا بیتو آنجلیکو، کار کرد که آثارش سرشار از احساس عمیق مذهبی است. تمام زندگی من فرا
آنجلیکو به ایجاد آیکون ها و نقاشی های دیواری برای صومعه ها اختصاص یافته است. نقاشی او با رنگ های روشن و خالص، تذهیب درخشان متمایز می شود. به نظر می‌رسد که پیکره‌های گوتیکی کشیده مدون‌های او معنوی شده و از هر چیز زمینی جدا شده‌اند. یکی از بهترین آثار فرا آنجلیکو، ترکیب محراب «تاج گذاری مریم» (حدود 1435-1436) است. مادر خدای او تجسم شاعرانه، زنانگی ناب، شادی آور و آرام است. در نقاشی استاد فلورانسی عرفان غم انگیزی وجود ندارد. حتی در محراب چند پیکره با موضوع آخرین داوری در سمت چپ، هنرمند بهشتی سعادتمند را با چهره هایی از فرشتگان شاد در لباس های زیبا به تصویر کشید.

در این زمان، رنگ‌های روغنی در هلند اختراع شد که به نقاشان اجازه می‌داد تا انتقال رنگ را ظریف‌تر انجام دهند و آزادانه‌تر از نور برای احیای رنگ استفاده کنند. آنها همچنین به دستیابی به یک تن رنگی کمک کردند. دومینیکو ونزیانو، نماینده مکتب فلورانسی، ونیزی زاده، اولین هنرمند ایتالیایی بود که با رنگ روغن نقاشی کرد. قبلاً در کارهای اولیه او ("ستایش مجوس" ، 1434) استعداد رنگارنگی هنرمند به وضوح آشکار شده است. رنگ های خالص و تقریبا شفاف، اشباع شده با نور، یک محدوده تونال واحد را تشکیل می دهند. بیشتر آثار بعدیبا انتقال عالی محیط نور-هوا شگفت زده شوید - اعتقاد بر این است که دومینیکو ونزیانو یکی از اولین کسانی بود که آن را بر روی بوم های خود به تصویر کشید.

مهارت نقاش به ویژه در پرتره های معروف فلورانسی دومنیکو ونزیانو به طور کامل بیان شد.

بیشتر اوقات، او چهره زنان را در نمایه (اسم اکثر مدل ها مشخص نیست) در برابر آسمان یا منظره نقره ای به تصویر می کشید. هنرمند در تلاش برای تمیزتر و روشن تر کردن رنگ ها، روغن بذر کتان را به آنها اضافه کرد.

دستاوردهای دومینیکو ونزیانو توسط شاگرد و پیرو او پیرو دلا فرانچسکا، که توسط معاصرانش به عنوان "سلطان نقاشی" شناخته می شد، توسعه یافت. او که اهل توسکانی بود و در فلورانس کار می کرد، آثار جوتو، ماساچیو و پائولو اوچلو را مطالعه کرد. نقاشی هلندی نیز بر او تأثیر داشت. پیرو دلا فرانچسکا نه تنها یک هنرمند، بلکه یک محقق مشهور هنر نیز رساله های نظری - "درباره دیدگاه در نقاشی" و کتابچه "درباره پنج بدن صحیح" نوشت.

آثار پیرو دلا فرانچسکا با ترکیب شفاف و دقیق، انتقال ماهرانه نور و هوا، رنگ‌های تمیز و تازه متمایز می‌شوند. مرد نقاشی هایش از آن محروم است درگیری داخلی، که بعداً در نقاشی اواخر رنسانس و باروک ظاهر می شود. قهرمانان پیرو دلا فرانچسکا آرام، باشکوه و شجاع هستند. این خصوصیات ذاتی در تصاویر دوک و دوشس اوربینو - فدریگو دا مونتفلترو و همسرش، باتیستا اسفورزا، در پرتره جفت معروف است.

فرمانده، سیاستمدار و بشردوست، حاکم اوربینو فدریگو دا مونتفلترو از دوستان نزدیک این هنرمند بود. پیرو دلا فرانچسکا دوک را در نقاشی معروف دیگری به تصویر کشید - "مدونا با قدیسان و فرشتگان و مشتری فدریگو دا مونتفلترو".

پیرو دلا فرانچسکا که کاملاً قادر به انتقال چشم انداز بود، ودوتا معماری باشکوهی نوشت (veduta - تصویری از "شهر ایده آل") که تأثیر زیادی بر کار معماران معاصر داشت.

در دوران رنسانس عالی، هنر پیرو دلا فرانچسکا منسوخ به نظر می رسید و پاپ از رافائل دعوت کرد تا دیوارهای واتیکان را که با نقاشی های دیواری پیرو دلا فرانچسکا پوشانده شده بود، نقاشی کند. رافائل موافقت کرد و استادانه با کار کنار آمد.

درخشان ترین آرمان های هنریکواتروچنتو متاخر توسط استاد مکتب نقاشی اومبریا، پیترو پروژینو، نمایندگی شد. نقاشی آرام، متفکرانه و تغزلی او مملو از تصاویر شکننده و برازنده است که توسط مناظر تپه ای شاعرانه Umbria احاطه شده است. هماهنگی واضح نقاشی های پروژینو، نقاشی او را به هنر رنسانس عالی نزدیک می کند ("مرثیه مسیح"، حدود 1494-1495؛ "مدونا با مقدسین، 1496). نقاش
تأثیر زیادی بر شاگردش - رافائل معروف - داشت.

تقریباً در تمام شهرهای ایتالیا یک مدرسه هنری وجود داشت که شخصیت خاص خود را داشت.
اما همه آنها به دنبال این بودند که در هنر خود زیبایی زمین و انسان را نشان دهند. در این دوران، یکی از مهم ترین مراکز فرهنگیپادوا بود با دانشگاه معروفش. در این شهر در قرن پانزدهم. فرانچسکو اسکواریونه، خبره هنر زندگی می کرد. او سکه‌های باستانی، مدال‌ها، تکه‌هایی از نقش برجسته‌ها را در مجاورت پادوآ و همچنین دورتر از شهر جمع‌آوری کرد. شور و شوق او به نقاشان، مجسمه سازان، زرگران پادوآیی منتقل شد که او را احاطه کرده و او را معلم خود می دانستند.

Squarcione نقاش بزرگ آندره آ مانتنیا را بزرگ کرد که در یک پسر ده ساله به خانه او آمد. کار Mantegna که عمر طولانی داشت، به طور غیرمعمول چند وجهی است: او علاوه بر نقاشی و حکاکی، به هندسه، اپتیک و باستان شناسی علاقه داشت. نقاش که در خانه Squarcione عاشق هنر روم باستان شده بود (در دوران رنسانس در ایتالیا هنوز از هنر یونان باستان اطلاعی نداشتند) ، این نقاش از تصاویر خود در آثار خود استفاده کرد و به آنها ویژگی های قهرمانانه-عاشقانه داد. قدیسان، فرمانروایان، جنگجویان او، که در پس زمینه یک منظره صخره ای تاریک نقاشی شده اند، احساس عظمت و قدرت می دهند. بسیاری از آثار مانتنیا با درام عمیق نفوذ کرده است. او چنین است ترکیب معروف«مسیح مرده» که با احساسات خود معاصران را تحت تأثیر قرار داد.

Mantegna همچنین به عنوان یک حکاکی با استعداد مس مشهور شد. او اولین کسی بود که حکاکی را به یک دیدگاه برابر تبدیل کرد هنرهای تجسمی.

نقاشی پروتو-رنسانس در آثار بوتیچلی به اوج خود رسید.

ساندرو بوتیچلی

اطلاعات زیادی در مورد زندگی ساندرو بوتیچلی و تاریخچه خلق آثار او که بعدها به مروارید هنرهای زیبای جهان تبدیل شدند به دست ما نرسیده است. منتقدان و مورخان هنر تنها از برخی حقایق از زندگینامه استاد بزرگ مطلع شده اند.

بوتیچلی در سال 1444 به دنیا آمد. او نقاشی را در کارگاه هنری فیلیپو لیپی آموخت. اوایل کاربوتیچلی با تأثیر هنر لیپی و همچنین ایده های شکل گرفته در دربار لورنزو مدیچی مشخص شده است. با این حال، با اطمینان بسیار می توان گفت که تصاویر خلق شده توسط این هنرمند بزرگ از آثار نقاشانی که زیر نظر مدیچی ها کار می کردند، حجیم تر و پرمعناتر بود.

پرتره های اولیه بوتیچلی ردپایی از تأثیر سبک نقاشی فیلیپو لیپی و همچنین آندره آ وروکیوو پولایولو در بیشتر آثار بعدیفردیت استاد عمیق تر آشکار می شود. بنابراین، بوم معروف The Adoration of the Magi اعضای خانواده مدیچی و یک پرتره از خود هنرمند را به تصویر می کشد. این ترکیب با غنا، روشنایی و در عین حال لطافت رنگ ها، و همچنین لطف و سبکی ظریف متمایز می شود. تصاویر خلق شده توسط بوتیچلی مملو از غزل و زیبایی خارق العاده ای است که از اعماق روح می آید.

در دهه 70. قرن 15 اولین نقاشی بوتیچلی ظاهر می شود که نقاش را در بین معاصران خود شهرت زیادی به ارمغان آورد و قرن ها یاد استاد را به یادگار گذاشت. این بوم "بهار" است که اکنون در گالری اوفیزی در فلورانس نگهداری می شود. این اثر پس از خواندن یکی از شعرهای پولیزیانو توسط هنرمند نوشته شد. تصاویر - تمثیل ها در پس زمینه یک منظره جنگلی شگفت انگیز ارائه شده است. مانند بهشت، باغ با غیرمعمول بودن و زیبایی غیرمعمول خود شگفت زده می شود. موقعیت مرکزیدر ترکیب اختصاص داده شده به زهره. با سمت راستفلور از آن قرار می گیرد و گل های افسانه ای را به سمت چپ پراکنده می کند - موهبت های رقصنده، سبک و مطبوع، شبیه ابرهای سفید و تقریبا شفاف. پویایی دقیقاً به دلیل تصویر فیض ها در حال حرکت در یک رقص گرد ایجاد می شود.

کل تصویر با زیبایی و لطافت فوق العاده متمایز می شود. با وجود این واقعیت که نام آن "بهار" است، هنگام نگاه کردن به تصویر، احساس سبکیغمی که عادت نداریم بهار را با آن بشناسیم. در ذهن هر شخصی، بهار تجدید جهان، شادی، لذت است. از سوی دیگر، بوتیچلی در حال بازاندیشی در مورد تصاویر شناخته شده و پذیرفته شده عمومی است.

در سال 1481 ساندرو بوتیچلی به رم رفت و در آنجا دیوارها را نقاشی کرد کلیسای سیستین. از دیگر نقاشی های دیواری قلم موی او، «زندگی موسی» معروف است.

در سال 1482 این هنرمند دوباره در فلورانس ساکن شد. مورخان هنر و زندگی نامه نویسان، امسال را پربارترین سال برای شکل گیری و پیشرفت کار استاد نقاش می دانند. آن وقت است که ظاهر می شود نقاشی معروفتولد زهره، اکنون در گالری اوفیزی در فلورانس.

هیچ تصویر مسطحی در تصویر وجود ندارد - بوتیچلی در اینجا به عنوان استاد انتقال خطوط فضایی عمل می کند.
آنها هستند که تصور عمق و حجم را ایجاد می کنند که برای نشان دادن پویایی حرکات شخصیت ها در روایت تصویری طراحی شده است. رنگ‌های پاستلی روشن بوم و ترکیب ماهرانه رنگ‌ها (آب‌های سبز شفاف دریا، شنل آبی گل ختمی، موهای طلایی ناهید، شنل قرمز تیره در دستان پوره) حس لطافت و سخن گفتن فوق‌العاده‌ای را ایجاد می‌کنند. از حس ظریف رنگ هنرمند.

شخصیت مرکزی ترکیب زهره است که تازه از آب بیرون آمده است. دریای آبی. او برهنه است. با این حال، به لطف نگاه آرام و معنوی او، بیننده احساس ناهنجاری ندارد. الهه زیباست، به همان زیبایی که موجودی غیرزمینی که از بهشت ​​فرود آمده است. تصویر زهره را می توان به راحتی بر روی بوم های ساخته شده توسط بوتیچلی بر اساس نقوش معروف کتاب مقدس تشخیص داد. در میان نقاشی‌هایی که محتوای مذهبی دارند، برجسته‌ترین آنها مدونا بر تخت نشسته (1484) و مدونا در شکوه (Magnificat) هستند.

هر دو در حال حاضر در گالری اوفیزی در فلورانس هستند. "Madonna in Glory" با غزلیات ظریف تصاویر متمایز می شود. پویایی ترکیب به لطف شکل گرد تصویر ایجاد می شود که ریتم های آن تکرار می شود.
در چینش فیگورهای متحرک منظره ای که در پس زمینه ترکیب آورده شده است، حجم و فضا را ایجاد می کند.

فوق العاده زیبا و غنایی هم هست کار پرترهنقاش بزرگ از جمله آنها، مورد توجه خاص هستند
پرتره جولیانو مدیچیو پرتره یک مرد جوان. با این حال، در حال حاضر، برخی از مورخان هنر، تألیف آخرین اثر را به شاگرد ساندرو بوتیچلی، فیلیپینو لیپی (پسر فیلیپو لیپی) نسبت می دهند.

دهه 90 قرن 15 نقطه عطفی برای این هنرمند شد. این زمان با اخراج مدیچی ها و به قدرت رسیدن مشخص می شود
ساوونارولا که هدفش تقبیح پاپ و خانواده‌های ثروتمند فلورانسی بود. او
او همچنین از هنر سکولار انتقاد کرد و به گفته ساوونارولا، همه هنرمندان و شاعران پس از مرگ در انتظار جهنم آتشین بودند. برای پرهیز از این، باید هنر را ترک کرد و از گناهان توبه کرد...

این موعظه ها به طور قابل توجهی بر جهان بینی بوتیچلی تأثیر گذاشت که نمی توانست بر کار او تأثیر بگذارد. آثار نقاش که در این دوره خلق شده اند، با بدبینی عمیق غیرمعمول، ناامیدی و عذاب متمایز می شوند. نویسنده اکنون به طور فزاینده ای به موضوعات مسیحی روی آورده و دوران باستان را فراموش کرده است. اثر مشخص بوتیچلی در این زمان زن رها شده است که اکنون در مجموعه Pallavicini در رم نگهداری می شود. طرح تصویر بسیار ساده است: زنی گریان روی پله های سنگی مقابل دیواری با دروازه های محکم بسته نشسته است. اما با وجود سادگی محتوا، تصویر بسیار گویا است و حال و هوای دلگیر، غم انگیز و دلخراشی را در بیننده ایجاد می کند.

در دهه 1490 قرن 15 تصاویر بوتیچلی برای کمدی الهی دانته ظاهر می شود. تنها 96 طراحی تا به امروز باقی مانده است که اکنون در موزه های برلین و واتیکان هستند. تمام تصاویر طرح ها به طور غیرمعمولی شکننده، مطبوع و سبک هستند انگتمام کارهای بوتیچلی

در همان دهه 90. استاد بزرگ بوم "تهمت" را خلق کرد که در گالری اوفیزی در فلورانس ذخیره می شود. تصویر به این دلیل قابل توجه است که نحوه نوشتن در اینجا تا حدودی در حال تغییر است. خطوطی که تصاویر را ایجاد می کنند واضح تر و تیزتر می شوند. این ترکیب مملو از رقت، احساسات و اطمینان بیشتر در مقایسه با سایر آثار، تصاویر است.

اوج تجلی تعصب مذهبی این هنرمند تابلویی به نام «مرثیه مسیح» بود. در حال حاضر انواعی از این بوم در موزه پولدی پتزولی در میلان و Alte Pinakothek در مونیخ نگهداری می شود. در اینجا تصاویری از نزدیکان مسیح وجود دارد که مملو از اندوه و اشتیاق عمیق است. تصور تراژدی با استفاده هنرمند از رنگ های متضاد، گاهی تیره و گاهی روشن تقویت می شود. بیننده دیگر تصاویری بی جسم، تقریباً بی وزن و نامرئی نیست، بلکه چهره هایی کاملا مشخص و واضح است.

یکی از درخشان ترین آثار مربوط به اواخر دورهخلاقیت بوتیچلی، بوم "صحنه هایی از زندگی سنت زنوبیوس" است که در حال حاضر در گالری هنر درسدن در آلمان نگهداری می شود. این ترکیب که به سبک نقاشی روی نمازخانه های محراب باستانی ساخته شده است، نوعی کولاژ است که از نقاشی های فردی تشکیل شده است که در مورد زندگی قدیس می گوید. با این حال، با وجود شباهت با هنر باستان، فردیت خلاق استاد نقاشی به وضوح در بوم متجلی شد. تصاویر او محکم و واضح هستند. آنها نه در یک فضای انتزاعی، بلکه در پس زمینه یک منظره بتنی قرار می گیرند. مکان عمل در Botticelli به وضوح مشخص است: اغلب اینها خیابان های معمولی شهر با جنگلی زیبا در دوردست هستند.

ترکیب رنگ‌هایی که نقاش به کار می‌برد، جالب توجه است. از این منظر، نحوه نگارش از بسیاری جهات شبیه به تکنیک نقاشی نمادهای باستانی است که رنگ آمیزی آن نه بر اساس کنتراست روشن، بلکه بر اساس انتخاب رنگ های آرام و نزدیک است.

ساندرو بوتیچلی در 17 مه 1510 درگذشت. آثار او نه تنها بر استادان قرون پانزدهم تا شانزدهم، بلکه بر بسیاری از نقاشان دوران بعدی نیز تأثیر زیادی گذاشت.

در عصر رنسانس اولیه، هنرمندان برجسته ای مانند نقاشان سینی که همزمان با دوچیو زندگی می کردند، برادران آمبروجیو و پیترو لورنتستی نیز کار می کردند. مازولینو فلورانسی و بنوززو گوتزولی، جنتیله اومبریایی دی فابریانو. پیسانلو نقاش و مدال آور؛ فیلیپینو لیپی فلورانسی (پسر فیلیپو لیپی) و پیرو دی کوزیمو. نمایندگان مکتب اومبریا نقاشان لوکا سیگنورلی، پینتوریچیو، ملوزو دا فورلی بودند. کوزیمو تورا، ارکوله روبرتی، فرانچسکو دل کوسا، لورنزو کوستا در فرارا کار می کردند.

در قرن پانزدهم. در فلورانس، ژانر تصویری دیگر بسیار محبوب بود. بسیاری از خانواده ها صندوقچه های ظریفی داشتند (کاسون) که دختران جهیزیه خود را در آن نگهداری می کردند. استادان آنها را با کنده کاری های ماهرانه و نقاشی ظریف پوشانده اند. اغلب هنرمندان از مضامین اساطیری برای نقاشی های دیواری استفاده می کردند.

نقاشی ونیزی

جایگاه ویژه ای در هنر کواتروسنتو متعلق به ونیز است. شهر شگفت انگیزواقع در صد و هجده جزیره که با صد و شصت مجرا از یکدیگر جدا شده بودند، در آن دوره یک دولت شهر بود. ونیز، جمهوری تجار تجارت با مصر، یونان، ترکیه، سوریه، بغداد، هند، عربستان، شمال آفریقاآلمان و فلاندر برای نفوذ فرهنگ های دیگر باز بود.

نقاشی ونیزی برای به تصویر کشیدن تمام زیبایی، ثروت و شکوه این شهر بزرگ طراحی شده است. در نیمه دوم قرن پانزدهم به اوج خود رسید. آثار استادان ونیزی، تزئینات رنگارنگ و جشن، معابد آراسته، کاخ ها، اماکن مؤسسات مختلف عمومی، حاکمان و شهروندان عادی را به وجد می آورد.

نمونه بارز نقاشی ونیزیاثر ویتوره کارپاچیو است. ترکیب‌های روایی مبتکرانه او به‌طور شاعرانه ونیز را در طول دوران نمایش می‌دهد تشریفات رسمی(«پذیرایی از سفیران»). این هنرمند همچنین زندگی روزمره شهر زادگاهش را به تصویر می کشد. او صحنه هایی از تاریخ مقدس را ترسیم می کند و آنها را از منظر مدرنیته تفسیر می کند. اینها "زندگی St. اورسولا (1490)، "صحنه هایی از زندگی مریم"، "زندگی سنت. استفان» (1511-1520).

گرایش های واقع گرایانه نقاشی ونیزی اوایل رنسانس در آثار آنتونلو دا مسینا منعکس شد. یکی از معروف ترین نقاشی های او St. سباستین» (1476). موضوع شهادت سنت. سباستین، که قربانی دشمن مسیحیت دیوکلتیان شد، در میان هنرمندان رنسانس گسترده بود، اما آنتونلو دا مسینا آن را به شیوه‌ای خاص تفسیر می‌کند: در تصویر سباستین آن تعالی رنج‌آوری که مشخصه آثار نوشته‌شده بر روی آن باشد، وجود ندارد. موضوعی توسط نقاشان دیگر با این موضوع. هنرمند بیننده را به تحسین زیبایی بدن انسان و تحسین شجاعت و صلابت یک جوان زیبا وا می دارد. هوا و نور در منظره آرامی که سباستین در مقابل آن به تصویر کشیده شده است نفوذ می کند. ساختمان های شهری باشکوه پشت سر او برمی خیزند، ستونی عتیقه در پای او قرار دارد.

Antonello da Messina یک استاد پرتره فوق العاده است، بهترین آثار این سبک به اصطلاح هستند. "خودنگاره" (حدود 1473)، "کاندوتییر"، "پرتره یک مرد" (1470). این آثار با محدودیت و تعمیم مشخص می شوند، ویژگی هایی که توسط معاصران هنرمند بسیار قدردانی شده است. کار پرتره استاد کار جیووانی بلینی را پیش بینی می کرد.

جووانی بلینی، استاد بزرگ کواتروسنتو ونیزی، یکی از بنیانگذاران رنسانس عالی محسوب می شود. عظمت غم انگیز اثر او "مدونا با مقدسین" (1476)، "مرثیه مسیح" (1475) را نشان داد. مدونای دریاچه اسرارآمیز او (حدود 1500) با الهام از یک شعر فرانسوی توجه ها را به خود جلب می کند.
درباره دوران طلایی "زیارت روح". متحد در این تصویر تصاویر زیباقدمت و رویاهای بهشت ​​مسیحی.

تا به حال، محققان به طور کامل متوجه نشده اند که این هنرمند با به تصویر کشیدن مردم عادی در کنار باکره، رسولان و مقدسین چه می خواهد بگوید.

بلینی دارای چندین پرتره فوق العاده است ("پسر" ، "پرتره دوج لئوناردو لوردانو" و غیره) که از آنها دوران اوج نقاشی پرترهدر ونیز مهارت نقاش در به تصویر کشیدن طبیعت، که بخشی جدایی ناپذیر از همه آثار اوست (سنت فرانسیس، 1470)، تأثیر زیادی بر بسیاری از نقاشان منظره ونیزی نسل های بعدی داشت. شاگردان بلینی نقاشان معروفی چون جورجیونه و تیتیان بودند.

جورجیونه

جورجیونه، نه تنها یک نقاش بزرگ، بلکه نوازنده با استعدادو شاعر، به وضوح در میان نقاشان ونیزی برجسته است. واساری نوشته است که "عود نوازی و آواز او به عنوان الهی مورد احترام بود." احتمالاً از این رو موسیقی و شعر خاص نقاشی های جورجیونه است - از این رو او نه تنها در ایتالیایی، بلکه در هنر جهانی نیز مانندی ندارد.

اطلاعات کمی در مورد زندگی جورجیونه وجود دارد. نام اصلی او جورجیو باربارلی دا کاستلفرانکو است. همانطور که وازاری می نویسد،
نام مستعار Giorgione ("Big Giorgio") این هنرمند "برای عظمت روح" دریافت کرد.

جورجیونه در حدود سال 1478 در Castelfranco به دنیا آمد. در اوایل جوانی به ونیز آمد و در آنجا وارد کارگاه جیووانی بلینی شد. از آن زمان، نقاش تقریباً ونیز را ترک نکرد، جایی که در سال 1510 در طی یک اپیدمی طاعون درگذشت.

یکی از مهمترین نقاشی های معروفجورجیونه معروف "جودیت" است که در ارمیتاژ نگهداری می شود. افسانه می گوید که جودیت زیبا وارد چادر رهبر ارتش دشمن، هولوفرنس، شد و او را اغوا کرد. وقتی هولوفرنس به خواب رفت، دختر سر او را برید.

در مورد این عکس مرموزهنرمند روسی A. Benois نوشت: عکس عجیب، همان «مبهم» و «موذیانه» نقاشی های لئوناردو. جودیت است؟ - می خواهم در مورد این زیبایی غمگین سخت با چهره زهره درسدن بپرسم که با آرامش سر بریده اش را زیر پا می گذارد. در واقع، در این بوم نوعی تناقض و راز نهفته است: جودیت کتاب مقدسی بی رحم در کار جورجیونه در روش شاعرانهدختر رویایی در پس زمینه طبیعت آرام و ساکت.

و این تنها راز در کار جورجیونه نیست.

چه رازی در تصویر «رعد و برق» نهفته است که در آن در زیر آسمان طوفانی، در میان درختان و تکه‌های ستون‌های باستانی، زن جوانی را می‌بینیم که نشسته و به کودکی غذا می‌دهد و مرد جوانی را در حال راه رفتن می‌بینیم؟ همچنین مشخص نیست این هنرمند وقتی دو زن برهنه را در جمع دو نوازنده نشسته در سایه درختی روی بوم به نام "کنسرت کانتری" به تصویر می کشد، چه می خواست بگوید. در "کنسرت کشور" - او آخرین کار- جورجیونه وقت نداشت که منظره را در پس زمینه تمام کند و تیتین این کار را برای او انجام داد. قبلاً در دوره ای دیگر، مفهوم ترکیب توسط E. Manet در معروف خود "Breakfast on the Grass" استفاده شد.

درختان، تپه‌ها، فاصله‌های روشن در آثار جورجیونه تنها پس‌زمینه‌ای نیستند که در آن چهره‌های مردم به تصویر کشیده شوند. چشم انداز به طور جدایی ناپذیری با شخصیت ها با ایده آثار استاد ونیزی پیوند خورده است. بنابراین، در ترکیب «سه فیلسوف»، پیرمردی با لباس عتیقه، مردی میانسال با عمامه شرقی و مرد جوانی که مراحل مختلف شناخت طبیعت را مجسم می کند، یک کل واحد را با آن نشان می دهد: سبزی لطیف. از یک دره کوه، یک توده سنگی، یک آسمان رنگ پریده که توسط پرتوهای نرم خورشید روشن شده است.

همین ایده از هماهنگی انسان و طبیعت در یکی از شاهکارهای جورجیون - بوم "زهره خفته" منعکس شد. برهنگی شهوانی و در عین حال پاکیزه زیبای خواب آلود به مظهر منظره لذت بخش و در عین حال ساده ایتالیایی تبدیل شد که رنگ های زرد طلایی آن در سایه های گرم بدن زهره تکرار می شود. بعدها، انگیزه "زهره خفته" توسط تیتین ("ناهید اوربینو")، سپس D. Velasquez ("زهره روبروی آینه")، F. Goya ("Mach") و E. Manet (") استفاده شد. المپیا").

علاقه عمیق جورجیونه به منظره به عنوان یک عنصر مستقل از ترکیب، ظهور ژانر جدیدی را در نقاشی ایتالیایی - منظره - آماده کرد.

آثار جورجیونه نه تنها بر نقاشی ونیزی، بلکه بر تمام نقاشی های ایتالیایی تأثیر بسزایی داشت. هنرمند فوق العادهیکی از بنیانگذاران هنر رنسانس عالی شد. بعداً اصول و ایده های هنر او جورجیونه در آثار شاگرد تیتیان منعکس شد.

ویژگی های بارز در هنر رنسانس

چشم انداز.هنرمندان دوره رنسانس برای افزودن عمق و فضای سه بعدی به آثار خود، مفاهیم پرسپکتیو خطی، خط افق و نقطه ناپدید شدن را وام گرفته و تا حد زیادی گسترش دادند.

§ پرسپکتیو خطی نقاشی با چشم انداز خطی- مثل این است که از پنجره به بیرون نگاه می کنید و دقیقاً همان چیزی را که روی پنجره می بینید ترسیم می کنید. اجسام در تصویر بسته به فاصله، ابعاد خاص خود را داشتند. آنهایی که از بیننده دورتر بودند کاهش یافتند و بالعکس.

§ خط افق. این خطی است در فاصله ای که در آن اجسام تا نقطه ای به ضخامت این خط کوچک می شوند.

§ نقطه ناپدید شدن این نقطه ای است که در آن خطوط موازی به نظر می رسد در دوردست ها، اغلب در خط افق، همگرا می شوند. این تأثیر را می توان مشاهده کرد اگر روی ریل راه آهن بایستید و به ریل هایی که به سمت بله می روند نگاه کنید.ل

سایه و نور.هنرمندان با علاقه بازی کردند که چگونه نور بر روی اجسام می افتد و سایه ایجاد می کند. از سایه و نور می توان برای جلب توجه به یک نقطه خاص در نقاشی استفاده کرد.

احساسات.هنرمندان رنسانس می‌خواستند بیننده، با نگاه کردن به اثر، چیزی را احساس کند، تجربه‌ای احساسی را تجربه کند. این نوعی لفاظی بصری بود که در آن بیننده الهام گرفت تا در چیزی بهتر شود.

واقع گرایی و طبیعت گرایی.علاوه بر پرسپکتیو، هنرمندان به دنبال این بودند که اشیا، به ویژه افراد، واقعی‌تر به نظر برسند. آنها آناتومی انسان را مطالعه کردند، نسبت ها را اندازه گرفتند و به دنبال شکل ایده آل انسان بودند. مردم واقعی به نظر می رسیدند و احساسات واقعی را نشان می دادند و به بیننده این امکان را می دادند که در مورد آنچه که افراد به تصویر کشیده شده اند، استنباط کند.

عصر "رنسانس" به 4 مرحله تقسیم می شود:

پروتو-رنسانس (نیمه دوم قرن سیزدهم - قرن چهاردهم)

رنسانس اولیه (اوایل 15 تا اواخر قرن 15)

رنسانس عالی (اواخر 15 - 20 سال اول قرن 16)

اواخر رنسانس (اواسط 16 - 1590)

پروتو رنسانس

پروتو رنسانس ارتباط نزدیکی با قرون وسطی دارد، در واقع در اواخر قرون وسطی با سنت های بیزانسی، رومی و گوتیک ظاهر شد، این دوره پیشرو رنسانس بود. به دو دوره فرعی تقسیم می شود: قبل از مرگ جوتو دی بوندونه و بعد از آن (1337). هنرمند و معمار ایتالیایی، بنیانگذار عصر پروتو رنسانس. یکی از چهره های کلیدیدر تاریخ هنر غربی. او با غلبه بر سنت نقاشی نمادهای بیزانسی، بنیانگذار واقعی مکتب نقاشی ایتالیایی شد و رویکردی کاملاً جدید برای به تصویر کشیدن فضا ایجاد کرد. آثار جوتو از لئوناردو داوینچی، رافائل، میکل آنژ الهام گرفته شده است. شخصیت اصلی نقاشی جوتو بود. هنرمندان رنسانس او ​​را اصلاح کننده نقاشی می دانستند. جوتو مسیری را که توسعه آن طی کرده است بیان کرد: پر کردن فرم های مذهبی با محتوای سکولار، انتقال تدریجی از تصاویر مسطح به تصاویر سه بعدی و برجسته، افزایش رئالیسم، وارد کردن حجم پلاستیکی از چهره ها به نقاشی، به تصویر کشیدن فضای داخلی در نقاشی. .

در پایان قرن سیزدهم، ساختمان اصلی در فلورانس ساخته شد. ساختمان معبد- کلیسای جامع سانتا ماریا دل فیوره، نویسنده آرنولفو دی کامبیو بود، سپس کار توسط جوتو ادامه یافت.

اکتشافات عمده، درخشان ترین استادان در دوره اول زندگی و کار می کنند. بخش دوم مربوط به اپیدمی طاعون است که ایتالیا را درگیر کرده است.

هنر رنسانس اولیه برای اولین بار در مجسمه سازی ظاهر شد (نیکولو و جیووانی پیزانو، آرنولفو دی کامبیو، آندریا پیزانو). نقاشی توسط دو مدرسه هنری ارائه می شود: فلورانس و سینا.

رنسانس اولیه

دوره موسوم به "رنسانس اولیه" در ایتالیا از 1420 تا 1500 را در بر می گیرد. در طول این هشتاد سال، هنر هنوز به طور کامل از سنت های گذشته نزدیک (قرن وسطی) دست برنداشته است، اما سعی دارد عناصری را که از دوران باستان کلاسیک به عاریت گرفته شده است، در آنها بیامیزد. تنها بعدها، تحت تأثیر تغییرات روزافزون شرایط زندگی و فرهنگ، هنرمندان به طور کامل مبانی قرون وسطایی را رها کردند و جسورانه از نمونه هایی از هنر باستانی چه در مفهوم کلی آثار خود و چه در جزئیات آنها استفاده کردند.

در حالی که هنر در ایتالیا قاطعانه مسیر تقلید از دوران باستان کلاسیک را دنبال می کرد، در کشورهای دیگر مدت ها به سنت ها پایبند بود. سبک گوتیک. در شمال کوه‌های آلپ و همچنین در اسپانیا، رنسانس تنها در پایان قرن پانزدهم رخ می‌دهد. دوره اولیهحدوداً تا اواسط قرن بعد ادامه دارد.

هنرمندان اوایل رنسانس

یکی از اولین و درخشان ترین نمایندگان این دوره را ماساچیو (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai) نقاش معروف ایتالیایی، بزرگترین استاد مکتب فلورانس، اصلاح کننده نقاشی عصر کواتروسنتو می دانند.

او با کار خود به گذار از گوتیک به هنر جدید کمک کرد و عظمت انسان و دنیای او را تجلیل کرد. مشارکت ماساچیو در هنر در سال 1988 تجدید شد خلقت اصلی او - نقاشی های دیواری در کلیسای برانکاچی در سانتا ماریا دل کارمین، فلورانس- به شکل اولیه خود بازگردانده شده اند.

- رستاخیز پسر تئوفیلوس، ماساچیو و فیلیپینو لیپی

- ستایش مجوس

- معجزه با استر

از دیگر نمایندگان مهم این دوره ساندرو بوتیچلی بودند. نقاش بزرگ ایتالیایی رنسانس، نماینده مکتب نقاشی فلورانس.

- تولد زهره

- زهره و مریخ

- بهار

- ستایش مجوس

رنسانس بالا

دوره سوم رنسانس - زمان شکوهمندترین توسعه سبک او - معمولاً "رنسانس عالی" نامیده می شود. تقریباً از 1500 تا 1527 به ایتالیا گسترش می یابد. در این زمان، مرکز نفوذ هنر ایتالیایی از فلورانس، به لطف الحاق به تاج و تخت پاپی ژولیوس دوم - مردی جاه طلب، شجاع، مبتکر که جذب شد، به رم نقل مکان کرد. بهترین هنرمندانایتالیا که آنها را با آثار متعدد و مهم به خود مشغول کرد و عشق به هنر را به دیگران سرمشق داد. تحت این پاپ و در زمان جانشینان بلافصل او، رم به آتن جدید زمان پریکلس تبدیل می‌شود: بسیاری از ساختمان‌های تاریخی در آن ساخته شده‌اند، آثار مجسمه‌سازی باشکوهی خلق می‌شوند، نقاشی‌های دیواری و نقاشی کشیده می‌شوند، که هنوز هم به عنوان یکی از بناهای یادبود در نظر گرفته می‌شوند. مروارید نقاشی; در عین حال، هر سه شاخه هنر به طور هماهنگ دست به دست هم می دهند و به یکدیگر کمک می کنند و متقابلاً به یکدیگر عمل می کنند. دوران باستان اکنون با دقت بیشتری مورد مطالعه قرار می گیرد و با دقت و قوام بیشتری بازتولید می شود. آرامش و وقار جایگزین زیبایی بازیگوشی می شود که آرزوی دوره قبل بود. خاطرات قرون وسطی به طور کامل ناپدید می شوند و اثری کاملا کلاسیک بر تمام آثار هنری می افتد. اما تقلید از پیشینیان استقلال آنها را در هنرمندان خفه نمی‌کند و با تدبیر و سرزندگی تخیل، آزادانه آنچه را که برای خود مناسب می‌دانند از هنر یونان روم باستان وام بگیرند، پردازش کرده و به کار می‌گیرند.

خلاقیت سه بزرگ استادان ایتالیاییاوج رنسانس را نشان می دهد، این لئوناردو داوینچی (1452-1519) است. لئوناردو دی سر پیرو داوینچینقاش بزرگ ایتالیایی رنسانس، نماینده مکتب نقاشی فلورانس. هنرمند ایتالیایی(نقاش، مجسمه ساز، معمار) و دانشمند (آناتومیست، طبیعت شناس)، مخترع، نویسنده، موسیقیدان، یکی از بزرگترین نمایندگان هنر رنسانس عالی، یک مثال برجسته"انسان جهانی"

شام آخر

مونالیزا,

-مرد ویترویی ,

- مدونا لیتا

- مدونا در صخره ها

-مدونا با دوک

میکل آنژ بووناروتی (1475-1564) میکل آنژ دی لودوویکو دی لئوناردو دی بووناروتی سیمونی.مجسمه ساز، نقاش، معمار ایتالیایی [⇨]، شاعر [⇨]، متفکر [⇨]. . یکی از بزرگترین استادان دوره رنسانس [⇨] و اوایل باروک. آثار او بالاترین دستاوردهای هنر رنسانس در طول زندگی خود استاد به حساب می آمد. میکل آنژ تقریباً 89 سال زندگی کرد، یک دوره کامل، از رنسانس عالی تا خاستگاه ضد اصلاحات. در این دوره، سیزده پاپ جایگزین شدند - او دستورات نه نفر از آنها را انجام داد.

خلقت آدم

آخرین قضاوت

و رافائل سانتی (1483-1520). نقاش، گرافیست و معمار بزرگ ایتالیایی، نماینده مکتب اومبریا.

- مدرسه آتن

-سیستین مدونا

- دگرگونی

- باغبان شگفت انگیز

اواخر رنسانس

رنسانس پسین در ایتالیا دوره ای از 1530 تا 1590-1620 را در بر می گیرد. ضد اصلاحات در اروپای جنوبی پیروز شد ( ضد اصلاحات(لات. تضاد اصلاحی; از جانب برعکس- علیه و اصلاح شکل- دگرگونی، اصلاح) - یک جنبش سیاسی-کلیسای کاتولیک در اروپا در اواسط قرن 16-17، علیه اصلاحات و با هدف بازگرداندن موقعیت و اعتبار کلیسای کاتولیک روم.)، که با احتیاط به هر آزاد نگاه می کرد. اندیشه، از جمله سرود بدن انسان و احیای آرمان های دوران باستان به عنوان سنگ بنای ایدئولوژی رنسانس. تضادهای جهان بینی و احساس کلی بحران در فلورانس به هنر "عصبی" رنگ های دور از ذهن و خطوط شکسته منجر شد - رفتارگرایی. در پارما، جایی که کورجو کار می‌کرد، شیوه‌گرایی تنها پس از مرگ این هنرمند در سال 1534 رسید. سنت های هنری ونیز منطق توسعه خاص خود را داشتند. تا پایان دهه 1570، پالادیو در آنجا کار می کرد (نام واقعی آندره آ دی پیترو).معمار بزرگ ایتالیایی اواخر رنسانس و شیوه‌گرایی. رفتارگرایی(از ایتالیایی مانیر, شیوه) - سبک ادبی و هنری اروپای غربی قرن شانزدهم - ثلث اول قرن هفدهم. مشخصه آن از بین رفتن هماهنگی رنسانس بین جسم و روح، طبیعت و انسان است.) بنیانگذار پالادیانیسم ( پالادیانیسمیا معماری پالادی- شکل اولیه کلاسیک گرایی که برخاسته از ایده های معمار ایتالیایی آندره آ پالادیو (1508-1580) است. این سبک مبتنی بر پایبندی دقیق به تقارن، با در نظر گرفتن دیدگاه ها و وام گرفتن از اصول معماری معابد کلاسیک یونان و روم باستان است.) و کلاسیک. احتمالاً تأثیرگذارترین معمار تاریخ.

اولین کار مستقلآندره آ پالادیو، به عنوان یک طراح با استعداد و معمار با استعداد، کلیسایی در ویچنزا است که در آن استعداد تکرار نشدنی اولیه او خود را نشان داد.

در میان خانه های روستایی، برجسته ترین ساخته استاد ویلا روتوندا است. آندریا پالادیو آن را در ویچنزا برای یک مقام بازنشسته واتیکان ساخت. این بنا به دلیل اینکه اولین ساختمان سکولار رنسانس است که به شکل یک معبد باستانی ساخته شده است قابل توجه است.

نمونه دیگر Palazzo Chiericati است که از این جهت غیرعادی است که طبقه اول ساختمان تقریباً به طور کامل به استفاده عمومی داده شده بود که با الزامات مقامات شهری آن زمان مطابقت داشت.

در میان ساخت‌وسازهای شهری معروف پالادیو، قطعاً باید به تئاتر المپیکو اشاره کرد که به سبک آمفی‌تئاتر طراحی شده است.

تیتیان ( تیتان وچلیو) نقاش ایتالیایی، بزرگترین نماینده مکتب ونیزی دوره رنسانس عالی و اواخر. نام تیتیان با هنرمندان رنسانس مانند میکل آنژ، لئوناردو داوینچی و رافائل همتراز است. تیتیان با موضوعات کتاب مقدس و اساطیری نقاشی می کشید، او به عنوان یک نقاش پرتره مشهور شد. او توسط پادشاهان و پاپ ها، کاردینال ها، دوک ها و شاهزادگان مأموریت یافت. تیتیان سی سال نداشت که او را شناختند بهترین نقاشونیز

از محل تولدش (Pieve di Cadore در استان بلونو، جمهوری ونیز)، او گاهی اوقات به عنوان da cadore; همچنین به عنوان تیتیان الهی شناخته می شود.

- معراج مریم باکره

- باکوس و آریادنه

- دیانا و آکتائون

- ونوس اوربینو

- ربوده شدن اروپا

که آثارش با پدیده های بحران در هنر فلورانس و رم اشتراک چندانی نداشت.

هنر رنسانس اولیه (کواتروسنتو)

اوایل قرن 15 با یک بحران سیاسی حاد مشخص شد که شرکت کنندگان در آن جمهوری فلورانس و ونیز، از یک سو، دوک نشین میلان و ویلا مدیچی، پادشاهی ناپل، از سوی دیگر بودند. از سال 1378 تا 1417 به پایان رسید. یک انشقاق کلیسا، و پاپ مارتین پنجم در شورای کنستانس انتخاب شد و رم را به عنوان اقامتگاه خود انتخاب کرد. صف بندی نیروهای سیاسی در ایتالیا تغییر کرده است: زندگی ایتالیا توسط کشورهای منطقه ای مانند ونیز، فلورانس تعیین شده است که بخشی از سرزمین های شهرهای همسایه را فتح کرده یا خریداری کرده و به دریا، ناپل می روند. پایگاه اجتماعی رنسانس ایتالیاییمنبسط. گلدهی محلی مدارس هنربا سنت دیرینه آغاز سکولار در فرهنگ تعیین کننده می شود. در قرن پانزدهم. اومانیست ها دو بار تاج و تخت پاپ را اشغال کردند.

«نه آسمان برای او خیلی بلند به نظر می رسد و نه مرکز زمین خیلی عمیق. و از آنجایی که انسان ساختار اجسام آسمانی و نحوه حرکت آنها را شناخته است، پس چه کسی نبوغ انسان را انکار خواهد کرد که تقریباً یکسان است. مارسیلو فیچینو رنسانس اولیه با غلبه بر سنت‌های گوتیک متأخر و روی آوردن به میراث باستانی. اما این تبدیل ناشی از تقلید نیست. تصادفی نیست که فیلارته سیستم سفارش خود را اختراع کرد.
"تقلید از طبیعت" از طریق درک قوانین آن - ایده اصلیرساله هایی در مورد هنر این زمان.
اگر در قرن چهاردهم. اومانیسم عمدتاً متعلق به نویسندگان، مورخان و شاعران بود، سپس از سال‌های اول قرن پانزدهم. جستجوهای انسان گرایانه در نقاشی نفوذ کرد.

Virtu (شجاع) - این مفهوم وام گرفته شده از رواقیون باستان توسط اومانیسم فلورانسی در انتهای طبقه 14-1 پذیرفته شد. قرن 15 مکان پیشرودر اومانیسم در یک سوم پایانی قرن پانزدهم. نوافلاطونی را اشغال کرد که در آن مرکز ثقل از مسائل اخلاقی و اخلاقی به مسائل فلسفی منتقل شد. همه انسان گرایان این قرن با ایده انسان به عنوان کامل ترین مخلوق طبیعت متحد شده اند.

تغییرات در موقعیت هنرمند به این دلیل است که در آغاز قرن سینیوریا فلورانس قاعده فراموش شده را تأیید می کند که طبق آن معماران و مجسمه سازان نمی توانند بخشی از سازمان صنفی شهری باشند که در آن حضور دارند. کار کرد. با درک ارزش اصالت هنری، سازندگان آثار شروع به امضای آثار خود می کنند.بنابراین، روی درهای غسل تعمید فلورانس نوشته شده است: "یک اثر هنری شگفت انگیز از لارنس سیونه دی گیبرتی". در نیمه دوم قرن پانزدهم. ترسیم از مدل و طرح های تمام مقیاس اجباری می شود.

اولین معمار ایتالیایی که بر میراث روم باستان تمرکز کرد، لئون باتیستا آلبرتی (1404-1472) بود. مطلق و اولیه برای آلبرتی زیبایی بود. بر اساس این درک از زیبایی، آلبرتی دکترین خود را در مورد concinnitas (همخوانی، هماهنگی) از همه چیز اثبات کرد. در ارتباط با مفهوم تناسب، علاقه به قوانین روابط عددی هارمونیک، نسبت های کامل نیز وجود دارد. برخی مانند فیلارته آنها را در ساختار بدن انسان جستجو کردند، برخی دیگر (آلبرتی، برونلسکی) - در روابط عددی هارمونی موسیقی.
آلبرتی معتقد بود: «زیبایی هماهنگی متناسبی از همه بخش‌ها است که با آنچه به آن تعلق دارند متحد شده‌اند، به گونه‌ای که هیچ چیز را نمی‌توان اضافه، کم یا تغییر داد، بدون اینکه آن را بدتر کرد».

یکی دیگر از کشفیات کواتروسنتو چشم انداز مستقیم است. F. Brunelleschi اولین کسی بود که آن را در دو نوع فلورانس به کار برد. در سال 1416 توسط یکی از دوستان برونلسکی، مجسمه ساز دوناتلو در نقش برجسته نبرد سنت استفاده شد. جورج با یک اژدها، و در حدود 1427-1428. ماساچیو در نقاشی دیواری "ترینیتی" خلق شده است ساختمان پرسپکتیو. توسعه نظری مفصل اصول پرسپکتیو توسط آلبرتی در رساله نقاشی ارائه شد. روش فرافکنی نه از تصاویر شی منفرد، بلکه از اتصال فضایی اشیاء، که در آن هر شیء منفرد ظاهر پایدار خود را از دست می دهد، انجام می شود. تصویر پرسپکتیو برای تأثیر حضور طراحی شده است، بنابراین شامل ترسیم از زندگی از یک دیدگاه ثابت است. چشم انداز شامل انتقال روابط کیاروسکورو و تن-رنگ است.

معماری کواتروسنتو

ماهیت و الگوهای معماری برای نظریه پردازان قرن پانزدهم مشخص شده است. خدمت او به انسان بنابراین، ایده شباهت یک ساختمان به یک شخص، برگرفته از ویترویوس، رایج می شود. شکل ساختمان به تناسب بدن انسان تشبیه شد. نظریه پردازان معماری نیز ارتباط بین معماری و هماهنگی جهان را مشاهده کردند. در سال 1441، رساله ای از ویتروویوس پیدا شد که مطالعه آن به یکسان سازی اصول سیستم نظم کمک کرد. معماران سعی کردند الگویی از یک معبد ایده آل بسازند. به گفته آلبرتی، از نظر پلان باید شبیه دایره یا چندوجهی باشد که در آن حک شده است.

تعمید (به یونانی baptisterion - فونت) - یک اتاق غسل تعمید، یک اتاق برای غسل تعمید. در دوران اوایل قرون وسطیدر ارتباط با نیاز به غسل ​​تعمید دسته جمعی، تعمید به طور جداگانه از کلیسا ساخته شد. اغلب، تعمیدگاه ها گرد یا وجهی ساخته می شدند و با گنبدی پوشانده می شدند.
نتیجه طبیعی توسعه تئوری پرسپکتیو توسعه قوانین تناسبات - روابط فضایی عناصر منفرد ساختمان (ارتفاع ستون و عرض طاق، میانگین قطر ستون و آن) بود. ارتفاع).
شیفتگی به دوران باستان از ویژگی های استادان کواتروچنتو بود، اما هر خالق ایده آل دوران باستان خود را خلق کرد و از آن آگاه بود.

در قرن پانزدهم. مسابقات برای حق هر یک شروع شد پروژه هنری. بنابراین، در مسابقه سال 1401 برای ساخت درهای برنز شمالی تعمید، هر دو استاد مشهور و لورنزو گیبرتی و فیلیپو برونلسکی بیست ساله شرکت کردند. مضمون تصویر «قربانی ابراهیم» در قالب نقش برجسته بود. گیبرتی برنده شد. برونلسکی (1377-1446)، معمار، ریاضیدان و مهندس، در مسابقه ساخت گنبد کلیسای جامع سانتا ماریا دل فیوره در سال 1418 برنده مسابقه شد. گنبد قرار بود تاج کلیسای جامع را که در آغاز قرن سیزدهم ساخته شده بود، قرار دهد. و در قرن 14 گسترش یافت. مشکل این بود که نمی توان گنبد را با استفاده از تکنیک های شناخته شده در آن زمان برپا کرد. برونلسکی روش خود را از روش های سنگ تراشی روم باستان گرفت، اما شکل ساختار گنبدی را تغییر داد. گنبد بزرگ کمی نوک تیز (قطر - 42 متر) از دو پوسته تشکیل شده است، قاب اصلی - از 8 دنده اصلی و 16 دنده اضافی، که توسط حلقه های افقی خاموش کننده رانش به هم متصل شده اند.

ایوانی که برونلسکی در نمای یتیم خانه در فلورانس ایجاد کرد، تجسم معماری جوهر رنسانس شد. بازگشت به مبانی معماری روم باستان با تکیه بر اصول پروتو رنسانس و سنت ملی معماری ایتالیاییبرونلسکی با ایجاد رواق یتیم خانه، یک موسسه خیریه، خود را به عنوان یک اصلاح طلب متمایز کرد. شکل نما جدید بود. رواق از خود یتیم خانه عریض تر بود که در سمت راست و چپ یک خلیج بیشتر به آن متصل بود. این تصور یک گسترش گسترده را ایجاد کرد که در وسعت دهانه‌های قوسی طاق‌ها که با ارتفاع نسبی کم طبقه دوم تأکید می‌شد، بیان می‌شد. هیچ فرم گوتیکی در ساختمان وجود نداشت، برونلسکی به جای جهت دهی ساختمان در ارتفاع یا عمق، تعادل هماهنگ توده ها و حجم ها را از دوران باستان وام گرفت.

نقش برجسته (it. relievo schiacciatto) - نوعی نقش برجسته که در آن تصویر به کمترین میزان از پس زمینه بالا می رود و نقشه های فضایی تا حد امکان کنار هم قرار می گیرند.

برونلسکی با اولین اجرای عملی چشم انداز مستقیم اعتبار دارد. حتی در دوران باستان، هندسه‌سنج‌ها اپتیک را بر این فرض استوار می‌کردند که چشم توسط پرتوهای نوری به جسم مشاهده‌شده متصل است. کشف برونلسکی این بود که او از این هرم نوری با صفحه تصویر عبور کرد و تصویر دقیقی از جسم روی هواپیما به دست آورد. برونلسکی با استفاده از درهای کلیسای جامع فلورانس به عنوان یک قاب طبیعی، برجستگی غسل تعمید (ساختمان غسل تعمید واقع در مقابل کلیسای جامع) را در مقابل آنها قرار داد و این برجستگی با شبح ساختمان در یک نقطه مشخص همزمان شد. فاصله

همه پروژه های برونلسکی آنطور که او قصد داشت انجام نشد.
شاگرد Brunelleschi، Michelozzo di Bartolommeo، Palazzo Medici را ایجاد کرد - سه طبقه، مربع در پلان، با یک حیاط مربع در مرکز.

لئون باتیستا آلبرتی (1404-1472) یک فیلسوف اومانیست همه کاره است که در فلورانس، فرارا، ریمینی کار می کرد. آلبرتی اولین معمار بود که اساساً بر میراث روم باستان تمرکز کرد و عمیقاً معنای معماری رومی را درک کرد. معاصران از غیرعادی بودن ساختمان های کلیسای آلبرتی گیج شده بودند. برای پاپ پیوس اول، کلیسای سان فرانچسکو در ریمینی مانند یک معبد بت پرست به نظر می رسید، کلیسای سن سباستیانو در مانتوا هم یادآور کلیسا و هم مسجد بود. آلبرتی Palazzo Ruccellai را در فلورانس با دیوارهای صاف و روستایی، قاب‌بندی پرآذین از درگاه‌ها و پنجره‌ها و دکوراسیون منظم نما خلق کرد. آلبرتی در پروژه کلیسای مانتوایی سنت آندریا، فرم سنتی باسیلیکای معبد را با سقف گنبدی ترکیب کرد. این ساختمان با شکوه طاق های نما، عظمت فضای داخلی مشخص می شود. دیوار به صورت افقی توسط یک گلدسته عریض عبور می کرد. رواق از اهمیت تعیین کننده ای برخوردار بود، و در آن طاق، که در آن دنده ها با گنبدی مسطح جایگزین شده بود.
اکثر معماران دیگر با موفقیت نقش طراحان را با کارکردهای سرکارگر ترکیب کردند.

نقاشی قرن 15
نقاشی عمدتاً نقاشی یادبود است، یعنی. نقاشی دیواری یکی از ویژگی های نقاشی دیواری نیاز به استفاده از مقدار محدودی از رنگ هایی است که با آهک ترکیب می شوند. از جانب انواع سه پایهدر نقاشی، محراب شروع به ایفای نقش مهمی می کند. این یک محراب گوتیک با بال های زیاد نیست، بلکه یک ترکیب واحد است - یک تصویر محراب، به اصطلاح. پالا در زیر نقاشی محراب چندین نقاشی کوچک و کشیده افقی وجود دارد که یک نوار باریک پردلا را تشکیل می دهد. در نیمه اول قرن، یک پرتره سکولار مستقل ظاهر شد. یکی از اولین هنرمندان این دوره ماساچیو (نام واقعی - توماسو دی جیووانی دی سیمون کاسای) (1401-1428) بود. آثار اصلی: "مدونا و کودک با فرشتگان"، "صلیب کشیده"، "ستایش مجوس"، "تثلیث".

در نقاشی دیواری کلیسای برانکاچی در کلیسای سانتا ماریا دل کارمین، «معجزه با استاتر»، ماساچیو سه قسمت را به هم متصل می‌کند: مسیح، که باجگیر از او درخواست پول می‌کند. مسیح به پطرس دستور داد که ماهی بگیرد تا یک سکه از آن خارج کند. پیتر پول می دهد. ماساچیو قسمت دوم را محوری می کند، زیرا او باید نشان می دهد که رویدادها به اراده محرک مسیح بستگی دارد.
فرا بیتو آنجلیکو (1395-1455). در سال 1418 او در صومعه دومینیکن در فیزوله که از این پس فرا (برادر) جیووانی نامیده می‌شود، مقصر شد. در سال 1438 او به صومعه سن مارکو در فلورانس نقل مکان کرد و در آنجا محراب اصلی و سلول های راهبان را طراحی کرد. اکثر کار معروففرا آنجلیکو به نقاشی دیواری "اعلام بشارت" تبدیل شد.

فیلیپو لیپی (حدود 1406-1469) اوایل بدون پدر و مادر رها شد، در سال 1421 او در صومعه سانتا ماریا دل کارمین به قتل رسید. فیلیپو برای کلیساهای فلورانسی سن اسپیریتو، محراب نقاشی کرد. سن لورنزو, Sant'Ambrogio ، محراب های کوچک به شکل توندو که معمولاً به عنوان هدیه برای عروسی یا در رابطه با تولد فرزند داده می شد. پیرو دلا فرانچسکا (1420-1492) در سن سپولکرو به دنیا آمد و در تمام عمرش، علیرغم غیبت های مداوم، به کار خود بازگشت. زادگاه. در 1452-1458. پیرو دلا فرانچسکا کلیسای اصلی کلیسای سان فرانچسکو در آرتزو را با نقاشی های دیواری با موضوع تاریخچه صلیب حیات بخش نقاشی کرد.
آندریا دلا وروکیو (1435-1489) یکی از افراد مورد علاقه مدیچی ها بود که به نمایندگی از آنها در کلیسای سن لورنزو کار می کرد.

دومنیکو گیرلاندایو (1449-1494) در فلورانس برای بازرگانان و بانکداران نزدیک به خانه مدیچی کار می کرد. او در ساخته های خود اغلب همشهریان خود را به عنوان شخصیت های تاریخ مقدس به تصویر می کشد.
پروژینو (1450-1523). نام واقعی - پیترو وانوچی، در نزدیکی پروجا به دنیا آمد، از این رو نام مستعار او پروجینو است. در سال 1481 در رم به همراه دیگران به نقاشی پرداخت نمازخانه فلورانسدر مورد موضوعات عهد عتیق و جدید، ترکیبات محراب را به سفارش کلیساها و صومعه ها در شمال ایتالیا ایجاد کرد.
برناردینو دی بتو، ملقب به پینتوریکیو به دلیل جثه کوچکش (1454-1513)، نقاشی های دیواری، مینیاتورهای طرح های ادبی. معروف ترین کار پینتوریکیو تزئینات گچبری و نقاشی های دیواری در اتاق های پاپ در واتیکان بود.

آندریا مانتگنا (1431-1506) نقاش درباری دوک گونزاگا در مانتوا بود، نقاشی می کشید، حکاکی می کرد، مناظری برای اجراها خلق می کرد. در 1465-1474. Mantegna کاخ شهر Lodovico Gonzaga و خانواده اش را طراحی کرد.
ساندرو بوتیچلی (1445-1510) را آخرین استاد بزرگ کواتروچنتو می‌دانند که به نوافلاطونی‌های فلورانسی نزدیک بود با آرزوی جهان دیگر، میل به فراتر رفتن. اشکال طبیعیو تاریخ. آثار اولیه بوتیچلی با غزلیات ملایم مشخص می شود. او پرتره های پر از زندگی درونی. این جولیانو مدیچی است که چهره اش غمگین است. در «پرتره سیمونتا وسپوچی»، بوتیچلی یک زن جوان ایستاده را به تصویر می کشد که چهره اش بیانگر عزت نفس است. در دهه 90. او پرتره ای از لورنزو لورنزیانو، دانشمندی که در سال 1504 در حالت جنون خودکشی کرد، خلق کرد. هنرمند تصویری تقریباً ملموس را به شکل مجسمه ای به تصویر می کشد.

"بهار" آغاز بالاترین شکوفایی فعالیت بوتیچلی بود، شهرت او به رم رسید: در وسط یک چمنزار گلدار، زهره، الهه عشق، به عنوان دختری با لباس زیبا نشان داده شده است. در بالای زهره، کوپید با چشمان بسته شناور می‌شود و تیری سوزان به فضا پرتاب می‌کند. در سمت راست زهره، سه فیض یک رقص گرد را هدایت می کنند. در نزدیکی فیض های رقصنده، پیام آور خدایان تیر است که میله را بلند می کند - کادوسئوس. در سمت راست تصویر، خدای باد زفیر از اعماق بیشه پرواز می کند و اصل عنصری را در طبیعت مجسم می کند. بوتیچلی "تولد زهره" را در 1482-1483 نوشت. به سفارش لورنزو دی مدیچی. دریا به لبه تصویر نزدیک می شود، پوسته صورتی طلایی روی سطح آن شناور است که روی پیچش زهره برهنه ایستاده است. گلهای رز به پای او می ریزند، بادها صدف را به سمت ساحل هدایت می کنند، جایی که پوره شنل بافته شده با گل آماده کرده است.

به احتمال زیاد بوتیچلی زیرمتنی برگرفته از نوافلاطونی را در تصویر آورده است. "تولد زهره" به هیچ وجه یک شعار بت پرستی نیست زیبایی زن. این شامل ایده مسیحیت در مورد تولد روح از آب در هنگام غسل تعمید است. بدن برهنه الهه به معنای خلوص است، طبیعت با عناصر آن نشان داده می شود: هوا آئولوس و بوریاس است، آب دریایی سبز رنگ با فرهای زینتی امواج است. این با این که چگونه رئیس آکادمی فلورانس، مارسیلیو فیچینو، اسطوره تولد زهره را به عنوان تجسم روح تفسیر کرد، مطابقت دارد که به لطف اصل الهی، قادر به ایجاد زیبایی است. برای بوتیچلی هیچ مرز صعب العبوری بین دوران باستان و مسیحیت وجود نداشت. این هنرمند در نقاشی های مذهبی خود به معرفی تصاویر باستانی. یکی از نقاشی های معروفمحتوای مذهبی - "شکوه مدونا"، ایجاد شده در 1483-1485. مدونا بر روی تختی به تصویر کشیده شده است که توسط فرشتگان احاطه شده است و کودک مسیح روی زانوهایش است. مدونا قلم خود را در دست می گیرد تا کلمات را در کتاب بنویسد در حالی که دعا به افتخار او آغاز می شود. پس از "Magnificat *" بوتیچلی تعدادی اثر خلق می کند که در آنها معنویت گرایی به طور فزاینده ای تشدید می شود، پژواک گوتیک در غیاب فضا، در تعالی تصاویر ظاهر می شود.

مجسمه‌سازی رنسانس مظهر انسان‌مرکزی رنسانس بود. مجسمه سازان رنسانس ایتالیایی شخصی سازی تصویر را نه تنها از نظر شخصیت شناسی ظاهری، بلکه به عنوان یک خودآگاهی معنوی فرد انجام دادند. ویژگی اصلیمجسمه های قرن 15 - جدا شدن آن از دیوار و طاقچه کلیسای جامع.
دوناتلو (نام واقعی Donato di Niccolò di Betto Bardi) (1466-1386) نوع خاصی از نقش برجسته را اختراع کرد که جوهره آن در بهترین درجه بندی حجم ها نهفته است که در آن پیشرفته ترین شکل ها در نقش برجسته، دوردست ترین، قالب گیری شده است. آنهایی که کمی از پس زمینه بیرون زده اند. در عین حال، فضا به صورت پرسپکتیو ساخته شده است و به شما امکان می دهد چهره های زیادی را در خود جای دهید. اینها نقش برجسته هایی هستند که معجزات St. آنتونی از محراب کلیسای سنت آنتونیو در پادوآ. اولین نقش برجسته دوناتلو پانل سنت جورج در حال کشتن اژدها بود که در حدود سال 1420 ایجاد شد. توده اصلی تصویر مسطح و مسطح شده است، محدود به یک کانتور عمیق بریده شده، که اغلب با استفاده از تکنیک شیار شیبدار ساخته می شود.

در سال 1432 در رم، دوناتلو ملاقات کرد هنر عتیقهو به تفسیر خود از روح دوران باستان می رسد، که در آن با انتقال هیجان عاطفی، نمایش احساسات جذب می شود. دوناتلو کیاسموس مورد استفاده در مجسمه سازی باستانی را احیا کرد - ژست چهره ای که در آن وزن بدن به یک پا منتقل می شود و بنابراین شانه پایین تر مطابق با بالا رفتن باسن است و بالعکس.
در میدان روبروی کلیسای سنت آنتونیو در پادوآ در 1447-1453. دوناتلو اولین بنای برنزی گاتاملاتا را در هنر مدرن برپا می کند.

اس. بوتیچلی. تولد زهره. قطعه

اصول اصلاح شده خلاقانه سیستم نظم باستانی در معماری ایجاد شد و انواع جدیدی از ساختمان های عمومی شکل گرفت.

فیلیپو برونلسکو 1377 - 1446. خانه یتیم خانه (بیمارستان) - Ospedale degli Innocenti در فلورانس. 1421-44.

برونلسکو کلیسای پازی در فلورانس. در سال 1429 شروع شد.

لئون باتیستا آلبرتی. 1404 - 1472.
شخصیت مرکزی رنسانس در کنار برونلسکو.
Palazzo Rucellai در فلورانس. 1446-51.

آلبرتی. نمای کلیسای سانتا ماریا نوولا در فلورانس. 1456-70.

مجسمه سازی در فلورانس

دوناتلو (دوناتو دی نیکولو دی بتی بردی). 1386 - 1466.
او در رأس استادانی بود که شالوده شکوفایی رنسانس را پی ریزی کردند.
او در هنر زمان خود به عنوان یک مبتکر واقعی عمل کرد:
تصاویری که او خلق کرد، اولین تجسم ایده آل انسانی یک شخصیت کاملاً توسعه یافته است.
بر اساس مطالعه دقیق طبیعت.
به طرز ماهرانه ای از میراث باستانی استفاده کرد.
اولین استاد رنسانس موفق شد مشکل تنظیم پایدار فیگور را حل کند.
او تصویر برهنگی را در پلاستیک مجسمه ای زنده کرد.
او اولین بنای برنزی را ریخت.
او اولین کسی بود که برای حل مشکل گروه آزاد تلاش کرد.
او در تزئین کلیسای جامع سانتا ماریا دل فیوره شرکت کرد:
مجسمه مرمری داوود

لورنزو گیبرتی. 1378 - 1455.
درهای شرقی غسل تعمید در فلورانس. 1425-52. برنز طلاکاری شده.

گیبرتی.

تاریخ یوسف.

گیبرتی. درهای شرقی غسل تعمید در فلورانس. نوح و طوفان 1425-52. قطعه.

آندریا وروکیو (Verrocchio).
1435 - 1488. دیوید. برنز. 1476.

نقاشی فلورانس

پس از مجسمه سازی، نقطه عطفی در نقاشی رخ داد.

ماساچیو 1401 - 1428.

سنت پیتر با سایه خود بیماران را شفا می دهد. 1425-26.

فرا فیلیپو لیپی. 1406 - 1469.

پولیولو، آنتونیو. 1429 - 1493. هرکول و آنتائوس.

آندره آ مانتنیا 1431 - 1506. مسیح مرده. 1490.

مانتنیا. لودوویکو گونزاگو، دوک مانتوا با خانواده‌اش. Camera degli Sposi. تکه ای از دیوار شمالی. 1471-74.

آژانس فدرال آموزش

دانشگاه ایالتی معماری و مهندسی عمران سنت پترزبورگ

گروه تاریخ

رشته: فرهنگ شناسی

تیتان ها و شاهکارهای فرهنگ رنسانس

دانش آموز گروه 1 ES 2

ای. یو. نالیوکو

سرپرست:

به. و. ن.، معلم

آی. یو. لاپینا

سن پترزبورگ

مقدمه……………………………………………………3

هنر اوایل رنسانس…………………………..4

دوره رنسانس عالی…………………………….5

ساندرو بوتیچلی…………………………………….5

لئوناردو داوینچی…………………………………………7

میکل آنژ بووناروتی ……………………………………………………………

رافائلو سانتی…………………………………………….13

نتیجه گیری………………………………………………………………………………………………………………………..

فهرست ادبیات استفاده شده……………………………….16

معرفی

رنسانس دوره مهمی در فرهنگ جهانی است. در ابتدا، یک پدیده جدید در زندگی فرهنگی اروپا مانند بازگشت به دستاوردهای فراموش شده فرهنگ کهن در زمینه علم، فلسفه و ادبیات به نظر می رسید. پدیده رنسانس در این واقعیت نهفته است که میراث باستانی به سلاحی برای سرنگونی قوانین و ممنوعیت های کلیسا تبدیل شده است. در اصل، ما باید از یک انقلاب فرهنگی بزرگ صحبت کنیم که دو قرن و نیم طول کشید و با ایجاد نوع جدیدی از جهان بینی و نوع جدیدی از فرهنگ به پایان رسید. در آن زمان چنین چیزی در خارج از منطقه اروپا مشاهده نشد. بنابراین، این موضوع علاقه و اشتیاق زیادی را در من برانگیخت تا این دوره را با جزئیات بیشتر تحلیل کنم.

در مقاله‌ام، می‌خواهم بر روی افراد برجسته‌ای مانند ساندرو بوتیچلی، لئوناردو داوینچی، میکل آنژ بووناروتی، رافائلو سانتی‌ای تمرکز کنم. این آنها بودند که برجسته ترین نمایندگان مراحل اصلی رنسانس ایتالیا شدند.

1. هنر احیای اولیه

در دهه های اول قرن پانزدهم، یک نقطه عطف تعیین کننده در هنر ایتالیا اتفاق افتاد. ظهور یک مرکز قدرتمند رنسانس در فلورانس منجر به تجدید کل فرهنگ هنری ایتالیا شد.

کارهای دوناتلو، ماساچیو و همکارانشان نشانگر پیروزی رئالیسم رنسانس است که به طور قابل توجهی با "رئالیسم جزئیات" که مشخصه هنر گوتیک ترچنتو متأخر بود تفاوت داشت. آثار این استادان آغشته به آرمان های اومانیسم است. آنها یک شخص را تجلیل و تجلیل می کنند، او را از سطح زندگی روزمره بالاتر می برند.

در مبارزه خود با سنت گوتیک، هنرمندان اوایل رنسانس به دنبال حمایت در دوران باستان و هنر پروتو رنسانس بودند. آنچه که استادان رنسانس اولیه تنها به طور شهودی و از طریق لمس جستجو می کردند، اکنون بر اساس دانش دقیق است.

هنر ایتالیایی قرن 15 با تنوع زیادی متمایز می شود. هنر جدید که در آغاز قرن پانزدهم در فلورانس پیشرفته پیروز شد، فوراً در سایر مناطق کشور به رسمیت شناخته نشد و توزیع شد. در حالی که برونلسکی، ماساچیو، دوناتلو در فلورانس کار می‌کردند، سنت‌های هنر بیزانسی و گوتیک هنوز در شمال ایتالیا زنده بودند و به تدریج با رنسانس جایگزین شدند.

فلورانس مرکز اصلی رنسانس اولیه بود. فرهنگ فلورانس در نیمه اول و اواسط قرن پانزدهم متنوع و غنی است. از سال 1439، از زمان جهانگردی کلیسای جامع کلیسا، که آنها با همراهی گروهی باشکوه به آنجا رسیدند امپراتور بیزانسجان پالیولوگوس و پاتریارک قسطنطنیه و به ویژه پس از سقوط بیزانس در سال 1453 که بسیاری از دانشمندان فراری از شرق به فلورانس پناه بردند، این شهر به یکی از مراکز اصلی ایتالیا برای مطالعه زبان یونانی تبدیل شد. به عنوان ادبیات و فلسفه یونان باستان. و با این حال نقش اصلی در زندگی فرهنگی فلورانس در نیمه اول و اواسط قرن پانزدهم بدون شک به هنر تعلق داشت. 1

2. دوره رنسانس عالی

این دوره زمانی نشان دهنده اوج رنسانس است. دوره کوتاهی بود که حدود 30 سال به طول انجامید، اما از نظر کمی و کیفی این مدت مانند قرن هاست. هنر رنسانس عالی خلاصه ای از دستاوردهای قرن پانزدهم است، اما در عین حال یک جهش کیفی جدید هم در تئوری هنر و هم در اجرای آن است. "تراکم" غیرمعمول این دوره را می توان با این واقعیت توضیح داد که تعداد هنرمندان درخشان همزمان (در یک دوره تاریخی) به نوعی رکورد حتی برای کل تاریخ هنر است. کافی است نام هایی مانند لئوناردو داوینچی، رافائل و میکل آنژ را نام ببرید.

3. ساندرو بوتیچلی

نام ساندرو بوتیچلی در سراسر جهان به عنوان نام یکی از برجسته ترین هنرمندان رنسانس ایتالیا شناخته می شود.

ساندرو بوتیچلی در سال 1444 (یا در سال 1445) در خانواده یک دباغ‌ساز، شهروند فلورانسی ماریانو فیلیپپی به دنیا آمد. ساندرو کوچکترین و چهارمین پسر فیلیپه بود. متأسفانه ، تقریباً هیچ چیز در مورد اینکه ساندرو کجا و چه زمانی به عنوان یک هنرمند آموزش دیده است و آیا همانطور که منابع قدیمی می گویند ، او واقعاً ابتدا جواهرات خوانده است و سپس شروع به نقاشی کرده است ، معلوم نیست. در سال 1470 او قبلاً کارگاه خود را داشت و به طور مستقل سفارشات دریافتی را انجام می داد.

جذابیت هنر بوتیچلی همیشه کمی مرموز باقی می ماند. آثار او حسی را برمی انگیزد که آثار دیگر اساتید بر نمی انگیزد.

بوتیچلی از بسیاری از هنرمندان قرن پانزدهم پایین تر بود، برخی از نظر انرژی شجاعانه و برخی دیگر در اصالت واقعی جزئیات. تصاویر او (به استثنای بسیار نادر) عاری از آثار تاریخی و درام هستند، شکل های اغراق آمیز شکننده آنها همیشه کمی خودسرانه است. اما مانند هیچ نقاش دیگری در قرن پانزدهم، بوتیچلی دارای توانایی برای بهترین درک شاعرانه از زندگی بود. او برای اولین بار توانست ظرایف ظریف تجربیات انسانی را منتقل کند. هیجان شادی آور در نقاشی های او جای خود را به شادی مالیخولیایی، طغیان سرگرمی - مالیخولیا دردناک، تفکر آرام - اشتیاق غیرقابل کنترل داده است.

جهت جدید هنر بوتیچلی در آخرین دوره فعالیت او، در آثار دهه 1490 و اوایل دهه 1500، بیان شدید خود را دریافت کرد. در اینجا ابزارهای اغراق و ناهماهنگی تقریباً غیرقابل تحمل می شوند (مثلاً "معجزه سنت زنوبیوس"). هنرمند یا در ورطه غم ناامید کننده فرو می رود ("پیتا")، سپس تسلیم تعالی روشنگرانه می شود ("ارتباطات سنت جروم"). شیوه تصویری او تقریباً به قراردادهای نقاشی شمایل ساده شده است که با نوعی زبان بسته بودن ساده لوحانه متمایز می شود. ریتم خطی صفحه به طور کامل هم از طراحی پیروی می کند که در سادگی آن به حداکثر رسیده است و هم از رنگ با تضادهای شدید رنگ های محلی. به نظر می رسد تصاویر واقعی خود را از دست می دهند، پوسته زمینی، به عنوان نمادهای عرفانی عمل می کند. و هنوز در این، از طریق و از طریق هنر مذهبیاصل انسانی با قدرت زیاد راه خود را در پیش می گیرد. هرگز هنرمندی تا این حد احساسات شخصی را روی آثارش سرمایه گذاری نکرده بود، هرگز تصاویر او چنین اهمیت اخلاقی بالایی نداشتند.

با مرگ بوتیچلی، تاریخ نقاشی فلورانس از رنسانس اولیه به پایان می رسد - این بهار واقعی فرهنگ هنری ایتالیایی. بوتیچلی که معاصر لئوناردو، میکل آنژ و رافائل جوان بود، با آرمان های کلاسیک آنها بیگانه ماند. به عنوان یک هنرمند، او کاملاً متعلق به قرن پانزدهم بود و هیچ جانشین مستقیمی در نقاشی رنسانس عالی نداشت. با این حال، هنر او با او نمرده است. این اولین تلاش برای آشکار کردن دنیای معنوی یک شخص بود، تلاشی ترسو که به طرز غم انگیزی به پایان رسید، اما در طول نسل ها و قرن ها بازتاب بی نهایت چندوجهی خود را در کار استادان دیگر دریافت کرد.

هنر بوتیچلی اعتراف شاعرانه یک هنرمند بزرگ است که قلب مردم را به هیجان می آورد و همیشه به هیجان می آورد. 2

4. لئوناردو داوینچی

در تاریخ بشریت یافتن شخص دیگری به اندازه بنیانگذار هنر رنسانس عالی، لئوناردو داوینچی (1452-1519) آسان نیست. ماهیت جامع فعالیت های این هنرمند و دانشمند بزرگ تنها با بررسی نسخه های خطی پراکنده میراث او مشخص شد. ادبیات عظیمی به لئوناردو تقدیم شده است، زندگی او با جزئیات مورد مطالعه قرار گرفته است. و با این وجود، بسیاری از کارهای او مرموز باقی می ماند و همچنان ذهن مردم را به هیجان می آورد.

لئوناردو داوینچی در روستای Anchiano در نزدیکی وینچی متولد شد: نه چندان دور از فلورانس. او پسر نامشروع یک دفتر اسناد رسمی ثروتمند و یک زن دهقانی ساده بود. پدرش که متوجه توانایی خارق العاده پسر در نقاشی شد، او را به کارگاه آندره آ وروکیو سپرد. در تصویر معلم "تعمید مسیح"، شکل یک فرشته بلوند معنوی متعلق به قلم موی لئوناردو جوان است.

در میان او کار اولیهنقاشی "مدونا با یک گل" (1472) که با رنگ روغن تصویری اجرا شده بود، سپس در ایتالیا کمیاب بود.

در حدود سال 1482، لئوناردو به خدمت دوک میلان، لودوویکو مورو، درآمد. استاد خود را اول از همه به عنوان یک مهندس نظامی، معمار، متخصص در زمینه مهندسی هیدرولیک و تنها پس از آن به عنوان یک نقاش و مجسمه ساز توصیه کرد. با این حال، اولین دوره خلاقیت لئوناردو در میلان (1482-1499) پربارترین دوره بود. استاد مشهورترین هنرمند ایتالیا شد، معماری و مجسمه سازی خواند، به نقاشی دیواری و محراب روی آورد.

نقاشی های زیبای لئوناردو دوره میلان تا زمان ما باقی مانده است. اولین محراب رنسانس عالی، مدونا در غار (1483-1494) بود. نقاش از سنت های قرن پانزدهم دور شد: در نقاشی های مذهبی که سفتی موقری غالب بود. در محراب لئوناردو چهره‌های کمی وجود دارد: مریم مونث، مسیح شیرخوار که جان باپتیست کوچک را برکت می‌دهد، و فرشته‌ای که زانو زده، گویی به بیرون از تصویر نگاه می‌کند. تصاویر به طور ایده آل زیبا هستند، به طور طبیعی با محیط خود مرتبط هستند. این یک نوع غار در میان صخره های بازالتی تیره با شکاف در اعماق است - منظره ای معمولی از لئوناردو به عنوان یک کل فوق العاده اسرارآمیز است. چهره ها و چهره ها در یک مه هوا پوشیده شده اند و نرمی خاصی به آنها می بخشد. ایتالیایی ها این تکنیک را Deonardo sfumato نامیدند.

در میلان، ظاهرا، استاد بوم "مدونا و کودک" ("Madonna Lita") را خلق کرد. در اینجا، برخلاف مدونا با یک گل، او برای تعمیم بیشتر ایده آل بودن تصویر تلاش کرد. نه یک لحظه خاص، بلکه یک حالت درازمدت خاص از آرامش شادی که در آن یک زن زیبای جوان غوطه ور است. نور سرد سرد، چهره نرم و لاغر او را با نگاهی نیمه پایین و لبخندی خفیف و به سختی قابل درک، روشن می کند. این تصویر با مزاج نقاشی شده است و به رنگ‌های شنل آبی و لباس قرمز مریم صدا می‌دهد. موهای مجعد طلایی تیره کرکی نوزاد به طرز شگفت انگیزی نوشته شده است، نگاه دقیق او به بیننده به طرز کودکانه ای جدی نیست.

هنگامی که میلان توسط نیروهای فرانسوی در سال 1499 اشغال شد، لئوناردو شهر را ترک کرد. زمان سرگردانی او آغاز شده است. مدتی در فلورانس کار کرد. در آنجا، به نظر می‌رسید که کار لئوناردو با نور درخشانی روشن شده است: او پرتره‌ای از مونالیزا، همسر ثروتمند فلورانسی فرانچسکو دی جوکوندو (حدود 1503) کشید. پرتره ای که با نام "جیوکوندا" شناخته می شود، به یکی از مشهورترین آثار نقاشی جهان تبدیل شده است.

پرتره کوچک یک زن جوان، پوشیده در مه هوا، نشسته در پس زمینه منظره ای سبز مایل به آبی، پر از لرزش پر جنب و جوش و لطیفی است که به گفته واساری، می توان ضربان نبض را در عمق مونا مشاهده کرد. گردن لیزا به نظر می رسد که درک تصویر آسان است. در همین حال، در ادبیات گسترده ای که به مونالیزا اختصاص داده شده است، متضادترین تفسیرها از تصویر ایجاد شده توسط لئوناردو با هم برخورد می کنند.

لئوناردو داوینچی در سال‌های آخر زندگی‌اش به‌عنوان هنرمند کم کار می‌کرد. او پس از دریافت دعوتنامه از پادشاه فرانسه فرانسیس 1، در سال 1517 به فرانسه رفت و نقاش دربار شد. به زودی لئوناردو درگذشت. در خودنگاره - نقاشی (1510-1515)، پدرسالار ریش خاکستری با نگاهی عمیق غمگین بسیار بزرگتر از سن خود به نظر می رسید.

مقیاس و منحصر به فرد بودن استعداد لئوناردو را می توان با نقاشی های او که یکی از مکان های افتخار در تاریخ هنر را اشغال می کند، قضاوت کرد. نه تنها نسخه های خطی اختصاص داده شده به علوم دقیق، بلکه آثار مربوط به نظریه هنر نیز به طور جدایی ناپذیری با نقاشی های لئوناردو داوینچی، طرح ها، طرح ها و نمودارها پیوند خورده اند. فضای زیادی به مسائل کیاروسکورو، مدل سازی حجمی، پرسپکتیو خطی و هوایی داده شده است. لئوناردو داوینچی صاحب اکتشافات، پروژه ها و مطالعات تجربی متعددی در ریاضیات، مکانیک و سایر علوم طبیعی است.

هنر لئوناردو داوینچی، تحقیقات علمی و نظری او، منحصر به فرد بودن شخصیت او تمام تاریخ فرهنگ و علم جهان را طی کرده و تأثیر زیادی داشته است. 3

5 میکل آنژ بووناروتی

در میان نیمه خدایان و تیتان های رنسانس عالی، میکل آنژ جایگاه ویژه ای را به خود اختصاص داده است. او به عنوان خالق هنر جدید، شایسته نام پرومتئوس قرن شانزدهم است

مجسمه مرمری زیبا که با نام پیتا شناخته می شود، تا به امروز یادگاری برای اولین اقامت در رم و بلوغ کامل این هنرمند 24 ساله باقی مانده است. مریم مقدس بر روی سنگی نشسته است، بدن بی جان عیسی که از صلیب پایین آورده شده است، بر روی دامان او قرار دارد. با دست از او حمایت می کند. میکل آنژ تحت تأثیر آثار باستانی تمام سنت های قرون وسطی را در به تصویر کشیدن موضوعات مذهبی کنار گذاشت. او به بدن مسیح و به کل کار هماهنگی و زیبایی بخشید. این مرگ عیسی نبود که قرار بود وحشت را برانگیزد، بلکه فقط یک احساس تعجب بزرگ نسبت به رنج دیده بزرگ بود. زیبایی اندام برهنه از تاثیر نور و سایه ای که چین های آرایش ماهرانه لباس مریم ایجاد می کند بسیار سود می برد. در چهره عیسی که توسط این هنرمند به تصویر کشیده شد، آنها حتی شباهت هایی با ساوونارولا پیدا کردند. پیتا گواهی ابدی برای مبارزه و اعتراض باقی ماند، یادگاری ابدی برای رنج های پنهان خود هنرمند.

میکل آنژ در سال 1501 به فلورانس بازگشت، در لحظه ای دشوار برای شهر، جایی که از بلوک عظیمی از سنگ مرمر کارارا، که برای مجسمه ای عظیم در نظر گرفته شده بود. داوود کتاب مقدساو برای تزیین گنبد کلیسای جامع، تصمیم گرفت اثری یکپارچه و بی نقص، بدون کاهش اندازه آن، یعنی داوود خلق کند. در سال 1503، در 18 مه، این مجسمه در میدان سنوریا، جایی که بیش از 350 سال در آنجا ایستاده بود، نصب شد.

در زندگی طولانی و تیره میکل آنژ، تنها یک دوره بود که شادی به او لبخند زد - این زمانی است که او برای پاپ ژولیوس دوم کار می کرد. میکل آنژ، به شیوه خود، این پدر جنگجوی بی ادب را که اصلاً رفتارهای تند پاپی نداشت، دوست داشت. مقبره پاپ ژولیوس آنطور که میکل آنژ در نظر داشت با شکوه ظاهر نشد. به جای کلیسای جامع St. پیتر، او را در کلیسای کوچکی از St. پیتر، جایی که او حتی به طور کامل وارد نشد، و بخش های جداگانه آن در مکان های مختلف پراکنده شد. اما حتی در این شکل، به حق یکی از معروف ترین خلاقیت های رنسانس است. شخصیت مرکزی آن موسی کتاب مقدس است، آزادی بخش مردمش از اسارت مصر (این هنرمند امیدوار بود که ژولیوس ایتالیا را از دست فاتحان آزاد کند). اشتیاق همه جانبه، قدرت غیرانسانی بدن قدرتمند قهرمان را تحت فشار قرار می دهد، چهره او نشان دهنده اراده و عزم است، عطش پرشور عمل، نگاهش به سرزمین موعود معطوف است. در عظمت المپیک یک نیمه خدا نشسته است. یکی از دستانش با قدرت روی لوح سنگی روی زانوهایش قرار گرفته است، دیگری در اینجا با بی احتیاطی در خور مردی است که تنها به حرکت ابروهایش نیاز دارد تا همه را وادار به اطاعت کند. همانطور که شاعر گفت: «قبل از چنین بتی، قوم یهود حق داشتند در نماز سجده کنند.» به گفته معاصران، «موسی» میکل آنژ در واقع خدا را دیده است.

به درخواست پاپ ژولیوس، میکل آنژ سقف کلیسای سیستین در واتیکان را با نقاشی های دیواری که خلقت جهان را به تصویر می کشد نقاشی کرد. نقاشی های او تحت سلطه خطوط و بدن است. 20 سال بعد، میکل آنژ بر روی یکی از دیوارهای همان کلیسای کوچک، نقاشی دیواری آخرین داوری را نقاشی کرد - تصویری خیره کننده از ظهور مسیح در آخرین داوری، که با موج دست او گناهکاران به ورطه جهنم سقوط می کنند. غول عضلانی و هرکولی شبیه مسیح کتاب مقدس نیست که خود را برای خیر بشر فدا کرده است، اما مظهر انتقام اساطیر باستانی، نقاشی دیواری ورطه وحشتناک یک روح ناامید، روح میکل آنژ را نشان می دهد.

در آثار میکل آنژ، درد ناشی از تراژدی ایتالیا بیان شده است، با درد از سرنوشت غم انگیز خود آمیخته شده است. زیبایی که با رنج و بدبختی آمیخته نیست، میکل آنژ در معماری یافت. میکل آنژ پس از مرگ برامانت، ساخت سنت پیترز را بر عهده گرفت. او که جانشینی شایسته برای برامانته بود، گنبدی ساخت و تا به امروز از نظر اندازه و عظمت بی‌نظیر است.

میکل آنژ نه شاگردی داشت و نه به اصطلاح مدرسه. اما ماند کل جهانتوسط او ایجاد شده است. 4

6. رافائل

آثار رافائل سانتی یکی از آن پدیده های فرهنگ اروپایی است که نه تنها با شهرت جهانی پوشیده شده است، بلکه اهمیت ویژه ای نیز به دست آورده است - بالاترین نشانه ها در زندگی معنوی بشر. برای پنج قرن، هنر او به عنوان یکی از نمونه های کمال زیبایی شناختی تلقی شده است.

نبوغ رافائل در نقاشی، گرافیک، معماری آشکار شد. آثار رافائل کامل‌ترین و واضح‌ترین بیان خط کلاسیک، آغاز کلاسیک در هنر رنسانس عالی است (پیوست 3). رافائل یک "تصویر جهانی" از یک فرد زیبا خلق کرد، از نظر جسمی و روحی کامل، ایده زیبایی هماهنگ وجود را تجسم بخشید.

رافائل (به طور دقیق تر، رافائلو سانتی) در 6 آوریل 1483 در شهر اوربینو به دنیا آمد. او اولین درس های نقاشی خود را از پدرش جیووانی سانتی دریافت کرد. هنگامی که رافائل 11 ساله بود، جیووانی سانتی درگذشت و پسر یتیم ماند (او پسر را 3 سال قبل از مرگ پدرش از دست داد). ظاهراً در طی 5-6 سال بعد، او نقاشی را نزد اوانجلیستا دی پیاندیملتو و تیموتئو ویتی، استادان کوچک استانی آموخت.

اولین کارهای رافائل که برای ما شناخته شده است در حدود سالهای 1500 - 1502 اجرا شد، زمانی که او 17-19 ساله بود. اینها ترکیبات مینیاتوری "سه لطف"، "رویای یک شوالیه" هستند. این چیزهای ساده دل و هنوز دانشجو ترسو با شعر لطیف و صمیمیت احساس مشخص می شود. از همان گام های اولیه خلاقیت، استعداد رافائل با تمام اصالت خود آشکار می شود، موضوع هنری خود را ترسیم می کند.

از بهترین آثار دوره اولیه می توان به Conestabile Madonna اشاره کرد. ترکیب بندی هایی که مدونا و کودک را به تصویر می کشند، شهرت و محبوبیت گسترده ای را برای رافائل به ارمغان آورد. مدونای شکننده، ملایم و رویایی دوره اومبریا با تصاویر زمینی تر و پر خون جایگزین شدند، دنیای درونی آنها پیچیده تر و سرشار از سایه های احساسی شد. رافائل نوع جدیدی از تصویر مدونا و کودک را ایجاد کرد - به یاد ماندنی، سختگیرانه و در عین حال غنایی، به این موضوع اهمیت بی سابقه ای بخشید.

او وجود زمینی انسان، هماهنگی نیروهای روحی و جسمی را در نقاشی های بند (اتاق) واتیکان (1509-1517) تجلیل کرد و به حس بی عیب و نقص نسبت، ریتم، تناسبات، هماهنگی رنگ، وحدت رنگ دست یافت. چهره ها و شکوه پیشینه های معماری. تصاویر زیادی از مادر خدا ("مدونا سیستین"، 1915-1515)، گروه های هنری در نقاشی های ویلا فارنسینا (1514-18) و لجیاهای واتیکان (1519، با دانش آموزان) وجود دارد. در پرتره ها، او تصویر ایده آل یک مرد رنسانس را خلق می کند (Baldassare Castiglione، 1515). طراحی کلیسای جامع St. پیتر، کلیسای Chigi کلیسای سانتا ماریا دل پوپولو (1512-1512) در رم را ساخت.

نقاشی رافائل، سبک آن، اصول زیبایی شناسی آن بازتاب جهان بینی آن دوران بود. در دهه سوم قرن شانزدهم، وضعیت فرهنگی و معنوی در ایتالیا تغییر کرد. واقعیت تاریخی توهمات اومانیسم رنسانس را نابود کرد. احیاء رو به پایان بود. 5

نتیجه

در دوران رنسانس، علاقه به هنر یونان و روم باستان به وجود آمد، که اروپا را به تغییر واداشت، که پایان قرون وسطی و آغاز زمان جدید را نشان داد. این دوره نه تنها زمان "احیای" گذشته باستان، زمان اکتشافات و تحقیقات، زمان ایده های جدید بود. نمونه‌های کلاسیک الهام‌بخش تفکر جدید بودند و بر شخصیت انسان، رشد و تجلی توانایی‌ها تأکید می‌کردند و نه محدودیت‌های آنها، که مشخصه قرون وسطی بود. تدریس و تحقیق علمی دیگر منحصراً کار کلیسا نبود. مدارس و دانشگاه های جدید پدید آمدند، علوم طبیعی و آزمایش های پزشکی انجام شد. هنرمندان و مجسمه سازان در کارهای خود برای طبیعی بودن، برای بازآفرینی واقع گرایانه جهان و انسان تلاش کردند. مجسمه های کلاسیک و آناتومی انسان مورد مطالعه قرار گرفتند. هنرمندان شروع به استفاده از پرسپکتیو کردند و تصویر مسطح را کنار گذاشتند. اشیاء هنری بدن انسان، موضوعات کلاسیک و مدرن و همچنین مضامین مذهبی بودند. روابط سرمایه داری در ایتالیا در حال ظهور بود و دیپلماسی به عنوان ابزاری در روابط بین دولت شهرها مورد استفاده قرار گرفت. اکتشافات علمی و فناوری مانند اختراع ماشین چاپ به گسترش ایده های جدید کمک کرد. بتدریج ایده های جدید تمام اروپا را در بر گرفت.

(قرن XIV-XVI/XVII) ... این کمک بزرگی به هنر است رنسانس.تایتان هاپایان سالئوناردو داوینچی رنسانس عالی... سهم منحصر به فرد او در عصررنسانس و خود را ایجاد کردند شاهکارها. که در فرهنگقرن XV-XVI ...

فرهنگ عصر رنسانسرنسانس

تست >> فرهنگ و هنر

انسان، او را شبیه می کند تیتانیومآنها آن را از... یک کپی مرمر جدا کردند. معنی فرهنگ ها AGES احیابنابراین، به دنبال دانستن فرهنگ رنسانس، اسرار آن ... انگشتان نیز یکی از شاهکارهاسیمون مارتینی زیبایی آن ...

اروپایی فرهنگ عصر رنسانس (2)

سخنرانی >> فرهنگ و هنر

اومانیسم 3. تیتان ها عصر رنسانس. تایتانیسم به عنوان یک پدیده فرهنگی 4. "باروک" - فرهنگتجمل و سردرگمی ... صنایع دستی، و در ادبیات، و در هنر. کلاسیک شاهکارهالئوناردو، میکل آنژ، برونالسکی، تیتیان، رافائل...

دوران رنسانس (11)

چکیده >> فرهنگ و هنر

زمان» (F. Engels). بهترین شاهکارشاعری که نام خود را جاودانه کرد، نتیجه توسعه قرون وسطی است فرهنگو رویکرد به جدید فرهنگ عصر رنسانس. ایمان به زمینی ... صدا در شعر دومی تیتانیوم رنسانسبه نام او نوشته شده است ...

ویژگی های مقایسه ای فرهنگ ها دوره ها

چکیده >> فرهنگ و هنر

... عصرمرداد 142 جلد شد کار تاریخی تیتالیبی... دنیا به حساب می آید شاهکارهاجهان فرهنگ. بناهای تاریخی و معماری عصراوایل ... شهری قرون وسطی فرهنگ. نام دلخواه است: در ظاهر شد عصر رنسانسو به معنای ...