هنر ایتالیایی و باستانی. برنامه دوره "تاریخ هنر ایتالیا" در فلورانس

مسکو. رنگين كمان. 1990

جولیو کارلو آرگان، مورخ هنری مشهور ایتالیایی، یکی از نمایندگان برجسته تاریخ هنر معاصر و نقد هنر است. آثار بنیادی او تاریخ هنر ایتالیا را از دوران باستان و قرون وسطی گرفته تا رمانتیسم و ​​آینده نگری را در بر می گیرد، اگرچه توجه اصلی البته به استادان رنسانس ایتالیایی معطوف است.

بخش اول.
فصل اول.
ریشه ها.
فصل دوم فرهنگ دریای اژه.
هنر مینوی
هنر میسنی.
فصل سوم هنر یونانی.
معماری.
مجسمه سازی باستانی
مجسمه سازی کلاسیک
مجسمه سازی هلنیستی.
شهرسازی و معماری.
نقاشی یونانی.
فصل چهار هنر باستانیدر ایتالیا.
یونان بزرگ
هنر اتروسکی
معماری.
رنگ آمیزی.
مجسمه سازی.
فصل پنجم هنر روم باستان.
معماری.
نقاشی یادبود
رنگ آمیزی.
مجسمه سازی.
فصل ششم هنر مسیحیت اولیه.
هنر دخمه ها
اولین کلیساها
دیگر مراکز فرهنگ باستانی متاخر: میلان و راونا.
هنر بیزانس و قبایل بربر در قرون وسطی.
اولین تجلی هنر ملی قرون وسطی ایتالیا.
فصل هفتم هنر رمانسک.
معماری شمال ایتالیا
ایتالیا مرکزی
جنوب ایتالیا و سیسیل
مجسمه سازی.
رنگ آمیزی.
فصل هشتم هنر گوتیک.
معماری گوتیک
معماری گوتیک در ایتالیا
گوتیک متاخر.
مهندسی عمران.
مجسمه سازی.
رنگ آمیزی.
بخش دوم.
فصل اول Trecento.
جوتو
سیمون مارتینی.
پیترو و آمبروجیو لورنتستی
توسعه نقاشی ترسنتو
فصل دوم گوتیک بین المللی.
هنر گوتیک پسین در ایتالیا.
فصل سوم کواتروسنتو.
مفهومی جدید از طبیعت و تاریخ.
جدال با گوتیک.
مسابقه 1401.
دهه دوم قرن پانزدهم.
گنبد کلیسای جامع سانتا ماریا دل فیوره در فلورانس.
سه "ستایش مجوس".
برونلسکی-دوناتلو-ماساچیو.
گرایش های دیگر در فرهنگ هنری توسکانی.
نقاشی سینی قرن پانزدهم.
نظریه هنری در اومانیسم لئون باتیستا آلبرتی.
توسعه معماری توسکانی
مجسمه توسکانی
فضای نظری و تجربی.
ترکیب حقایق عقلانی و آرمانی.
روند اصلی نقاشی فلورانس در نیمه دوم قرن پانزدهم.
گرایش های متناقض در نقاشی کواتروچنتو فقید.
اولین بازی لئوناردو در فلورانس.
هنرهای تجسمی در مرکز ایتالیا
اومانیسم در هنرهای زیباشمال ایتالیا
مدرسه Squarcione.
نقاشی فرارا کواتروسنتو.
جنوب ایتالیا: آنتونلو دا مسینا.
هنر جدید ونیز.
اسطوره و واقعیت در هنر ویتوره کارپاچیو.
معماری و مجسمه سازی در ونیز.
اومانیسم در هنرهای زیبای لمباردی.
برامانته و لئوناردو در میلان.

ایتالیا به خاطر غنی ترین سنت های فرهنگی در جهان مشهور است. دستاوردهای ایتالیایی ها در هنر، معماری، ادبیات، موسیقی و علم نفوذ بزرگدر مورد توسعه فرهنگ در بسیاری از کشورهای دیگر.

مدت ها قبل از ظهور تمدن روم باستان، فرهنگ اتروسک ها در توسکانی و یونانیان در جنوب ایتالیا توسعه یافت. پس از سقوط امپراتوری روم در ایتالیا، فرهنگ رو به زوال رفت و تنها در قرن یازدهم. اولین نشانه های احیای آن وجود داشت. در قرن 14 به شکوفایی جدید خود رسید. در دوران رنسانس، ایتالیایی ها نقش اصلی را ایفا کردند علم اروپاییو هنر سپس چنین ساختند هنرمندان برجستهو مجسمه سازانی مانند لئوناردو داوینچی، رافائل و میکل آنژ، نویسندگان دانته، پترارک و بوکاچیو.

ادبیات.

ادبیات ایتالیا دیر پا به عرصه اروپا گذاشت. لاتین تا قرن سیزدهم به عنوان یک زبان ادبی استفاده می شد. و تا قرن شانزدهم اهمیت خود را حفظ کرد. زبان ایتالیایی به آرامی جایگاه خود را در ادبیات تقویت کرد. خاستگاه ادبیات ایتالیایی به سنت های اشعار عاشقانه درباری برمی گردد که توسط مکتب سیسیلی به تقلید از مدل های پرووانسالی وضع شده است. این شعر در اوایل قرن سیزدهم در دربار فردریک دوم در پالرمو شکوفا شد. تقریباً در همان زمان در اومبریا، تحت تأثیر نوشته‌های St. فرانسیس آسیزی اشعاری در موضوعات مذهبی خلق کرد.

با این حال، تنها در توسکانی بود که پایه های زبان ادبی ایتالیایی پی ریزی شد. برجسته ترین شاعر توسکانی دانته آلیگری، اهل فلورانس، نویسنده کمدی الهی، یکی از بزرگترین شاهکارهای ادبیات جهان بود. او نقش برجسته ای در توسعه ادبیات اواخر قرون وسطی ایفا کرد، که کمک زیادی به تبدیل گویش توسکانی به یک زبان ادبی رایج ایتالیایی کرد. پس از دانته، نویسندگان دیگری از اوایل رنسانس ظاهر شدند - فرانچسکو پترارکا، نویسنده غزل ها و غزل ها، و جیووانی بوکاچیو، که برای مجموعه داستان های کوتاه خود به نام دکامرون شهرت جهانی به دست آورد.

دانته، پترارک و بوکاچیو توسعه بیشتر ادبیات در ایتالیایی را از پیش تعیین کردند و در قرن پانزدهم. دوباره به طور موقت علاقه به زبان لاتین را احیا کرد. در قرن شانزدهم دو شاعر برجسته ایتالیایی کار کردند - لودویکو آریوستو، نویسنده شعر قهرمانانه شوالیه رولند خشمگین، که نمونه ای از رنسانس عالی است، و تورکواتو تاسو، نویسنده شعر اورشلیم آزاد شده، با روح کاتولیک ستیزه جویانه نفوذ کرد. در قرن 18 کمدی کلاسیک (کارلو گلدونی)، تراژدی (ویتوریو آلفیری) و شعر (جوزپه پارینی) احیا می شوند. در قرن 19 جنبش اصلاحات و استقلال باعث توسعه ادبیات شد. الساندرو مانزونی - شاعر، نمایشنامه نویس، منتقد و رمان نویس - با رمان برجسته تاریخی خود نامزد معروف شد. شعر جاکومو لئوپاردی رسوخ کرد احساس عمیقعشق به وطن پس از اتحاد کشور، گیسوه کاردوچی به شخصیت اصلی ادبیات ایتالیا تبدیل شد. در سال 1906، او اولین ایتالیایی بود که جایزه نوبل را برای اشعار، اشعار و مطالعات خود در مورد تاریخ ادبیات ایتالیا دریافت کرد.

به تدریج، ادبیات داستانی ایتالیایی شروع به تسلط جدید کرد ژانرهای ادبی. جووانی ورگا، نویسنده سیسیلی، نویسنده داستان‌هایی درباره زندگی دهقانان و ماهیگیران در جنوب ایتالیا، مکتب وریسم (رئالیسم) را تأسیس کرد. داستان او Rural Honor الهام بخش آهنگساز پیترو ماسکانی شد تا اپرایی به همین نام بسازد. گرازیا دلدا که در سال 1926 جایزه نوبل ادبیات را دریافت کرد، بیش از 30 رمان و چندین مجموعه داستان درباره زندگی مردم ساکن زادگاهش ساردینیا نوشت. در آغاز قرن بیستم نویسنده گابریل دی "آنونزیو برجسته بود که در رمان های او فرقه مورد تجلیل قرار گرفت. شخصیت قویو از جامعه ایتالیا انتقاد کرد.

بلافاصله پس از جنگ جهانی اول، آلفردو پانزینی، طنزپرداز تیزبین و عمیق، شهرت قابل توجهی به دست آورد. بهترین اثر او، داستان های فضیلت، احساسات انسانی و مشکلات اقتصادی جامعه مدرن را آشکار می کند. ایتالو سووو به خاطر رمان خودشناسی زنو معروف است. در همان زمان، نویسندگان نسل قدیمی ریکاردو باچلی، نویسنده سه گانه تاریخی آسیاب روی پو، کار کردند. آلدو پالازسکی، که طنز درخشانی در رمان‌های خواهران متراسی و کد مروارید خلق کرد. جیووانی پاپینی، که به خاطر کتاب‌هایش به نام «تاریخ مسیح»، «بازگشته‌شده» و طنز روشنفکرانه «گوگ» شناخته می‌شود. و کورادو آلوارو که زندگی دهقانان کالابریا را توصیف کرد.

یک شخصیت برجسته در ادبیات ایتالیایی نیمه اول قرن بیستم. بندتو کروچه، فیلسوف، اومانیست و منتقد بود. کروچه علاوه بر فعالیت های علمی، سیاستمداری بود که فعالانه با فاشیسم مخالفت می کرد. در طول سالهای دیکتاتوری فاشیستی، بسیاری از نویسندگان ایتالیایی مجبور به مهاجرت شدند. در میان آنها نویسنده چپ، ایگنازیو سیلونه است. او رمان‌هایی درباره زندگی مردمی که در تپه‌های نزدیک رم زندگی می‌کردند (فونتامارا، نان و شراب) و یک جزوه طنز مدرسه برای دیکتاتورها نوشت. کارلو لوی، پزشک، هنرمند و نویسنده، به جنوب ایتالیا تبعید شد و در آنجا فقر را توصیف کرد. زندگی روستاییدر رمان، مسیح در ابولی متوقف شد.

فاشیسم، جنگ و جنبش مقاومت در ایتالیا منعکس شد داستان. رمان بی تفاوت آلبرتو موراویا مطابقت جامعه ایتالیا را در دوران حکومت فاشیسم به تصویر می کشد. این موضوع در نوشته‌های او پس از جنگ، برای مثال در «کنفورمیست» نیز مورد بحث قرار گرفته است. معروف ترین آثار موراویا دو زن، رومی زن، عشق زناشویی، داستان های رومی و داستان های رومی جدید است. همانند سینما، نئورئالیسم در دوره پس از جنگ جهانی دوم بر ادبیات حاکم شد و نقش تعیین کننده ای در احیای رمان در ایتالیا ایفا کرد. رمان‌های جوزپه ماروتا (طلای ناپل و سنت ژانواریوس هرگز نه نمی‌گوید!) و واسکو پراتولینی (قهرمان زمان ما و داستان عاشقان فقیر) نمونه‌های قابل توجهی از نئورئالیسم هستند که به ترتیب در ناپل و فلورانس تولید شده‌اند. در دهه 1960، نویسندگانی مانند جورجیو باسانی (باغ فینزی کانتینی) و ناتالیا گینزبورگ (واژه نامه خانواده) عمدتاً به مسائل شخصیتی می پرداختند. در این آثار نئورئالیسم جای خود را به نوآوانگاردیسم داد. جهت های جدید توسعه یافته تحت نفوذ قویایده های نویسنده کارلو امیلیو گدا.

لئوناردو شاشا نویسنده سیسیلی (نمک در زخم، مافیا وندتا، مرگ بازپرس، شورای مصر، برکت) شهرت جهانی پیدا کرده است. به رسمیت شناختن بین المللی به عنوان استاد افسانه های مدرن و نظریه پرداز ادبی نیز توسط ایتالو کالوینو (راهی به آشیانه های عنکبوت، اجداد ما، ایتالیایی) به دست آمد. افسانههای محلی، Kosmikomiks، آغاز شمارش معکوس، اگر مسافری در یک شب زمستانی باشد). رمان اومبرتو اکو با نام «نام گل سرخ» در اوایل دهه 1980 به یکی از پرفروش‌ترین‌های جهانی تبدیل شد. در میان پرفروش‌ترین کتاب‌های ایتالیایی، داستان‌های جووانی گوارسکی درباره دون کامیلو، کشیش محله‌ای که با شهردار کمونیست محلی مبارزه می‌کرد، برجسته است. در سال 1958، پلنگ اثر جوزپه تومازی دی لامپدوزا اولین رمان ایتالیایی بود که در یک سال 100000 نسخه فروخت. کارلو کاسولا و جورجیو باسانی پرخواننده ترین نویسندگان ایتالیایی در دهه 1960 بودند و در سال 1974 رمان تاریخ السا مورانته تمام رکوردهای محبوبیت قبلی را شکست. دینو بوزاتی، ماریو سولداتی، اوتیرو اوتیری، بپه فنولیو و پیر پائولو پازولینی به عنوان رمان نویس مشهور شدند و بسیاری از نویسندگان ایتالیایی به راحتی از موانع بین گونه های ادبی و ادبیات و روزنامه نگاری عبور کردند.

بزرگترین نمایشنامه نویس ایتالیایی اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم. لوئیجی پیراندلو بود که در سال 1934 برنده جایزه نوبل شد. از بهترین نمایشنامه های او می توان به شش شخصیت در جستجوی نویسنده اشاره کرد، هنری چهارم، درست می گویید. همه آنها با تضاد بین توهم و واقعیت و با مشکلات زمانه ما که طبیعتاً غیرقابل حل هستند مرتبط هستند. پرو Sema Benelli صاحب ماسک بروتای شام تمسخر - تراژدی های تاریخی در شعر خالی. تریستان و ایزولد اتوره موسکینو، قلعه رویاهای شگفت انگیز انریکو بوتی، شکارچی و گلوکو. L. Morselli نیز در شعر خالی بسیار رسا نوشته شده است. شهرت روبرتو براکو به عنوان یک نمایشنامه نویس با سنت کوچک او که یکی از شاهکارهای درام مدرن ایتالیایی است، مرتبط است. بسیاری از نمایشنامه های او انگیزه های آشکارا فمینیستی دارند، آنها تراژدی های روانی و معنوی هستند. محاکمه عیسی توسط دیگو فابری در سراسر اروپا برگزار شد. از نیمه دوم دهه 1950، نمایشنامه نویسان داریو فو و فرانک رامه نیز به به رسمیت شناختن بین المللیبا نوشته های طنز درخشانش.

شعر ایتالیایی، مانند هنر ایتالیایی، در اوایل قرن بیستم. تحت تأثیر آینده گرایی قرار گرفت - جنبشی که به دنبال بازتاب واقعیت های جدید زندگی مدرن بود. در خاستگاه آن (1909) فیلیپو توماسو مارینتی شاعر بود. آینده پژوهی تعداد کمی از شاعران برجسته ایتالیایی را به خود جذب کرد، اما تأثیر عمیقی بر زندگی معنوی این کشور گذاشت. با این حال، شاعر برجسته ایتالیا در قرن بیستم. سالواتوره کوازیمودو هیچ ربطی به آینده نگری نداشت. شعر "هرمتیک" او آغازی عمیقاً فردی را تجسم می بخشد و با مهارت بالا و سبک شیک متمایز می شود که منعکس کننده غزل الهام شاعرانه است. دیگر نمایندگان شناخته شده هرمتیک در شعر، جوزپه اونگارتی و اوژنیو مونتال هستند. کوازیمودو در سال 1959 جایزه نوبل ادبیات و مونتال در سال 1975 دریافت کردند. شاعران جوانی که پس از جنگ جهانی دوم به رسمیت شناخته شدند عبارتند از: پیر پائولو پازولینی، فرانکو فورتینی، مارگریتا گویداچی، روکو اسکوتلارو، آندره آ زانوتو، آنتونیو رینالدی و میشل.

هنر

خاستگاه عظمت هنری ایتالیا به قرن چهاردهم برمی گردد، به نقاشی های مکتب فلورانس که بزرگترین نماینده آن جوتو دی بوندونه بود. جوتو از سبک نقاشی بیزانسی که بر هنر قرون وسطی ایتالیا مسلط بود، شکست و گرما و احساسی طبیعی به چهره‌هایی که در نقاشی‌های دیواری بزرگ او در فلورانس، آسیسی و راونا به تصویر کشیده شده بود، بخشید. اصول طبیعت گرایانه جوتو و پیروانش توسط ماساچیو، که نقاشی های دیواری با شکوه واقع گرایانه را با ارائه استادانه کیاروسکورو خلق کرد، ادامه یافت. دیگر نمایندگان برجسته مکتب فلورانسی اوایل رنسانس، نقاش فرا آنجلیکو و مجسمه‌ساز و جواهرساز لورنزو گیبرتی هستند.

در آغاز قرن پانزدهم فلورانس به مرکز اصلی هنر ایتالیا تبدیل شده است. پائولو اوچلو در ارائه پرسپکتیو خطی به تسلط بالایی دست یافته است. دوناتلو، شاگرد گیبرتی، اولین مجسمه برهنه و مجسمه سوارکاری را از زمان روم باستان خلق کرد. فیلیپو برونلسکی سبک رنسانس را به معماری منتقل کرد، فرا فیلیپو لیپی و پسرش فیلیپینو نقاشی‌های ظریفی با موضوعات مذهبی کشیدند. مهارت گرافیکی مکتب نقاشی فلورانس توسط هنرمندان قرن پانزدهم مانند دومنیکو گیرلاندایو و ساندرو بوتیچلی توسعه یافت.

در پایان قرن پانزدهم - آغاز قرن شانزدهم. سه استاد برجسته در هنر ایتالیایی برجسته بودند. میکل آنژ بووناروتی، بزرگ‌ترین شخصیت رنسانس، به‌عنوان مجسمه‌ساز (پیتا، دیوید، موسی)، نقاشی که سقف کلیسای سیستین را نقاشی می‌کرد، و معمار طراح گنبد سنت شهرت یافت. پیتر در رم نقاشی های لئوناردو داوینچی از شام آخر و مونالیزا از شاهکارهای هنر جهان است. رافائل سانتی در بوم های نقاشی خود (سیستین مدونا، سنت جورج و اژدها و غیره) ایده آل های تأیید کننده زندگی رنسانس را تجسم بخشید.

شکوفایی هنر در ونیز دیرتر از فلورانس رخ داد و بسیار طولانی‌تر به طول انجامید. هنرمندان ونیزی در مقایسه با فلورانسی کمتر با آنها ارتباط داشتند جهت معیناما بر روی بوم‌های آنها می‌توان جوشش زندگی، اشباع عاطفی و شورش رنگ‌ها را حس کرد که شکوهی محو نشدنی برای آنها فراهم کرد. تیتیان، بزرگترین هنرمند ونیزی، نقاشی را با استفاده از نوشتن آزاد با قلم موی باز و بهترین رنگ‌های رنگارنگ به طرز چشمگیری غنی کرد. در قرن شانزدهم همراه با تیتیان، جورجیونه، پالما وکیو، تینتورتو و پائولو ورونزه بر نقاشی ونیزی تسلط داشتند.

استاد برجسته ایتالیایی قرن هفدهم. مجسمه ساز و معمار جیووانی لورنزو برنینی بود که طرح ستون را در میدان روبروی کلیسای سنت سنتور خلق کرد. پیتر، و همچنین بسیاری از مجسمه های به یاد ماندنی در رم. Caravaggioi Carracci روندهای جدید مهمی در نقاشی ایجاد کرد. نقاشی ونیزی دوره کوتاهی از جهش را در قرن هجدهم تجربه کرد، زمانی که نقاش منظره Canaletto و خالق نقاشی‌های تزئینی و نقاشی‌های دیواری Giovanni Battista Tiepolo کار می‌کردند. در میان هنرمندان ایتالیایی قرن 18-19. برجسته ترین حکاکی جووانی باتیستا پیرانسی است که با نقاشی هایش از ویرانه های روم باستان به شهرت رسید. مجسمه ساز آنتونیو کانوا که به سبک نئوکلاسیک کار می کرد. گروهی از نقاشان فلورانسی، نمایندگان گرایش دموکراتیک در نقاشی ایتالیایی 1860-1880 - ماکیولی.

ایتالیا نقاشان بااستعداد زیادی به دنیا داد و در قرن بیستم. آمدئو مودیلیانی به دلیل چهره های برهنه مالیخولیایی با چهره های بیضی شکل و چشم های بادامی شکل به شهرت رسید. جورجیو د کیریکو و فیلیپو دی پیسیس گرایش های متافیزیکی و سوررئالیستی در نقاشی را توسعه دادند که پس از جنگ جهانی اول محبوبیت یافت. بسیاری از هنرمندان ایتالیایی، از جمله اومبرتو بوچیونی، کارلو کارا، لوئیجی روسولو، جاکومو بالا و جینو سرورینی، متعلق به جنبش آینده‌پژوهی بودند که در دهه‌های 1910-1930 مد بود. نمایندگان این گرایش تا حدی تکنیک کوبیسم را به ارث بردند و به طور گسترده ای از اشکال هندسی منظم استفاده کردند.

پس از جنگ جهانی دوم، نسل جوان‌تری از هنرمندان در جستجوی راه‌های جدید به هنر انتزاعی روی آوردند. لوسیو فونتانا، آلبرتو بوری و امیلیو ودووا نقش کلیدی در احیای نقاشی ایتالیایی پس از جنگ داشتند. آنها پایه و اساس چیزی را بنا نهادند که بعدها «هنر فقر» (Arte povere) نامیده شد. اخیرا ساندرو چیا، میمو پالادینو، انزو کوچی و فرانچسکو کلمنته موفق به کسب شهرت بین المللی شده اند.

در میان مجسمه‌سازان برجسته مدرن ایتالیایی، آلبرتو جاکومتی سوئیسی‌الاصل، که به‌خاطر اجرای ماهرانه‌اش در برنز و سفال مشهور است، میرکو بازالدلا، که ترکیب‌های انتزاعی فلزی به یادگار می‌آورد، جاکومو مانزو و مارینو مارینی برجسته هستند. در معماری، Pier Luigi Nervi بیشتر به دلیل استفاده از اصول جدید مهندسی در ساخت استادیوم ها، آشیانه های هواپیما و کارخانه ها مشهور است.

موسیقی.

شروع از قرن چهارم پس از میلاد، زمانی که St. آمبروز سبک یونانی را در آواز کلیسا در غرب معرفی کرد، ایتالیا شروع به پیشروی در ایجاد و توسعه فرم های جدید آوازی کرد. در اینجا بود که به لطف کار پیترو کازلا، دوست شاعر بزرگ دانته آلیگری، مادریگال به وجود آمد. این شکل در قرن شانزدهم به بالاترین پیشرفت خود رسید. در مادریگال های غنایی و احساسی لوکا مارنزیو، یادآور آثار ناهماهنگ آهنگساز کارلو گسوالدو دی ونوسا. در منطقه موسیقی کلیساایتالیای رنسانس یکی از بزرگترین آهنگسازان به نام جیووانی پیرلوئیجی د پالسترینا را به جهان هدیه داد که هنوز هم از توده ها و موتت های او به عنوان نمونه های کاملی از مهارت های موسیقی استفاده می شود.

هنر موسیقی ایتالیایی در درجه اول در اپرا به بالاترین نقطه پیشرفت خود رسید. احتمالاً اولین اپرای دافنه اثر یاکوپو پری بود که در سال 1594 نوشته شد. همراه با اپرای دیگر پری به نام اوریدیک، انگیزه ای برای کار کلودیو مونتهوردی بزرگ بود که پس از آن به خاطر مادریگال های معروفش به شهرت رسید. در اورفئوس، مونته‌وردی برای اولین بار یک درام موسیقی واقعاً مدرن خلق کرد. از آن زمان، اپرا شکل غالب هنر موسیقی در اروپا برای بیش از 100 سال بوده است و آهنگسازان ایتالیایی لحن آن را تنظیم می کنند.

اپرای ایتالیایی در قرن نوزدهم به اوج خود رسید. آهنگسازان بزرگ در آغاز این قرن جیواکینو روسینی بودند که به شهرت رسیدند آرایشگر سویاو Semiramide، و معاصران او Gaetano Donizetti و Vincenzo Bellini. در اواسط قرن 19 ظهور جدیدی از موسیقی اپرا آغاز شد. جوزپه وردی در شاهکارهای دراماتیکی چون ریگولتو، لا تراویاتا، آیدا و اوتلو مهارت نشان داد. در پایان قرن نوزدهم - آغاز قرن بیستم. رئالیسم در اپرا در آثار پیترو ماسکانی (افتخار کشور)، روگرو لئونکاوالو (پاگلیاچی)، اومبرتو جووردانو (آندره چنیر) و جاکومو پوچینی (لا بوهم، توسکا، مادام باترفلای) به بالاترین مرحله رشد خود می رسد. اگرچه ایتالیایی ها هنوز اپرای معروف گذشته را ترجیح می دهند، اما محبوبیت آثار مدرن به تدریج در حال افزایش است. در میان بهترین ها آهنگسازان اپراقرن 20 توجه داشته باشید Ildebrando Pizzetti (Clytemnestra و Iphigenia)؛ فرانکو آلفانو (دکتر آنتونیو ساکونتالا); پیترو کانونیکا (عروس کورنتی مدیا)؛ لوئیجی دالاپیکولا (زندانی) و گوفردو پتراسی (کوردوانو).

تئاتر دل اپرای رم و لا اسکالا در میلان که در آن اجراهای اپرا روی صحنه می روند، شهرت جهانی پیدا کرده اند. همراه با بسیاری از خانه های اپرا در ایتالیا، آنها توسط دولت یارانه دریافت می کنند. فصل های باشکوه اپرا در ناپل، پالرمو، ونیز، فلورانس، بولونیا و تورین برگزار می شود. در طول تابستان، اجراها بیرون از خانهترتیب در حمام کاراکالا در رم، در عرصه روم باستان در ورونا، در قلعه Sforza در میلان، در مورد. San Giorgio در ونیز و در Teatro Mediterraneo در ناپل. ایتالیا چیزهای برجسته زیادی به دنیا داده است خواننده های اپرااز جمله تنورهای انریکو کاروسو، بنیامینو جیگلی، تیتو اسکیپا، ماریو دل موناکو، کارلو برگونزی و لوچیانو پاواروتی. باریتون آنتونیو اسکاتی، تیتو گبی و جوزپه تادی. باس های Ezio Pinza و Cesare Siepi. سوپرانوهای آدلین پتی، آملیتا گالی کورچی، رناتا تیبالدی، رناتا اسکوتو و میرلا فرنی؛ میزانسن سوپرانو سیسیلیا بارتولی.

ایتالیایی ها استعدادهای موسیقی را نه تنها در هنر اپرا نشان دادند. آنها در زمینه های دیگر موسیقی نیز به عنوان مبتکر عمل کردند. در قرن یازدهم راهب Guido D "Arezzo یک سیستم نت نویسی موسیقی (شامل علائم کلیدی) اختراع کرد که پیشرو سواد موسیقی مدرن شد. توسعه موسیقی دستگاهی در غرب با کار آهنگساز رنسانس آندریا گابریلی و برادرزاده اش جووانی بسیار تسهیل شد. گابریلی. در قرن هفدهم، جیرولامو فرسکوبالدی موسیقی ارگ را غنی کرد. آرکانجلو کورلی و آنتونیو ویوالدی خالقان آن بودند. ژانر موسیقیکنسرتو گروسو، الساندرو اسکارلاتی پایه های هارمونیک را بنا نهاد موسیقی سمفونیکو پسرش دومنیکو اسکارلاتی یکی از بنیانگذاران آن بود بازی جذابروی هارپسیکورد

رهبران ارکستر ایتالیایی نقش برجسته ای در زندگی موسیقی مدرن داشته اند. آرتورو توسکانینی و ویکتور دو ساباتا از رهبران برجسته نیمه اول قرن بیستم بودند. در سال 1992، سه مقام از پنج مقام رهبر ارکستر در اختیار ایتالیایی‌ها قرار گرفت: کلودیو ابادو در برلین، ریکاردو کائیلی در آمستردام و ریکاردو موتی در فیلادلفیا. کارلو ماریا جولینی (متولد 1914) به اوج این حرفه رسید.

برنامه دوره "تاریخ هنر ایتالیا" در فلورانس

• معرفی؛
• گاهشماری مراحل اصلی تاریخی، دوره روم.
• قرن سیزدهم:
  معماری: گوتیک فرانسوی در ایتالیا;
  گوتیک ایتالیایی؛
  مجسمه، از نیکولا پیزانو تا آرنولفو دی کامبیو.
• تغییرات معماری و شهری بین قرن 13 و 14;
• فلورانس و سیه نا در قرن چهاردهم:
  Cimabue و Duccio;
  جوتو؛
  سیمون مارتینی و برادران لورنتستی؛
• فلورانس در نیمه دوم قرن.
  آثار گوتیک بین المللی
• برونلسکی و انقلاب چشم انداز:
  سه پدر رنسانس ایتالیا: برونلسکی، دوناتلو، ماساچیو.
• رنسانس اولیه:
  فلورانس در نیمه اول قرن 15;
• فلورانس در نیمه دوم قرن پانزدهم:
  اهل هنر در دربار لورنزو باشکوه، بوتیچلی.
• لئوناردو داوینچی
• رافائلو و میکل آنژ

برنامه دوره "تاریخ هنر ایتالیا" در میلان

برنامه دوره "تاریخ هنر ایتالیا" در میلان

برنامه دوره شامل دو بخش است:

• دروس نظری آشنایی دانش آموزان با تاریخ ایتالیا و تاریخ هنر ایتالیا، با تاکید بر دوره های مربوط به تاریخ میلان.
• دروس خارج از خانه در بخش پایانی دوره برگزار می شود. هدف از این درس ها مطالعه عمیق بخش هایی از دوره است که مورد توجه دانش آموزان است. بازدید از مناظر فرهنگی میلان

در طول درس از مواد صوتی و تصویری استفاده می شود. دوره های هنر، ویژگی های اصلی و آثار کلیدی هنری (نقاشی، مجسمه سازی، سازه های معماری و غیره). مطالب آموزشی با تصاویر، فیلم ها، ضبط های صوتی و سایر مطالب تکمیل می شود.

نمونه برنامه:

• از قبایل سلتیک تا امپراتوری روم: اولین استقرار فرقه ها و ورود رومیان. یافته های باستان شناسی از دوران روم باستان؛ تحلیل اولین مراکز شهری تجزیه و تحلیل سه سبک معماری بر روی نمونه باسیلیکا سن لورنزو.
• از میلان اولیه مسیحیت تا تأسیس شهرداری: سنت آمبروز، فرهنگ‌های مسیحی و تهاجم لونگبارد. بازیلیکای سنت سیمپلییانو و سنت آمبروز: تحلیل و توصیف سبک رومانسک.
• میلان قرون وسطی و سیگنوریا ویسکونتی: گاهشماری درخت تبارشناسی سلسله ویسکونتی.
• میلان و مکان های دیدنی قرون وسطایی آن مانند Piazza dei Mercanti و کلیسای سنت Eustorgio.
• ویژگی های کلی معماری گوتیک و بناهای گوتیک میلان مانند پیاتزا سن مارکو و دومو.
• سلسله اسفورزا و رنسانس: دادگاه اسفورزا و قلعه اسفورزا.
  تحلیل و ویژگی های آغاز رنسانس در فلورانس. رنسانس در میلان بر اساس نمونه ای از تجزیه و تحلیل آثار معماران، مجسمه ها، هنرمندان میلانی، از جمله آنها - Filarete و Bramante، و همچنین نشانه های معماری مانند کلیسای Santa Maria delle Grazie، Santa Maria و San Satiro.
• لئوناردو داوینچی: زندگی و آثار او، دوره زندگی در میلان: تاریخ و تجزیه و تحلیل نقاشی "شام آخر"، شاهکار بی نظیر استاد بزرگ.
• نفوذ اسپانیایی: دوره رفتارگرایی، کاراواجو، کاراچی و روبنس.
  تجزیه و تحلیل و توصیف معماری باروک: کلیسای سنت الساندرو، پالازو پارینو، پالازو دل سناتو، خانه Omenoni و کاخ دورینی.
• نفوذ فرانسه و اتریش: ماریا ترزا از اتریش و اصلاحات ناپلئون بناپارت.
• معماری نئوکلاسیک: Palazzo di Brera، Palazzo Reale، La Scala Theatre، Foro Bonaparte، Sempione Park، Villa Reale، Arch of Peace.
• مرمت، رنسانس، پادشاهی ایتالیا: بازسازی اتریش و جنگ استقلال ایتالیا، عصر گاریبالدی.
• انقلاب صنعتی. تحلیل التقاطی: گورستان یادبود، گالری ویکتور امانوئل.
• فاشیسم و ​​عقل گرایی: موسولینی و معماری فاشیستی در میلان (پیاکنتینی). سبک آزادی.
  تحلیل ویژگی های اصلی عقل گرایی. موزیو و گیو پونتی: ایستگاه مرکزی (ایستگاه مرکزی)، پیاتزا سن بابیلا، کاخ دی جوستیزیا (کاخ عدالت)

برنامه دوره "تاریخ هنر ایتالیا" در رم

برنامه دوره "تاریخ هنر ایتالیا" در رم

معرفی رم، شهر ابدی:

رم باستان:
- فروم رومی (Foro Romano);
- پالاتین (Palatino);
- انجمن های امپراتوری؛
- کولوسئوم
- کاپیتول

روم قرون وسطی:
- تراستور
- سانتا ماریا در تراستوره؛
- بازیلیکای سانتا سیسیلیا؛
- سانتا ماریا در Cosmedin و "Mouth of Truth"؛
- سن کلمنته

واتیکان:
- سن پیترو؛
- Piazza San Pietro;
- موزه های واتیکان

باروک:
- جیان لورنزو برنینی - پیازا ناوونا، ابلیسک فیل، سانتا ماریا سوپرا مینروا؛
- فرانچسکو بورومینی - سنت ایوو آلا ساپینزا;
- Michelangelo Merisi da Caravaggio - San Luigi dei Francesi، Sant Agostino و Santa Maria del Popolo;
- گالری بورگزه

عقل گرایی محله روم:
- یورو

رم مدرن:
- آرا پاسیس;
- سالن اجتماعات

تعطیلات در رم مقدمه ای جذاب برای تاریخ و هنر شهر ابدی، تنوع عظیمی از جاذبه های فرهنگی و مکان های دیدنی است.

دوره تاریخ هنر ما در رم فرصتی عالی برای شناخت این شهر و در عین حال اکتشافات تاریخی و فرهنگی بسیاری است. برنامه دوره با یک مرور کلی شروع می شود دوران کلاسیکمطالعه خلاقیت نویسندگان باستانیو دیدنی هایی که به زمان ما رسیده است.
مرحله بعدی مسیحیت است، اولین دوره توسعه فشرده شهر: مطالعه آثار هنر مذهبیدر کلیساها و صومعه های محلی
شرکت کنندگان دوره می توانند از شاهکارهای برجسته دوران باروک و روکوکو که میدان ها و خیابان های شهر را زینت می دهند، قدردانی کنند.
بخش پایانی دوره به آثار هنری و معماری پس از سال 1870، زمانی که رم پایتخت ایتالیا شد، اختصاص خواهد یافت.

دوره تاریخ هنر در رم شامل درس های داخل کلاس و همچنین گشت های شهری است. این برنامه به عنوان یک سری کامل از سفرهای هیجان انگیز طراحی شده است هدف اصلی- آشنایی با شگفتی ها و دیدنی های رم.

بخش اول دوره در کلاس درس برگزار می شود: دروس با استفاده از متون، تصاویر و نقشه ها، معرفی تاریخ رم.

رم، گذشته امپراتوری: این بخش از دوره به مکان‌هایی از دوره کلاسیک، مانند فروم رومی، کولوسئوم و پانتئون می‌پردازد، که تکامل سیاسی و فرهنگی رم از دوره امپراتوری تا جمهوری را نشان می‌دهد.

رم اولیه مسیحیت و قرون وسطی (قرن 4 - 3): کلیساها و صومعه هایی که تجسم بصری دین مسیحیت، معماری، موزاییک ها، نقاشی های دیواری و نقاشی های محراب توسط هنرمندانی مانند کاوالینی، توریتی، روسوتی و دیگران شد.

رم رنسانس (قرن پانزدهم و شانزدهم): شاهکارهای میکل آنژ، رافائلو و برامانته، بازدید از کلیساها و کاخ هایی که در آن نگهداری می شوند (به عنوان مثال، کلیسای واتیکان و ویلا فارنسینا، و همچنین مناطق شهری جدید آن دوره، مانند پیاتزا). Campidoglio و Via Giulia.

رم باروک (قرن هفدهم و هجدهم): پیروزی فانتزی فواره، کاخ‌ها و کلیساهایی که توسط برنینی و بورومینی و پیروانشان ساخته شده‌اند، پیازا ناوونا، پیازا کویریناله و پیازا دی اسپاگنا (Piazza di Spagna).

رم پایتخت (1870) و رم در زمان فاشیسم: تحلیلی از دوره ای که رم به پایتختی مدرن با خیابان ها و میدان های وسیع تبدیل شد. بعدها، در زمان موسولینی، رم دوباره نقش اصلی خود را به عنوان نماد فرهنگ کلاسیک بازیافت: شواهدی از این موضوع را در مطالعه منطقه EUR و Foro Italico خواهید یافت.

برنامه دوره "تاریخ هنر ایتالیا" در سینا

برنامه دوره "تاریخ هنر ایتالیا" در سینا

دانش آموزان منتظر یک سفر هیجان انگیز به جهان هستند هنر کلاسیکو آشنایی با آثار هنرمندان، مجسمه‌سازان، معماران برجسته ایتالیایی که در سیه‌نا، مروارید توسکانی، که امروزه شاهکارهای متعددی با دقت در آنجا نگهداری می‌شوند، زندگی و کار می‌کردند.
دروس در کلاس با پیاده روی در شهر و گشت و گذار تکمیل می شود

برنامه دوره:

قرون وسطی
فرهنگ رمانتیک و گوتیک. نفوذ فرانسه و شمال اروپا. معماری مذهبی و سکولار: فلورانس، سینا، پیزا، ونیز.
کلیساها و ساختمان های شهرداری. نمونه های محلی صومعه ها مانند سنت آنتیمو و سنت گالگانو.
نیکولا و جیووانی پیزانو، منبرهایی در پیزا، سیه‌نا، پیستویا: از دوران باستان تا گوتیک. تکنیک Cimabue، Giotto، Duccio و فرسکو. کلیسای سنت فرانچسکو در آسیزی.

نقاشی سینی قرن شانزدهم
دوره پس از دوچیو: سیمون مارتینی، برادران لورنتستی و دوره رنسانس فلورانس.
اهمیت مکتب نقاشی سینی در ایتالیا.

تجدید حیات
فلورانس، قرن پانزدهم. برونلسکی، دوناتلو، ماساچیو، یاکوپو دلا کوئرسیا، برادران دلا روبیا. ساختمان‌های بزرگ تعمیدگاه و دوومو. بررسی چشم انداز و زندگی هنری در شهرهای اروپایی. . La padronanza della prospettiva e la direzione artistica della citta در اروپا. دادگاه های ایتالیا

نمونه هایی از هنر رنسانس
ایتالیا: مانتووا، اوربینو، میلان، پیانزا
تأثیر بر هنر پاپ و حامیان. شهرت روزافزون هنرمندان، مجسمه سازان، معماران.
تکنیک های جدید: بوم، روغن، چاپ. نوابغ میکل آنژ، رافائلو، لئوگناردو، تیتیان.
قدمت و طبیعت به عنوان منبع الهام.

رفتارگرایی
بحران قرن هفدهم در معماری، مجسمه سازی و نقاشی. جورجیو وازاری، پونتورمو، دومنیکو بکافومی، جیامبولونیا.

هنر ایتالیایی

معماری.- ایتالیایی هنر از بناهای قرن های اول مسیحیت و خاطرات هنر جهان باستان سرچشمه می گیرد. تنوع معماری رومی، که قبل از گوتیک بود، در حفظ شکل کلیسای باستانی مسیحی (کلیسای جامع در پیزا، S. Minyaso در فلورانس) و در استفاده از فرم بیزانس (کلیسای جامع سنت مارک) بیان شد. در ونیز، به شکل یک صلیب یونانی با پنج گنبد). علاوه بر این، تزئیناتی که فقط در داخل معبد استفاده می شد، به قسمت های بیرونی، به دیوارها و ستون ها منتقل می شود. در این راستا در قرن XI. مدرسه ای را اداره می کند که در توسکانی به وجود آمد. جنگ های صلیبی منجر به آشنایی با تمدن درخشان شرق شد و در آن زمان اشکال معماری شرق به عنوان مثال به غرب نفوذ کرد. طاق نوک تیز و به شکل نعل اسب، ستون هایی با فرم باریک تر و غیره است. بنابراین، «انتقالی» بر سبک گوتیک مقدم است. کلیسای باستانی مسیحی به مدت پانصد سال از نوع متعارف در معماری مذهبی در غرب باقی مانده است، اما دستخوش یک سری تغییرات شده است. قدیمی ترین کلیسایی که تا دوران مدرن باقی مانده است، کلیسای جامع St. پل در رم، ساخته شده در 386. بنای یادبود صرفاً بیزانسی است. سبک - کلیسای St. ویتالیوس در راونا، ساخته شده در زمان سلطنت استروگوت ها. گوتیکاین سبک در ایتالیا با توسعه سفارشات فکری سرچشمه می گیرد و از آلمان به اینجا می رسد. ایتالیایی ها که این سبک را گوتیک می نامند، بنابراین منشا وحشیانه آن را نشان می دهند. در واقع، اگرچه قوس نوک تیز قبلاً به سبک موری استفاده می شد، اما در آلمان و قبل از نقل مکان به آن توسعه یافت. ایتالیا، سبک گوتیک در حال حاضر گسترش یافته و خود را در شمال تثبیت کرده است. معماران ایتالیایی اهمیتی به خلوص سازه جدید نمی‌دادند و عمدتاً از آن به عنوان کمک استفاده می‌کردند. او برای اولین بار در ساخت یک کلیسا بر فراز مقبره فرانسیس آسیزی در زادگاهش در آسیزی کاربرد پیدا کرد. در این زمان، تقریباً در تمام شهرهای ایتالیا، کلیساهای رهبانی فرانسیسکن و دومینیکن ساخته می شد. کلیسای جامع پادوآ نمونه جالبی از تمایل به ترکیب سیستم گوتیک با گنبدهای دوست داشتنی بیزانسی مانند کلیسای جامع یونانی St. مارک در ونیز در همان جنس در قرن سیزدهم ظاهر می شود. کلیساهای باشکوه فلورانس، که جمهوری آرزو داشت از همه با شکوه تر باشد. کلیسای جامع در میلان، تماما از سنگ مرمر سفید و همچنین ابعاد عظیم. کلیساهای جامع در Sienna، Orvieto و برخی از ساختمان های سکولار دیگر: در فلورانس - Palazzo Vecchio و Loggia de Lanzi. در ونیز - کاخ‌های Doge و Cà-d "oro؛ در Sienna Palazzo publico و غیره. در قرن پانزدهم، طلوع رنسانس تمام ایتالیا را فرا گرفت و نگاه جسورانه و روشن جدیدی به زندگی و طبیعت منعکس شد. اساساً در معماری، سبک گوتیک جای خود را داد سبک رنسانس.بازگشت به مدل‌های باستانی در معمار فیلیپو برونلسکی، که گنبد معروف کلیسای جامع فلورانس را خلق کرد، مفسر بی‌نظیری یافت.

1. هسته ستون کلیسا در آلوستا. 2. کلیسای کاتولیک در درسدن. 3. هسته ستون شهرداری پالاس در پاریس. 4. کارتوش به سبک لویی پانزدهم. 5. غرفه تریانون در ورسای. 6. کارتوش کاخ لوور. 7. زینت. 8. گالری در درسدن. 9. زیور.

که در دوره اولیهدوره رنسانس، نظم کورنتی از اولویت خاصی برخوردار است، اما سرستون های آن از زمان به زمان متفاوت است. معماری کاخ ها از معماری قلعه های قرون وسطایی - غریب و مجلل، مطابق با شخصیت عجیب و غریب و وسعت زندگی فئودالی - توسعه می یابد. در بیشتر موارد، از طاق‌هایی با ستون‌های باریک کورنتی استفاده می‌شود. گالری های باز آزادانه روی همان ستون ها یا ستون ها قرار می گیرند. همه آثار این دوران مُهر جوانی را بر خود دارند. آزادی تخیل که ستم ترس عرفانی را از خود دور کرده است، به ویژه در زیورآلات تزئینی، در آثار متعدد معماری نفیس، از جمله، مشهود است. سنگ قبر، محراب، منبر. همه جا پیدا می شود برنامه رایگانانگیزه های کلاسیک فلورانس - "گهواره هنرهای زیبااینجا، بیش از هر جا دیگری، در تمام هنرها به کمال رسید. خیابان ها و میدان ها تقریباً در هر قدم چشم را متوقف می کنند. هنر نه تنها در خود شهر، بلکه در قلعه ها و صومعه های پراکنده بر فراز تپه ها و در دره های فراتر از دیوارهای شهر ساختمان باشکوه فلورانس - کلیسای جامع سنت مری دل فیوره، در طول 176 سال ساخته شده است. تاج آن با گنبد برونلسکی ذکر شده است. گنبد هشت ضلعی است و قطر آن بیش از قطر است. گنبد سنت پیتر توسط یک سازه کامل. کلیسای جامع با آثار مجسمه سازی باشکوهی تزئین شده است: Bandanelli، Donatello، Ghiberti، و غیره. کلیسای زیبای فلورانسی سانتا کروچه به عنوان پانتئون بزرگ فلورانسی ها عمل می کند. ماکیاولی و بسیاری دیگر در اینجا استراحت می‌کنند، یک صخره، کاخ‌های مدیچی، تورنابوونی (کورسی کنونی) و دیگران. نمای کاملاً به سبک فلورانسی و حیاط وسیعی دارد که با ستونی باشکوه مزین شده است. در نهایت، ما شاهد بیان کامل سبک رنسانس در Palazzo Pitti هستیم که بر اساس پروژه Bruneleschi ساخته شده است. در سینا - کاخ پیکلومینی، در پاویا - سرتوسا معروف.

1. کاخ پسارو در ونیز. 2. پایتخت Certosa در نزدیکی پاویا. 3. گلدسته میوه ها - Sansovino. 4. پایتخت Certosa در نزدیکی پاویا. 5. حیاط کاخ بورگزه در رم.

مشهورترین معمارانی که فعالیتشان به این قرن بازمی گردد، اگرچه تا حدی متعلق به قرن شانزدهم است، میکلوززو، آلبرتی، جولیانو و آنتونیو دو سانگالو، روسلینو، جولیانو و بندتو دا مایانو، سیمون کروناکا و دیگران هستند.

در لمباردی، سبک آن به آرامی توسعه می یابد و به نوعی شکوه و عظمت تحت حاکمیت خانواده Sforza، تحت تأثیر برامانته، از اوربینو، می رسد. سبک ونیزیاز نظر عظمت نه به اندازه در ترکیب اصلی تأثیرات شرق، ایتالیای جنوبی، گوتیک و بیزانس تفاوت دارد. به عنوان مثال، این سبک با تزئینات مجلل، انتخاب غنی از مواد مشخص می شود. سنگ مرمر چند رنگ و غیره و زیبایی جزئیات به جای بزرگی و عظمت فلورانسی و دیگر سازه ها. پایان پانزدهم و اوایل شانزدهم V. در معماری با فعالیت های برامانت مشخص شده است. او یکی از اولین استادان مشهوری بود که پاپ ژولیوس دوم او را از سراسر ایتالیا به رم جذب کرد. نقل مکان برامانته به دربار پاپ، آغاز دوران شکوفایی رنسانس است. رم مرکز همه هنرها می شود. عصر جولیوس دوم، عصر پریکلس برای هنر اول است. این یک عصر طلایی است که بر روی تمام خلاقیت های آن اثری کلاسیک وجود دارد، به این دلیل که سنت های باستانی در این زمان به طور کامل مورد مطالعه قرار می گیرند و نه تنها به عنوان نمونه هایی از هنر عمل می کنند، بلکه وارد زندگی خود می شوند. درخشش رنسانس در معماری سکولار، در کاخ‌های شگفت‌انگیز از نظر تناسبات، در تزئینات غنی، در رواق‌ها، در ستون‌ها، در بناهای مقبره‌ای که توسط پاپ و مقامات بلندپایه در زمان حیاتش برپا شده بود و غیره نمایان می‌شود. برامانت مالک Cancellena است. کاخ، با حیاط، احاطه شده توسط ستون. طبق برنامه او، کلیسای جامع St. پترا در شکلی جدید این ساخت و ساز تحت هدایت رافائل و پروزی ادامه یافت و سرانجام در گنبد معروف - ایجاد میکل آنژ - به اوج خود رسید. در داخل، کلیسای جامع بدون توجه به اندازه آن، با ستون ها، تزئینات موزاییک و نور فراوان، تحت تأثیر قرار می گیرد. از بیرون با زیبایی گنبد شکل جلب توجه می کند. برامانته سبک سختی، صحت و استحکام برونلسکی را اعلام کرد. سبک او با حفظ بیانی زنده از احساس مدرن و درک زیبایی فرم ها، در عین حال در معنای احیای روح باستانی فراتر می رود و با دور شدن از خیال پردازی بیش از حد تزیینی، با درستی و سادگی خود، می آید. نزدیکترین به معماری روم باستان در دوران شکوفایی آن. برامانته همچنین مالک طرح کاسا سانتا در لورتو است. جانشین برامانته، بالتازار پروزی (1481-1536)، سازنده ویلای فارنسه (Farnesina)، پیرو سختگیر معلم است. علاوه بر این، رافائل، یک نقاش برجسته، نیز در معماری اثری از خود بر جای گذاشت. او لژهای واتیکان را تکمیل کرد و طرح خود را برای کلیسای جامع سنت، با وجود اینکه فرصتی برای تکمیل آن نداشت، تنظیم کرد. پیتر سرانجام میکل آنژ گنبد عظیم این کلیسای جامع را ساخت. در سراسر قرن شانزدهم در آثار هنری شخصیت نجیب کلاسیک و زیبایی سخت نهفته است. اواسط قرن دوره بالاترین شکوفایی معماری در رم است. در بقیه قرن، معماری از نظر نظم فرم ها مهر عظمت و کمال خود را حفظ می کند، اما در اواخر قرن از پررنگی کمتر می شود و در عین حال کاهش اصالت و استحکام خلاقانه به چشم می خورد. میل به حفظ حس تناسب و سختگیری نسبت ها و نجات ذوق از انحطاط و زوال در رساله ای است که توسط معمار ویگنولا نوشته شده است. پاسخ مقاله). با این حال، معماران I. قرن شانزدهم. قانونگذار اروپا شوند. سبک آندریا پالادیو به لطف درک عمیق او از الگوهای باستانی، وضوح و صحت فرم ها و اشراف سبک، پر از سادگی و عظمت، تقریباً در سراسر اروپا مورد استفاده و توسعه قرار گرفته است. جانشینان پالادیو در همین راستا به کار خود ادامه می دهند و با هجوم سبکی جدید برای مدت طولانی مبارزه می کنند. باروکدومی، که در اصل نشان دهنده تحریف در معنای اغراق و آشفتگی اشکال و تزئینات، در طول قرن هفدهم است. با این حال، در سراسر اروپا غالب است. او شروع خود را در ایتالیای علیا آغاز کرد. آماناتی فلورانسی، وازاری (شاگردان میکل آنژ در این راستا) و اسکاموزی ونیزی به او عظمت عجیبی بخشیدند. مدت کوتاهیاو به بهترین زمان خود رسیده است. در قرن هجدهم. سعی می کنند از این اغراق ها دور شده و به مدل های کلاسیک برگردند، اما کاهش خلاقیت، فقر و سردی تخیل و احساس مانع از این می شود. در آن زمان، نفوذ فرانسه و انگلیس، که در آن نوسازی در حال وقوع است، افزایش می یابد. کلاسیک گرایی همچنان در این کشورها توسعه می یابد و در آغاز قرن 19 به پایان می رسد. در ایتالیا به موازات این جنبش، نفوذ رنسانس بیشتر از سایر کشورها است. در عین حال، سبک گوتیک طرفداران خود را از دست نمی دهد و کلیسای جامع میلان در سال 1813 توسط معماران Amati و Zanoia به این سبک پایان می یابد. توسعه صحیح هنر در قرن حاضر با تکه تکه شدن ایتالیا به دارایی های کوچک و سلطه بیگانگان مانع شد. با پایان حکومت اتریش، فعالیت های معماری به شدت احیا می شود. از سال 1865، میلان با ساختمان های متعدد، از جمله گالری باشکوه ویکتور امانوئل با ساختمان های مجاور ساخته شده توسط جوزپه منگونی، یک گورستان زیبا، و غیره تزئین شده است. کنیسه (Antonelli) در حال ساخت است. در فلورانس، Palazzo Fenni و دیگران، بولونیا با Piazza Cavour، کاخ زیبای Sylvani، به سبک رنسانس و بانک ملی آراسته شده است. بازسازی های متعدد روح عظمت سابق را به آخرین هنرمندان القا می کند. در عین حال توسعه گسترده صنعت به ویژه در جنوا باعث ساخت بنادر، کاخ های صنعتی و ساختمان می شود. در اینجا، خیابان رومن، گالری Mazzini، Corso Solferino و کامپو سانتو با شکوه، شگفتی را برانگیخته است. در ناپل، تفرجگاه دریا به طرز مجللی با ساختمان ها تزئین شده است. در پی اشغال رم توسط پادشاهان ایتالیا. سربازان، تب ساختمان شهر ابدی را فرا می گیرد. خیابان های جدیدی در حال احداث است، خروجی تیبر از کورسو بنای یادبود ویکتور امانوئل در کاپیتول است. در V از سانتا ماریا ماگیوره، یک کل شهر جدیدبا خیابان‌هایی که طبق قوانین جدیدترین معماری چیده شده‌اند و با ساختمان‌های باشکوهی مانند کاخ دادگستری، ساختمان وزارت دارایی، پلی کلینیک پودستا، تئاتر درام، بانک ملی، آکواریوم، کلیساها. ، و غیره.

مجسمه سازی.پس از شکوفایی هنر مسیحی، مجسمه سازی I. از قرن 6th. سقوط به جای پیشرفت هنرمندان خود را به کنده کاری محدود می کنند عاجساخت زیورآلات طلا و نقره و ... در روم هنر معرق مرمر از قدیم الایام حفظ شده است و دیوارها و کف و ستون ها و ... با آن تزیین می شود.به طور کلی اوایل هزاره. دوره با کاهش ذائقه، درک و تکنولوژی مشخص شده بود که مشخصه زمان قبل بود. ابتدا باید همه چیز خریداری می شد. این کاهش توسط بناهایی که از این زمان باقی مانده است - نمای کلیساهای جامع در مودنا و فرارا، غسل تعمید در پارما و پیزا مشهود است. همه جا تصاویری از فیگورهای بی حرکت، بی‌حس، ژست‌های غیرطبیعی، چهره‌های بدون بیان، چین‌های غیرطبیعی لباس‌ها و غیره را می‌بینیم. فقط در اواسط قرن سیزدهم. ظهور هنر در توسکانی قابل توجه است. نیکولو پیزانو اولین کسی بود که میل به حقیقت و زنده بودن تصاویر را نشان داد. در حال مطالعه بناهای عتیقهو در عین حال با مشاهده پدیده های طبیعت به نتایجی دست یافت که برای آن زمان شگفت انگیز بود و به پیشرفت مجسمه سازی انگیزه داد. نمونه کارهای او در باپتیست پیزا است. پسرش، آندره آ پیزانو، حتی از پدرش هم فراتر رفت. درب آهنی غسل تعمید او در فلورانس را می توان اثری دانست که مدت هاست بی نظیر بوده است. او در تمایل پدرش به رئالیسم خشن، اعتدال، ذوق و سادگی را معرفی کرد. مطالعه طبیعت از طریق مشاهده و تجربه به ریسمان راهنمای کل مکتب هنرمندان قرن چهاردهم و بر این اساس در قرن پانزدهم تبدیل می شود. تعدادی از استعدادهای اصلی در حال رشد هستند و بسیاری را ایجاد می کنند آثار مجسمه سازی. یادبود معروف این دوره درب غسل تعمید فلورانسی بود، اثر گیبرتی، اثری با سبکی بسیار رسا، که توسعه بیشتر مدیون دوناتلو است. لوکا دلا روبیا نیز بدون دور شدن از طبیعت، ساده لوحی و لطافت ایده آل پیشینیان و معلمان خود را وارد آثار خود کرد. از آن زمان، دو جریان قابل توجه بوده است: برخی از جهت گیری کاملاً طبیعت گرایانه مدرسه دوناتلو پیروی می کنند، برخی دیگر به دلا روبیا نزدیک می شوند. در مجسمه سازی و نقاشی، درست مانند معماری، توسکانی و به ویژه فلورانس مهد رنسانس است. دلیل این امر را باید در این واقعیت دانست که فلورانس در مبارزه پاپ و امپراتورها برای تصاحب ایتالیا، از آغاز قرون وسطی، استقلال یک جمهوری دموکراتیک را حفظ کرد. طبیعت زیبا و فراوان توسکانی به توسعه و غنی سازی این کشور کمک کرد. آزادی و ثروت در آن دست به دست هم می دهند و ثروتمندترین شهروندان (مدیچی ها و دیگران) حامیان علوم و هنر می شوند. در اینجا انقلاب صلح آمیز رنسانس در شخص اومانیست ها رخ داد. اما علم مقدم بر هنر است. از گویش توسکانی، دانته یک زبان ملی تازه و رسا ایجاد کرد. شور بیدار شده برای تحقیق منجر به نزدیک شدن به طبیعت شد و آثار اومانیست ها مهر دنیای بت پرستی باستانی را بر کل دوران گذاشت. در فلورانس، آرزوهای خلاقانه میکل آنژ آغاز شد، که در حال حاضر در مرکز جدید هنر، در رم، تحت حمایت و حمایت پاپ ژولیوس دوم و لئو X به پایان رسید. در واقع، در قرن چهاردهم و حتی در قرن پانزدهم، مجسمه سازی تقریباً به طور انحصاری به تصاویر کلیسا اختصاص داشت و تنها با احیای آن ادبیات کلاسیکهنر از این انحصار رها می شود و شروع می کند به موضوعات تاریخی یا موضوعاتی که برگرفته از تمثیل و اساطیر است. پترارک، آغشته به میل به طبیعت، در حال حاضر در اطراف فلورانس با دنیای کاملی از موجودات افسانه ای که توسط فانتزی او در روح دنیای باستان ایجاد شده است، ساکن است. تصاویر او بیانگر همدردی ها و آرزوهای معاصر او بود، اما از طبیعت اطراف دور بود. ایده های جدید در مجسمه سازی منعکس شد. آثار جووانی روستیچی، آندره آ و جاکوپو سانسوینو از فرارا، آنتونیو بوچارلی از مودنا و جووانی دا نولی انتقالی به جهتی جدید را تشکیل می دهند. سرانجام، در پایان قرن پانزدهم، میکل آنژ فلورانسی بر همه حکومت می کند. او کامل ترین تصویر را از بدن انسان با تمام زیبایی، تنوع و قدرتش ارائه داد. رنسانس را گاهی دوران «کشف انسان» می نامند. زندگی درونی، روح، شخصیت یک فرد به هدف اصلی تولید مثل تبدیل می شود، اما بیان نیاز به تکنیکی مبتنی بر دانش دقیق دارد. از این رو نوابغ قرن مانند میکل آنژ و لئوناردو داوینچی با کمال میل اسکنه و قلم مو را برای چاقوی تشریحی رها می کنند و در سکوت خانقاهی بر خلاف خرافات رایج تحت حمایت افراد قوی و نجیب، تشریح می کنند. اجساد آغاز می شود علم برای بسیاری از آثار در این زمینه و سایر حوزه های مرتبط مدیون هنرمندان است. بنابراین، لئوناردو داوینچی تحقیقاتی را در مورد پرواز پرندگان و غیره ترک کرد. ریاضیات و نجوم نیز در دایره مطالعاتی قرار می‌گیرد و زمینه موفقیت معماری، مهندسی و هنر نظامی و مکانیک را فراهم می‌کند. گذشتگان همه جا و همیشه بدنی زنده می دیدند. در رنسانس، زیبایی بدن دوباره به منصه ظهور رسید عنصر اصلیدر هنر، اما لباس ها قبلاً با چشم هنرمند تداخل داشتند. در عین حال، عقاید مسیحیت منجر به درک زیبایی متفاوتی شد که در شخص مدونا، منجی، جستجو و یافت شد. تصاویر کتاب مقدسو در مصائب شهدا. مجسمه زیبای مرمری معروف به لا پیتا، - بنای یادبود اقامت میکل آنژ در رم و در عین حال، بنای یادبود دوران. مریم مقدس روی سنگی می نشیند. بدن بی جان مسیح که از صلیب پایین کشیده شده بر زانوهای او قرار دارد. او را با دست خود حمایت می کند. تمام رم از این کار شگفت زده شدند. به گفته واساری، حتی مجسمه سازان باستانی به چنین کمالاتی دست نیافته اند. گچ بری جسد منجی به مدارس و آکادمی های مختلف ارسال شد. اثر دیگری از میکل آنژ، مجسمه عظیم داوود در سنگ مرمر، "Il Gigante" نام داشت و به مدت سه قرن پیازا اوگنوریا را زینت می داد. در سال 1873 با یک برنز جایگزین شد و سنگ مرمر اصلی به آکادمی منتقل شد. علاوه بر این، از آثار میکل آنژ، "بردگان"، "موسی"، "شب" و مجسمه های دیگر در مقبره مدیچی ها و بسیاری از چهره هایی که هنوز ساختمان ها و کلیساهای رم، فلورانس، بولونیا و دیگر شهرها را تزئین می کنند، مشهور هستند. پیشینیان میکل آنژ قبلاً راه را برای انتخاب آزادانه موضوعات هموار کرده بودند و در قرن شانزدهم تنها چیزی که باقی مانده بود این بود که راه پیشگامان پیزانو و به خصوص دوناتلو را دنبال کنیم. در این راستا آثار معاصران یاد شده میکل آنژ - روستیچی، آندریا و یاکوپو سانسوینو جالب توجه است. دومی مالک مجسمه های عظیم مریخ و نپتون بر روی پلکان غول ها در کاخ دوج در ونیز است. شاگردان و بهترین جانشینان میکل آنژ - هوگو دلا پورتا، بنونوتو سلینی، تریبولو و دیگران. رقیب او در بین هم عصرانش، باچیو باندینلی، ناخواسته تحت تأثیر او قرار گرفت. در قرن هفدهم شهوانی بسیار توسعه یافته و به دنبال خودنمایی، هنرمندان را از قوانین شکل پذیری منحرف می کند و بیشتر آنها به شیوه و پختگی می افتند. وضعیت ها غیر طبیعی، تنبل می شوند. در ویژگی ها می توان مصنوعی بودن، اجبار را احساس کرد. بیش از حد تزئینات جایگزین سادگی می شود، اما در عین حال، غنای تخیل، سبکی خطوط، ظرافت دکوراسیون اغلب یافت می شود. آثار برجسته این قرن آثار الساندرو آلگاردی از بولونیا و لورنزو برنینی از ناپل است. هر دو در همان زمان معماران مشهوری بودند. اولی متعلق به نقش برجسته در رم است: "بازگشت آتیلا"، در کلیسای جامع سنت. پیتر؛ دوم، از یک سری آثار متعدد، گروه St. ترزا در سانتا ماریا دلا ویتوریا. کاستی‌های سبک جدید به‌ویژه بر روی مجسمه‌های سامارتینو، کورادینی و کیرولو در کلیسای کوچک S. Maria della Pieta de Sangri در ناپل نقش بسته بود. کم ذوقی در این آثار با کمال فنی توأم است. یک استثناء از فساد عمومی سلیقه، St. سیسیلیا در کلیسایی به همین نام در رم، اثر استفانو مادرنو، و سنت. اندرو در کلیسای جامع St. پترا، اثر فیاممینگو. در اواسط قرن هجدهم. بازگشت به الگوهای قدیمی آنتونیو کانووا ونیزی اولین کسی بود که پلاستیک I. را بازسازی کرد. نفوذ او و توروالدسن در سرتاسر ایتالیا گسترش می یابد و بدین ترتیب دو مکتب پدید می آید. بارودزی از ایمولا، فینلی از کارارا، رومیان تادولینی و فینیلی متعلق به اولین ها هستند. به دوم - مهم ترین پیترو تنرانی از کارارا، که به نوبه خود یک مدرسه متعدد تأسیس می کند. لورنزو بارتولینی از توسکانی مستقل‌تر، گرچه از تأثیر کانوا رها نیست، که در کار خود مطالعه دقیقی از طبیعت و عتیقه‌جات را با هم ترکیب کرد. بااستعدادترین مجسمه سازان دوران مدرن را باید برشمرد: لومبارد تانتاردینی (1879)، ولا، تاباکی و مونتهوردی، که شیوه آنها با حقیقت غیرعادی واقعی متمایز می شود.

رنگ آمیزی.- در واقع نقاشی در ایتالیا توسط یک موزاییک انجام شده است. به لطف بازدید استادان بیزانسی، از قرن یازدهم به طور گسترده مورد استفاده قرار گرفته است. در قرن سیزدهم. تلاش‌های ضعیفی برای خلاقیت مستقل مشاهده می‌شود، و در پایان این قرن، سیمابو قبلاً برخی خلاقیت‌های فردی را آشکار می‌کند. در چهره ها و سرهای جایگزین او نشانه هایی از زندگی و حرکت وجود دارد. تنوع خاصی به لباس ها وارد می شود، اما ترکیب به طور کلی از سبک ابتدایی منحرف نمی شود. بنیانگذار سبک زندگی بیشتر جوتو دی بوندونه است. او دامنه وظایف هنر را گسترش داد و با کنار گذاشتن تغییر ناپذیری سلسله مراتبی در زمینه فرم ها، راه خود را برای بیان زندگی یافت که از طریق آن در مسیر واقع گرایانه جدیدی قرار گرفت. علاوه بر این در آثار او قابلیت استفاده از تمثیل، آغاز اندیشه های تاریخی و پرتره به چشم می خورد. او همچنین تغییری در تکنیک رنگ‌ها ایجاد کرد که در نتیجه نقاشی‌ها در نورپردازی برنده شدند، روشن‌تر، استقبال‌تر شدند، بر خلاف رنگ‌های قبلی، تیره‌رنگ و دارای شخصیتی تیره و تار شدند. فعالیت های جوتو به فلورانس محدود نشد، بلکه در سراسر ایتالیا گسترش یافت. تأثیر او بر معاصرانش بسیار زیاد بود. سبک و روش او تقریباً در تمام هنرمندان قرن چهاردهم منعکس شد. بسیاری از معاصران و شاگردان او فردیت خود را وارد هنر کردند و نقاشی منحصراً با تقلید از نقاشی قبلی متوقف شد. مدارس انواع مختلفی دارد. در میان شاگردان جوتو، تادئو گادی مقام اول را به خود اختصاص داده است. از بین کسانی که آشکارا تحت تأثیر تأثیر او قرار گرفته اند، اورکانیا و دیگران برجسته هستند که لورنزو موناکو آخرین آنهاست. نماینده برجستهمدرسه جوتو، در اواخر قرن پانزدهم برمی‌خیزد. در این قرن، میل به هماهنگی فرم با طبیعت و کمال فنی وجود دارد. اولین قدم ها در این مسیر توسط اوچلو در فلورانس برداشته می شود. آنها فراتر رفتند: ماساچیو، که با مطالعه دقیق طبیعت و تکنیک های جدید کیاروسکورو از زاویه دار بودن سابق تصاویر اجتناب کرد و در نقاشی نیز در رابطه با ترکیب بندی پیشرفت کرد. فرا فیلیپو لیپی، که برای به تصویر کشیدن واقعی پدیده های زندگی تلاش می کرد، و فرا آنجلیکو دا فیزوله، که در آثارش چهره ها منعکس کننده زندگی معنوی هستند. به تصویر کشیدن یک احساس عمیق مذهبی در ویژگی های افراد بازنمایی شده، به نیاز ایده آل قرن تبدیل می شود. به جای این آرزوهای معنوی، میل به نزدیک شدن هر چه بیشتر به طبیعت همچنان در نقاشی حاکم است. آشنايي با نقاشي فلاندر، به ويژه با توجه به فن هنر، نوعي مكتب است. بدین ترتیب ایجاد می شوند کارهای زیبا ساندرو بوتیچلی، فیلیپینو لیپی و دیگران موفقیت مکتب فلورانس در تعقیب رئالیسم واقعی، زمانی که هنر به بازتابی مستقیم از زندگی واقعی کشور مادری آنها و زمان آنها تبدیل می شود، به ویژه در آثار بنوزو گوتزولی و دومنیکو گیرلاندایو به موازات مدرسه فلورانس، مشغول تصاویری از St. کتاب مقدس، و در آن پرتره، لباس و تا حدودی منظره به عنوان ابزار کمکی اصلی عمل می کند، مکتبی پدید می آید که در آن بدن و آناتومی آن موضوع توسعه می شود. لوکا سیگنورلی به عنوان شادترین در این مسیر شناخته می شود. بسیاری، که به دنبال نمونه هایی از طعم دقیق و کامل هستند، به دوران باستان کلاسیک باز می گردند. هنرمند پادوآیی فرانچسکو اسکوارچیونه، در سفر به ایتالیا و یونان، بقایای و نمونه‌هایی از آثار باستانی را جمع‌آوری می‌کند و سپس مدرسه‌ای را در پادوآ افتتاح می‌کند و دانش‌آموزان زیادی را جذب می‌کند. آندره آ مانتنیا از این مدرسه می آید. او با شور و شوق به مطالعه آناتومی، پرسپکتیو، آثار گذشتگان، هنر آنها در چیدمان لباس و استفاده از صفات مختلف پرداخت. آثار او نشان از درک صحیح طبیعت و میل به وفاداری تاریخی دارد. سرانجام، پیترو پروژینو، رئیس مکتب اومبریا، با کل کهکشان مقلد و شاگردان کم و بیش نزدیک به خود، دوره دوم شکوفایی هنر را در ایتالیا می بندد. انتقالی عجیب از خلق و خوی ساده لوحانه مذهبی، خلوص غیر زمینی و وضوح معنوی به نسل بعدی هنرمندان منتقل شد و در نبوغ رافائل منعکس شد. در همان زمان، پروژینو از قبل عناصر عتیقه را در تصاویر خود معرفی کرد. شهدای او و دیگر قهرمانان مسیحیت، قهرمانان یونان و روم هستند، نه قرون وسطی. "پیامبران" پروجینو به گونه ای هستند که سوال این است که آیا او هرگز کتاب مقدس را باز کرده است؟ بنابراین، آغاز قرن شانزدهم. به لطف استعدادهای متعدد و پیدایش مدارس در توسکانی، اومبریا، بولونیا، فرارا، پادوآ، ونیز، و غیره، ویژگی‌های آن رشد قوی در نقاشی است. از نمایندگی با تشکیل مرکزی در رم، تحت حمایت پاپ های ژولیوس دوم و لئو ایکس، به لطف تلاش تعدادی از استادان برجسته، به شکوفایی کامل می رسد. لئوناردو داوینچی با شام آخر و آثار دیگرش آغاز عصر جدیدی را رقم زد. میکل آنژ و رافائل او را دنبال می کنند. این سه نابغه با تطبیق پذیری، درک طبیعت، انیمیشن عمیق و درستی طراحی، بر اساس دانش دقیق و مشاهده زنده متمایز می شوند. آنها در به تصویر کشیدن بدن در انواع چرخش ها و حالت ها، بدون از دست دادن عمق و ساده لوحی احساس مذهبی، به کمال می رسند. رقابت رافائل و میکل آنژ دوره ای را در تاریخ هنر رقم می زند که در سراسر جهان به یادگار خواهد ماند. میکل آنژ به دستور ژولیوس دوم اسکنه را با قلم مو عوض کرد. او تصمیم گرفت با استفاده از وسایل پاپ و فضایی که روی دیوارها و سقف کلیسای سیستین در اختیار او گذاشته شده بود، با صرف تمام انرژی و وسعت فکر خود در این کار به خود پاداش دهد. نقاشی های دیواری که او در اینجا ایجاد کرد واقعاً نقطه شروع یک جهت جدید از هنر شد. با مراجعه برای جزئیات به مقالات دیگر (میکل آنژ، کلیسای سیستین)، ما فقط به این نکته توجه می کنیم نقاشی دیواری(آغاز قرن چهاردهم) از آن زمان به طور گسترده توسعه یافته است. از رطوبت، نقاشی ها به زودی رنگ پریده، ناپدید شدند، یا پوشیده از لکه شدند. فقط انرژی و کنجکاوی خستگی ناپذیر میکل آنژ ابزاری برای غلبه بر موانع و هموار کردن مسیر جدیدی برای هنر در اینجا یافت. اما درخشان ترین از همه در رنسانس رافائل است. عشق به اشکال بدنی در خطر تبدیل شدن به یک اشتیاق جنون آمیز، به پرستش خام نفسانی بود. درایت ذاتی و استعداد مبتکرانه به رافائل کمک کرد تا به حس نسبت شگفت انگیزی در این زمینه دست یابد. او انواعی را آفرید که در آنها کمال جسمانی با اشراف اخلاقی تاج گذاری می شد. تصویر دقیق و خالص مدونا موضوع مورد علاقه قلم مو او است. پرستش زیبایی در این داستان رضایت کامل یافت. نمادگرایی کاتولیک جای خود را به ایده آل زن و مادر داد. ویژگی اساسی رنسانس این است حس توسعه یافتهفردیت این ویژگی در پرتره بیان شد. این دومی همچنین در نقاشی هایی با محتوای مذهبی و تاریخی نفوذ کرد. در نقاشی «رستاخیز مسیح» که برای کلیسای فرانسیسکن نوشته شده و اکنون در گالری واتیکان است، رافائل در پوشش دو نگهبان خفته، خود و پروژینو را به تصویر کشیده است. در نقاشی دیواری که دین را به تصویر می کشد (دیسپوتا)، در مردان نزدیک به محراب، که مشتاقانه درباره جزم گرایی بحث می کنند، می توان پرتره های دانته، ساوونارولا و برامانته را تشخیص داد. قدرت کلیسا همچنان ایده غالب است و در نقاشی ها و نقاشی های دیواری متجلی می شود. از سوی دیگر، نقاشی ها گواه وابستگی نبوغ به مفاهیم و گرایش های زمانه خود است. بنابراین، در نقاشی دیواری اصلی، که نام سالن در واتیکان از آن گرفته شد، رافائل "اخراج ایلیودور از معبد" (فصل سوم، 2 کتاب مکابیان) را در اورشلیم به تصویر کشید. دشمنان معبد را غارت می کنند. یَهُوَه آنها را فراری می دهد. مردم با ترس و شادی به معجزه نگاه می کنند، اما در میان جمعیت ظاهر می شود، در کمال تعجب بیننده، جولیوس دوم، که درابنت ها او را به معبد می آورند. بدیهی است که این تصویر با هدف تجلیل از پاپ ژولیوس دوم، پیروزی او بر فرانسوی ها و نجات تقریباً معجزه آسایی از اسارت در بولونیا در سال 1509 کشیده شده است.

رافائل توسط معاصران و شاگردانش دنبال می شود که به اصطلاح نامشان شکل می گیرد. راه شیریشکوه i. هنر. کورجو به دلیل مهارتش در کیاروسکورو معروف شد. او از رنگ‌ها با مهارتی فوق‌العاده استفاده می‌کرد و ظریف‌ترین رنگ‌ها را بازتولید می‌کرد و زیبایی و ظرافت خاصی را به‌ویژه در تصویر بدن وارد می‌کرد. در ونیز، تیتیان به بیان قدرتمندی از شخصیت دست یافت و رنگ آمیزی او برای اکثر هنرمندان به ایده آل دست نیافتنی سرزندگی و گرما تبدیل شد. دیگر نقاشان مشهور رنسانس - فرا بارتولومئو و آندریا دل سارتو، در فلورانس، پالما وکیو، در ونیز، لوینی - در میلان. در بین شاگردان رافائل مقام اول را جولیو رومانو به خود اختصاص داده است. از شاگردان میکل آنژ، اصلی ترین آنها دانیلو دا ولترا است. Correggio یک مقلد شایسته در Parmigianino پیدا کرد. فرا سباستیانو دل پیومبو - رقیب میکل آنژ در نقاشی - بهترین شاگردان سلف تیتیان، جورجیونه. خود تیتیان شاگردان کمی داشت، اما مقلدان زیادی داشت، مانند بونیفاسیو ونزیانو و بوونویچینو.

شروع با نیمی از شانزدهم V. سقوط I. نقاشی در حال حاضر قابل توجه است، و هر چه جلوتر می رود، قوی تر و قوی تر می شود. دوران شکوفایی دوره ای تقلیدی به دنبال دارد. ویژگی های فردی استادان درخشان توسط مقلدین آنها به ناتوانی و رفتار تبدیل می شود. بله، جذابیت ساده لوحانه زیبایی زن ال داوینچی به شیرینی و عشوه گری ناز تبدیل می شود. بسیاری از استادان مشهور، با تمام کمال تکنیک و تقریب موفق به مدل ها، فاقد حس تناسب هستند - شرط اول زیبایی و وقار جدی. مکتب ونیزی این دومی را برای طولانی ترین زمان حفظ می کند. در میان استادان آن در نیمه دوم قرن شانزدهم برجسته است. تینتورتو و پائولو ورونزه هجوم اندیشه های پروتستانی جدید و مبارزه با کاتولیک شک و تردیدهایی را در اذهان و قلب ها ایجاد کرد و از بسیاری جهات ایمان ساده لوحانه سابق و آرمان زیبایی را تضعیف کرد. کسانی که به نظرات قبلی خود وفادار ماندند شروع به سقوط از اصل به اغراق کردند. بنای یادبود آرزوهای این دوره برای بازآفرینی آرمان های قدیمی، برخی از تصاویر ماهیت شدید، به سبکی کاملاً مذهبی است: مثلاً ماتر دولوروسا، مسیح در تاج خار و غیره. باروکیو و دیگران پشت سر او. فلورانسی ها سیگولی، آلوری، دا امپولی سعی می کنند سقوط را متوقف کنند، اما به هدف نمی رسند، اگرچه آثار زیبایی در رنگ و طرح از خود به جای می گذارند. موفق ترین ها در تلاش برای احیای هنر کاراکچی در بولونیا هستند. لودوویکو کاراچی آرزوهای خود را از یک سو بر اساس مطالعه مستقیم طبیعت و از سوی دیگر تلاش برای ترکیب شایستگی های استادان مختلف استوار کرد. او هنر ترکیب و بیان را از رافائل، از میکل آنژ - طراحی و حرکت، از Correggio - هنر کیاروسکورو، از Titian - تکنیک رنگ و قلم مو وام گرفت. او آکادمی نقاشی را تأسیس کرد که استادان مشهور بسیاری را پرورش داد: دومنیچینو، گیدو رنی، توورچینو و دیگران، در کنار این مکاتب و دیگر مکاتب مشابه، یک گرایش کاملاً طبیعت گرایانه به موازات آن وجود دارد و طبیعت را به عنوان تنها اساس هنر می شناسد. رئیس طبیعت گرایان امریجی دا کاراواجو است. او به لطف بینش ظریف و اجرای استادانه، آثار غیرعادی حیاتی و رسا خلق کرد. برخی از نقاشی‌های او تأثیری نفرت‌انگیز بر جای می‌گذارند، زیرا طبق اصل وفاداری به طبیعت، قبل از به تصویر کشیدن پدیده‌های زشت و زشت نیز عقب نشینی نکرد. با این وجود، او پیروان زیادی در ایتالیا پیدا کرد، از جمله ریبیرا، بارتولومئو مانفردی (مانتوآ)، استانچیونی و باکارو (ناپل)، برناردو استروزی (جنوا) و دومنیکو فتی (رم). از اواسط قرن هفدهم تا اواسط قرن 18. هنر به حرکت مقاومت ناپذیر در مسیر انحطاط ادامه می دهد. در میان هنرمندان متعدد این زمان که در تلاش برای احیای سنت های معدوم روح مذهبی هستند، گروه کوچکی خودنمایی می کند که مسیری را که کاراواجو ترسیم کرده است دنبال می کند. رئیس این گروه سالواتور روزا است. هنرمندان این زمان که به عظمت سابق نمی رسند، به طور جداگانه دارای یک یا آن ویژگی هستند. بهترین آثار تاریخی این زمان نقاشی های دیواری توسط L. Giordano در کاخ مدیچی-ریکاردی در فلورانس (1632) و توسط Tiepolo در Palazzo Labia در ونیز است. آثاری که بی نظیر هستند، گریمالدی، کانالتو و شاگردش فرانچسکو گواردی هستند. سپس، از حوزه ژانر، اگرچه به طور کلی هرگز توزیع قابل توجهی در ایتالیا نداشت، قابل توجه است نقاشی های نبردآنیلو فالکون و کرکووزی. - جووانی بندیتو کاستیلیونه به زیبایی منظره ای را با چهره هایی از مردم و حیوانات نقاشی کرد. ماریو د فیوری - گل؛ اما نه یکی و نه دیگری از این هنرمندان به کمال استادان نرسیدند مدرسه هلندی. از نقاشان تاریخی در قرن هجدهم. فقط باتونی متمایز است، اما چیزی از خود باقی نگذاشت که برای همیشه به یادگار بماند. همچنین اهمیت کمی دارند هنرمندان نوزدهم V. برخی از آنها الگوی التقاط گرایان سابق مکتب کاراواجو و دیگران هستند.از نمایندگان این گروه، وینچنزو کاموچینی در رم قابل توجه است. برخی دیگر مانند آندریا آپیانی در میلان و پیترو بنونوتو در فلورانس به دنبال حمایت از مکتب فرانسوی دیوید هستند. به عنوان مثال، برخی مانند فرانچسکو کوچتی (1804-1875)، به مکتب آلمانی تعلق دارند که در آغاز قرن یک روند رمانتیک را به رم آورد. رم، میلان، ونیز، ناپل همچنان مراکز هنری ایتالیا هستند و هر یک از این نقاط مکتب کم و بیش عجیب خود را در نقاشی تاریخی یا کلیسایی ایجاد می کند. نفوذ آلمان عمدتاً در آبرنگ‌ساز معروف کارل ورنر در ونیز سرچشمه می‌گیرد. این تأثیر باعث ایجاد آثار متعددی از نقاشان ژانر شد که در میان آنها جاکومو فاورتو، الساندرو ززوس، اتوره، تیتو کونتی، آنتونیو، روتا، اگیستو، لانسرتو، لوئیجی میون به شهرت رسیدند. در بقیه ایتالیا، آنجلو دل اکا (بیانکا ورونا) و اتریشی یوجین بلااس، تتسسیل فون گاونن به آنها پیوستند. این منظره توسط گولیلمو کیاردی، فراگیاکومو، بزی، لاورنتی، معروف به دلیل بهره‌وری ماینلا و دیگران توسعه می‌یابد. نقاشی در ناپل، در آثار دومنیکو مورلی و دو پالیزی، نمایندگان رئالیسم در هنر، که در شرق کار زیادی کردند. ، توسعه مستقل بیشتری دریافت کرد. نسل جوان خود را به ویژه با طراوت رنگ ها، بیش از همه از نظر ژانر، اغلب با جهت فرانسوی، اعلام کرده است. مکان اصلی اینجا متعلق به آلبرتو پاسینی است که در پاریس کار می کند. از میان میلانی ها، آنها با قدرت بیان و طراوت رنگ توسط فیلیپو کارکانو متمایز می شوند. لئوناردو بازارو، آدولفو فراگوتی، پی ماریاننی و جی. سارتوری. آنها با تورینی ها به رهبری گاستالدی ارتباط دارند. علاوه بر او می‌توان به انریکو گامبا، موسو، ویوتی، دلیانی، کوادرونی و دیگران اشاره کرد. به طور کلی، نقاشی مدرن هند با کمال عالی تکنیک، گاهی اوقات به ضرر محتوا، متمایز می شود. اما جهت آن ظاهراً در حال تغییر است و کم کم میل به تفکر عمیق در موضوعات و انتقال جوهر درونی اشیا و پدیده ها در آن نمایان می شود.

دوره رنسانس عالی نشان دهنده اوج رنسانس، نقطه اوج این همه فرهنگ بزرگ است. طول زمانی آن کوچک است و تنها حدود سه دهه را شامل می شود. با این حال، حتی از نظر کمی - از نظر فراوانی و مقیاس وسیع آثار هنری ایجاد شده در آن زمان، بدون ذکر بالاترین سطح هنری و اهمیت تاریخی عظیم آنها، می توان در مورد این دهه ها گفت که ارزش قرن های دیگر را دارند.

با تغییر مقیاس جهان، ایده مقیاس خود انسان نیز تغییر کرده است: اعمال واقعی و کردار جسورانه او تأیید می کند، اگر از آن پیشی نگیرد، بسیاری از پیش بینی های اومانیست ها، ارزیابی آنها از توانایی های او. درست است، ایتالیا فقط می‌توانست از نظر معنوی به این "کشف جهان" کمک کند - اجرای بسیار عملی این کار، و همچنین تقسیم مجدد این جهان، قبلاً به دست بسیاری از دولت‌ها افتاده بود. علاوه بر این، شاید برای هیچ کشور اروپایی دیگری، نتایج اکتشافات جغرافیایی بزرگ در عواقب آن چنان غم انگیز نبود که برای ایتالیا بود. اما در همان زمان، این ایتالیا بود، از بین تمام کشورهای اروپایی، که برای بیان این همه پیچیدگی و مقیاس عظیم، آماده ترین بود. وجود تاریخیاز این دوران هنر ایتالیایی دوره رنسانس در درجه اول بیان هنری واقعیت تاریخی خود ایتالیا بود، اما، به عنوان عالی ترین تجسم فرهنگ زمان خود، همچنین بیان واقعیت تاریخی در گستره ای گسترده تر و جهانی بود. برای حل مشکلات مطرح شده در دوره آینده، ابتدا باید نوع هنرمند تغییر می کرد، زیرا افق های هنرمند قرن پانزدهم، در موقعیت اجتماعی و دیدگاه اجتماعی او هنوز تا حد زیادی با طبقه هنری مرتبط است. صنعتگران برای این کار بسیار محدود بودند. استادان بزرگ قرن شانزدهم نمونه ای از نوع جدیدی از هنرمند را ارائه کردند - یک فرد خلاق فعال، فارغ از محدودیت های صنفی کوچک قبلی، دارای کمال خودآگاهی هنری و قادر به وادار کردن قدرتمندان این جهان با خود. . اینها افرادی با دانش عالی هستند که تمام فتوحات فرهنگ زمان خود را در اختیار دارند.

مجموعه شرایط پیچیده این دوره تاریخیبر شکل گیری پایه های رنسانس عالی ایتالیا، بر شکل گیری ادراک فیگوراتیو هنرمندان آن، بر ساختار بصری آثار آنها تأثیر داشت. از دوره قبل - هنر Quattrocento - تصاویر آنها در درجه اول در مقیاس بزرگتر متفاوت است. از نظر ظاهری، این در این واقعیت آشکار می شود که همراه با توزیع غیرقابل مقایسه آثار با اشکال بزرگ در معماری، نقاشی و مجسمه سازی نسبت به قرن پانزدهم، تصاویری در مقیاس فوق العاده نیز ظاهر می شوند که نمونه هایی از آنها «داوید» میکل آنژ و پیکره های عظیم پیامبران و سیبیل های او در نقاشی سقف در کلیسای سیستین. مقیاس خود مجموعه های معماری و هنری نیز در حال بزرگ شدن است (مشهورترین آنها عبارتند از Belvedere Bramante، بندهای واتیکانی رافائل، سقف سیستین میکل آنژ) و اندازه های فردی. ترکیب بندی های زیبا، نقاشی های دیواری و سه پایه مخصوصاً محراب ها. اما درک جدید از مقیاس نه تنها با اندازه مرتبط است - حتی بوم‌های کوچک لئوناردو و رافائل با دید متفاوت و بزرگ‌تری متمایز می‌شوند، زمانی که هر تصویر نشانی از عظمت خاصی دارد. این کیفیت با یکی دیگر از ویژگی های مهم هنر رنسانس عالی - تعمیم زبان هنری - پیوند ناگسستنی دارد. توانایی دیدن چیز اصلی در همه چیز، چیز اصلی، بدون در نظر گرفتن جزئیات، در انتخاب موضوع، و در ساخت طرح، و در گروه بندی واضح و متمایز از ارقام، در یک توصیف کلی خارجی و داخلی منعکس می شود. از شخصیت ها تجربه‌گرایی وجدانی بسیاری از کواتروسنتیست‌ها سرانجام غلبه کرد. ترحم آنها در مطالعه تحلیلی طبیعت با تمام جزئیات آن جای خود را به یک انگیزه ترکیبی قدرتمند داد و جوهر آنها را از پدیده های واقعیت استخراج کرد. تمایل به سنتز، برای تعمیم، قبلاً در این واقعیت منعکس شده است که در آثار استادان رنسانس عالی، برخلاف کواتروسنتو، جایگاه اصلی را اشغال کرده است. تصویر جمعییک فرد ایده آل زیبا، از نظر جسمی و روحی کامل. اما استادان رنسانس کمتر از همه به هنجارگرایی انتزاعی و مخالفت با آفرینش های خود با واقعیت تمایل داشتند. برعکس، ایده آل بودن تصاویر در درک آنها به معنای متمرکزترین بیان کیفیت های خود واقعیت است. ناگفته نماند قهرمانان یک انبار کاملاً دراماتیک - حتی در تصاویری که با وضوح هارمونیک پر شده اند، شخص احساس بزرگی می کند. قدرت درونیانسان، آگاهی آرام از اهمیت خود. در ترکیب با مقیاس بزرگ، این ویژگی ها به تصاویر رنسانس عالی یک شخصیت واقعاً غول پیکر می بخشد، آن درجه از اثربخشی قهرمانانه، که هنر رنسانس اولیه یا اواخر رنسانس هرگز به آن دست نیافته است.

هنر رنسانس عالی که تنها حدود سه دهه را در بر می گیرد، با این وجود راه بسیار طولانی را طی می کند. دقیقاً تمرکز ویژه تکامل آن، همراه با اشباع این مرحله تاریخی با رویدادهای دارای اهمیت تعیین کننده، است که تضاد بین تصاویر هارمونیک اتاقکی بیشتر در آغاز دوره مورد بررسی و تصاویر تاریخی را توضیح می دهد. تصاویر دراماتیک، که قبلاً با مهر درگیری های حل نشدنی در انتهای خود مشخص شده است. "تراکم" خارق العاده هنر رنسانس عالی قبلاً در این واقعیت منعکس شده است که به سختی می توان نمونه دیگری را در کل تاریخ هنر یافت که در آن بسیاری از هنرمندان درخشان به طور همزمان در یک کشور در یک دوره تاریخی کوتاه کار می کردند. کافی است از استادانی چون لئوناردو داوینچی، رافائل و میکل آنژ در فلورانس و رم، مانند جووانی بلینی، جورجیونه و تیتیان در ونیز نام ببریم. در میان استادان مقیاس کوچک‌تر، نام‌های معروفی مانند نقاش پارما، کورژیو، فلورانسی فرا بارتولومئو و آندره‌آ دل سارتو، ونیزی‌ها، پالما وکیو و لورنزو لوتو، ساولدو و مورتو را می‌یابیم که در برشا، ساولدو و مورتو کار می‌کردند. به بسیاری از نقاشان کمتر مهم اشاره کنیم. کار اکثر این اساتید به طور کامل یا در بخش اصلی خود در دوره مورد بررسی آشکار شد. برخی از آنها، و مهمتر از همه میکل آنژ و تیتیان، که عمر بسیار طولانی داشتند، تصاویر بعدی را به تصویر می کشند. مرحله هنری- هنر اواخر رنسانس.

نظریه هنر این زمان نیز مانند خود هنر رنسانس عالی، جمع‌بندی بر مبنای جدیدی از دستاوردهای قرن پانزدهم و در عین حال یک جهش کیفی جدید است. لئوناردو داوینچی در اینجا مرکز توجه است. ایده‌های او، که در «رساله نقاشی» معروف (مطالب آن عمدتاً در سال 1498 تهیه شد و به زودی در فهرست‌ها منتشر شد) و همچنین در بسیاری از یادداشت‌های دیگر او، دایره‌المعارفی اصیل از ایده‌های نظری و عملی بود. شناخت زمان خود در مورد پیشینیان او، هنر و علم برای لئوناردو جدایی ناپذیر هستند - اینها دو طرف روند کلی شناخت طبیعت هستند. او می گوید: «و به راستی که نقاشی یک علم و دختر مشروع طبیعت است، زیرا آن را طبیعت به وجود آورده است». طبیعت «معلم معلمان» است و نقاش باید پسر او باشد. موضوع نقاشی زیبایی آفریده های طبیعت است. کامل ترین خلقت طبیعت انسان است و در یادداشت های لئوناردو تعدادی بخش به مطالعه بدن انسان، دکترین تناسبات، اطلاعات مربوط به آناتومی اختصاص داده شده است که دانش لئوناردو در این زمینه به طرز شگفت انگیزی عمیق بود. سپس رابطه ای بین حرکات بدن، حالات چهره و حالت عاطفیشخص لئوناردو توجه زیادی به مسئله کیاروسکورو، مدل سازی حجمی، پرسپکتیو خطی و هوایی دارد. در زمینه مجسمه سازی، میکل آنژ ایده های عمیقی را در مورد رابطه بین تصویر هنری و ماده بیان کرد. او همچنین ایده طراحی را به عنوان پایه ای شکل دهنده برای هر سه نوع هنر پلاستیک - مجسمه سازی، نقاشی و معماری مطرح کرد. مانند قبل، مسائل مربوط به نظریه هنر همچنان با ایده های انسان گرایانه مرتبط بود. در دهه های اول قرن شانزدهم توجه ویژه ای در حوزه اندیشه انسان گرایانه به مسئله انسان کامل معطوف شد. این موضوع از یک سو به لحاظ شکل گیری یک نوع انسان که از نظر جسمی و روحی متنوع است (چنان که بالداسار کاستیلیون آن را در رساله درباری ایده آل بسط داده است) از سوی دیگر از نظر تحلیل مورد توجه قرار گرفت. هنجارهای زیبایی که در مورد زیبایی ظاهری یک فرد اعمال می شود (این سمت توسط Firenzuola در رساله زیبایی زنان ایجاد شد).

رنسانس عالی تغییرات مهمی در نسبت مدارس هنری محلی در ایتالیا ایجاد کرد. مهد این هنر، محل پیدایش و شکل گیری پایه های آن فلورانس بوده است. در اینجا لئوناردو، میکل آنژ و رافائل سفر خود را آغاز کردند یا به عنوان هنرمند شکل گرفتند. این کاملاً طبیعی بود، زیرا هنر یک مرحله جدید فقط می تواند در خاک پیشرفته ترین جمهوری های ایتالیا متولد شود. اما در اواخر قرن 15 و 16، رم به عنوان یکی دیگر از مراکز برجسته کشور مطرح شد. این واقعیت که رم معلوم شد متمرکز است بهترین استادانایتالیا، و این واقعیت که هنر این استادان در اینجا با کیفیت جدیدی ظاهر شد، دلایل خاص خود را داشت. در بالا اشاره شد که در سیاست خود، حاکمان کشورهای پاپ تفاوت چندانی با حاکمان سکولار استبدادها و حکومت‌های ایتالیایی نداشتند. اما در عین حال، رم پایتخت معنوی کل جهان کاتولیک بود. باید به خاطر داشت که مرزهای این جهان در آن زمان بسیار گسترده تر از گذشته بود و تقریباً به کل غرب و اروپای مرکزی، از زمان اصلاحات در پایان قرن پانزدهم تاکنون تنها چند کشور تحت تأثیر قرار گرفته است. انتظار واکنشی متفاوت و گسترده‌تر این بود که آثار هنرمندانی که در رم کار می‌کردند، در مقیاسی بزرگ‌تر از مقیاس آثار تاریخی در مراکز جمعی ایتالیا وارد شود. بنابراین، مهم نیست که ساختمان‌های شهرداری و کاخ‌های ثروتمندترین خانواده‌ها در فلورانس یا ونیز چقدر باشکوه هستند، مهم نیست که کلیساهای جامع در این شهرها - کاخ پاپ در واتیکان و معبد اصلی جهان کاتولیک - کلیسای جامع سنت پیتر - باید حتی بزرگتر می شد این در مورد استنه چندان در مورد اندازه ساختمان ها و مجموعه های هنری، بلکه در مورد بزرگ شدن خود سبک، در مورد "مقیاس داخلی" جدید آثار رنسانس روم. این تغییر سبک در رم بسیار ارگانیک‌تر اتفاق افتاد زیرا در اینجا، مانند هیچ جای دیگر ایتالیا، سنت باستانی. ویرانه های سازه های باستانی قلمرو شهر را پر کرده است. کاوش ها آثار مجسمه سازی باستانی را به جهانیان نشان دادند. ناگفته نماند که با افزایش حساسیت هنرمندان رنسانس به هر چیزی کهن، هر یک از آثار مهم آنها در شهر ابدی در مقایسه داخلی با آثار هنری باستانی خلق شده است. ایده ساختاری مانند کلیسای جامع St. پترا، تنها در شهری که پانتئون و کولوسئوم در آن نگهداری می شد، می توانست بوجود بیاید.

اما، اگرچه رم مرکز کاتولیک جهانی بود، آثار هنریکه در دوران رنسانس عالی در اینجا ایجاد شد، کمتر از همه حاملان ایده مذهبی بودند. آزادی هنرمندان از ستم مذهبی، علاوه بر سایر عوامل مشترک در کل دوران رنسانس، با این واقعیت نیز توضیح داده شد که نقش اجتماعی هنر در ایتالیا فوق‌العاده بزرگ بود، و بنابراین حمایت خود یکی از مؤثرترین اشکال برای آن زمان. مبارزه سیاسیدادگاه پاپ برای تقویت اقتدار خود. در اصل، این روم پاپ بود که اولین نمونه از "توسعه" گسترده دولتی فرهنگ جدید را در شرایط یک دولت استبدادی ارائه داد و از برخی جهات سیاست هنری پادشاهان قدرت های بزرگ اروپایی را پیش بینی کرد. این گونه بود که یک پدیده عجیب و تقریباً متناقض پدید آمد: این پاپ بود که فرصت های عظیم مالی و سازمانی خود را برای بیان ایده های مترقی انسان گرایانه فراهم کرد، که در اصل حامل روحانیت ارتجاعی است. این وضعیت نمی توانست دوام بیاورد. قدرت اعتراض فزاینده اقشار دموکراتیک در خود ایتالیا، جنبش اصلاحات در کشورهای دیگر، حاکمان معنوی اروپا را وادار کرد تا مواضع ایدئولوژیک خود را با وضوح بیشتری مشخص کنند و تا پایان دهه 20 قرن شانزدهم، رم پاپی رئیس ارتجاع سیاسی و معنوی بر این اساس، سیاست هنری او تجدید ساختار شد، از این پس قاطعانه تر با آرمان های روشن رنسانس مخالفت کرد. بنابراین، با توجه به اهمیت سهم روم در هنر رنسانس عالی، باید یک بار دیگر تأکید کرد که فلورانس منبعی به همان اندازه مهم برای شکل‌گیری ایده‌های اجتماعی مترقی باقی ماند، مساعدترین محیط برای ظهور آنها، که این را حفظ کرد. موقعیت تا سال 1530، سال مرگ غم انگیز جمهوری فلورانس. تنها در وحدت دوگانه فلورانس و رم، در درک عینی از نقش واقعی هر یک از این مراکز، می توان ماهیت پیچیده و متناقض فرهنگ رنسانس عالی در ایتالیای مرکزی را درک کرد.

دوره اواخر رنسانس که جایگزین رنسانس عالی شد تعدادی تفاوت کیفی مهم با مرحله قبل داشت. اواسط و نیمه دوم قرن شانزدهم زمان واکنش های اجتماعی رو به رشد بود. انحطاط بیشتر اقتصاد ایتالیا در شرایط سلطه خارجی، که به اکثر نقاط کشور سرایت کرد، با حذف دستاوردهای اجتماعی قبلی همراه شد. کاتولیک رومی به جنبش اصلاحاتی که در بسیاری از کشورهای اروپایی در حال گسترش بود با ضد اصلاحات پاسخ داد که به معنای افزایش شدید سرکوب کلیسا بود. بحران طولانی نه تنها ایالت های مرکزی ایتالیا را تحت تأثیر مستبدان ایتالیایی و خارجی قرار داد، بلکه ونیز را نیز تحت تأثیر قرار داد، که با تضعیف شدید، استقلال دولتی، بخش قابل توجهی از ثروت عظیم و درخشش خود را حفظ کرد. فرهنگ. این بحران بر هنر نیز تأثیر زیادی گذاشت. ایدئولوژی انسان گرای مترقی که بر اساس دموکراتیک جمهوری های شهری پدید آمد، در بسیاری از مراکز کشور جای فرهنگ درباری را گرفت که مراکز شکل گیری آن دادگاه های حاکمان مطلقه خرد بود. اما حتی در این شرایط سخت، نیروهای هنری مترقی که خط هنر رئالیستی رنسانس این دوره را نمایندگی می کردند، به هیچ وجه در هم شکسته نشدند. ونیز پشتوانه اصلی آنها شد. همان دلایلی که دوره رنسانس عالی را در اینجا تا پایان دهه 1530 طولانی کرد، به توسعه پربار هنر ونیزی در اواخر رنسانس کمک کرد. نام تیتیان (در اواخر دوره فعالیت او)، ورونز، تینتورتو، باسانو و نقاشان برگامو و برشا گواهی بر جهش جدیدی در هنر این بخش از شمال ایتالیا است. برعکس، توسکانی و ایالات پاپ (که به ویژه پارما را شامل می‌شد) مراکز اصلی خط دیگری، اساساً ضد رنسانس بودند که توسط هنر منریسم نشان داده می‌شد. از دست دادن آرمان های انسان گرایانه، خروج از واقعیت به دنیای تجربیات ذهنی، وابستگی به محافل ارتجاعی دربار منجر به این واقعیت شد که در هنر شیوه گرایی، احساس ناهماهنگی، سردرگمی درونی، ویژگی های خودسری سوبژکتیویستی به منصه ظهور رسید - کیفیت هایی که به زودی به تهی بی حاصلی از تصاویر پرمدعا و رفتار منحط می شوند. بر فراز توده عمومی اربابان ایتالیای مرکزی که توسط ارتجاع هنری در هم شکسته شده اند، تنها یک شخصیت تاثیرین برمی خیزد - میکل آنژ بووناروتی که در طول زندگی خود به آرمان های اخلاقی والا وفادار بود. او با حفظ کمال فعالیت خلاقانه خود، توانست در شرایط مختلف تاریخی، مسیرهای جدیدی را ترسیم کند. انواع مختلفهنرهای پلاستیکی - در معماری، مجسمه سازی، نقاشی و گرافیک. خود بعد کارهمراه با هنر استادان ونیزی، لایه مهم دیگری از فرهنگ هنری اواخر رنسانس را تشکیل می دهد.

سوگند - تعهد موفقیت خلاقاستادان مترقی اواخر رنسانس پایبندی ملایم به اصول توسعه یافته در دوره قبلی هنر رنسانس نبود، بلکه اجرای عمیقاً خلاقانه آنها مطابق با الزامات یک مرحله تاریخی جدید بود. آنها با حفظ اساس جهان بینی رنسانس - ایمان به انسان، به اهمیت و زیبایی او، جسورانه به دنیای معنوی او حمله کردند و آن را با تمام پیچیدگی و گاه ناسازگاری آن آشکار کردند. از تصویر یک فرد، آنها به تصویر تیم انسانی منتقل شدند. آنها به طور گسترده تر و گسترده تر، رابطه فعال بین شخصیت ها و محیط واقعی که در آن فعالیت می کنند را نشان دادند. واقعیت به خودی خود تجسم ملموس تری را در آثار آنها دریافت کرد تا در تصاویر تعمیم یافته ایده آل استادان رنسانس عالی. مطابق با این وظایف، آنها ابزارهای هنری جدید، راه حل های بصری جدید ایجاد کردند.

دقیقاً همین ویژگی‌های هنر اواخر رنسانس بود که به‌ویژه از نظر تاریخی امیدوارکننده بود، زیرا آنها حاوی فرمول اولیه بسیاری از اصول مهم هنر قرن هفدهم بعدی بودند. بنابراین، هنر اواخر دوره رنسانس دارای ویژگی های مرحله انتقالی بین دو دوره بزرگ هنری - رنسانس و قرن هفدهم است. این گذرا یکی از دلایلی است که اصطلاح «رنسانس متأخر» به اندازه دو واژه «اوایل» و «رنسانس عالی» در علم رایج نیست. علاوه بر این، از نظر زمانی، پایان کل رنسانس را نمی توان با وضوح کافی تعیین کرد. یکی از دلایل این امر در این واقعیت نهفته است که در نیمه دوم قرن شانزدهم تعدادی از روندها در مبارزه متقابل ایجاد شد. حتی قبل از در دهه های اخیر"در قرن شانزدهم، بزرگترین نمایندگان اواخر رنسانس راه خلاق خود را - در معماری پالادیو، و در نقاشی Tintoretto - در ایتالیا تکمیل کردند، اولین نمونه های تکمیل شده از آثار سبک جدید ایجاد شد که در آنها ویژگی ها قبلاً با روندهای اصلی قرن هفدهم مطابقت داشتند. قبلاً در سال 1575، به ساخت نمای باروک کلیسای Gesu در رم (معمار جاکومو دلا پورتا) اشاره دارد و در دهه 1590 به هنر بنیانگذاران اشاره می کند. برادران کاراچی، آکادمی بولونیا را توسعه داده بودند، که از دهه 1530 شروع می شود و تا پایان قرن به پایان می رسد، هنوز کاملاً واضح است که نمی توان آن را تنها به یک مرحله انتقالی و میانی تقلیل داد. بدون شک، هنر ایتالیایی اواخر رنسانس همان جهت گیری کلی را نداشت که با وجود تعداد زیاد و شاخه های مدارس محلی، هنر اوایل و رنسانس عالی متمایز بود. بدون در این دوره بود که برای اولین بار در هنر جهانی در چنین مقیاس وسیعی تضاد شدیدی بین روندهای مترقی و ارتجاعی در هنر پدیدار شد. اما نه تسلط طولانی‌مدت شیوه‌گرایی و نه شکل‌گیری اولیه پایه‌های باروک و آکادمیک نباید این واقعیت را پنهان کند که در اواخر دوره رنسانس، نقش اصلی با خط مترقی باقی ماند که با نام میکل آنژ نشان داده شد. پالادیو و ونیزی های بزرگ و با ارزش ترین بخش میراث هنری این صحنه را تشکیل می دهند. در هنر آنها، هم پیشینه اومانیستی رنسانس کاملاً به وضوح بیان شده است - حتی در جایی که در یک انکسار تراژیک ظاهر می شود - و هم ارتباط متوالی با رنسانس عالی. دوره اواخر رنسانس در ایتالیا پایانی باشکوه از کل است دوران عالیرنسانس.
→