نقاشی های عجیب از هنرمندان مشهور. "نیلوفرهای آبی"، کلود مونه. وسوسه سنت آنتونی. ماتیاس گرونوالد

هنر می تواند هر چیزی باشد. کسی زیبایی طبیعت را می بیند و آن را با قلم مو یا کاتر منتقل می کند، کسی عکس های شگفت انگیزی از بدن انسان می گیرد و کسی زیبایی را در یک بدن وحشتناک می یابد - کاراواجو و ادوارد مونک در این سبک کار کردند. هنرمندان معاصرنه چندان دور از پدران بنیانگذار.

1. دادو

دادو یوگسلاوی در سال 1933 به دنیا آمد و در سال 2010 درگذشت. در نگاه اول، کار او ممکن است کاملا معمولی یا حتی دلپذیر به نظر برسد - این به دلیل انتخاب است رنگ ها: بسیاری از هنرمندان ترسناک مشکی یا قرمز را انتخاب می کنند و دادو سایه های پاستلی را دوست داشت.

اما به تصاویری مانند مزرعه بزرگ در سال 1963 یا فوتبالیست در سال 1964 با دقت نگاه کنید، موجودات عجیب و غریبی را در آنها خواهید دید. صورت آنها پر از درد یا رنج است، تومورها یا اندام های اضافی روی بدنشان قابل مشاهده است یا بدنشان به سادگی دیده می شود. شکل نامنظم. در واقع، تصاویری مانند "مزرعه بزرگ" بسیار ترسناک تر از وحشت محض هستند - دقیقاً به این دلیل که در نگاه اول متوجه هیچ چیز وحشتناکی در آنها نمی شوید.

2. کیت تامپسون

کیت تامپسون بیشتر یک هنرمند تجاری است تا یک هنرمند. او هیولاها را برای فیلم حاشیه اقیانوس آرام گیلرمو دل تورو و لویاتان اسکات وسترفیلد طراحی کرد. کار او با تکنیکی انجام می شود که ترجیح می دهید در کارت های Magic: The Gathering ببینید تا در یک موزه.

به نقاشی او "موجودی از پریپیات" نگاه کنید: این هیولا از چندین حیوان ساخته شده است و به طرز وحشتناکی زشت است، اما ایده خوبی از تکنیک تامپسون می دهد. این هیولا حتی سابقه ای دارد - ظاهراً او یک محصول است فاجعه چرنوبیل. البته، این هیولا تا حدودی ساختگی است، گویی که مستقیماً از دهه 1950 آمده است، اما این باعث نمی شود که از ترسناک شدن آن کاسته شود.

بنیاد SCP این موجود را به عنوان طلسم خود پذیرفت و نام آن را "SCP-682" گذاشت. اما در زرادخانه تامپسون هنوز هم چنین هیولاهای زیادی وجود دارد و موارد وحشتناک تری نیز وجود دارد.

3. جونجی ایتو

در مورد هنرمندان تجاری: برخی از آنها کمیک می کشند. در تجارت کمیک ترسناک، جونجی ایتو قهرمان است. هیولاهای او فقط گروتسک نیستند: هنرمند با دقت تمام چین و چروک ها، هر چین و چروک روی بدن موجودات را ترسیم می کند. این چیزی است که مردم را می ترساند و نه غیرمنطقی بودن هیولاها.

به عنوان مثال، او در کمیک خود "معمای گسل آمیگارا" لباس افراد را برهنه می کند و آنها را به سوراخ انسان نما در سنگ جامد می فرستد - هر چه این سوراخ را نزدیکتر می بینیم، ترسناک تر است، اما حتی "از دور" ترسناک به نظر می رسد.

در مجموعه کتاب های کمیک اوزوماکی (مارپیچ) مردی وجود دارد که به مارپیچ ها وسواس دارد. در ابتدا، وسواس او خنده دار، و سپس ترسناک به نظر می رسد. علاوه بر این، حتی قبل از اینکه وسواس قهرمان به جادو تبدیل شود، ترسناک می شود، که با کمک آن فرد را به چیزی غیرانسانی، اما در عین حال زنده تبدیل می کند.

کار ایتو در میان تمام مانگای ژاپنی متمایز است - شخصیت های "عادی" او به طور غیرعادی واقع گرایانه و حتی زیبا به نظر می رسند، و هیولاها در پس زمینه آنها وحشتناک تر به نظر می رسند.

4. Zdzisław Beksiński

اگر هنرمندی بگوید: "من نمی توانم تصور کنم که عقل در نقاشی به چه معناست"، به احتمال زیاد او بچه گربه ها را نقاشی نمی کند.

Zdzisław Beksiński نقاش لهستانی در سال 1929 به دنیا آمد. او برای چندین دهه، تصاویر کابوس وار در این ژانر خلق کرد رئالیسم خارق العادهتا زمان مرگ هولناکش در سال 2005 (او 17 ضربه چاقو خورد). اکثر دوره پرباردر کار خود در سالهای 1960 - 1980 افتاد: سپس او تصاویر بسیار دقیقی را ایجاد کرد که خود آنها را "عکس رویاهای خود" نامید.

به گفته بکسینسکی، او به معنای این یا آن نقاشی اهمیتی نمی داد، اما برخی از آثار او به وضوح نماد چیزی هستند. به عنوان مثال، در سال 1985 او نقاشی "Trollforgatok" را خلق کرد. این هنرمند در کشوری که توسط جنگ جهانی دوم ویران شده بزرگ شده است، بنابراین چهره های سیاه در تصویر می توانند شهروندان لهستانی را به تصویر بکشند و سر می تواند نوعی اقتدار بی رحم باشد.

خود هنرمند مدعی شد که چیزی از این دست در ذهنش ندارد. در واقع، بکسینسکی در مورد این تصویر گفت که باید آن را به عنوان یک شوخی در نظر گرفت - این همان معنای واقعی طنز سیاه است.

5. وین بارلو

هزاران هنرمند تلاش کرده اند جهنم را به تصویر بکشند، اما وین بارلو به وضوح در این امر موفق بوده است. حتی اگر نام او را نشنیده باشید، احتمالاً کار را دیده اید. او در فیلم‌هایی چون آواتار جیمز کامرون (کارگردان شخصاً او را تحسین کرد)، حاشیه اقیانوس آرام، هری پاتر و زندانی آزکابان و هری پاتر و جام آتش بازی کرده است. اما یکی از برجسته ترین آثار او را می توان کتابی به نام «دوزخ» در سال 1998 نامید.

جهنم برای او فقط سیاه چال هایی با اربابان و ارتش های اهریمنی نیست. بارلو گفت: جهنم بی تفاوتی کامل نسبت به رنج انسان است. شیاطین او اغلب به آنها علاقه نشان می دهند بدن انسانو روح‌ها و بیشتر شبیه آزمایش‌کنندگان رفتار می‌کنند - درد دیگران را نادیده می‌گیرند. مردم برای شیاطین او اصلاً مورد نفرت نیستند، بلکه صرفاً وسیله ای برای سرگرمی های بیهوده هستند، نه بیشتر.

6. تتسویا ایشیدا

در نقاشی های اکریلیک ایسیس، افراد اغلب به اشیایی مانند بسته بندی، تسمه نقاله، ادرار یا حتی بالش هموروئید تبدیل می شوند. بصری هم دارد تصاویر زیباجایی که مردم با طبیعت یکی می شوند یا به سرزمین جادویی تخیل خود می گریزند. اما چنین آثاری بسیار تیره‌تر از نقاشی‌هایی هستند که در آن‌ها کارگران رستوران تبدیل به آدمک‌هایی می‌شوند که غذا را به مشتریان پمپاژ می‌کنند، انگار که در پمپ بنزین به ماشین‌ها سرویس می‌دهند.

صرف نظر از دقت و بصیرت هنرمند یا زنده بودن استعاره های او، نمی توان انکار کرد که سبک کار او وهم انگیز است. هر طنزی در داعش با انزجار و ترس همراه است. کار او در سال 2005 زمانی که ایشیدا 31 ساله با قطار تصادف کرد به پایان رسید که تقریباً به طور قطع خودکشی کرد. ارزش آثار او صدها هزار دلار است.

7. داریوش زاوادزکی

زاوادسکی در سال 1958 به دنیا آمد. او مانند بکسینسکی به سبک رئالیسم خزنده و خارق العاده کار می کند. معلمانش در مدرسه هنرآنها به زاوادسکی گفتند که او بینایی خیلی خوب و چشم ضعیفی ندارد، بنابراین نمی تواند هنرمند شود. خب، آنها به وضوح نتیجه گیری کردند.

در آثار زاوادسکی عناصری از استیم پانک وجود دارد: او اغلب موجوداتی شبیه به روبات ها را می کشد که در زیر پوست مصنوعی آنها مکانیسم های کار قابل مشاهده است. برای مثال به تابلوی رنگ روغن «The Nest» در سال 2007 نگاهی بیندازید. ژست های پرندگان مانند حالت های زنده است، اما قاب به وضوح فلزی است و به سختی با تکه های پوست پوشانده شده است. تصویر ممکن است باعث انزجار شود، اما در عین حال چشم را به خود جلب می کند - می خواهید تمام جزئیات را در نظر بگیرید.

8. جاشوا هافین

جاشوا هافین در سال 1973 در امپوریا، کانزاس به دنیا آمد. او عکس های وحشتناکی می گیرد که در آن افسانه های آشنا از دوران کودکی ویژگی های وحشتناکی به خود می گیرند - البته داستان را می توان تشخیص داد، اما در عین حال معنای آن به شدت تحریف شده است.

بسیاری از کارهای او بیش از حد صحنه‌سازی شده و غیرطبیعی به نظر می‌رسند که واقعاً نمی‌توانند بترسانند. اما مجموعه‌ای از عکس‌ها مانند "شاهکارهای پیکمن" نیز وجود دارد - این ادای احترام به یکی از شخصیت‌های لاوکرفت، هنرمند پیکمن است.

در عکس های سال 2008 که در اینجا مشاهده می کنید، دختر او کلوئه است. چهره دختر تقریباً احساسات را بیان نمی کند و تقریباً به تماشاگر نگاه نمی کند. کنتراست ترسناک: عکس خانوادگیروی میز کنار تخت، دختری با لباس خواب صورتی - و سوسک های بزرگ.

9. پاتریشیا پیچینی

مجسمه های Piccinini گاهی اوقات بسیار متفاوت از یکدیگر هستند: برخی از مجسمه ها موتورسیکلت هایی با شکل نامنظم هستند، برخی دیگر بالن های عجیب و غریب با هوای گرم هستند. اما بیشتر او مجسمه هایی می سازد که ایستادن در یک اتاق با آنها بسیار بسیار ناراحت کننده است. آنها حتی در عکس ها ترسناک به نظر می رسند.

در اثر Indivisible در سال 2004، یک انسان نما به پشت یک کودک عادی فشار داده می شود. آزاردهنده ترین عنصر اعتماد و محبت است - گویی از بی گناهی کودک ظالمانه برای آسیب رساندن به او استفاده شده است.

البته کار پیچینی مورد انتقاد است. آنها حتی در مورد "تقسیم ناپذیر" گفتند که این یک مجسمه نیست، بلکه نوعی حیوان واقعی است. اما نه - این فقط حاصل تخیل او است و این هنرمند همچنان به خلق آثار خود از فایبرگلاس، سیلیکون و مو ادامه می دهد.

10. مارک پاول

کار مارک پاول استرالیایی واقعا تکان دهنده است. نمایش او در سال 2012 مجموعه ای از ترکیبات است که در آن موجودات فانتزی تکامل می یابند، می بلعند و یکدیگر را از یکدیگر جدا می کنند. بدن های خود، تکثیر و زوال می شود. بافت موجودات و محیط ها بسیار متقاعد کننده است و زبان بدن فیگورها دقیقاً به گونه ای انتخاب شده است که موقعیت ها تا حد امکان عادی به نظر برسند - و در نتیجه متقاعد کننده.

البته اینترنت نمی توانست از این هنرمند قدردانی کند. «بنیاد اس‌سی‌پی» فوق‌الذکر، هیولای وحشتناک را از تصویر بالا گرفته و آن را بخشی از داستانی به نام «گوشتی که متنفر است» ساخته است. همچنین داستان های ترسناک زیادی در ارتباط با آثار او وجود دارد.

انسان از زمان های بسیار قدیم به سمت خلاقیت کشیده شده است. شروع با نقاشی های صخره ای ماموت ها و خدایان، ظروف سفالی نقاشی شده، نقاشی های دیواری، پایان دادن به شاهکارها هنر معاصرکه هر روز این فرصت را داریم که آن را تحسین کنیم. همه نقاشان در جستجوی چیزهای خارق العاده، سعی می کنند چیزی منحصر به فرد و متنوع را به سبک بیاورند. کسی به کوچکترین جزئیات توجه می کند، کسی به دنبال سایه ها و طرح های جدید است، اما وجود دارد ردیف هنرمندان غیر معمولکه تصمیم گرفت دنیا را نه تنها با یک قلم مو غافلگیر کند.

هنرمندی که باران را نقاشی می کند

چند سال پیش، لئاندرو گراناتو هنرمند آوانگارد 30 ساله به یک گنج واقعی در آرژانتین تبدیل شد. هنرمند کاملا اختراع کرد تکنیک غیر معمولاستفاده از رنگ روی بوم - از طریق کانال اشکی. این مرد از کودکی می دانست که چگونه آب را به بینی خود بکشد و بلافاصله آن را از طریق چشمان خود بیرون بیاورد.

زمانی که منابع الهام به پایان رسید، لئاندرو تصمیم گرفت چنین تکنیک طراحی را امتحان کند. و من حدس نمی زدم نقاشی های او از 2000 دلار قیمت دارند و به سرعت فروخته می شوند. جالب اینجاست که برای ایجاد چنین تصویری، گراناتو از 800 میلی لیتر رنگ برای هر کاسه چشم استفاده می کند. این آرژانتینی حتی یک رنگ مخصوص بی ضرر برای چشم ها تولید کرد که به گفته پزشکان به هیچ وجه بر سلامت این هنرمند تأثیر نمی گذارد.

دو انگشت در دهان و همه چیز خواهد گذشت

میلی براون سالهاست که تحت شعار "هر هنری حق وجود دارد" زندگی می کند. و همه به این دلیل که نحوه نگارش نقاشی های هنرمند به هیچ وجه در چارچوب پذیرفته شده نمی گنجد.

دختر، هر چقدر هم که زشت به نظر برسد، با استفراغ می کشد. میلی شیر رنگی سویا را در فواصل زمانی خاص می بلعد و سپس خود را بیمار می کند. رنگ به طور طبیعی بیرون می آید و "الگوهای ویژه" ایجاد می کند. به اندازه کافی عجیب، ربات های این هنرمند محبوبیت بیشتری پیدا می کنند، و در میان طرفداران فداکار او حتی می توانید با خود خانم خشن - لیدی گاگا - ملاقات کنید.

نقاشی با سینه سایز چهارم

اسراف همچنین برای معشوقه آمریکایی Kira Ein Vayzerdzhi مشهور شد. سینه های برجسته او به او کمک می کند تا بوم هایی با حداقل 1000 دلار بسازد. این دختر در این تکنیک مبتکر شد و در حال حاضر ده ها پیرو در سراسر جهان دارد. خود کیرا چنین رویکرد عجیبی را در نقاشی با این واقعیت توضیح می دهد که قفسه سینه به شما امکان می دهد رنگ را از زوایای کاملاً متفاوت اعمال کنید و به راحتی تمام ایده های هنرمند را زنده می کند.

"هنر آلت تناسلی"

استاد دیگری که از بدن خود به عنوان ابزاری برای نقاشی و کسب درآمد استفاده می کند، تیم پچ استرالیایی است. قلم مو برای هنرمند ظالم، کرامت اوست. خود تیم، بدون تواضع بیش از حد، از او می خواهد که او را "پریکاسو" (از انگلیسی "prick" - "dick") بنامد و کار او را به عنوان اولین "هنر آلت تناسلی" در تاریخ معرفی می کند. علاوه بر تکنیک کاربرد، استرالیایی به این دلیل معروف شد که در حین کار فقط یک کلاه کاسه ساز به رنگ لزوما نقره ای یا صورتی می پوشد.

میراث نیجریه و سرگین فیل

خالق انگلیسی کریس اوفیلی یکی از تحسین کنندگان درخشان فرهنگ نیجریه است. تمام نقاشی های او کاملاً با روح آفریقا، فرهنگ نیجریه، جنسیت و مدفوع فیل اشباع شده است. اوفیلی به جای رنگ از کود دامی استفاده می کند. البته، برای جلوگیری از بو، مگس و نقاشی های آسیب دیده، مواد اولیه تحت یک عملیات شیمیایی خاص قرار می گیرند، اما واقعیت همچنان پابرجاست.

"آبی با خون نوشته شده"

وینیسیوس کوسادا، نقاش برزیلی، حتی فراتر رفت و با مجموعه ای از نقاشی ها به نام بلوز نوشته شده در خون، مردم را شوکه کرد. آخرین و در به معنای واقعی کلمهکلمات هنرمند برای خلق این شاهکارها به سه رنگ قرمز، زرد و آبی نیاز داشت. نویسنده اول تصمیم گرفت از رگ های خود استخراج کند.

هر دو ماه یکبار، کوسادا به بیمارستان می رود، جایی که پزشکان برای خلق شاهکارها، 480 میلی لیتر خون از او می گیرند. وقتی هواداران به جای رنگ، خون خود را به نابغه تقدیم می‌کنند، او آنها را به مراکز جمع‌آوری خون بیماران می‌فرستد، زیرا معتقد است اهدای خون مهم‌تر از هنر است.

هنر زیر آب

Oleg Nebesny از کیف یکی از معدود هنرمندان جهان است که تصمیم گرفت دو سرگرمی مورد علاقه خود را ترکیب کند: غواصی و طراحی. اولگ در عمق 2 تا 20 متری نقاشی می کشد و این را با این واقعیت توضیح می دهد که تمام زیبایی دنیای زیر آبمی تواند فقط چشم و فقط لحظه را جلب کند. این هنرمند تنها 40 دقیقه برای خلق آثارش وقت می گذارد. قبل از شروع، چسب ضد آب روی بوم اعمال می شود (بنابراین رنگ از روی بوم شسته نمی شود). در میان چیزهای دیگر، رنگ ها در عمق کاملاً متفاوت به نظر می رسند. و قهوه ای روی سطح حتی می تواند مایل به قرمز شود.

اولگ بهشتی کاری را که انجام می دهد آنقدر دوست دارد که حتی یک مدرسه باز کرد نقاشی زیر آبو راز بوم های فوق العاده زیبای نقاشی شده در ته دریا را با همه به اشتراک می گذارد. او همراه با هنرمند روسیدنیس لوتارف به عنوان نویسنده بزرگترین نقاشی زیر آب وارد کتاب رکوردهای گینس شد.

خاکستر و نقاشی

وال تامپسون تمام تابوهای اخلاقی را زیر پا گذاشت. نقاشی زن بوم های زیبابا افزودن خاکستر افراد سوزانده شده به رنگ. نقاشی های او هزاران نفر فروخته می شود و مشتریان نظرات تحسین برانگیزی را در وب سایت ها به جای می گذارند. اولین ربات Val برای همسایه آنا کری پس از مرگ همسرش جان ساخته شد. این بوم یک ساحل بهشت ​​متروک را به تصویر می کشید که جان بیش از همه دوست داشت در آن وقت بگذراند. این عکس چنان سروصدا کرد که وال حتی شرکت خود را به نام Ashes for Art افتتاح کرد.

نقاشی با روح و جسم

چیزی که ما آن را یک بدبختی واقعی می دانیم، آلیسون کورتسون توانست از آن به عنوان ماده ای برای کار خود استفاده کند. زن 38 ساله آمریکایی نقاشی های خود را با معمولی ترین غبار می کشد. جالب اینجاست که آلیسون مواد را از جاروبرقی ها، قفسه ها و کمدهای خود مشتریان جمع آوری می کند. این هنرمند می گوید که او چنین ماده عجیبی را انتخاب کرده است زیرا گرد و غبار خانه از 70 درصد پوست ساکنان خانه تشکیل شده است. بنابراین، به جرات می توان گفت که نقاشی های او نه تنها با روح، بلکه با بدن نیز همراه است.

آثار هنر قاعدگی

از خوانندگان بسیار تأثیرپذیر می خواهیم که از آخرین نکته انحراف ما به هنرهای غیرسنتی بگذرند. لانی بلوسو، هنرمند هاوایی، از منوراژی، بیماری شایع در بین زنان و به عبارتی قاعدگی شدید رنج می برد و تصمیم گرفت از این پدیده در تصاویر خود استفاده کند. چگونه او به این نتیجه رسید، ناشناخته است. در ابتدا "هنرمند" به سادگی روی بوم نشست و خود خون تصاویر خاصی را نقاشی کرد. بعداً لانی شروع به جمع آوری مطالب هر ماه و کشیدن نقاشی از آن کرد. بنابراین دختر 13 نقاشی در آن خلق کرد ترتیب زمانی، گویی به مردم نشان می دهد که در یک سال چقدر خون از دست می دهد.

بدترین چیز این است که این تمام لیست افرادی نیست که تصمیم گرفته اند از قوانین پذیرفته شده منحرف شوند. بنابراین اگر ناگهان هنرمند شدید و تصمیم گرفتید در توسعه هنر مشارکت کنید، می ترسم به دنبال ایده های اصلی باشید.

نقاشی، اگر رئالیست ها را در نظر نگیرید، همیشه عجیب بوده، هست و خواهد بود. اما برخی از عکس ها عجیب تر از بقیه هستند.
به نظر می رسد برخی آثار هنری مات و مبهوت بر سر بیننده ضربه می زند. برخی از آنها شما را به فکر و در جستجوی لایه های معنایی، نمادگرایی مخفی می کشاند. برخی از نقاشی ها در هاله ای از رمز و راز قرار دارند و معماهای عرفانی، و برخی - قیمت های گزاف شگفت انگیز.

برایت ساید تمام دستاوردهای مهم هنر جهان را به دقت بررسی کرده و از بین آنها دوجین نقاشی عجیب را انتخاب کرده است. این انتخاب شامل نقاشی‌هایی از سالوادور دالی نمی‌شود که آثار او کاملاً تحت قالب این ماده قرار می‌گیرند و اولین آثاری هستند که به ذهن می‌رسند.

"جیغ"

ادوارد مونک. 1893، مقوا، روغن، تمپر، پاستل
گالری ملی، اسلو

جیغ یک رویداد برجسته اکسپرسیونیستی و یکی از مشهورترین نقاشی های جهان به حساب می آید. از آنچه به تصویر کشیده شده است دو تفسیر وجود دارد: این خود قهرمان است که وحشت او را فراگرفته و بی صدا فریاد می زند و دستانش را به گوش هایش فشار می دهد. یا قهرمان گوش هایش را می بندد از فریاد دنیا و طبیعتی که در اطرافش می پیچد. مونک چهار نسخه از The Scream را نوشت و نسخه ای وجود دارد که این تصویر ثمره یک روان پریشی شیدایی- افسردگی است که هنرمند از آن رنج می برد. پس از یک دوره درمان در کلینیک، مونک برای کار روی بوم برنگشت.

"من با دو دوست در امتداد مسیر قدم می زدم - خورشید در حال غروب بود - ناگهان آسمان قرمز خون شد، مکث کردم، احساس خستگی کردم و به حصار تکیه دادم - به خون و شعله های آتش بالای آبدره آبی مایل به سیاه نگاه کردم. شهر - دوستانم ادامه دادند، و من ایستادم، از هیجان می‌لرزیدم و فریاد بی‌پایان طبیعت را احساس می‌کردم.» ادوارد مونک درباره تاریخچه این نقاشی گفت.

"از کجا آمدیم؟ کی هستیم؟ کجا می رویم؟"

پل گوگن. 1897-1898، رنگ روغن روی بوم
موزه هنرهای زیبا، بوستون

به دستور خود گوگن، تصویر باید از راست به چپ خوانده شود - سه گروه اصلی از چهره ها سوالات مطرح شده در عنوان را نشان می دهند. سه زن با یک فرزند نشان دهنده آغاز زندگی هستند. گروه میانینماد وجود روزانه بلوغ است. در گروه نهایی، همانطور که توسط هنرمند تصور می شود، " پیرزنبه نظر می رسد که به مرگ نزدیک می شود، آشتی کرده و تسلیم افکارش شده است، در پای او «عجیب است پرنده سفید... نشان دهنده بیهودگی کلمات است."

تصویری عمیقاً فلسفی از پل گوگن پست امپرسیونیست توسط او در تاهیتی نوشته شد، جایی که او از پاریس گریخت. او در پایان کار حتی می خواست خودکشی کند، زیرا: «من معتقدم این بوم نه تنها از همه بوم های قبلی من برتری دارد و هرگز چیزی بهتر و حتی مشابه خلق نمی کنم». او 5 سال دیگر زندگی کرد و چنین شد.

"گرنیکا"

پابلو پیکاسو. 1937، رنگ روغن روی بوم
موزه رینا سوفیا، مادرید

«گرنیکا» صحنه هایی از مرگ، خشونت، وحشیگری، رنج و درماندگی را بدون مشخص کردن علل فوری آنها ارائه می کند، اما آشکار است. گفته می شود در سال 1940 پابلو پیکاسو به گشتاپوی پاریس احضار شد. گفتگو بلافاصله به سمت نقاشی رفت. "آیا تو آن کار را کردی؟" - "نه، تو این کار را کردی."

نقاشی دیواری عظیم "گرنیکا" که توسط پیکاسو در سال 1937 نقاشی شده است، از یورش واحد داوطلبانه لوفت وافه به شهر گرنیکا می گوید که در نتیجه آن شش هزارمین شهر به طور کامل ویران شد. این تصویر به معنای واقعی کلمه در یک ماه نقاشی شد - روزهای اول کار روی تصویر، پیکاسو 10-12 ساعت کار کرد و در اولین طرح ها می توان ایده اصلی را دید. این یکی از بهترین تصاویرکابوس فاشیسم و ظلم انسانیو اندوه

"پرتره آرنولفینی ها"

جان ون آیک. 1434، روغن روی چوب
گالری ملی لندن، لندن

تابلوی معروف کاملاً مملو از نمادها، تمثیل ها و ارجاعات مختلف است - تا امضای "یان ون آیک اینجا بود" که آن را نه تنها به یک اثر هنری، بلکه به یک سند تاریخی تأیید کننده یک رویداد واقعی تبدیل کرد که در آن حضور داشتند. توسط هنرمند

پرتره ای که احتمالاً از جیووانی دی نیکولائو آرنولفینی و همسرش ساخته شده است، یکی از پرتره ترین هاست. کارهای پیچیدهمکتب نقاشی غربی رنسانس شمالی. در روسیه سالهای اخیراین تصویر به دلیل شباهت پرتره آرنولفینی با ولادیمیر پوتین محبوبیت زیادی به دست آورد.

"دیو نشسته"

میخائیل وروبل. 1890، رنگ روغن روی بوم
گالری ترتیاکوف، مسکو

نقاشی میخائیل وروبل با تصویر یک دیو شگفت زده می شود. مرد مو بلند غمگین به هیچ وجه شبیه ایده های جهانی نیست که یک روح شیطانی باید چگونه باشد. این تصویری از قدرت روح انسان، مبارزه درونی، شک و تردید است. دیو در حالی که دستانش را به طرز غم انگیزی به هم می زند، با چشمان غمگین و بزرگی که به دوردست ها معطوف شده است، می نشیند و اطراف آن را گل احاطه کرده است. این ترکیب بر محدودیت شکل دیو تأکید می کند، گویی بین میله های متقاطع بالایی و پایینی قاب قرار گرفته است.

خود این هنرمند در مورد معروف ترین نقاشی خود گفت: "دیو آنقدر روح شیطانی نیست که یک روح رنجور و سوگوار است، با همه اینها روحی سلطه گر و باشکوه."

"آپوتئوز جنگ"

واسیلی ورشچاگین. 1871، رنگ روغن روی بوم
گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

این تصویر به قدری عمیق و با احساس نوشته شده است که در پشت هر جمجمه ای که در این انبوه قرار دارد، شروع به دیدن افراد، سرنوشت آنها و سرنوشت کسانی می کنید که دیگر این افراد را نخواهند دید. خود ورشچاگین، با طعنه غم انگیز، بوم را "طبیعت بی جان" نامید - "طبیعت مرده" را به تصویر می کشد. تمام جزئیات تصویر، از جمله رنگ زرد، نماد مرگ و ویرانی است. روشن آسمان آبیبر مرده بودن تصویر تاکید می کند. ایده "Apotheosis of War" نیز با زخم های شمشیرها و سوراخ های گلوله روی جمجمه ها بیان می شود.

ورشچاگین یکی از اصلی ترین نقاشان نبرد روسی است، اما او جنگ ها و نبردها را نقاشی می کرد نه به این دلیل که آنها را دوست داشت. برعکس، او سعی کرد نگرش منفی خود را نسبت به جنگ به مردم منتقل کند. یک بار ورشچاگین، در گرمای احساسات، فریاد زد: "بیشتر نقاشی های نبردمن نمی نویسم - همین! آنچه را که می نویسم بیش از حد به قلبم می گیرم، غم و اندوه هر مجروح و کشته را (به معنای واقعی کلمه) فریاد می زنم. "احتمالاً نتیجه این تعجب، تصویر وحشتناک و سحر آمیز "آپوتئوز جنگ" بود که یک میدان را به تصویر می کشد. کلاغ ها و کوهی از جمجمه انسان.

"گوتیک آمریکایی"

گرانت وود 1930، نفت. 74×62 سانتی متر
موسسه هنر شیکاگو، شیکاگو

تصویر پدر و دختری غمگین مملو از جزئیاتی است که حکایت از شدت، خالص بودن و واپس‌گرایی افراد به تصویر کشیده است. چهره های عصبانی، چنگال درست در وسط تصویر، لباس های قدیمی حتی با استانداردهای سال 1930، آرنج آشکار، درزهایی روی لباس کشاورز که شکل چنگال را تکرار می کند، و بنابراین تهدیدی که متوجه هرکسی است. که تجاوز می کند همه این جزئیات را می‌توان بی‌پایان نگاه کرد و از ناراحتی منقلب شد. «گوتیک آمریکایی» یکی از بهترین هاست تصاویر قابل تشخیصدر هنر آمریکایی قرن بیستم، مشهورترین میم هنری قرن بیستم و قرن XXI. جالب اینجاست که داوران مسابقه در مؤسسه هنری شیکاگو "گوتیک" را به عنوان "ولنتاین طنز" درک کردند و مردم آیووا به دلیل به تصویر کشیدن آنها در چنین نور ناخوشایندی از وود به شدت آزرده شدند.

"عاشقان"

رنه ماگریت. 1928، رنگ روغن روی بوم

نقاشی "عاشقان" ("عاشقان") در دو نسخه وجود دارد. روی یکی زن و مردی که سرشان در پارچه ای سفید پیچیده شده در حال بوسیدن هستند و روی دیگری به تماشاگر «نگاه می کنند». تصویر شگفت زده و مجذوب کننده است. ماگریت با دو چهره بدون چهره، ایده کوری عشق را منتقل کرد. درباره نابینایی به تمام معنا: عاشقان کسی را نمی بینند، ما او را نمی بینیم چهره های واقعیو ما، و علاوه بر این، عاشقان - یک راز حتی برای یکدیگر. اما با این وضوح ظاهری، ما همچنان به دوستداران ماگریت نگاه می کنیم و در مورد آنها فکر می کنیم.

تقریباً همه نقاشی‌های ماگریت معماهایی هستند که نمی‌توان آنها را به طور کامل حل کرد، زیرا سؤالاتی را در مورد ماهیت وجود ایجاد می‌کنند. ماگریت همیشه در مورد فریبکاری امر مرئی صحبت می کند، در مورد رمز و راز پنهان آن، که ما معمولاً متوجه آن نمی شویم.

"راه رفتن"

مارک شاگال. 1917، رنگ روغن روی بوم
گالری دولتی ترتیاکوف

"Walk" یک سلف پرتره با همسرش بلا است. معشوق او در آسمان اوج می گیرد و به نظر می رسد که او را به داخل پرواز می کشانند و شاگال که به طور متزلزلی روی زمین ایستاده است و گویی فقط با پنجه های کفشش او را لمس می کند. شاگال در دست دیگرش یک زن جوان دارد - او خوشحال است، او یک تیغ در دستانش دارد (احتمالاً نقاشی او) و یک جرثقیل در آسمان. مارک شاگال که معمولاً در نقاشی خود بسیار جدی بود، مانیفست لذت بخشی از شادی خود نوشت که مملو از تمثیل ها و عشق بود.

"باغ لذت های زمینی"

هیرونیموس بوش. 1500-1510، روغن روی چوب
پرادو، اسپانیا

"باغ لذت های زمینی" سه گانه معروف Hieronymus Bosch، که نام خود را از موضوع قسمت مرکزی گرفته است، به گناه شهوت‌انگاری اختصاص دارد. تصویر مملو از چهره‌های شفاف، ساختارهای خارق‌العاده، هیولاهایی است که به توهم تبدیل شده‌اند، کاریکاتورهای جهنمی از واقعیت، که او با نگاهی جستجوگر و بسیار تیز به آن نگاه می‌کند.

برخی از دانشمندان می‌خواستند در سه‌گانه تصویری از زندگی انسان را از منشور غرور و تصاویر آن ببینند. عشق زمینی، دیگران - پیروزی هوسبازی. با این حال، بی‌گناهی و بی‌تفاوتی که با آن شخصیت‌های فردی تفسیر می‌شوند، و نیز نگرش مساعد مقامات کلیسا نسبت به این اثر، شک می‌کند که ستایش لذت‌های بدنی می‌تواند محتوای آن باشد. تا به امروز، هیچ یک از تفسیرهای موجود از تصویر به عنوان تنها تفسیر واقعی شناخته نشده است.

"سه عصر زن"

گوستاو کلیمت. 1905، رنگ روغن روی بوم
گالری ملی هنر مدرن، رم

«سه عصر زن» هم شادی آور است و هم غم انگیز. در آن، داستان زندگی یک زن در سه شکل نوشته شده است: بی خیالی، آرامش و ناامیدی. زن جوان به صورت ارگانیک در زینت زندگی تنیده شده است، پیرزن از او متمایز است. تضاد بین تصویر تلطیف شده یک زن جوان و تصویر طبیعت گرایانه یک زن مسن معنایی نمادین به خود می گیرد: مرحله اول زندگی امکانات و دگردیسی های بی پایان را به همراه دارد، آخرین مرحله - ثبات و تضاد تغییر ناپذیر با واقعیت. بوم رها نمی کند، در روح فرو می رود و باعث می شود به عمق پیام هنرمند و همچنین به عمق و ناگزیر بودن زندگی فکر کنید.

"خانواده"

اگون شیله. 1918، رنگ روغن روی بوم
گالری Belvedere، وین

شیله شاگرد کلیمت بود، اما، مانند هر دانش آموز ممتاز، از استاد خود کپی نکرد، بلکه به دنبال چیز جدیدی بود. شیله بسیار تراژیک تر، عجیب تر و ترسناک تر از گوستاو کلیمت است. در آثار او چیزهای زیادی وجود دارد که می توان آن را پورنوگرافی، انحرافات مختلف، طبیعت گرایی و در عین حال ناامیدی دردناک نامید. «خانواده» جدیدترین اثر اوست که در آن ناامیدی به حد مطلق کشیده شده است، علیرغم اینکه این عجیب ترین تصویر اوست. او درست قبل از مرگش، پس از مرگ همسر باردارش ادیت بر اثر آنفولانزای اسپانیایی، آن را نقاشی کرد. او در سن 28 سالگی، تنها سه روز پس از ادیت، در حالی که توانسته بود او، خودش و آنها را بکشد، درگذشت. فرزند متولد شده.

"دو فریداس"

فریدا کالو. 1939

داستان زندگی سختفریدا کالو هنرمند مکزیکی پس از اکران فیلم "فریدا" با بازی سلما هایک در نقش رهبری. کالو بیشتر خودنگاره می کشید و آن را به سادگی توضیح می داد: "من خودم را نقاشی می کنم زیرا زمان زیادی را تنها می گذرانم و به این دلیل که من موضوعی هستم که بهتر می دانم." فریدا کالو در هیچ پرتره ای از خود لبخند نمی زند: چهره ای جدی و حتی غمگین، ابروهای ضخیم در هم آمیخته، سبیل های کمی قابل توجه روی لب های فشرده. ایده های نقاشی های او در جزئیات، پس زمینه، چهره هایی که در کنار فریدا ظاهر می شوند رمزگذاری شده است. نمادگرایی کالو بر اساس سنت های ملیو ارتباط نزدیکی با اساطیر هندی دوره ماقبل اسپانیایی دارد. در یکی از بهترین نقاشی ها - "دو فریداس" - او اصول مردانه و زنانه را بیان کرد که توسط یک سیستم گردش خون در او به هم مرتبط است و یکپارچگی او را نشان می دهد.

"پل واترلو. جلوه مه"

کلود مونه. 1899، رنگ روغن روی بوم
موزه دولتی هرمیتاژ، سنت پترزبورگ

هنگام مشاهده تصویر از فاصله نزدیک، بیننده چیزی جز بوم را نمی بیند که روی آن ضربه های روغنی ضخیم مکرر اعمال می شود. تمام جادوی کار زمانی آشکار می شود که به تدریج شروع به دور شدن از بوم برای مسافت طولانی کنیم. ابتدا نیم دایره های نامفهومی در مقابل ما ظاهر می شوند که از وسط تصویر می گذرند، سپس خطوط واضح قایق ها را می بینیم و با حرکت در فاصله حدود دو متری، همه آثار اتصال به وضوح ترسیم شده و به صورت منطقی ردیف می شوند. زنجیر جلوی ما

"شماره 5، 1948"

جکسون پولاک 1948، تخته فیبر، روغن

عجیب بودن این تصویر در این است که بوم رهبر اکسپرسیونیسم انتزاعی آمریکا که با ریختن رنگ روی تکه ای از تخته فیبر پهن شده روی زمین کشیده، گران ترین نقاشی جهان است. در سال 2006، در حراج ساتبی، آنها 140 میلیون دلار برای آن پرداخت کردند. دیوید گیفن، تهیه کننده و مجموعه دار فیلم، آن را به دیوید مارتینز، سرمایه دار مکزیکی فروخت. "من همچنان از ابزارهای معمول یک هنرمند مانند سه پایه، پالت و قلم مو دور می شوم. من چوب، قاشق، چاقو و ریختن رنگ یا مخلوطی از رنگ با شن، شیشه شکسته یا چیزهای دیگر را ترجیح می دهم. وقتی داخل خانه هستم. یک نقاشی، من نمی‌دانم چه کار می‌کنم. فهمیدن بعداً به دست می‌آید. من هیچ ترسی از تغییر یا از بین بردن تصویر ندارم، زیرا عکس زندگی خودش را دارد. فقط کمک می‌کنم بیرون بیاید. اما اگر ببازم تماس با عکس، کثیفی و آشفتگی بیرون می آید.

"مرد و زن در مقابل انبوهی از فضولات"

جوآن میرو. 1935، مس، نفت
بنیاد جوآن میرو، اسپانیا

عنوان خوب و چه کسی فکرش را می کرد که این تصویر به ما در مورد وحشت می گوید جنگ های داخلی. این نقاشی در هفته بین 15 و 22 اکتبر 1935 بر روی یک ورق مس ساخته شده است. به گفته میرو، این نتیجه تلاش برای به تصویر کشیدن تراژدی جنگ داخلی اسپانیا است. میرو گفت که این تصویر مربوط به یک دوره ناآرامی است. این نقاشی مرد و زنی را نشان می دهد که دستان یکدیگر را دراز کرده اند، اما حرکت نمی کنند. بزرگ شدن اندام تناسلی و رنگ های شوم به عنوان "پر از انزجار و تمایلات جنسی منزجر کننده" توصیف شده است.

"فرسایش"

جاک یرکا

نئوسوررئالیست لهستانی به خاطر او در سراسر جهان شناخته شده است تصاویر شگفت انگیزکه در آن واقعیت ها متحد می شوند و واقعیت های جدیدی را ایجاد می کنند. دشوار است که کارهای بسیار دقیق و تا حدی تأثیرگذار او را یکی یکی در نظر بگیریم، اما قالب مطالب ما چنین است و ما مجبور شدیم یکی را انتخاب کنیم - برای نشان دادن تخیل و مهارت او. توصیه می کنیم بیشتر بخوانید.

"دستها در برابر او مقاومت می کنند"

بیل استونهام 1972

این اثر را البته نمی توان در ردیف شاهکارهای هنر جهان قرار داد، اما عجیب بودن آن یک واقعیت است. در اطراف تصویر با پسری، عروسک و کف دست های فشرده شده روی شیشه، افسانه هایی وجود دارد. از «به خاطر این عکس می میرند» تا «بچه های آن زنده هستند». تصویر واقعا وحشتناک به نظر می رسد، که باعث ایجاد ترس و حدس های زیادی در افراد با روان ضعیف می شود. از سوی دیگر این هنرمند اطمینان داد که این تصویر خود را در سن پنج سالگی نشان می دهد که در یک بازنمایی است. خط تقسیمبین دنیای واقعی و دنیای رویاها و عروسک راهنمایی است که می تواند پسر را در این دنیا هدایت کند. دست ها زندگی یا امکانات جایگزین را نشان می دهند. این نقاشی در فوریه 2000 زمانی که برای فروش در eBay با داستانی که می‌گوید این نقاشی "آشکار شده است" در لیست فروش قرار گرفت، شهرت یافت. "Hands Resist Him" ​​توسط کیم اسمیت به قیمت 1025 دلار خریداری شد که پس از آن مملو از نامه هایی از طرف او شد. داستان های ترسناکو خواستار سوزاندن نقاشی است.

هنرهای زیبا می تواند طیف وسیعی از احساسات را به ارمغان بیاورد. برخی از عکس ها باعث می شوند ساعت ها به آنها نگاه کنید، در حالی که برخی دیگر به معنای واقعی کلمه جهان بینی شما را شوکه، شگفت زده و منفجر می کنند. شاهکارهایی هستند که شما را به فکر و جستجو وادار می کنند معنی مخفی. برخی از نقاشی ها در اسرار عرفانی پوشیده شده اند، در حالی که در برخی دیگر نکته اصلی قیمت بسیار بالای آنها است.

نقاشی های عجیب و غریب زیادی در تاریخ نقاشی جهان وجود دارد. در رتبه بندی خود عمداً از سالوادور دالی که در این ژانر استاد بود و نامش اول به ذهن می آید اشاره ای نمی کنیم. و اگرچه خود مفهوم غرابت ذهنی است، اما می توان آن آثار شناخته شده را که به وضوح خارج از عرف هستند، جدا کرد.

ادوارد مونک "جیغ"این اثر با ابعاد 91x73.5 سانتی متر در سال 1893 ساخته شده است. مونک آن را با رنگ روغن، پاستل و تمپر نقاشی کرد، امروزه این نقاشی در آن نگهداری می شود گالری ملیاسلو خلقت این هنرمند به نقطه عطفی برای امپرسیونیسم تبدیل شده است، به طور کلی یکی از مشهورترین نقاشی های جهان امروز است. خود مونک داستان پیدایش آن را اینگونه بیان کرد: «من با دو دوست در مسیر قدم می زدم، در این هنگام خورشید در حال غروب بود، ناگهان آسمان قرمز خون شد، من در حالی که احساس خستگی می کردم ایستادم و به حصار تکیه دادم. من به خون و شعله های آتش بر فراز "آبدره و شهر سیاه" آبی رنگ نگاه کردم. دوستانم ادامه دادند و من آنجا ایستادم و از هیجان می لرزیدم و گریه بی پایان را که طبیعت را سوراخ می کند احساس می کردم. دو نسخه از تفسیر معنای ترسیم شده وجود دارد. می توان در نظر گرفت که شخصیت ترسیم شده با وحشت گرفتار شده و بی صدا فریاد می زند و دستانش را به گوش هایش فشار می دهد. روایت دیگری می گوید که مرد گوش هایش را از فریادهای اطرافش بسته است. در مجموع، مونک 4 نسخه از "جیغ" را ساخت. برخی از کارشناسان معتقدند که این تصویر تجلی کلاسیک روان پریشی شیدایی- افسردگی است که هنرمند از آن رنج می برد. وقتی مونک در کلینیک تحت درمان قرار گرفت، به این بوم برنگشت.

پل گوگن "از کجا آمده ایم؟ کی هستیم؟ کجا داریم می رویم؟".که در موزه بوستونهنرهای زیبا، این اثر امپرسیونیستی را می توانید در ابعاد 139.1x374.6 سانتی متر بیابید که در سال های 1897-1898 با رنگ روغن روی بوم نقاشی شده است. این اثر عمیق توسط گوگن در تاهیتی نوشته شده است، جایی که او از شلوغی بازنشسته شد زندگی پاریسی. این تصویر آنقدر برای هنرمند مهم شد که در پایان آن حتی می خواست خودکشی کند. گوگن معتقد بود که او سر و شانه بهترین چیزی است که قبلا خلق کرده بود. این هنرمند معتقد بود که دیگر نمی تواند چیزی بهتر یا مشابه خلق کند، او به سادگی چیزی برای تلاش برای تلاش ندارد. گوگن 5 سال دیگر زندگی کرد و صحت قضاوت های خود را ثابت کرد. خودش گفته که مال تصویر اصلیباید از راست به چپ مشاهده شود. سه گروه اصلی از فیگورها روی آن وجود دارد که سؤالاتی را که بوم با آنها عنوان شده است را نشان می دهد. سه زن با یک فرزند آغاز زندگی را نشان می دهند، در وسط افراد نماد بلوغ هستند، در حالی که پیری توسط زنی مسن نشان داده می شود که منتظر مرگ خود است. به نظر می رسد که او با این موضوع کنار آمده و به چیزی فکر می کند. در پای او پرنده ای سفید است که نمادی از بی معنی بودن کلمات است.

پابلو پیکاسو "گرنیکا"آثار پیکاسو در موزه رینا سوفیا در مادرید نگهداری می شود. تصویر بزرگسایز 349 در 776 سانتی متر نقاشی شده با رنگ روغن روی بوم. این بوم نقاشی در سال 1937 ساخته شده است. تصویر از یورش خلبانان داوطلب فاشیست به شهر گرنیکا می گوید. در اثر آن وقایع شهر با جمعیت 6 هزار نفری به کلی از روی زمین محو شد. این هنرمند این تصویر را تنها در یک ماه خلق کرد. در روزهای اولیه، پیکاسو 10 تا 12 ساعت کار می کرد، در اولین طرح های او می توان دید. ایده اصلی. در نتیجه، این تصویر به یکی از بهترین تصاویر از تمام وحشت فاشیسم، ظلم و اندوه انسانی تبدیل شد. در «گرنیکا» می توان صحنه ای از قساوت، خشونت، مرگ، رنج و درماندگی را در نظر گرفت. اگرچه دلایل این امر به صراحت بیان نشده است، اما از تاریخ مشخص است. گفته می شود که در سال 1940 پابلو پیکاسو حتی به گشتاپوی پاریس احضار شد. فوراً از او پرسیده شد: آیا این کار را کردی؟ که هنرمند پاسخ داد: "نه، تو این کار را کردی."

یان ون ایک "پرتره آرنولفینی ها".این تابلو در سال 1434 با رنگ روغن روی چوب کشیده شده است. ابعاد این شاهکار 81.8x59.7 سانتی متر است و در گالری ملی لندن نگهداری می شود. احتمالاً این نقاشی جووانی دی نیکولائو آرنولفینی را به همراه همسرش نشان می دهد. این اثر یکی از دشوارترین آثار مکتب نقاشی غربی در دوران رنسانس شمالی است. در این نقاشی معروف مقدار زیادینمادها، تمثیل ها و سرنخ های مختلف. تنها امضای هنرمند «جان ون آیک اینجا بود» چیست. در نتیجه، تصویر فقط یک اثر هنری نیست، بلکه یک سند تاریخی واقعی است. به هر حال، این یک رویداد واقعی را به تصویر می کشد که ون ایک ثبت کرده است. این تصویر در اخیرادر روسیه بسیار محبوب شد، زیرا با چشم غیر مسلح، شباهت آرنولفینی با ولادیمیر پوتین قابل توجه است.

میخائیل وروبل "دیو نشسته".گالری ترتیاکوف این شاهکار اثر میخائیل وروبل را که در سال 1890 با رنگ روغن نقاشی شده است، نگهداری می کند. ابعاد بوم 114x211 سانتی متر است دیو به تصویر کشیده شده در اینجا تعجب آور است. او به عنوان یک مرد جوان غمگین ظاهر می شود موی بلند. معمولاً افراد ارواح شیطانی را به این شکل تصور نمی کنند. خود وروبل در مورد مشهورترین بوم نقاشی خود گفت که از نظر او دیو چندان زیاد نیست روح شیطانیچقدر رنج در عین حال نمی توان از او اقتدار و عظمت را منکر شد. دیو وروبل، اول از همه، تصویری از روح انسانی است که در درون ما از مبارزه مداوم با خود و تردیدها حاکم است. این موجود که توسط گل احاطه شده است، به طرز غم انگیزی دستان خود را به هم چسبانده است، چشمان بزرگش با اندوه به دوردست می نگرد. کل ترکیب، محدودیت شکل دیو را بیان می کند. گویی او در این تصویر بین بالا و پایین قاب عکس قرار گرفته است.

واسیلی ورشچاگین "آپوتئوز جنگ".این تصویر در سال 1871 نقاشی شد، اما به نظر می رسید که نویسنده در آن وحشت جنگ های جهانی آینده را پیش بینی کرده است. سایز بوم 127x197 سانتی متر در گالری ترتیاکوف نگهداری می شود. ورشچاگین را یکی از بهترین نقاشان نبرد در نقاشی روسی می دانند. با این حال، او جنگ و نبرد را ننوشت زیرا آنها را دوست داشت. این هنرمند سعی کرد با هنرهای زیبا نگرش منفی خود را نسبت به جنگ به مردم منتقل کند. یک بار Vereshchagin حتی قول داد که دیگر تصاویر نبرد را ننویسد. از این گذشته، هنرمند غم هر سرباز مجروح و کشته شده ای را بیش از حد به قلب خود نزدیک کرد. نتیجه چنین نگرش قلبی به این موضوع «آپوتئوزیس جنگ» بود. تصویری وحشتناک و حیرت‌انگیز، کوهی از جمجمه‌های انسان را در زمینی با کلاغ‌ها به تصویر می‌کشد. ورشچاگین ایجاد کرد بوم احساسی، در پشت هر جمجمه در انبوهی عظیم، تاریخ و سرنوشت افراد و افراد نزدیک به آنها قابل ردیابی است. خود هنرمند به طعنه این نقاشی را طبیعت بی جان نامید، زیرا طبیعت مرده را به تصویر می کشد. تمام جزئیات «آپوتئوزیس جنگ» از مرگ و پوچی فریاد می زند، این را می توان حتی در پس زمینه زرد زمین دید. و آبی آسمان فقط بر مرگ تاکید دارد. ایده وحشت های جنگ با سوراخ های گلوله و علائم سابر روی جمجمه ها تأکید می شود.

گرانت وود "گوتیک آمریکایی".این تابلوی کوچک 74 در 62 سانتی متر است که در سال 1930 خلق شده و اکنون در موسسه هنر شیکاگو نگهداری می شود. نقاشی یکی از بهترین هاست نمونه های معروفهنر آمریکایی قرن گذشته. قبلاً در زمان ما نام " گوتیک آمریکایی"اغلب در رسانه ها ذکر شده است. این تصویر یک پدر نسبتاً غمگین و دخترش را نشان می دهد. جزئیات متعددی از شدت، خالص بودن و سخت گیری این افراد حکایت می کند. آنها چهره های ناراضی دارند، چنگال های تهاجمی در وسط تصویر ظاهر می شوند و این زوج نشان می دهد. لباس‌ها حتی با استانداردهای آن زمان از مد افتاده‌اند. حتی درز روی لباس کشاورز هم شکل چنگال را تکرار می‌کند و تهدید را برای کسانی که سبک زندگی او را زیر پا می‌گذارند دوچندان می‌کند. جزئیات تصویر را می‌توان بی‌پایان بررسی کرد و از نظر فیزیکی احساس کرد. ناراحتی.جالب است که زمانی در مسابقه در موسسه هنر شیکاگو، این تصویر توسط داوران به عنوان طنز پذیرفته شد. در اینجا مردم آیووا هنرمند را به خاطر قرار دادن آنها در چنین منظر ناخوشایندی آزار دادند. خواهر وودا بازی کرد. به عنوان الگوی زن، اما دندانپزشک نقاش نمونه اولیه مرد عصبانی شد.

عاشقان رنه ماگریت.این نقاشی در سال 1928 با رنگ روغن روی بوم کشیده شد. در این مورد دو گزینه وجود دارد. روی یکی از آنها زن و مردی در حال بوسیدن هستند، فقط سرشان در پارچه سفید پیچیده شده است. در نسخه دیگری از نقاشی، عاشقان به بیننده نگاه می کنند. کشیده و شگفت زده می کند و مجذوب می شود. چهره های بدون چهره نماد کوری عشق هستند. معلوم است که عاشقان کسی را در اطراف نمی بینند، اما ما نمی توانیم احساسات واقعی آنها را ببینیم. حتی برای یکدیگر، این افراد، کور شده از احساس، در واقع یک راز هستند. و اگرچه پیام اصلی تصویر واضح به نظر می رسد، "عاشقان" همچنان شما را وادار می کنند به آنها نگاه کنید و به عشق فکر کنید. در ماگریت به طور کلی تقریباً تمام نقاشی ها معما هستند که حل آنها کاملاً غیرممکن است. از این گذشته ، این بوم ها سؤالات اصلی را در مورد معنای زندگی ما ایجاد می کنند. در آنها، هنرمند از ماهیت توهمی آنچه می بینیم صحبت می کند، اینکه چیزهای مرموز زیادی در اطراف ما وجود دارد که سعی می کنیم متوجه آنها نشویم.

مارک شاگال "پیاده روی".این نقاشی در سال 1917 با رنگ روغن روی بوم نقاشی شد، اکنون در ایالت نگهداری می شود گالری ترتیاکوف. مارک شاگال در آثارش معمولاً جدی است، اما در اینجا به خود اجازه نشان دادن احساسات را داد. تصویر بیانگر شادی شخصی هنرمند است، پر از عشق و تمثیل. "پیاده روی" او یک خودنگاره است که در آن شاگال همسرش بلا را در کنار خود به تصویر کشیده است. منتخب او در آسمان اوج می گیرد ، او می خواهد هنرمند را به آنجا بکشاند ، که تقریباً از زمین خارج شده است و فقط با نوک کفش هایش آن را لمس می کند. در دست دیگر مرد یک لقمه است. می توان گفت که شاگال شادی خود را اینگونه به تصویر کشیده است. او یک جرثقیل در آسمان به شکل یک زن معشوق دارد و یک گز در دستانش که منظورش از کار او بود.

هیرونیموس بوش "باغ لذت های زمینی".این بوم در ابعاد 389x220 سانتی متر در موزه اسپانیایی پراوو نگهداری می شود. بوش نقاشی رنگ روغن را بین سال های 1500 تا 1510 روی چوب کشید. این مشهورترین سه‌گانه بوش است، اگرچه این نقاشی دارای سه بخش است، اما نام آن از قسمت مرکزی گرفته شده است که به شهوت‌انگاری اختصاص دارد. حول معنا عکس عجیباختلافات دائمی وجود دارد، چنین تفسیری از آن وجود ندارد که به عنوان تنها تفسیر واقعی شناخته شود. علاقه به سه‌گانه به دلیل وجود زیاد است قطعات کوچککه ایده اصلی را بیان می کند. چهره های شفاف، ساختارهای غیرمعمول، هیولاها، کابوس ها و رویاهایی که به حقیقت پیوسته اند، و تغییرات جهنمی از واقعیت وجود دارد. این هنرمند توانست با نگاهی تیز و جستجوگر به همه اینها نگاه کند و عناصر غیر مشابه را در یک بوم واحد ترکیب کند. برخی از محققان سعی کردند در تصویر یک انعکاس را ببینند زندگی انسانکه نویسنده آن را بیهوده نشان داده است. دیگران تصاویر عشق را یافتند، کسی پیروزی شهوت را. با این حال، تردید وجود دارد که نویسنده در تلاش برای تجلیل از لذت های نفسانی بوده است. به هر حال، چهره های مردم با بی تفاوتی سرد و بی گناهی به تصویر کشیده می شوند. بله، و مقامات کلیسا نسبت به این نقاشی بوش واکنش مثبت نشان دادند.

گوستاو کلیمت "سه عصر زن"این نقاشی در گالری ملی هنر مدرن رم نگهداری می شود. بوم مربع به عرض 180 سانتی متر در سال 1905 با رنگ روغن روی بوم نقاشی شد. این تصویر در عین حال بیانگر شادی و غم است. این هنرمند در سه شکل توانست تمام زندگی یک زن را نشان دهد. اولی که هنوز بچه است، به شدت بی خیال است. یک زن بالغ بیانگر آرامش است و آخرین سن نماد ناامیدی است. در عین حال، میانسالی به طور ارگانیک در زینت زندگی بافته می شود و قدیمی به طور قابل توجهی در پس زمینه آن برجسته می شود. تضاد آشکار زن جوان و سالخورده نمادین است. اگر شکوفایی زندگی با احتمالات و تغییرات متعدد همراه باشد، آخرین مرحله، مرحله ثبات ریشه‌دار و تضاد با واقعیت است. چنین تصویری توجه را به خود جلب می کند و باعث می شود در مورد قصد هنرمند، عمق آن فکر کنید. این شامل تمام زندگی با اجتناب ناپذیری و دگردیسی است.

اگون شیله "خانواده".این بوم 152.5x162.5 سانتی متری در سال 1918 با رنگ روغن نقاشی شده است. اکنون در Belvedere وین ذخیره می شود. معلم شیله خود کلیمت بود، اما دانش آموز با پشتکار سعی نکرد از او کپی کند و به دنبال روش های بیانی خودش بود. به جرات می توان گفت که کار شیله حتی بسیار تراژیک تر، ترسناک تر و عجیب تر از کلیمت است. برخی از عناصر امروزه پورنوگرافیک نامیده می شوند، در اینجا انحرافات مختلفی وجود دارد، طبیعت گرایی با زیبایی تمام وجود دارد. در عین حال، تصاویر به معنای واقعی کلمه با نوعی ناامیدی دردناک نفوذ می کنند. اوج خلاقیت شیله و خودش آخرین عکس"خانواده" است. در این بوم، ناامیدی به حداکثر می رسد، در حالی که خود اثر برای نویسنده کمترین عجیب را نشان می دهد. پس از مرگ همسر باردار شیله بر اثر آنفولانزای اسپانیایی و اندکی قبل از مرگ او، این شاهکار ساخته شد. تنها 3 روز بین این دو مرگ سپری شد، آن ها برای هنرمند کافی بود تا خود را در کنار همسر و فرزند متولد نشده اش به تصویر بکشد. در آن زمان شیله تنها 28 سال داشت.

فریدا کالو "دو فریدا"این نقاشی در سال 1939 متولد شد. هنرمند مکزیکیفریدا کالو پس از اکران فیلمی درباره او با بازی سلما هایک در نقش اصلی به شهرت رسید. اساس کار این هنرمند خودنگاره های او بود. خود او این واقعیت را اینگونه توضیح داد: "من خودم می نویسم زیرا زمان زیادی را تنها می گذرانم و به این دلیل که موضوعی هستم که بهتر می دانم." جالب است که فریدا روی هیچ کدام از بوم هایش لبخند نمی زند. چهره او جدی است، حتی تا حدودی ماتم زده. ابروهای ضخیم در هم آمیخته و سبیل به سختی قابل توجه در بالای لب های جمع شده بیانگر حداکثر جدیت است. ایده‌های نقاشی‌ها در شکل‌ها، پس‌زمینه و جزئیات آنچه فریدا را احاطه کرده است، نهفته است. نمادگرایی نقاشی ها بر اساس سنت های ملی مکزیک است که از نزدیک با اساطیر قدیمی هند در هم تنیده شده است. "دو فریداس" یکی از بهترین عکس های مکزیکی است. در او راه اصلیاصول مردانه و زنانه با داشتن یک واحد نمایش داده می شود سیستم گردش خون. بدین ترتیب هنرمند وحدت و یکپارچگی این دو متضاد را نشان داد.

کلود مونه "پل واترلو. اثر مه".در ارمیتاژ سنت پترزبورگ می توانید این نقاشی مونه را پیدا کنید. در سال 1899 با رنگ روغن روی بوم نقاشی شد. در معاینه نزدیکدر نقاشی به صورت لکه ای ارغوانی با ضربات ضخیم روی آن دیده می شود. با این حال، با دور شدن از بوم، بیننده تمام جادوی او را درک می کند. در ابتدا، نیم دایره های مبهم که از مرکز تصویر عبور می کنند، نمایان می شوند، خطوط کلی قایق ها ظاهر می شوند. و از فاصله چند متری می توانید تمام عناصر تصویر را که در یک زنجیره منطقی به هم متصل شده اند مشاهده کنید.

جکسون پولاک "شماره 5، 1948".پولاک یک کلاسیک از ژانر اکسپرسیونیستی انتزاعی است. بیشترین او عکس معروفبه مراتب گران ترین در جهان است. و هنرمند آن را در سال 1948 نقاشی کرد و فقط ریخت رنگ روغنروی یک تخته فیبر به ابعاد 240x120 سانتی متر تا کف. در سال 2006، این نقاشی در ساتبیز به قیمت 140 میلیون دلار فروخته شد. مالک قبلی، مجموعه دار و تهیه کننده فیلم دیوید گیفن، آن را به دیوید مارتینز، سرمایه دار مکزیکی فروخت. پولاک گفت که تصمیم گرفت از ابزارهای آشنای هنرمند مانند سه پایه، رنگ و قلم مو دور شود. ابزار او چوب، چاقو، بیل و ریختن رنگ بود. او همچنین از مخلوط آن با ماسه یا حتی شیشه شکسته استفاده کرد. شروع به ایجاد. پولاک خودش را به الهام می‌سپارد بدون اینکه حتی بفهمد دارد چه می‌کند. تنها پس از آن است که تحقق کامل است. در عین حال، هنرمند هیچ ترسی از تخریب تصویر یا تغییر ناخواسته آن ندارد - تصویر شروع به زندگی خود می کند. وظیفه پولاک این است که به او کمک کند به دنیا بیاید، بیرون بیاید. اما اگر استاد ارتباط خود را با خلقت خود از دست بدهد، نتیجه آن آشفتگی و کثیفی خواهد بود. در صورت موفقیت، تصویر مجسم خواهد شد هارمونی خالص، سهولت دریافت و تجسم الهام.

جوآن میرو "مرد و زن در مقابل انبوهی از مدفوع".این تابلو هم اکنون در صندوق این هنرمند در اسپانیا نگهداری می شود. در سال 1935 تنها در عرض یک هفته از 15 تا 22 اکتبر با رنگ روغن روی یک ورق مس نقاشی شد. اندازه این خلقت فقط 23x32 سانتی متر است با وجود چنین نام تحریک آمیزی، تصویر از وحشت جنگ های داخلی صحبت می کند. خود نویسنده به این ترتیب وقایع آن سال ها را که در اسپانیا رخ می داد به تصویر کشیده است. میرو سعی کرد دوره ای از ناآرامی را نشان دهد. در تصویر، زن و مرد بی حرکتی را می بینید که با این وجود، به سمت یکدیگر کشیده شده اند. بوم با گل های سمی شوم اشباع شده است، همراه با اندام تناسلی بزرگ شده، عمداً منزجر کننده و منزجر کننده به نظر می رسد.

Jacek Yerka "فرسایش".در آثار این نئوسوررئالیست لهستانی، تصاویری از واقعیت، در هم تنیده، به وجود می‌آیند واقعیت جدید. از برخی جهات، حتی تصاویر لمسی بسیار دقیق هستند. آنها پژواک سوررئالیست های گذشته، از بوش تا دالی را احساس می کنند. یرکا در جو بزرگ شد معماری قرون وسطاییبه طور معجزه آسایی از بمباران های جنگ جهانی دوم جان سالم به در برد. او حتی قبل از ورود به دانشگاه شروع به طراحی کرد. در آنجا سعی کردند سبک او را به سبکی مدرن تر و با جزئیات کمتر تغییر دهند، اما خود یرکا فردیت خود را حفظ کرد. امروزه نقاشی های غیرمعمول او نه تنها در لهستان، بلکه در آلمان، فرانسه، موناکو و ایالات متحده آمریکا نیز به نمایش گذاشته می شود. آنها در تعدادی از مجموعه ها در سراسر جهان هستند.

بیل استونهام «دست‌ها در برابر او مقاومت می‌کنند»این نقاشی که در سال 1972 کشیده شده است، به سختی می توان آن را کلاسیک نقاشی نامید. با این حال شکی نیست که جزو عجیب ترین ساخته های هنرمندان است. تصویر پسری را نشان می دهد، عروسکی در کنار او ایستاده است و کف دست های متعددی از پشت به شیشه فشرده شده است. این بوم عجیب، مرموز و تا حدودی عرفانی است. قبلاً افسانه ای شده است. آنها می گویند که به خاطر این تصویر یک نفر مرده است و بچه های آن زنده هستند. او واقعا ترسناک به نظر می رسد. جای تعجب نیست که این تصویر ترس و تخیلات وحشتناک را برای افراد دارای روان بیمار برانگیزد. خود استونهام اطمینان داد که در سن 5 سالگی خود را نقاشی کرده است. درب پشت پسر سدی است بین واقعیت و دنیای رویاها. عروسک راهنمایی است که می تواند کودک را از جهانی به جهان دیگر هدایت کند. دست ها هستند زندگی های جایگزینیا توانایی های انسانی این نقاشی در فوریه 2000 به شهرت رسید. آن را برای فروش در eBay قرار داده بود و می گویند خالی از سکنه است. در نهایت، Hands Resist Him به قیمت 1025 دلار توسط کیم اسمیت خریداری شد. به زودی خریدار به معنای واقعی کلمه غرق در نامه های از طرف شد داستان های ترسناکمرتبط با نقاشی، و الزامات تخریب این بوم.

وقتی صحبت از نقاشی می شود، تخیل به نقاشی شبانی و پرتره های باشکوه تمایل دارد. اما در واقع هنر زیبا چند وجهی است. این اتفاق افتاد که نقاشی های بسیار مبهم از زیر قلم مو هنرمندان بزرگ بیرون آمد که به ندرت کسی بخواهد آنها را در خانه آویزان کند. در بررسی ما از 10 مورد عکس های ترسناک هنرمندان مشهور.

1. اژدهای قرمز بزرگ و هیولا از دریا. ویلیام بلیک

ویلیام بلیکامروزه به خاطر حکاکی‌ها و شعرهای عاشقانه‌اش شناخته می‌شود، اما در طول زندگی‌اش مورد توجه قرار نگرفت. حکاکی ها و تصاویر بلیک کلاسیک سبک رمانتیک هستند، اما امروز بیایید نگاهی به این مجموعه بیندازیم. نقاشی های آبرنگبلیک که یک اژدهای قرمز بزرگ را از کتاب مکاشفه به تصویر می کشد. این نقاشی یک اژدهای قرمز بزرگ را به تصویر می کشد که تجسم شیطان است که بر روی جانوری هفت سر در دریا ایستاده است.

2. مطالعه پرتره معصوم X اثر ولاسکز. فرانسیس بیکن

فرانسیس بیکن یکی از تأثیرگذارترین هنرمندان قرن بیستم بود. نقاشی‌های او، که در جسارت و تیرگی خود قابل توجه است، میلیون‌ها دلار فروخته می‌شوند. بیکن در طول زندگی خود اغلب می نوشت تفاسیر خودپرتره پاپ اینوسنتیکس X. در اثر اصلی ولاسکوئز، پاپ اینوسنت ایکس متفکرانه از روی بوم به نظر می رسد و بیکن او را در حال فریاد زدن به تصویر کشیده است.

3. دانته و ویرژیل در جهنم. آدولف ویلیام بوگرو

جهنم دانته با تصویرش شکنجه وحشتناک، از زمان انتشار این اثر الهام بخش هنرمندان بوده است. بوگرو بیشتر به خاطر او شناخته می شود تصاویر واقعی صحنه های کلاسیک، اما در این نقاشی دایره ای از جهنم را به تصویر می کشد که در آن شیادان دائماً در حال دعوا هستند و از طریق گاز گرفتن هویت یکدیگر را می دزدند.

4. مرگ مارات. ادوارد مونک

ادوارد مونک مشهورترین هنرمند نروژ است. خود نقاشی معروف"جیغ"، که شخصیت مالیخولیایی را نشان می دهد، به شدت در ذهن هر فردی که نسبت به هنر بی تفاوت نیست ریشه دوانده است. مارات یکی از پیشروها بود رهبران سیاسی انقلاب فرانسه. از آنجایی که مارات از بیماری پوستی رنج می برد، هزینه کرد اکثرروز در حمام، جایی که او روی کارهایش کار می کرد. آنجا بود که مارات توسط شارلوت کوردی کشته شد. مرگ مارات توسط بیش از یک هنرمند به تصویر کشیده شد، اما نقاشی مونک به ویژه واقع گرایانه و بی رحمانه است.

5. سرهای بریده. تئودور جریکو

اکثر کار معروف Gericault "کلک مدوسا" است - یک نقاشی بزرگ در سبک رمانتیک. قبل از ایجاد کارهای عمدهژریکو نقاشی‌های "گرم‌آپ" مانند سرهای بریده را کشید که برای آن از اندام واقعی و سرهای بریده استفاده کرد. این هنرمند مواد مشابهی را در سردخانه ها برداشت.

6. وسوسه سنت آنتونی. ماتیاس گرونوالد

گرونوالد اغلب تصاویر مذهبی را به سبک قرون وسطی نقاشی می کرد، اگرچه در دوران رنسانس زندگی می کرد. سنت آنتونی در حالی که در بیابان زندگی می کرد چندین آزمایش ایمان خود را پشت سر گذاشت. طبق یکی از افسانه ها، سنت آنتونی توسط شیاطین ساکن در غار کشته شد، اما بعداً آنها را زنده کرد و نابود کرد. این تصویرسنت آنتونی را به تصویر می کشد که مورد حمله شیاطین قرار گرفت.

7. طبیعت بی جان ماسک ها. امیل نولده

امیل نولده یکی از اولین نقاشان اکسپرسیونیست بود، اگرچه شهرت او به زودی تحت الشعاع تعدادی دیگر از اکسپرسیونیست ها مانند مونک قرار گرفت. ذات این روندتحریف واقعیت برای نشان دادن یک دیدگاه ذهنی است. این نقاشی توسط هنرمند پس از تحقیق روی ماسک های موجود در موزه برلین ساخته شده است.

8. زحل در حال بلعیدن پسرش. فرانسیسکو گویا

در اسطوره های رومی که تا حد زیادی بر اساس اساطیر یونانی، پدر خدایان فرزندان خود را بلعید تا هرگز او را از تاج و تخت ساقط نکنند. این عمل کشتار کودکان است که گویا به تصویر کشیده است. این تابلو برای عموم در نظر گرفته نشده بود، بلکه به همراه چند نقاشی دیگر روی دیوار خانه این هنرمند کشیده شد. تصاویر غم انگیزدر مجموع به عنوان "نقاشی سیاه" شناخته می شود.

9. جودیت و هولوفرنس. کاراواجو

که در کتاب عهد عتیقداستانی در مورد بیوه شجاع جودیت وجود دارد. یهودیه توسط ارتشی به رهبری فرمانده هولوفرنس مورد حمله قرار گرفت. جودیت از دیوارهای شهر خارج شد و به اردوگاه لشکریان که شهر را محاصره کرده بودند رفت. در آنجا او به کمک زیبایی خود هولوفرنس را اغوا کرد. وقتی فرمانده شب در مستی خوابید، جودیت سر او را برید. این صحنه در بین هنرمندان بسیار محبوب است، اما نسخه کاراواجو به ویژه ترسناک است.

10. باغ لذت های زمینی. هیرونیموس بوش

معمولا Hieronymus Bosch با نقاشی های خارق العاده و مذهبی مرتبط است. باغ لذت‌های زمینی سه‌گانه است. سه تابلوی نقاشی به ترتیب باغ عدن و خلقت بشر، باغ لذت های زمینی و مجازات گناهانی را که در باغ خاکی. کارهای بوش یکی از وحشتناک ترین، اما از همه بیشتر است کارهای زیبادر تاریخ هنر غرب