که در اوایل XVIII V. در فرانسه ظاهر شد یک سبک جدید- روکوکو
ترجمه شده از روکوکو فرانسوی (rocaille) - "پوسته". اسم این سبک هنریآن را آشکار می کند ویژگی- عشق به اشکال پیچیده، خطوط عجیب و غریب، یادآور شبح ظریف یک پوسته.
سبک روکوکو مدت زیادی دوام نیاورد (تا حدود دهه 40)، اما تأثیر آن بر فرهنگ اروپاییمعلوم شد خیلی قوی است
در نیمه دوم قرن هجدهم. موج جدیدی از علاقه به فرهنگ باستانی. این تا حدی به دلیل حفاری های پمپئی بود که کشف کرد بناهای تاریخی منحصر به فردهنر از سوی دیگر، این علاقه توسط اندیشه های روشنگری فرانسه ترویج شد: آرمان هنر و زندگی عمومیدر تاریخ و فرهنگ دیدند یونان باستانو رم باستان. بنابراین، سبک جدیدی شکل گرفت - نئوکلاسیک. در همه کشورها اینطور نبود. به عنوان مثال، در ایتالیا، سبک باروک به طور همزمان با سبک روکوکو وجود داشت، در حالی که در فرانسه، باروک توسعه چندانی نداشت. در روسیه، روکوکو و نئوکلاسیک مکمل یکدیگر بودند.
در قرن هجدهم. مشتریان هنوز بازی نکرده اند نقش رهبریدر سرنوشت هنرمند: قاضی اصلی آثار هنری بود افکار عمومی. نقد هنری ظاهر شد: دنیس دیدرو، ژان ژاک روسو و دیگران.
رویداد مهم زندگی هنریفرانسه در قرن 18 به نمایشگاه های عمومی تبدیل شد - سالن ها. از سال 1667، آنها هر ساله توسط آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی پاریس با حمایت دربار سلطنتی سازماندهی می شدند. موفقیت در سالن برای یک نقاش یا مجسمه ساز به رسمیت شناخته شد. این تنها فرانسوی ها نبودند که آرزوی شرکت در سالن ها را داشتند، بنابراین پاریس به تدریج به یک مرکز هنری پاناروپایی تبدیل شد.
ژان آنتوان واتو (1684-1721)
روزالبا کریرا. پرتره آنتوان واتو (1721)
آنتوان واتو - نقاش فرانسویثلث اول قرن هجدهم، بنیانگذار سبک روکوکو.
او در نقاشی حوزه لطیف ترین احساسات را که با اشعار منظره همخوانی داشت، کشف کرد.
A. Watteau متولد شد شهر استانیدر خانواده سقف داران در حال حاضر در سال های اولخود توانایی هنریو پدرش او را نزد یک نقاش محلی با استعداد ناچیز شاگردی کرد. خیلی زود ، مربی دیگر برای هنرمند آینده مفید نبود. آنتوان واتو، برخلاف میل پدرش، مخفیانه شهر زادگاهش والنسین را ترک می کند و با پای پیاده به پاریس می رود و در آنجا در یک استودیو نقاشی روی پل نوتردام استخدام می شود که صاحب آن تولید سریالی از کپی های ارزان قیمت را ترتیب داده است. نقاشی در "سلیقه مشترک" برای خریداران عمده. واتو به صورت مکانیکی همان را کپی کرد نقاشی های محبوب، و در اوقات فراغت از طبیعت نقاشی می کرد. او فوق العاده سخت کوش بود.
Antoine Watteau "The Capricious" (حدود 1718). ارمیتاژ ایالتی(پترزبورگ)
به زودی واتو اولین حامیان را پیدا کرد - پیر ماریت و پسرش ژان، حکاکی ها و کلکسیونرها، صاحبان یک شرکت بزرگ که به تجارت چاپ و نقاشی می پرداخت. در ماریتس، واتو این فرصت را به دست آورد تا با آثار رامبراند، تیتیان، روبنس آشنا شود. با وساطت خانواده ماریت، واتو شاگرد استاد کلود ژیلو هنرمند می شود. مناظر تئاترو خالق نقاشی های کوچک. از این استاد، واتو فقط طعم گروتسک و کمیک و همچنین ذوقی برای موضوعات مدرنکه بعدها خودش را وقف کرد. و با این حال باید اعتراف کرد که گیلو واتو سرانجام خود را درک کرد و از آن زمان نشانه های استعدادی که باید توسعه می یافتند برجسته تر شده اند "(بیوگرافی هنرمند Edm-Francois Gercin).
آنتوان واتو "بازیگران" کمدی فرانسوی» (حدود 1712). موزه دولتی هرمیتاژ (پترزبورگ)
در 33 سالگی، واتو به محبوب ترین نقاش پاریس تبدیل شد که به شهرت اروپایی او کمک کرد.
آنتوان واتو "ژیل" (1718-1719). لوور (پاریس)
در اینجا نحوه صحبت Watteau M.Yu در مورد این تصویر آمده است. آلمانی، میزبان محققموزه روسیه: «در تاریخ هنر، ژیل عملاً هیچ شباهتی ندارد. افراد کمی اصلاً بازیگر می نوشتند. علاوه بر این ، هیچ کس جرات نکرد بازیگر را در انفعال کامل نشان دهد. برای خود واتو، این یک گام شجاعانه بود: نقاشی یک چهره در وسط بوم، پر کردن بیشتر آن با یک هودی پهن که بدن کمدین را کاملاً پنهان می کند، و در اعماق چهره بازیگران دیگر را به تصویر می کشد. ، در تضاد شدید با چهره تقریباً بی حرکت قهرمان ... محروم از حرکات و حالات چهره، به طور متقارن و صاف در بوم حک شده است، او با آرامش در زمان وجود دارد، گویی برای همیشه برای او متوقف شده است. هر آنچه زودگذر و گذرا است برای او بیگانه است. شلوغی پشت سر او در حرکات بازیگران است. خنده و شادی حضار پیش روی اوست. و او همیشه بی حرکت می ماند، با سرزنش خنده دار و تکان دهنده در چشمان گرد، محبت آمیز و باهوشش.
واتو که قبلاً کاملاً بیمار بود، تابلویی را برای عتیقه فروشی "The Great Monarch" در پل نوتردام برداشت. این مغازه متعلق به دوستش گرسن بود.
آنتوان واتو. تابلوی مغازه گرسین (1720-1721). کاخ شارلوتنبورگ (برلین)
واتو یک تابلوی تصویر را روی دو بوم جداگانه نقاشی کرد و سپس در یک قاب قرار داد. عمل تصویر از منظره به فضای داخلی منتقل می شود. این بوم یک مغازه بزرگ را به تصویر می کشد که طبق نقشه این هنرمند مستقیماً به سنگفرش پاریس می رود.
در پیش زمینه، در سمت چپ، خادمان پرتره ای از لوئی چهاردهم که اخیراً درگذشته را در جعبه ای قرار می دهند. در گوشه بالا پرتره ای از پدرشوهرش، فیلیپ چهارم پادشاه اسپانیا آویزان است؛ در سمت راست، خبره ها به دقت تصویر را در یک قاب بیضی بررسی می کنند. مناظر و طبیعت بی جان در اینجا با صحنه های اساطیری همزیستی دارند.
ویژگی اصلی این اثر آن است شخصیت برنامه ای. به گفته لویی آراگون، واتو در پوشش یک نشانه، تاریخ نقاشی را آنگونه که می دانست ارائه کرد. این تصویر مانند وصیت نامه هنری نویسنده شده است. آنتوان واتو در 36 سالگی بر اثر بیماری سل درگذشت.
بنای یادبود آنتوان واتو در او زادگاهوالنسین (1884)
توسعه سبک روکوکو نیز با کار فرانسوا بوچر همراه است.
فرانسوا بوچر (1703-1770)
F. Boucher - نقاش فرانسوی، حکاکی، دکوراتور. آثار او با فرم‌های نفیس، رنگ‌آمیزی ملایم غزلیات، برازندگی، عشوه‌گری و گاه به ناز بودن مشخص می‌شوند.
گوستاف لوندبرگ. پرتره فرانسوا بوچر
بوچر یک حکاکی چیره دست بود و کتاب های مصور اووید، بوکاچیو، مولیر را می نوشت. او مناظری را برای اپراها و اجراها، نقاشی برای کارخانه های ملیله سلطنتی خلق کرد. اجرای نقاشی های زینتی از چینی سور، فن های نقاشی، مینیاتور و غیره.
او در نقاشی به موضوعات تمثیلی و اساطیری، نقاشی صحنه‌های ژانر، شبانی (شاعرانه‌سازی زندگی آرام و ساده روستایی)، منظره‌ها و پرتره‌ها روی آورد.
اف. بوش. پرتره مادام دو پومپادور
بوش عنوان نقاش دربار را دریافت کرد. او اقامتگاه های پادشاه و مادام دو پومپادور، عمارت های خصوصی در پاریس را تزئین کرد. که در سال های گذشتهزندگی مدیر آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی و "نخستین نقاش پادشاه" بود.
اف. بوش. پرتره ماری بوسو، همسر هنرمند (1733)
نقاشی دیگری از F. Boucher اپیزودی از داستان کوتاه لافونتن "The Hermit" را به تصویر می کشد. مرد جوانی که تصمیم می گیرد یک دختر روستایی زیبا اما ترسو را اغوا کند، در همان نزدیکی به بهانه یک گوشه نشین ساکن می شود. او موفق می شود مادر دختر را به قداستش متقاعد کند و خودش دخترش را نزد خود می برد تا به تعالیم خوب او گوش دهد. بوچر تفسیری اصیل از کار لافونتن را نشان می دهد، اما چشم انداز جایگاه اصلی را در ترکیب بندی او اشغال می کند.
F. Boucher «چشم انداز با یک گوشه نشین. برادر لوس» (1742). موزه هنرهای زیبا. A. S. پوشکین (مسکو)
دیدگاه‌های دموکراتیک هنر فرانسه
آنها در کار "نقاش طبقه سوم" ژان باپتیست سیمئون شاردن، پرتره های موریس کوئنتین دو لاتور مجسم شدند.
ژان باپتیست سیمئون شاردن (1699-1779)
شاردن سلف پرتره
شاردن آگاهانه از توطئه های معمول هنر زمان خود اجتناب می کرد. او عمدتاً طبیعت بی جان و صحنه های روزمره را نقاشی می کرد، اما در آنها مشاهدات خود را بیان می کرد. او به زندگی مردم «دولت سوم» (همه گروه های مردم به استثنای ممتازان: روحانیون و اشراف) علاقه مند بود.
فعالیت های شاردن به عنوان یک هنرمند ادامه دهنده سنت های هلندی ها و استادان فلاندریو نشان دهنده دوران اوج رئالیسم در قرن 18 بود. حتی زندگی بی جان او جنبه ای برای به تصویر کشیدن واقعیت بود. معمولی ترین اشیاء برای او به منابع ترکیب برای به تصویر کشیدن موجودی هماهنگ تبدیل شدند: کوزه ها، گلدان های قدیمی، سبزیجات و غیره.
شاردن "Scat" (1728). لوور (پاریس)
این هنرمند توانست تنوع رنگی را کاملاً منتقل کند ، او ارتباط درونی اشیاء را احساس کرد. او با حرکات کوچک، سایه های رنگی را منتقل می کرد، توانایی گنجاندن تأثیر نور خورشید در تصویر را داشت.
تبدیل به ژانر نقاشیشاردن در صحنه‌های خانگی معمولی، آرام و سنجیده را روی بوم بازسازی کرد زندگی روزمرهنزدیک به هر فردی همین نقاشی ها بود که یکی از مکان های برجسته تاریخ را برای او تقویت کرد. نقاشی فرانسوی. در سال 1728 او عضو آکادمی هنر پاریس شد، در سال 1743 - مشاور آن. بعدها به عضویت آکادمی علوم، ادبیات و روئن درآمد هنرهای زیبا.
او پیش پا افتاده ترین اشیا و فعالیت ها را معنوی کرد: لباسشویی (1737)، کوزه زیتون (1760)، ویژگی های هنر (1766).
شاردن "طبیعت بی جان با ویژگی های هنر" (موزه دولتی ارمیتاژ (پترزبورگ 1766). این نقاشی به سفارش کاترین دوم برای ساختمان آکادمی هنر در حال ساخت در سن پترزبورگ ساخته شده است.
د. دیدرو مهارت خود را با جادوگری مقایسه کرد: «اوه، شاردن، این رنگ سفید، قرمز و سیاه نیست که روی پالت خود بمالید، بلکه جوهر اشیا است. شما هوا و نور را در نوک قلم مو می گیرید و روی بوم می گذارید!»
شاردن" حباب(1733-1734). گالری ملیهنر، واشنگتن (ایالات متحده آمریکا)
نوعی تلفیقی از نقاشی "گالانت" و ژانر خانگیکار ژان آنوره فراگونار را متمایز می کند.
ژان اونوره فراگونارد (1732-1806)
نقاش و حکاکی فرانسوی. به سبک روکوکو کار کرده است. نویسنده بیش از 550 نقاشی (بدون احتساب نقشه ها و حکاکی ها).
J.O. فراگونارد. سلف پرتره (حدود 1760-1770)
او شاگرد F. Boucher و J.B.S. شاردن در ابتدا معتاد بود نقاشی تاریخو سپس با روح واتو و بوچر شروع به نوشتن کرد. او اغلب صحنه هایی دارد زندگی صمیمی، محتوای وابسته به عشق شهوانی، پانل های تزئینی، پرتره، مینیاتور، آبرنگ، پاستل. حکاکی هم می کرد.
اما در دوران کلاسیک گرایی محبوبیت خود را از دست داد.
J.O. فراگونارد "چفت" (1777). لوور (پاریس)
تصویر نشان می دهد صحنه عشق: آقا بدون اینکه چشم از خانم برداره دست راستدستش را به سمت در می برد، که در آن قفل بالایی را می بندد. دست چپ خانم، همانطور که بود، این حرکت را تکرار می کند. روی میز یک سیب، نماد کتاب مقدس وسوسه و سقوط به گناه است.
که در نقاشی های تاریخیفراگونارد اصل نیست. مناظر او کاملاً آراسته شده است. از سوی دیگر، نقاشی‌های ژانر هنرمند با ترکیب ماهرانه، ظرافت طراحی، رنگ‌آمیزی ظریف و طعم لطیف متمایز می‌شوند: "درس موسیقی"، "شبانی"، "حمام‌کنندگان"، "پوره خفته"، "کوپید که پیراهنش را از تن بیرون می‌آورد". یک زیبایی»، «نوازنده گیتاریست جوان»، «بوسه یواشکی».
J.O. فراگونارد "بوسه مخفیانه" ارمیتاژ (پترزبورگ)
در اواسط قرن هجدهم. روشنگری فرانسه آرمان های کلاسیک وسایل آموزش را مطرح کرد. جهت گیری احساساتی و اخلاقی در نقاشی ظاهر شد که در آن هنرمند ژان باپتیست گروز برجسته بود.
ژان باپتیست گروز (1725-1805)
J.-B. رویاها سلف پرتره
گروز به ویژه در این ژانر عالی بود زندگی خانوادگیبا مشکلات و درام هایش - در اینجا او رقبای کمی در نقاشی فرانسوی دارد.
J.-B. گروز "نفرین پدر" (1777). لوور (پاریس)
تصویر صحنه را نشان می دهد درام خانوادگیوقتی پسری به پدرش خبر می دهد که به سربازی می رود و پدرش او را نفرین می کند.
به عنوان یک نقاش پرتره، او همچنین در بهترین حالت خود بود، زیرا. درک کرد نقاشی پرترهمتفاوت از معاصرانش که مردان را به صورت آپولوس و زنان را به عنوان فلورس و ونوس تصویر می کردند. پرتره های او پر از شباهت، پر از زندگی و احساسات است.
J.-B. گروز "پرتره یک دختر". موزه ملی هنر آذربایجان
11 اثر از گروز در ارمیتاژ سن پترزبورگ وجود دارد.
در فرانسه قرن 18 افزایش علاقه به طبیعت و نقاشی منظره. نوعی منظره مشخصه نئوکلاسیک ("فانتزی معماری") توسط هوبرت رابرت ایجاد شد.
هوبرت رابرت (1733-1808)
ویژی-لبرون، ماری الیزابت لوئیز. پرتره هوبرت رابرت (1788) لوور (پاریس)
نقاش منظره فرانسوی; به خاطر بوم های ابعادی اش با تصاویر رمانتیک از خرابه های باستانی احاطه شده توسط طبیعت ایده آل شهرت اروپایی به دست آورد. نام مستعار او "رابرت خرابه ها" بود.
هوبرت رابرت "ویرانه های باستانی" (1754-1765). بوداپست
ژاک لوئیس دیوید (1748-1825)
J.-L. دیوید سلف پرتره (1794)
نقاش و معلم فرانسوی، نماینده اصلی نئوکلاسیک فرانسه در نقاشی. وقایع نگار حساس دوران پرتلاطم خود.
در خانواده یک عمده فروش آهن به دنیا آمد. او عمدتاً در خانواده ای از بستگان بزرگ شد. وقتی به توانایی کودک در نقاشی توجه شد، فرض بر این بود که او نیز مانند هر دو عمویش معمار خواهد شد.
دیوید در آکادمی St. لوک در سال 1764، بستگان او را به فرانسوا بوچر معرفی کردند، اما به دلیل بیماری، او نتوانست با مرد جوان درس بخواند. در سال 1766، دیوید وارد آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی شد و شروع به تحصیل در کارگاه وین کرد. در 1775-1780. دیوید در آکادمی فرانسهدر رم، تحصیل کرد هنر عتیقهو کار استادان رنسانس.
در سال 1783 به عضویت آکادمی نقاشی انتخاب شد.
به طور فعال در جنبش انقلابی شرکت کرد، به عضویت کنوانسیون ملی انتخاب شد، به مونتاناردها به رهبری مارات و روبسپیر پیوست، به مرگ پادشاه لوئیس شانزدهم رأی داد. او تعدادی نقاشی تقدیم به انقلابیون می کشد: "سوگند در سالن رقص" (1791، تمام نشده)، "مرگ مارات" (1793). همچنین در این زمان او جشنواره های مردمی دسته جمعی را ترتیب داد و موزه ملی را در لوور ایجاد کرد.
J.-L. دیوید "مرگ مارات" (1793). موزه‌های سلطنتی هنرهای زیبا (بروکسل)
این بوم یکی از معروف ترین نقاشی های اختصاص داده شده به انقلاب کبیر فرانسه است.
ژان پل مارات روزنامه نگار روزنامه رادیکال دوست مردم، رهبر ژاکوبن ها است. بیمار بیماری پوستیمرات از خانه بیرون نیامد و برای تسکین رنجش غسل کرد. در 13 ژوئیه 1793، او توسط نجیب زاده شارلوت کوردی در آپارتمانش با ضربات چاقو کشته شد.
کتیبه روی پایه چوبی تقدیم نویسنده است: "MARATU, David". در دست مارات ورقی با این متن است: «13 ژوئیه 1793، ماری آنا شارلوت کوردی - به شهروند مارات. من ناراضی هستم و از این رو حق حمایت از شما را دارم. در واقع مارات وقت دریافت این یادداشت را نداشت، زیرا. کوردی قبلا او را کشته بود.
در سال 1794 به دلیل عقاید انقلابی به زندان افتاد.
در سال 1797، او شاهد ورود رسمی ناپلئون بناپارت به پاریس بود و از آن زمان به حامی سرسخت او تبدیل شد و پس از به قدرت رسیدن - "نخستین هنرمند" دربار. دیوید نقاشی هایی را به گذر ناپلئون از کوه های آلپ، تاج گذاری او و همچنین تعدادی ترکیب بندی و پرتره از افراد نزدیک به ناپلئون می پردازد. پس از شکست ناپلئون در نبرد واترلو در سال 1815، او به سوئیس گریخت، سپس به بروکسل رفت و تا پایان عمر در آنجا زندگی کرد.
J.-L. دیوید "بناپارت در گذرگاه سنت برنارد" (1801)
این تصویر از دیوید دوران رمانتیسم را در آن باز می کند نقاشی اروپایی. این یک پرتره سوارکاری بسیار رمانتیک از ژنرال ناپلئون بناپارت است که در مه 1800 ارتش ایتالیا را از گذرگاه سنت برنارد در ارتفاعات آلپ رهبری کرد.
پس زمینه طبیعی نیز معنایی رمانتیک به تصویر می دهد: صخره های شیب دار کوه، برف، باد شدیدو آب و هوای بد در زیر، اگر دقت کنید، می توانید نام حک شده سه فرمانده بزرگی که از این راه عبور کرده اند را ببینید: هانیبال، شارلمانی و بناپارت.
J.-L. دیوید "تاج گذاری ناپلئون" (1805-1808)
این بوم تحت تأثیر نقاشی روبنس "تاج گذاری مری مدیچی" خلق شده است.
دفن شد ژاک لوئیس دیویددر بروکسل، و قلب او به پاریس منتقل شد و در قبرستان پر لاشز به خاک سپرده شد.
در قرن هجدهم. نقاشان تاریخی ژان ژوونه، نیکلاس کولومبل، پیر سوبلیرا، نقاشان پرتره کلود لوفور، نیکلاس لارژیلیه و هیاسنت ریگو در فرانسه کار می کردند.
در اواسط قرن هجدهم. خانواده وانلو به ویژه برادران ژان باپتیست و چارلز و دیگر هنرمندان مشهور بودند.
هنر و طراحی
6420
24.09.15 01:41
برخی از گردشگران که مخصوصاً برای دیدن زیارتگاه محلی، مونالیزا به موزه لوور آمده بودند، می خندند: «خیلی کوچک، او آشکارا بیش از حد تخمین زده شد!» اما فراموش نکنید که افراد زیادی متولد شده اند. در خود فرانسه نقاشان معروف. بیایید گشتی کوتاه در گذشته این کشور داشته باشیم و بهترین هنرمندان فرانسوی را به یاد بیاوریم.
بهترین هنرمندان فرانسوی
کلاسیک نویس بزرگ
متولد شده در اواخر شانزدهمقرن، نیکلاس پوسین با اشتیاق از تکنیک های استادان استفاده کرد رنسانس بالااز جمله نویسنده "لا جوکوندا" داوینچی و رافائل. نقاشی های او اغلب شخصیت های کتاب مقدس را نشان می دهد، موضوعات اساطیری(حتی چرخه ای از مناظر اختصاص داده شده به فصل ها، و آن یکی از کتاب مقدس الهام گرفته شده است). نورمن پوسین در خاستگاه کلاسیک گرایی ایستاده است؛ سهم او در هنر فرانسه را نمی توان نادیده گرفت. در ارمیتاژ ما نقاشی او "استراحت در پرواز به مصر" وجود دارد.
خواننده دوران جوانمردی
آنتوان واتو، که تقریباً دو دهه پس از مرگ پوسن به دنیا آمد، محکم در "المپوس" هنرمندان فرانسوی سلطنت کرد. در زمان او حتی یک نقاش در اروپا وجود نداشت که بتواند در مهارت با او رقابت کند. او فقط 36 سال زندگی کرد، اما توانست شاهکارهای زیادی از خود به جای بگذارد. صحنه های روزمره، مناظر، پرتره های Watteau جذاب و ظریف هستند، او را پیشرو سبک روکوکو می نامند. برای پذیرش در آکادمی هنر، مرد جوان دو نسخه از نقاشی "زیارت جزیره سیترا" را نوشت (یکی در برلین و دیگری در برلین ذخیره می شود. موزه لوور در پاریس). هرمیتاژ چندین اثر از این هنرمند فرانسوی را به دست آورده است، از جمله نقاشی بازیگران کمدی فرانسوی.
نقاش منظره با استعداد
کلود جوزف ورنت، نقاش درجه یک دریا و منظره برای مدت طولانیدر ایتالیا کار کرد سواحل ناپل و تیبر توانا اثری بر کار او گذاشتند. مجموعه لوور شامل «منظره پل و قلعه فرشته مقدس» و «منظره ناپل با وزوو» است و هرمیتاژ «صخره‌های نزدیک دریا»، «صبح در کاستلاممار» و برخی شاهکارهای دیگر استاد را به نمایش می‌گذارد.
همکاران عاشقانه
یوژن دلاکروا، نماینده جنبش رمانتیک در هنر، در اواخر قرن 18-19 متولد شد و دریافت کرد. یک آموزش خوب. او عاشق کپی کردن شاهکارهای استادان قدیمی بود - او هنر خود را بر روی آنها تجلی داد. یوژن با الکساندر دوما دوست بود و کارهای ژریکو را تحسین می کرد. برخی از مشهورترین نقاشی های دلاکروا (او اغلب موضوعات تاریخی را انتخاب می کرد) "آزادی در سنگرها" و "مرگ سارداناپالوس" هستند.
رمانتیک دیگر، تئودور جریکولت، تنها چند سال از دلاکروا بزرگتر بود، اما برای همکار خود یک مرجع عالی بود. افسوس که سرنوشت زمان بسیار کوتاهی را برای او رقم زد - در سن 32 سالگی، نقاش از اسب خود سقوط کرد و سقوط کرد. تئودور مقیاس بزرگ را ترجیح می داد صحنه های نبرد، روبنس را کپی کرد و از طرفداران پرشور فلمینگ ها بود. حتی اگر نام این هنرمند فرانسوی را نشنیده باشید، احتمالاً بازتولیدهایی از شاهکار ژریکولت «کلک مدوسا» (این اثر افتخار موزه لوور است) دیده شده است.
سرگردان ابدی
اوژن هانری پل گوگن برای ما بیشتر شناخته شده است. این پست امپرسیونیست شروع قرن بیستم را گرفت، اما خیلی زود آنجا را ترک کرد: او در سن 54 سالگی در سال 1903 در پلینزی فرانسه درگذشت. می گویند نابغه ای به خاطر بیماری ها کشته شد (بدترین آنها جذام لاعلاج است). در جوانی، او سفرهای زیادی کرد: پل به عنوان یک ملوان ساده در یک کشتی جنگی خدمت کرد، در کشتی های ناوگان تجاری کار می کرد. این تأثیرات البته در آثار نقاش منعکس شد. او تقریباً زندگی خود را وقف دلالی کرد، اما به موقع متوقف شد و خود را وقف خلاقیت کرد. حتی ناآگاهان هم می دانند تصاویر زنده، برای مثال توسط گوگن ساخته شده است، "زنی که جنین را در آغوش می گیرد."
سیلوئت های پرواز
هر یک از شما اصطلاح "دگا بالرین" را شنیده اید. این هنرمند فرانسوی واقعاً از آن الهام گرفت مدارس بالهو در تمرینات ضربات پاستلی سبک او توانست شیب های نورانی برازنده سر، پیروت ها، کمان ها، پرش ها را به تصویر بکشد - ما این را در بوم های امپرسیونیست "درس رقص" یا "رقصنده های آبی" می بینیم. صحنه های روزمره او به طور گسترده ای شناخته شده است: "آبسنت"، "آهن ها".
پدر امپرسیونیسم
کلاسیک دیگر نقاشی اروپایی - ادوارد مانه (یکی از "پدران" امپرسیونیسم) - مانند دگا دوست داشت زندگی مردم شهر را به تصویر بکشد: پیاده روی آنها در باغ یا پیک نیک در طبیعت. پرتره های او با سادگی و بی هنری متمایز می شوند و در اواخر عمر ناگهان به طبیعت بی جان علاقه مند شد. شاهکارهای با عظمت جهانی "المپیا"، " راه آهن"، "صبحانه روی چمن".
احساساتی و مرواریدی
ژانر مورد علاقه پیر آگوست رنوار پرتره بود. طمع سکولار، دوشیزگان جوان بی گناه، زوج های عاشق زیر ضربات مطمئن برس استاد جان می گیرند. پیر به عنوان یک امپرسیونیست به تدریج از او سرخورده شد و به کلاسیک ها پیوست. هنر او احساسی و مروارید است. به «دختران در پیانو» یا « دسته گل بهاری"، به نظر می رسد بوم ها از داخل می درخشند.
چه دهقان و چه متفکر...
پل سزان با شبح های خود که در پرتره ها از سنگ حک شده و مناظر کمی "آلوده" شده است - نماینده روشنپست امپرسیونیسم هم در خلاقیت و هم در زندگی، او با احساسات خسیس بود، لاکونیک و نه خیلی عاطفی - چیزی در او از یک دهقان بود، چیزی از یک دانشمند متفکر. جالب اینجاست که شاهکار او "بازیکنان کارت" است - یکی از بهترین ها نقاشی های گران قیمتدر جهان (در سال 2012 برای مجموعه امیر قطر به قیمت 250 میلیون دلار خریداری شد).
سنگ شیطانی اشراف زاده
آخرین نفر در لیست ما از بهترین هنرمندان فرانسوی، هانری ماری ریموند دو تولوز لوترک فقیر است. چرا بیچاره؟ بله، او متعلق به یک خانواده باستانی شهرستان بود، اما در سن 13 و 14 سالگی، مرد جوان موفق شد ابتدا ران یک پای خود را بشکند، سپس پای دیگر را بشکند، به همین دلیل رشد آنها متوقف شد. هانری یک نیمه کوتوله با معلولیت باقی ماند. عدم امکان انجام دادن حرفه نظامیتمام خانواده را شوکه کرد و هنری را تشویق کرد که نقاشی کند. او نزد استادان درس خواند (به کار دگا و سزان بسیار علاقه داشت) و وقتی به پاریس رسید، به کاباره ها و میخانه ها رفت و آمد کرد، خودش مشروب خورد، به سیفلیس مبتلا شد و در 37 سالگی درگذشت. خود کارهای گرافیکیو نقاشی ها پس از مرگ شناخته شدند. پرتره‌های هنرمندان و روسپی‌های مولن روژ، که تولوز لوترک مجبور شد به خدمات آنها متوسل شود، اکنون شاهکار محسوب می‌شوند.
در نیمه دوم قرن نوزدهم، روند جدیدی در فرانسه متولد شد - امپرسیونیسم. این مبتنی بر تمایل هنرمندان برای انتقال برداشت های زودگذر از رویدادها و پدیده ها با ابزارهای مختلف است.
امپرسیونیسم در نقاشی
آغشته به ویژگی های این جهت، هنرمندان جوان فرانسوی شروع به کار در این سبک می کنند. از آن زمان، آنها نقاشی های خود را نه در استودیو، همانطور که قبلا بود، بلکه زیر آن نقاشی می کردند آسمان باز. در تلاش برای بیان برداشت‌های خود تا حد امکان، به طور کامل ایجاد می‌کنند روش جدیدرنگ آمیزی. ایده اصلی او انتقال احساسات بیرونی سایه و نور بر روی سطح اجسام با استفاده از ضربات مجزا و رنگ های استثنایی خالص است. در نتیجه، اشکال گوناگون، که قبلاً به منصه ظهور رسیده بود ، اکنون در هوای پر از زندگی حل شده است.
در عصر امپرسیونیسم، هنرمندان فرانسوی عمدتاً در پرتره و ژانرهای منظره، انتقال برداشت های خود از رویدادهای اطراف (طرح های پیاده روی، صحنه های یک کافه، در خیابان). در نقاشی های خود، آنها زندگی طبیعی را به تصویر می کشیدند، جایی که فرد در تماس مستقیم با تنوع قابل توجهی از رنگ های روشن است. محیط. هوایی که به نظر می رسد اشیا و افراد در آن غوطه ور هستند، موضوع اصلی آنها شد.
بررسی آثار امپرسیونیست ها، به طور معجزه آساییشما می توانید باد، گرم شدن زمین توسط خورشید و حتی یخبندان را احساس کنید - هنرمندان فرانسوی به درستی غنای رنگ طبیعی را منتقل کردند. این جریان آخرین رشته اصلی قرن نوزدهم بود.
نقاشان امپرسیونیست فرانسوی کلود مونه
او مالک است نقش مهمدر توسعه امپرسیونیسم در نقاشی. خالق است نقاشی معروف"احساس؛ عقیده؛ گمان. طلوع خورشید". علاوه بر این شاهکار، هنرمند تعدادی از دست کم خلق کرد آثار معروف: "زنان در باغ" (جایی که او کامیل محبوب خود را به تصویر کشید)، "منظره ای از کلیسای سن ژرمن"، "خاکریز لوور". تصاویری از این بزرگترین نقاشدر بسیاری از موزه های جهان (در پاریس، نیویورک، شیکاگو، بوستون، مسکو و سن پترزبورگ) ارائه شده است.
ادوارد مانه
اولین او کار قابل توجهیتابلوی "آبسین درنکر" در نظر گرفته شده است. همچنین شاهکار "حمام کردن" بسیار محبوب است که در سالن طردشدگان به نمایش گذاشته شده است، جایی که آثاری به نمایش گذاشته می شوند که توسط کمیسیون رسمی پذیرفته نشده اند. نویسنده نقاشی های بسیاری از جمله "پرتره والدین"، "صبحانه روی چمن"، "المپیا"، "بالکن".
آگوست رنوار
بسیاری از هنرمندان فرانسوی که به سبک امپرسیونیسم می‌نوشتند، در پی آن بودند که درک شادی از واقعیت را منتقل کنند. این روند به ویژه در آثار رنوار مشهود است. او برای نقاشی‌هایش چهره‌های جوان تازه و ژست‌های طبیعی آرام را انتخاب کرد. معروف ترین آثار او "توپ در باغ"، "چتر" بود.
امپرسیونیسم به روشی مدرن
امروزه، ایده های اصلی این گرایش زمانی محبوب باقی مانده است. هنرمندان مدرن فرانسوی در آثار خود به پیشرفت خود ادامه می دهند سبک داده شده. در واقع، تا زمانی که یک فرد در نیاز به لذت بردن از همه چیز در اطراف خود زندگی می کند، امپرسیونیسم، همراه با آن رنگ های روشنو تصاویر چشمگیر، همچنان وجود خواهند داشت.
"زمانی که امپرسیونیست ها آن را نقاشی کردند دنیای جدیدی متولد شد"
هانری کانویلر
قرن 19. فرانسه. غیرقابل تصور در نقاشی اتفاق افتاد. گروهی از هنرمندان جوان تصمیم گرفتند سنت 500 ساله را متزلزل کنند. به جای یک نقاشی واضح، آنها از یک قلم موی گسترده "درهم و برهم" استفاده کردند.
و آنها به طور کامل تصاویر معمول را رها کردند. به تصویر کشیدن همه. و خانمهای با فضیلت آسان و آقایان شهرت مشکوک.
عموم مردم برای نقاشی امپرسیونیستی آماده نبودند. مورد تمسخر و سرزنش قرار گرفتند. و از همه مهمتر چیزی از آنها نخریدند.
اما مقاومت شکسته شد. و بخشی از امپرسیونیست ها زندگی کردند تا پیروزی خود را ببینند. درست است، آنها قبلاً بیش از 40 سال داشتند. مانند کلود مونه یا آگوست رنوار. برخی مانند کامیل پیسارو فقط در پایان زندگی خود منتظر شناخت بودند. کسی مانند آلفرد سیسلی به آن عمل نکرد.
هر کدام چه انقلابی کردند؟ چرا مردم این همه مدت آنها را نپذیرفتند؟ در اینجا 7 مورد از معروف ترین آنها آورده شده است امپرسیونیست های فرانسوی. که تمام دنیا را می شناسد.
1. ادوارد مانه (1832 - 1883)
ادوارد مانه. خود پرتره با پالت. 1878 مجموعه خصوصیمانه از بسیاری از امپرسیونیست ها پیرتر بود. او الهام بخش اصلی آنها برای تغییر بود.
خود مانه ادعای رهبری انقلابیون را نداشت. او بود اجتماعی. رویای جوایز رسمی را در سر می پروراند.
اما او مدت زیادی منتظر بود تا به رسمیت شناخته شود. عموم مردم می خواستند الهه های یونانی را ببینند. یا در بدترین حالت طبیعت بی جان. برای اینکه در اتاق غذاخوری زیبا به نظر برسید. مانه می خواست زندگی معاصر را نقاشی کند. مثلاً اطفال زاده ها.
نتیجه "صبحانه روی چمن" بود. دو شیک پوش در جمع بانوان با فضیلت آسان استراحت می کنند. یکی از آنها، انگار هیچ اتفاقی نیفتاده، کنار مردان لباس پوش می نشیند.
ادوارد مانه. صبحانه روی چمن. 1863، پاریس "صبحانه روی چمن" او را با "رومی ها در زوال" توماس کوتور مقایسه کنید. نقاشی کوتور سروصدا کرد. این هنرمند فوراً مشهور شد.
«صبحانه روی چمن» به ابتذال متهم شد. به زنان باردار با جدیت تمام توصیه نمی شد که به او نگاه کنند.
توماس کوتور. رومیان در حال افول 1847 موزه اورسی، پاریس. artchive.ru در تصویر کوتور، تمام ویژگی های آکادمیک را می بینیم ( نقاشی سنتیقرن 16-19). ستون ها و مجسمه ها. مردم آپولونی رنگ های سنتی خاموش. شیوه ی حالات و ژست ها. طرحی از زندگی دور مردمی کاملاً متفاوت.
«صبحانه روی چمن» اثر مانه قالبی متفاوت است. قبل از او، هیچ کس به این راحتی زنان جلیقه را به تصویر نمی کشید. نزدیک به شهروندان محترم اگرچه بسیاری از مردان آن زمان اوقات فراغت خود را در این راه سپری می کردند. زندگی واقعی مردم واقعی.
یک بار یک خانم محترم نوشتم. زشت نمی توانست با برس او را چاپلوسی کند. خانم ناامید شد. او را با گریه ترک کرد.
ادوارد مانه. آنجلینا 1860 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.commons.org بنابراین او به آزمایش ادامه داد. مثلا با رنگ. او سعی نکرد رنگ به اصطلاح طبیعی را به تصویر بکشد. اگر آب خاکستری مایل به قهوه ای را به رنگ آبی روشن می دید، آن را به رنگ آبی روشن به تصویر می کشید.
این البته افکار عمومی را آزار داد. از این گذشته، آنها با کنایه گفتند، حتی دریای مدیترانه نیز نمی تواند به آبی مانند آب مانه ببالد.
ادوارد مانه. آرژنتویل 1874 موزه هنرهای زیبا، تورنای، بلژیک. wikipedia.org اما واقعیت همچنان پابرجاست. مانه اساساً هدف نقاشی را تغییر داد. این تصویر تجسم فردیت هنرمند شد. کسی که هر طور دلش می خواهد می نویسد. الگوها و سنت ها را فراموش کنید.
تمام نوآوری ها او را برای مدت طولانی نبخشیدند. شناخت فقط در پایان زندگی منتظر ماند. زمانی که دیگر به آن نیازی نداشت. او به طرز دردناکی محو می شد بیماری لاعلاج.
2. کلود مونه (1840 - 1926)
کلود مونه. سلف پرتره در کلاه. 1886 مجموعه خصوصی کلود مونه را می توان کریستوفر امپرسیونیست نامید. از آنجایی که او در تمام عمر طولانی خود به این مسیر وفادار بود.
او نه اشیاء و افراد، بلکه یک ساختار تک رنگ از نقاط برجسته و نقاط را نقاشی کرد. سکته مغزی جداگانه. لرزش هوا
کلود مونه. استخر پارویی. 1869 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک. Metmuseum.org مونه نه تنها طبیعت را نقاشی کرد. او در مناظر شهری نیز مهارت داشت. یکی از مشهورترین - .
عکس های زیادی در این نقاشی وجود دارد. به عنوان مثال، حرکت با استفاده از یک تصویر تار منتقل می شود.
توجه کنید، درختان و شکل های دور به نظر در هاله ای از مه فرو رفته اند.
کلود مونه. بلوار کاپوسین در پاریس. 1873 (گالری هنر اروپایی و آمریکایی قرن 19-20)، مسکو لحظه ای متوقف شده از زندگی شلوغ پاریس پیش روی ماست. بدون صحنه سازی هیچ کس ژست نمی گیرد. افراد به صورت مجموعه ای از سکته ها به تصویر کشیده می شوند. چنین بی طرحی و اثر "فریز فریم" - ویژگی اصلیامپرسیونیسم
در اواسط دهه 1980، هنرمندان از امپرسیونیسم سرخورده شده بودند. زیبایی شناسی، البته، خوب است. اما بی توطئه بسیاری از مظلوم.
فقط مونه ادامه داد. هیپرتروفی امپرسیونیسم چیزی که به یک سری نقاشی تبدیل شد.
او همان منظره را ده ها بار به تصویر کشید. در ساعات مختلف روز. در زمان های مختلف سال. برای نشان دادن اینکه چه مقدار دما و نور می توانند یک نمای مشابه را غیرقابل تشخیص تغییر دهند.
بنابراین، انبارهای کاه بی شماری ظاهر شد.
نقاشی های کلود مونه در موزه هنرهای زیبا، بوستون. سمت چپ: انبار کاه در غروب آفتاب در Giverny، 1891 سمت راست: انبار کاه (اثر برف)، 1891
لطفا توجه داشته باشید که سایه ها در این نقاشی ها رنگی هستند. و نه خاکستری یا سیاه، همانطور که قبل از امپرسیونیست ها مرسوم بود. این یکی دیگر از ویژگی های آنهاست.
مونه موفق شد از موفقیت لذت ببرد و رفاه مادی. بعد از 40 سالگی فقر را فراموش کرده بود. او یک خانه و یک باغ زیبا دارد. و برای لذت خود خلق کرد سال های طولانی.
درباره خودش نقاشی نمادیناستادان در مقاله بخوانید
3. آگوست رنوار (1841 - 1919)
پیر آگوست رنوار. سلف پرتره. 1875 موسسه هنر استرلینگ و فرانسین کلارک، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا. پینترست امپرسیونیسم مثبت ترین نقاشی است. و مثبت ترین در میان امپرسیونیست ها رنوار بود.
در نقاشی های او درام پیدا نمی کنید. زوج رنگ سیاهاو استفاده نکرد. فقط لذت بودن حتی پیش پا افتاده ترین رنوار زیبا به نظر می رسد.
برخلاف مونه، رنوار بیشتر مردم را نقاشی می کرد. مناظر برای او اهمیت کمتری داشتند. در نقاشی های او دوستان و آشنایانش آرام می گیرند و از زندگی لذت می برند.
پیر آگوست رنوار. صبحانه پاروزنان. 1880-1881 مجموعه فیلیپس، واشنگتن، ایالات متحده آمریکا. wikimedia.commons.org در رنوار و تفکر نخواهید یافت. او از پیوستن به امپرسیونیست ها بسیار خوشحال بود. کدام نظرسنجی ها توطئه ها را رد کردند.
همانطور که خودش گفت بالاخره این فرصت را پیدا کرد که گل بنویسد و آنها را به سادگی "گل" بنامد. و هیچ داستانی در مورد آنها نسازید.
پیر آگوست رنوار. زنی با چتر در باغ. 1875 موزه تیسن بورمنیس، مادرید. arteuam.com رنوار در جمع زنان بهترین احساس را داشت. از کنیزانش خواست آواز بخوانند و شوخی کنند. هر چه آهنگ احمقانه و ساده لوحانه تر بود برای او بهتر است. پچ پچ مردی او را خسته کرد. جای تعجب نیست که رنوار به خاطر لباس های برهنه اش شناخته می شود.
مدل نقاشی “Nude in آفتاببه نظر می رسد که در یک پس زمینه انتزاعی رنگارنگ ظاهر می شود. زیرا برای رنوار هیچ چیز فرعی وجود ندارد. چشم مدل یا مساحت پس زمینه معادل هستند.
پیر آگوست رنوار. برهنه زیر نور خورشید 1876 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.commons.org رنوار عمر طولانی داشت. و هرگز قلم مو و پالت را زمین نگذارید. حتی زمانی که دستانش به دلیل روماتیسم کاملاً غل و زنجیر شده بود، برس را با طناب به بازوی خود بست. و نقاشی کرد.
او مانند مونه پس از 40 سال منتظر شناخت بود. و نقاشی هایم را در موزه لوور و در کنار آثار دیدم اساتید معروف.
در مورد یکی از جذاب ترین پرتره های رنوار در مقاله بخوانید
4. ادگار دگا (1834 - 1917)
ادگار دگا. سلف پرتره. 1863 موزه Calouste Gulbenkian، لیسبون، پرتغال. Cultured.com دگا یک امپرسیونیست کلاسیک نبود. او دوست نداشت در هوای آزاد کار کند ( بیرون از خانه). با او یک پالت روشن عمدی پیدا نخواهید کرد.
برعکس، او عاشق یک خط روشن بود. او مشکی زیادی دارد. و به طور انحصاری در استودیو کار می کرد.
اما با این حال او همیشه در حد سایر امپرسیونیست های بزرگ قرار می گیرد. زیرا او یک امپرسیونیست ژست بود.
زوایای غیر منتظره عدم تقارن در چیدمان اجسام. شخصیت ها غافلگیر شدند. همه اینها ویژگی های اصلی نقاشی های اوست.
لحظه زندگی را متوقف کرد و اجازه نداد به خود بیاید. حداقل به "ارکستر اپرا" او نگاه کنید.
ادگار دگا. ارکستر اپرا. 1870 موزه اورسی، پاریس. commons.wikimedia.org در پیش زمینه پشتی یک صندلی است. نوازنده پشتش به ماست. و در زمینهبالرین های روی صحنه در "قاب" قرار نمی گرفتند. سر آنها بی رحمانه توسط لبه نقاشی "بریده شده" است.
بنابراین ، رقصندگانی که او بسیار محبوب هستند ، همیشه به تصویر کشیده نمی شوند ژست های زیبا. گاهی اوقات آنها فقط کشش دارند.
اما چنین بداهه سازی خیالی است. البته، دگا با دقت به ترکیب آن فکر کرد. این فقط یک اثر فریز فریم است، نه یک فریم فریز واقعی.
ادگار دگا. دو رقصنده باله 1879 موزه شلبرن، ورموث، ایالات متحده ادگار دگا عاشق نقاشی زنان بود. اما بیماری یا ویژگی های بدن اجازه نمی داد با آنها تماس فیزیکی داشته باشد. او هرگز ازدواج نکرد. هیچ کس او را با یک زن ندیده است.
غیبت داستان های واقعیدر او زندگی شخصیاروتیسمی ظریف و شدید به تصاویرش اضافه کرد.
ادگار دگا. ستاره باله 1876-1878 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.comons.org لطفا توجه داشته باشید که در تصویر "ستاره باله" فقط خود بالرین کشیده شده است. همکاران او در پشت صحنه به سختی قابل تشخیص هستند. فقط چند پا
این بدان معنا نیست که دگا تصویر را تمام نکرده است. چنین استقبالی است. فقط مهم ترین چیزها را در کانون توجه قرار دهید. بقیه را ناپدید کنید، ناخوانا.
سایر نقاشی های استاد را در مقاله بخوانید.
5. برت موریزو (1841 - 1895)
ادوارد مانه. پرتره برت موریسو. 1873 موزه مارموتان مونه، پاریس. برتا موریسو به ندرت در ردیف اول امپرسیونیست های بزرگ قرار می گیرد. مطمئنم سزاوار نیست فقط در او تمام ویژگی ها و تکنیک های اصلی امپرسیونیسم را خواهید یافت. و اگر امپرسیونیسم را دوست دارید، کار او را با تمام وجود دوست خواهید داشت.
موریسو به سرعت و با شتاب کار کرد. انتقال برداشت خود به بوم. به نظر می رسد این ارقام در حال حل شدن در فضا هستند.
برت موریسو. تابستان. 1880 موزه فابر، مونپلیه، فرانسه. مانند دگا، او اغلب برخی از جزئیات را کامل نمی کرد. و حتی اعضای بدن مدل. ما نمی توانیم دست های دختر را در نقاشی "تابستان" تشخیص دهیم.
مسیر موریسو برای ابراز وجود دشوار بود. او نه تنها به نقاشی "درخت" مشغول بود. او هنوز یک زن بود. آن روزها قرار بود زنی آرزوی ازدواج داشته باشد. پس از آن، هر گونه سرگرمی فراموش شد.
بنابراین، برتا برای مدت طولانی از ازدواج امتناع کرد. تا اینکه مردی را پیدا کرد که با شغل او محترمانه رفتار می کرد. یوجین مانه برادر نقاش ادوارد مانه بود. او به طور وظیفه‌آمیز آرزوی سه‌تول و رنگ‌های همسرش را داشت.
برت موریسو. یوجین مانه با دخترش در بوگیوال. 1881 موزه مارموتان مونه، پاریس. اما هنوز در قرن 19 بود. نه، موریسو شلوار نپوشید. اما او نمی توانست آزادی کامل حرکت را تامین کند.
او نمی توانست به تنهایی برای کار به پارک برود. بدون همراهی یکی از نزدیکان نمی توانستم تنها در یک کافه بنشینم. بنابراین، نقاشی های او مردمی هستند حلقه خانواده. شوهر، دختر، اقوام.
برت موریسو. زنی با یک کودک در باغی در بوگیوال. 1881 موزه ملی ولز، کاردیف. موریسو منتظر شناخت نشد. او در سن 54 سالگی بر اثر ذات الریه درگذشت. تقریباً هیچ یک از کارهایش را در طول عمرش نفروخت. در گواهی فوت او در ستون "شغل" خط تیره بود. غیرقابل تصور بود که یک زن هنرمند نامیده شود. حتی اگر واقعاً بود.
در مورد نقاشی های استاد در مقاله بخوانید
6. کامیل پیسارو (1830 - 1903)
کامیل پیسارو. سلف پرتره. 1873 موزه اورسی، پاریس. wikipedia.org کامیل پیسارو. بدون تقابل، معقول. بسیاری او را معلم می دانستند. حتی خوش اخلاق ترین همکاران هم در مورد پیسارو بد صحبت نکردند.
او از پیروان وفادار امپرسیونیسم بود. در نیاز مبرم با داشتن پنج فرزند و همسر همچنان به همان سبک کار سختی می کشید. و هرگز به نقاشی سالن. تا محبوب تر شود. معلوم نیست که او از کجا این قدرت را پیدا کرده که خودش را کاملاً باور کند.
پیسارو برای اینکه اصلاً از گرسنگی نمرده، طرفداران را نقاشی کرد. که به راحتی فروخته شدند. و شناخت واقعی بعد از 60 سال به او رسید! وقتی بالاخره توانست نیاز را فراموش کند.
کامیل پیسارو. کالسکه در Louveciennes. 1869 موزه اورسی، پاریس هوا در نقاشی های پیسارو غلیظ و متراکم است. ادغام غیرمعمول رنگ و حجم.
این هنرمند از ترسیم تغییرپذیرترین پدیده های طبیعت ترسی نداشت. که برای لحظه ای ظاهر می شود و ناپدید می شود. اولین برف، آفتاب یخ زده، سایه های بلند
کامیل پیسارو. فراست. 1873 موزه اورسی، پاریس مشهورترین آثار او نماهایی از پاریس است. با بلوارهای عریض، ازدحام بیهوده و پر رنگ. در شب، در روز، در آب و هوای مختلف. چیزی مشترک با مجموعه ای از نقاشی های کلود مونه.
هنرمندان فرانسوی بزرگترین نام‌های فرهنگ جهان هستند. علاوه بر این، این استادان فرانسوی بودند که تمام رکوردهای قیمت آثار هنری را شکستند بهترین حراجی ها. حیف است، فقط نویسندگان آنها فقط دریافت کردند شهرت پس از مرگ، اما چنین است فراز و نشیب سرنوشت بسیاری از خالقان زیبایی.
هنرمندان فرانسوی: پدیده امپرسیونیسم فرانسوی
بنابراین، هنرمندان فرانسوی قرن بیستم به گران ترین و در نتیجه مشهورترین و شناخته شده ترین در جهان تبدیل شدند. حتی کسانی که کاملا بی تجربه هستند هنرهای زیبامردم اسمشان را می دانند اول از همه، اینها هنرمندان امپرسیونیست هستند. فرانسه در طول زندگی خود برای آنها مهمان نواز نبود، اما پس از مرگ آنها به یک غرور ملی واقعی تبدیل شدند.
بزرگترین هنرمندان فرانسه که دریافت کردند به رسمیت شناختن در سراسر جهان، شهرت و شهرت در دایره های گسترده، - این پیر رنوار, ادوارد مانه, ادگار دگا, پل سزان، کلود مونهو پل گوگن. همه آنها نمایندگان مشهورترین و پرفروش ترین گرایش نقاشی قرن بیستم - امپرسیونیسم هستند. ناگفته نماند که این گرایش از فرانسه سرچشمه گرفته است و جایگاه و اهمیت آن را در تاریخ هنر جهان کاملاً آشکار می کند. ترکیب شگفت انگیز تکنولوژی اصلیو بیان عاطفی عالی در امپرسیونیسم، خبره های زیبایی را در سراسر جهان مجذوب خود کرده و همچنان مجذوب خود می کند.
هنرمندان فرانسه: شکل گیری نقاشی فرانسوی
اما هنرمندان فرانسوی فقط امپرسیونیسم نیستند. مانند سایر نقاط اروپا، اوج نقاشی در اینجا به دوره رنسانس رسید. البته فرانسه نمی تواند به غول هایی مانند لئوناردو داوینچی یا رافائل مباهات کند، اما هنوز هم سهم خود را در امر مشترک انجام داده است. ولی تأثیرات ایتالیاییقوی تر از آن بودند که مدرسه ملی اصلی را تشکیل دهند.
اولین هنرمند بزرگ فرانسوی که کاملاً خود را از تأثیرات بیرونی رها کرد، ژاک لوئیس داوید بود که به حق بنیانگذار سنت ملی نقاشی در نظر گرفته می شود. اکثر نقاشی معروفپرتره سوارکاری معروف امپراتور ناپلئون به نام "ناپلئون در گذرگاه سنت برنارد" (1801) هنرمند شد.
هنرمندان قرن نوزدهم فرانسه که در جهتی واقع گرایانه کار می کنند، البته کمتر از امپرسیونیست ها شناخته شده اند، اما با این وجود آنها سهم ملموسی در توسعه نقاشی جهانی داشتند. اما قرن بیستم یک پیروزی بود هنر فرانسوی، و پاریس مرکز موسوم شد. منطقه معروفپایتخت فرانسه مونمارتر، که به ده‌ها هنرمند فقیر پناه داد که بعداً وارد صندوق طلایی میراث بشریت شدند، از جمله نام‌ها. رنوار, ون گوگ, تولوز لوترک، و پیکاسوو مودیلیانی، به مرکز هنرهای زیبا تبدیل شد و هنوز هم انبوهی از گردشگران را به خود جذب می کند. هنرمندان مشهور معاصر فرانسوی نیز به طور سنتی در مونمارتر زندگی می کنند.