مهم ترین جایگاه در توسعه رئالیسم اروپای غربی متعلق به هنر فرانسه است. و این تصادفی نیست. از اواخر قرن هجدهم، فرانسه نقش پیشرو در زندگی سیاسی-اجتماعی اروپا داشت و مبارزه طبقاتی بین اشراف، بورژوازی و پرولتاریا اشکال کلاسیک روشنی در آن به خود گرفت. بورژوازی با پنهان شدن در پشت لباس های سلطنتی و امپراتوری یا با ابراز قدرت در فضای باز، پیروز شد. مارکس در دهه‌های 1950 و 1960 در مورد فرانسه می‌نویسد: «صنعت و تجارت به ابعاد عظیمی رشد کرده‌اند. فقر توده‌ها در کنار درخشش گستاخانه تجملات بی‌نظیری که با تقلب و جنایت به دست آمده بود، به‌شدت خودنمایی می‌کرد.
جنبش دموکراتیک و پرولتری در اواسط قرن نوزدهم دامنه وسیعی در فرانسه به خود گرفت. انقلاب 1830 انقلاب 1848 را به دنبال دارد. در صحنه سیاسی، پرولتاریا، رهبری توده‌های وسیع مردم، با قاطعیت بیشتری بیرون می‌آید. در ژوئن 1848، او آشکارا علیه بورژوازی قیام کرد و در سال 1871، با اعلام کمون پاریس، اولین تلاش قهرمانانه در تاریخ را انجام داد تا قدرت سیاسی را به دست خود بگیرد.
تشدید تضادهای اجتماعی، نبردهای بزرگ طبقاتی، مشکلات اجتماعی جدید، مسائل مربوط به سازماندهی مجدد دموکراتیک جامعه نمی تواند ذهن های مترقی را برانگیخته و آنها را وادار کند که پدیده های واقعیت را تجزیه و تحلیل کنند و به دنبال راه های جدیدی در هنر بگردند. در فرانسه، که واضح ترین تصویر از شکل گیری و توسعه روندهای اصلی قرن 19 را ارائه می دهد، ظهور رئالیسم زودتر از سایر کشورها مشاهده می شود، روند واقع گرایانه با زندگی اجتماعی-سیاسی ارتباط نزدیکی دارد. بزرگترین نمایندگان هنر قرن 19.
انقلاب ژوئیه 1830 نقطه عطفی در توسعه هنر فرانسه بود. تحت تأثیر آن، توهمات عاشقانه ریشه کن می شود، علاقه به موضوعات اجتماعی در حال رشد است و یک برنامه نظری مستقل از رئالیسم در حال توسعه است. الزامات اصلی هنر جدید توسط لاویرون و گالباچیو در سالن سال 1833 تدوین شد. آنها بیشتر در آثار نظریه پردازان اصلی - مدافعان رئالیسم توسعه یافتند: توره بورگه، شانفلوری، دورانتی، کاستاناری و دیگران. همه این منتقدان - نمایندگان نسل 1848 - مسئله نقش آموزشی هنر را به منصه ظهور رساندند. آنها استدلال می کردند که هنر باید به توسعه جامعه در مسیر پیشرفت کمک کند، باید "معلم زندگی" باشد و برای این کار باید مرتبط، از نظر اجتماعی اشباع شده و برای مردم قابل درک باشد. هنر باید به مردم کمک کند تا دنیای اطراف خود را درک کنند، تضادهای آن را درک کنند. او قادر خواهد بود این کار را انجام دهد و هر ایده آل سازی و زینت زندگی را کنار بگذارد. صحت تصویر به عنوان یکی از شرایط لازم برای خلاقیت مطرح می شود - هنرمند آنچه را که می داند، آنچه را که در مقابل خود می بیند، می نویسد. فراخوان برای رد الگوهای پذیرفته شده عمومی و تأیید حقیقت زندگی در هنر به هنرمندان پیشرو کمک کرد تا راه ها و ابزارهای جدید بیان هنری را تسلط یابند و چشم اندازهای وسیعی را برای جستجوهای خلاقانه باز کند. در همان زمان، برخی از منتقدان اواسط قرن نوزدهم، گاهی اوقات مفهوم رئالیسم را به قابلیت اطمینان بیرونی تصویر، ماهیت توهمی انتقال جهان مرئی، تقلیل دادند، که البته باعث سرگردانی هنرمندان شد.
فیلیپ ژانرون در میان پیشگامان نقاشان بزرگ واقع گرا، شایسته است به برخی از استادان کم اهمیت اشاره شود. آنان با نداشتن مواهب پیروان خود، زمینه را برای آنان فراهم کردند. از جمله فیلیپ ژانرون (1809-1877) است. او در انقلاب‌های 1830 و 1848 شرکت داشت و اغلب در نشریات از اصول واقع‌گرایانه دفاع می‌کرد. ژانرون قبلاً در کار اولیه "کودکان در سنگر" (1831، موزه در کان)، به تصویرسازی مستقیم رویدادهای انقلابی روی آورد. در آثار بعدی، او تحلیلی اجتماعی از واقعیت ارائه کرد و با نمایندگان طبقات مختلف جامعه مدرن: اشراف، بورژوازی و پرولتاریا مخالفت کرد. هنگام به تصویر کشیدن کارگران، هنرمند بر فقر و رنج آنها تأکید می کرد، بدون اینکه از احساساتی بودن اجتناب کند. جنرون به عنوان یک نقاش پرتره نیز شناخته می شود. او پرتره های گویا از افراد برجسته زمان خود - نمایندگان روشنفکران جمهوری خواه - به جا گذاشت.
روند واقع گرایانه در هنر و ادبیات قرن نوزدهم.
در قرن نوزدهم، جامعه به سرعت شروع به توسعه کرد. فناوری های جدید در حال ظهور هستند، پزشکی، صنایع شیمیایی، مهندسی انرژی و حمل و نقل در حال توسعه هستند. جمعیت به تدریج از روستاهای قدیمی به شهرها نقل مکان می کنند و برای آسایش و زندگی مدرن تلاش می کنند.
حوزه فرهنگی نمی توانست به همه این تغییرات واکنش نشان ندهد. پس از همه، تغییرات در جامعه - اعم از اقتصادی و اجتماعی - شروع به ایجاد سبک ها و جهت گیری های هنری جدید کرد. بنابراین، رمانتیسم با یک گرایش سبک اصلی - رئالیسم جایگزین می شود. برخلاف سلف خود، این سبک بازتابی از زندگی را آنگونه که هست، بدون هیچ گونه زینت یا تحریف در نظر گرفت. این تمایل در هنر جدید نبود - در دوران باستان و در فرهنگ عامه قرون وسطی و در عصر روشنگری یافت می شود.
رئالیسم از اواخر قرن هفدهم تجلی روشن تری پیدا کرده است. افزایش آگاهی مردمی که از زندگی با آرمان های موجود خسته شده اند، باعث ایجاد یک بازتاب عینی می شود - واقع گرایی که در فرانسوی به معنای "ماده" است. برخی از گرایش های رئالیسم در نقاشی میکل آنژ کاراواجو و رامبراند ظاهر می شود. اما رئالیسم تنها در قرن نوزدهم به یکپارچه‌ترین ساختار دیدگاه‌ها درباره زندگی تبدیل می‌شود. در این دوره به بلوغ خود می رسد و مرزهای خود را به کل خاک اروپا و البته روسیه گسترش می دهد.
قهرمان جهت واقع گرایانه به فردی تبدیل می شود که ذهن را مجسم می کند و به دنبال قضاوت در مورد جلوه های منفی زندگی اطراف است. در آثار ادبی، تضادهای اجتماعی بررسی می شود، زندگی افراد محروم به طور فزاینده ای به تصویر کشیده می شود. دانیل دفو را بنیانگذار رمان رئالیستی اروپایی می دانند. در دل آثار او آغاز خوب انسان است. اما شرایط می تواند آن را تغییر دهد، در معرض عوامل خارجی است.
در فرانسه، بنیانگذار جهت جدید فردریک استاندال بود. او به معنای واقعی کلمه برخلاف جریان شنا کرد. در واقع، در نیمه اول قرن نوزدهم، رمانتیسیسم بر هنر مسلط بود. شخصیت اصلی یک "قهرمان فوق العاده" بود. و ناگهان استاندال تصویری کاملاً متفاوت پیدا کرد. قهرمانان او نه تنها در پاریس بلکه در استان ها زندگی می کنند. نویسنده به خواننده ثابت کرد که توصیف زندگی روزمره، تجربیات واقعی انسانی، بدون اغراق و آراستگی را می توان به سطح هنر رساند. جی. فلوبر از این هم فراتر رفت. شخصیت روانی قهرمان را آشکار می کند. این امر مستلزم توصیفی کاملاً دقیق از کوچکترین جزئیات، نمایش جنبه خارجی زندگی برای انتقال جزئی تر جوهر آن بود. گی دو موپاسان در این مسیر پیرو او شد.
در خاستگاه توسعه رئالیسم در هنر قرن 19 در روسیه نویسندگانی مانند ایوان کریلوف، الکساندر گریبایدوف، الکساندر پوشکین بودند. اولین عناصر برجسته رئالیسم قبلاً در سال 1809 در اولین مجموعه افسانه های I.A. کریلوف. نکته اصلی در قلب تمام افسانه های او یک واقعیت ملموس است. شخصیتی از آن شکل می گیرد، این یا آن موقعیت رفتاری متولد می شود که به دلیل استفاده از ایده های جا افتاده در مورد ماهیت شخصیت های حیوانی تشدید می شود. به لطف ژانر انتخاب شده، کریلوف تضادهای واضح در زندگی مدرن را نشان داد - درگیری قوی و ضعیف، ثروتمند و فقیر، مسخره کردن مقامات و اشراف.
در گریبایدوف، واقع گرایی در استفاده از شخصیت های معمولی که خود را در شرایط معمولی می یابند - اصل اصلی این جهت، تجلی می یابد. به لطف این استقبال، کمدی "وای از هوش" او هنوز هم امروزی است. شخصیت هایی را که او در آثارش به کار برده است همیشه می توان یافت.
پوشکین رئالیست مفهوم هنری تا حدودی متفاوتی ارائه می دهد. قهرمانان او به دنبال الگوهایی در زندگی هستند که مبتنی بر نظریه های آموزشی و ارزش های جهانی است. تاریخ و مذهب نقش مهمی در آثار او دارد. این امر آثار او را به مردم و شخصیت آنها نزدیک می کند. ملیت شدیدتر و عمیق تر در آثار لرمانتوف و گوگول و بعداً در آثار نمایندگان "مکتب طبیعی" ظاهر شد.
اگر در مورد نقاشی صحبت کنیم، شعار اصلی هنرمندان رئالیست قرن نوزدهم تصویری عینی از واقعیت بود. بنابراین، هنرمندان فرانسوی، در اواسط دهه 30 قرن نوزدهم، به رهبری تئودور روسو، شروع به نقاشی مناظر روستایی کردند. معلوم شد که معمولی ترین طبیعت، بدون تزئین، می تواند به یک ماده منحصر به فرد برای خلقت تبدیل شود. خواه یک روز تاریک باشد، یک آسمان تاریک قبل از طوفان، یک شخم زن خسته - همه اینها نوعی پرتره از زندگی واقعی است.
گوستاو کوربه، نقاش فرانسوی نیمه دوم قرن نوزدهم، با نقاشی های خود خشم محافل بورژوازی را برانگیخت. از این گذشته ، او یک زندگی واقعی را به تصویر کشید ، آنچه در اطراف خود دید. اینها می توانند صحنه های سبک، پرتره و طبیعت بی جان باشند. از معروف ترین آثار او می توان به «تدفین در اورنان»، «آتش»، «گوزن کنار آب» و نقاشی های رسواکننده «منشأ جهان» و «خواب زده ها» اشاره کرد.
در روسیه، بنیانگذار رئالیسم در هنر قرن 19 P.A. فدوتوف ("همسان سازی سرگرد"). او با توسل به طنز در آثارش، اخلاق رذیله را محکوم می کند و با فقرا همدردی می کند. میراث او شامل کاریکاتورها و پرتره های بسیاری است.
در نیمه دوم قرن نوزدهم، موضوع "زندگی عامیانه" توسط I.E. رپین. در نقاشی‌های معروف او «امتناع اعتراف» و «بارج‌برها در ولگا»، استثمار وحشیانه مردم و ایجاد اعتراض در میان توده‌ها محکوم شده است.
روندهای واقع گرایانه در قرن بیستم در آثار نویسندگان و هنرمندان ادامه یافت. اما، تحت تأثیر زمان جدید، آنها شروع به کسب ویژگی های دیگر، مدرن تر کردند.
رئالیسم به عنوان یک جنبش هنری قدرتمند در اواسط قرن نوزدهم شکل می گیرد. البته هومر و شکسپیر، سروانتس و گوته، میکل آنژ، رامبراند یا روبنس بزرگترین رئالیست ها بودند. صحبت از رئالیسم در اواسط قرن 19، منظور آنها یک سیستم هنری خاص است. در فرانسه، رئالیسم در درجه اول با نام کوربه همراه است، که با این حال، از اینکه رئالیست خوانده شود خودداری کرد. رئالیسم در هنر بدون شک با پیروزی پراگماتیسم در اذهان عمومی، غلبه دیدگاه های مادی گرایانه و نقش غالب علم همراه است. توسل به مدرنیته در تمامی مظاهر آن با تکیه بر علم دقیق، همانطور که امیل زولا اعلام کرد، نیاز اصلی این جنبش هنری شد. رئالیست ها با زبانی روشن و واضح صحبت می کردند که جایگزین زبان "موسیقی" اما ناپایدار و مبهم رمانتیک ها شد.
انقلاب 1848 تمام توهمات رمانتیک روشنفکران فرانسوی را از بین برد و از این نظر مرحله بسیار مهمی در توسعه نه تنها فرانسه، بلکه در کل اروپا بود. وقایع سال 1848 تأثیر مستقیمی بر هنر گذاشت. اول از همه، هنر به طور گسترده به عنوان وسیله ای برای تحریک و تبلیغات مورد استفاده قرار گرفت. از این رو، متحرک‌ترین شکل هنر - گرافیک مجلات ساده و گویا، گرافیک به عنوان عنصر اصلی چاپ طنز، توسعه یافت. هنرمندان فعالانه در جریان پرتلاطم زندگی عمومی شرکت دارند.
زندگی قهرمان جدیدی را مطرح می کند که به زودی قهرمان اصلی هنر خواهد شد - مرد کارگر. در هنر، جست‌وجو برای تصویری تعمیم‌یافته و تاریخی از آن آغاز می‌شود و نه تصویری ژانر حکایتی، همانطور که تاکنون انجام شده است. زندگی، زندگی، کار این قهرمان جدید به موضوع جدیدی در هنر تبدیل خواهد شد. یک قهرمان جدید و مضامین جدید نیز باعث ایجاد نگرش انتقادی نسبت به نظم موجود می شود، در هنر شالوده ای برای آنچه قبلاً در ادبیات به عنوان رئالیسم انتقادی شکل گرفته است، گذاشته می شود. در فرانسه رئالیسم انتقادی در دهه های 1940 و 1950 و در روسیه در دهه 1960 شکل گرفت. در نهایت، با رئالیسم، هنر منعکس کننده ایده های رهایی بخش ملی است که تمام جهان را به هیجان می آورد، علاقه ای که قبلاً توسط رمانتیک ها به رهبری دلاکروا نشان داده شده بود.
در نقاشی فرانسوی، رئالیسم قبل از هر چیز خود را در منظره، در نگاه اول، دور از طوفان های اجتماعی و جهت گیری گرایشی ژانر اعلام کرد. رئالیسم در منظر با به اصطلاح مکتب باربیزون آغاز می شود، با هنرمندانی که پس از دهکده باربیزون در نزدیکی پاریس چنین نامی را در تاریخ هنر دریافت کردند. در واقع باربیزونی ها آنقدرها یک مفهوم جغرافیایی نیستند که یک مفهوم تاریخی و هنری هستند. برخی از نقاشان مانند داوبینی اصلاً به باربیزون نیامدند، بلکه به دلیل علاقه به منظره ملی فرانسه به گروه آنها تعلق داشتند. این گروهی از نقاشان جوان - تئودور روسو، دیاز دلا پنیا، ژول دوپره، کنستان ترویون و دیگران - بودند که برای کشیدن طرح هایی از طبیعت به باربیزون آمدند. آنها نقاشی ها را در کارگاه بر اساس طرح ها تکمیل کردند، از این رو کامل بودن و تعمیم در ترکیب بندی و رنگ آمیزی. اما حس سرزنده طبیعت همیشه در آنها باقی می ماند. همه آنها با تمایل به مطالعه دقیق طبیعت و به تصویر کشیدن واقعی آن متحد شدند، اما این مانع از حفظ فردیت خلاقانه هر یک از آنها نشد. تئودور روسو (1812-1867) تمایل دارد تا بر طبیعت ابدی تأکید کند. در به تصویر کشیدن او از درختان، مراتع، دشت ها، مادیت جهان، مادیت، حجم را می بینیم که آثار روسو را با مناظر استاد بزرگ هلندی رویسدیل مرتبط می کند. اما در نقاشی های روسو ("اوکس"، 1852) جزئیات بیش از حد، رنگی تا حدی یکنواخت، برخلاف ژول دوپره (1811-1889)، که به طور گسترده و جسورانه نقاشی می کرد، عاشق تضاد نور و سایه و با کمک آنها تنش ایجاد کرد، یک حس هشدار دهنده و جلوه های روشنایی را منتقل کرد، یا دیازا دلا پنیا (1807-1876)، اسپانیایی اصالتا، که در مناظر او نور خورشید به طرز ماهرانه ای منتقل می شود، پرتوهای خورشید از بین شاخ و برگ ها نفوذ می کند و در آنها خرد می شود. چمن کنستانت ترویون (1810-1865) دوست داشت موتیف حیوانات را در تصاویر خود از طبیعت معرفی کند، بنابراین ژانرهای منظره و حیوانی را با هم ترکیب می کرد ("رفتن به بازار"، 1859). از هنرمندان جوان تر مکتب باربیزون، چارلز فرانسوا داوبینی (1817-1878) شایسته توجه ویژه است. نقاشی‌های او همیشه در یک پالت درخشان است که او را به امپرسیونیست‌ها نزدیک‌تر می‌کند: دره‌های آرام، رودخانه‌های آرام، علف‌های بلند. مناظر او پر از احساس غنایی بزرگ است ("دهکده در ساحل اویز"، 1868).
بلیط 1. مشخصات کلی روند ادبی در اواسط قرن 19.بلیط 2. خاستگاه رئالیسم به عنوان یک جنبش ادبی.
بلیط 4. ادبیات فرانسه در دهه 30-40 قرن 19.
بلیط 5. رئالیسم فرانسوی.
شکل‌گیری رئالیسم به‌عنوان یک روش در زمانی اتفاق می‌افتد که رمانتیک‌ها در روند ادبی نقش پیشرو دارند. در کنار آنها، در جریان اصلی رمانتیسم، مریمه، استاندال، بالزاک سفر نویسندگی خود را آغاز می کنند. همه آنها به انجمن های خلاق رمانتیک ها نزدیک هستند و فعالانه در مبارزه با کلاسیک ها شرکت می کنند. این کلاسیک گرایان نیمه اول قرن نوزدهم تحت حمایت دولت سلطنتی بوربن ها بودند که در این سال ها مخالفان اصلی هنر نوظهور رئالیستی بودند. مانیفست رمانتیک فرانسوی تقریباً همزمان منتشر شد - "پیشگفتار" درام "کرامول" اثر وی. هوگو و رساله زیبایی شناسی استاندال "راسین و شکسپیر" یک تمرکز انتقادی مشترک دارند و دو ضربه قاطع به قانون قوانین هنر کلاسیک هستند. که قبلاً منسوخ شده است. در این مهمترین اسناد تاریخی و ادبی، هوگو و استاندال، هر دو، با رد زیبایی‌شناسی کلاسیک گرایی، برای بسط موضوع تصویر در هنر، برای لغو توطئه‌ها و مضامین ممنوعه، برای بازنمایی زندگی با تمام کامل و ناسازگاری آن به پا می‌خیزند. . در عین حال، برای هر دو، بالاترین مدلی که هنگام خلق هنر جدید باید توسط آن هدایت شود، استاد بزرگ شکسپیر رنسانس است (اما هوگو و استاندال هر دو آن را به طرق مختلف درک کردند). سرانجام، اولین رئالیست‌های فرانسه و رمانتیک‌های دهه 1920 با یک جهت‌گیری سیاسی-اجتماعی مشترک گرد هم می‌آیند، که نه تنها در مخالفت با سلطنت بوربن، بلکه در برداشت انتقادی از روابط بورژوازی که در برابر چشمان آنها برقرار می‌شود آشکار می‌شود. .
پس از انقلاب 1830، که نقطه عطف مهمی در توسعه فرانسه بود، مسیرهای رئالیست ها و رمانتیک ها از هم جدا خواهد شد، که به ویژه در جنجال های دهه 30 منعکس خواهد شد (به عنوان مثال، بررسی های انتقادی بالزاک از درام هوگو). "هرنانی" و مقاله خود "آکاتیست های رمانتیک"). با این حال، پس از 1830، تماس های متحدان دیروز در مبارزه با کلاسیک ها حفظ شد. رمانتیک ها با وفادار ماندن به روش های اساسی زیبایی شناسی خود، با موفقیت بر تجربه رئالیست ها (به ویژه بالزاک) مسلط خواهند شد و تقریباً در تمام کارهای مهم از آنها حمایت می کنند. رئالیست ها نیز به نوبه خود با علاقه آثار رمانتیک ها را دنبال خواهند کرد و با رضایتی غیرقابل تغییر با هر یک از پیروزی های آنها روبرو خواهند شد (به ویژه روابط بین جی. ساند و هوگو و بالزاک چنین بود).
رئالیست‌های نیمه دوم قرن نوزدهم، پیشینیان خود را به خاطر «رمانتیسم باقی‌مانده» که در مریمه یافت می‌شود سرزنش می‌کنند، برای مثال، در آیین او به امر عجیب و غریب (به‌اصطلاح رمان‌های عجیب و غریب)، در استاندال، در تمایلش به تصویر کردن. شخصیت های روشن و احساسات استثنایی ("تواریخ ایتالیایی") ، بالزاک - در اشتیاق برای نقشه های ماجراجویانه و استفاده از تکنیک های خارق العاده در داستان های فلسفی ("پوست شاگرین"). این اتهامات بی اساس نیستند و این یکی از ویژگی های خاص است - رابطه ظریفی بین رئالیسم و رمانتیسم وجود دارد که به ویژه در میراث تکنیک ها یا حتی مضامین و انگیزه های مشخصه هنر رمانتیک (مضمون) آشکار می شود. از توهمات از دست رفته، انگیزه ناامیدی).
اهمیت رمانتیسیسم به عنوان پیشرو هنر رئالیستی در فرانسه به سختی قابل ارزیابی است. این رمانتیک ها بودند که اولین کسانی بودند که جامعه بورژوایی معاصر را نقد کردند و نقد مداوم و سازش ناپذیر مناسبات بورژوایی از مواضع رفیع اومانیسم قوی ترین جنبه زیبایی شناسی رئالیست هاست که تجربه پیشینیان خود را گسترش دادند و غنا بخشیدند.
مهم ترین اصل زیبایی شناسی رمانتیک مورد مطالعه واقع گرایان - اصل تاریخ گرایی - در ارتباط با مسئله تداوم ادبی از اهمیت ویژه ای برخوردار است. مشخص است که این اصل متضمن در نظر گرفتن زندگی انسان به عنوان یک فرآیند پیوسته است که در آن تمام مراحل آن از نظر دیالکتیکی به هم مرتبط هستند که هر یک ویژگی های خاص خود را دارد. در سنت واقع گرایانه که به رنگ تاریخی تغییر نام یافته بود، از نویسندگان خواسته شد تا آشکار کنند. با این حال، در جدال 20-30 از قبل شکل گرفته با کلاسیک ها، این اصل ویژگی های خاص خود را داشت. بر اساس اکتشافات مکتب مورخان مدرن (تیری، میشله، گیزو) که ثابت کردند موتور اصلی تاریخ مبارزه طبقات است و قدرتی که نتیجه را مردم، توده ها تعیین می کند، واقع گرایان پیشنهاد کردند. روش جدید خواندن تاریخ
واقع گرایان بزرگ وظیفه خود را بازتولید واقعیت همان گونه که هست، با آگاهی از قوانین درونی آن می دانند که دیالکتیک و انواع اشکال را تعیین می کند. بالزاک در مقدمه می نویسد: «مورخ خود جامعه فرانسه بود، من فقط باید منشی آن بودم. اما یک تصویر عینی بازتاب آینه ای منفعل از این جهان نیست، زیرا گاهی، همانطور که استاندال می گوید، "طبیعت مناظر غیر معمول، تضادهای عالی را ارائه می دهد" و آنها می توانند برای آینه ناخودآگاه نامفهوم بمانند. بالزاک با برداشتن اندیشه استندال استدلال می کند که وظیفه تقلید از طبیعت نیست، بلکه بیان آن است. به همین دلیل است که مهمترین چیدمان ها - بازآفرینی واقعیت - برای بالزاک، استاندال، مریمی تکنیک هایی مانند تمثیل، فانتزی، گروتسک، نمادگرایی را مستثنی نمی کند.
رئالیسم نیمه دوم قرن نوزدهم، که با کار فلوبر نشان داده شد، با رئالیسم مرحله اول تفاوت دارد. یک گسست نهایی با سنت رمانتیک وجود دارد که به طور رسمی قبلاً در مادام بوواری (1856) خوانده شده است. و اگرچه واقعیت بورژوایی همچنان موضوع اصلی تصویرسازی در هنر است، مقیاس و اصول تصویرسازی آن در حال تغییر است. شخصیت های درخشان قهرمانان رمان دهه 1930 و 1940 با افراد عادی جایگزین می شوند، نه چندان قابل توجه. دنیای رنگارنگ احساسات واقعاً شکسپیرانه، دعواهای شدید، درام های دلخراش، که در کمدی انسانی بالزاک، آثار استاندال و مریمی به تصویر کشیده شده است، جای خود را به "دنیای رنگ های کپک زده" می دهد که برجسته ترین رویداد آن زنا است.
تغییرات اساسی در مقایسه با واقع گرایی مرحله اول و رابطه هنرمند با جهانی که در آن شیء تصویر را انتخاب می کند مشخص می شود. اگر بالزاک، مریمی، استاندال علاقه شدیدی به سرنوشت این جهان نشان می دادند و به گفته بالزاک دائماً "نبض دوران خود را احساس می کردند، بیماری های آن را می دیدند"، فلوبر یک جدایی اساسی از واقعیت را برای او غیرقابل قبول اعلام می کند. در آثارش نقاشی می کشد. نویسنده که با ایده انزوا در یک قلعه عاج وسواس دارد، با زنجیر به زمان حال تبدیل می شود و تبدیل به یک تحلیلگر خشن و یک قاضی عینی می شود. با این حال، علیرغم تمام اهمیتی که تحلیل انتقادی به دست می آورد، یکی از مهم ترین مشکلات استادان بزرگ رئالیسم، مشکل قهرمان مثبت باقی می ماند، زیرا «رذیت مؤثرتر است... برعکس، فضیلت فقط به طور غیرعادی نشان می دهد. خطوط نازکی به قلم موی هنرمند." فضیلت تقسیم ناپذیر است، اما رذیلت چندگانه است.
بلیط 6. شعرهای برانگر. تحلیل 2 شعر.
ژان پیر برنگر 1780-1857] - ترانه سرای فرانسوی. آر در پاریس، در خانواده یک منشی. او در جوانی تعدادی از حرفه‌های خود را تغییر داد: شاگرد ساعت‌ساز، خدمتکار میخانه، کتابدار، تحصیل جواهرات و غیره بود و سرانجام در میان بوهمای ادبی و هنری پاریس ارتباط برقرار کرد. دموکراسی بی.، که به دلیل خاستگاهش از بورژوازی کارگری و این واقعیت که او در شرایط انقلاب کبیر فرانسه بزرگ شده بود، که با اصولی عمیقاً آغشته بود، از پیش تعیین شده بود، کار ادبی خود را در یک رابطه رسمی در امتداد خط هدایت کرد. مخالفت با ادبیات کلاسیک که در راس ادبیات حاکم بود. با این حال، در مبارزه با دومی، شاعر خرده بورژوا مسیر طبقاتی را دنبال نمی کند که رمانتیسیسم را ایجاد کرده اند، بلکه بر سنت ادبی "کم" ترانه-کوپلت خیابانی تکیه می کند که در میخانه ها و میخانه های پاریس بداهه می پردازد. ب. ابتدا نمونه هایی از این ژانر را دنبال می کند که در حلقه ترانه سرایان "Pogrebok" ایجاد شده است (سنت او از قرن 18 ادامه داشته است) ، که به دلیل خلق و خوی عمیق اجتماعی خود وارد آن می شود و خیلی زود موضوع آنها را به شدت به روز می کند. موضوع. از ستایش پرشور عشق آزاد و سرگرمی در اوایل دوره B. ("Bacchante"، "Great Orgy")، B. خیلی زود یک جزوه سیاسی تند، مرثیه اجتماعی، مراقبه غنایی عمیق خلق می کند.
اولین آثار شاخص بی در این نوع جزوه های او درباره ناپلئون اول است: "شاه ایوتو"، "رساله سیاسی". اما اوج طنز بی به دوران مرمت می رسد. بازگشت به قدرت بوربن ها و همراه با آنها اشراف زاده های مهاجر که در طول سال های انقلاب چیزی یاد نگرفته اند و چیزی را فراموش نکرده اند، در ب. یک سلسله طولانی از آهنگ ها، جزوه ها را تداعی می کند که در آن کل نظام اجتماعی و سیاسی دوران بازتاب طنز درخشانی می یابد. ادامه آنها آهنگ های جزوه ای است که علیه لوئی فیلیپ به عنوان نماینده بورژوازی مالی بر تاج و تخت کارگردانی می شود. در این ترانه‌ها که خود ب. آنها را کلیسا، بوروکراسی و بورژوازی، تیرهایی که به تاج و تخت شلیک می‌کنند، می‌خواند، شاعر از طریق خلاقیت شاعرانه در دفاع از منافع بورژوازی کارگر، که نقشی انقلابی در دوران بی.. انگیزه ب تجلیل از کار، فقر و برتری اخلاقی آنها بر استثمار و ثروت است. در میان تمام آثار B. رشته‌ای از ترانه‌ها و مدیتیشن‌های صرفاً غنایی، آغشته به انگیزه تجلیل از کار و زندگی طبقات کارگر ("خدای مردم خوب" ، "دم دم قدیمی من" ، "تصویر زیر شیروانی" است. "نه، این Lisette نیست"، "خیاط و پری"، "Rhyme Fairy"، و غیره). ب. همچنین در چرخه ای از ترانه ها که به افسانه ناپلئون اختصاص یافته است، به عنوان یک شاعر فلسفه گرایی انقلابی عمل می کند. ب. در مخالفت با ناپلئون در دوران سلطنتش، کیش خاطره خود را در دوران بوربون ها و لویی فیلیپ تأیید می کند. در سرودهای این چرخه، ناپلئون به عنوان نماینده قدرت انقلابی و مرتبط با توده ها ایده آل شده است. این موتیف شعر ب. که با آگاهی پرولتاریای واقعی بیگانه بود، با حساسیت روحیه بورژوازی کارگر را منعکس می کرد که واکنش دردناکی نسبت به بازگشت به قدرت اشراف و کلیسا تحت حاکمیت بوربون ها و تسلط امور مالی نشان می داد. بورژوازی تحت لویی فیلیپ. در این معنای محدود نمی توان ماهیت انقلابی این انگیزه را انکار کرد. سرانجام، آرمان های مثبت بی. که در تعدادی از آهنگ های اتوپیایی آشکار شد، دوباره شاعر را نماینده خرده بورژوازی انقلابی توصیف می کند. انگیزه های اصلی این چرخه: ایمان به قدرت ایده ها، آزادی به عنوان یک نوع خیر انتزاعی، و نه به عنوان یک نتیجه واقعی از مبارزه طبقاتی، که لزوماً با خشونت همراه است ("ایده"، "اندیشه"). در یکی از آهنگ های این چرخه، بی معلمان خود را صدا می کند: اوون، لافونتن، فوریه. بنابراین پیش روی ما پیروان سوسیالیسم آرمانگرایانه ماقبل مارکسیستی است.
در شرایط تقویت تدریجی ضدانقلاب که گهگاه با انفجارهای انقلابی که ب. در آن زندگی و کار می کرد، قطع می شد، طبقات حاکم به نمایندگی از دولت های خود، به تناوب (همیشه ناموفق) سعی می کنند او را جذب کنند. در کنار آنها به عنوان یک نیروی اجتماعی برجسته، شاعر را در معرض سرکوب شدید قرار دهند. اولین مجموعه شعر او را از رحمت مقامات در دانشگاه محروم می کند و سپس در آنجا خدمت می کرد. مجموعه دوم، B. را به دلیل توهین به اخلاق، کلیسا و خانواده سلطنتی تحت تعقیب قرار می دهد و به سه ماه حبس محکوم می شود. مجموعه چهارم منجر به صدور حکم دوم حبس برای نویسنده شد، این بار به مدت 9 ماه. هر دو فرآیند تحت حکومت ضدانقلاب بوربن ها اتفاق افتاد و تنها به رشد عظیم محبوبیت بی کمک کرد، سلول زندان روگو هر بار به زیارتگاه بهترین نمایندگان هر چیز مترقی در فرانسه تبدیل می شد. آن دوران محبوبیت ب. در لایه های گسترده ای از فرانسه کارگر، علاوه بر آهنگ هایش، که در کلبه دهقانان، گنجه صنعتگر، سربازخانه و اتاق زیر شیروانی خوانده می شد، بیشتر توسط سبک زندگی شاعر که با فقر هم مرز بود، همراه بود. فرصتی برای تصاحب موقعیتی برجسته در دولت لویی فیلیپ یا ناپلئون سوم، کسانی که از لیبرالیسم بازی کردن و به خدمت گرفتن شاعر انقلابی بدون توجه به رفتار اجتماعی او بیزار نبودند. با همه اینها، مشارکت ب. در زندگی سیاسی به معنای واقعی کلمه (اگر به کنش انقلابی ترانه ها دست نزنیم) برای مثال به اشکال نسبتاً معتدلی منجر شد. در سالهای اخیر، B. از زندگی عمومی کناره گیری کرد، در نزدیکی پاریس مستقر شد، در کار خود از انگیزه های سیاسی به اجتماعی رفت و آنها را با روحیه پوپولیسم توسعه داد ("Red Jeanne" "، "ولگرد"، "ژاک" و غیره).
انتخاب ب. به عضویت مجلس ملی در سال 1848 هیچ اهمیت واقعی نداشت، زیرا او در کار مجلس شرکت نکرد و تنها نشان دادن احترام به ب. از طرف اقشار وسیع جمعیت پاریس بود. شهرت ب. در این دوره به حدی بود که پس از مرگ ناپلئون سوم، دولت ناپلئون سوم مجبور شد مراسم تشییع جنازه او را با هزینه خود انجام دهد و رسماً به آنها اهمیت یک عمل ملی بدهد.
گل های بهاری زیادی می دهی،
دختر مردم خواننده حقوق مردم.
از بچگی مدیونش هستی
جایی که او آواز خواند و اولین گریه شما را آرام کرد.
شما به بارونس یا مارکیز
من به خاطر آراستگی آنها تغییر نمی کنم.
نترس، با الهه ما به این شعار وفادار هستیم:
وقتی پسری بدون شهرت
به قلعه های باستانی برخوردم
من به جادوگر عجله نکردم،
برای باز کردن یک پورتال بسته برای من.
فکر کردم: نه، نه آواز خواندن، نه عشق،
مثل تروبادورها اینجا ما را ملاقات نمی کنند.
بیایید از اینجا به طبقه سوم برویم:
سلیقه من و من - ما از توده مردم هستیم.
مرگ بر توپ ها، جایی که کسالت یک مومن قدیمی است
جایی که باران آتش بازی محو می شود،
جایی که خنده بی صداست، بی آنکه فرصتی برای طنین انداختن داشته باشد!
یک هفته دیگر! با لباس سفید وارد می شوید
شما به مزارع زنگ می زنید - برای شروع رقص یکشنبه.
پاشنه ات، کمان تو میخواهم به عقب برسم...
سلیقه من و من - ما از توده مردم هستیم!
کودک! نه تنها با هر خانمی -
شما می توانید با شاهزاده خانم بحث کنید.
آیا کسی می تواند زیبایی را با شما مقایسه کند؟
نگاه چه کسی لطیف تر است؟ ویژگی های چه کسی صحیح تر است؟
همه می دانند - با دو یاردی پشت سر هم
من جنگیدم و آبروی مردم را حفظ کردم.
خواننده او را به عنوان پاداش دریافت کنید:
سلیقه من و من - ما از توده مردم هستیم.
دختر مردم
لبرون، تو منو وسوسه می کنی!
بالاخره من فقط یک خواننده ساده هستم،
و تو در نامه ای به من پیشنهاد می کنی
تاج علمی!
اما صبر کن، صبور باش!
که تمام عمرم را طوری زندگی کردم که گویی در گیجی،
من تنهایی را دوست دارم
و من به تماس شما نخواهم رفت.
سروصدای دنیایی تو مرا می ترساند.
من به سکوت معتادم
"دنیا خیلی وقته دلتنگت شده..."
دنیا به سختی مرا به یاد می آورد!
کمتر به او جلال بدهید
و پول بیشتر - نور چنین است.
و شوخی بس است!
وارد سیاست شوید! - به شاعر
آنها به طور مداوم به تنهایی اصرار دارند.
راستی دوستان در این تاپیک
قدیم ها زیاد نمی خواندم؟!
دیگران به من فریاد می زنند: «پیامبر
شما از این به بعد نام خود را بگذارید
و در این مقام عالی
از ما بخور خواهی گرفت.»
تبدیل به یک فرد بزرگ
من هرگز آرزو نمی کنم:
قرن ما غیر اقتصادی است،
افسوس که پایه ابتذال است!
هر فرقه ای پیامبر خود را دارد
و هر باشگاهی یک نابغه دارد:
توگو برای انتخاب شدن به عنوان بخشدار عجله دارد،
برای این کار آنها عجله می کنند تا یک محراب برپا کنند ...
من از چه می ترسم؟
بلیط 6. خلاقیت استاندال.
کار استاندال (نام مستعار ادبی هانری ماری بایل) دوره جدیدی را در توسعه نه تنها ادبیات فرانسه، بلکه همچنین ادبیات اروپای غربی باز می کند. این استاندال است که در اثبات اصول و برنامه‌های اصلی شکل‌گیری هنر مدرن، که از نظر تئوریک در نیمه اول دهه 20 بیان شد، زمانی که کلاسیک هنوز بر آن حاکم بود، رهبری می‌کند و به زودی به طور درخشان در شاهکارهای هنری رمان‌نویس برجسته جهان تجسم یافت. قرن 19.
در «سالهای تحصیل» جهان بینی استاندال تحت تأثیر روشنگران ماتریالیست، مانند هلوتیوس، مونتسکه و دی تراستی، بنیانگذار «پزشکی فلسفی کابانیس» شکل می گیرد. در سال 1822، استاندال که این مطالعات علمی را پشت سر گذاشت، نوشت: "هنر همیشه به علم وابسته است، از روش های کشف شده توسط علم استفاده می کند." کشف واقعی برای او مفهوم سودگرایانه "منافع شخصی" بود که توسط هلوتیوس به عنوان مبنای طبیعی یک فرد توجیه شده بود، که برای او "تعقیب خوشبختی" انگیزه اصلی همه اقدامات است. شخصی که در جامعه ای از نوع خود زندگی می کند، نه تنها نمی تواند با آنها حساب باز کند، بلکه باید برای آنها نیکی کند. «شکار خوشبختی» از نظر دیالکتیکی با فضیلت مدنی پیوند خورده بود و به این ترتیب رفاه کل جامعه را تضمین می کرد. "روح شریف به خاطر خوشبختی خود عمل می کند، اما بزرگترین خوشبختی او در شادی دیگران است." «شکار خوشبختی» به عنوان موتور اصلی کنش انسان به موضوع ثابت تصویرسازی استاندال تبدیل خواهد شد.
استاندال در سال 1822 در رساله "درباره عشق" نمونه ای از تحلیل دقیق ریاضی را ارائه می دهد و "فرایند تبلور" یکی از صمیمی ترین احساسات - اشتیاق عاشقانه را ردیابی می کند.
جستجوهای اولیه نویسنده با تکامل تمایلات زیبایی‌شناختی او مشخص شده است: تحسین تئاتر کلاسیک راسین با اشتیاق به نئوکلاسیک ایتالیایی آلفیری جایگزین شد، که در نهایت شکسپیر ترجیح داده شد. این تغییر در دستورالعمل های زیبایی شناسی نه تنها منعکس کننده روندهای مشخصه تکامل ذائقه زیبایی شناختی جامعه فرانسه بود، بلکه رویکرد خاصی به مانیفست ادبی آینده استاندال "راسین و شکسپیر" را ترسیم کرد که مبارزات کلاسیک گرایان رمانتیک را خلاصه می کند. نتیجه گیری های برنامه ای اصلی برای خلاقیت نویسنده را تشریح می کند. استاندال ناهماهنگی مفهوم زیبایی‌شناختی مخالفان ادبی خود را اثبات می‌کند و استدلال می‌کند که هنر همراه با جامعه و تغییر خواسته‌های زیبایی‌شناختی آن تکامل می‌یابد.
اندکی بعد، استاندال در مقاله «والتر اسکات و شاهزاده خانم کلیوز»، در تکمیل و تصحیح مفاد اصلی راسین و شکسپیر، خاطرنشان می‌کند: «قرن نوزدهم از هر آنچه پیش از آن بود، با تصویری دقیق و نافذ متمایز خواهد شد. از قلب انسان." استاندال وظیفه اصلی ادبیات مدرن را در ترسیم واقعی و دقیق یک شخص، دنیای درونی او، دیالکتیک احساسات تعیین شده توسط ساختار روحی و جسمی شخصیت می داند که تحت تأثیر محیط، تربیت و اجتماعی شکل می گیرد. شرایط زندگی
در همان زمان، ژانری که استاندال اکتشافات هنری اصلی خود را انجام می دهد، مشخص شد که اصول زیبایی شناسی واقع گرایانه را در بر می گیرد. اصالت فردیت خلاق او در نوع رمان روانی-اجتماعی او کاملاً آشکار خواهد شد. اولین تجربه نویسنده در این ژانر رمان «آرمان» است که در سال 1827 نوشته شده است. در سال 1830، استاندال کتاب قرمز و سیاه را به پایان رساند، که نشانه شروع بلوغ نویسنده بود. خلاصه داستان این رمان بر اساس وقایع واقعی مربوط به پرونده آنتوان برته، مرد جوانی از یک خانواده دهقانی است که تصمیم گرفت با وارد شدن به خدمت معلمی در خانواده یک مرد ثروتمند محلی، میشا، شغلی ایجاد کند. اما وزره که به خاطر رابطه عاشقانه با مادر شاگردانش محکوم شد، جای خود را از دست داد، از حوزه علمیه اخراج شد و سپس از خدمت در یک عمارت اشرافی پاریسی اخراج شد، جایی که او نیز به دلیل روابط با دختر صاحب خانه به خطر افتاد. بدون کمک خانم میشا. برت در ناامیدی به گرنوبل باز می گردد و به خانم میشا شلیک می کند و سپس سعی می کند خودکشی کند. تصادفی نبود که این تواریخ دربار توجه استاندال را به خود جلب کرد، او رمانی را در مورد سرنوشت غم انگیز یک پلبی با استعداد در فرانسه در طول دوره بازسازی تصور کرد.
اولین تواریخ ایتالیایی استاندال، وانینا وانینی (1829)، از نظر دیالکتیکی با قرمز و سیاه مرتبط است. قهرمان رمان به جولین سورل نزدیک است اما در زندگی راه مخالف را انتخاب می کند.
در سال 1830، رژیم ترمیم منفور استاندال توسط موجی از رویدادهای انقلابی از بین رفت. اما بورژوازی که با قدرت سرکوب زحمتکشان به قدرت رسید از اشراف و روحانیون پیشی گرفت. امسال تغییرات شادی برای خالق "قرمز و سیاه" به همراه نداشت. شاهکار استاندال مورد توجه انتقاد رسمی قرار نگرفت. همین سرنوشت برای رمان جدید او - "لوسین لون" ("قرمز و سفید") رقم خورد. این رمان شاهدی غیرقابل انکار بر غنای هنر استاندال رمان نویس است. این رمان که در سالهای اولیه سلطنت جولای خلق شد، با عمق و دقت تحلیل رژیم سیاسی-اجتماعی که به تازگی خود را در فرانسه تثبیت کرده بود، برخورد می‌کند. استاندال با وفادار ماندن به خود، کاستی‌های رمان قبلی را در نظر می‌گیرد، جایی که فقط شخصیت‌های مرکزی به روشنی برجسته شده‌اند و گالری کاملی از شخصیت‌های ثانویه جذاب و قابل‌توجه ایجاد می‌کند.
موضوع اصلی کار استاندال در نیمه دوم دهه 30 با ایتالیا مرتبط است، جایی که او سالهای زیادی را در آنجا گذراند. چهار داستان منتشر شده است - ویتوریا آکورامبونی، دوشس دی پالیانو، سانچی، ابیس کاسترو. آنها همراه با "وانینا وانینی"، بر اساس پردازش هنری دست نوشته های واقعی که توسط نویسنده در آرشیو ایتالیا یافت شده است، چرخه "تواریخ ایتالیایی" استاندال را نشان می دهند.
محتوای یکی از دست نوشته های قدیمی که در مورد ماجراهای رسوایی پاپ پل 3 فارنزه صحبت می کند، مبنایی برای خلق آخرین شاهکار استاندال - رمان صومعه پارما (1839) بود. «محل پارما» که بالاترین مرحله و نتیجه خلاقانه تکامل استاندال را نشان می‌دهد، یک ژانر و وحدت سبک پیچیده است که نشان‌دهنده اصالت توسعه روش هنری نویسنده است.
هنرمندی که راه را برای آینده ادبیات هموار کرد، برای معاصرانش قابل درک نبود و این درد استاندال را دردناک کرد. و با این حال، در سال های انحطاط خود، موفق شد اعتراف بلند خود را که متعلق به بالزاک بود، بشنود، که با «مطالعه بیل» به ظهور «صومعه پارما» پاسخ داد.
بلیط 7. استاندال "راسین و شکسپیر"، "والتر اسکات و شاهزاده خانم کلیوز".
استاندال (نام اصلی - هنری-ماری بیل) در سال 1783 در گرنوبل متولد شد. در 1800-1802. به عنوان ستوان فرعی در ارتش ایتالیایی بناپارت خدمت کرد. در 1805-1812 - استاد چهارم؛ نیروهای امپراتوری را در هنگام ورود به برلین، وین، در لشکرکشی به مسکو همراهی کرد. پس از سقوط ناپلئون، به ایتالیا رفت و در آنجا با جنبش کاربوناری ارتباط برقرار کرد، با بایرون ملاقات کرد، در سال 1821 به فرانسه بازگشت و در سال 1831 به عنوان کنسول فرانسه در شهر سیویتاوکیا ایتالیا ساکن شد.
استاندال در عصر ویرانی و نوسازی بزرگ زندگی می کرد. جلوی چشمان او (و تا حدودی با مشارکت او) دنیا در حال تغییر بود. ساختار طبقاتی جامعه نه در ایستایی قبل از انقلاب، بلکه در مبارزه، در لحظه گذار، توزیع مجدد قدرت برای او آشکار شد. او متوجه شد که آگاهی انسان از یک جهت به وجود او بستگی دارد. بنابراین از نظر او ادبیات و هنر نیز وابسته اجتماعی هستند. آنها نمی توانند از یک ایده آل مطلق و تغییر ناپذیر زیبایی بیرون بیایند. چنین دیدگاه‌هایی از استاندال (به طور کلی مشخصه بالزاک و مریمه) روش کار او را تعیین کرد.
همانطور که بعداً برای بالزاک، اسکات سلف او و حتی معلم او بود. او نوشت: «رمان‌نویس معروف، انقلابی در ادبیات فرانسه ایجاد کرد، اعتراف می‌کنم که خیلی مدیون آثار والتر اسکات هستم.» اما در سال 1830 استاندال در مقاله "والتر اسکات و شاهزاده خانم کلوز" در پاسخ به این سوال: "... آیا باید لباس قهرمانان، منظره ای که در آن قرار دارند، ویژگی های صورت آنها را توصیف کنیم؟ یا بهتر است احساسات و احساسات مختلفی را که روح آنها را برانگیخته است توصیف کنیم؟ " بی چون و چرا به دومی ترجیح داد. اما نباید فکر کرد که همه اختلاف نظرها با اسکات و «مقلدانش» به این برمی گردد: به شیوه نگارش، به فراوانی یا محدودیت توصیفات. تفاوت‌ها عمیق‌تر بودند و ماهیتی اساسی داشتند. استاندال والتر اسکات را با این واقعیت سرزنش کرد که به دلیل محافظه کاری سیاسی خود، عدالت را در قبال قهرمانان سرکش خود رعایت نمی کند و ابراز رقت بالای مدنی به او داده نمی شود. او در مقاله‌ای در WSPC نوشت: «شخصیت‌های رمان‌نویس اسکاتلندی، هرچه شجاعت و اعتماد به نفس بیشتری نداشته باشند، احساسات بلندتری دارند. من اعتراف می کنم که این بیشتر از همه مرا در سر والتر اسکات ناراحت می کند. "مسئله صحت هنر ارتباط تنگاتنگی با مسئله زیبایی، با درک زیبایی دارد. S. من متقاعد شده ام که آرمان زیبایی از نظر تاریخی مشروط است. او با ارائه تفسیری ماتریالیستی و دیالکتیکی از آرمان استدلال کرد: «زیبایی نوید خوشبختی است.» و موضع خود را در مورد هنر رمزگشایی کرد: «زیبایی در هنر بیانی از فضایل یک جامعه معین.» زیبا و مفید در او جمع می شود، زیبایی خارج از اخلاق وجود ندارد و اگر یکی از فضایل C را ذهن در نظر می گرفت، زیبایی خارج از ذهن وجود ندارد، همچنان که زیبایی بدون معنویت وجود ندارد. مفهوم زیبایی معنوی نیز شامل انرژی، جاه طلبی، وظیفه، اراده و البته توانایی تجربه احساسات می شود. س. - عشق (به "درباره عشق" مراجعه کنید)
در مرکز زیبایی شناسی S. Man، شخصیت انسان. به طور خاص، قضاوت او در مورد شخصیت در نامه ای به بالزاک: «یکی از افرادی را که می شناختم می گیرم و با خود می گویم: این شخص عادت های خاصی پیدا کرده است، هر روز صبح به شکار خوشبختی می رود و سپس کمی به او می دهم. ذهن بیشتر." تجربه در قلب هنر او قرار دارد. S. من متقاعد شده ام که "نه افراد کاملاً خوب و نه کاملاً بد" وجود دارند. یک شخص با آنچه که با "خوشبختی" درک می کند، تعریف می شود. هدف زندگی و ابزار دستیابی به آن او روش خود را برای نمایش واقعیت با یک آینه مقایسه می کند، این روش کل تنوع جهان را با تمام جنبه های خوب و بدش نشان می دهد. نویسنده در خاطرات خود نویسندگان معاصری را محکوم کرد که به دلیل درک نادرست اخلاقی "جرأت نداشتند اتاق خواب را اتاق خواب بنامند"، "درباره آنچه که آنها را احاطه کرده است کمی صحبت می کردند." در جزوه "راسین و شکسپیر" اس. به وضوح نگرش خود را به دو نوع هنر معاصر بیان می کند و در بحث داغ بین "کلاسیک ها" و "رمانتیک ها" شرکت می کند. اولین تز او: «از این به بعد، ما باید برای ما، آدم‌های منطقی، جدی و حسود، تراژدی بنویسیم»، این مردم مدرن «شبیه مارکیزهای لباس‌های گلدوزی شده 1670 نیستند». «کلاسیک ... ادبیاتی را به ما عرضه می کند که بیشترین لذت را به ... پدربزرگ ها می داد. رمانتیسیسم هنر ارائه چنین آثار ادبی به مردم است که در شرایط فعلی آداب و رسوم و اعتقادات آنها می تواند بیشترین لذت را به آنها بدهد. سوفوکل و اوریپید نیز مانند راسین و شکسپیر رمانتیک بودند، زیرا آنها برای زمان خود می نوشتند. . «در اصل، همه نویسندگان بزرگ رمانتیک بودند. و کلاسیک ها کسانی هستند که یک قرن پس از مرگشان، به جای اینکه چشم باز کنند و از طبیعت تقلید کنند، از آنها تقلید می کنند.» از این رو، در نگاه اول، تز متناقضی که راسین و شکسپیر را متحد می کند. اس. آنچه را که معاصرانش برای دبلیو اسکات ارزش قائل بودند را به شکسپیر نسبت می دهد - ترکیب موقعیت های سیاسی و تاریخی با تاریخ شخصیت ها، اما اس. در همان زمان توانست در روح قهرمانانش نفوذ کند.
استاندال معتقد بود که آینده متعلق به سبک نویسندگی اوست و در همان زمان مدل خود - "شاهزاده کلیوز" - را در قرن هفدهم یافت. و کار او واقعاً چیزی شبیه پلی بین گذشته و آینده است. استاندال به عنوان یک رئالیست و در عین حال اصیل عمل می کند و به دنبال مسیرهای شکست ناپذیر خود است.
واقع گرایی(از لاتین realis متأخر - مادی، واقعی) در هنر، انعکاس واقعی و عینی واقعیت به وسیله ابزارهای خاصی که در نوع خاصی از خلاقیت هنری ذاتی است. در معنای خاص تاریخی خود، اصطلاح "رئالیسم" به روندی در ادبیات و هنر اشاره می کند که در قرن 18 پدید آمد و در رئالیسم انتقادی قرن 19 به تکامل و شکوفایی کامل رسید. و در قرن بیستم در مبارزه و تعامل با مناطق دیگر توسعه می یابد. (تا به امروز) صحبت از رئالیسم در اواسط قرن 19، منظور آنها یک سیستم هنری خاص است که به عنوان یک روش آگاهانه زیبایی شناختی توجیه نظری یافته است.
در فرانسه، رئالیسم در درجه اول با نام کوربه همراه است. توسل به مدرنیته در تمامی مظاهر آن با تکیه بر علم دقیق، همانطور که امیل زولا اعلام کرد، نیاز اصلی این جنبش هنری شد. گوستاو کوربه در سال 1819 در اورنانس، شهری با حدود سه هزار نفر در فرانش-کنت، 25 کیلومتری بزانسون، نزدیک مرز سوئیس به دنیا آمد. پدرش، رژیس کوربه، مالک تاکستان‌هایی در نزدیکی اورنانس بود. در سال 1831، هنرمند آینده شروع به حضور در حوزه علمیه در اورنان کرد. گفته می شود که رفتار او چنان با آنچه از یک حوزوی انتظار می رفت مغایرت داشت که هیچ کس متعهد نشد که او را ببخشد (همچنین رجوع کنید). به هر حال، در سال 1837، به اصرار پدرش، کوربه وارد کالج رویال در بزانسون شد، که همانطور که پدرش امیدوار بود، او را برای تحصیلات حقوقی بیشتر آماده می کرد. همزمان با تحصیل در کالج، کوربه در کلاس‌های آکادمی شرکت کرد، جایی که استادش چارلز آنتوان فلاژولو، شاگرد بزرگترین هنرمند کلاسیک فرانسوی ژاک لوئی دیوید بود. در سال 1839 به پاریس رفت و به پدرش قول داد که در آنجا حقوق بخواند. کوربه در پاریس با مجموعه هنری موزه لوور آشنا شد. آثار او، به‌ویژه کارهای اولیه، متعاقباً تحت تأثیر هنرمندان کوچک هلندی و اسپانیایی، به‌ویژه ولاسکوئز قرار گرفت، که او رنگ‌های تیره کلی نقاشی‌ها را از او به عاریت گرفت. کوربه درگیر قضاوت نشد، اما در عوض در کارگاه های هنری، عمدتاً با شارل دو استوبن، کلاس ها را آغاز کرد. سپس تحصیلات رسمی هنری را رها کرد و در کارگاه های سوئیس و لاپین مشغول به کار شد. در کارگاه سوئیس کلاس خاصی وجود نداشت، هنرجویان باید برهنه را به تصویر می کشیدند و جستجوی هنری آنها محدود نبود. این سبک تدریس به خوبی با کوربه سازگار بود.
در سال 1844، اولین نقاشی کوربه، پرتره از خود با یک سگ، در سالن پاریس به نمایش گذاشته شد (همه نقاشی های دیگر توسط هیئت داوران رد شدند). هنرمند از همان ابتدا خود را یک رئالیست افراطی نشان داد و هر چه جلوتر، قوی تر و با پشتکارتر این مسیر را دنبال کرد و انتقال واقعیت خالی و نثر زندگی را هدف نهایی هنر دانست و در عین حال حتی از ظرافت تکنولوژی در دهه 1840 تعداد زیادی سلف پرتره کشید.
بین سالهای 1844 و 1847 کوربه چندین بار از اورنانس بازدید کرد و همچنین به بلژیک و هلند سفر کرد و در آنجا موفق شد با فروشندگان نقاشی ارتباط برقرار کند. یکی از خریداران آثار او هنرمند و مجموعه دار هلندی، یکی از بنیانگذاران مکتب نقاشی لاهه، هندریک ویلم مسداگ بود. متعاقباً، این پایه‌های محبوبیت گسترده نقاشی گوستاو کوربه را در خارج از فرانسه ایجاد کرد. تقریباً در همان زمان، این هنرمند در محافل هنری پاریس ارتباط برقرار می کند. بنابراین، او از کافه Brasserie Andler (که مستقیماً در کنار کارگاه او قرار دارد) بازدید کرد، جایی که نمایندگان گرایش واقع گرایانه در هنر و ادبیات، به ویژه چارلز بودلر و آنوره داومیر جمع شدند.
با ذهن و استعداد قابل توجه هنرمند، طبیعت گرایی او، چاشنی، در نقاشی های ژانر، با گرایش سوسیالیستی، سر و صدای زیادی در محافل هنری و ادبی ایجاد کرد و دشمنان زیادی برای او به وجود آورد (پسر الکساندر دوما متعلق به آنها بود)، هرچند که طرفداران زیادی که در میان آنها متعلق به پرودون نویسنده و نظریه پرداز معروف آنارشیسم بود.
سرانجام کوربه رئیس مکتب رئالیستی شد که از فرانسه سرچشمه گرفت و از آنجا به کشورهای دیگر به ویژه بلژیک گسترش یافت. میزان بیزاری او از هنرمندان دیگر به حدی رسید که چندین سال در سالن های پاریس شرکت نکرد، اما در نمایشگاه های جهانی نمایشگاه های ویژه ای از آثار خود را در اتاق های جداگانه ترتیب داد. در سال 1871، کوربه به کمون پاریس پیوست، موزه‌های عمومی زیر نظر آن را مدیریت کرد و سرنگونی ستون واندوم را رهبری کرد.
پس از سقوط کمون، طبق حکم دادگاه، وی شش ماه زندان گذراند. بعداً او محکوم شد که هزینه های بازسازی ستونی را که تخریب کرده بود جبران کند. این او را وادار کرد تا به سوئیس بازنشسته شود، جایی که در سال 1877 در فقر درگذشت. کوربه بارها در طول زندگی خود از خود به عنوان یک رئالیست یاد می کرد: «نقاشی شامل ارائه چیزهایی است که هنرمند می تواند ببیند و لمس کند... من کاملاً به دیدگاه ها پایبند هستم. آن نقاشی - هنری بسیار ملموس است و فقط می تواند شامل به تصویر کشیدن چیزهای واقعی باشد که به ما داده شده است ... این یک زبان کاملاً فیزیکی است. ” جالب ترین کار کوربه: ” تشییع جنازه در اورنانس ” ، پرتره خودش ، ” گوزن گوزن توسط جریان، «مبارزه با گوزن»، «موج» (هر پنج در لوور، پاریس)، «قهوه بعد از ظهر در اورنانس» (در موزه لیل)، «شکن‌های سنگ بزرگراه» (در گالری درسدن نگهداری می‌شود و درگذشت. در سال 1945)، "آتش" (نقاشی، در ارتباط با موضوع ضد دولتی آن، تخریب شده توسط پلیس)، "کشیش های روستا در حال بازگشت از یک جشن رفاقتی" (طنز تند از روحانیون)، "حمام کنندگان"، "زنی با یک طوطی، "ورودی به دره پوی-نوار"، "صخره اوراگنون"، "گوزن کنار آب" ( در موزه مارسی) و بسیاری از مناظر که در آنها استعداد هنرمند به وضوح و کامل ترین شکل ظاهر شده است. کوربه نویسنده چندین نقاشی اروتیک رسوایی است که به نمایش گذاشته نشده است، اما برای معاصران شناخته شده است ("منشاء جهان"، "خواب زده ها" و غیره). "تدفین در اورنانس" کوربه در سال 1849 در اتاق زیر شیروانی تنگ در اورنانس شروع به کشیدن نقاشی کرد. کار این هنرمند باعث غوغایی در بین جامعه محلی شد که به قهرمانان او افتاد - بسیاری از ساکنان این مکان ها در آن حضور داشتند: از شهردار و قاضی صلح گرفته تا بستگان و دوستان کوربه. اما این هیاهو را نمی توان با بحث و جدلی که پس از نمایش بوم در سالن شعله ور شد مقایسه کرد.
سردرگمی و سوء تفاهم باعث بزرگی آن شد. آنها موافقت کردند که یک مراسم خاکسپاری معمولی روستایی نباید موضوع چنین کار بزرگی باشد. یکی از منتقدان نوشت: "تدفین یک دهقان می تواند ما را تحت تاثیر قرار دهد ... اما این رویداد نباید اینقدر محلی باشد." با این حال، برای واقع گرایان، دقیقاً همین «بومی سازی» بود که بسیار مهم بود. کوربه تصویری مدرن و به راحتی قابل تشخیص خلق کرد و مردم و واقعیت های زمان خود را بر روی بوم به تصویر کشید. علاوه بر این، او بر فرآیند تشییع جنازه یک شخص تمرکز کرد، نه بر اعمال او یا سرنوشت پس از مرگ روح او (همانطور که قبلا انجام شد). در عین حال، هویت متوفی در اینجا ناشناس می ماند و به تصویری جمعی از مرگ تبدیل می شود. این باعث می‌شود این تصویر نسخه مدرنیزه‌شده از طرحی در قرون وسطی، معروف به رقص مرگ باشد.
ژان باپتیست کامیل کوروت(Fr. Jean-Baptiste Camille Corot، 17 ژوئیه 1796، پاریس - 22 فوریه 1875، همانجا) - هنرمند فرانسوی، نقاش منظره. ابتدا تحت هدایت میکالون مطالعاتی را از طبیعت مطالعه کرد (فر. آشیل-اتنا میشالون، 1796-1822)، و سپس، با مطالعه با برتین (فر. زمان در پیروی از هدایت آکادمیک این هنرمند، تا اینکه در سال 1826 به ایتالیا رفت و دوباره اینجا را برای مطالعه مستقیم طبیعت آغاز کرد. او با ساخت طرح‌هایی در مجاورت رم، به سرعت به درک، عمدتاً از ماهیت کلی منظره دست یافت، اگرچه با دقت در جزئیات آن کاوش کرد و صخره‌ها، سنگ‌ها، درختان، بوته‌ها، خزه‌ها و غیره را به دقت نوشت. اولین آثار ایتالیایی هنوز قابل توجه است که برای ریتم چیدمان قطعات و برای سبک فرم ها تلاش می کنند.
پس از آن، او در پروونس، نرماندی، لیموزین، دوفین، اطراف پاریس و در فونتنبلو کار کرد و دیدگاه او نسبت به طبیعت و اجرا آزادتر و مستقل تر شد. در نقاشی‌هایی که پس از بازگشت از ایتالیا کشیده است، او به دنبال بازتولید دقیق منطقه نیست، بلکه سعی می‌کند تنها برداشتی را از آن منتقل کند و از فرم‌ها و لحن‌های آن استفاده کند تا با کمک آنها حال و هوای شاعرانه‌اش را بیان کند.
چهره هایی که او در مناظر خود قرار می دهد نیز به همین هدف کمک می کند و صحنه های بت، کتاب مقدس و خارق العاده از آنها می سازد. اگرچه او به دلیل احساساتی بودن بیش از حد مورد سرزنش قرار گرفت، اما بسیاری از آثار او نیز احساساتی واقعاً روشن و شاد را به همراه دارند. او اکثراً نقاش آب‌های خفته، افق‌های گسترده و فقیرانه، آسمان‌های پوشیده در مه، جنگل‌های خفته و بیشه‌ها بود - تئوکریتوس واقعی نقاشی منظره. او علاوه بر او به حکاکی با سوزن و "ودکای قوی" مشغول بود. بهترین نقاشی‌های او «منظره ریوا» (1835؛ در موزه مارسی)، صبح ایتالیایی (1842؛ در موزه آوینیون)،
- "خاطرات دریاچه نمی" (1865)،
- "ایدیل"
- طلوع خورشید در ویل دواور (1868؛ در موزه روئن)،
- «پوره‌ها و ساتیرها طلوع خورشید را با رقصی استقبال می‌کنند» (1851؛ لوور)،
- · «صبح» و «منظره ای در اطراف آلبانو» (همان).
- · در مجموعه گالری کوشلو سابق دو نمونه از نقاشی کارو وجود داشت: "صبح" و "عصر". ژان فرانسوا میلم(Fr. Jean-François Millet، 4 اکتبر 1814 - 20 ژانویه 1875) - هنرمند فرانسوی، یکی از بنیانگذاران مکتب باربیزون.
- · میلت در یک خانواده دهقانی ثروتمند از روستای کوچک گروشی در ساحل کانال مانش در نزدیکی شربورگ متولد شد. توانایی های هنری او توسط خانواده به عنوان یک هدیه از بالا درک شد. پدر و مادرش به او پول دادند و اجازه دادند نقاشی بخواند. در سال 1837 به پاریس رسید و به مدت دو سال در استودیو نقاش پل دلاروش (1797-1856) کار کرد. از سال 1840، این هنرمند جوان شروع به نمایش آثار خود در سالن کرد. در سال 1849 این هنرمند در باربیزون اقامت گزید و تا پایان عمر در آنجا زندگی کرد. موضوع زندگی و طبیعت دهقانی برای میلت به موضوع اصلی تبدیل شد. او در مورد خود گفت: "من یک دهقان هستم و چیزی بیش از یک دهقان نیستم." "جمع آوری گوش" کار سخت دهقانان، فقر و فروتنی آنها در نقاشی "جمع آوری گوش" (1857) منعکس شد. چهره های زنان در پس زمینه مزرعه در یک کمان کم خم شده اند - این تنها راهی است که آنها می توانند گوش های باقی مانده پس از برداشت را جمع کنند. کل تصویر پر از خورشید و هوا است. این اثر باعث ارزیابی های مختلف مردم و انتقاد شد که استاد را مجبور کرد موقتاً به جنبه های شاعرانه تر زندگی دهقانی روی آورد.
- · نقاشی "Angelus" (1859) نشان داد که میلت قادر است تجربیات عاطفی ظریف را در آثار خود منتقل کند. دو چهره تنها در مزرعه یخ زدند - زن و شوهر با شنیدن صدای زنگ عصر، بی سر و صدا برای مرده دعا می کنند. رنگ‌های قهوه‌ای ملایم منظره، که توسط پرتوهای غروب خورشید روشن می‌شوند، احساس آرامش را ایجاد می‌کنند. "Angelus" در سال 1859، Millet به سفارش دولت فرانسه، بوم "زن دهقان گله گاو" را نقاشی کرد. یک صبح یخبندان، یخبندان روی زمین نقره ای است، زنی به آرامی دنبال یک گاو سرگردان است، شکل او تقریباً در غبار صبحگاهی ناپدید شده است. منتقدان این تصویر را مانیفست فقر خواندند.
- · این هنرمند در اواخر عمر خود تحت تأثیر باربیزون ها به منظره علاقه مند شد. در «منظره زمستانی با کلاغ‌ها» (1866) دهقانی وجود ندارد، آنها مدت‌هاست که آنجا را ترک کرده‌اند و زمین‌های قابل کشت را ترک کرده‌اند که در آن کلاغ‌ها پرسه می‌زنند. زمین زیبا، غمگین و تنهاست. «بهار» (1868-1873) آخرین اثر میلت است. پر از زندگی و عشق به طبیعت که پس از باران با رنگ های روشن می درخشید، اندکی قبل از مرگ هنرمند تکمیل شد.در 20 ژانویه 1875، این هنرمند در سن 60 سالگی در باربیزون درگذشت و در نزدیکی روستای به خاک سپرده شد. چالی در کنار دوستش تئودور روسو. Millais هرگز از طبیعت نقاشی نمی کرد. او دوست داشت در میان جنگل قدم بزند و طرح های کوچکی بسازد و سپس موتیفی را که دوست داشت از حافظه بازتولید کند. این هنرمند رنگ ها را برای نقاشی های خود انتخاب کرد و سعی کرد نه تنها منظره را با دقت بازتولید کند، بلکه به هماهنگی در رنگ نیز دست یابد.
صنایع دستی زیبا، میل به نشان دادن زندگی روستایی بدون تزیین، ژان فرانسوا میله را با باربیزونی ها و هنرمندان واقع گرایانه ای که در نیمه دوم قرن نوزدهم کار می کردند، همتراز کرد.
فرانسوا میله در ادبیات: مارک تواین داستان "آیا او زنده است یا مرده؟" که در آن او با طنز داستانی را شرح می دهد که چگونه گروهی از هنرمندان خسته از فقر تصمیم گرفتند برای افزایش قیمت نقاشی هایش، مرگ یکی از آنها را تبلیغ کنند و سپس صحنه سازی کنند. هنرمندان با این بیانیه هدایت می شدند که پول خرج شده برای تشییع جنازه و سنگ نگاره های استادانی که از گرسنگی مرده اند برای آنها برای زندگی راحت کافی است. انتخاب بر عهده فرانسوا میله افتاد. او با کشیدن چندین نقاشی و چندین کیسه طرح، "پس از یک بیماری شدید و طولانی درگذشت." قابل ذکر است که در داستان خود فرانسوا میله تابوت «خود» را حمل می کرد. قیمت نقاشی ها بلافاصله افزایش یافت و هنرمندان توانستند به هدف خود برسند - به دست آوردن قیمت واقعی برای نقاشی های خود در طول زندگی خود.