هنگام تماشای تصاویر رنسانس، نمی توان وضوح خطوط، پالت رنگ عالی و مهمتر از همه، واقع گرایی باورنکردنی تصاویر ارسالی را تحسین کرد. دانشمندان مدرن برای مدت طولانی متحیر بودند که چگونه استادان آن زمان موفق به ایجاد چنین شاهکارهایی شدند، زیرا هیچ مدرک مکتبی از ظرافت ها و اسرار تکنیک اعدام وجود نداشت. دیوید هاکنی، هنرمند و عکاس انگلیسی، مدعی است که راز هنرمندان دوره رنسانس را که می‌دانستند چگونه تصاویر «زنده» نقاشی کنند، کشف کرده است.
اگر دوره های زمانی مختلف در تاریخ نقاشی را با هم مقایسه کنیم، مشخص می شود که در دوره رنسانس (نوبت قرن 14 تا 15 میلادی)، نقاشی ها "به طور ناگهانی" بسیار واقعی تر از قبل شدند. با نگاه کردن به آنها، به نظر می رسد که شخصیت ها در آستانه آه کشیدن هستند و پرتوهای خورشید بر روی اشیا پخش می شود.
این سؤال پیش می‌آید: آیا هنرمندان رنسانس ناگهان یاد گرفتند بهتر طراحی کنند و نقاشی‌ها حجیم‌تر شدند؟ دیوید هاکنی هنرمند، گرافیست و عکاس مشهور سعی کرد به این سوال پاسخ دهد ( دیوید هاکنی).
در این مطالعه، نقاشی یان ون آیک به او کمک کرد "پرتره آرنولفینی ها". روی بوم می توانید جزئیات کنجکاوی زیادی پیدا کنید، اما در سال 1434 نوشته شده است. توجه ویژه ای به آینه روی دیوار و شمعدان زیر سقف جلب می شود که به طرز شگفت انگیزی واقع گرایانه به نظر می رسد. دیوید هاکنی موفق شد شمعدانی مشابه به دست آورد و سعی کرد آن را بکشد. در کمال تعجب هنرمند، مشخص شد که به تصویر کشیدن این شی در پرسپکتیو بسیار دشوار است، و علاوه بر این، تابش نور باید به گونه ای منتقل شود که واضح باشد که این درخشندگی فلز است. به هر حال، قبل از رنسانس، هیچ کس تصویر تابش خیره کننده روی یک سطح فلزی را نمی گرفت.
وقتی مدل سه بعدی شمعدان بازسازی شد، هاکنی مطمئن شد که نقاشی ون ایک آن را در پرسپکتیو با یک نقطه ناپدید نشان می دهد. اما نکته مهم این بود که قرن پانزدهم دوربین مبهم با لنز (دستگاه نوری که با آن می‌توانید یک تصویر ایجاد کنید) نداشت.
دیوید هاکنی متحیر بود که چگونه ون ایک توانست به چنین رئالیسمی در بوم های نقاشی خود دست یابد. اما یک روز او توجه خود را به تصویر یک آینه در تصویر جلب کرد. محدب بود. شایان ذکر است که در آن روزها آینه ها مقعر بودند ، زیرا استادان هنوز قادر به "چسباندن" آستر قلع به سطح صاف شیشه نبودند. برای به دست آوردن یک آینه در قرن پانزدهم، قلع مذاب را در یک فلاسک شیشه ای ریختند و سپس قسمت بالایی آن را بریدند و قسمتی براق مقعر باقی گذاشتند. دیوید هاکنی متوجه شد که ون ایک از یک آینه مقعر استفاده می‌کند که از طریق آن می‌نگریست تا سوژه‌ها را تا حد امکان واقعی ترسیم کند.
در دهه 1500، صنعتگران یاد گرفتند که چگونه لنزهایی با کیفیت بزرگ بسازند. آنها در یک دوربین تاریک قرار داده شدند، که امکان به دست آوردن تصویری با هر اندازه را فراهم می کرد. این یک انقلاب واقعی در تکنیک تصاویر واقعی بود. این فقط بیشتر افرادی است که در تصاویر "چپ دست" شده اند. نکته این است که نمایش مستقیم لنز هنگام استفاده از دوربین ابسکورا منعکس می شود. در نقاشی Pieter Gerritsz van Roestraten "اعلامیه عشق (آشپز خشن)" که در حدود 1665-1670 نوشته شده است، همه شخصیت ها چپ دست هستند. زن و مردی لیوان و بطری در دست چپ گرفته اند، پیرمردی که در پس زمینه است نیز انگشت چپش را برایشان تکان می دهد. حتی میمون از پنجه چپ خود برای نگاه کردن به زیر لباس زنانه استفاده می کند.
برای به دست آوردن یک تصویر مناسب و متناسب، لازم بود آینه ای که عدسی به آن هدایت می شد، به طور دقیق تنظیم شود. اما همه هنرمندان نتوانستند آن را به خوبی انجام دهند و آینه های کمی با کیفیت بالا وجود داشت. به همین دلیل، در برخی از نقاشی ها می توانید ببینید که چگونه نسبت ها رعایت نشده است: سرهای کوچک، شانه های بزرگ یا پاها.
استفاده از وسایل نوری توسط هنرمندان به هیچ وجه از استعداد آنها نمی کاهد. به لطف رئالیسم به دست آمده از نقاشی های رنسانس، ساکنان مدرن اکنون می دانند که مردم و وسایل خانه در آن زمان چگونه به نظر می رسیدند.
هنرمندان قرون وسطی سعی می کردند نه تنها در نقاشی های خود به رئالیسم برسند، بلکه نمادهای خاصی را نیز در آنها رمزگذاری کنند. بنابراین، یک شاهکار باشکوه از Titian
رنسانس یا رنسانس بسیاری از آثار هنری بزرگ به ما داد. دوره مناسبی برای رشد خلاقیت بود. نام بسیاری از هنرمندان بزرگ با رنسانس مرتبط است. بوتیچلی، میکل آنژ، رافائل، لئوناردو داوینچی، جوتو، تیتیان، کورژیو - این تنها بخش کوچکی از نام سازندگان آن زمان است.
این دوره با ظهور سبک ها و نقاشی های جدید همراه است. رویکرد به تصویر کشیدن بدن انسان تقریباً علمی شده است. هنرمندان برای واقعیت تلاش می کنند - آنها تمام جزئیات را بررسی می کنند. افراد و وقایع در نقاشی های آن زمان به شدت واقع گرایانه به نظر می رسند.
مورخان چندین دوره را در توسعه نقاشی در دوره رنسانس شناسایی می کنند.
گوتیک - 1200s. سبک محبوب در دادگاه او با شکوه، پرمدعا، رنگارنگی بیش از حد متمایز بود. به عنوان رنگ استفاده می شود. موضوع نقاشی ها طرح های محراب بود. مشهورترین نمایندگان این روند هنرمندان ایتالیایی ویتوره کارپاچیو، ساندرو بوتیچلی هستند.
ساندرو بوتیچلی
پروتو رنسانس - 1300. در این زمان، تجدید ساختار اخلاقی در نقاشی وجود دارد. مضامین مذهبی در پس زمینه محو می شوند و سکولار روز به روز محبوبیت بیشتری پیدا می کند. نقاشی جای نماد را می گیرد. مردم واقعی تر به تصویر کشیده می شوند، حالات چهره و ژست ها برای هنرمندان مهم می شود. ژانر جدیدی از هنرهای زیبا ظاهر می شود -. نمایندگان این زمان جوتو، پیترو لورنتستی، پیترو کاوالینی هستند.
رنسانس اولیه - 1400. ظهور نقاشی غیر مذهبی. حتی چهره های روی نمادها زنده تر می شوند - آنها ویژگی های انسانی را به دست می آورند. هنرمندان دوره های قبلی سعی کردند مناظر را نقاشی کنند، اما آنها فقط به عنوان یک پس زمینه برای تصویر اصلی عمل کردند. در دوران رنسانس اولیه تبدیل به یک ژانر مستقل می شود. پرتره به توسعه خود ادامه می دهد. دانشمندان قانون پرسپکتیو خطی را کشف می کنند و هنرمندان نقاشی های خود را بر این اساس می سازند. بر روی بوم های آنها می توانید فضای سه بعدی صحیح را ببینید. از نمایندگان برجسته این دوره می توان به ماساچیو، پیرو دلا فرانچسکو، جیووانی بلینی، آندره آ مانتگنا اشاره کرد.
رنسانس بالا - عصر طلایی. افق هنرمندان حتی گسترده تر می شود - علایق آنها به فضای کیهان گسترش می یابد، آنها انسان را مرکز جهان می دانند.
در این زمان، "تیتان" های رنسانس ظاهر می شوند - لئوناردو داوینچی، میکل آنژ، تیتیان، رافائل سانتی و دیگران. اینها افرادی هستند که علایقشان به نقاشی محدود نمی شد. دانش آنها بسیار بیشتر گسترش یافت. برجسته ترین نماینده لئوناردو داوینچی بود که نه تنها یک نقاش بزرگ، بلکه یک دانشمند، مجسمه ساز، نمایشنامه نویس نیز بود. او تکنیک‌های خارق‌العاده‌ای را در نقاشی خلق کرد، مانند «اسموفاتو» - توهم مه، که برای خلق اثر معروف «لا جوکوندا» استفاده شد.
لئوناردو داوینچی
اواخر رنسانس- محو شدن رنسانس (اواسط دهه 1500 - اواخر دهه 1600). این زمان با تغییرات همراه است، یک بحران مذهبی. دوران اوج به پایان می رسد، خطوط روی بوم ها عصبی تر می شوند، فردگرایی ترک می کند. تصویر نقاشی ها به طور فزاینده ای در حال تبدیل شدن به یک جمعیت است. آثار با استعداد آن زمان متعلق به قلم پائولو ورونزه، یاکوپو تینورتو است.
پائولو ورونزه
ایتالیا بااستعدادترین هنرمندان رنسانس را به جهان داد، آنها بیشترین نام را در تاریخ نقاشی دارند. این در حالی است که در کشورهای دیگر در این دوره، نقاشی نیز توسعه یافت و بر توسعه این هنر تأثیر گذاشت. نقاشی کشورهای دیگر در این دوره رنسانس شمالی نامیده می شود.
رنسانس، که در قرن های پانزدهم تا شانزدهم شکوفا شد، به عنوان مرحله جدیدی در توسعه هنر و به ویژه نقاشی عمل کرد. همچنین یک نام فرانسوی برای این دوره وجود دارد - رنسانس. ساندرو بوتیچلی، رافائل، لئوناردو داوینچی، تیتیان، میکل آنژ برخی از نام‌های معروفی هستند که نمایانگر آن دوره زمانی هستند.
هنرمندان رنسانس شخصیت‌های نقاشی‌های خود را تا حد امکان دقیق و واضح به تصویر می‌کشیدند.
زمینه روانیدر ابتدا در تصویر گنجانده نشده است. هدف نقاشان دستیابی به سرزندگی تصویر شده است. صرف نظر از اینکه پویایی چهره انسان یا جزئیات طبیعت اطراف باید با رنگ‌ها تا حد امکان دقیق منتقل می‌شد. با این حال، با گذشت زمان، در نقاشی های رنسانس، یک لحظه روانشناختی به وضوح قابل مشاهده می شود، به عنوان مثال، از پرتره ها می توان در مورد ویژگی های شخصیت فرد به تصویر کشیده نتیجه گیری کرد.
دستیابی به فرهنگ هنری رنسانس
دستاورد بدون شک رنسانس بود طراحی صحیح هندسی تصویر. این هنرمند با استفاده از تکنیک هایی که توسعه داده بود، تصویر را ساخت. نکته اصلی برای نقاشان آن زمان رعایت تناسب اشیا بود. حتی طبیعت تحت روش های ریاضی محاسبه تناسب تصویر با سایر اشیاء در تصویر قرار گرفت.
به عبارت دیگر، هنرمندان رنسانس به دنبال انتقال بودند تصویر دقیقبه عنوان مثال، شخصی در پس زمینه طبیعت. اگر با روش های مدرن بازسازی یک تصویر دیده شده بر روی نوعی بوم مقایسه شود، به احتمال زیاد، یک عکس با تنظیم بعدی به درک آنچه هنرمندان رنسانس در تلاش بودند کمک می کند.
نقاشان رنسانس معتقد بودند که حق تصحیح دارند نقص های طبیعتيعنى اگر صورت شخصى ظاهر زشتى داشت، هنرمندان آن را به گونه اى اصلاح مى كردند كه صورت شيرين و جذاب مى شد.
رویکرد هندسیدر تصاویر منجر به روش جدیدی برای به تصویر کشیدن فضایی می شود. قبل از بازآفرینی تصاویر روی بوم، هنرمند آرایش فضایی آنها را مشخص کرد. این قاعده در نهایت در میان نقاشان آن عصر ثابت شد.
بیننده قرار بود تحت تاثیر تصاویر موجود در نقاشی ها قرار بگیرد. مثلا، رافائلبا خلق تابلوی "مکتب آتن" به رعایت کامل این قانون دست یافت. طاق های ساختمان از نظر ارتفاع چشمگیر است. فضاهای زیادی وجود دارد که شما شروع به درک اندازه این ساختمان می کنید. و متفکران تصویر شده دوران باستان با افلاطون و ارسطو در وسط نشان می دهد که در جهان باستان وحدت اندیشه های مختلف فلسفی وجود داشته است.
طرح های نقاشی رنسانس
اگر شروع به آشنایی با نقاشی رنسانس کنید، می توانید نتیجه جالبی بگیرید. طرح های نقاشی عمدتاً بر اساس وقایع توصیف شده در کتاب مقدس بود. اغلب نقاشان آن زمان داستان هایی از عهد جدید را به تصویر می کشیدند. محبوب ترین تصویر است باکره و کودک- عیسی مسیح کوچک. 
این شخصیت به قدری زنده بود که مردم حتی این تصاویر را می پرستیدند، اگرچه مردم می فهمیدند که اینها شمایل نیستند، اما دعا می کردند و درخواست کمک و محافظت می کردند. علاوه بر مدونا، نقاشان دوره رنسانس علاقه زیادی به بازآفرینی تصاویر داشتند عیسی مسیح، رسولان، یحیی باپتیست، و همچنین قسمت های انجیل. مثلا، لئوناردو داوینچینقاشی مشهور جهانی "شام آخر" را خلق کرد.
چرا هنرمندان رنسانس از طرح ها استفاده می کردند؟ از کتاب مقدس? چرا آنها سعی نکردند با خلق پرتره هایی از معاصران خود، خود را بیان کنند؟ شاید از این طریق سعی می کردند افراد عادی را با ویژگی های شخصیتی ذاتی خود به تصویر بکشند؟ بله، نقاشان آن زمان سعی می کردند به مردم نشان دهند که انسان موجودی الهی است.
هنرمندان دوره رنسانس با به تصویر کشیدن صحنه های کتاب مقدس تلاش کردند تا روشن کنند که در صورت استفاده از داستان های کتاب مقدس می توان جلوه های زمینی یک شخص را با وضوح بیشتری به تصویر کشید. اگر شروع به آشنایی با آثار هنرمندان آن زمان کنید، می توانید بفهمید که سقوط، وسوسه، جهنم یا بهشت چیست. همینطور تصویر مدونازیبایی یک زن را به ما منتقل می کند و همچنین درک عشق زمینی انسان را به همراه دارد.
لئوناردو داوینچی
رنسانس به لطف بسیاری از شخصیت های خلاقی که در آن زمان زندگی می کردند چنین شد. در سراسر جهان شناخته شده است لئوناردو داوینچی (1452 - 1519)تعداد زیادی شاهکار خلق کرد که هزینه آنها میلیون ها دلار تخمین زده می شود و خبره های هنر او آماده هستند تا برای مدت طولانی به نقاشی های او فکر کنند. 
لئوناردو تحصیلات خود را در فلورانس آغاز کرد. اولین بوم نقاشی او که در حدود سال 1478 کشیده شده است "مدونا بنوا". سپس خلاقیت هایی مانند "مدونا در غار" وجود داشت، "مونالیزا"، شام آخر که در بالا ذکر شد، و انبوهی از شاهکارهای دیگر که توسط دست یک تایتان رنسانس نوشته شده است.
شدت تناسبات هندسی و بازتولید دقیق ساختار تشریحی یک فرد - این همان چیزی است که نقاشی لئونارد داوینچی با آن مشخص می شود. بر اساس اعتقاد او، هنر به تصویر کشیدن برخی از تصاویر بر روی بوم یک علم است و نه نوعی سرگرمی.
رافائل سانتی
رافائل سانتی (1483 - 1520)در دنیای هنر به عنوان رافائل شناخته می شود آثار خود را خلق کرد در ایتالیا. نقاشی های او سرشار از غزل و لطافت است. رافائل نماینده رنسانس است که مردی را به تصویر می کشد و وجود او روی زمین را به تصویر می کشد و دوست داشت دیوارهای کلیساهای واتیکان را نقاشی کند.
نقاشی ها به وحدت فیگورها، مطابقت متناسب فضا و تصاویر، شادابی رنگ خیانت می کردند. خلوص باکره اساس بسیاری از نقاشی های رافائل بود. اولین او تصویر بانوی ما- این مدونا سیستین است که توسط یک هنرمند مشهور در سال 1513 نقاشی شده است. پرتره هایی که توسط رافائل خلق شد، تصویر ایده آل انسان را منعکس می کرد.
ساندرو بوتیچلی
ساندرو بوتیچلی (1445 - 1510)همچنین یک نقاش دوره رنسانس است. یکی از اولین کارهای او تابلوی "ستایش مجوس" بود. شعر لطیف و رویاپردازی از آداب اصیل او در زمینه انتقال تصاویر هنری بود.
در اوایل دهه 80 قرن پانزدهم، این هنرمند بزرگ نقاشی می کرد دیوارهای کلیسای واتیکان. نقاشی های دیواری ساخته شده توسط او هنوز شگفت انگیز است.
با گذشت زمان، نقاشی های او با آرامش ساختمان های دوران باستان، سرزندگی شخصیت های به تصویر کشیده شده، هماهنگی تصاویر مشخص شد. علاوه بر این، شیفتگی بوتیچلی به طراحی آثار ادبی معروف شناخته شده است، که همچنین تنها شکوهی به آثار او اضافه کرد.
میکل آنژ بووناروتی
میکل آنژ بووناروتی (1475 - 1564)- هنرمند ایتالیایی که در دوره رنسانس نیز کار می کرد. کاری که فقط این شخص که بسیاری از ما می شناسیم انجام نداده است. و مجسمه سازی، و نقاشی، و معماری، و همچنین شعر.
میکل آنژ مانند رافائل و بوتیچلی دیوارهای معابد واتیکان را نقاشی کرد. از این گذشته ، فقط با استعدادترین نقاشان آن زمان در کارهای مسئولانه ای مانند کشیدن تصاویر روی دیوارهای کلیساهای کاتولیک مشغول بودند.
بیش از 600 متر مربع از کلیسای سیستیناو مجبور شد آن را با نقاشی های دیواری که صحنه های مختلف کتاب مقدس را نشان می دهد بپوشاند.
معروف ترین اثر در این سبک برای ما به عنوان شناخته شده است "آخرین قضاوت". معنای داستان کتاب مقدس به طور کامل و واضح بیان شده است. چنین دقتی در انتقال تصاویر مشخصه کل کار میکل آنژ است.
توجه!برای هر گونه استفاده از مطالب سایت، یک لینک فعال به مورد نیاز است!
نقاشی رنسانس
آغاز نقاشی رنسانس را دوران دوسنتو می دانند، یعنی. قرن سیزدهم. رنسانس اولیه هنوز با سنت های رومی قرون وسطی، گوتیک و بیزانس ارتباط نزدیکی دارد. هنرمندان اواخر سیزدهم - اوایل قرن چهاردهم. هنوز با مطالعه علمی واقعیت اطراف فاصله دارند. آنها ایده های خود را در مورد آن بیان می کنند، هنوز هم از تصاویر مشروط سیستم بصری بیزانس - تپه های سنگی، درختان نمادین، برجک های مشروط استفاده می کنند. اما گاهی اوقات ظاهر سازه های معماری به قدری دقیق بازتولید می شود که نشان دهنده وجود طرح هایی از طبیعت است. شخصیت‌های مذهبی سنتی در دنیایی با ویژگی‌های واقعیت - حجم، عمق فضایی، مادیات مادی - به تصویر کشیده می‌شوند. جستجو برای روش های انتقال در صفحه حجم و فضای سه بعدی آغاز می شود. استادان این زمان اصل شناخته شده باستانی مدل سازی کیاروسکورو فرم ها را احیا می کنند. به لطف آن، شکل ها و ساختمان ها تراکم و حجم پیدا می کنند.
ظاهراً اولین کسی که دیدگاه باستانی را به کار برد، سنی دی پپو فلورانسی (داده‌های 1272 تا 1302)، با نام مستعار Cimabue بود. متأسفانه، مهم ترین اثر او - مجموعه ای از نقاشی ها با مضامین آخرالزمان، زندگی مریم و پیتر رسول در کلیسای سان فرانچسکو در آسیسی، تقریباً در حالت ویران به ما رسیده است. ترکیبات محراب او که در فلورانس و در موزه لوور است، بهتر حفظ شده است. آنها همچنین به نمونه های اولیه بیزانسی بازمی گردند، اما به وضوح ویژگی های یک رویکرد جدید به نقاشی مذهبی را نشان می دهند. سیمابوئه از نقاشی ایتالیایی بازگشته است
قرن سیزدهم که سنت های بیزانسی را به منشأ بی واسطه آنها اقتباس کرد. او چیزی را در آنها احساس کرد که برای معاصرانش غیرقابل دسترس باقی مانده بود - آغاز هماهنگ زیبایی عالی یونانی تصاویر.
سختی و طرحواره جای خود را به لطافت موسیقایی خطوط می دهد. شکل مدونا دیگر غیرجسمی به نظر نمی رسد. در نقاشی قرون وسطی، فرشتگان به عنوان نشانه تفسیر می شدند، به عنوان ویژگی های مادر خدا، آنها را به عنوان چهره های نمادین کوچک به تصویر می کشیدند. با Cimabue ، آنها معنای کاملاً جدیدی به دست می آورند ، آنها در صحنه گنجانده می شوند ، این موجودات جوان زیبا هستند که فرشتگان برازنده ای را پیش بینی می کنند که با استادان قرن 15 ظاهر می شوند.
کار سیمابو نقطه شروع آن فرآیندهای جدیدی بود که توسعه بیشتر نقاشی را تعیین کرد. اما تاریخ هنر را نمی توان به تنهایی با عبارات تکاملی توضیح داد. گاهی اوقات پرش های شدید در آن وجود دارد. هنرمندان بزرگ به عنوان مبتکرانی جسور ظاهر می شوند که نظام سنتی را رد می کنند. جوتو دی بوندونه (1266-1337) را باید به عنوان یک اصلاحگر در نقاشی ایتالیایی قرن چهاردهم شناخت. این نابغه ای است که از هم عصران و بسیاری از پیروانش بالاتر می رود.
فلورانسی زاده شده، او در بسیاری از شهرهای ایتالیا کار می کرد. مشهورترین آثار جوتو که به ما رسیده است، چرخه نقاشی های دیواری در کلیسای کوچک دل آرنا در پادوآ است که به داستان های انجیل درباره زندگی مسیح اختصاص دارد. این مجموعه منحصر به فرد تصویری یکی از آثار برجسته در تاریخ هنر اروپا است. جوتو به جای صحنه‌ها و چهره‌های متفاوت که مشخصه نقاشی قرون وسطی است، یک چرخه حماسی واحد خلق کرد. 38 صحنه از زندگی مسیح و مریم («ملاقات مریم و الیزابت»، «بوسه یهودا»، «مرثیه» و غیره) در زبان نقاشی در یک روایت واحد پیوند خورده اند. جوتو به جای پس‌زمینه طلایی بیزانسی، پس‌زمینه منظره‌ای را معرفی می‌کند. این فیگورها دیگر در فضا شناور نیستند، بلکه زیر پای خود زمین محکمی پیدا می کنند. و اگرچه آنها هنوز غیر فعال هستند، اما تمایل به انتقال آناتومی بدن انسان و طبیعی بودن حرکت را نشان می دهند. جوتو به فرم‌ها حسی، سنگینی، تراکم تقریباً مجسمه‌سازی می‌دهد. این نقش برجسته را مدل می کند و به تدریج پس زمینه رنگی اصلی را برجسته می کند. این اصل مدل‌سازی نور و سایه که کار با رنگ‌های خالص و روشن و بدون سایه‌های تیره را ممکن می‌کرد، تا قرن شانزدهم در نقاشی ایتالیایی غالب شد.
اصلاحات انجام شده در نقاشی جوتو تأثیر عمیقی بر همه معاصران او گذاشت.
نفوذ جوتو تنها پس از یک قرن قدرت و باروری خود را به دست آورد. هنرمندان Quattrocento وظایفی را که توسط Giotto تعیین شده بود انجام دادند. مرحله رنسانس اولیه در تاریخ هنر دوره ای پیروزمند نامیده می شود. سخاوت و گستره خلاقیت هنری در ایتالیا در قرن پانزدهم، تصور فعالیت خلاقانه بی‌سابقه مجسمه‌سازان و نقاشان را ایجاد می‌کند.
شکوه بنیانگذار نقاشی کواتروچنتو متعلق به هنرمند فلورانسی ماساچیو است که بسیار جوان درگذشت (1401-1428). در نقاشی های دیواری او، پیکره هایی که بر اساس قوانین آناتومی نقاشی شده اند، با یکدیگر و با منظره مرتبط هستند. تپه ها و درختان آن به دوردست می روند و یک محیط طبیعی هوا را تشکیل می دهند. زندگی مردم و طبیعت به یک کل واحد، به یک کنش نمایشی واحد متصل است. این یک کلمه جدید در هنر نقاشی جهان است.
مکتب فلورانس برای مدت طولانی در هنر ایتالیا پیشرو باقی ماند. همچنین روند محافظه کارانه تری داشت. هنرمندان این جریان راهبان بودند، بنابراین در تاریخ هنر به آنها رهبانی می گفتند. یکی از مشهورترین آنها برادر جیووانی بیتو آنجلیکو دا فیزوله (1387-1455) بود.
یکی از ویژگی های بارز نقاشی کواتروچنتو متاخر، تنوع مکاتب و گرایش ها است. در این زمان مدارس فلورانسی، اومبیایی (پیرو دلا فرانچسکا، پینتوریچیو، پروجینو)، ایتالیای شمالی (مانتگنی)، ونیزی (جیوانی بلینی) شکل گرفتند.
یکی از برجسته ترین هنرمندان کواتروچنتو - ساندرو بوتیچلی (1445-1510) - سخنگوی آرمان های زیبایی شناسی دربار ظالم، سیاستمدار، بشردوست، شاعر و فیلسوف مشهور لورنزو د مدیچی، ملقب به شکوهمند. دربار این فرمانروای بی تاج و تخت، مرکز فرهنگ هنری بود که فیلسوفان، دانشمندان و هنرمندان مشهور را گرد هم می آورد.
در هنر بوتیچلی نوعی سنتز عرفان قرون وسطایی با سنت باستانی، آرمان های گوتیک و رنسانس صورت می گیرد. در تصاویر اساطیری او احیای نمادگرایی به چشم می خورد. او الهه های زیبای باستانی را نه در اشکال حسی زیبایی زمینی، بلکه در تصاویر عاشقانه، معنوی و عالی به تصویر می کشد. تابلویی که او را تجلیل کرد، تولد زهره است. در اینجا ما یک تصویر زن عجیب و غریب از بوتیچلی را می بینیم که نمی توان آن را با آثار هنرمندان دیگر اشتباه گرفت. بوتیچلی به طرز شگفت انگیزی حس بت پرستی و افزایش معنویت، زنانگی مجسمه سازی و شکنندگی ظریف، پیچیدگی، دقت خطی و احساسی بودن، تنوع را ترکیب کرد. او یکی از شاعرترین هنرمندان تاریخ هنر است. او مضامین نمادین و تمثیلی را ترجیح می دهد، دوست دارد رویا ببیند، خود را در یک اشاره بیان کند.
رنسانس اولیه حدود یک قرن به طول انجامید. دوره رنسانس عالی که تنها حدود 30 سال را شامل می شود، تکمیل می شود. رم در این زمان به مرکز اصلی زندگی هنری تبدیل شد.
اگر هنر کواتروسنتو تحلیل، جستجو، اکتشاف، طراوت یک جهان بینی جوانی است، پس هنر رنسانس عالی یک نتیجه، یک سنتز، یک بلوغ عاقلانه است. جست‌وجوی یک ایده‌آل هنری در دوره کواتروسنتو، هنر را به یک تعمیم، به افشای الگوهای کلی سوق داد. تفاوت اصلی بین هنر رنسانس عالی این است که به نام یک تصویر تعمیم یافته از جزئیات، جزئیات، جزئیات چشم پوشی می کند. تمام تجربیات، همه جستجوها برای پیشینیان توسط استادان بزرگ Cinquecento در یک تعمیم بزرگ فشرده شده است.
تصویر یک فرد زیبا و با اراده، محتوای اصلی هنر آن زمان است. برخلاف هنر قرن پانزدهم، میل به درک و تجسم نظم کلی پدیده های زندگی مشخص می شود.
این دوره غول های رنسانس بود که به فرهنگ جهانی آثار لئوناردو، رافائل، میکل آنژ داد. در تاریخ فرهنگ جهانی، این سه نابغه، با وجود تمام تفاوت هایشان، فردیت خلاق، ارزش اصلی رنسانس ایتالیایی - هماهنگی زیبایی، قدرت و عقل را نشان می دهد. زندگی آنها گواه تغییر نگرش جامعه نسبت به شخصیت خلاق هنرمند است که مشخصه رنسانس است. استادان هنر به چهره های برجسته و ارزشمند جامعه تبدیل شدند و به حق تحصیل کرده ترین افراد زمان خود به شمار می رفتند.
این ویژگی، شاید بیشتر از سایر چهره های رنسانس، برای لئوناردو داوینچی (1452 - 1519) مناسب است. او نبوغ هنری و علمی را در هم آمیخت. لئوناردو دانشمندی بود که طبیعت را نه به خاطر هنر، بلکه به خاطر علم مطالعه کرد. بنابراین، تعداد کمی از آثار تمام شده لئوناردو به دست ما رسیده است. او تصاویر را شروع کرد و به محض اینکه مشکل به نظرش رسید، آنها را رها کرد. بسیاری از مشاهدات او پیشرفت علم و نقاشی اروپایی را برای قرن ها پیش بینی می کند. اکتشافات علمی مدرن علاقه به نقشه های مهندسی علمی-تخیلی او را افزایش می دهد.
"مدونا در غار" او اولین محراب به یاد ماندنی رنسانس عالی است. این یک نقاشی بزرگ با فرمت رایج در نقاشی رنسانس است که شبیه پنجره ای است که در بالا گرد شده است.
مرحله جدیدی در هنر نقاشی دیوار سفره خانه صومعه سانتا ماریا دل گرازیه در طرح شام آخر بود که توسط بسیاری از هنرمندان کواتروچنتو نقاشی شده بود. "شام آخر" سنگ بنای هنر کلاسیک است، برنامه رنسانس عالی را اجرا کرد. لئوناردو 16 سال روی این قطعه کار کرد. نقاشی دیواری عظیم که در آن چهره ها یک و نیم برابر اندازه طبیعی خود نقاشی شده اند، به نمونه ای از درک خردمندانه قوانین نقاشی یادبود مرتبط با فضای واقعی داخلی تبدیل شده است. این مظهر تحقیقات علمی هنرمند در زمینه فیزیک، اپتیک، ریاضیات، آناتومی است که برای حل مشکلات تناسبات و چشم اندازها در یک فضای تصویری گسترده ضروری است. مهمتر از همه، کار درخشان لئوناردو قدرت روانی فوق العاده ای دارد. هیچ یک از هنرمندانی که شام آخر را قبل از لئوناردو به تصویر می کشند، چنین وظیفه دشواری را تعیین نکرده اند - از طریق واکنش افراد مختلف، شخصیت ها، خلق و خوی، واکنش های احساسی، برای نشان دادن معنای واحد این لحظه بزرگ. 12 حواری، 12 شخصیت مختلف در لحظه تحولات معنوی خود را به اشکال مختلف نشان می دهند. از طریق واکنش های احساسی آنها، که در جنبش بیان می شود، سؤالات ابدی انسان آشکار می شود: عشق و نفرت، فداکاری و خیانت، اشراف و پست.
یکی از معروف ترین نقاشی های جهان اثر لئوناردو «لا جوکوندا» بود. این پرتره همسر تاجر دل جوکوندو قرن ها توجه را به خود جلب کرده است، صدها صفحه نظر در مورد او نوشته شده است، او ربوده شد، جعل شد، کپی شد، او را به قدرت جادوگری نسبت دادند. حالت گریزان صورت مونالیزا با توصیف و بازتولید دقیق مخالفت می کند. این پرتره به شاهکاری از هنر رنسانس تبدیل شده است.
برای اولین بار در تاریخ هنر جهان، ژانر پرتره به سطح آهنگسازی با موضوع مذهبی ارتقا یافته است.
ایده‌های هنر یادبود رنسانس در آثار رافائل سانتی (1483-1520) تجلی واضحی یافت. لئوناردو سبک کلاسیک را ایجاد کرد، رافائل آن را تأیید و محبوب کرد. هنر رافائل اغلب به عنوان "میانگین طلایی" تعریف می شود.
کار رافائل با ویژگی های کلاسیک - وضوح، سادگی نجیب، هماهنگی متمایز می شود. با تمام ذات خود، با فرهنگ معنوی رنسانس مرتبط است. او 30 سال از لئوناردو جوانتر بود و تقریباً همزمان با او درگذشت، زیرا در تاریخ هنر کارهای زیادی انجام داده بود که تصور اینکه یک نفر بتواند همه این کارها را انجام دهد دشوار است. هنرمندی همه کاره، معمار، نقاش دیواری، استاد پرتره و ترکیب بندی چند پیکره، دکوراتور با استعداد، یکی از شخصیت های اصلی زندگی هنری رم بود. اوج مهارت او "مدونا سیستین" بود که در سال 1516 برای صومعه بندیکتین در پیاچنزا نوشته شد (اکنون تصویر در درسدن است). برای بسیاری، این معیار زیبایی است که هنر می تواند خلق کند.
این ترکیب محراب برای قرن ها به عنوان فرمولی از زیبایی و هماهنگی درک شده است. یک احساس غم انگیز از چهره های معنوی و شگفت انگیز مدونا و خدای کودک که او را به عنوان کفاره گناهان انسان می دهد، نشات می گیرد. نگاه مدونا، گویی که از طریق بیننده هدایت می شود، سرشار از آینده نگری غم انگیز است. این تصویر ترکیبی از آرمان باستانی زیبایی را با معنویت ایده آل مسیحی تجسم می دهد.
شایستگی تاریخی هنر رافائل این است که او دو جهان را به یک کل متصل کرد - جهان مسیحیت و جهان بت پرست. از آن زمان، آرمان هنری جدید استواری در هنر مذهبی اروپای غربی تثبیت شده است.
مجسمه رنسانس
نبوغ درخشان رافائل از عمق روانشناختی به دنیای درونی انسان، مانند لئوناردو، دور بود، اما حتی با جهان بینی تراژیک میکل آنژ بیگانه تر بود. میکل آنژ بووناروتی (1475-1564) زندگی طولانی، دشوار و قهرمانانه ای داشت. نبوغ او در معماری، نقاشی، شعر، اما به وضوح در مجسمه سازی ظاهر شد. او جهان را پلاستیکی درک کرد، در تمام زمینه های هنری او در درجه اول یک مجسمه ساز است. بدن انسان به نظر او شایسته ترین موضوع تصویر است. اما این مردی از نژاد خاص، قدرتمند و قهرمان است. هنر میکل آنژ به تجلیل از مبارز انسانی، فعالیت قهرمانانه و رنج او اختصاص دارد. ویژگی هنر او غول پیکر است، آغازی بزرگ. این هنر میدان‌ها، ساختمان‌های عمومی است، نه تالارهای کاخ، هنر برای مردم و نه برای اشراف دربار.
قرن پانزدهم اوج مجسمه سازی در ایتالیا است. فضای داخلی را در نمای کلیساها و ساختمان های مدنی رها می کند، در میدان شهر، بخشی از مجموعه شهر می شود.
یکی از قدیمی ترین و مشهورترین آثار میکل آنژ مجسمه پنج متری داوود در میدان فلورانس است که نماد پیروزی داوود جوان بر جالوت غول پیکر است. افتتاح این بنا به یک جشن ملی تبدیل شد، زیرا فلورانسی ها در داوید یک قهرمان نزدیک به خود، یک شهروند و مدافع جمهوری را دیدند.
مجسمه سازان رنسانس نه تنها به تصاویر سنتی مسیحی، بلکه به افراد زنده، معاصران نیز روی آوردند. با این تمایل برای تداوم تصویر یک معاصر واقعی، توسعه ژانر پرتره مجسمه سازی، سنگ قبر، مدال پرتره، مجسمه سوارکاری مرتبط است. این مجسمه ها میادین شهرها را زینت داده و ظاهر آنها را تغییر داده است.
مجسمه‌سازی رنسانس به سنت‌های باستانی هنرهای پلاستیکی بازمی‌گردد. بناهای مجسمه سازی باستانی به یک موضوع مطالعه تبدیل می شوند، نمونه ای از زبان پلاستیک. مجسمه سازی، قبل از نقاشی، از قوانین قرون وسطی دور می شود و مسیر جدیدی از توسعه را آغاز می کند. شاید این به دلیل مکانی است که او در معابد قرون وسطایی اشغال کرده است. در طول ساخت کلیساهای بزرگ، کارگاه هایی ایجاد شد که مجسمه سازان تزئینی را آموزش می دادند که در اینجا به خوبی آموزش دیده بودند. کارگاه های مجسمه سازان مراکز برجسته زندگی هنری بودند و نقش مهمی در مطالعه دوران باستان و آناتومی بدن انسان داشتند. دستاوردهای مجسمه سازی در اوایل رنسانس تأثیر زیادی بر نقاشانی گذاشت که یک فرد زنده را از طریق منشور شکل پذیری درک می کردند. مجسمه‌سازان رنسانس به اهمیت کامل بدن انسان دست می‌یابند، آنها را از زیر انبوه لباس‌هایی که در آن چهره‌ها توسط گوتیک قرون وسطی پنهان شده بود، آزاد می‌کنند. راهی که هلاس طی سه قرن طی کرد توسط سه نسل از استادان در دوره رنسانس تکمیل شد.
ایتالیا کشوری است که همیشه به خاطر هنرمندانش مشهور بوده است. استادان بزرگی که زمانی در ایتالیا زندگی می کردند، هنر را در سراسر جهان تجلیل کردند. به یقین می توان گفت که اگر هنرمندان، مجسمه سازان و معماران ایتالیایی نبودند، امروز جهان بسیار متفاوت به نظر می رسید. البته مهمترین آنها در هنر ایتالیایی در نظر گرفته شده است. ایتالیا در رنسانس یا رنسانس به رشد و شکوفایی بی‌سابقه‌ای رسید. هنرمندان با استعداد، مجسمه سازان، مخترعان، نابغه های واقعی که در آن روزها ظاهر شدند هنوز برای هر دانش آموز شناخته شده است. هنر، خلاقیت، ایده‌ها، پیشرفت‌های آنها امروزه کلاسیک محسوب می‌شوند، هسته‌ای که هنر و فرهنگ جهانی بر آن بنا شده است.
یکی از معروف ترین نابغه های رنسانس ایتالیا، البته، بزرگ است لئوناردو داوینچی(1452-1519). داوینچی آنقدر با استعداد بود که در بسیاری از زمینه های فعالیت از جمله هنرهای تجسمی و علم به موفقیت های زیادی دست یافت. یکی دیگر از هنرمندان مشهور که استاد شناخته شده است ساندرو بوتیچلی(1445-1510). نقاشی های بوتیچلی یک هدیه واقعی برای بشریت است. امروزه، انبوه او در مشهورترین موزه های جهان است و واقعاً قیمتی ندارد. کمتر از لئوناردو داوینچی و بوتیچلی مشهور است رافائل سانتی(1483-1520)، که به مدت 38 سال زندگی کرد، و در این مدت او موفق شد یک لایه کامل از نقاشی خیره کننده ایجاد کند، که به یکی از درخشان ترین نمونه های رنسانس اولیه تبدیل شد. یکی دیگر از نابغه های بزرگ رنسانس ایتالیا بدون شک است میکل آنژ بووناروتی(1475-1564). میکل آنژ علاوه بر نقاشی، به مجسمه‌سازی، معماری و شعر نیز می‌پرداخت و در این هنرها به نتایج بزرگی دست یافت. مجسمه میکل آنژ به نام «دیوید» یک شاهکار بی‌نظیر، نمونه‌ای از بالاترین دستاورد هنر مجسمه‌سازی محسوب می‌شود.
علاوه بر هنرمندانی که در بالا ذکر شد، بزرگترین هنرمندان ایتالیای دوره رنسانس استادانی چون آنتونلو دا مسینا، جووانی بلینی، جورجیونه، تیتیان، پائولو ورونزه، یاکوپو تینتورتو، دومنیکو فتی، برناردو استروزی، جووانی باتیستا گواردی، و فرانسیس بودند. دیگران . . همه آنها نمونه بارز مکتب نقاشی لذت بخش ونیزی بودند. مکتب نقاشی ایتالیایی فلورانس شامل هنرمندانی چون: ماساچیو، آندره آ دل وروکیو، پائولو اوچلو، آندره آ دل کاستانیو، بنوززو گوتزولی، ساندرو بوتیچلی، فرا آنجلیکو، فیلیپو لیپی، پیرو دی کوزیمو، لئوناردو داوینچی، میکل آنژ، فرا بارتولومو، دل سارتو
برای فهرست کردن همه هنرمندانی که در دوران رنسانس و همچنین در اواخر رنسانس و قرن‌ها بعد کار کردند، که به تمام جهان شناخته شدند و هنر نقاشی را تجلیل کردند، اصول و قوانین اساسی را ایجاد کردند که زیربنای انواع و ژانرهای نقاشی است. هنرهای زیبا، شاید نوشتن چندین جلد طول بکشد، اما این فهرست برای درک این نکته کافی است که هنرمندان بزرگ ایتالیا همان هنری هستند که ما می شناسیم، آنها را دوست داریم و برای همیشه از آنها قدردانی خواهیم کرد!
نقاشی های هنرمندان بزرگ ایتالیایی
آندره آ مانتگنا - نقاشی دیواری در Camera degli Sposi
جورجیون - سه فیلسوف
لئوناردو داوینچی - مونالیزا
نیکلاس پوسین - بزرگواری اسکیپیون
پائولو ورونزه - نبرد لپانتو