Obrazovanje

Apel estetici kao teoriji gotovo uvijek se pretvara u prisilni eurocentrizam. Orijentalna umjetnost, iako svojom egzotikom privlači mnoge istraživače, zapravo se ne uklapa dobro u općeprihvaćene sheme. Koncept nudi razumijevanje osnovnih principa istočnjačke estetike.

Skriveno u lišću: šta je implicitna estetika?

Za razliku od Zapada, tradicionalne kulture Indije i Daleki istok nisu stvarali čisto filozofske teorije ljepote ili rasuđivanja o suštini umjetnosti: njihovi traktati su uvijek imali naglašen primijenjeni karakter. Iz tog razloga, istočnjačka estetika se mnogima čini pitanjem za likovne kritičare, ali ne i za filozofe.

na slici: Ritual pozdravljanja (kraj 19., početak 20. stoljeća)

Često se takvo sužavanje perspektive kombinuje sa činjenicom da svaki autor ima svoje kulturne i istorijske privrženosti, koje nikako nisu uvek svjesne. Poteškoće u prijevodu također igraju značajnu ulogu.

Međutim, može li se zaista reći da Istok nije pokušao istražiti pitanje ljepote? Izgleda da nije. Prije svega, o tome svjedoče specifični koncepti i termini koji su nastali unutar ovih kultura.

Na primjer, u Indiji ili Kini, estetska misao je oduvijek bila značajan element kulture, koja se prvenstveno oličavala u raspravama o ciljevima umjetnosti i raspravama o zanatstvu [ tj. praktični vodiči - cca. ed. ], dizajnirane ne samo da podučavaju tehnike, već i da daju viziju njihovog predmeta.

na slici: Anglo-indijski polo igrači (kraj 19. stoljeća)

Osim toga, karakteristična karakteristika indijske filozofije i filozofskih škola Kine je odsustvo kognitivnog stava kao takvog. Prvi je uvijek bio fokusiran na pitanja individualnog spasenja i oslobođenja, drugi je bio usko isprepleten s magijom, ezoterizmom ili društveno-političkim pitanjima.

Ali, ipak, klasična komparativistička dihotomija Zapad/Istok najjasnije ističe specifičnosti istočnjačkog pristupa estetsko-teorijskoj djelatnosti. Za Zapad znanje radi znanja postaje uobičajeno stanje već u antici, ali na Istoku svo znanje služi nečemu važnijem.

Zato je odsustvo ontologije umjetnosti u filozofskim sistemima Istoka samo specifičnost njihove estetike. U suštini, postoje dvije vrste estetike. Može biti eksplicitna (eksplicitna), tj. izraženo u tekstovima koji pitaju šta je lijepo i kako je umjetnost moguća. A može biti implicitno (implicitno) – kao da je ugrađeno u odgovore na prizemnija pitanja „čemu služi umjetnost?“, „šta bi trebala biti?“, „kako to učiniti kako treba?“.

na slici:Šintoističko svetište (vjerovatno 17.-19. stoljeće)

I jednostavno se dogodilo da od davnina na Istoku postoje barem dvije originalne tradicije implicitne estetike [ kineski i indijski cca. ed. ], o čemu ćemo govoriti. Osnovna razlika između ovih tradicija bit će u tome što će Indijci usmenu riječ staviti kao osnovu svojih umjetničkih praksi, a Kinezi - pisani znak, hijeroglif. Posljedice ovakvog izbora imat će direktan utjecaj kako na same umjetničke prakse tako i na način njihove interpretacije.

Nešto odvojeno od ove dvije tradicije je japanska estetika, o kojoj će također biti nekoliko riječi. Estetski osjećaj duboko prožima cijeli život Japanaca i to nije samo književni zaokret. Za razliku od Indijanaca, oni su uglavnom ravnodušni prema estetici svakodnevnog života [ osim odjeće i nakita -- cca. ed. ] i Kinezi, koji su vrlo pragmatični u svakodnevnom životu, Japanci pokušavaju da sve učine lijepim: od dizajna posuđa do kanalizacijskih šahtova.

Na kraju, naš vodič se svodi na detaljno činjenično i teorijsko putovanje kroz estetsku historiografiju triju kultura koje obično predstavljaju Istok na Zapadu.

Govor kao umjetnost: indijska estetika

Referentna tačka za kulturna istorija Indija su Vede - zbirke svetih tekstova koji su nastali u 13. veku pre nove ere. Vede se većinom sastoje od himni, molitava, zagovaranja i ritualnih pjesama. Ovo vjerska tradicija nije zahtijevao posebne vjerske objekte ili slike od vjernika, ali je strogo regulirao sam govor upućen bogovima.

na slici: Moderni glumci indijskog pozorišta

Svaka riječ, svako slovo i zvuk, kao i intonacija i ritam bili su obdareni značenjem - suštinom dijelova verbalnih formula, danas svima poznatih kao mantre. Takođe, vedski tekstovi su inherentni visoki nivo emocionalnost, potkrepljena upotrebom mnogih epiteta i metafora pri opisivanju bogova.

Čak i sa pojavom pisanja, indijska kultura nastavlja da se gradi oko usmenog prenošenja teksta. Vremenom, ljubav usmeni govor ocrtava tendencije prema formulačnosti i sažetosti: česta upotreba ponavljanja, aliteracija, semantičkih paralela i ponavljanja. Iz čega je lako zaključiti ključnu osobinu indijske estetike: značajnu pažnju riječi uz minimalnu upotrebu vizualnosti.

Vedska filozofija ovaj svijet opisuje kao veo maye, tj. iluzija, a samim tim i interesovanje za materijalni, materijalni svet u indijskoj kulturi je veoma nisko. Arhitektura, skulptura i slikarstvo dugo se ne smatraju umjetnošću i postoje kao marginalni izdanci dekorativnog slikarstva.

na slici: Indijski pozorišni glumci (vjerovatno s kraja 19. stoljeća)

Dominantne umetnosti u takvim uslovima su književnost i pozorište, kao i muzika koja je usko povezana sa glasom. U isto vrijeme, ne poznajemo autore Veda, riječ postoji ili anonimno dugo vremena, ili se pripisuje određenoj legendarnoj ličnosti [ da podigne svoj status cca. ed. ]. Tek u 1. stoljeću nove ere pojavili su se prvi primjeri autorstva u indijskoj kulturi, a s izbijanjem umjetničke samosvijesti, ubrzo će se pojaviti i prve teorije umjetnosti.

Tradicionalno indijsko pozorište oslanjao se prvenstveno na svima poznate klasične legende. Glavni dio nastupa zauzele su pjesme i govori [ takođe pevao - cca. ed. ], uključivao je i plesove, muziku, gimnastičke brojeve. Scenografija i rekviziti praktično nisu korišteni, publici su u razumijevanju radnje pomogli: 1) šminka i kostim glumca, 2) pantomima i uvjetni gestovi, 3) detaljni opisi glumca koji se vidi u govoru.

U 1. veku nove ere Budizam se počinje širiti u Indiji: njegova privlačnost pojedincu omogućit će da se napravi prvi korak od tradicionalnog narativa ka autorovoj književnosti. Tako će se pojaviti kavya - žanr poetske drame, čiji je izvorni oblik biografija velikog čovjeka. Međutim, iako ostaje tekst za glumce da glume, kavya podrazumijeva individualno čitanje. Jedan od prvih autora u žanru će biti Ashvagosh , najpoznatiji po The Life of Buddha i The Tale of Shariputra.

Evolucija indijske estetske misli neće se tu zaustaviti. Već u 4. veku, „Uputstvo o glumačkoj umetnosti” ili „ Natyashastra“, koji je predodređen da postane temeljni tekst za indijsko pozorište, kao i za muziku, književnost i umjetnost plesa. Ova rasprava se pripisuje pustinjaku asketi po imenu Bharata . Bharata ne samo da pita kako razlikovati dobro dramsko djelo od lošeg, već nudi i teoriju koja opisuje mehanizam utjecaja umjetnosti.

Indijski pustinjak uvodi koncept " rase» , inače « estetske emocije» i gradi svoje učenje oko ideje 8 rasa [9. će biti dodat kasnije - cca. auth . ]. Istovremeno dolazi do klasifikacije pozorišnih formi i kanona prema kojem treba stvarati i vrednovati pozorišna djela, muziku i ples. Na primjer, raga kao univerzalni muzički oblik indijske muzike, kao i sam muzički sistem (sargam), uglavnom proizilaze iz doktrine rasa.

U početku, teorija rase definiše četiri para estetskih emocija: ljubav - zabava, tuga - hrabrost, ljutnja - strah, gađenje - iznenađenje. Kasnije je dodata i deveta rasa - mir. Koncept Bharate zadržava vezu s tradicionalnim religijskim misticizmom, pa stoga svaka rasa ima svoju boju i božanstvo zaštitnika.

na slici: Severna kapija stupe u Sanhiju (3. vek pne)

Pa, sasvim logično slijedi da indijska drama smatra postizanje ovih emocija glavnim ciljem. Stoga, za razliku od evropske dramaturgije, ovdje su u prvom planu emotivni monolozi, dijalozi i plesovi, a intriga, društvena relevantnost i samoizražavanje autora igraju neznatnu ulogu.

Vremenom, na osnovu ove teorije, nastaju traktati za druge umetnosti – prvenstveno shilpa-shastras za slikare, vajare i arhitekte. Poput autora kavya, majstori likovne umjetnosti treba da teže stvaranju djela koje može izazvati prave emocije - rasavant . Pored koncepta rase, ove rasprave uvode još dvije kategorije: sadrishyam - sličnost i pramanani - proporcije. Drugim riječima, indijsko hramsko slikarstvo i arhitektura je zaista zamrznuta u bojama i kamenu, ali ne u muzici, već u drami.

Odvojeno, vrijedi spomenuti klasičnu muzički sistem Indije, koji je na Zapadu dobio ime "sargam" [ ovo ime je sastavljeno od kombinacije prvih nota - cca. ed . ]. Kao i zapadni sistem, zasniva se na sedam nota, obično skraćenih kao sa, ri, ga, ma, pa, dha, ni [ puni nazivi nota: saja, rishabh, gandhar, madhyam, pancham, dhaivat i nishad - bilješka autora ].

Na slici: Car Akbar gleda kako Tansen drži muzičku lekciju Swami Haridasu (minijatura u radžastanskom stilu)

Prema kanonima Natyashastre, note odgovaraju rasi: ma i pa - zabava i ljubav; sa i ri - hrabrost, ljutnja, iznenađenje; Ga, Ni - tuga; Dha - gađenje, strah. Međutim, ovih sedam nota ne dijele ljestvicu na jednake dijelove, osim toga, prema tradiciji, ne mogu sve note imati oštre i ravne - tivra i comal . Skala u ovom sistemu podijeljena je na 22 fragmenta. Fragmenti se zovu shruti - doslovno "ono što se mora čuti." Sam termin se široko koristio u filozofske škole Indija, a oktava izgleda ovako: sa, komal ri, ri, komal ga, ga, ma, tivra ma, pa, komal dha, dha, komal ni, ni, sa (naredne oktave), tj. broj šrutija između različitih nota može biti različit (od 2 do 5).

Takva ideja zvuka direktno je povezana s pokušajem da se u njemu vide psihofizički elementi koji odgovaraju tjelesnoj strukturi osobe (postoji kanal za svaki od 22 šrutija u tijelu). Prva napomena sargam nije fiksiran, njegova visina se svaki put prilagođava muzičkom instrumentu ili glasu izvođača.

Ključni oblik indijske muzike je raga . Raga je izgrađena slično mantri ili religioznom recitativu. Prvo se kreira formula od 5-7 nota (taata), koja se zatim više puta izvodi u muzičkom delu. Međutim, može se reći da se gotovo svaka muzika napisana sargamom može smatrati ragom.

na slici: Ravi Shankar svira sitar

U tom smislu, riječ raga se koristi kako za opisivanje etičkog i estetskog koncepta indijske muzike, tako i za označavanje klasične forme. muzičko djelo. Pored rage, koja je melodijski i kompozicioni model, važnu ulogu ima i tala, tj. ritmičko bojenje rada.

Sa sanskrita, raga se prevodi kao "boja", "boja", a takođe i "strast". Ovo značenje veoma dobro naglašava prirodu ove muzike: ona ne postoji bez izvedbe koja prenosi stanje duše, emocije-rasa. I ovdje opet vrijedi napomenuti dominaciju izgovorene riječi i jasan naglasak na vokalni tip izražavanja. Čisto instrumentalna muzika u Indiji je nerazvijena marginalna grana koja se razvila tek u 20. veku, zahvaljujući interesovanju, pa čak i izvesnom uticaju zapadnih muzičara.

Raga se ispostavlja ne samo kao način da se utiče na dušu slušaoca, već i kao određena vrsta komunikacije sa Univerzumom. Zvuk je za indijske mislioce posebna beskonačna, prostorno-vremenska materija - nada ili zvučnu podlogu. Ima sposobnost da uskladi tijela, duše i svijet. Stoga se raga zasniva na ponavljanju i slušanju, posebno ako ima više izvođača.

na slici: Vjerovatno Gita Phogat - prva indijska rvačica (slika u stilu Kalamkari)

U principu, nema provodnika, nema unutrašnjeg sukoba [ klasičnom evropskom obliku koncert"u suštini sukob, konkurencija - bilješka autora ] ili kompletan notni zapis zvuk. Jasan utjecaj rage sa svojom improvizacijom osjeća se u mnogim susjednim regijama, na primjer, u takvom fenomenu kao što je gamelan orkestar.

Indijska estetika nastavlja da se razvija, prilagođavajući modernost svom zvuku. A danas se kultura i umjetnost Indije u velikoj mjeri povezuju s emocijama i izgovorenom riječju: s pjevanjem mantri i slušanjem raga, s pjesmama i plesovima bolivudskih glumaca.

U svijetu znakova i simbola: kineska estetika

Semantičko središte kineskih umjetničkih praksi, a zatim i njihova konceptualizacija je " trijedinstvena aktivnost ". Ovaj izraz se odnosi na bilo koju vještinu vezanu za pisanje hijeroglifa, tj. kistom, tušem, papirom i kombinacijom slova. Drugim riječima, kineska kultura ne odvaja kaligrafiju, grafiku i versifikaciju u zasebne umjetnosti, smatrajući ih jednako vrijednim poštovanja. Upravo će ta kaligrafska dominanta postati ključna u pokušajima stvaranja vlastitog razumijevanja prirode ljepote i suštine umjetnosti.

slikanje:

Nekoliko je referenci na legendarne majstore kaligrafije, koji su do temelja razumjeli njihovu umjetnost. Ali ako se okrenemo sačuvanim izvorima, onda je vjerovatno jedan od prvih pokušaja da se da teoriju nastanka slika napravio Gu Kaizhi, koji je živio u doba dinastije Jin (4-5 vijek nove ere).

Njegova dela, a možda i dela drugih umetnika, sažeo je u 5. veku jedan slikar portreta Xie He u raspravi "Napomene o kategorijama antičkog slikarstva" ("Guhua pinlu"). U ovom radu, Xie He formuliše 6 zakona slikarstva - lufa , a također razvija detaljan konceptualni aparat za tumačenje ovih zakona. Mnogi njegovi pojmovi, kao npr ping (klasa ili kategorija), F (zakon, princip) chiun (duhovni ritam) shengdong (živi pokret) itd. - postaće osnovne kategorije za sve naredne slikare.

Glavni izvor Xie Heove teorije su vjerovatno rani kosmološki koncepti Kine, na primjer, koncept energije qi i kanoni I Chinga. Stoga on smatra sposobnost utjelovljenja živog pokreta qi-ja kao osnovu ljepote djela. To navodi prvi zakon slikarstva, koji se takođe prevodi kao "saglasnost energija u živom kretanju".

slikanje: tradicionalno kinesko slikarstvo

Drugi zakon je propisivao korištenje "strukturne metode korištenja kista". Uglavnom, ovaj zahtjev kombinira čisto tehnički aspekt sa zahtjevom za ekspresivnošću linije konture. Treći zakon "podudarnost oblika sa stvarnim stvarima" i četvrti zakon "podudarnost boja" fokusirani su na pouzdanost slike.

Kako primećuje Evgenia Zavadskaya, slikari tog vremena verovali su da predmeti imaju određenu boju koja ne zavisi od osvetljenja i refleksa. To je u velikoj mjeri odredilo kako koriste boje u svojim slikama. Peti zakon o sastavu svitka je samo imenovan, a nije ga razvio Xie He, a šesti zakon poziva na praćenje obrazaca i kopiranje starih majstora.

U 8. veku nove ere razumijevanje trijedinstvene aktivnosti je pod jakim utjecajem taoističkog koncepta feng lu - „vetar i strujanje“. Sada zadatak majstora nije samo da osjeti sazvučje energija, već i sposobnost da im se pokori - u spontanosti i prirodnosti. Na taj način umjetnik nadilazi svoje Ja i spaja se sa Taoom.

Slikarstvo

Tao je predstavljen kao tok koji skladno kombinuje „hiljadu stvari“, stoga je jedan od najpopularnijih žanrova u slikarstvu shan shui - “planine i vode”. Shan Shui je tradicionalni krajolik, koji, međutim, nije stvoren iz prirode, već iz sjećanja. A cilj umjetnika nije kopirati stvarnost, već koncentrirati karakteristične crte prikazanog. Planine moraju odgovarati početku "janga", tj. biti bistar, hrabar, voda - do početka "jina", tj. budu tamne, meke, ženstvene i zajedno postaju slika toka Taoa.

Vrijedi napomenuti da kineski umjetnički kanon izdvaja žanrove slikarstva na temelju objekta slike, zanemarujući njegov karakter. Stoga se među žanrovima kineskog slikarstva obično razlikuju sljedeće:

"Planine i vode".

"Cveće i ptice".

Slikanje bambusa.

Slikanje životinja.

Slikarstvo i portretisanje figura.

Juanian ili "cvijeće i ptice" - ovo je također žanr pejzažnog slikarstva, u kojem glavni naglasak nije na vjerodostojnosti i tačnosti, već na simboličkom značenju. Može se prepoznati kao najčešći u kineskoj kulturi, zbog čega je huanyano veliki uticaj ne samo primenjena umetnost, već i poezija.

"Cveće i ptice" je vizuelna poezija alegorija i aluzija. U nizu slučajeva, umjetnik je čak mogao priuštiti da se okrene ne samo tome vječne teme, ali i relevantan. Tako, na primjer, umjetnik koji je živio u 13. vijeku Qian Xuan stvorio sliku na kojoj vretenci koji preplavljuju livadu simboliziraju mongolske osvajače.

Kanon je strogo definirao značenja prikazanih biljaka: božur znači plemenitost i bogatstvo, lotos - duhovna čistoća, koja vam omogućava da prođete kroz iskušenja, kombinacija bambusa, bora i meihua šljive - jako prijateljstvo. Procvjetala meihua šljiva postala je simbol nefleksibilnosti i plemenite čistoće. Umjetnici i pjesnici divili su se njenoj sposobnosti da ostane živa čak i na mrazu, kao i vizuelnoj kombinaciji simbola yang i yin (cvijeće na grančicama šljive je yang, jer je jarko crveno, a korijenje koje ih hrani je zemljano-jin ) .

Rečeno je da Meihua kombinuje čistoću bambusa sa izdržljivošću bora. U 10. vijeku pojavio se podžanr "četiri plemenita cvijeta" koji prikazuje orhideju, sortu divlje šljive meihua, bambus i krizantemu i pronašao je veliku popularnost. Orhideje su smatrane cvijetom skrivene plemenitosti, jednostavnosti i čistoće.

Slika bambusa je potpuno izdvojena u poseban žanr, jer. njegovi dijelovi su upoređeni sa hijeroglifima i ispisani kaligrafskim potezima. Proces oslikavanja bambusa u periodu Song predstavljen je umjetnicima kao filozofski i mistični čin, ali od perioda Ming, umjetnici su se uglavnom fokusirali na tehničke aspekte.

Tokom perioda Yuan, slika bambusa postaje neobično važna tema - bambus simbolizira plemenitog muža i učenjaka kojeg nedaće ne mogu sagnuti. Junzi - jedan od ključnih pojmova konfucijanizma.

Nekoliko hiljada godina kineski slikari i kaligrafi koristili su samo mastilo, ali se u 18. veku pojavila i kineska tradicija uljnog slikarstva. Njegov tvorac je bio Giuseppe Castiglione(1688 - 1766), jezuitski monah koji je postao dvorski slikar cara Qianlonga.

Nakon što je došao u Kinu kao misionar, na kraju je usvojio to ime Lan Shining po kome je poznat do danas. Pored slikarstva, Castiglione se bavio i arhitekturom: pod njegovim nadzorom izgrađena je palata u zapadnom stilu. Godine 1750. dobio je čin mandarina treće klase, pa ga ni progon hrišćanskih misionara nije dotakao. Njegov rad je iznjedrio ne samo imitatore, već je vratio interesovanje za žanrove kao što su „cveće i ptice“ i „slikanje figura“ (tj. žanrovsko slikarstvo).

Poput indijske tradicije, u Kini će pojam ljepote i zahtjevi za umjetničkim djelom postepeno prelaziti svoje granice. Estetska tradicija formirana oko trijedinstvene delatnosti biće projektovana na književnost, muziku, ples i narodne forme pozorišta. I svaki put će ključni zahtjev ovog ili onog kanona biti istinski osjećaj "prirode stvari" i adekvatan odraz "saglasnosti energija".

Dominacija znaka i uticaj različitih filozofskih sistema doveli su do toga da je kineski muzički sistem izuzetno heterogen. Prvo, ne postoji jedinstven kanon ili razumijevanje ljestvice. Muzičari koriste sistem od tri - 12 koraka lu-lu , pentatonska i 7-stepena skala, slična lidijskom modu [ Osim toga, postoje i drugi, kao npr gunchapu - cca. ed. ]. Drugo, postoje značajne razlike u muzici i njenom zapisu u svakom regionu Kine.

Tradicionalno Kineska umjetnost

Sistem od 12 lu bio je direktno povezan sa jin-jang kosmologijom i ciklusima luni-solarnog kalendara, ali će pentatonska skala postati poznatija kineskoj kulturi. To je zbog činjenice da je broj 5 veoma važan: uz pomoć petice opisuju se elementi, kardinalne tačke, osnovne boje i ukusi, modaliteti osjeta i unutrašnji organi. Ovo je broj svijeta, pa bi stoga trebalo biti i pet nota.

Muzički početak određuje i formiranje pozorišne umjetnosti: rane kineske opere (opera kunzui , drama nanxi ) u početku su zasnovani na melodičnosti i tipičnoj radnji. Kasnije mnogi ranih tradicija bit će ujedinjeni u fenomen kao što je Pekinška opera, koja je značajno proširena zbog komičnih dijaloga, masovnih plesova i scena bitaka, povećanje orkestra za muzičku pratnju (važno mjesto ovdje će zauzeti bubnjevi).

Slikarstvo Giuseppe Castiglione (1688. - 1766.)

Gestovi i hod, svetli kostimi Ming ere i šarena šminka, principi konciznosti scenografije takođe su prešli iz kunqua u pekinšku operu kao bogato nasleđe. Svaki objekt na pozornici mora obavljati mnoge funkcije ovisno o zapletu i scenskim konvencijama, na primjer, zastave s raznim simboličkim crtežima koji predstavljaju vatru, vodu, kočiju, itd. Međutim, pokušaj da se shvati pozorišna umjetnost u Kini doći će prilično kasno: ona je povezana s imenom Mei Lanfang(1894-1961), koji je stvorio svoju teoriju o osnovnim ulogama i gestovima.

Iz ovog kratkog pregleda može se vidjeti da je kineska kulturna tradicija pažljivo čuvala razne oblike i prakse, uklj. čisto regionalno. Istovremeno, „trojedinstvena aktivnost“ ostala je objedinjujući faktor, koji je zadivljujuće uspeo da sve vrste umetnosti uklopi u sliku majstora koji rukuje četkom i mastilom. Do danas su poznavanje hijeroglifa, kao i sposobnost njihovog pisanja i nivo kulture, pojmovi neraskidivo povezani za Kineze.

U svijetu stvari i sjena: japanska estetika

Malo je vjerojatno da će jedan članak moći ispričati o svim konceptima, umjetnostima i kulturama Istoka. Osim toga, vrijedno je napomenuti da su kineska i indijska tradicija imale ogroman utjecaj na svoje susjede. Kulture Koreje i Sijama svakako su se dugo fokusirale na svoje susjede, sve do 17. i 18. stoljeća, smatrajući svoje stvaralaštvo sekundarnim. Jedini značajan izuzetak je Japan, koji se ubrzo oslobodio kulturnog uticaja Kine i počeo da razvija originalan estetski sistem sa sopstvenim terminima i praksama.

Slikarstvo Katsushiki Hokusai (1760. - 1849.)

U japanskoj kulturi figurativna riječ je igrala odlučujuću ulogu. Sa dolaskom kanji [Kineski znakovi koji su postali osnova japanskog pisanja - cca. ed. ] Japanci nisu napustili ni svoju usmenu tradiciju ni uobičajenu figurativni sistem animističkih i šintoističkih kultova. Pokušali su ih sintetizirati. Stoga svaka umjetnost u Japanu uvijek nastoji spojiti poetske i vizualne principe.

U tom smislu, prije pojave kineske pisane tradicije (4-6 stoljeće nove ere), Japanci su više nalik na Indijance – oni su također dominirali usmenom poetskom riječju. Vjerovalo se da riječi imaju magijsku moć, a sam pripovjedač postaje sveta figura.

kanalizacioni šaht

Stoga je vrlo značajno da su Japanci, čim su ovladali kineskim hijeroglifima, gotovo odmah pokušali što potpunije zabilježiti svoj nacionalni folklor. To je bio početak originalne književne tradicije. Međutim, već u 8. vijeku japanski autori pitaju se kako se njihova poezija razlikuje od kineske (ili oponašanja).

Čak iu prvoj poetskoj antologiji na japanskom, Zbirci bezbrojnih listova, može se uočiti želja japanskih pjesnika za minornim raspoloženjem i njegovim prenošenjem minimalnim sredstvima. Ove osobine u 10. veku pesnik shvata Ki no Tsurayuki u zbirci "Zbirka starih i novih pjesama". Osim toga, veliku većinu obje zbirke čine pjesme autora (što nije bilo tipično za istočne i zapadne kulture u to vrijeme).

U svom teorijskom uvodu, Ki no Tsurayuki također pokušava analizirati divljenje prirodi i način opisivanja stvari s pažnjom i simpatijom prema njima. Ova razmatranja će formirati osnovu za dvije ključne kategorije japanske estetike: makoto i mujo (tj. istinito i smrtno, promjenjivo). Također je vrijedno napomenuti da mnogi koncepti imaju neobično svojstvo - oni istovremeno opisuju i stanje svijesti (gledatelja) i stanje svijeta/objekta.

Slikarstvo Katsushiki Hokusai (1760. - 1849.)

Mujo, na primjer, može se shvatiti upravo kao iskustvo krhkosti i prolaznosti bića. Prolaznost i krhkost postaju jedan od glavnih elemenata japanske kulture tokom mnogih vekova, a u 17. veku će poprimiti oblik ukiyo(„plutajući svijet“). Ukiyo inspiriše japanske grafike da prikažu slike plutajućeg svijeta ( ukiyo-e). Uskoro će biti književnih žanrova- "pripovijesti o plutajućem svijetu." Japanski pogled na nestabilnost i krhkost razlikuje se od evropskog: tragedija i strastveni protest su u njemu mnogo manje izraženi. Neki autori se čak šale o tome:

« Da, svi plovimo, ali zabavni poput bundeve koja poskakuje po valovima».

Ukiyo-e- Japanski drvorezi iz perioda Edo dobijaju veliku popularnost u gradovima od 17. do sredine 19. veka. Ukiyo-e su bili pristupačni i prikazivali su slike svakodnevnog života: prelijepe gejše, masivni sumo rvači i popularni glumci kabuki pozorišta bili su prikazani na gravurama.

Međutim, bilo je zaista vrlo vještih primjera: na primjer, kombinirali su različite fokuse očiju ili stvarali seriju. Iz tog razloga, neki ih vide kao prototip modernog stripa. Kasnije je pejzažno graviranje postalo popularno, poznato u cijelom svijetu, zahvaljujući radu majstora Hokusaija. U 19. veku drvoreze su zamenili zapadni izumi - mašinska štampa i fotografija, ali zajedno sa gubitkom popularnosti kod kuće, ukiyo-e printovi su postali izuzetno popularni u zapadnoj Evropi i Americi.

Oni su na neki način bili inspiracija za Evropski umetnici koji su radili u stilu kubizma, impresionizma, kao i postimpresionističkih umjetnika kao što su Vincent van Gogh, Claude Monet, Gustav Klimt i drugi. Nakon toga se utjecaj ukiyo-ea proširio daleko izvan granica slikarstva - Sergej Ejzenštajn je neke od svojih ideja za uređivanje i organizaciju okvira posudio iz japanskih drvoreza.

Na pitanje o strasti Japanski do svakodnevne estetike

Naravno, zen budizam, koji se proširio tokom Kamakura ere (12.-14. vek), imao je značajan uticaj na estetske kategorije. Pod uticajem zena, poezija postaje sažetija, a umjesto para „makoto - mujo“ zauzimaju yugen i tsu-ya.

Tsu-ya znači lepota, ali neautentična, previše svetla i upečatljiva, kao da ne odgovara stvari. Mnogo je teže opisati njegovu suprotnost - yugen. Britanski filozof i orijentalista Alan Watts, na primjer, priznaje da u engleskom jeziku nema analoga ni ovoj riječi ni osjećaju.

Yugen- ovo je lepota koja se ne otvara odmah, neka duboka, tajanstvena lepota. Yugen se otvara kroz aluziju, alegoriju, pa čak i ko-kreaciju – tj. kroz aftertaste yojo (nakon osjećaja) - još jedan termin zen budističke estetike -- cca. ed. ].

Primjer kintsugija

Lijepo umjetničko djelo treba da bude minorno, jednostavno i diskretno, ali mu je u isto vrijeme potrebna nepotpunost, element misterije. Stoga, na primjer, u poeziji riječ "yugen" označava duboko značenje - tank , čemu se u tekstu, u pozorištu, daje tek blagi nagovještaj – šta se krije iza riječi predstave, šta glumac mora otkriti i prenijeti. Neki proizvodi se upoređuju s viskoznim i kiselim okusom dragulja ili gorčinom zelenog čaja - shibumi . Shibumi je savršenstvo bez napora, ono što je oličeno u jednostavnim i prirodnim stvarima.

Drugi način da pohvalite neko djelo je da u njemu pronađete nešto od čega nare (patina, trag vremena). Mat ili blago mutne površine, karakteristične za rižin papir, žad i staru keramiku, visoko su cijenjene u Japanu. I pjesnici i umjetnici težili su sličnom efektu masne ili svijetle sjene. Zapravo, to je nijansa koja uči mnogim estetskim nazivima u ovoj tradiciji: za zapadno razmišljanje, i yugen, i šibumi, i nare su sve različite verzije malog detalja stvari ili nijanse osjećaja.

Zen uticaj je takođe povezan sa specifičnijim kategorijama kao što su wabi i sabi . Oba koncepta su višestruka. sabi usko povezan sa osjećajem usamljenosti, ali uključuje i odvojenost, slabost, prigušenost i „zanosnost prolaznog“. Wabi može značiti osjećaj "čudnosti koju izazivaju jednostavne stvari - zarasla staza, klimava kuća, stara šolja". Odsustvo svjetline, patetike, odbacivanje složenosti do minimalizma - ovo je također wabi. Bonsai i kameni vrtovi su također oblikovani ovim kategorijama.

Još jedan primjer kintsugi

sabi wabi poziva nas na suosjećanje sa stvarima i ljudima, na prihvaćanje nesavršenosti. Odličan primjer umjetničko oličenje sabija i vabija može se nazvati umjetnošću kintsugi . Kintsugi je restauracija polomljenih stvari, koja posebno čuva i naglašava njihov lom i pukotine. Osnova ljepila za popravak pomiješana je sa zlatnom ili srebrnom bojom, jer je sastavni dio stvari i nije vrijedna zaborava ili maskiranja.

Unatoč obilju raznih termina i trendova, nešto slično cjelovitom i sveobuhvatnom estetskom konceptu pojavit će se u Japanu tek u periodu Tokugawa(17.-19. vek). Mono no Avare - ovo je sam koncept i njegov ključni koncept. Ideja avare kombinuje ranije ideje o fluidnosti, nepotpunosti i misteriji prelijepog svijeta.

Bukvalno, mono-no avare znači stvar koja je sposobna da izazove avare, tj. neki poseban analog nostalgije. Istovremeno, to je nostalgija, viđena u onome što još nije izgubljeno, to je tuga i empatija za stvar, jednostavno zato što su prolazne. Ili čak nostalgija bez žaljenja: na kraju krajeva, zen uči prihvatanju patnje, razdvajanja i smrti. Avare- taj osjećaj da drugačije ne može, ovo je svijetla tuga bez nade, ali sa malo humora.

Ovaj koncept definitivno daje prioritet stvarima i glavni zadatak i umjetnik i gledatelj prave "fuziju" sa stvarima. Drugim riječima, mono no aware je događaj u kojem ste zarobljeni i uzbuđeni (svjesni) od strane stvari (mono) ili njene duše [ kami - duša, duh ili božanstvo koje živi u svakoj japanskoj stvari, jedan od osnovnih koncepata šintoizma - bilješka autora ].

Ljepota ili istina neke stvari je uvijek tužna, stoga je pošteno uporediti mono-no avare sa Vergilijevim izrazom "suze stvari". Metafora lacrimae rerum svakako bi bio po ukusu japanskih pesnika, koji su napisali hiljade haikua o kapima rose, zvuku kapi i odrazu u njima.

Možda niste znali:

Erotski simbol Jedna od misterija indijske umetnosti je hramski kompleks u Khajurahu, sagrađen za vreme dinastije Chandela u 9.-12. veku. Simbol Khajurahoa je erotska skulptura na frizovima platformi i donjem i srednjem nivou fasada. Pokazuju brojne ljubavni parovi u raznim pozama, ponekad sa životinjama. I do sada istraživači ne mogu doći do jednog jedinog zaključka o svrsi u koju su bili prikazani na hramu i kako su se tada odnosili prema erotskoj skulpturi.

Alkoholna praksa Taoistički koncept feng-lua bio je veoma popularan među umjetnicima i pjesnicima iz 3. i 4. stoljeća. Mnogi od njih razumjeli su praćenje toka vrlo jednostavno: okupljali su se u sjenovitim vrtovima, pili vino uz muziku i vodili poetske ili filozofske razgovore (na primjer, "Sedam mudraca iz Bambusovog gaja").

Evolucija pojma Feng-liu utjecala je na Chan budizam svojom izjavom: „Šta je Chan? Jedite - kada želite da jedete, spavajte - kada želite da spavate, vršite nuždu - kada želite da obavite nuždu. Međutim, ovaj koncept je često kritiziran od strane konfucijanizma, pa se danas značenje izraza feng-liu dosta promijenilo. Sada se to podrazumijeva kao vjetrovitost, seksualni promiskuitet i pijanstvo.

Uživajte u trenutku. Riječ ukiyo, doslovno prevedena kao "lebdeći svijet", homofon je za budistički izraz "svijet tuge". Međutim, u periodu Edo, sa pojavom posebnih prostorija za kabuki teatar i kuće gejša, termin je ponovo promišljan i često se počeo shvaćati kao "svijet prolaznih zadovoljstava, svijet ljubavi".

Umjetnost antičkog istoka ostavlja potpuno drugačiji utisak od grčke ili rimske. U antičko doba čovjek je bio mjera svega. Kipovi bogova napravljeni su na njegovu sliku i priliku. Na istoku, obični smrtnik je bespogovorno slušao božanstvo i kralja, čija je moć bila oboženja. Čovek se ukočio pred masivnim, nepokretnim likom božanstva, spustio oči, osetivši težak, uperen pogled uperen u njega. Pa ipak, u okvirima robovlasničkih despotizma, kroz slojeve primitivnih religijskih ideja, prevazilazeći konvencionalnost kanona, probija se živa struja umjetnosti. I, gledajući danas spomenike daleke prošlosti, možemo suditi drevni čovek o prirodi i predmetima oko njega.

U dvadeset četiri dvorane Luvra, koje se nalaze oko Trga dvorišta, nalaze se dela (od 4. milenijuma do 4. veka pre nove ere) umetnosti Mesopotamije, odnosno Mesopotamije, Irana, Sirije, Libana, Asirije. U III milenijumu pne. e. u plodnim dolinama rijeka Tigris i Eufrat počele su se formirati prve robovlasničke države. Prvo su se podigli sumerski gradovi, a zatim su ih osvojili vladari Akada, koji su pokorili gotovo cijelu Mesopotamiju. Sumersko-akadska država je zauzvrat osvojila Babilon.

"Besmrtnici". Fragment popločanog friza iz palate u Suzi. 5. vek BC e.

Čim uđete u dvorane orijentalne umjetnosti, nailazite na dva poznata spomenika u čast vojnih pobjeda: stelu Koršunova (XXV vek pre nove ere) i stelu Naramsina (XXIII vek pre nove ere). Obje stele prikazuju vojsku koja pobjednički maršira pod vodstvom kralja. U obavezi da naglasi socijalnu distancu između kralja i podređenih, kipar čini obične ratnike mnogo nižima. Unatoč zajedništvu zapleta i nekih sličnih tehnika, stele govore o različitim fazama u razvoju umjetnosti. Ranija stela zmajeva djeluje grubo, nesposobno: ratnici ujedinjeni u jednu cjelinu glomaznim štitovima hodaju po neprijateljima raširenim po zemlji (zmajevi im odnose glave). Svi su ratnici slični: njihove glave okrenute u profil ponavljaju jedna drugu, stopala im koračaju na isti način po zemlji. Naramsin stela svjedoči o napretku skulpture. Pokreti kralja i ratnika uhvaćeni su pouzdano i suptilno. Figure se ne spajaju u jednu tešku masu, svaka djeluje zasebno, ističući se zapreminom iznad ravnine. Na nekim mjestima se mogu vidjeti elementi pejzaža - stijene i drveće.

U Mezopotamiji nije razvijen samo reljef, već i okrugla plastika. U drugoj i trećoj sali pažnju privlače deset statua kralja Gudee (XXII vek pne) i statua Ibi-ila (XXV vek pre nove ere). Obično je ova vrsta skulpture bila posvećena bogovima i stajala je u hramovima. Ovo objašnjava poze prikazanih - oni sjede sa rukama sklopljenih u molitvi na grudima. Donji dio tijela je nepomičan, statičan i čini jedan blok sa sjedištem (na njegovu glatku površinu često su nanošeni klinasti natpisi). Gornji dio je, naprotiv, labaviji, kroz tanku tkaninu se vide ruke i ramena. Iako se lica tumače na generaliziran način, prihvaćeni kanon se često krši. Dakle, u licu Gudee (njegova glava je prikazana zasebno), sa izbočenim jagodicama i teškom bradom, crte jak karakter. Ibi-il, državni ministar Mari, ostavlja drugačiji utisak. Deluje mekše, naivnije, poverljivije. Masivan nos viri naprijed, usne se smiješe, a ogromne oči, umetnute komadima škriljevca i lapis lazulija, gledaju prodorno i istovremeno otvoreno. Drevni kipari obično su se obraćali jakim izdržljivim materijalima: diorit, bazalt, rjeđe alabaster.

Izlaganje o Mesopotamiji nastavljaju spomenici Babilona. Oni su očigledno bili eklektične prirode, budući da su babilonski majstori posudili umjetničke forme i tehnike umjetnosti Sumera. U Luvru se nalazi jedan od najpoznatijih primera babilonske kulture - zakonodavna zbirka kralja Hamurabija (prva polovina 18. veka pre nove ere). Na bloku crnog bazalta visokom više od dva metra ugravirana su 282 zakona (podsjetimo da su pisali klinastim pismom u Mesopotamiji). Evo jednog od njih, vezanog za arhitekturu: "Ako arhitekta nekome sagradi kuću, a ova kuća je nestabilna i sruši se na svog vlasnika, ovaj arhitekta je dostojan smrti." U gornjem dijelu stele kralj Hamurabi, koji je osvojio gotovo cijelu Mezopotamiju, stoji pred Šamašem, bogom sunca i pravde. Od njega prima znakove moći: štap i magični krug. Glave Šamaša i Hamurabija su na istom nivou, ali bog sjedi, a kralj stoji. I tu je sačuvana neophodna hijerarhija: Bog je značajniji od kralja.

Od pete do dvanaeste sale orijentalnog dijela posvećene su Iranu. Njihova glavna atrakcija su spomenici umjetnosti iz grada Susa. Francuski arheolozi su 1884. započeli iskopavanja na tom području, koja do danas nisu završila. Smještena u blizini Mesopotamije, Susa je jedno vrijeme bila glavni grad ogromne Ahemenidske države (539-330. pne.). Ovdje su izgrađene grandiozne arhitektonske cjeline, bogato ukrašene skulpturama, obojenim pločicama i glaziranim reljefima. Kolekcija Louvrea nam omogućava da zamislimo izgled drevnih perzijskih palata. Dakle, u centru sedme dvorane nalazi se mermerni kapitel visine oko 6 metara, ali ovo je samo završetak stuba koji je dostigao visinu od 20 metara. Bilo je trideset i šest takvih kolona; bili su u sali za svečane ceremonije palate. Kapital čine dva bika, na koje se oslanja stropna greda. Uši i rogovi su im pozlaćeni, a glave ukrašene elegantnim remenom. Odlično poznavanje anatomije osjeća se u spuštenim njuškama, savijenim nogama životinja.

Ali još impresivniji od glavnog grada je veličanstveni friz Susa od obojenih glaziranih pločica (5. vek pre nove ere). Izložena je u sledećoj, osmoj prostoriji. Nekoliko vitrina s otiscima, male pločice ne odvlače pažnju s njega. Posjetilac se nalazi u likujućem carstvu boja - ispred njega, na pozadini zida obloženog sjajnim azurnim pločicama, hodaju ratnici kraljeve garde u žuto-narandžastoj odjeći prekrivenim bogatim ornamentima. Svaki ima koplje u rukama, a lukove i strijele iza ramena. Ovo su "besmrtnici". Tako su ih zvali stari Grci jer ih je uvijek bilo deset hiljada. Ratnici su iznenađujuće slični, tako da se oko ne zadržava ni na jednoj figuri. Isti ravni nosovi i kratke brade, isti pokret ruku koje se drže koplja, isti pokret nogu, kao da hodate u jednoj liniji. .. Figure iste visine i smještene na istoj udaljenosti jedna od druge. U ritmu, u kombinacijama boja vidljiva je ljubav prema dekoru. Iste osobine očituju se i u predmetima primijenjene umjetnosti: figurica krilatog kozoroga, na primjer, koja je nekada služila kao drška za vazu (oko 4. st. pne.), izrađena je od srebra i bogato intarzirana zlatom.

Prolazeći hodnicima Sirije i Libana, gdje je izložena keramika, sitna plastika, bronzani alat, posjetitelj se ponovo nalazi među spomenicima Mesopotamije, ovoga puta asirskog. U VIII-VII vijeku pne. e. Asirska umjetnost dostigla je svoj vrhunac. Arheolozi su 40-ih godina XIX vijeka otkrili u pijesku drevne zemlje ruševine grandioznih palata Nineveh, Khorsabad, Nimrud. Pred začuđenim pogledom naučnika se pojavio neverovatna dela. Veličanstveni krilati bikovi "šedu" susreli su sve koji su se približavali palatama. Ljudi su vjerovali da šedui pouzdano čuvaju "kraljevu kuću". Izdaleka je stranac ugledao masivnu glavu bradatog muškarca i dvije noge bika kako počivaju na zemlji. Kako se približavao, slika, dizajnirana za frontalni pogled, pretvorila se u profilnu. Shedu je napravio korak naprijed. Za to mu je vajar dodao još jednu, petu nogu. U trenutku kada su se dvije prednje noge spojile, dodatna noga je pomogla u prenošenju pokreta. U Luvru se nalaze tri šedua, visoka više od četiri metra, doneta iz palate Khorsabad (8. vek pre nove ere). Iz iste palate dostavljen je i bareljef posvećen junaku mesopotamskog epa Gilgamešu, svojevrsnom praocu grčkog Herakla. Jednom rukom drži lava i spreman je u svakom trenutku da ga baci na neprijatelja. Asirski vajari su znali i bili u stanju da prenesu anatomiju ljudskog i životinjskog tela. Savršeno su savladali tajne prikazivanja figure na ravni, bilo da je čine gotovo trodimenzionalnom, ili spajaju s površinom kamena. Tako je skulpturalni fragment iz palate Assurnazirpal u Nimrudu (9. vijek prije nove ere) koji se nalazi u Louvreu izveden u tehnici ravnog reljefa. Likovi kralja i njegovog štitonoše doslovno su naslikani na kamenu. Nije bez razloga da su asirski kipari stekli slavu kao nenadmašni majstori reljefa!

Specifičnost srednjovjekovne umjetnosti zemalja arapskog istoka, kao i cijelog Bliskog i Srednjeg istoka, vrlo je složena. Ona je odražavala živi sadržaj stvarnosti, ali, kao i cjelokupna kultura srednjeg vijeka, duboko prožeta religioznim i mističnim pogledom na svijet, činila je to u uslovnoj, često simboličnoj formi, razvivši svoj poseban figurativni jezik za umjetnička djela. . Inovacija srednjovjekovne arapske književnosti i istovremeno njena vitalnu osnovu karakteriše apel na duhovni svijetčovjeka, stvaranje moralnih ideala koji su imali univerzalni značaj. Likovna umjetnost arapskog istoka također je prožeta velikom figurativnom snagom. Međutim, kako je to iskoristila literatura konvencionalni oblik za otelotvorenje njihovih slika, au likovnoj umetnosti, životni sadržaj izražen je posebnim jezikom dekorativne umetnosti. Konvencionalnost "jezika" srednjovjekovne likovne umjetnosti kod većine naroda bila je povezana s principom dekorativnosti, karakterističnim ne samo za vanjske forme, već i za samu strukturu, figurativni sistem. umetničko delo. Bogatstvo dekorativne fantazije i njena majstorska implementacija u primenjenoj umetnosti, minijaturi i arhitekturi sastavni su i dragoceni kvalitet izuzetnih dela umetnika tog doba. U umjetnosti arapskog istoka dekorativnost je dobila posebno svijetle i originalne crte, postajući osnova figurativne strukture slikarstva i izrodila najbogatiju umjetnost uzorka, koja ima složen ornamentalni ritam i često pojačanu kolorističku zvučnost. U uskim okvirima srednjovjekovnog pogleda na svijet, umjetnici arapskog istoka pronašli su svoj način utjelovljenja bogatstva života oko sebe. Ritam šare, njegova "tepina", fina plastičnost ornamentalnih formi, jedinstvena harmonija jarkih i čistih boja, izražavali su svoj estetski sadržaj. Slika čovjeka nije bila isključena iz polja pažnje umjetnika, iako je privlačnost prema njemu bila ograničena, posebno u periodu jačanja vjerskih zabrana. Slike ljudi ispunjavaju ilustracije u rukopisima i često se nalaze u šarama na predmetima primijenjene umjetnosti; poznati su i spomenici monumentalnog slikarstva sa višefiguralnim scenama i skulpturalnim slikovitim reljefima. Međutim, i u takvim je djelima ljudska slika podređena općem dekorativnom rješenju. Čak i obdarujući figure ljudi mnogim životnim karakteristikama, umjetnici arapskog istoka tumačili su ih ravno, uslovno. U primijenjenoj umjetnosti, figure ljudi se najčešće uključuju u ornament, gube svoj značaj kao samostalna slika, postajući sastavni dio uzorka. Ornament - "muzika za oči" - igra vrlo važnu ulogu u srednjovjekovnoj umjetnosti naroda arapskog istoka. U određenoj mjeri nadoknađuje vizualna ograničenja nekih vrsta umjetnosti i jedno je od važnih sredstava izražavanja umjetničkih sadržaja. Arabeska, koja se zasniva na klasičnim antičkim motivima, postala je rasprostranjena u zemljama srednjovekovnog istoka , bila je nova vrsta ornamentalne kompozicije, koja je omogućila umjetniku da ispuni složeni, tkani, poput čipke, uzorak ravni bilo kojeg oblika. U početku su u arabeski prevladavali biljni motivi. Kasnije je postao široko rasprostranjen girih - linearno-geometrijski ornament izgrađen na složenoj kombinaciji poligona i zvijezda sa više zraka. U razvoju arabeske, koja je korišćena za ukrašavanje kako velikih arhitektonskih ravni, tako i raznih predmeta za domaćinstvo, majstori arapskog istoka postigli su neverovatnu virtuoznost, stvarajući bezbroj kompozicija koje uvek kombinuju dva principa: logički rigoroznu matematičku konstrukciju šare i velika produhovljujuća moć umjetničke imaginacije. Osobitosti arapske srednjovjekovne umjetnosti također uključuju široku upotrebu epigrafskog ornamenta - teksta natpisa, organski uključenog u ukrasni uzorak. Napominjemo da je religija svih umjetnosti posebno podsticala kaligrafiju: smatralo se ispravnim djelom za muslimana prepisivanje teksta iz Kurana. Osobena dekorativna i ornamentalna struktura umjetničkog stvaralaštva na različite je načine izražavana u pojedinim vrstama umjetnosti. Arhitektonske karakteristike zajedničke mnogim narodima Bliskog i Srednjeg istoka bile su povezane sa prirodnim i klimatskim uslovima zemalja i mogućnostima građevinske opreme. U arhitekturi stanova odavno se razvijaju metode planiranja kuća sa dvorištima i terasama zaštićenim od vrućine. Tehnika gradnje dovela je do posebnih konstrukcija od gline, cigle i kamena. Arhitekti tog vremena stvarali su različite oblike lukova, potkovastih i posebno lancetastih, osmislili vlastite sisteme zasvođenih stropova. Izuzetnu vještinu i umjetničku ekspresivnost postigli su u postavljanju velikih kupola poduprtih trompama (konstruktivni sistem koji je nastao još u predfeudalno doba). Srednjovjekovni arhitekti arapskog istoka stvorili su nove tipove monumentalnih vjerskih i svjetovnih građevina: džamije koje su primale hiljade vjernika; minareti - kule sa kojih su vjernici pozivani na molitvu; medrese - zgrade muslimanskih duhovnih škola; karavan-saraji i natkrivene pijace, koje odgovaraju obimu trgovačkih aktivnosti gradova; vladarske palate, utvrđene citadele, zidine tvrđave sa kapijama i kulama. Arapski arhitekti, autori mnogih remek-djela srednjovjekovne umjetnosti, posvetili su veliku pažnju dekorativnim mogućnostima arhitekture. Stoga je jedna od karakterističnih osobina sinteze umjetnosti u monumentalnoj arhitekturi važna uloga dekorativnih formi i poseban značaj ornamenta, koji jednobojnom čipkom ili šarenim tepihom prekriva zidove i svodove zgrada. Stalaktiti (mukarni) bili su naširoko korišteni u arhitekturi arapskog istoka - ukrasno punjenje svodova, niša i vijenaca u obliku prizmatičnih figura s izrezom nalik na niti, raspoređenih u redove koji strše jedan iznad drugog. Stalaktiti su nastali iz konstruktivne tehnike - posebnog polaganja cigle kako bi se stvorio prijelaz od kvadrata zidova do kruga kupole u uglovima prostorija. Izuzetno važnu ulogu u umjetničkoj kulturi zemalja arapskog istoka imala je primijenjena umjetnost. Ekonomska osnova za to je bio intenzivan razvoj zanatstva. U umjetničkim zanatima, lokalne drevne tradicije umjetnosti, usko povezane sa narodni život. Arape - majstore primijenjenih umjetnosti - karakterizirao je visok estetski "smisao stvari", koji je omogućio, bez narušavanja praktičnih funkcija predmeta, da mu daju nice shape i vješto postaviti uzorak na njegovu površinu. U dekorativnoj primijenjenoj umjetnosti arapskog istoka posebno se jasno očitovao značaj kulture ornamenta, otkrile su se njene ogromne umjetničke mogućnosti. Ornament unosi estetski sadržaj u savršenu izvedbu orijentalnih tkanina, tepiha, bojene keramike, bronzanih i staklenih proizvoda. Djela primijenjene umjetnosti arapskog istoka imaju još jednu važnu kvalitetu: obično čine vrlo integralnu i izražajnu dekorativnu cjelinu s arhitektonskim interijerom. Glavna vrsta slikarstva koja se razvila na Bliskom i Srednjem istoku u srednjem vijeku bila je ilustracija sekularnih rukopisa. Arapski majstori su uveliko koristili ovu priliku, stvarajući, uz bogatu ornamentalnu dekoraciju rukopisa, odlične serije šarenih minijatura, dajući poetsku i figurativnu priču o sudbini junaka književnog djela. U 16. stoljeću većinu zemalja arapskog istoka zauzela je Osmanska Turska, čiju je dominaciju kasnije zamijenilo ugnjetavanje zapadnoevropskih kolonijalista, koji su kočili razvoj nacionalne kulture i umjetnosti. Međutim, čak i u vrijeme propadanja, kada su strani osvajači zasadili oblike u arhitekturi i likovnoj umjetnosti koji su bili strani narodima arapskog istoka, istinski nacionalno umjetničko stvaralaštvo nije umrlo. Živjela je u djelima arapskih seljaka i zanatlija, koji su, unatoč siromaštvu i teškim životnim uvjetima, nastojali da svoje ideje ljepote oliče u šarama na odjeći i narodnom posuđu. Razmotrimo detaljnije kulturu arapskih zemalja na primjeru umjetnosti srednjovjekovnog Egipta. Umetnost srednjovekovnog Egipta Istorija srednjovekovne egipatske umetnosti počinje sa koptskim periodom. Umetnost Kopta - Egipćana koji ispovedaju hrišćanstvo - razvila se u 4. - 7. veku nove ere. e., tokom perioda kada je Egipat bio dio Vizantijskog carstva. Od tog vremena sačuvane su bazilike u Bijelom i Crvenom manastiru na rubu Libijske pustinje i brojne kupolaste grobnice. Razvoj arhitekture povezan je s procvatom skulpturalnih uzoraka i zidnih slika, izvedenih na vjerske teme. Djela primijenjene umjetnosti odlikovala su se velikom originalnošću: rezbarenje na kosti i drvetu, a posebno na tkaninama. U umjetnosti Kopta, želja zajednička svim područjima Vizantije našla je izraz u želji da se kasnoantičke umjetničke tradicije podrede zahtjevima nove srednjovjekovne religijske ideologije. S druge strane, pokazalo se da su to jake i čisto lokalne karakteristike, ukorijenjene u staroegipatskoj kulturi. Borba ovih tendencija odredila je originalnost koptske umjetnosti, koja je razvila svoj specifični umjetnički jezik i utrla put visokom usponu i procvatu egipatske umjetnosti u zrelom srednjem vijeku. Sredinom 7. stoljeća Egipat je postao dio Arapskog kalifata, ali je već u 9. stoljeću zapravo bio nezavisna feudalna država. Od sredine 10. stoljeća, postavši središte moćne države Fatimida, Egipat je počeo igrati posebno veliku ulogu u srednjovjekovne istorije Srednji istok. U XI - XII veku vodio je opsežnu trgovinu sa Vizantijom i zapadna evropa; tranzitna trgovina Mediterana sa zemljama Indijskog okeana takođe je bila u rukama Egipćana. Kasnije, u 13. veku, nakon razaranja Bagdada od strane Mongola, glavni grad Egipat, Kairo, preuzeo je ulogu svemuslimanske prijestolnice. Međutim, još važnija je bila činjenica da je Kairo postao centar kulture, jedan od najveći centri razvoj nauke i umjetnosti u arapskom svijetu. Uporedo sa egzaktnim naukama, u Kairu je cvetao studij istorije; u XIV vijeku, Ibn Khaldun, koji se naziva prvim svjetskim sociologom, preselio se iz Tunisa u Egipat; Ahmed Makrizi, istaknuti istoričar srednjeg vijeka, također je pisao svoja djela u Kairu. Srednjovekovni Egipat dao je svetu odlično književna djela: ciklus arapskih viteških romana i završno izdanje narodnih priča "Hiljadu i jedna noć". Arhitektura Najbolji spomenici srednjovjekovne egipatske arhitekture sačuvani su u Kairu. Grad je živio veliku istoriju. Godine 641. arapski zapovjednik Amir ibn al-As osnovao je Fustat, čije se ruševine nalaze na južnoj periferiji modernog Kaira. Prema legendi, na mjestu Fustata podignuta je prva džamija. Mala zgrada je već 673. proširena povećanjem kolonade i dvorišta. Uprkos kasnijim preinakama i popravkama, Amra džamija se zasluženo smatra jednom od najstarijih arapskih džamija sa stubovima koje su zadržale veličinu i jednostavnost svojstvenu ranoj arapskoj monumentalnoj arhitekturi. U velikoj sali džamije nalazi se više od stotinu mermernih stubova na vrhu uklesanih korintskih kapitela koji podržavaju visoke polukružne lukove. Prekrasna perspektiva stubova i lukova koji idu u daljinu čini da osjetite veličinu prostora dvorane. Veličina rane arapske arhitekture izuzetno je živopisno oličena u arhitekturi velike džamije Ibn Tuluna, koja je savršeno sačuvala svoj prvobitni izgled, izgrađene 876-879. godine u rezidenciji ovog prvog vladara srednjovjekovnog Egipta, nezavisnog od Bagdadskog kalifata. . Ogromno četvrtasto dvorište površine skoro hektar (92x92 m) okruženo je lancetastom arkadom, koja za razliku od Amra džamije nema okrugle stupove kao oslonce, već pravougaone stubove-pilone sa tročetvrtinskim stupovima. na uglovima. Široki prolazi između stubova spajaju salu ispred mihraba i obilaznice sa druge tri strane avlije u jedinstvenu prostornu cjelinu. Džamija lako primi hiljade muslimana koji se mole. Stroga tektonika arhitekture džamije izražena je u ritmu stubova i lukova, koji pokrivaju dvorište po obodu, čemu su podređeni i dekorativni motivi. Arhivolte velikih i malih lukova, kapiteli stupova i vijenci ukrašeni su stiliziranim floralnim uzorkom isklesanim kucanjem. Sofiti velikih lukova imaju složenije ornamentalne kompozicije. Dekorativni detalji, koji uljepšavaju i skladno ističu glavne ravni i linije objekta, svojim rasporedom naglašavaju tektoniku cjeline. Dakle, uzorak i arhitektonski elementi, koje čine izgled građevine, prožete su jednim ornamentalnim ritmom. Zanimljivo je da se lancetasti profil velikog i malog luka džamije kao da se ponavlja u šiljastim zavojima stabljike, što čini osnovu kontinuiranog ornamenta koji se proteže duž obrisa svodova i duž pilona. Ibn Tulupova džamija izvana ima karakteristike stroge tvrđavske arhitekture, karakteristične za ranosrednjovjekovne monumentalne strukture Bliskog istoka. Tradicija tvrđavske arhitekture, a možda i stvarna potreba u slučaju napada na grad da se džamija pretvori u uporište odbrane, uslovili su osebujnu tehniku ​​okruživanja kultnog objekta vanjskim zidom, čime je stvorena slobodna, neizgrađena široka obilaznica oko džamije. Ipak, monumentalno prostranstvo vanjskih zidova džamije Ibn Tuluna nije lišeno dekorativne obrade: gornji dio zidova raskomadan je svojevrsnim frizom lancetastih prozora i lukova, kontrastno istaknutih chiaroscurom; osim toga, ažurni parapet na vrhu zidova. Slična dekoracija sa prozorima i lukovima izvedena je u 9. stoljeću na fasadama Amra džamije. Tako se, kao iu Samari, u ranim kairskim građevinama može vidjeti umjetnička obrada najstarijih tehnika monumentalne tvrđavske arhitekture. U arhitektonskom izgledu džamije važnu ulogu ima munara, koja se uzdiže uz objekat, između dvostrukih zidova. Istraživači vjeruju da je prvobitno izgledala kao stepenasta okrugla kula, izvan koje je bilo spiralno stepenište. Svojim položajem i oblikom minaret jako podsjeća na Malviju velike džamije u Samari. Kao i ranije, prema gore usmjereno tijelo minareta suprotstavljalo se horizontalno razvučenoj arkadi dvorišta. O tome da, uz lokalne umjetničke tradicije igrao tokom izgradnje džamije poznata uloga i mezopotamske građevinske tehnike, svjedoči i upotreba cigle, što nije karakteristično za arhitekturu Egipta. Godine 1926. u središtu dvorišta džamije podignut je kupolasti paviljon nad bazenom za abdest, a, po svemu sudeći, u isto vrijeme, donji dio munare je zatvoren u kubičnu kulu. Sredinom 9. stoljeća, najraniji spomenik koji je došao do našeg vremena pripada civilne arhitekture srednjovjekovni Egipat - Nilometar, sagrađen na ostrvu Roda kod Fustata. Konstrukcija je dubok bunar sa visokim stubom u sredini, koji je mjerio nivo vode u Nilu. Zidovi bunara su obloženi kamenom, ukrašeni ukrasnim nišama i frizovima sa kufističkim natpisima.

Takozvani antički, ili klasični, istok (Egipat i susjedne zemlje) je teritorija na kojoj je umjetnost drevnih civilizacija prošla dug i povijesno završen put razvoja.

Umjetnost naroda Istoka u modernom smislu je umjetnost brojne nacije i azijske zemlje.

Umjetnost Indije i zemalja Dalekog istoka (Kina, Koreja, Japan), kao i jugoistoka i Centralna Azija uz svu originalnost njegovih pojedinačnih manifestacija, ujedinjuje ga sličnost načina istorijski razvoj, zajednička filozofska temeljna osnova, čija je najvažnija strana bio budizam. Upravo je sa budizmom povezana pojava nove umjetnosti u većini zemalja istočne i centralne Azije na prijelazu antike u srednji vijek. U kasnijim fazama srednjeg vijeka u mnogim zemljama, drevna lokalna vjerovanja prevladala su nad budizmom, ali umjetnost koja je bila povezana s njima ostala je fundamentalno zajednička svim zemljama ove regije u svojim glavnim pravcima. Odlikovala ga je širina obuhvata fenomena stvarnosti, svijest o dubokoj povezanosti čovjeka i prirode i veliki emocionalni intenzitet. Indijska skulptura, kinesko pejzažno slikarstvo, japanski manastiri i bašte samo su neki od poznatih primjeri umjetnosti Indije i zemalja Dalekog istoka.

Umjetnost Bliskog i Srednjeg istoka razvijala se u arapskim zemljama, Iranu, Turskoj i drugim državama, gdje je islam bio dominantno religijsko i filozofsko učenje u srednjem vijeku. Zabrana koju je islam nametnuo slikama živih bića nije se uvijek poštivala doslovno, ali je u velikoj mjeri odredila originalnost umjetnosti Bliskog i Srednjeg istoka, gdje su se, uz arhitekturu, pretežno razvijale knjižne minijature i umjetnost i zanati. Procvat umjetnosti knjige, koji se očitovao ne samo u visoka kvaliteta ilustracije, ali i u kaligrafskom savršenstvu samog izvođenja teksta, odrazilo se veliko poštovanje i značaj koji se knjizi pridavao kao izvoru učenja i mudrosti. Materijalnu kulturu Bliskog i Srednjeg istoka odlikuje raznovrsnost i sofisticiranost dekorativnih motiva, sofisticiranost tkanina, tepiha i predmeta od plemenitih metala.

Proučavanje umjetnosti Istoka povezano je sa znatnim poteškoćama. Uprkos komparativnom proučavanju spomenika klasičnog Istoka, mnoge stranice istorije umetnosti u drugim krajevima ostaju nepročitane do sada.

I to nije slučajnost. Uostalom, orijentalnu umjetnost u Europi počeli su proučavati mnogo kasnije od evropske. Što se tiče istočnjačkih škola istorije umetnosti, većina njih se pojavila tek nedavno. Razumijevanje kulture Istoka također je teško zbog jezičkih barijera, specifične karakteristike nacionalna psihologija svakog od istočnih naroda, neobični oblici i metode njihove umjetnosti. Ali umjetnost Istoka sastavni je dio svjetske kulture, podjednako pripada svim zemljama i narodima, svim ljudima. Njegovo blago svakako vrijedi savladati sve prepreke na putu njihovog istraživanja.

Umetnost Indije. Umjetnost Indije od davnina je bila hranjena snažnom fantazijom, veličinom skale ideja o Univerzumu. Sredstva umjetničkog izražavanja upečatljiva su svojom raznolikošću i šarenilom, koja podsjeća na cvjetajuću prirodu zemlje. Ideja o jedinstvu života u svim njegovim manifestacijama prožima filozofska učenja, estetiku i umjetnost. Stoga je uloga sinteze u indijskoj umjetnosti tako velika - arhitektura i skulptura, arhitektura i slikarstvo, poezija, slikarstvo i muzika. Čuvene pozorišne plesne predstave na teme drevnih epova Ramayana i Mahabharata postale su izvorište formiranja klasičnih držanja i gesta, uhvaćenih u likovnoj umjetnosti. Likovi plesača i plesača nalaze se u najstarijoj praistorijskoj kulturi doline Ganga (3. milenijum - sredina 2. milenijuma pre nove ere). Jedna od ovih figurica, napravljena od kamena, otkrivena je tokom iskopavanja drevnog grada Harappa na sjeverozapadu Indije. Kompleksni plesni obrt, ekspresija i smelost u prenošenju pokreta anticipiraju mnoge buduće karakteristike indijske umetnosti.

Sljedeća faza indijske povijesti (sredina 2. milenijuma - sredina 1. milenijuma prije Krista) povezana je uglavnom s procvatom filozofije bramanizma i književnosti na sanskrtu. Umjetnost ovog perioda donijela nam je podatke o liku materijalne kulture EPOCHI, o uzavrelom životu gradova. U jednom od poetskih opisa glavnog grada Ajodhje čitamo: "Grad je bio poput rudnika dragulja, ... njegovi zidovi, kao kvadrati šahovske table, bili su prošarani raznim poludragim kamenjem."

U IV-II vijeku. BC e. formira se prvo carstvo Sjeverne Indije. U III veku. BC e. jedan od vladara carstva (Ašoka Maurja), da bi ujedinio narode Indije, koristio je budizam, veru koja je postojala u Indiji od 6. veka. BC e. Prema budističkoj tradiciji, osnivač ovog učenja bio je legendarni princ Siddhartha Gautama, koji je, kao rezultat dugih traganja i razmišljanja, navodno shvatio istinu i počeo se nazivati ​​Budom - "prosvijetljenim". Pod Ašokom su izgrađeni prvi kameni budistički spomenici-stupovi (stambhe), sferne strukture, simboli budizma (stupe), pećinski hramovi. Počevši od 1. st. n. e. Buda je prepoznat kao božanstvo i počeo se prikazivati ​​kao osoba, a ne kao simbol, kao što je to bilo prije tog vremena. U tom periodu (I vek pne - III vek nove ere) Indija je osetila primetan uticaj kasne helenističke umetnosti. Humanističke karakteristike helenističke skulpture date su liku Bude: mekoća i krotkost izgleda, milosrđe u izrazu lica. Istovremeno, slika Bude imala je kanonske razlike od slike običnog smrtnika. Među njima su urna (točka između obrva), ushnisha (izraslina na glavi prekrivena kosom), duge ušne resice itd. Širio se i kult bodhisattvi - "nebeskih spasitelja".

U IV-V vijeku. Budizam se postepeno stapa sa starim lokalnim religijama. Buda je prepoznat kao inkarnacija hinduističkog božanstva Višnua. U to su vrijeme u umjetnosti, posebno u slikarstvu, pored vjerskih bili široko rasprostranjeni svjetovni motivi i raspoloženja. Oni prožimaju čak i umjetnost hramskih pećinskih kompleksa, kombinirajući arhitekturu, skulpturu i slikarstvo. Kompleks budističkih manastira i hramova Ajanta, koji je obuhvatao tridesetak pećina uklesanih u stenovitu obalu reke, posebno je poznat po svojim slikama. Unutrašnje pećine su bogato oslikane na suvom malteru sa širokim spektrom budističkih prizora. Slika Ajante široko i živopisno odražava život Indije tog perioda. Uz vjerske slike, ovdje je bogato predstavljena priroda zemlje i ljudi koji je naseljavaju - od kraljeva do predstavnika najnižih slojeva. U slikama ljudskog tijela umjetnici su postigli veliko savršenstvo u crtežu, utjelovivši u njima najstarije estetske ideje o linearnom ritmu, o fizičkoj i duhovnoj ljepoti osobe. Ajanta murali su izuzetan umjetnički spomenik prošlosti.

Od 7. do 13. vijeka Indija je doživjela eru feudalne fragmentacije, česte promjene vlasti. U ideologiji tog vremena prevladao je hinduizam - vjerovanje koje seže do panteističkih kultova sila prirode. Posebno su popularne tokom ovog perioda bile masovne pozorišne svečanosti sa plesovima pod maskama, muzikom i ritualnim predstavama. Vjerovatno se jedna od ovih svečanosti tradicionalno održavala u Mahabalipuramu, u blizini grada Madrasa. Održalo se ispred kolosalnog reljefa "Silazak Ganga", veličine oko 9x27 m, posvećenog legendi o blagotvornoj moći Ganga. Ova rijeka je navodno tekla u nebeskim sferama, ali su ljudi molili bogove da je spuste na zemlju. Ovaj radosni trenutak prikazan je na reljefu, u čijem se središtu nalazi rascjep, natopljen vodom za vrijeme praznika. Simbolizira korito Ganga, u kojem plutaju zmijolika božanstva voda - nage. Sve reljefne figure - ljudi, nebesa i životinje - usmjerene su prema centru. Slike životinja su veličanstvene: slonovi sa mladunčadima slonova, lavovi, antilope, ptice, žustri majmuni. Općenito, reljef se doživljava kao moćna himna životvornoj moći vode.

Bajkoviti početak narodne fantazije doveo je do posebnih oblika percepcije mitološke priče i njihova interpretacija u skulpturi. Impresionira svojom dinamikom, kontrastima svjetla i sjene i zadivljujućim razmjerom. U pećinskim hramovima ostrva Elephanta, skulpture kao da ožive uz svetlost baklji: slike visokog reljefa okružuju posmatrača sa svih strana. U centralnoj dvorani pećinskog hrama Šive nalazi se ogromna, šest metara visoka bista trolikog boga. Ova slika je posebno moćna zbog kamenih traka koje dijagonalno prelaze lica. Čini se da kameni puls kolosa kuca u ovim venama. Oko njega - pobuna plastičnih oblika, svjetla i sjene i velikih kontrasta. Obilje i velikodušnost oblika, dubina ideja odlikuju umjetnost ovog vremena, koja, odražavajući svo bogatstvo narodnih mitoloških ideja, privlači svojom svestranošću i šarenilom.

U IX - krajem XII vijeka. završava tradicija kamene i pećinske arhitekture. Glavni element dekorativne dekoracije kopna arhitektonske strukture postao skulptura. Novi tipovi hramova - visoka kula shikhara, dvorana za ritualne plesove - mandapa podijeljeni su u slojeve, bogato ukrašeni skulpturama.

U XIII veku. na raštrkane indijske kneževine izvršili su invaziju muslimani, koji su sa sobom donijeli novu religiju - islam. Nestali su nekadašnji oblici slikarstva, skulpture i arhitekture, nastali su novi oblici građevina - džamija, minaret, mauzolej. U kojoj su mjeri ove vrste građevina asimilirali indijski arhitekti može se suditi po čuvenoj grobnici Taj Mahal (dovršena 1652. godine), koja se zasluženo naziva biserom indijske arhitekture.

Ovaj period karakterizira i procvat tradicionalne indijske umjetnosti minijature. Osnivanjem sudskih radionica knjiga minijatura, u kojem su iranski majstori podijelili svoja iskustva s indijskim, minijature palminog lista zamijenjene su razrađenim, kitnjastim ilustracijama na papiru. Drevna minijatura Južne i Zapadne Indije postala je preteča Pahari i Rajasthan škola, koje su najbliže drevnim nacionalnim tradicijama. Ove škole karakteriziraju generalizirana forma, zasićenost boja i sklonost jednostavnim jarkim bojama, poetskom simbolikom i metaforom. U relativno statičnim kompozicijama dominiraju ljubavno-lirski motivi.

Takozvana mogulska škola minijature razvila se na dvoru moćnih vladara Indije iz dinastije Mughal. Ova škola je zasnovana na iranskim uzorcima, obogaćenim lokalnom tradicijom. Prepoznatljiva karakteristika Mughal škola - bogata paleta boja, složene harmonijske kompozicije povezane sa zapletima dvorskog života - gozbama, lovovima, vojnim pohodima. Jedan od spomenika mogulske škole - "Baburname" (XVI vek), biografija sultana Babura, čuva se u Državnom muzeju orijentalne umetnosti u Moskvi.

Do 18. vijeka približile su se različite škole minijature stvarajući osnovu za prelazak u umjetnost Novog doba - s novim problemima, novim temama, modernim oblicima umjetničkog izražavanja.

Za moderno indijsko slikarstvo tipična je prevlast nacionalnih tema, prizora modernog narodnog života ili antičke mitologije. Samo nekoliko umjetnika se okrenulo uljnom slikarstvu, većina njih se drži tradicionalnijeg i bliskog klasičnom minijaturnom slikanju temperama na kartonu ili papiru. U slikarstvu majstora kao što su Haren Das, Vanalila Šah (prva polovina 20. veka) veliki značaj pridaje se konturi i liniji, ravnoj interpretaciji kolornih mrlja, koja ova dela približava tradicionalnoj umetnosti minijature. .

Veliko mjesto u modernoj indijskoj umjetnosti pripada majstorima primijenjene umjetnosti, koji oživljavaju drevne zanate svoje drevne zemlje.

Nakon Drugog svjetskog rata zapadnoevropski modernizam prodro je u indijsku umjetnost. Borba različitih škola i pravaca karakteristična je za likovnu umjetnost moderne Indije.

Umetnost Japana. Drevnu japansku umjetnost predstavlja original arheološke kulture Jomon (VIII milenijum - V vek pne) i Jajoi (V vek pre nove ere - IV vek nove ere). Glinene posude fantastičnih oblika, figure ljudi i životinja odražavaju ideje starih Japanaca o strukturi svijeta. Keramičke posude prekrivene gajtanom i reljefnim ornamentima podijeljene su na gornji dio, simbolizirajući nebeske sfere, i donji dio, koji označava vodu i zemlju. Četiri izdanka koji se uzdižu na vratu simboliziraju kardinalne smjerove. Ornamentalno bogatstvo i bizarni oblici posuda svjedoče o njihovoj ritualnoj ulozi. Glatkije i pravilnije posude sa geometrijskim i floralnim ornamentima rađene na grnčarskom kolu izgubile su nekadašnji kultni značaj i direktno se upotrebljavale u svakodnevnom životu.

Razvoj plemenskih zajednica ogledao se u stvaranju grobnih kompleksa - kofuna, nasipnih ostrva-gomila, koji se u planu sastoje od spojenog kruga i kvadrata, pošumljenog jarkom. Svuda okolo i iznad

ove humke su bile ukrašene glinenim figuricama „čuvara humki“ - haniva (visoka stotinu do 1,5 m), sa prikazom ratnika u oklopu, sveštenika, muzičara, razni ljudi i životinje. U gustim šumama, najstarija drvena svetišta Japana, Ise i Izumo, skrivala su se od znatiželjnih očiju.

U VI veku. n. e. Japan je prihvatio budizam kao svoju državnu religiju. Ideja singla javni red, carska moć, izražavala se u novim tipovima građevina - palatama, manastirima, pagodama, hramovima. Posuđene iz susjednih zemalja - Kine i Koreje, vrste arhitektonskih objekata dobile su osebujnu interpretaciju. To se ogleda u odstupanju od potpune simetrije u pogledu manastira, u načinu na koji gledalac percipira glavnu oltarsku kompoziciju, itd. . Slika je slabo očuvana, ali skulptura (vajar Tori Busshi), kao i prekrasna pozlaćena drvena figurica Miroku-bosatsu iz manastira Chuguji, oličavaju karakteristične crte japanske umjetnosti 6.-7. stoljeća: eleganciju arhitekture, bogatstvo skulpturalne dekoracije.

Umjetnost postaje drugačija u VIII-IX vijeku, kada je iscrpljen patos novine pozajmica. Ostale ideje - veličina, tvrdnja državne moći (u to vrijeme Japan je postao carstvo) posredno se odražavaju u spomenicima kulture. U to vrijeme gradila se poznata dvorana Daibutsuden u Nari (osnovana oko 752. godine), namijenjena za postavljanje kolosalne bronzane statue Bude (u izvornom obliku nije sačuvana). U samim oblicima skulpture ovog perioda izražena je ideja zrelosti, punoće, smirene jasnoće i spokoja. klasični spomenik ovog doba je rešetka fenjera u manastiru Todaiji u Nari (VIII vek) koja prikazuje mitskog nebeskog muzičara - flautiste.

Period od kraja VIII do kraja XII veka. nazvana Heian era (po imenu nove prestonice). To je bio vrhunac istančanog dvorskog života, koji je doprinio razvoju i interakciji umjetnosti i zanata, poezije i muzike. Nova prestonica Heiana (danas Kjoto) je u izgradnji sa carskom palatom Daidairi (početak 9. veka, obnovljena krajem 18. veka), čija je dekoracija odražavala umetničke ukuse tog doba. Unutrašnji prostor palate je objedinjen, samo su zlatotkane zavese, oslikani paravani i šarene prostirke služile za privremeno odvajanje delova enterijera.

Poznati majstori čaja (Sen no Rikyu i drugi) stvorili su na prvi pogled nepretencioznu, ali vrlo suptilnu atmosferu čajne ceremonije, u kojoj su naglašeni ideali seoskog života. Poznati majstori pravili su veličanstvene činije za čajne ceremonije. Umetnici čuvene škole Sotatsu-Korina dizajnirali su ne samo paravane, već i lepeze, kovčege, kimona, stvarajući kompletan predmetno okruženje ljudsko stanište. Njihove radove karakteriše bogatstvo boja, sjaj zlata i istovremeno sofisticiranost.

U 17. veku sa procvatom trgovine, rastom gradova, razvila se demokratska kultura trećeg staleža – zanatlija i trgovaca. Najbogatiji od njih mogli su sebi priuštiti da ukrase svoje živote proizvodima škole Sotatsu-Korin, a svi su bez izuzetka voljeli popularne knjige i gravure "ukiyo-e" - "umjetnost prolaznog života". Ove publikacije su bile velike tiraže, pristupačne, zaista masovne. Ali među njima ima klasičnih djela koja su proslavila japansku umjetnost. Upravo je gravura prvi put uvela Evropljane u drugu polovinu 19. stoljeća. dalekoistočna umjetnost. Njena ekspresivnost ostavila je veliki utisak na slikare impresioniste i njihove sledbenike.

Od tada Evropljani poznaju i vole Japansko graviranje kao živopisan izraz japanskih nacionalnih ideja o lepoti. Postala je poznata zahvaljujući radu umjetnika kao što su Torii Kiyonobu i Okumura Masanobu, koji su, radeći 1680-ih i 1760-ih, koristili jednobojnu ili dvo- ili trobojnu štampu i toniranje slobodnom rukom. Savladavši tehniku ​​višebojnih drvoreza, Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro i Chosyusai Syaraku krajem 18. - početkom 19. stoljeća. stvorio galeriju slika lijepih žena i poznati glumci Japanski nacionalnog teatra. Ljepotice Utamaro postale su simbol japanskog ideala ljepote. U 20-30-im godinama. 19. vijek u djelima poznatih umjetnika kao što su Katsushika Hokusai i Ando Hiroshige, pejzaž postaje glavni motiv. Hokusai je u svojim gravurama otkrio epsku široku, veličanstvenu sliku svoje rodne zemlje, simbolično oličenu u svetoj planini Fuji. Hiroshige je uspio prenijeti skromni šarm uglova japanske provincije.

Klasična gravura bila je posljednja manifestacija tradicionalne japanske kulture, u čijoj su dubini već sazrijevale promjene koje su dovele do formiranja kulture modernog kapitalističkog Japana.

U toku razvoja Japana na putu kapitalizma primetno se menjao i tok umetničkih procesa u njemu. Uticaj Evrope i Amerike, od kojih je feudalna vlast "brižno" štitila svoje građane, sada počinje jasno da utiče na sva područja života. U slikarstvu su se razgraničili tradicionalna nacionalna („nanga“) i evropeizirana („yofuga“) struja. U savremenim uslovima, oni su se gotovo spojili, pokazujući formiranje u Japanu kosmopolitske kulture kapitalističkog sveta. Bezobzirnom oponašanju zapadnih modela suprotstavljaju se (uz posuđivanje svega što je od njih istinski progresivno) djela kulturnih figura kao što su arhitekti Tange Kenzo, Maekawa Kunio, grafičari Ono Tadashige, Ueno Makoto, slikari Kawabata Ryushi, Higashiyama Kayi i mnogi drugi .

Umetnost Kine. Kina je jedna od najvećih zemalja u Aziji, njena civilizacija postoji od 4. milenijuma pre nove ere. e. i spada u najrazvijenije u doba antike i srednjeg vijeka. Tokom nekoliko milenijuma postojanja, kineska kultura je proizvela divna umjetnička djela i mnoge korisne izume. Klasična kineska književnost, filozofija i umjetnost dostigli su izuzetne visine.

Prvi spomenici drevne kineske kulture otkriveni su tokom iskopavanja 1920-ih. našeg veka. Oni daju ideju o kulturi Yangshaoa (sred III milenijum BC e. - sredina II milenijuma pre nove ere. e.), koji je zamijenjen spomenicima Shang (Yin) ere (oko XVI-XI vijeka prije nove ere). Bila je to mitološka faza u razvoju filozofske misli. Glavne ideje bile su o nebu koje daje život i o zemaljskom početku, kao i o kultu predaka, duhovima neba i zemlje, koji su zamršeno kombinirali crte životinja, ptica i ljudi. Prinosile su im se žrtve od vina i mesa, za koje su od bronce lijevane posebne ritualne posude visine do 1 m. Izrađene u tehnici livenja po modelu od voska, najčešće su imale četiri uzdužna šava formirana po vertikali posude. . Ali ovi su šavovi dobili i veliko simboličko značenje: podijelili su posudu i sav prostor oko nje na četiri strane (kardinalne tačke). Dekor posude ponekad je imao horizontalnu podjelu na tri pojasa. Donji, ispunjen stilizovanim talasima i slikama riba, simbolizovao je element vode, srednji - svet zemlje, a gornji - nebo i planine, označen trouglovima. Tako je svaka takva posuda služila kao koncentrirani izraz ideja starih Kineza o strukturi prirode. Na posudama tipa Shang (Yin) pronađeni su i originalni oblici hijeroglifskog pisanja.

U XII-III vijeku. BC e. završava se mitološka faza razvoja ideja o prirodi. Razvijaju se učenja taoizma i konfučijanizma, koja su na nov način otkrila temu svijeta i čovjeka u njemu. Sama mitološka božanstva počela su se doživljavati uvjetnije, ali slika osobe postaje konkretnija. U posudama 5.-3.st. BC e. postoje čitave scene rada, lova, žetve.

U IV veku. BC e. započela je izgradnja Kineskog zida čija ukupna dužina prelazi 5 hiljada km. Položen je duž najviših i neosvojivih planinskih lanaca, kao češalj koji je urastao u njihovo kameno meso.

Han doba (3. vek pne - 3. vek nove ere) je poznato po grobnim kompleksima, do kojih su vodili "putevi duhova", uokvireni statuama mitoloških životinja. Podzemne grobnice, ukrašene reljefima i slikama, također su bile obilježene prizemnim konstrukcijama, koje su iznutra bile ukrašene ravnim reljefima.

Početkom srednjeg vijeka Kina je već imala stoljetnu prošlost. U tom periodu budizam je počeo da prodire iz Indije u Kinu, koja je ljude tog vremena privlačila svojom privlačnošću unutrašnjem duhovnom svijetu čovjeka, mišlju o unutrašnjem odnosu svih živih bića.

U Kini se grade prve pagode i kameni manastiri, koji se sastoje od stotina velikih i malih pećina u debljini stijene. Posetilac se kretao po klimavim podovima i gledao u pećine, odakle su ga gledale statue Bude. Neki divovi, koji dosežu visinu od 15-17 metara, sada se mogu vidjeti zbog urušavanja prednjih zidova pećina. Murali tadašnjih hramova zadivljuju inspiracijom majstora u prikazivanju budističkih scena. U eri Tanga (7.-10. stoljeće) na slikama se pojavljuju pejzažni motivi. Priroda postaje ne samo pozadina, već i predmet obožavanja.

Takav odnos prema pejzažu sačuvan je u eri Song (X-XIII vijek), kada je ovaj žanr slikarstva postao najviši izraz duhovne potrage kineskih umjetnika. Prema vjerovanjima tog vremena, svijet - čovjek i priroda - jedno su po svojim zakonima. Njegova suština je u interakciji dva principa - "yin" (voda) i "yang" (planine). Kineski pejzaž, nazvan "shanshui" ("planine - vode"), izražava ovu interakciju glavnih sila prirode. Za to su bile potrebne samo dvije boje - tamna i svijetla (tamno mastilo na svijetloj pozadini). Pejzaži su slikani na svicima, najčešće vertikalnim, što je odgovaralo zadatku umjetnika da prikaže ogromnu visinu planina. Sung doba nam je dalo mnoga imena velikih pejzažnih slikara: Dong Juan, Li Čeng (druga polovina 10. veka), Fan Kuan (kraj 10. - početak 11. veka), Xu Dao-ning (prva polovina 11. veka). Multilateralno nadareni umjetnik i teoretičar Guo Xi (XI vijek) u svojim slikama sažeo je iskustvo prethodnih generacija umjetnika u interpretaciji prostora, linije i boje. Njegov prostor je vješto podijeljen u planove. Koristi bijeli, nepopunjeni prostor svitka da prenese vodu, snijeg, maglu i bijele zvukove svuda različite. Guo Xi je, takoreći, sažeo traganja umjetnika iz perioda Sung.

Godine 1127. cijeli sjever zemlje zauzela su nomadska plemena Jurchena. Kineski vladari su morali da se povuku na jug, gde je osnovana nova prestonica Hangdžou. Sramota poraza, čežnja za napuštenim zemljama u velikoj mjeri odredila je raspoloženje umjetnosti XII-XIII stoljeća.

Priroda je takoreći postala jedina utjeha u tuzi, a u njenom tumačenju pojavile su se nove osobine. Postaje proporcionalniji osobi. Ljudska slika u poređenju s prirodom dobila je poseban značaj u albumskim listovima Ma Yuana (1190-1224). Rast subjektivizma u slikarstvu anticipirao je stvaranje sekte Chan, čiji su predstavnici govorili o krhkosti i iluzornosti. eksterne formeživota, o velikoj važnosti trenutnog uvida, nasumične improvizacije u umetnosti. Umetnici kao što su Mu Qi (prva polovina 13. veka) i Liang Kai (početak 13. veka) slikali su brzo i u fragmentima. Slika prirode i čovjeka dobila je vrlo osebujnu boju u slikarstvu sekte Chan. Na portretu pesnika Li Poa, koji je živeo u X veku. (umjetnik Liang Kai), figura je ispisana kao hijeroglif, sa nekoliko poteza kista na bijeloj pozadini. Ali ovaj portret toliko vjerno prenosi suštinu Li Poove poezije da je upravo on taj koji se reprodukuje u bezbrojnim izdanjima njegovih spisa.

Nivo svih Sung slikarstva je neobično visok; postao je neprevaziđen klasik, kojem su se u narednim stoljećima okrenule mnoge generacije umjetnika.

Tokom X-XIII vijeka. keramika je bila veoma razvijena. Glineni proizvodi su se odlikovali raznolikošću oblika, savršenstvom, visokim tehničkim kvalitetima, što je poslužilo kao osnova za procvat porculanske umjetnosti u 14.-19. stoljeću. Porcelan, veoma cijenjen na stranom tržištu, izum je Kineza.

Prva vrsta slikanja porcelana bila je podglazura kobalt plavom bojom, jer je jedino ona mogla izdržati visoku temperaturu pečenja. Zatim, uvođenjem nadglazurnog slikanja i novih tehnika ukrašavanja, sve boje postaju vlasništvo porculanskih proizvoda. Među njima ima mnogo izvrsnih, najfinijih, ali ima, posebno u uzorcima kasnog porculana, i grubih proizvoda za izvoz.

dekorativne umjetnosti Kina XIV-XIX vijeka. predstavljena mnogim veličanstvenim spomenicima. To su vezovi, lakovi i rezbarije. poludragog kamenja, i Ivory. I svi su, po pravilu, prožeti suptilnim njuhom umetnika u odnosu na upotrebljeni materijal, visokim ukusom, odgajanim vekovnom tradicijom kineske kulture. (Za kinesku savremenu umjetnost, vidi socijalističkim zemljama umjetnost.)

3. Umjetnost antičkog istoka

Istorija antičkog sveta razvijala se sporo. Novi važan korak u razvoju ljudske kulture napravile su velike civilizacije Drevnog Istoka - Egipat i Mesopotamija. Ovdje, na prijelazu iz IV - III milenijuma prije Krista. uspostavljen je novi društveni poredak, nastala je državnost. Na području religije napravljen je prijelaz na razvijeni panteon bogova, na oboženje kraljevske moći. U umjetničkoj kulturi dogodile su se temeljne promjene. Likovna umjetnost, književnost, zanati stiču nezavisno značenje. U istočnjačkim despotizama ideološki sadržaj umjetnosti je uzdizanje moći bogova i kraljeva, veličanje moći države. Ove tendencije su fiksirane u strogim zakonima i tradicijama, pojavljuje se kanon (sistem neprikosnovenih pravila i normi), koji se čuva hiljadama godina. Kanon je umjetniku propisao pravila korištenja proporcija i boja, sheme za prikazivanje ljudi i životinja. Umjetnik je djelovao kao čuvar svetih zakona, od kojih je najvažniji kroz umjetnost razlikovanje zemaljskog i vječnog života. Kanonska kultura Drevnog Istoka razvila je jezik koji odgovara ideji postojanosti - ekonomičan grafički znak, jasan obris, stroga i jasna linija.

Jedna od najtipičnijih karakteristika drevne istočnjačke umjetnosti je sklonost simbolizaciji. umetničke forme, uzrokovan željom da se u simboličkoj figuri obustavi i uopšti dugo ljudsko iskustvo u poimanju unutrašnje suštine stvari. Najvažniji simbol drevne istočnjačke umjetničke kulture je Sunce. Obično je to znak lepote. Semantika ove slike kombinuje elemente različitih kulturnih oblika (filozofskih, moralno-etičkih, religioznih, umjetničkih, itd.). Solarno božanstvo postaje vrhovno državno božanstvo.

Umjetničku kulturu antičkog istoka karakterizira elitizam. Umjetnost slikara praktički nije bila odvojena od umjetnosti pisara; mudraci i mudraci.

Drevna istočnjačka umjetnička kultura zadržala je magičnu svrhu koja je bila tako karakteristična za primitivno društvo. Kao i njihovi drevni preci, narodi Drevnog istoka vjerovali su da određene radnje izvedene na slici doprinose njihovoj implementaciji u odnosu na original.

Umjetnici nisu nastojali izraziti subjektivnu poziciju autora u subjektu umjetnosti. Lični početak je izostao. Javnost, kolektiv primili su visoko sveto značenje. Dužnost umjetnika bila je realizacija univerzalnih značenja.

Drevne orijentalne kulture, napustivši primitivnost, nisu prevladale mitološki način čovjekovog odnosa prema svijetu. Međutim, sada se ne obogotvoravaju samo prirodni elementi, već i moć despotske države koja se uzdigla iznad čovjeka. Drevne istočne države živjele su od navodnjavane poljoprivrede i javnih zaliha žita. Sve je to zahtijevalo strogu administrativnu kontrolu. Stoga se ove države zasnivaju na negiranju manifestacija individualnosti - orijentalnog despotizma, karakterističnog za sve zemlje drevnog istoka - Egipat, Indiju, Kinu, Mesopotamiju.

sumerski kralj, egipatski faraon, kineski car nisu samo vođe trupa koje su preuzele uzde vlade, to su vladari-bogovi. Oni djeluju kao posrednici između Boga i ljudi, kao oličenje božanske moći. Despotska priroda vlasti omogućila je vladarima da izvode grandiozne javne radove na stvaranju sistema za navodnjavanje, izgradnji palača i hramova, kao što su, na primjer, egipatske piramide, vavilonska kula, kapija Ištar, hramovi Luksor i Karnak, Kineski zid.

Termin "Drevni istok" je približan i uslovan, tradicija imenovanja zemalja koje se nalaze na istoku i jugoistoku grčko-rimskog svijeta razvila se u antici.

Uz svu raznolikost kulture drevnih istočnih civilizacija, mogu se pratiti zajedničke karakteristike. To uključuje:

-navodnjavanje, sve se nalaze u dolinama velikih rijeka: Nila, Tigra, Eufrata, Inda, Ganga, Žute rijeke;

–rano pojavljivanje državnost u obliku despotizma;

-bliska povezanost religije sa pogrebnim kultom i umjetničkom kulturom;

– umjetnost je monumentalna, simbolična, prožeta vjerskim duhom, kanonska;

- kult grandioznog, veličanstvenog.

4. Umjetnička kultura antičke Grčke

Uobičajeno je da se antička civilizacija i kultura označavaju kao antička istorija Grčke i Rima, kao i zemalja koje su iskusile njihov kulturni uticaj, u periodu od početka. I milenijum pne do 5. veka nove ere Bila je to civilizacija zasnovana na ropstvu i ekonomski je predstavljala značajan iskorak u odnosu na drevna istočna društva. Dostignuća antičke kulture su nevjerovatna, na njima se temelji cijela evropska civilizacija. Istorija svjetske umjetnosti puna je sjećanja na antički svijet, reprodukcije drevnih priča i mitova. Savremeni književni žanrovi i filozofski sistemi, principi arhitekture i skulpture datiraju iz antike. Antička kultura osvaja svojim plastičnim, "tjelesnim" karakterom. Svijet/prostor - stari su Grci shvaćali kao animirano, lijepo, sferično tijelo u kojem žive ljudi i bogovi. U antičkoj estetici dominirale su kategorije kao što su mjera i pravilnost, simetrija, ritam i harmonija, one su stoljećima određivale evropske kanone ljepote. "Ništa preko svake mjere!" - pročitao je natpis iznad ulaza u Apolonovo svetilište u Delfima.

Plastičnost je osnova grčkog pogleda na svijet, pa su Heleni preferirali plastične oblike umjetnosti. Jedan od centralnih pojmova antičke estetike - kalokagatiya (od grč. calos - lijep i agathos - moralno savršen) - označava harmoniju vanjskog i unutrašnjeg, što je uvjet ljepote. Antička kultura se odlikovala duboko sekularnim karakterom, uz svu važnost obožavanja bogova.

Slobodan, skladno razvijen, lijep duhom i tijelom građanin - takav je ideal antike.

Već u III milenijumu pne. na Balkanskom poluostrvu i ostrvima Egejskog mora nastaju prvi centri državnosti, od kojih je najviši bio Kritski. Najimpresivniji ostaci ove civilizacije su palate, zbog čega je i zovu "palača". Kao rezultat vulkanske erupcije (oko XV vijeka prije Krista), većina naselja je nestala. Krit je naseljen plemenima Ahejaca (XV - XIII vek pre nove ere), ova kultura se zove Egejska, njena glavni centri bile su Mikena, Tirint, Atina, Teba. Ovo razdoblje ovjekovječio je Homer u Ilijadi. Ahejska civilizacija je ugnjetavana od strane plemena Dorijana (XIII - XI vek pne). U tom periodu, formiranje etničke samosvesti Grka odvija se na osnovu jedinstva jezika, vere i običaja. Glavni oblik državnosti je politika. Stara Grčka nikada nije bila jedinstvena država - to je mnoštvo odvojenih država - politika.

Period procvata starogrčke kulture i umjetnosti je klasični period (VI - V vijek pne). U to vrijeme se u Grčkoj pojavila filozofija, slikarstvo, pojavila su se pozorišta, stadioni, podignuti su veličanstveni hramovi i skulpture.

„Epoha helenizma“ (4. vek pne - 1. vek nove ere) počinje osvajanjima Aleksandra Velikog. Aleksandrovo carstvo nije dugo trajalo, raspalo se odmah nakon njegove smrti, ali je sama činjenica njegovog postojanja imala snažan utjecaj na cjelokupni kasniji razvoj kulture. Grčki uticaj proširio se i na kulturu drugih naroda.

U istoriji grčke kulture uobičajeno je razlikovati sljedeća razdoblja:

- Kritsko-mikenska kultura (kraj III milenijuma - II milenijum pne);

- Homerski (XII - IX pne);

- arhaični (VIII - VI pne);

– klasična (V – IV pne);

- helenistički (k. IV - I pne).

Izuzetna dostignuća antičke grčke kulture.

književnost:

– epska poezija: Homer "Ilijada", "Odiseja".

- Lirska poezija: Alkej, Safo, Anakreont.

- Satira: Ezop.

umjetnost:

– Arhitektura: palata Knosos, Atinska Akropolj (Partenon, Propileja, Erehtejon, Pinakoteka), Artemidin hram u Efesu, Mauzolej u Halikarnasu, Aleksandrijski svetionik.

– Skulpture: Fidija (kip Zevsa u Olimpiji, kip Atene u Partenonu), Miron (Diskobol), Praksitel (Hermes), Poliklet (Nika sa Samotrake), Agesandar (Laokoon), Skopas (Menada), Lisip (bista A. Makedonija).

- Eshil. Uključivanje drugog glumca. Glavna tema tragedija je problem moralne odgovornosti za učinjenu štetu, problem sudbine kao sile koja stoji iznad društva, odmazde (tragedije "Persijanci", "Prometej okovan", "Oresteja").

- Sofokle. Uključivanje trećeg glumca. Kreirao ga umjetničke slike duboko ljudski. Sukob njegovih tragedija u sukobu čovjeka i sudbine (tragedije - "Kralj Edip", "Antigona", "Elektra").

- Euripide. veliko interesovanje za ljudska ličnost, njenu ličnost, njene nagone i impulse. Slike koje je stvorio razlikuju se po dubini psihološke karakteristike(tragedije Medeja, Hipolit, Fedra).

- Aristofan. Briljantni primjeri Attic comedy. Radnje su preuzete iz političkog života Atine savremenog autoru (komedije Konjanici, Ose, Žabe, Lizistrata).

Istaknuti naučnici i filozofi:

Tales, Heraklit, Pitagora, Arhimed, Hipokrat, Sokrat, Platon, Aristotel, Herodot, Demokrit, Diogen, Epikur.

Društveno-etička i estetska dostignuća starih Grka:

- demokratija i polisi sistem;

- princip kalokagatiya;

– olimpijske igre i princip konkurencije "agon";

To dovodi do sticanja znanja učenika o ovom problemu nije u potpunosti. Poglavlje III. EKSPERIMENTALNA IZRADA LEKCIJA