Człowiek od zawsze dążył do piękna, harmonii i wyrażania siebie. To pragnienie od czasów starożytnych objawia się w obraz- forma sztuki pięknej, której pierwsze dzieła możemy spotkać u człowieka pierwotnego.
Obraz przekazuje obrazy wizualne poprzez nakładanie farb na stałe lub elastyczne podłoże (płótno, drewno, papier, tektura). W zależności od zastosowanych farb i materiałów bazy wyróżniają się różnymi technologia I rodzaje malarstwa. Pomiędzy nimi:
- olej;
- tempera;
- szkliwo;
- gwasz;
- pastel;
- atrament;
- malarstwo na tynku: fresk i secco;
- akwarela;
- sucha szczotka;
- akryl;
- różne środki przekazu
- i wiele innych.
Technik malarskich jest wiele. Wszystko, co pozostawia na czymś ślad, jest, ściśle rzecz biorąc, malarstwem: malarstwo tworzy natura, czas i człowiek.
Kolor w malarstwie jest jednym z najważniejszych środków wyrazu. On sam może być nosicielem określonej idei, a ponadto może wielokrotnie wzmacniać myśl osadzoną w fabule obrazu.
Malarstwo potrafi obudzić w nas całą gamę uczuć i emocji. Kontemplując, możesz napełnić poczuciem harmonii i spokoju, złagodzić stres I zanurzyć się w kontemplacji, Czy mogę naładuj swoje akumulatory i chęć realizacji swoich marzeń. Obraz bliski emocjonalnie potrafi przykuć uwagę na długie godziny, a jego właściciel za każdym razem odnajdzie w nim nowe znaczenia, idee i przesłania artysty. Kontemplacja jest formą medytacji, podczas której zanurzasz się w swój wewnętrzny świat i spędzasz tak potrzebny czas samemu.
Oprócz, obraz jak każda inna forma sztuki, pomaga wyrazić siebie, swoje emocje i nastrój, złagodzić stres i wewnętrzne napięcie, a czasem znaleźć odpowiedzi na ważne pytania.
Dla wielu osób malowanie staje się nie tylko przyjemną rozrywką, ale także pożyteczną rozrywką, która ma korzystny wpływ na stan wewnętrzny. Tworząc coś nowego, człowiek odkrywa swój potencjał, realizuje swoje zdolności twórcze, poznaje siebie i otaczający go świat.
Zajęcia malarskie aktywizują prawicę(kreatywny, emocjonalny) półkula mózgowa. Jest to bardzo ważne w naszym rozsądnym i racjonalnym wieku. Odblokowanie zdolności twórczych pomaga osiągnąć sukces w zupełnie innych obszarach życia.(kariera, relacje, rozwój osobisty), gdy kreatywność i elastyczność staną się częścią Twojej osobowości.
Być może jako dziecko uwielbiałeś rysować, ale rodzice nie chcieli posłać Cię do szkoły plastycznej? A może zawsze marzyłeś o tym, aby móc pięknie wyrazić swoje myśli za pomocą obrazów wizualnych? „Nigdy nie jest za późno na naukę malarstwa!” mówią współcześni nauczyciele. Przy obecnej różnorodności technik, gatunków i materiałów każdy może znaleźć coś odpowiedniego dla siebie. Naucz się podstaw kompozycji i poruszaj się po niej nowoczesne style i wskazówki mogą znajdować się na specjalnych kursach malarskich dla dorosłych.
Malarstwo to cały świat piękna, obrazów i kolorów. Jeśli chcesz stać się bezpośrednim uczestnikiem jego tworzenia, to zajęcia z malarstwa są dla Ciebie!
zarys - liniowe zarysy przedstawionej postaci, jej kontur.
Sztuka abstrakcyjna - jeden z nurtów formalistycznych w sztukach wizualnych, który powstał na przełomie XIX i XX wieku. Abstrakcjoniści nie chcieli przedstawiać przedmiotów i zjawisk świata obiektywnego (stąd inna nazwa abstrakcjonizmu - sztuka nieobiektywna). Ich prace są próbą wyrażenia swoich uczuć i myśli poprzez zestawienia kolorystyczne samych plam czy linii, bez przedstawiania realnych obiektów i przedmiotów. Abstrakcjoniści porzucili rysunek, perspektywę, kolor i wszelkie inne środki wizualnego języka sztuki malarskiej. Naruszyli w ten sposób profesjonalne podstawy malarstwa, zniszczyli jego prawdziwe możliwości artystyczne. Abstrakcjonizm zniekształca gusta estetyczne ludzi, odwodzi ich od zrozumienia piękna przyrody i życia.
Dostosowanie - właściwość oka polegająca na dostosowywaniu się do określonych warunków oświetleniowych. Istnieją adaptacje do światła, ciemności, a także do koloru. Osobliwością tego ostatniego jest zdolność przystosowania oka do nie zauważania koloru oświetlenia na przedmiotach.
W warunkach półmroku i ogólnie przy słabym świetle w oku zakończenia nerwowe (fotoreceptory), zwane pręcikami, są najbardziej wrażliwe na światło. Za ich pomocą oko dostrzega gradację czerni i bieli. W silnym świetle w ciągu dnia bardziej wrażliwe są inne fotoreceptory - czopki, za pomocą których postrzegany jest kolor. Wraz z adaptacją do światła zmniejsza się wrażliwość wzroku, a wraz z adaptacją do ciemności wzrasta. Kiedy oko przystosuje się do ciemności, zaczynamy dobrze rozróżniać szczegóły krajobrazu. Ze względu na zwiększoną wrażliwość oka na ciemność w pochmurny dzień i o zmierzchu początkujący artysta traci z oczu poziom oświetlenia ogólnego, które w tych warunkach jest znacznie słabsze niż w słoneczny lub jasnoszary dzień. O zmierzchu jasne przedmioty nie wydają mu się zmniejszone w jasności w takim stopniu, że oświetlenie stało się mniejsze niż poprzednie oświetlenie światłem dziennym. Słabo dostrzega też bliższe powiązania tonalne charakterystyczne dla zmierzchu i szary dzień. Dodatkowo, pomimo zaciemnienia, początkujący artysta rozróżnia w naturze (lub cieniach) bardzo subtelne gradacje światłocienia na obiektach i pozwala na nadmierne zróżnicowanie i fragmentację. Dlatego na początku nie jest w stanie dokładnie ocenić i przekazać rzeczywistych zmian jasności i koloru, jakie zachodzą w przyrodzie.
Adaptacja polega na różnorodnych zmianach zachodzących w naszym oku pod wpływem zmiany natężenia światła. I tak np. w ciągu dnia źrenica zmniejsza się o 1-2 mm, przez co do oka wpada niewielka ilość światła. W ciemności rozszerza się o 8-10 mm, wpuszczając dużo światła. Wiedząc, że powierzchnia źrenicy jest proporcjonalna do kwadratu średnicy, można ustalić, że jeśli źrenica podwoi się, wówczas ilość przepuszczanego przez nią światła wzrośnie czterokrotnie; jeśli źrenica zostanie powiększona czterokrotnie, ilość przepuszczanego przez nią światła wzrasta 16-krotnie. Częściowo dlatego rozróżniamy główne współczynniki światła o zmierzchu. Odruch źrenic na światło i ciemność kompensuje w pewnym stopniu spadek oświetlenia.
Akademicyzm - termin wartościujący, odnoszący się do tych dziedzin sztuki, których przedstawiciele w całości kierują się uznanymi autorytetami artystycznymi, wierzy się w postęp Sztuka współczesna nie w żywym związku z życiem, ale w jego najbliższym zbliżeniu do ideałów i form sztuki minionych epok, podtrzymując absolutne normy piękna, niezależne od miejsca i czasu. Historycznie akademizm kojarzony jest z działalnością akademii, które kształciły młodych artystów w duchu bezsensownego podążania za wzorcami sztuki antyku i włoskiego renesansu. Zapoczątkowany po raz pierwszy w Akademii Bolońskiej w XVI wieku, nurt ten został szeroko rozwinięty w akademiach późniejszych czasów; było to charakterystyczne dla Rosyjskiej Akademii Sztuk w XIX wieku, co spowodowało walkę z akademią zaawansowanych artystów realistycznych. Kanonizując klasycystyczne metody i wątki, akademizm odgrodził sztukę od nowoczesności, uznając ją za „niską”, „niską”, niegodną sztuki „wysokiej”.
Pojęcia akademizmu nie można utożsamiać ze wszystkimi działaniami akademii artystycznych przeszłości. W systemie edukacji akademickiej było wiele cnót. W szczególności opierał się na długiej tradycji i wysokiej kulturze rysunku, który był jednym z najmocniejszych punktów edukacji akademickiej.
Farby akwarelowe - klej wodny na bazie drobno zmielonych pigmentów zmieszanych z gumą, dekstryną, gliceryną, czasem z miodem lub syropem cukrowym; produkowane są na sucho – w postaci płytek, półwilgotne – w kubkach porcelanowych lub półpłynne – w tubach.
Akwarelę można pisać od razu na suchym lub mokrym papierze, w pełnym kolorze, można także pracować z laserunkiem, stopniowo udoskonalając relacje kolorystyczne natury. Trzeba wiedzieć, że akwarela nie toleruje poprawek, tortur, licznych wielokrotnych rejestracji mieszanymi farbami.
Często malarze stosują technikę akwareli w połączeniu z innymi materiałami: gwaszem, temperą, węglem drzewnym. Jednak w tym przypadku tracą się główne cechy malarstwa akwarelowego - nasycenie, przezroczystość, czystość i świeżość, czyli dokładnie to, co odróżnia akwarelę od innych technik.
Akcent - technika podkreślania linii, tonu lub koloru dowolnego wyrazistego obiektu, szczegółów obrazu, na które należy skierować uwagę widza.
Alla prima - technika w malarstwie akwarelowym lub olejnym, polegająca na tym, że szkic lub obraz powstaje bez wstępnej rejestracji i podmalowania, czasami jednorazowo, w jednej sesji.
Malarz zwierząt - artysta, który swoją twórczość poświęcił głównie przedstawianiu zwierząt.
kolory achromatyczne - biały, szary, czarny; różnią się jedynie jasnością i są pozbawione tonu barwnego. Natomiast istnieją kolory chromatyczne, które mają odcień barwy o różnej jasności i nasyceniu.
blask - element światłocienia, najjaśniejszego miejsca na oświetlanej (głównie błyszczącej) powierzchni przedmiotu. Wraz ze zmianą punktu widzenia olśnienie zmienia swoje położenie na kształcie obiektu.
Waler - termin praktyki artystycznej określający stronę jakościową odrębnego tonu, głównie jasnego i cienia, w jego relacji z otaczającymi tonami. W malarstwie realistycznym materialne właściwości obiektywnego świata przekazywane są głównie poprzez obiektywnie regularne relacje tonalne. Aby jednak żywo i całościowo odtworzyć materialność, plastyczność i kolor przedmiotu w określonym stanie oświetlenia i w określonym otoczeniu, artysta musi osiągnąć bardzo dużą dokładność i wyrazistość w stosunkach tonów; bogactwo, subtelność proporcji przejść prowadzących do wyrazistości malarstwa i są główną cechą Walera. Najwięksi mistrzowie XVII-XIX wieku. - jak Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - malarstwo zawsze jest bogate w walerię.
wizja malownicza - wizja i zrozumienie relacji kolorystycznych natury, z uwzględnieniem wpływu otoczenia i ogólnego stanu oświetlenia, charakterystycznego dla przyrody w momencie jej obrazowania. W wyniku takiej wizji na szkicu pojawia się prawdziwość relacji światła i kolorów, bogactwo ciepłych i zimnych odcieni, ich jedność kolorów i harmonia, oddając naturę z całym drżeniem życia. Mówi się w tym przypadku o malowniczości etiudy czy obrazu.
Wizja artystyczna - umiejętność dokonania niezbędnej oceny estetycznej cech właściwych naturze. Przed przedstawieniem natury artysta widzi już w jej głównych cechach figuratywne rozwiązanie obrazowe, biorąc pod uwagę określony materiał.
witraż - malowanie na szkle farbami transparentnymi lub ornamentem złożonym z kawałków wielobarwnego szkła, mocowanych metalową oprawą, służy do wypełnienia otworów okiennych i drzwiowych. Promienie światła przenikające przez szybę zyskują zwiększoną jasność i tworzą we wnętrzu grę barwnych refleksów.
perspektywa powietrzna - widoczne zmiany niektórych cech obiektów pod wpływem powietrza i przestrzeni. Wszystkie pobliskie obiekty są postrzegane wyraźnie, z wieloma szczegółami i fakturą, a odległe obiekty są postrzegane w sposób uogólniony, bez szczegółów. Kontury bliskich obiektów wyglądają ostro, a odległe obiekty wydają się miękkie. Z dużej odległości jasne obiekty wydają się ciemniejsze, a ciemne jaśniejsze. Wszystkie bliskie obiekty mają kontrastujący światłocień i wydają się obszerne, wszystkie odległe obiekty mają lekko wyraźny światłocień i wydają się płaskie. Kolory wszystkich odległych obiektów stają się mniej nasycone pod wpływem zamglenia powietrza i nabierają koloru tej zamglenia - niebieskiego, mlecznobladego lub fioletowego. Wszystkie pobliskie obiekty wydają się być wielokolorowe, a odległe obiekty wydają się być tego samego koloru. Artysta uwzględnia wszystkie te zmiany w celu oddania przestrzeni i stanu oświetlenia – ważnych walorów malarstwa plenerowego.
Percepcja wizualna - proces odzwierciedlania obiektów i zjawisk rzeczywistości w całej gamie ich właściwości, które bezpośrednio wpływają na narządy wzroku. Oprócz wrażeń wzrokowych percepcja obejmuje również przeszłe doświadczenie wiedzy i wyobrażeń na dany temat. Zrozumienie, zrozumienie istoty postrzeganego jest możliwe tylko wtedy, gdy zaobserwowane przedmioty i zjawiska porówna się z wcześniej widzianymi (stała i stała percepcja wzrokowa). Do tego należy dodać, że percepcji wzrokowej towarzyszą uczucia skojarzeniowe, poczucie piękna, które wiążą się z osobistym doświadczeniem wrażeń zmysłowych wynikających z oddziaływania otoczenia.
Kolor gamma - kolory, które dominują w tym dziele i wyznaczają charakter jego systemu barwnego. Mówią: gama zimnych, ciepłych, bladych odcieni kolorów itp.
Harmonia - komunikacja, proporcjonalność, spójność. W sztukach wizualnych - połączenie form, relacja części lub kolorów. W malarstwie jest to zgodność detali z całością, nie tylko pod względem wielkości, ale także koloru (jedność koloru, gama powiązanych odcieni). Źródłem harmonii są wzorce zmian barw obiektów naturalnych pod wpływem siły i składu widmowego oświetlenia. Harmonia struktury kolorów badania lub obrazu zależy również od cech fizjologii i psychologii. percepcja wzrokowa cechy światła i koloru świata obiektywnego (kontrastowe oddziaływanie kolorów, zjawisko halo itp.).
Rytownictwo- drukowana reprodukcja rysunku wyciętego lub wytrawionego na desce (drzeworyt), linoleum (linoryt), płycie metalowej (akwaforta), kamieniu (litografia) itp. Cechą graweru jest możliwość jego odwzorowania: z jednej deski grawerowane przez artystę, drukują dużą liczbę wielobarwnych nadruków (odbitek). W zależności od charakteru obróbki formy drukarskiej (tablice lub płyty) oraz sposobu druku wyróżnia się ryciny wypukłe i głębokie.
Grafika - jeden z rodzajów sztuk plastycznych, zbliżony treścią i formą do malarstwa, posiadający jednak własne zadania i możliwości artystyczne. W odróżnieniu od malarstwa głównym środkiem wizualnym grafiki jest rysunek monochromatyczny (tj. linia, światłocień); rola koloru pozostaje w nim stosunkowo ograniczona. Od strony środków technicznych grafika obejmuje rysunek we właściwym znaczeniu tego słowa, we wszystkich jego odmianach. Z reguły prace graficzne wykonywane są na papierze, sporadycznie wykorzystywane są także inne materiały.
W zależności od przeznaczenia i treści grafiki dzielimy na grafiki sztalugowe, do których zalicza się dzieła o samodzielnym znaczeniu (które nie wymagają nieodzownego połączenia z tekstem literackim dla ujawnienia swojej treści i nie ograniczają się do zawężonego, ściśle określonego celu praktycznego), grafika książkowa, tworząca jedność ideową i artystyczną z tekstem literackim lub towarzyszącym, a jednocześnie przeznaczona do dekoracyjnego i artystycznego zaprojektowania książki, plakatu, który jest najbardziej widok masowy sztuki piękne, przeznaczone do realizacji zadań politycznych, propagandowych, artystycznych lub użytkowych (etykiety, dyplomy, znaczki pocztowe itp.) środkami artystycznymi.
Grisaille - obraz wykonany farbą czarno-białą (lub monochromatyczną, na przykład brązową); Często wykorzystuje się go do prac pomocniczych przy wykonywaniu podmalówek lub szkiców, a także w celach edukacyjnych przy opanowywaniu technik obrazu tonalnego wykonywanego farbami akwarelowymi lub olejnymi. Obraz tworzony jest wyłącznie na podstawie relacji tonalnych (jasności) obiektów naturalnego otoczenia.
Podkładowy - cienka warstwa specjalnego składu (klej, olej, emulsja) nanoszona na płótno lub karton w celu nadania ich powierzchni pożądanych właściwości kolorystycznych i teksturalnych oraz ograniczenia nadmiernej absorpcji spoiwa (oleju). Jeśli pracujesz farbami olejnymi na niezagruntowanym podłożu (np. Płótnie), farby nie odkładają się, wysychają, olej z farby wchłania się w tkaninę, niszcząc płótno i warstwę farby. Ze względu na skład spoiwa wyróżnia się gleby: olejowe, klejące, emulsyjne, syntetyczne. Według koloru - barwione i kolorowe. Podkład składa się zazwyczaj z 3 elementów: cienkiej warstwy kleju pokrywającej całą powierzchnię płótna folią (tzw. klejonką) oraz kilku warstw farby podkładowej, w tym cienkiej warstwy końcowej. Klejenie - cienka warstwa kleju (stolarskiego, kazeinowego lub żelatynowego) - zabezpiecza płótno przed wnikaniem farby podkładowej lub oleju w głąb tkaniny lub na odwrotną stronę płótna, mocno wiąże kolejne warstwy gleby z płótnem. Farba podkładowa wyrównuje powierzchnię płótna, tworzy niezbędny (zwykle biały) kolor i zapewnia mocne połączenie warstwy farby z podkładem.
Elementarz - w technologii malarskiej: proces nakładania podkładu na powierzchnię przeznaczoną do malowania.
Gwasz - farba na bazie wody o dużej sile krycia. Farby po wyschnięciu szybko rozjaśniają się i potrzebne jest duże doświadczenie, aby przewidzieć stopień zmiany ich odcienia i koloru. Piszą farbami gwaszowymi na papierze, tekturze, sklejce. Prace mają matową, aksamitną powierzchnię.
Detalowanie - dokładne przestudiowanie szczegółów kształtu obiektów na obrazie. W zależności od zadania, jakie stawia przed sobą artysta, stopień szczegółowości może być różny.
Dodatkowe kolory - dwa kolory, które po zmieszaniu optycznym dają biel (czerwony i niebiesko-zielony, pomarańczowy i cyjan, żółty i niebieski, fioletowy i zielonkawo-żółty, zielony i magenta). Kiedy te pary są mieszane mechanicznie dodatkowe kolory uzyskuje się odcienie o obniżonym nasyceniu. Kolory uzupełniające są często nazywane kontrastowymi.
Gatunek muzyczny - utrwalony historycznie podział wewnętrzny we wszystkich rodzajach sztuki; rodzaj dzieła sztuki w jedności specyficznych właściwości jego formy i treści. Pojęcie „gatunku” uogólnia cechy charakterystyczne dla ogromnej grupy dzieł dowolnej epoki, narodu czy w ogóle sztuki światowej. W każdej formie sztuki system gatunków jest komponowany na swój sposób. W sztukach wizualnych – w oparciu o tematykę obrazu (portret, martwa natura, pejzaż, malarstwo historyczne i batalistyczne), a czasem także charakter obrazu (karykatura, rysunek).
Obraz - jeden z głównych rodzajów sztuk pięknych. Prawdziwe przeniesienie wyglądu zewnętrznego obiektu, jego cech zewnętrznych możliwe jest także za pomocą środków graficznych – linią i tonem. Ale tylko malarstwo może przekazać całą niezwykle różnorodną wielobarwność otaczającego świata.
Zgodnie z techniką wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz, pastel. Nazwy te uzyskano ze spoiwa lub z zastosowanych środków materiałowo-technicznych. Cel i treść obrazu wymagają takiego wyboru środki wizualne, za pomocą którego najpełniej można wyrazić ideowe i twórcze zamierzenia artysty.
Według gatunku malarstwo dzieli się na sztalugowe, monumentalne, dekoracyjne, teatralne i dekoracyjne, miniaturowe.
Malarstwo dekoracyjne nie ma samodzielnego znaczenia i służy do dekoracji zewnętrznej i wewnętrznej budynków w postaci kolorowych paneli, które przy realistycznym obrazie tworzą iluzję „przełomu” ściany, zwiększenia wielkości pomieszczenia lub wręcz przeciwnie, celowo spłaszczone wizualnie formy, jakby wąskie, zamykające przestrzeń. Wzory, wianki, girlandy i inne dekoracje zdobiące dzieła monumentalnego malarstwa i rzeźby, spajają ze sobą wszystkie elementy wnętrza, podkreślając piękno, ich spójność z architekturą. malarstwo dekoracyjne ozdabia się także rzeczy: szkatułki, szkatułki, tace, skrzynie itp. Tematyka i forma podporządkowana jest celowi rzeczy.
Malarstwo miniaturowe otrzymane świetny rozwój w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. Ręcznie pisane księgi ozdobiono najwspanialszymi nagłówkami, zakończeniami, szczegółowymi ilustracjami i miniaturami. Rosyjscy artyści pierwszej połowy XIX wieku umiejętnie wykorzystywali malarską technikę miniatur do tworzenia małych (głównie akwareli) portretów. Czyste, głębokie kolory akwareli, ich wykwintne połączenia, delikatność obrazu wyróżniają te portrety.
Malarstwo monumentalne - szczególny rodzaj obrazy wielkoformatowe zdobienie ścian i sufitów obiektów architektonicznych (freski, mozaiki, panele). Odsłania treść głównych zjawisk społecznych, które miały pozytywny wpływ na rozwój społeczeństwa, gloryfikuje je i utrwala. Wzniosłość treści malarstwa monumentalnego, znaczny rozmiar jego dzieł, związek z architekturą wymagają dużej masy koloru, ścisłej prostoty i lakonizmu kompozycji, przejrzystości sylwetek i uogólnienia formy plastycznej.
malarstwo sztalugowe - nazwa pochodzi od maszyny (sztalugi), na której powstaje obraz. Jako podstawę materiałową stosuje się drewno, karton, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na noszach. Obraz wstawiony w ramę jest postrzegany jako samodzielne dzieło sztuki, niezależne od otoczenia. W tym zakresie w celu tworzenia dzieł malarstwo sztalugowe stosuje się nieco inne środki artystyczne, podaje się bardziej subtelne i szczegółowe relacje kolorystyczne i tonalne oraz bardziej złożone i szczegółowe cecha psychologiczna postacie.
Malarstwo teatralne i dekoracyjne - scenografia, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty, wykonane według szkiców artysty; pomagają pogłębić treść spektaklu. Szczególne teatralne warunki odbioru malarstwa wymagają uwzględnienia wielu punktów widzenia publiczności, ich większego oddalenia, wpływu sztucznego oświetlenia i podkreśleń kolorystycznych. Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji, aktywuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. W szkicach kostiumów i charakteryzacji artysta teatralny stara się mocno oddać indywidualny charakter bohaterów, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej.
Malarstwo akademickie - malarstwo, wykonane w dowolnym celu edukacyjnym.
malowanie na mokro - technika malarstwa olejnego i akwarelowego. Pracę z olejem należy zakończyć przed wyschnięciem farb i wykluczyć takie etapy jak podmalowanie, glazurowanie i ponowna rejestracja. Malowanie na mokro ma dobrze znane zalety - świeżość warstwy farby, dobrą konserwację i względną prostotę techniki.
W przypadku akwareli przed przystąpieniem do pracy na surowym papierze należy równomiernie zwilżyć wodą. Kiedy woda wchłonie papier i trochę wyschnie (po 2-3 minutach), zaczynają pisać; rozmazane plamy farby mokra powierzchnia, rozmywają, łączą się ze sobą, tworzą płynne przejścia. Dzięki temu można osiągnąć miękkość w przenoszeniu konturów obiektów o lekkości i przestrzenności obrazu.
więdnięcie - niepożądane zmiany w wysychającej warstwie farby, przez co obraz traci świeżość, traci połysk, dźwięczność kolorów, ciemnieje, staje się czarniawy. Przyczyną więdnięcia jest nadmierne zmniejszenie ilości wiążącego oleju wchłoniętego przez podkład lub leżącą pod nim warstwę farby, a także nałożenie farby na niezupełnie wyschniętą poprzednią warstwę farb olejnych.
Kompletność .- taki etap pracy nad etiudą lub obrazem, w którym osiągana jest największa kompletność ucieleśnienia idei twórczej lub gdy zostaje zakończone określone zadanie obrazowe.
„Ugniatanie” farb bazowych - wstępne przygotowanie na palecie mieszanki farb odpowiadającej podstawowym związkom tonalnym i kolorystycznym obiektów w przyrodzie (krajobrazie). W trakcie pracy do tych podstawowych mieszanek wprowadzane są różne odmiany odcieni, wlewane są nowe kolory. Przygotowane na palecie kolory głównych obiektów nie pozwalają jednak popaść w nadmierne zabarwienie, nie pozwalają zatracić charakteru głównych relacji kolorystycznych. W akwareli te referencyjne „ugniatania” wykonuje się w oddzielnych kubkach.
Naszkicować - rysunek z życia, tworzony głównie poza warsztatem w celu zebrania materiału do bardziej znaczących prac, do ćwiczeń, czasem w jakimś konkretnym celu (na przykład na polecenie gazety, czasopisma). W odróżnieniu od szkicu podobnego pod względem technicznym, wykonanie szkicu może być bardzo szczegółowe.
Idealizacja w sztuce - odchylenie od prawdy życiowej spowodowane celowym lub mimowolnym upiększeniem przez artystę tematu obrazu. Idealizacja objawia się zwykle w wyolbrzymieniu i absolutyzacji zasady pozytywnej jako swego rodzaju ostatecznej, rzekomo już istniejącej. osiągnął doskonałość; w łagodzeniu sprzeczności i konfliktów życiowych; w ucieleśnieniu abstrakcyjnego, nadżyciowego ideału itp. Idealizacja zawsze oznacza zerwanie z zasadami realizmu i w ten czy inny sposób okazuje się powiązana z ideologią klas reakcyjnych, które są skłonne uzyskać od prawdziwego obrazu życia i zastąp badanie rzeczywistości subiektywnie upiększonymi wyobrażeniami na jej temat.
Należy odróżnić od idealizacji odzwierciedlenie w sztuce realistycznej pewnego społecznie postępowego ideału życia, który będąc ważnym aspektem treści ideologicznej każdego realistycznego obrazu artystycznego, może czasami stanowić zasadę decydującą w artystycznym rozwiązaniu obrazu .
Pomysł na malowanie - główna idea dzieła, która wyznacza jego treść i strukturę figuratywną, wyrażona w odpowiedniej formie.
Iluzoryczny - podobieństwo obrazu do natury; graniczy z iluzją optyczną. W wyniku iluzorycznego charakteru artystyczna ekspresja dzieła i głębia jego treści może zostać utracona, jeśli na zdjęciu pragnienie zewnętrznego podobieństwa przesłania najważniejsze - jego intencję.
Impresjonizm - nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początków XX wieku, którego przedstawiciele starali się uchwycić jak najbardziej naturalnie i bezstronnie prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienności, aby przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm powstał w latach sześćdziesiątych XIX wieku. w malarstwie francuskim. E. Manet, O. Renoir, E. Degas wnieśli do sztuki świeżość i bezpośredniość postrzegania życia, obraz błyskawicznych, jakby przypadkowych ruchów i sytuacji, pozornej nierównowagi, fragmentaryzacji kompozycji, nieoczekiwanych punktów widzenia, kątów, cięć figur. W latach 1870-80. ukształtował impresjonizm w francuskim krajobrazie. K. Monet, K. Pizarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerowy. Oprócz malarzy rzeźbiarze (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) zainteresowali się natychmiastowym ruchem, płynną formą.
Impresjonizm rozwinął realistyczne zasady sztuki, ale twórczość jego zwolenników często wykazywała odejście od badania podstawowych zjawisk rzeczywistości społecznej, stałych i stabilnych cech świata materialnego. Ten kierunek twórczości doprowadził późnych impresjonistów do formalizmu.
Wnętrze - widok na wnętrze pokoju. Obraz wnętrza wymaga dogłębnej znajomości perspektywy. Jednocześnie ważne jest, aby znaleźć miejsce, z którego można ciekawiej skomponować obraz. Gotowy obraz wnętrza, oprócz ciekawej kompozycji, prawidłowej konstrukcji perspektywicznej, rozmieszczenia obiektów w przestrzeni, powinien dawać wyobrażenie o oświetleniu.
Obraz - dzieło malarstwa sztalugowego, wiernie oddające zamysł artysty, wyróżniające się doniosłością treści, prawdziwością i kompletnością formy artystycznej. Obraz jest efektem wieloletnich obserwacji i refleksji artysty nad życiem. Poprzedzają ją szkice, szkice, etiudy, szkice, w których artysta uwiecznia poszczególne zjawiska życia, zbiera materiał do przyszłego obrazu, poszukuje podstaw jego kompozycji i kolorystyki. Tworząc obraz artysta odwołuje się do natury, wychodzi od niej zarówno w planie ogólnym, jak iw poszczególnych szczegółach. W tym procesie ważną rolę odgrywają obserwacja, wyobraźnia i projektowanie. Obraz na swój sposób niesie ze sobą pewną koncepcję ideologiczną i figuratywną, a formy wyrazu są wizualnie autentyczne. Każdy szczegół, część jest skorelowana z całością, każdy element wyraża obraz. Dekadenckie nurty formalistyczne charakteryzują się kryzysem obrazu fabularno-tematycznego, odrzuceniem istotnych kwestii ideologicznych i psychologizmu. Z obrazów zostaje wyrzucona nie tylko fabuła, ale także zerwanie z tematem obrazu w ogóle. W zależności od formy obrazu, obraz staje się bezsensowny, abstrakcyjny.
Farby klejące - farby suche produkowane w proszku i mieszane przez artystę z wodą klejową. Dobrze zmielone, są czasami wykorzystywane przez artystów przy projektowaniu reprodukcji oryginałów jako zamienniki farb gwaszowych. Najczęściej wykonują scenografię teatralną.
klyachka - rodzaj miękkiej gumy, stosowany w przypadkach, gdy trzeba rozjaśnić ton cienia rysunki ołówkiem. Nag jest miękki i łatwy do ugniatania palcami; nie wycierają nim ołówka, lecz lekko dociskają go do rozjaśniających się fragmentów rysunku: grafit przykleja się do pęczka i przytrzymuje go po oderwaniu od papieru. Jeśli oświetlone obszary są bardzo małe, nag otrzymuje wygląd spiczastego stożka.
Klyachkę można wykonać w następujący sposób. Zwykłą gumę umieszcza się w benzynie na dwa, trzy dni (ewentualnie w nafcie), po czym trzyma się ją przez kolejne dwa dni. Następnie zmiękczoną gumę ugniata się z mąką ziemniaczaną (skrobią), mąkę należy pobierać szczyptami i regulować lepkość gruszki w jej ilości.
kolorowanie (etiuda lub malarstwo) - charakter relacji wszystkich elementów kolorystycznych obrazu, jego system kolorów. Jego główną zaletą jest bogactwo i spójność barw odpowiadających samej naturze, przekazujących w jedności ze światłocieniem właściwości przedmiotu i stan oświetlenia przedstawianej chwili. O barwie badania decyduje: 1) zgodność relacji kolorystycznych proporcjonalna do natury, z uwzględnieniem ogólnej tonacji i stanu barwnego oświetlenia, 2) bogactwo i różnorodność odbić światła-powietrza i otoczenia obiektu, 3) ) kontrastowe oddziaływanie odcieni ciepłych i zimnych, 4) wpływ barwy oświetlenia, która jednoczy kolory natury, czyni je podporządkowanymi i powiązanymi.
Prawdziwe odzwierciedlenie stanu realne warunki iluminacja oddziałuje na odczucia widza, tworzy nastrój, wywołuje odpowiednie doznania estetyczne.
pędzle . Pędzle to kolinsky, wiewiórka, włosie. Pędzle włosowe przeznaczone są do pracy z farbami olejnymi, ale można je stosować także przy malowaniu farbami temperowymi i gwaszami. W akwareli stosuje się pędzle wiewiórkowe i kolinskie. Kształt jest płaski i okrągły. Rozmiar pędzla jest oznaczony liczbą. Liczba szczotek płaskich i rowków odpowiada ich szerokości w milimetrach, a liczba szczotek okrągłych odpowiada ich średnicy (również wyrażonej w milimetrach).
Po pracy z farbami olejnymi pędzle myje się ciepłą wodą z mydłem. Nie myj pędzli w acetonie: spowoduje to uszkodzenie włosów. Pędzle akwarelowe po pracy myje się w czystej wodzie. W żadnym wypadku nie należy dopuścić do wyschnięcia pędzli, szczególnie po pracy z farbami olejnymi, włóż pędzle do słoiczka włosami w dół, ponieważ włos jest zdeformowany. Umyty pędzel należy owinąć papierem, wtedy zachowa swój kształt.
Kompozycja - konstrukcja szkicu lub obrazu, koordynacja jego części. Z naturalnym obrazem: dobór i inscenizacja obiektów, wybór najlepszego punktu widzenia, oświetlenie, określenie formatu i wielkości płótna, określenie centrum kompozycyjnego, podporządkowanie mu drugorzędnych części dzieła. Podczas tworzenia obrazu: wybór tematu, opracowanie fabuły, znalezienie formatu i rozmiaru dzieła, scharakteryzowanie aktorzy, ich wzajemne relacje, postawy, ruchy i gesty, wyrazistość twarzy, użycie kontrastów i rytmów – to wszystko Składowych elementów konstrukcja kompozycyjna obrazy będące jak najlepszym ucieleśnieniem zamysłu artysty. W takiej kompozycji brane jest pod uwagę wszystko: masy obiektów i ich sylwetki, rytm, z jakim są one umieszczone na płótnie, perspektywa, wyimaginowana linia horyzontu i punkt widzenia na przedstawiony, kolor obrazu , grupowanie postaci, kierunek ich spojrzenia, kierunek linii perspektywy, redukcji obiektów, rozkład światłocienia, póz i gestów itp.
Stałość percepcji wzrokowej - tendencja do postrzegania przedmiotu, jego wielkości, kształtu, lekkości, koloru jako stabilnego i niezmiennego, niezależnie od zachodzących w nim zmian (odsunięcie od widza, zmiana oświetlenia, wpływy środowiska itp.) - stałość wielkości - tendencja do postrzegania wielkości obiektu jako stałej, pomimo zmiany odległości od niego. Z reguły początkujący kreślarze nie zauważają zmian perspektywy.
Stałość formy - tendencja do postrzegania rzeczywistego kształtu, nawet jeśli obiekt jest obrócony w taki sposób, że jego obraz na siatkówce różni się od kształtu rzeczywistego. (Na przykład kwadratowa kartka papieru leżąca na stole wydaje się kwadratowa, mimo że jej rzut na siatkówkę nie jest kwadratowy).
Stałość luminancji - tendencja do postrzegania lekkości przedmiotu jako stałej pomimo zmian oświetlenia; zależy głównie od stałego stosunku natężenia światła odbitego zarówno od obiektu, jak i jego otoczenia.
Stałość koloru - tendencja do postrzegania koloru obiektu (jego barwy lokalnej) niezależnie od zmieniających się warunków oświetleniowych, jego siły i składu widmowego (dzień, wieczór, sztuczny).
Ze względu na zjawisko stałości, postrzeganie i przekazywanie w malowaniu przedmiotów i zjawisk dokładnie tak, jak wyglądają na oko w określonych warunkach oświetleniowych, w określonym środowisku i w określonej odległości, na początku szkolenia stwarzają pewną trudność. Początkujący artysta, choć wie, że kolor zmienia się w zależności od warunków oświetleniowych, widzi go niezmiennie i nie ma odwagi na przykład zapisać zielonych drzew w promieniach zachodzącego słońca jako czerwonawych lub zapisać błękitne niebo złożona różowo-ochrowa, jak to bywa o zachodzie słońca.
Niedoświadczonemu malarzowi wydaje się, że biały przedmiot jest we wszystkich częściach biały, ciemny jest ciemny. Tymczasem w naturalnym otoczeniu powierzchnia ciemnego obiektu zwrócona w stronę światła odbije więcej promieni świetlnych niż część cienia białego obiektu, w związku z czym cień białego obiektu będzie ciemniejszy niż jasna część ciemnego obiektu.
Pracując nad szkicem pejzażu niedoświadczony malarz nie zauważa nadchodzącego zmierzchu, choć oświetlenie znacznie się zmniejszyło.
Otaczające obiekty mogą być oświetlane światłem o różnym składzie widmowym, co powoduje zmianę składu widmowego światła odbitego od obiektów. Jednak oko początkującego artysty nie zauważa nawet tej zmiany koloru.
Stałość percepcji może wzrosnąć i zintensyfikować się z wielu powodów. Im silniejsze oświetlenie chromatyczne, a także im większa odległość, z której obiekt jest obserwowany, tym słabszy przejaw stałości. Zdolność powierzchni przedmiotu do silnego odbijania promieni świetlnych również przyczynia się do stałej percepcji: obiekty o jasnym kolorze wyraźniej pokazują wpływ koloru oświetlenia. Dostosowania światła i koloru zwiększają stałość percepcji. Obserwując zimowy krajobraz przy pochmurnej pogodzie, widać tylko złożone szarawe odcienie. Jeśli spojrzysz na to samo motyw zimowy z okna pokoju oświetlonego elektrycznie, wówczas krajobraz za oknem będzie odbierany jako intensywnie niebieskawy. Jeśli opuścisz pokój pod gołym niebem, to po kilku minutach niebieski ton krajobraz zniknie. Podobnie zerowa stałość na widowni objawia się w barwnym oświetleniu sceny teatralnej; po wygaśnięciu ciepłego oświetlenia elektrycznego w sali kurtyna otwiera się i widz podziwia scenę zimy, światła księżyca lub innych warunków oświetleniowych.
W wyniku praktyki artysta nabywa umiejętność dostrzegania w przyrodzie zmian koloru przedmiotu pod wpływem środowiska i oświetlenia, dostrzega i przekazuje całe bogactwo i różnorodność świata zewnętrznego, bardzo wiele gradacji kolorystycznych. W rezultacie oświetlenie na płótnie wydaje się przekonujące, a kolor wydaje się skomplikowany i wzbogacony przez otoczenie i oświetlenie. Wielu artystów i pedagogów wykonywało specjalne ćwiczenia, tworząc modele wizualne, aby zrozumieć cechy kolorystyczne różnych warunków oświetleniowych. K. Monet na przykład napisał serię badań przedstawiających ten sam obiekt (stóg siana), badając w ten sposób zmianę koloru w różnych warunkach oświetleniowych w przyrodzie. Aby rozwinąć ciągłą percepcję, N. N. Krymow umieścił biały sześcian, pomalowany z jednej strony czarną farbą i oświetlił go od tej strony mocną lampą, pozostawiając białą stronę w cieniu. Jednocześnie jego uczniowie byli przekonani, że czarna, oświetlona strona sześcianu jest jaśniejsza od białej, która znajdowała się w cieniu. Krymov zaproponował uczniom napisanie małego kartonowego ekranu akordeonowego, którego płaszczyzny pomalowano na różne kolory i oświetlono z dwóch stron: z jednej strony - lampą elektryczną, z drugiej - światłem dziennym. Promienie lampy kierowane były na obszary pomalowane na kolory chłodne, natomiast barwy ciepłe zamieniane były na światło dzienne. Uczniowie byli przekonani, że warunki oświetleniowe w znaczący sposób zmieniają kolory przedmiotów, uwalniając się tym samym od ciągłego postrzegania kolorów.
Początkujący malarz musi pozbyć się stałości percepcji i potrafić dostrzec kształt przedmiotu, jego lekkość i barwę, ze względu na jasne otoczenie, oświetlenie i przestrzeń.
Projekt - w sztukach plastycznych istota, cecha charakterystyczna struktury formy, sugerująca naturalny związek pomiędzy częściami formy, jej proporcje.
Kontrast - 1) wyraźna różnica, przeciwieństwo dwóch wielkości: wielkości, koloru (jasnego i ciemnego, ciepłego i zimnego, nasyconego i neutralnego), ruchu itp.; 2) lekkość i kontrast chromatyczny - zjawisko, w którym postrzegana różnica jest znacznie większa niż podstawa fizyczna. Na jasnym tle kolor obiektu wydaje się ciemniejszy, na ciemnym tle kolor wydaje się jaśniejszy. Kontrast światła jest najbardziej wyraźnie potrójny na granicy ciemnych i jasnych powierzchni. Kontrast chromatyczny to zmiana odcienia i nasycenia pod wpływem otaczających kolorów (kontrast jednoczesny) lub pod wpływem kolorów wcześniej zaobserwowanych (kontrast sekwencyjny). Na przykład: zielony kolor obok czerwieni zwiększa jej nasycenie. Szary kolor na czerwonym tle nabiera zielonkawego odcienia. Kontrast chromatyczny jest silniejszy, gdy kolory oddziałujące na siebie mają w przybliżeniu taką samą jasność.
biurowy - proces uzyskiwania kopii rysunku lub rysunku; można wykonać na różne sposoby: nakłuwając, śledząc, ściskając, przerysowując pod światło, przerysowując wzdłuż siatki, a także za pomocą pantografu i epidiaskopu.
perforacja - metoda kopiowania bez zmiany skali: oryginał umieszcza się na czystej kartce papieru i za pomocą cienkiej igły nakłuwa się wszystkie charakterystyczne punkty rysunku lub rysunku, przez które następnie rysuje się linie ołówkiem na nakłutym papierze .
Rysunek kalkowy - sposób kopiowania bez zmiany skali. Na oryginał nakłada się kalkę, na której obraz jest rysowany ołówkiem lub tuszem; powierzchnię roboczą kalki należy najpierw odtłuścić – przetrzeć proszkiem kredowym lub węglanem magnezu.
Ściskanie - sposób kopiowania bez zmiany skali: pod oryginał lub jego kopię na kalce kładzie się suchą papier transferowy; Ostra igła jest prowadzona wzdłuż linii oryginalnego obrazu, dzięki czemu przetłumaczony obraz jest odciskany na czystej kartce papieru. Odwrotną stronę oryginału (kalka) można przetrzeć miękki ołówek, w takim przypadku przesłany obraz jest wyraźniejszy.
Przerysowywanie do światła - sposób kopiowania bez zmiany skali. Oryginał umieszcza się na szkle i przykrywa czystym papierem lub kalką; za szybą znajduje się źródło światła (światło dzienne lub elektryczne); linie oryginału prześwitującego przez papier są zakreślone ołówkiem. Istnieją specjalne kopiarki przystosowane do tego celu.
Przerysowanie siatki - metoda kopiowania z możliwą zmianą skali (powiększenie lub pomniejszenie obrazu) z wykorzystaniem siatki współrzędnych wykonanej na oryginale i czystej kartce papieru. Obraz jest rysowany „przez komórki”. Komórki zbudowane są w kształcie kwadratu lub prostokąta. Przerysowywanie komórkami jest bardzo pracochłonne i nie pozwala na oddanie linii oryginału z nienaganną dokładnością, ponieważ odbywa się to zarówno okiem, jak i ręką.
Nakładanie farb na ciało (pastozę). - wykonanie gabinetu lub obrazu gęstą, kryjącą, stosunkowo grubą warstwą farby olejnej, często o fakturze reliefowej.
Kroki - szybki szkic z natury, rzadziej szybkie utrwalenie pomysłu kompozycyjnego w formie rysunku. Określenie „crocs” jest mało przydatne; Przez zdrowy rozsądek zbliża się do szerszego terminu „szkic”.
Drzeworyt - drzeworyt, główna odmiana techniczna grawerowania wypukłego, w ogóle najstarsza technika grawerowania. Drzeworyty wykonuje się poprzez wycinanie na desce, najczęściej gruszkowej, bukowej, i nakładanie na nią tych części ryciny, które powinny pozostać białe. W grawerowaniu wzdłużnym lub krawędziowym włókna deski układają się równolegle do jej powierzchni, a pracę wykonuje się głównie za pomocą szpiczastych noży. Możliwości tej techniki są stosunkowo wąskie, ale trudności są znaczne (ponieważ opór materiału włóknistego wobec noża jest nierówny w różnych kierunkach). Grawer końcowy wykonywany jest na desce z włóknem prostopadle do powierzchni; jej główne narzędzie, grawer, pozwala na bardzo precyzyjne i różnorodne techniki.
W przeciwieństwie do innych rodzajów grawerowania wklęsłego, drzeworyty można drukować wraz ze składem na konwencjonalnej prasie drukarskiej i dlatego często wykorzystuje się je w ilustracjach książkowych.
Mający szczęście . Artyści lakierują podłoża, aby zapobiec przedostawaniu się oleju z farb, wprowadzają werniksy do spoiwa farby, nakładają je na stwardniałą warstwę farby przed dalszą pracą (w celu lepszego połączenia warstw) i na koniec lakierują gotowe prace. Jednocześnie lakier zwiększa nasycenie kolorów. Folia lakieru chroni obraz przed bezpośrednim kontaktem ze szkodliwymi gazami atmosferycznymi, kurzem i sadzą w powietrzu. Lakiery wchodzące w skład farby olejnej przyczyniają się do jej bardziej równomiernego i szybszego schnięcia, a warstwy farby lepiej wiążą się z podłożem i sobą. Lepiej jest pokryć obrazy werniksami terpentynowymi niż olejnymi (wtedy mniej ciemnieją). Lakier-utrwalacz utrwala prace wykonane węglem, sangwiną, pastelami, akwarelami.
Modelowanie kształtu za pomocą koloru - proces modelowania obiektu, odsłonięcia jego objętości i materiału za pomocą odcieni kolorów, z uwzględnieniem ich zmian w jasności i nasyceniu.
Glazura - jedna z sztuczek technika malarska, polegający na nałożeniu bardzo cienkich warstw trwałych i półprzezroczystych farb na wyschniętą, zwartą warstwę innych farb. Dzięki temu uzyskuje się szczególną lekkość, dźwięczność barw, która jest efektem ich optycznego wymieszania.
Linoryt - grawer na linoleum, rodzaj graweru wypukłego. Pod względem techniki i środków artystycznych linoryt przypomina drzeworyt, a w druku często różni się od niego jedynie brakiem drobnych szczegółów.
Litografia - w sztukach wizualnych szeroko rozpowszechniony rodzaj techniki graficznej związany z obróbką kamienia (gęsty wapień) lub zastępującej go blachy (cynk, aluminium).
Artysta wykonuje litografię rysując po ziarnistej lub gładkiej powierzchni kamienia odważnym ołówkiem litograficznym i specjalnym tuszem. Po wytrawieniu kamienia kwasem (działającym na niezatłuszczoną powierzchnię) wzór zostaje zmyty: zamiast tego nakładana jest farba drukarska, która przykleja się jedynie do niewytrawionych cząstek kamienia, dokładnie odpowiadających projektowi. Farbę rozprowadza się wałkiem po zwilżonym kamieniu; druk odbywa się na specjalnej maszynie.
lokalny koloryt - barwa charakterystyczna dla danego przedmiotu (jego kolor) i nie uległa żadnym zmianom. W rzeczywistości tak się nie dzieje. Kolor obiektu stale się zmienia pod wpływem siły i koloru oświetlenia, środowisko, przesunięcie przestrzenne i nie jest już nazywane lokalnym, ale uwarunkowanym. Czasami przez kolor lokalny rozumie się nie kolor podmiotowy, ale jednolitą plamę barwy uwarunkowanej, ujętą w zasadniczym stosunku do barw sąsiednich, bez ujawniania mozaiki odbić barwnych, bez niuansów tych plam głównych.
Sposób - w odniesieniu do praktyki artystycznej: charakter lub sposób wykonania jako cecha czysto techniczna (np. „szeroki sposób”).
W historii sztuki terminem „sposób” określa się czasem ogólne właściwości wykonawcze, charakterystyczne dla artysty lub szkoły artystycznej w danym okresie. twórczy rozwój(np. „późne zachowanie Tycjana”).
Manerowość - w praktyce artystycznej: cechy podejścia i wykonania, pozbawione prostoty i naturalności, prowadzące do rezultatów pretensjonalnych, naciąganych lub warunkowych. Najczęściej manieryzm nazywa się upodobaniem do jakiegoś pozornie spektakularnego, wyuczonego sposobu bycia i wszelkiego rodzaju stronniczych technik artystycznych, skłonnością do stylizacji. Skrajnego wyrazu manieryzmu nadaje praktyka formalistyczna współczesnej sztuki mieszczańskiej.
Farby olejne - barwniki zmieszane z olejem roślinnym: lnianym (głównie), makowym lub orzechowym; farby olejne pod wpływem światła i powietrza stopniowo twardnieją. Wiele podłoży (płótno, drewno, karton) jest wcześniej zagruntowanych pod kątem pracy z farbami olejnymi. Najczęściej stosowanym podkładem jest: materiał pokrywa się płynnym klejem stolarskim, a po wyschnięciu naciera pumeksem, a następnie posypuje drobnym proszkiem kredowym zmieszanym z wodą klejową do konsystencji śmietany. Aby oczyścić pędzle, myje się je w nafcie, terpentynie lub benzynie, a na koniec w ciepłej wodzie z mydłem, wyciskając farbę z nasady pędzla, po czym spłukuje się je w czystej wodzie.
Materialność przedstawiane przedmioty przekazywane są przede wszystkim przez naturę światłocienia. Obiekty składające się z różnych materiałów charakteryzują się charakterystyczną gradacją światłocienia. Cylindryczny obiekt gipsowy charakteryzuje się płynnymi przejściami od światła poprzez półcień, cień i refleks. Szklane naczynie cylindryczne nie ma wyraźnych stopni światłocienia. W jego formie liczy się tylko blask i refleks. Przedmioty metalowe charakteryzują się także głównie odblaskami i odbiciami. Jeśli oddasz na rysunku naturę światłocienia, obiekty będą wyglądać materialnie. Kolejnym, jeszcze ważniejszym warunkiem, od którego zależy przedstawienie właściwości materialnych przedmiotów, jest spójność w rysunkowym lub obrazowym badaniu relacji tonalnych i kolorystycznych pomiędzy obiektami proporcjonalnych do natury. Postrzegając materialne cechy przedmiotów, nasza świadomość opiera się głównie na ich relacjach tonalnych i kolorystycznych (różnicach). Dlatego też, jeśli charakter światłocienia, relacje tonalne i kolorystyczne zostaną przekazane zgodnie z wizualnym obrazem natury, otrzymamy prawdziwy obraz materialnych cech obiektów martwej natury lub obiektów krajobrazu.
Malowanie warstwowe - najważniejszy rodzaj techniczny malarstwa olejnego, wymagający podziału pracy na kilka kolejnych etapów (podmalowanie, rejestracja, szkliwienie), rozdzielonych przerwami na całkowite wyschnięcie farby. Przy wykonywaniu dużej kompozycji tematycznej, a także w ogóle podczas długotrwałej pracy, malarstwo wielowarstwowe jest jedyną pełnoprawną techniką malarstwa olejnego. Zanim połowa XIX V. wszyscy główni postępowi artyści przeszłości używali tej techniki jako głównej. Później porzucili go impresjoniści i ich zwolennicy.
Z wąskiego technologicznego punktu widzenia, niezwiązanego z techniką dawnych mistrzów, koncepcja malowania wielowarstwowego może odpowiadać jedynie rejestracji na wyschniętej warstwie farby (bez podmalowania i glazury).
Modelowanie - w sztukach wizualnych: przenoszenie właściwości wolumetryczno-plastycznych i przestrzennych świata obiektywnego poprzez gradację światła i cienia (malarstwo, grafika) lub odpowiednią plastyczność form trójwymiarowych (rzeźba, zwłaszcza relief). Modelowanie odbywa się zwykle z uwzględnieniem perspektywy, w malarstwie dodatkowo za pomocą gradacji kolorystycznych, które nierozerwalnie łączą się ze światłocieniem. Zadania modelowania nie ograniczają się do prostego odtworzenia obiektywnego świata: uczestnicząc w ideologicznych i figuratywnych cechach przedmiotu, uogólnia, uwydatnia i ujawnia to, co najistotniejsze.
Modernizm - ogólne określenie kierunków sztuki i literatury końca XIX-XX wieku. (Kubizm, Dadaizm, Surrealizm, Futuryzm, Ekspresjonizm, Sztuka Abstrakcyjna itp.). Do głównych cech modernizmu zalicza się: zaprzeczanie poznawczej i społecznej roli sztuki, jej ideologii, narodowości, zastępowanie sztuki wszelkimi chwytami, całkowite wypaczenie lub nieznajomość zawodowych tradycji realistycznego dziedzictwa artystycznego.
Mozaika - specjalny techniczny rodzaj malarstwa monumentalnego, polegający na zastosowaniu jako głównego materiału artystycznego wielobarwnych brył - smalty, naturalnych kamieni kolorowych, kolorowych emalii na wypalanej glinie itp. Obraz składa się z kawałków takich materiałów, dobrze do siebie dopasowanych, wzmocnionych cementem lub specjalnym mastyksem, a następnie wypolerowanych. Według metody tzw. zestawu bezpośredniego mozaikę wykonuje się od strony frontowej – w przeznaczonym do tego miejscu (ściana, sklepienie itp.) lub na osobnej płycie, którą następnie wtapia się w ścianę. W przypadku zestawu rewersowego kolorowe elementy są widoczne dla artysty jedynie od tyłu, gdyż są naklejone przednią powierzchnią na tymczasową cienką podszewkę (usuniętą po przeniesieniu mozaiki na ścianę). Pierwsza z tych metod jest stosunkowo skomplikowana i czasochłonna, ale doskonalsza z artystycznego punktu widzenia.
Sztaluga - maszyna (stąd definicja „malarstwa sztalugowego”), niezbędna artyście do utrzymania pożądanego pochylenia obrazu podczas pracy. Głównym wymaganiem dla sztalugi jest stabilność.
Monotyp - specjalny rodzaj techniki graficznej związany z procesem drukowania, ale znacznie różniący się od wszelkiego rodzaju grawerowania całkowitym brakiem wpływów mechanicznych lub technicznych na powierzchnię tektury. Farby nakłada się ręcznie na gładką powierzchnię, a następnie drukuje na maszynie. Otrzymany odcisk palca jest jedyny
i wyjątkowy.
Mmonumentalność w dziełach malarstwa sztalugowego wynika ze społecznego znaczenia tematu obrazu, jego heroicznego patosu, głębi i mocy ucieleśnienia idei w odpowiednich obrazach - prostych, surowych, majestatycznych i wyrazistych.
szkic w kolorze - etiuda niewielkich rozmiarów, wykonana płynnie i szybko. Głównym celem takiego szkicu jest nabycie umiejętności pełnego postrzegania natury, znajdowania i przekazywania prawidłowych relacji kolorystycznych jej głównych obiektów. Wiadomo, że o pełnoprawnej strukturze obrazowej obrazu decyduje proporcjonalne przeniesienie różnic między głównymi plamami barwnymi natury. Bez tego żadne dokładne badanie szczegółów, odbić, mozaik odcieni kolorów nie doprowadzi do pełnoprawnego obrazu obrazowego.
Narodowość - związek sztuki z ludźmi, uwarunkowanie zjawisk artystycznych przez życie, walkę, idee, uczucia i aspiracje mas, wyraz w sztuce ich zainteresowań i psychologii. Jedna z podstawowych zasad socrealizmu.
Natura - w praktyce sztuk pięknych są to dowolne Zjawiska naturalne, przedmioty i przedmioty, które artysta przedstawia, obserwując bezpośrednio jako model. Z natury z reguły wykonuje się tylko szkic, szkic, szkic, portret, a czasem krajobraz.
Naturalizm - w sztukach wizualnych wyraża się w oderwaniu od szerokich uogólnień, od zasad ideologicznych i prowadzi do metody czysto zewnętrznego kopiowania wszystkiego, co znajdzie się w polu widzenia. Początkującym malarzom zdarza się czasem pomyśleć, że absolutnym celem sztuki pięknej jest rzetelne przedstawienie natury w przekazie jej walorów trójwymiarowych, materialnych i przestrzennych. Oczywiście konieczne jest opanowanie sztuk pięknych, technicznych technik malarskiego mistrzostwa. Równie ważne jest jednak jednoczesne rozwijanie umiejętności patrzenia na rzeczywistość oczami artysty. Malowniczy obraz nie jest lustrzanym odbiciem natury. „Malarstwo” – stwierdził I. I. Lewitan – „nie jest protokołem, ale objaśnianiem natury za pomocą malarstwa”. Malarz wybiera i uogólnia w barwnej różnorodności natury te elementy, które mogą ekspresyjnie przekazać ideowy i figuratywny projekt. Próbuje wydobyć istotę przedstawionego, pokazuje, co go ekscytowało. Świadczy to o osobowości artysty, jego światopoglądzie, a także guście i praktycznym doświadczeniu w stosowaniu kolorowych materiałów i technik.
Martwa natura - jeden z gatunków sztuk plastycznych poświęcony reprodukcji przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę za pomocą malarstwa jest oddanie kolorystycznego piękna otaczających człowieka przedmiotów, ich obszerną i materialną istotę, a także wyrazić swój stosunek do przedstawianego. Obraz martwej natury jest szczególnie przydatny w praktyce edukacyjnej w zakresie doskonalenia umiejętności malarskich. W martwej naturze artysta rozumie prawa harmonii kolorów, nabywa techniczną umiejętność obrazowego modelowania formy.
Uogólnienie artystyczne - umiejętność artysty poznawania obiektywnej rzeczywistości, odkrywania tego, co główne, istotne w przedmiotach i zjawiskach poprzez porównanie, analizę i syntezę. Dzieło sztuki jest efektem ogólnej wyrazistości, przy jednoczesnym zachowaniu całej oryginalności betonu. obraz wzrokowy.
W wąskim sensie zawodowym uogólnienie jest ostatnim etapem procesu rysowania lub malowania z natury, po szczegółowym przestudiowaniu formy. Na tym etapie pracy dopracowywane są szczegóły, aby stworzyć całościowy obraz natury, oparty na jej integralnej percepcji wzrokowej.
Artystyczny obraz - specyficzna forma odzwierciedlenia rzeczywistości w formie konkretno-zmysłowo postrzeganej wizualnie. Kreowanie obrazu artystycznego wiąże się ściśle z wyborem tego, co najbardziej charakterystyczne, z podkreśleniem istotnych aspektów przedmiotu lub zjawiska w granicach indywidualnej unikatowości tych obiektów i zjawisk. Wiadomo, że ludzka świadomość odzwierciedla nie tylko obiektywny wizualny obraz obiektu lub zjawiska, ale także emocjonalne cechy ich postrzegania. Dlatego obraz artystyczny w malarstwie zawiera nie tylko rzeczywiste cechy przedstawianego przedmiotu, ale także jego znaczenie zmysłowo-emocjonalne. Każdy obraz jest zarówno wiernym odzwierciedleniem obiektywnej rzeczywistości, jak i wyrazem uczuć estetycznych artysty, jego indywidualnego, emocjonalnego stosunku do przedstawianego, gustu i stylu.
Odwrócona perspektywa - błędna technika rysowania perspektywy, której istotą jest to, że równoległe i poziome linie w przestrzeni na obrazie są przedstawiane nie zbieżnie, ale rozbieżnie; pojawia się dość często w starożytnym malarstwie ikon, na skutek nieznajomości artystów elementarnych zasad konstruowania perspektywy (w niektórych przypadkach dopuszczalne jest celowe naruszenie zasad konstruowania perspektywy).
Ogólny ton i kolor stanu natury - wynik różnej mocy oświetlenia. Aby oddać stan innego oświetlenia (rano, po południu, wieczorem lub w szary dzień), podczas budowania systemu kolorów szkicu nie zawsze stosuje się jasne i jasne kolory palety. W niektórych przypadkach artysta buduje relację w zmniejszonym zakresie jasności i siły barwy (szary dzień, ciemny pokój), w innych przypadkach w jasnych i jasnych barwach (np. słoneczny dzień). Artysta zachowuje zatem relacje tonalne i barwne studium w różnych zakresach (skalach) tonalnych i barwnych. Przyczynia się to do transmisji stanu oświetlenia, co jest szczególnie ważne w malarstwie pejzażowym, ponieważ to właśnie ten stan decyduje o jego emocjonalnym oddziaływaniu (patrz skala tonalna i kolorystyczna obrazu).
Tom - obraz trójwymiarowości formy na płaszczyźnie. Realizuje się to przede wszystkim poprzez prawidłową konstruktywną i obiecującą konstrukcję tematu. Innym ważnym sposobem przenoszenia objętości na płaszczyźnie jest gradacja światła i cienia wyrażona kolorem: światło, światło, półcień, cień własny i padający, odruch. Obraz objętości na płaszczyźnie obrazowej ułatwia także kierunek kreski lub kreskowania, ich ruch w kierunku formy (na powierzchniach płaskich są proste i równoległe, na powierzchniach cylindrycznych i kulistych - łukowe).
Aureola - zjawisko znane również jako „napromieniowanie”; powstaje w wyniku rozproszenia jasnego światła w przezroczystej cieczy wypełniającej gałkę oczną. Ze względu na wzrost wrażliwości oka w ciemności, silnie reaguje ono na obserwację jasnych źródeł światła (ogień lub zapalona lampa). W dzień nie wydają się jasne, ale o zmierzchu lub w nocy mogą oślepić oczy. Oczy prawie nie dostrzegają koloru jasnych źródeł światła, ale aureola wokół świetlistych ciał lub silnie oświetlonych obiektów ma wyraźniejszy kolor. Płomień świecy wygląda prawie na biały, a aureola wokół niego jest żółta. Mocny akcent na błyszczącej powierzchni wydaje się biały, a aureola wokół niego nabiera właściwości kolorystycznych źródła światła. Cienkie pnie drzew na tle nieba są całkowicie owiane aureolą, to znaczy wyglądają na niebieskie, a na tle żółtego zachodu słońca - pomarańczowe lub czerwone. Kiedy aureola jest przekazywana na obraz, oko postrzega obiekty jako świecące (świeca, jasne okna w dzień i w nocy, gwiazdy na niebie itp.). Przedstawione bez aureoli, niezastąpiony towarzysz jasnego światła, pień drzewa i jego korona wyglądają jak twarda aplikacja na tle jasnego nieba, gwiazdy bez aureoli sprawiają wrażenie plamek farby natryskiwanej na ciemnym tle, jasne refleksy bez aureoli wyglądają jak jasne plamy na tle dzbanka.
Podstawy - w technologii malowania: materiał, na który nakładany jest podkład i warstwa farby obrazu. Najpopularniejszym rodzajem podłoża jest płótno, rzadziej stosuje się drewno (było to najpowszechniejsze podłoże w starożytności, średniowieczu i renesansie), karton, papier, metal, szkło, linoleum itp. W niektórych rodzajach malarstwa (na przykład fresk, akwarela itp.) podstawa jest używana bez specjalnego przygotowania.
pranie - 1) technika akwareli przy użyciu bardzo płynnej farby lub atramentu. Do barwienia porównawczego Duża powierzchnia jasnym tonem malują farbą przez około '/ * szklankę wody, pozwalają farbie osiąść (lepiej ją później przefiltrować) i za pomocą pędzla pobierają „roztwór” z góry, nie dotykając dna szkło; 2) wyklarowanie farby lub usunięcie jej z papieru za pomocą pędzla zamoczonego w czystej wodzie i zebranie nasączonej farby bibułą (procedurę powtarza się kilkukrotnie).
Relacje kolorów - różnice w przedmiotach ze względu na jasność i kolor: co jest z natury jaśniejsze, co ciemniejsze, plus różnice w kolorze i jego nasyceniu.
Odcień (niuans) - niewielka, często ledwo zauważalna różnica w kolorze, jasności lub nasyceniu koloru.
Akwaforta - trawienie igłowe lub liniowe, szeroko stosowana techniczna odmiana dogłębnego grawerowania w metalu. Prace nad trawieniem polegają na zarysowaniu podłoża grawerskiego specjalnymi igłami, najczęściej w technice swobodnego rysowania linii. Nierówny czas trawienia szczegółów obrazu kwasami skutkuje różnicami w sile i nasyceniu kreski. Technika trawienia charakteryzuje się względną prostotą i dużą elastycznością.
Wrażenie wizualne - wynik interakcji energii promienistej z narządem wzroku i postrzegania tej interakcji przez świadomość. W rezultacie osoba otrzymuje różnorodne wrażenia światła i koloru, bogate gradacje kolorów, które charakteryzują kształt przedmiotów i zjawisk naturalnych w różnych warunkach oświetlenia, środowiska i przestrzeni.
Paleta - 1) mała cienka deska o kształcie czworokątnym lub owalnym, na której artysta w trakcie pracy miesza farby; 2) dokładny wykaz kolorów stosowanych przez tego czy innego artystę w jego praktyce twórczej.
Panorama - płótno malarskie w formie zamkniętej okrągłej wstęgi. Na płótno przed obrazem umieszczane są różne prawdziwe fałszywe obiekty, które tworzą iluzję bezpośredniego przejścia rzeczywistej przestrzeni pierwszego planu w malarską przestrzeń obrazu. Panorama znajduje się w specjalnie do tego celu wybudowanej sali zdjęciowej z centralną, zwykle zaciemnioną platformą widokową. W odróżnieniu od panoramy diorama to malowniczy obraz w formie zakrzywionej półkolistej wstęgi.
Panoramy stworzone przez artystę F. A. Rubo „Obrona Sewastopola” (1902–1904) i „Bitwa pod Borodino” (1911) są wciąż niezrównanymi przykładami.
Pastel - kredki kolorowe bez oprawek, wykonane z farby proszkowej. Otrzymuje się je poprzez zmieszanie farby proszkowej z klejem (klej wiśniowy, dekstryna, żelatyna, kazeina). Pracuj pastelami na papierze, kartonie lub płótnie. Farby nakłada się pociągnięciami, jak na rysunku, lub wciera się palcami z cieniowaniem, co pozwala uzyskać najdrobniejsze niuanse kolorystyczne i najdelikatniejsze przejścia kolorystyczne, matową aksamitną powierzchnię. Podczas pracy z pastelami warstwy farby można łatwo usuwać lub nakładać na siebie, gdyż jest ona swobodnie zdrapywana z podłoża. Prace wykonane pastelami zazwyczaj utrwalane są specjalnym rozwiązaniem.
Pastyzm - 1) w technice malarstwa olejnego: znaczna grubość warstwy farby stosowanej jako medium artystyczne. Działając jako cecha techniczna, pasta zawsze pozostaje zauważalna dla oka i objawia się pewną nierównością warstwy farby, „pociągnięciem reliefowym” itp. Malowanie); 2) szczególna właściwość plastyczności materiału malarskiego, która pozwala nierozcieńczonej farbie olejnej całkowicie zachować kształt nadawany jej przez pędzel.
Sceneria - widok, obraz dowolnego obszaru; w malarstwie i grafice gatunek i odrębne dzieło, w którym głównym tematem obrazu jest natura. Często przedstawiane widoki miast i kompleksy architektoniczne(krajobraz architektoniczny), widok na morze (przystań).
Różnorodność (frakcyjność) obrazu - wady rysunku lub szkicu, które powstają, gdy początkujący artysta rysuje lub maluje naturę w częściach, „bezpośrednio”. W rezultacie kształt obiektów jest przeładowany szczegółami, ich kontury są ostre, wiele obiektów i ich powierzchnie wyglądają tak samo pod względem tonacji i siły koloru. Dzieje się tak dlatego, że niedoświadczony artysta, choć porównywał przedmioty tonem i kolorem, patrzył na nie na przemian, osobno. Kiedy artysta rozwinie umiejętność jednoczesnego (integralnego) widzenia i porównywania obiektów według trzech właściwości kolorystycznych (kolor, jasność, nasycenie), zanika różnorodność tonalna obrazu.
Plany przestrzenne - umownie podzielone obszary przestrzeni znajdujące się w różnych odległościach od obserwatora. Na zdjęciu wyróżnia się kilka planów: pierwszy, drugi, trzeci lub przód, środek, tył. Przestrzeń na płaszczyźnie płótna lub papieru przekazywana jest przede wszystkim poprzez prawidłową konstrukcję perspektywy. Jeśli obiekty lub bryły na planach przestrzennych zostaną narysowane bez ścisłego przestrzegania ich zmian perspektywy, rozwiązanie kolorystyczne niewiele pomoże w zobrazowaniu przestrzeni. Charakter obrysu wpływa również na przenoszenie walorów przestrzennych obrazu (na rysunku - charakter obrysu). Technika cieniowania obiektów na pierwszym planie jest bardziej zdefiniowana, sztywna i gęsta. Rozmazana farba jest bardziej pastowata, tłoczona, frakcyjna. Odległe plany przekazywane są delikatniejszym pociągnięciem, cienką warstwą farby.
Plastikowy - harmonia, wyrazistość i elastyczność form, linii, dostrzegana przez artystę w przedstawianej naturze.
Malowanie w plenerze - malowanie w plenerze. Aktywna wartość w pisaniu etiudy na dworze zmieniają się kolory natury pod wpływem światła i powietrza. W tym przypadku szczególną uwagę należy zwrócić na ogólny stan kolorystyczny i kolorystyczny natury (w zależności od siły i barwy oświetlenia) oraz zjawisko perspektywy powietrznej. Decydującym momentem w malowaniu w plenerze jest zgodność skali tonalnej i barwnej przy konstruowaniu relacji tonalnych i kolorystycznych studium (patrz skala tonalna i barwna obrazu):
Podmalowanie - etap przygotowawczy pracy nad obrazem, wykonywany w technice malarstwa olejnego. Podmalowanie odbywa się zwykle cienką warstwą farby i może być monochromatyczne lub wielokolorowe.
Nosze. Płótno, na którym artysta maluje obraz, rozciągnięte jest na noszach. Jego celem jest utrzymanie napięcia płótna. Zapewnia to niesztywne mocowanie drewnianych desek ramy pomocniczej. Dzięki ślepemu zapięciu rogów noszy trudno jest skorygować zwiotczenie płótna spowodowane wilgocią. Na listwach ramy pomocniczej wykonane są skosy skierowane do wnętrza ramy pomocniczej. W przeciwnym razie w miejscach styku płótna z wewnętrznymi żebrami naramiennika płótno ulega deformacji i pojawiają się na nim wewnętrzne żebra napinacza. Ramy pomocnicze o dużych rozmiarach wykonane są z krzyża, co zabezpiecza je przed odkształceniami ukośnymi i ugięciami listew.
Półcień - jedna z gradacji światłocienia na powierzchni trójwymiarowego obiektu, pośrednia między światłem a cieniem (zarówno w naturze, jak i na obrazie).
Portret - obraz, w którym wygląd konkretnej osoby, jej indywidualnych cech. Sztuka portretu wymaga, aby oprócz podobieństwa zewnętrznego wygląd człowieka odzwierciedlał jego zainteresowania duchowe, status społeczny i typowe cechy epoki, do której należy. Na portrecie powinien być obecny także osobisty stosunek artysty do przedstawionych osób, jego światopogląd, ślad jego twórczej postawy.
Prymitywizm - jeden z nurtów formalistycznych w sztukach wizualnych. Charakteryzuje się całkowitym odrzuceniem osiągnięć realizmu na rzecz naśladowania form artystycznych tzw. epok prymitywnych (plemiona prymitywne), celowo zapożyczając cechy rysunków dziecięcych itp.
Rejestracja - w technice malarstwa olejnego, główny etap wykonania dużego płótna, po którym następuje podmalowanie, poprzedzający szkliwienie. Liczba rejestracji uzależniona jest od stopnia zaawansowania pracy artysty; każdy z nich kończy się całkowitym wyschnięciem farby. W szerokim i niedokładnym znaczeniu tego słowa podmalowanie, a także wszelka obróbka już wykończonego płótna lub jego części, nazywana jest czasem rejestracją.
Proporcje - stosunek wielkości obiektów lub ich części do siebie i do całości. Na rysunku lub malarstwie relacje te są przekazywane proporcjonalnie, to znaczy podobne, zmniejszone lub zwiększone o tę samą liczbę razy. Decydujące znaczenie ma zachowanie proporcji, gdyż to one są najbardziej charakterystyczną cechą tematu i stanowią podstawę prawdziwego i wyrazistego wizerunku.
Proporcjonalność relacji - prawo malarstwa realistycznego, które określa związek każdej jasnej plamy badania z innymi, proporcjonalny do wizualnego obrazu natury, ważny warunek prawdziwego i całościowego przedstawienia rzeczywistości. Nasza percepcja wzrokowa i rozpoznawanie kształtu, koloru, materiału przedmiotów, stanu oświetlenia opiera się na ich relacjach tonalnych i kolorystycznych. Cechy tonu i koloru są postrzegane wizualnie nie w izolacji, ale w zależności od otoczenia, wraz z innymi tonami i kolorami. Dlatego artysta odtwarza na szkicu różnice tonalne i kolorystyczne natury, a także wymiary perspektywiczne obiektów, metodą proporcjonalnej korespondencji obrazu z wizualnym obrazem natury. Osiąga się w ten sposób stan oświetlenia studium, prawdziwe modelowanie trójwymiarowej formy, materialności, głębi przestrzennej i innych walorów obrazowych obrazu.
Proces malowania z natury wiąże się ze szczególną kolejnością wykonywania pracy na początku, w środku i na etapie końcowym. Proces ten przechodzi od ogólnego do szczegółowego opracowania formy i kończy się uogólnieniem - podkreśleniem głównego i podporządkowaniem mu drugorzędnego. W malowaniu na tych etapach są następujące specyficzne zadania: 1) znalezienie zależności głównych plam barwnych z uwzględnieniem tonu i stanu barwy oświetlenia (jego siły i składu widmowego), 2) „rozstępy” barwy w obrębie znalezionych podstawowych zależności, modelowanie barwy trzech -wymiarowy kształt poszczególnych obiektów, 3) na etapie uogólnienia - złagodzenie ostrych konturów obiektów, wyciszenie lub uwydatnienie tonu i koloru poszczególnych obiektów, uwypuklenie tego, co główne, podporządkowanie mu tego, co wtórne. Ostatecznie cały obraz obrazowy zostaje doprowadzony do integralności i jedności, do wrażenia, jakie wywołuje wzrok, widząc naturę jako całość.
Rozcieńczalniki . W przypadku farb akwarelowych i gwaszowych jedynym rozcieńczalnikiem jest woda. Do rozcieńczania farb olejnych stosuje się kompozycje pochodzenia terpentynowego (pinen nr 4) lub produkty naftowe zmieszane z alkoholem lub olejem lnianym (rozcieńczalniki nr 1, 2). Dodatek np. pinenu do farb olejnych przyczynia się do ich szybkiego wysychania. Dodatkowo, w celu zapewnienia lepszej przyczepności warstw farby, przed ponowną rejestracją utwardzoną powierzchnię warstwy farby przeciera się pinenem.
Kąt - perspektywiczna redukcja formy przedmiotu, prowadząca do zmiany jego zwyczajowych konturów; ostro wyraźne skurcze, które występują, gdy obiekt jest obserwowany z góry lub z dołu.
Rama. Obraz stworzony przez artystę posiada ramę. Dopełnia kompozycję, nadaje jej jedność, kieruje uwagę widza na samo dzieło. Najczęściej rama ma kształt prostokąta, czasami jest okrągła lub owalna. Często listwy ramy mają cienkie profile, przypominające stopnie schodzące do samego obrazu. Pomagają oku widza łatwiej zanurzyć się w świecie przedstawionym. Artyści traktują ramę jako istotny element kompozycji malarskiej i malują ją w jasnych i ciemnych barwach. różne odcienie. Dostępne są ramki z bogatymi motywami plastikowymi, konwencjonalnymi zdobieniami roślinnymi lub geometrycznymi.
Realizm - metoda twórczości artystycznej oparta na głębokiej znajomości życia i figuratywnym odzwierciedleniem jego istoty i piękna. Realizm w malarstwie opiera się na przedstawieniu życia w jego formach. Artysta nieustannie studiuje życie z ołówkiem i pędzlem w dłoni i doskonale opanowuje umiejętność wiernego przedstawiania przedmiotów i obiektów rzeczywistości. Bez organicznej wiedzy i uogólnienia życia z jednej strony i umiejętności urzeczywistnienia tego wszystkiego w konkretnym obrazie wizualnym z drugiej strony, obraz artystyczny w obrazie zamienia się w schemat pozbawiony życiowej perswazji.
realizm socjalistyczny - metoda sztuki socjalistycznej, mająca na celu prawdziwe, historycznie konkretne odzwierciedlenie rzeczywistości w jej rewolucyjnym rozwoju w celu ideologicznego i estetycznego wychowania ludzi w duchu socjalizmu i komunizmu.
Odruch - refleksy świetlne lub kolorowe powstające na formie w wyniku odbicia promieni świetlnych od otaczających obiektów. Kolory wszystkich obiektów łączą się ze sobą za pomocą odbić. Im większa różnica w jasności i kolorze pomiędzy dwoma sąsiednimi obiektami, tym bardziej zauważalne są odruchy. Na chropowatych, matowych powierzchniach są słabsze, na gładkich są bardziej widoczne i wyraźniejsze w zarysie. Na wypolerowanych powierzchniach są one szczególnie wyraźne (w tym przypadku wzmocnione są odbiciem lustrzanym).
Rysunek -1) pełnoprawne odwzorowanie obiektywnego świata: modelowanie wolumetryczno-przestrzenne, prawidłowe proporcje, prawdziwa ekspresja, jasno określony charakter itp. Na tym opiera się realistyczny obraz rzeczywistości w ogóle - wszelkimi środkami i technikami technicznymi. Nauczanie rysunku jest istotną częścią kształcenia zawodowego malarza, grafika i rzeźbiarza; 2) rodzaj grafiki artystycznej opartej na środkach technicznych i możliwościach rysunkowych. W przeciwieństwie do malarstwa, rysunek wykonuje się głównie za pomocą stałego barwnika (ołówek, węgiel, sangwina itp.), Z reguły za pomocą pociągnięcia i linii, z pomocniczą rolą koloru; 3) odrębne dzieło o odpowiednim typie grafiki.
Rytm i rytm - powtarzalność niektórych elementy kompozycyjne dzieł, ich szczególną proporcjonalność, prowadzącą do harmonijnej, regularnej spójności całości. Rytm może objawiać się kontrastami i zgodnością grup postaci, obiektów, linii, ruchów, plam czarno-białych i kolorowych, planów przestrzennych itp.
Światło - element gradacji światła i cienia, służy do wyznaczenia oświetlonej części powierzchni obiektów.
Lekkość (ton) - stopień porównawczy różnicy w stosunku do ciemności: im dalej od ciemności, tym większa jasność koloru.
Otwór - stopień lekkości tematu, jego ton. Przysłona zależy od obecności innych (sąsiadujących) tonów, a także od koloru obiektów.
Światłocień - regularne gradacje światła i ciemności w wolumetrycznej formie obiektu, dzięki czemu oko postrzega zarówno w naturze, jak i na rysunku takie obiektywne właściwości, jak objętość i materiał. Główne gradacje światłocienia: podświetlenie, światło, półcień, własny cień, odruch, padający cień.
właściwości koloru - odcień lub odcień koloru: czerwony, niebieski, żółty, żółto-zielony, jasność i nasycenie (stopień jego odmienności od szarości, czyli stopień zbliżenia do czystego koloru widmowego). W procesie malowania te trzy właściwości służą do porównania kolorów naturalnego otoczenia, znalezienia różnic kolorystycznych i przeniesienia ich na szkic w proporcjonalnych relacjach.
Spoiwo ma działanie ściągające (klej, olej, wapno gaszone, żółtko kurze jajo), za pomocą którego cząsteczki pigmentu łączą się ze sobą i utrwalają na powierzchni gleby, tworząc warstwę farby. Rodzaje malarstwa - fresk, obraz olejny, tempera - różnią się dokładnie składem spoiwa, chociaż pigment z reguły jest taki sam.
Sylwetka - jednokolorowy obraz planarny ciemny na jasnym tle. osoba, zwierzę lub przedmiot. Termin pochodzi od nazwiska francuskiego Ministra Finansów z XVIII wieku. E. de Silhouette, który został karykaturowany w formie profilu cienia.
Symbol. - obraz, który alegorycznie wyraża dowolną szeroką koncepcję lub abstrakcyjną ideę. W przypadku, gdy związek symbolu z wyrażaną przez niego koncepcją wynika z wewnętrznego podobieństwa znaczeniowego, związku między przedstawianym przedmiotem a jego alegorycznym znaczeniem, użycie symbolu staje się właściwe i możliwe w sztuce realistycznej. Symbolu używa się, gdy chcą wyrazić szeroką, wieloobejmującą koncepcję w zwięzłej i zwięzłej formie.
Treść i forma w sztuce - kategorie nierozerwalnie powiązane i współzależne, z których jedna wskazuje, co dokładnie znajduje odzwierciedlenie i wyraz w dziele (treść), a druga wskazuje, w jaki sposób i za pomocą jakich środków jest to osiągane (forma). Wiodąca, decydująca rola należy do treści. Staje się pewnym fenomenem życia, realizowanym i estetycznie rozumianym przez artystę w procesie pracy twórczej. Do kategorii formy artystycznej w sztukach wizualnych zalicza się: fabułę, kompozycję, typ, rysunek, kolorystykę, objętość, przestrzenność, konstrukcję światła i cienia itp. Należy zaznaczyć, że walory artystyczne dzieła zależą bezpośrednio od tego, jak profesjonalnie wyszkolony artysta używa form wyrazu. Bez praktycznego opanowania kultury posługiwania się kolorem nie da się wyrazić treści figuratywnych za pomocą malarstwa w określonym materiale.
Porównanie - metoda określania proporcji, relacji tonalnych i kolorystycznych itp. Właściwości i cechy są poznawane przez naszą świadomość poprzez porównanie. Zrozumienie natury formy przedmiotu, określenie jego tonu i koloru jest możliwe tylko w porównaniu z innymi obiektami. Aby wiernie przedstawić naturę, artysta musi stworzyć na szkicu proporcjonalne do natury różnice w obiektach pod względem wielkości, tonu i koloru. Tylko metodą porównania (z integralnym postrzeganiem natury) można określić w przyrodzie relacje kolorystyczne między przedmiotami i przenieść je na płótno lub papier.
Stylizacja - 1) celowe naśladownictwo styl artystyczny charakterystyczne dla każdego autora, gatunku, nurtu, sztuki i kultury określonego środowiska społecznego, narodowości, epoki. Zwykle polega na swobodnej interpretacji treści i stylu dzieła sztuki, które posłużyło za prototyp; 2) w sztukach wizualnych, a głównie w sztuce dekoracyjnej, projektowanie, uogólnianie przedstawionych postaci i przedmiotów przy użyciu technik warunkowych; stylizacja jest szczególnie charakterystyczna dla ozdoby, która zamienia przedmiot obrazu w motyw wzoru.
Styl - 1) wspólność cech ideowych i artystycznych dzieł sztuki danej epoki. O wyglądzie i zmianie stylu decyduje kurs rozwój historyczny społeczeństwa (na przykład klasycyzm, barok itp.); 2) narodowa cecha sztuki (styl chiński, mauretański itp.). Mówią także o stylu grupy artystów lub jednego artysty, jeśli ich prace wyróżniają się jasnymi indywidualnymi cechami.
Sucha szczotka - w malarstwie i grafice technika pomocnicza polegająca na pracy pędzlami twardymi, słabo nasyconymi farbą. Jako niezależna technika suchy pędzel jest stosowany głównie w sztuce dekoracyjnej.
Sfumato - w malarstwie i grafice termin kojarzony z malarstwem włoskiego renesansu począwszy od Leonarda da Vinci i oznaczający miękkość wykonania, nieuchwytność konturów przedmiotu wynikającą z pewnego podejścia artystycznego.
Działka - 1) konkretne wydarzenie lub zjawisko ukazane na zdjęciu. Ten sam motyw można ujawnić w różnych wątkach; 2) czasami przez fabułę rozumie się dowolny obiekt żywej natury lub obiektywnego świata, wzięty za obraz. Często fabuła zastępuje koncepcję motywu, na którym opiera się dzieło (zwłaszcza pejzaż).
Proces twórczy (kreatywność) - proces powstawania dzieła sztuki, od narodzin idei figuratywnej do jej urzeczywistnienia, proces przekładania obserwacji rzeczywistości na obraz artystyczny. W malarstwie twórczość polega na tworzeniu dzieła w bezpośrednio autentycznych, widzialnych formach.
Temat - zakres zjawisk wybranych przez artystę do przedstawienia i ujawnienia idei dzieła.
farby temperowe - farby wodne wykonane z suchych proszków zmieszanych z żółtkiem jaja rozcieńczonym wodą z klejem. Obecnie produkuje się także farby półpłynne, zamykane w tubkach i przygotowywane na żółtku, całym jajku lub emulsji z olej roślinny z jajkiem i klejem. Farbami temperowymi można pisać gęsto jak oleje i cienką jak akwarele, rozcieńczając je wodą. Wysychają wolniej niż gwasz. Wadą jest różnica w odcieniach farby surowej i suszonej. Obrazy malowane farbami temperowymi mają matową powierzchnię, dlatego czasami pokrywane są specjalnym werniksem, który likwiduje tę matowość.
Cień - element światłocienia, czyli najsłabiej oświetlonych obszarów w przyrodzie i na obrazie. Istnieją cienie własne i spadające. Cienie należące do samego obiektu nazywane są cieniami właściwymi. Spadające cienie to cienie rzucane przez ciało na otaczające obiekty.
Kolory ciepłe i zimne . Ciepłe kolory są warunkowo kojarzone z kolorem ognia, słońca, gorących obiektów: czerwony, czerwono-pomarańczowy, żółto-zielony. Zimne kolory kojarzą się z kolorem wody, lodu i innych zimnych obiektów: zielono-niebieski, niebieski, niebiesko-niebieski, niebiesko-fioletowy. Te cechy koloru są względne i zależą od położenia innego koloru w pobliżu. Na przykład ultramaryna sama w sobie jest zimna, obok błękitu pruskiego będzie ciepła, a cętkowana czerwień będzie wydawać się zimniejsza niż czerwień cynobrowa.
W kolorystyce widzialnej natury zawsze obecne są zarówno ciepłe, jak i zimne odcienie. Ta ciepła-zimność odcieni opiera się przede wszystkim na naturalnych kontrastach kolorystycznych w świetle i cieniu. W naturze często zdarza się, że kolory obiektów są zimne, a ich cienie ciepłe i odwrotnie. Do zjawiska chłodu przyczynia się również tak zwane kontrastowe wizualne postrzeganie kolorów: z powodu obecności ciepłej barwy w postrzeganej naturze na siatkówce powstaje wrażenie zimnej, choć w przyrodzie tak nie jest. Ciepło-chłód w malarstwie jest zjawiskiem naturalnym i integralną cechą malarskiego przedstawienia studium natury lub obrazu.
Technika - w dziedzinie sztuki: zespół specjalnych umiejętności i technik, za pomocą których następuje wykonanie dzieła sztuki. Pojęcie „technologii” w wąskie znaczenie słowa zwykle odpowiadają bezpośredniemu, natychmiastowemu wynikowi pracy artysty ze specjalnym materiałem i narzędziem, umiejętności wykorzystania artystycznych możliwości tego materiału; w szerszym znaczeniu pojęcie to obejmuje także odpowiednie elementy o charakterze obrazowym – przenoszenie materialności przedmiotów, modelowanie form trójwymiarowych, modelowanie relacji przestrzennych itp. Bez wyjątku wszelkie środki techniczne powinny prowadzić do znany, przynajmniej skromny, wynik artystyczny.
Techniczne środki artystyczne nie pozostają neutralne w stosunku do treści. Główne cechy techniki realistycznej wynikają przede wszystkim z jej podporządkowania ideowo-figuratywnej strukturze dzieła.
Ttechnika malarska - patrz malarstwo olejne, akwarela, gwasz, tempera, malarstwo klejone, pastel, enkaustyka, fresk, mozaika.
Ton (bez towarzyszącego słowa „kolor”) – w terminologii artystów jest równoznaczne z pojęciem lekkości koloru (farby). Każdy kolor chromatyczny lub achromatyczny może mieć różną jasność. O tonie w obrębie tego samego koloru można powiedzieć np. o kolorze czerwonym: „jasny odcień czerwonej farby” lub „ciemny odcień farby”. Czasami termin „ton” jest używany w odniesieniu do koloru, na przykład „złoty odcień panelu”, „brązowy odcień obrazu”. Artyści często używają terminu „jasność” lub „apertura” koloru zamiast terminu „ton” koloru.
Klucz - termin określający zewnętrzne cechy koloru lub światłocienia w dziełach malarstwa i grafiki. Występuje częściej w odniesieniu do koloru i pokrywa się z terminem „gama kolorów”.
Skala tonalna i kolorystyczna obrazu . Przeniesienie proporcji tonalnych i kolorystycznych proporcjonalnych do natury można przeprowadzić w różnych zakresach jasności i nasycenia barw palety. Zależy to od ogólnego stanu siły iluminacji natury i od jej usunięcia z malarza. Artysta może na studium wziąć najjaśniejsze i najbardziej nasycone kolorami obiekty natury albo w pełnej mocy jasnych i jasnych barw palety, albo tylko w połowie ich możliwości. W ten sposób zachowana jest skala tonalna i kolorystyczna obrazu, w której odzwierciedlone są relacje tonalne i kolorystyczne obiektów naturalnej produkcji.
obraz tonowy - obraz z różnymi przejściami tonalnymi od światła do cienia, to znaczy z obszarami o różnej sile tonów. Typowym przykładem obrazu tonowego jest fotografia, jednobarwny rysunek olejny lub akwarelowy (grisaille), a także rysunek ołówkiem wykonany techniką cieniowania.
relacje tonowe . Rozpoznawanie wolumetrycznej formy obiektów, ich materiału pojawia się w naszych umysłach na podstawie wizualnej percepcji ich relacji świetlnych. Dlatego artysta musi odtworzyć proporcje jasności rysunku metodą podobieństwa. Poprzez gradację światłocienia na formę wolumetryczną i przeniesienie proporcjonalnych do natury relacji tonalnych pomiędzy kolorem (materiałem) przedmiotów artysta uzyskuje prawdziwe wolumetryczne modelowanie formy, wyraz materialności, głębi przestrzennej i stanu iluminacja (rysunek tonalny, malarstwo grisaille).
Tekstura - charakterystyczne cechy powierzchni przedmiotów wykonanych z różnych materiałów zarówno w naturze, jak i na obrazie (relief warstwy farby po kresach). Tekstura może być gładka, szorstka, wytłaczana. Faktura litery zależy w dużej mierze od właściwości kolorowego materiału, cech przedmiotu natury, który artysta przedstawia, a także od zadania i materiału wykonania. W akwareli tekstura w dużej mierze zależy od powierzchni papieru. Faktura litery zdradza indywidualny charakter pisma artysty.
Fas (cała twarz) - przód, widok z przodu. Termin ten wskazuje, że model (głowa osoby lub przedmiot) jest umieszczony frontalnie, równolegle do płaszczyzny obrazu.
Tło - dowolne medium lub płaszczyzna za obiektem obrazu.
Formularz - 1) wygląd, zarys; implikuje obecność objętości, konstrukcji, proporcji; 2) w sztukach plastycznych forma sztuki- są to środki artystyczne, które służą kreowaniu obrazu, ujawnianiu treści (patrz treść i forma).
Formalizm - ogólne określenie licznych *> 1X antyrealistycznych szkół i nurtów w sztukach wizualnych: kubizmu, futuryzmu, konstruktywizmu, surrealizmu, suprematyzmu, puryzmu, Dadaizm, abstrakcjonizm, pop-art itp. Wszystkie te odmiany formalizmu opierają się na nienaturalnego oddzielenia formy sztuki od treści, na uznaniu niezależności i niezależności formy, błędnie twierdząc, że tworzą dzieła sztuki poprzez różnorodne zestawienia „czystych” linii czy kolorów. Formalny obraz rażąco zniekształca rzeczywistość, traci zdolność figuratywnego poznawania świata, a czasem zamienia się w pozbawione sensu, szarlatańskie eksperymenty.
Format - kształt płaszczyzny, na której wykonywany jest obraz. Wynika to z ogólnych zarysów natury, stosunku wysokości do szerokości. Wybór formatu zależy od treści i odpowiada kompozycji obrazu. W przypadku systemu figuratywnego format jest niezbędny.
Fresk - najważniejsza odmiana techniczna malarstwa monumentalnego, wykorzystująca wapno jako główne spoiwo.
Kolor w malarstwie. Ogólnie rzecz biorąc, kolor jest właściwością obiektów powodującą pewne wrażenie wizualne zgodnie ze składem widmowym odbitych promieni. W życiu codziennym każdemu przedmiotowi lub przedmiotowi przypisany jest jeden konkretny kolor. Kolor ten nazywamy obiektywnym lub lokalnym (trawa jest zielona, niebo jest niebieskie, woda morska- niebieski itp.). U początkujących malarzy z reguły dominuje obiektywna wizja koloru, co prowadzi do amatorskiej kolorystyki. W sensie obrazowym przedmiot można poprawnie przedstawić tylko wtedy, gdy nie przekazuje się koloru obiektu, ale kolor zmieniany przez oświetlenie i otoczenie. Kolor obiektu zmienia się wraz ze wzrostem i spadkiem intensywności światła. Różni się także od składu widmowego oświetlenia. Środowisko, w którym znajduje się obiekt, odbija także promienie barwne, które po zetknięciu się z powierzchnią innych obiektów tworzą na nich kolorowe refleksy. Kolor zmienia się również pod wpływem interakcji kontrastu. Zatem kolor przedmiotu jest zawsze mozaiką złożoną z barwy oraz plam światła i cienia (odblasków i prześwietleń), i w tym przypadku nazywa się ją nie obiektywną, ale uwarunkowaną. To ten kolor jest jednym z głównych wizualnych środków realistycznego malarstwa.
Powszechnie przyjmuje się, że sam kolor może mieć pewien wpływ na osobę. Czasami myślą, że ciemne i jasne kolory tworzą wesoły nastrój; szary i czarny powodują uczucie przygnębienia itp. W psychologii prowadzone są badania i eksperymenty na ten temat, ale nie zidentyfikowano jeszcze pewnych prawidłowości w tej kwestii. Malarz nie posługuje się powyższymi wartościami barw. Nie ma ogólnej reguły dotyczącej emocjonalnego oddziaływania koloru przy „różnych okazjach”. Rozwiązywanie obrazu w ciemnej lub surowej kolorystyce wcale nie jest konieczne, jeśli jego temat jest tragiczny lub smutny, a jasne kolory nie są potrzebne w przypadku radosnych fabuł. Na przykład wątki obrazów Surikowa „Mienszykow w Bieriezowie” i „Bojar Morozowa” poświęcone są tragicznemu losowi ludzi o silnej woli i przekonaniu. W kolorystyce pierwszego zdjęcia dominują ciemne odcienie. Drugi obraz opiera się na bogatych kombinacjach kolorystycznych plenerowego malarstwa zimowego krajobrazu, jasnych strojów tłumu, świątecznej kolorystyki „dywanu”. Charakter działki przyrodniczej, stan oświetlenia determinowały kolorystykę tych dzieł. Zatem kolor obrazu tworzony jest przez system relacji kolorystycznych mających na celu przedstawienie rzeczywistych warunków i warunków życia. Kolor jest środkiem oddania wolumetrycznej formy przedmiotu, jego materialności, walorów przestrzennych, kolorystycznego stanu iluminacji natury i tylko w ten sposób ujawniając treść semantyczną obrazu, wywołuje niezbędny efekt emocjonalny.
Jedność i powinowactwo kolorów. Barwa oświetlenia, jego skład widmowy, odpowiednio wpływa na poszczególne barwy przedmiotów i obiektów przyrody, podporządkowuje je pewnemu zakresowi. Rezultatem jest kolorystyczna jedność kolorów. Prawdziwe odzwierciedlenie tych cech sprawia, że studium natury jest szczególnie prawdziwe i harmonijne w malarstwie.
Relacje kolorów - różnice w kolorach naturalnych pod względem odcienia (odcienia), jasności i nasycenia. W naturze kolor jest zawsze postrzegany w odniesieniu do otaczających go kolorów, z którymi pozostaje w ścisłej interakcji i zależności. Dlatego relacje kolorystyczne badania powinny być przekazywane proporcjonalnie do relacji kolorystycznych natury. Jest to prawo kolorystycznej transpozycji barw widzialnej natury na gamę barw palety, wyznaczane jest przez psychofizjologię naszej percepcji wzrokowej i myślenia.
Integralność obrazu - wynik pracy z naturą metodą relacji (porównań) z integralną wizją natury, w wyniku której artysta pozbywa się takich mankamentów rysunku lub szkicu, jak fragmentacja i zróżnicowanie.
Integralność percepcji - zdolność artysty do jednoczesnego i jednoczesnego widzenia obiektów wytworu naturalnego. Tylko w wyniku integralnej percepcji wzrokowej możliwe jest prawidłowe określenie proporcji obiektów, relacji tonów i kolorów oraz osiągnięcie integralności obrazu naturalnego otoczenia. Integralność percepcji to profesjonalna umiejętność widzenia i „ustawienie oka” artysty.
Istnieje wiele wskazówek, jak praktycznie postrzegać przyrodę jako całość: 1) w momencie obserwacji, przy ustalaniu relacji kolorystycznych, zmruż oczy lub „rozpuść” oczy na całą przyrodę, 2) P. P. Czistyakow radził „w myślach mieć przed tobą jakby płaskie szkło, daje relacje”, 3) R. Falk dla integralności widzenia zalecał wycięcie w tekturze prostokątnego otworu (2X1 cm) i patrzenie na przyrodę w płaszczyźnie tego okna (oko otrzymuje holistyczny system obrazowy głównych relacji kolorystycznych natury, przypominający mozaikę z kamieni szlachetnych); 4) możesz także postrzegać naturę jako całość i rozumieć jej powiązania kolorystyczne za pomocą „czarnego lustra” (jeśli zamalujesz czarną farbą jedną stronę przezroczystego szkła, otrzymasz lustro, w którym w jasnym świetle słonecznym , można oglądać obiekty krajobrazu w zmniejszonej jasności.W takim lustrze obiekty odbijają się w tej samej płaszczyźnie w zmniejszonej formie, można je zobaczyć wszystkie w tym samym czasie.Pozwoli to dokładniej uchwycić relacje tonalne i kolorystyczne natury).
Zewnętrzny (w przeciwieństwie do wnętrza) - przedstawienie zewnętrznej części budynku.
Enkaustyczny Malowanie woskiem jest rodzajem techniki malarskiej, obecnie rzadko stosowanej, polegającej na wykorzystaniu wosku jako spoiwa. Najlepszą metodą malowania woskiem pod względem efektów i trwałości jest enkaustyka antyczna. Jego zalety polegają na wyjątkowych właściwościach specjalnie przygotowanego wosku, który jest prawie niewrażliwy na upływ czasu i wilgoć, nigdy nie pęka i zachowuje swój kolor w niezmienionej formie.
Naszkicować - szkic przygotowawczy gabinetu lub obrazu. W procesie pracy z natury szkice są wykorzystywane jako materiał pomocniczy; opracowują opcje kompozycji z kartki papieru lub płótna. Szkice wykonujemy zarówno w formie szybkich szkiców ołówkiem, jak i w materiale.
Etiuda - obraz pomocniczy o ograniczonych rozmiarach, wykonany z natury w celu jej dokładnego zbadania. Artysta poprzez szkicowanie doskonali swoje umiejętności zawodowe. Głównym celem pracy etiudowej jest zawsze prawdziwe i żywe ucieleśnienie idei obrazowej, stworzenie obrazu. W sztuce realistycznej studium zawsze odgrywa rolę pomocniczą.
Etiuda jest wynikiem przewartościowania roli etiudy, nieuchronnie prowadzi do zubożenia treści ideologicznej i figuratywnej. Powszechnie przyjmuje się, że etiuda zrodziła się z impresjonizmu, który ogranicza działalność malarza do pobieżnej pracy z naturą, zastępując obraz etiudą.
Efekt Purkyne’a - zmiana względnej jasności kolorów przy zwiększaniu lub zmniejszaniu oświetlenia. Na przykład w ciągu dnia względna jasność czerwieni i żółci wydaje się silna, a o zmierzchu zieleni i błękitu. Chodzi o to, że w ciągu dnia, przy normalnym oświetleniu, nasze oko widzi przez niektóre komórki siatkówki oka, tzw. czopki, a przy bardzo słabym świetle już przez inne – pręciki. Szyszki są bardziej wrażliwe na kolor żółty i czerwony, natomiast pręciki są bardziej wrażliwe na niebiesko-zielony. Nawet Leonardo da Vinci zauważył: „Zieleń i błękit intensyfikują swoje kolory w półcieniu, a czerwień i żółty wygrywają kolorem w najbardziej oświetlonych miejscach”.
Malarstwo jest prawdopodobnie najstarszą formą sztuki. Już w czasach prymitywnych nasi przodkowie tworzyli wizerunki ludzi i zwierząt na ścianach jaskiń. To pierwsze przykłady malarstwa. Od tego czasu ta forma sztuki zawsze była towarzyszem życie człowieka. Przykłady malarstwa współczesnego są liczne i różnorodne. Postaramy się jak najdokładniej omówić ten rodzaj sztuki, porozmawiać o głównych gatunkach, stylach, kierunkach i technikach w nim występujących.
techniki malarskie
Rozważmy najpierw podstawowe techniki malarskie. Jednym z najczęstszych jest olej. Jest to technika, w której wykorzystuje się farby olejne. Farby te nakłada się pociągnięciami. Za ich pomocą możesz tworzyć różnorodne odcienie, a także przekazywać niezbędne obrazy z maksymalnym realizmem.
Tempera to kolejna popularna technika. Mówimy o tym w przypadku stosowania farb emulsyjnych. Spoiwem w tych farbach jest jajko lub woda.
Gwasz- technika szeroko stosowana w grafice. Farba gwaszowa wykonana jest na bazie kleju. Można nim pracować na tekturze, papierze, kości czy jedwabiu. Obraz jest trwały, a linie wyraźne. Pastel- Jest to technika rysowania suchymi ołówkami, przy czym powierzchnia musi być szorstka. I oczywiście warto wspomnieć o akwarelach. Farbę tę zwykle rozcieńcza się wodą. Techniką tą uzyskuje się miękką i cienką warstwę farby. Szczególnie popularne Oczywiście wymieniliśmy tylko główne techniki najczęściej stosowane w malarstwie. Są inni.
Na czym najczęściej malowane są obrazy? Najpopularniejszy obraz na płótnie. Jest naciągany na ramę lub przyklejany do tektury. Należy pamiętać, że w przeszłości dość często używano desek drewnianych. Dziś popularne jest nie tylko malowanie na płótnie, ale do stworzenia obrazu można wykorzystać dowolne inne płaskie materiały.
Rodzaje malarstwa
Istnieją 2 główne typy: sztaluga i monumentalne malarstwo. To drugie jest związane z architekturą. Do tego typu zaliczają się malowidła na sufitach i ścianach budynków, dekorowanie ich obrazami wykonanymi z mozaiki lub innych materiałów, witrażami i tak dalej. Malarstwo sztalugowe nie jest kojarzone z konkretnym budynkiem. Można go przenosić z miejsca na miejsce. W malarstwie sztalugowym istnieje wiele odmian (inaczej nazywa się je gatunkami). Zatrzymajmy się nad nimi bardziej szczegółowo.
Gatunki malarstwa
Słowo „gatunek” ma pochodzenie francuskie. Tłumaczy się jako „rodzaj”, „gatunek”. Oznacza to, że pod nazwą gatunku kryje się pewnego rodzaju treść i wymawiając jego nazwę, rozumiemy, o czym jest obraz, co w nim znajdziemy: osobę, przyrodę, zwierzę, przedmioty itp.
Portret
Najstarszym gatunkiem malarstwa jest portret. To obraz osoby, która wygląda tylko jak on sam i nikt inny. Inaczej mówiąc, portret to obraz w malarstwie o indywidualnym wyglądzie, gdyż każdy z nas ma indywidualną twarz. Ten gatunek malarstwa ma swoje własne odmiany. Portret może być pełnej długości, sięgać do klatki piersiowej lub malowana jest tylko jedna osoba. Należy pamiętać, że nie każdy obraz osoby jest portretem, ponieważ artysta może stworzyć na przykład „osobę w ogóle”, nie skreślając jej z nikogo. Kiedy jednak przedstawia konkretnego przedstawiciela rodzaju ludzkiego, pracuje nad portretem. Nie trzeba dodawać, że przykładów malarstwa tego gatunku jest wiele. Ale poniższy portret jest znany prawie każdemu mieszkańcowi naszego kraju. Mówimy o obrazie A. S. Puszkina, stworzonym w 1827 roku przez Kiprensky'ego.
Do tego gatunku można dodać także autoportret. W tym przypadku artysta przedstawia siebie. Jest portret w parze, gdy na zdjęciu są ludzie w parze; oraz portret grupowy, gdy przedstawiona jest grupa ludzi. Można również zwrócić uwagę na portret ceremonialny, którego odmianą jest konny, jeden z najbardziej uroczystych. W przeszłości było to bardzo popularne, ale obecnie takie dzieła są rzadkością. Jednak następny gatunek, o którym będziemy rozmawiać, jest istotny w dowolnym momencie. O czym to jest? Można się tego domyślić, sortując gatunki, których jeszcze nie nazwaliśmy, charakteryzujące malarstwo. Martwa natura jest jedną z nich. To o nim będziemy teraz rozmawiać, kontynuując rozważanie malarstwa.
Martwa natura
Słowo to ma również francuskie pochodzenie, oznacza „martwą naturę”, choć dokładniejsze byłoby znaczenie „natura nieożywiona”. Martwa natura - obraz obiektów nieożywionych. Są bardzo różnorodne. Pamiętaj, że martwe natury mogą również przedstawiać „żywą naturę”: motyle opadły na płatki, piękne kwiaty, ptaki, a czasem wśród darów natury można zobaczyć osobę. Będzie to jednak nadal martwa natura, gdyż wizerunek żywej osoby nie jest w tym przypadku najważniejszy dla artysty.
Sceneria
Krajobraz to kolejne francuskie słowo oznaczające w tłumaczeniu „widok na kraj”. Jest to analogiczne do niemieckiego pojęcia „krajobrazu”. Krajobraz jest przedstawieniem natury w jej różnorodności. Do tego gatunku zaliczają się następujące odmiany: pejzaż architektoniczny i bardzo popularny pejzaż morski, nazywany często jednym słowem „marina”, a tworzący w nim artyści nazywani są malarzami morskimi. Liczne przykłady malarstwa w tym gatunku pejzaż morski można znaleźć w pracach I. K. Aiwazowskiego. Jednym z nich jest „Tęcza” z 1873 roku.
Obraz ten jest namalowany farbą olejną i jest trudny do wykonania. Ale tworzenie akwarelowych pejzaży nie jest trudne, więc w szkole, na lekcjach rysunku, to zadanie zostało postawione każdemu z nas.
Gatunek zwierzęcy
Następnym gatunkiem jest zwierzęcy. Tutaj wszystko jest proste - to obraz ptaków i zwierząt w przyrodzie, w naturalnym środowisku.
gatunek domowy
Gatunek codzienny to przedstawienie scen z życia, życia codziennego, zabawnych „incydentów”, życia domowego i historii zwykłych ludzi w zwykłym otoczeniu. I możesz obejść się bez historii - po prostu uchwyć codzienne czynności i sprawy. Takie obrazy czasami nazywane są malarstwem gatunkowym. Jako przykład weźmy zaprezentowane powyżej Zjadacze ziemniaków Van Gogha (1885).
gatunek historyczny
Tematyka malarstwa jest różnorodna, ale gatunek historyczny wyróżnia się osobno. Ten obraz bohaterów historycznych i wydarzenia. Przylega do niego gatunek bitewny, przedstawia epizody wojenne, bitewne.
Gatunek religijno-mitologiczny
W gatunku mitologicznym obrazy są pisane na tematy starożytnych i starożytnych legend o bogach i bohaterach. Należy zauważyć, że obraz ma charakter świecki i tym różni się od wizerunków bóstw przedstawionych na ikonie. Nawiasem mówiąc, malarstwo religijne to nie tylko ikony. Gromadzi różne dzieła napisane o tematyce religijnej.
Zderzenie gatunków
Im bogatsza jest treść gatunku, tym więcej pojawia się jego „towarzyszy”. Gatunki potrafią się łączyć, powstaje więc obraz, którego w ogóle nie da się ująć w ramy żadnego z nich. W sztuce istnieje zarówno to, co ogólne (techniki, gatunki, style), jak i indywidualne (określone dzieło wzięte osobno). Oddzielny obraz niesie ze sobą coś wspólnego. Dlatego wielu artystów może mieć jeden gatunek, ale namalowane w nim obrazy nigdy nie są do siebie podobne. Takie cechy ma kultura malarska.
Styl
Styl jest aspektem percepcja wzrokowa obrazy. Może łączyć twórczość jednego artysty lub twórczość artystów z określonego okresu, kierunku, szkoły, obszaru.
Malarstwo akademickie i realizm
Malarstwo akademickie to szczególny kierunek, którego kształtowanie wiąże się z działalnością akademii sztuk pięknych w Europie. Pojawił się w XVI wieku w Akademii Bolońskiej, której tubylcy starali się naśladować mistrzów renesansu. Od XVI w. metody nauczania malarstwa zaczęto opierać na ścisłym przestrzeganiu zasad i norm, kierując się wzorcami formalnymi. sztuka w Paryżu uznawana była za jedną z najbardziej wpływowych w Europie. Propagowała estetykę klasycyzmu, która dominowała we Francji w XVII wieku. paryska akademia? przyczyniając się do usystematyzowania edukacji, stopniowo zamienił zasady kierunku klasycznego w dogmat. Malarstwo akademickie stało się więc kierunkiem szczególnym. W XIX w. jednym z najwybitniejszych przejawów akademizmu była twórczość J. L. Gerome’a, Alexandre’a Cabannela, J. Ingresa. Klasyczne kanony zastąpiono realistycznymi dopiero na przełomie XIX i XX wieku. To właśnie realizm na początku XX wieku stał się podstawową metodą nauczania w szkołach wyższych, przekształcając się w system dogmatyczny.
Barokowy
Barok to styl i era sztuki, którą charakteryzuje arystokracja, kontrast, dynamika obrazów, proste detale w przedstawianiu obfitości, napięcia, dramatyzmu, luksusu, fuzji rzeczywistości i iluzji. Styl ten pojawił się we Włoszech w 1600 roku i rozprzestrzenił się w całej Europie. Caravaggio i Rubens to jego najwybitniejsi przedstawiciele. Barok często porównywany jest do ekspresjonizmu, jednak w przeciwieństwie do tego ostatniego nie wywołuje zbyt odrażających skutków. Obrazy tego stylu charakteryzują się dziś złożonością linii i bogactwem ozdób.
Kubizm
Kubizm to awangardowy ruch artystyczny, który powstał w XX wieku. Jej twórcą jest Pablo Picasso. Kubizm dokonał prawdziwej rewolucji w rzeźbie i malarstwie Europy, inspirując powstanie podobnych nurtów w architekturze, literaturze i muzyce. Malarstwo artystyczne w tym stylu charakteryzuje się rekombinowanymi, połamanymi przedmiotami, które mają abstrakcyjną formę. Podczas ich przedstawiania wykorzystuje się wiele punktów widzenia.
Ekspresjonizm
Ekspresjonizm to kolejny ważny nurt w sztuce współczesnej, który pojawił się w Niemczech w pierwszej połowie XX wieku. Początkowo obejmowała jedynie poezję i malarstwo, później rozprzestrzeniła się na inne dziedziny sztuki.
Ekspresjoniści przedstawiają świat subiektywnie, zniekształcając rzeczywistość, aby wywołać większy efekt emocjonalny. Ich celem jest zmuszenie widza do myślenia. Ekspresja w ekspresjonizmie dominuje nad obrazem. Można zauważyć, że wiele dzieł charakteryzuje się motywami udręki, bólu, cierpienia, krzyku (przedstawione powyżej dzieło Edvarda Muncha nosi tytuł „Krzyk”). Artyści ekspresjonistyczni w ogóle nie interesują się rzeczywistością materialną, ich obrazy są przepełnione głębokimi znaczeniami i przeżyciami emocjonalnymi.
Impresjonizm
Impresjonizm - kierunek malarstwa, nastawiony głównie na pracę w plenerze (plener), a nie w pracowni. Swoją nazwę zawdzięcza obrazowi „Impresja, wschód słońca” Claude’a Moneta, który widać na poniższym zdjęciu.
Słowo „wrażenie” w języku angielskim to wrażenie. Obrazy impresjonistyczne przekazują przede wszystkim wrażenie świetlne artysty. Główne cechy malarstwa w tym stylu to: ledwo widoczne, cienkie pociągnięcia; zmiana oświetlenia, trafnie przekazana (uwaga często skupia się na efekcie upływu czasu); otwarta kompozycja; prosty wspólny cel; ruch jako kluczowy element ludzkiego doświadczenia i percepcji. Najwybitniejszymi przedstawicielami takiego nurtu jak impresjonizm są Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.
Modernizm
Kolejnym kierunkiem jest modernizm, który zrodził się jako zespół trendów w różnych dziedzinach sztuki przełomu XIX i XX wieku. W 1863 roku otwarto paryski Salon Odrzuconych. Wystawiano tu artystów, których obrazy nie miały wstępu do oficjalnego salonu. Datę tę można uznać za datę pojawienia się modernizmu jako odrębnego kierunku w sztuce. W przeciwnym razie modernizm nazywany jest czasem „inną sztuką”. Jej celem jest tworzenie unikalne obrazy nie tak jak inni. Cechą charakterystyczną dzieł jest szczególna wizja świata autora.
Artyści w swojej twórczości buntowali się przeciwko wartościom realizmu. Uderzającą cechą tego trendu jest samoświadomość. Często prowadzi to do eksperymentów z formą i zamiłowania do abstrakcji. Przedstawiciele modernizmu zwracają szczególną uwagę na użyte materiały i proces pracy. Do jego najwybitniejszych przedstawicieli zalicza się Henry Matisse (powyżej przedstawiono jego dzieło „Czerwony pokój” z 1908 r.) i Pablo Picasso.
Neoklasycyzm
Neoklasycyzm to główny kierunek malarstwa w Europie Północnej od połowy XVIII wieku do końca XIX wieku. Charakteryzuje się powrotem do cech starożytnego renesansu, a nawet czasów klasycyzmu. Pod względem architektonicznym, artystycznym i kulturowym neoklasycyzm pojawił się jako odpowiedź na rokoko, które było postrzegane jako płytki i artystyczny styl sztuki. Artyści neoklasycystyczni dzięki dobrej znajomości praw kościelnych starali się wprowadzić do swojej twórczości kanony. Unikali jednak prostego odtwarzania klasycznych motywów i tematów. Artyści neoklasyczni starali się osadzić swoje malarstwo w ramach tradycji i wykazać się w ten sposób mistrzostwem gatunku. Neoklasycyzm pod tym względem jest bezpośrednim przeciwieństwem modernizmu, w którym improwizacja i wyrażanie siebie są uważane za cnoty. Do jego najsłynniejszych przedstawicieli zaliczają się Nicolas Poussin, Raphael.
Pop Art
Ostatnim kierunkiem, który rozważymy, jest pop-art. Pojawił się w Wielkiej Brytanii w połowie lat 50. ubiegłego wieku, a pod koniec lat 50. - w Ameryce. Uważa się, że pop-art powstał jako reakcja na dominujące wówczas idee abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Mówiąc o tym kierunku, nie sposób nie wspomnieć. W 2009 roku jeden z jego obrazów „Osiem Elvisa” został sprzedany za 100 milionów dolarów.
Gatunki malarstwa(francuski gatunek - rodzaj, gatunek) - historyczny podział dzieł sztuki według tematów i przedmiotów obrazu. We współczesnym malarstwie wyróżnia się następujące gatunki: portret, historyczny, mitologiczny, batalistyczny, życie codzienne, pejzaż, martwa natura, gatunek zwierzęcy.
Choć pojęcie „gatunku” pojawiło się w malarstwie stosunkowo niedawno, od czasów starożytnych istniały pewne różnice gatunkowe: wizerunki zwierząt w jaskiniach z epoki paleolitu, portrety starożytnego Egiptu i Mezopotamii z 3000 r. p.n.e., pejzaże i martwe natury w okresie hellenistycznym i rzymskim. mozaiki i freski. Kształtowanie się gatunku jako systemu w malarstwie sztalugowym rozpoczęło się w Europie w XV i XVI wieku. a zakończył się głównie w XVII wieku, kiedy oprócz podziału sztuk pięknych na gatunki, pojawiła się koncepcja tzw. gatunki „wysokie” i „niskie”, w zależności od tematyki obrazu, tematu, fabuły. Gatunek „wysoki” obejmował gatunki historyczne i mitologiczne, natomiast gatunek „niski” obejmował portret, pejzaż i martwą naturę. Ta gradacja gatunków trwała aż do XIX wieku. choć z wyjątkami.
I tak w XVII w. w Holandii to właśnie gatunki „niskie” (pejzaż, gatunek codzienny, martwa natura) stały się wiodące w malarstwie, a portret ceremonialny, formalnie należący do gatunku portretu „niskiego”, do nich nie należał . Gatunki malarskie, stając się formą refleksji życia, przy całej stabilności wspólnych cech, nie są niezmienne, rozwijają się wraz z życiem, zmieniając się wraz z rozwojem sztuki. Niektóre gatunki wymierają lub zyskują nowe znaczenie (np. gatunek mitologiczny), pojawiają się nowe, zwykle w ramach już istniejących (np. gatunek pejzażowy, krajobraz architektoniczny I przystań). Pojawiają się prace łączące różne gatunki (np. połączenie gatunku codziennego z pejzażem, portretu zbiorowego z gatunkiem historycznym).
Nazywa się gatunek sztuki pięknej, który odzwierciedla zewnętrzny i wewnętrzny wygląd osoby lub grupy osób portret. Gatunek ten jest szeroko rozpowszechniony nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie, grafice itp. Główne wymagania dotyczące portretu to przeniesienie zewnętrznego podobieństwa i ujawnienie wewnętrznego świata, istoty charakteru danej osoby. Ze względu na charakter obrazu wyróżnia się dwie główne grupy: portrety ceremonialne i kameralne. Portret ceremonialny przedstawia osobę w pełni wzrostu (na koniu, stojącą lub siedzącą), na tle architektonicznym lub krajobrazowym. W portrecie kameralnym na neutralnym tle używany jest obraz w połowie długości lub klatka piersiowa. Istnieją portrety podwójne i grupowe. Sparowane nazywane są portretami namalowanymi na różnych płótnach, ale skoordynowanymi między sobą pod względem kompozycji, formatu i koloru. Portrety mogą tworzyć zespoły - galerie portretów zjednoczone według cech zawodowych, rodzinnych i innych (galerie portretów członków korporacji, cechu, oficerów pułku itp.). W szczególnej grupie wyróżnia się autoportret – obraz samego siebie autorstwa artysty.
Portret to jeden z najstarszych gatunków sztuki plastycznej, pierwotnie miał cel kultowy, utożsamiany był z duszą zmarłego. W starożytnym świecie portret rozwinął się bardziej w rzeźbie, a także w portretach obrazkowych - portretach Fajum z I-III wieku. W średniowieczu koncepcję portretu zastąpiono uogólnionymi obrazami, choć istnieją pewne indywidualne cechy w przedstawianiu postaci historycznych na freskach, mozaikach, ikonach i miniaturach. Późny gotyk i renesans to burzliwy okres w rozwoju portretu, kiedy wyłania się gatunek portretu, osiągający wyżyny humanistycznej wiary w człowieka i zrozumienia jego życia duchowego. W XVI wieku pojawiają się następujące typy portretów: tradycyjny (półmetrowy lub pełnometrażowy), alegoryczny (z atrybutami boskości), symboliczny (na podstawie dzieła literackiego), autoportret i portret zbiorowy: Giotto Enrico Scrovegni(ok. 1305, Padwa), Jan van Eyck Portret pary Arnolfinich(1434, Londyn, Galeria Narodowa), Leonardo da Vinci Mona Lisa(ok. 1508, Paryż, Luwr), Rafael dama z welonem(ok. 1516, Florencja, Galeria Pitti), Tycjan Portret młodego mężczyzny z rękawiczką(1515–1520, Paryż, Luwr), A. Durer Portret młodego człowiek(1500, Monachium, Alte Pinakothek), H. Holbein Posłańcy(Londyn, Galeria Narodowa), Rembrandta Nocna Straż(1642, Amsterdam, Rijksmuseum), Autoportret z Saskia na kolanach(ok. 1636, Drezno, Galeria Sztuki). Dzięki Van Dyckowi, Rubensowi i Velazquezowi pojawia się rodzaj portretu królewskiego, dworskiego: model ukazany jest w całej okazałości na tle draperii, pejzażu, motywu architektonicznego (Van Dyck Portret Karola I, OK. 1653, Paryż, Luwr).
Istnieje linia równoległa portret psychologiczny, portret-postać, portret grupowy: F. Hals Portret zbiorowy kościoła św. Adrianna(1633, Haarlem, Muzeum Fransa Halsa), Rembrandt Syndycy(1662, Amsterdam, Rijksmuseum), El Greco Portret Niño de Guevary(1601, Nowy Jork, Metropolitan Museum of Art), D. Velasquez Portret Filipa IV(1628, Madryt, Prado), F. Goya Dojarka z Bordeaux(1827, Madryt, Prado), T. Gainsborough Portret aktorki Sarah Siddons(1784–1785, Londyn, Galeria Narodowa), F.S. Rokotow Portret Maikova(ok. 1765, Moskwa, Galeria Trietiakowska), D. G. Levitsky Portret MA Dyakowa(1778, Moskwa, Galeria Trietiakowska). Ciekawy i różnorodny portret XIX–XX w.: D. Ingres Portret Madame Recamier(1800, Paryż, Luwr), E. Manet Flecista(1866, Paryż, Luwr), O. Renoir Portret Joanny Samary(1877, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), V. Van Gogh Autoportret z zabandażowanym uchem(1889, Chicago, kolekcja Block), O.A. Kiprensky Portret poety Puszkin(1827, Moskwa, Galeria Trietiakowska), I.N. Kramskoy Portret pisarza Lwa Tołstoja(1873, Moskwa, Galeria Trietiakowska), I.E. Repin Musorgskiego(1881, Moskwa, Galeria Trietiakowska).
Gatunek sztuki poświęconej wydarzeniom i postaciom historycznym nazywa się gatunek historyczny. Gatunek historyczny, charakteryzujący się monumentalnością, od dawna rozwinął się w malarstwie ściennym. Od renesansu do XIX wieku. artyści wykorzystali sceny starożytna mitologia, Legendy chrześcijańskie. Często prawdziwe wydarzenia historyczne przedstawione na obrazie nasycone były postaciami alegorycznymi o charakterze mitologicznym lub biblijnym. Gatunek historyczny przeplata się z innymi - gatunek codzienny (sceny historyczne i codzienne), portret (obraz postaci historycznych z przeszłości, kompozycje portretowo-historyczne), pejzaż („krajobraz historyczny”), łączy się z gatunkiem bitewnym.
Gatunek historyczny ucieleśnia się w formach sztalugowych i monumentalnych, w miniaturach i ilustracjach. Pochodzący ze starożytności gatunek historyczny łączył prawdziwe wydarzenia historyczne z mitami. W krajach starożytny wschód pojawiały się nawet typy kompozycji symbolicznych (apoteoza zwycięstw militarnych monarchy, przekazanie mu władzy przez bóstwo) oraz cykle narracyjne murali i płaskorzeźb.
W starożytnej Grecji istniały rzeźbiarskie wizerunki bohaterów historycznych ( Tyranobójstwo, 477 p.n.e.), w starożytnym Rzymie powstały płaskorzeźby przedstawiające sceny wypraw wojennych i triumfów ( Kolumna Trajana w Rzymie, ok. 111-114). W średniowieczu w Europie wydarzenia historyczne znalazły odzwierciedlenie w miniaturach kronik, w ikonach. Historyczny gatunek malarstwa sztalugowego zaczął kształtować się w Europie w okresie renesansu, w XVII i XVIII wieku. uznawano go za gatunek „wysoki”, wysuwający się na pierwszy plan (wątki religijne, mitologiczne, alegoryczne, a właściwie historyczne). Jednym z pierwszych realistycznych obrazów sztalugowych był Kapitulacja Bredy Velazquez (1629-1631, Madryt, Prado). Obrazy gatunku historycznego wypełnione treścią dramatyczną, wysokimi ideałami estetycznymi, głębią relacje międzyludzkie: Tintoretto Bitwa pod Zary(ok. 1585, Wenecja, Pałac Dożów), N. Poussin Hojność Scypiona(1643, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), J. L. David Przysięga Horatii(1784, Paryż, Luwr), E. Manet Wykonanie Cesarz Maksymilian(1871, Budapeszt, Muzeum Sztuk Pięknych). Początek XIX wieku - Nowa scena w rozwoju gatunku historycznego, który rozpoczął się wraz z pojawieniem się romantyzmu, wzrostem oczekiwań utopijnych: E. Delacroix Zdobycie Konstantynopola przez krzyżowców(1840, Paryż, Luwr), K. Bryullov Ostatni dzień Pompejów(1830–1833, Petersburg, Muzeum Rosyjskie), A.A. Iwanow Ukazanie się Chrystusa ludziom(1837–1857, Moskwa, Galeria Trietiakowska). Realizm drugiej połowy XIX wieku. odnosi się do zrozumienia historycznych tragedii narodów i jednostek: I.E. Repin Iwan Grozny i jego syn Iwan(1885, Moskwa, Galeria Trietiakowska), V.I. Surikow Mienszykow w Bieriezow(1883, Moskwa, Galeria Trietiakowska). W sztuce XX wieku istnieje zainteresowanie starożytnością jako źródłem piękna i poezji: V.A. Serow Piotr I(1907, Moskwa, Galeria Trietiakowska), artyści stowarzyszenia „Świat sztuki”. W sztuce radzieckiej czołowe miejsce zajmuje kompozycja historyczno-rewolucyjna: B.M. Kustodiew bolszewicki(1920, Moskwa, Galeria Trietiakowska).
Nazywa się gatunek sztuki poświęcony bohaterom i wydarzeniom, o których opowiadają mity starożytnych ludów gatunek mitologiczny(z greckiego mit - tradycja). Gatunek mitologiczny zetknął się z gatunkiem historycznym i ukształtował się w epoce renesansu, kiedy starożytne legendy zapewniły najbogatsze możliwości ucieleśniania historii i postaci o skomplikowanym podtekstie etyczno-etycznym, często alegorycznym: S. Botticelli Narodziny Wenus(ok. 1484, Florencja, Uffizi), A. Mantegna Parnas(1497, Paryż, Luwr), Giorgione spanie Wenus(ok. 1508–1510, Drezno, Galeria Sztuki), Rafael szkoła ateńska(1509–1510, Rzym, Watykan). W XVII wieku - wczesny 19 wiek w dziełach gatunku mitologicznego poszerza się zakres problemów moralnych i estetycznych, które ucieleśniają wysokie ideały artystyczne i albo zbliżyć się do życia, albo stworzyć odświętny spektakl: N. Poussin Śpiąca Wenus(lata 20. XVII w., Drezno, Galeria Sztuki), P.P. Rubens Bachanalia(1619–1620, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), D. Velasquez Bachus (Pijaki) (1628–1629, Madryt, Prado), Rembrandt Danae(1636, Petersburg, Ermitaż), G. B. Tiepolo Triumf Amfitryty(ok. 1740, Drezno, Galeria Sztuki). Z XIX – XX wieku popularne stały się motywy mitów germańskich, celtyckich, indyjskich i słowiańskich.
gatunek bitewny(z francuskiego bataille - bitwa) to gatunek malarstwa należący do gatunku historycznego, mitologicznego i specjalizujący się w przedstawianiu bitew, wyczynów wojskowych, operacji wojskowych, gloryfikacji waleczności wojskowej, wściekłości bitwy, triumfu zwycięstwa. Malarstwo batalistyczne może zawierać elementy innych gatunków - domowego, portretowego, pejzażowego, zwierzęcego, martwej natury. Artyści regularnie zwracali się w stronę gatunku bitewnego: Leonardo da Vinci Bitwa pod Anghiari(niezachowany), Michał Anioł Bitwa pod Kaszynem(niezachowany), Tintoretto Bitwa pod Zary(ok. 1585, Wenecja, Pałac Dożów), N. Poussin, A. Watteau Trudy wojny(ok. 1716, Petersburg, Ermitaż), F. Goya Katastrofy wojenne(1810–1820), T. Gericault Ranny kirasjer(1814, Paryż, Luwr), E. Delacroix Masakra na Chios(1824, Paryż, Luwr), V.M. Wasnetsow Po bitwie Igora Światosławowicza z Kumanowie(1880, Moskwa, Galeria Trietiakowska).
Gatunek sztuki pięknej, który przedstawia sceny z codziennego, osobistego życia człowieka, życia codziennego z życia chłopskiego i miejskiego, nazywa się gatunek codzienny. Odwołania do życia i zwyczajów ludzi można już znaleźć w malowidłach ściennych i płaskorzeźbach starożytnego Wschodu, w starożytnym malarstwie i rzeźbie wazowej, w średniowiecznych ikonach i podręcznikach. Jednak gatunek codzienny wyróżnił się i zyskał charakterystyczne formy dopiero jako zjawisko świeckiej sztuki sztalugowej. Jego główne cechy zaczęły kształtować się w XIV-XV wieku. w obrazach ołtarzowych, płaskorzeźbach, gobelinach, miniaturach w Holandii, Niemczech, Francji. W XVI wieku w Holandii gatunek gospodarstwa domowego zaczął się szybko rozwijać i został izolowany. Jednym z jej założycieli był I. Bosch ( Siedem grzechów głównych, Madryt, Prado). Na rozwój gatunku codziennego w Europie duży wpływ miała twórczość P. Brueghela: przechodzi do gatunku czysto codziennego, pokazuje, że życie codzienne może być przedmiotem badań i źródłem piękna ( chłopski taniec , chłopskie wesele- OK. 1568, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum). XVII wiek można nazwać epoką „gatunku” we wszystkich szkołach malarskich w Europie: Michelangelo da Caravaggio wróżka(Paryż, Luwr), P.P. Rubens Chłop taniec(1636–1640, Madryt, Prado), J. Jordanes Festiwal Króla Fasoli(ok. 1638, Petersburg, Ermitaż), A. van Ostade Flecista(ok. 1660, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), Jan Steen Pacjent i lekarz(ok. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum), F. Hals cygański(ok. 1630, Paryż, Luwr), Jan Vermeer z Delft Dziewczyna z listem(koniec lat 50. XVII w., Drezno, Galeria Sztuki). W XVIII wieku we Francji malarstwo rodzajowe kojarzone jest z obrazem scen walecznych, „pastoralnych”, staje się wyrafinowane i pełne wdzięku, ironiczne: A. Watteau Biwak(ok. 1710, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), J.B. Chardin Modlitwa przed obiadem(ok. 1737, Petersburg, Ermitaż). Prace gatunku codziennego są różnorodne: ukazywały ciepło domowego życia i egzotykę odległych krain, sentymentalne przeżycia i romantyczne namiętności. Gatunek gospodarstwa domowego w XIX wieku. w malarstwie głosił ideały demokratyczne, często o wydźwięku krytycznym: O. Daumier Praczka(1863, Paryż, Luwr), G. Courbet Warsztat artysty(1855, Paryż, Musee d'Orsay). Gatunek domowy, zorientowany na show życie chłopskie i życie mieszkańca miasta, żywo rozwinięte w malarstwie rosyjskim XIX wieku: A.G. Venetsianov Na gruntach ornych. Wiosna(lata 20. XIX w., Moskwa, Galeria Trietiakowska), P.A. Fiedotow Swatanie Majora(1848, Moskwa, Galeria Trietiakowska), V.G. Perow Ostatnia tawerna na placówce(1868, Moskwa, Galeria Trietiakowska), I.E. Repin Nie czekałem(1884, Moskwa, Galeria Trietiakowska).
Gatunek sztuk pięknych, w którym najważniejszy jest obraz natury, środowiska, widoków na okolicę, miasta, zabytki, zwany krajobrazem (fr. paysage). Znajdują się tu krajobrazy wiejskie, miejskie (m.in. weduty), architektoniczne, przemysłowe, wizerunki żywiołu wody – krajobrazu morskiego (przystań) i rzecznego
W starożytności i średniowieczu pejzaż pojawiał się na malowidłach świątyń, pałaców, na ikonach i miniaturach. W sztuce europejskiej weneccy malarze renesansu (A. Canaletto) jako pierwsi zwrócili się ku obrazowi natury. Od XVI wieku pejzaż staje się niezależnym gatunkiem, kształtują się jego odmiany i kierunki: pejzaż liryczny, heroiczny, dokumentalny: P. Brueghel To paskudny dzień (wiosenny wieczór) (1565, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum), P.P. Rubens polowanie na lwy(ok. 1615, Monachium, Alte Pinakothek), Rembrandt Krajobraz ze stawem i łukowym mostem(1638, Berlin-Dahlem), J. van Ruisdael leśne bagno(lata 60. XVII w., Drezno, Galeria Sztuki), N. Poussin Krajobraz z Polifemem(1649, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), C. Lorrain Południe(1651, Petersburg, Ermitaż), F. Guardi Piazza San Marco, widok na bazylikę(ok. 1760–1765, Londyn, National Gallery). W 19-stym wieku twórcze odkrycia mistrzów krajobrazu, jego nasycenie zagadnieniami społecznymi, rozwój pleneru (obrazu środowiska naturalnego) zakończyły się osiągnięciami impresjonizmu, który dał nowe możliwości w obrazowym przekazywaniu głębi przestrzennej, zmienności środowiska światła i powietrza, złożoność zabarwienie: Barbizon, K. Coro Rano w Wenecji(ok. 1834, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), A.K. Savrasov Przybyły Wieże(1871, Moskwa, Galeria Trietiakowska), I.I. Szyszkin Żyto V.D. Polenow Dziedziniec Moskwy(1878, Moskwa, Galeria Trietiakowska), I.I. Lewitan Złota jesień(1895, Moskwa, Galeria Trietiakowska), E. Manet Śniadanie na trawie(1863, Paryż, Luwr), C. Monet Boulevard Kapucynów w Paryżu(1873, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), O. Renoir Brodzik dla dzieci(1869, Sztokholm, Muzeum Narodowe).
przystań(it. marina, od łac. marinus - morze) - jeden z typów krajobrazu, którego przedmiotem jest morze. Marina ukształtowała się jako samodzielny gatunek w Holandii na początku XVII wieku: J. Porsellis, S. de Vlieger, V. van de Velle, J. Vernet, W. Turner Pogrzeb na morzu(1842, Londyn, Tate Gallery), C. Monet wrażenie, wschód słońca słońce(1873, Paryż, Muzeum Marmottan), S.F. Szczedrin Mały port w Sorrento(1826, Moskwa, Galeria Trietiakowska).
krajobraz architektoniczny- rodzaj pejzażu, jeden z rodzajów malarstwa perspektywicznego, obraz prawdziwej lub wyimaginowanej architektury w środowisku naturalnym. Dużą rolę w krajobrazie architektonicznym odgrywa perspektywa linearna i powietrzna, łącząca naturę i architekturę. W krajobrazie architektonicznym wyróżnia się miejskie widoki perspektywiczne, które w XVIII wieku nazwano. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi w Wenecji), widoki dworów, zespołów parkowych z budynkami, krajobrazy z ruinami starożytnymi lub średniowiecznymi (J. Robert; K. D. Friedrich Opactwo w Dębie gaj, 1809–1810, Berlin, Muzeum Państwowe; S.F. Szczedrin), pejzaże z wyimaginowanymi budynkami i ruinami (D.B. Piranesi, D. Pannini).
Weduta(wł. weduta, dosł. - widziany) - krajobraz wiernie przedstawiający udokumentowany widok okolicy, miasta, jedna z początków sztuki panoramicznej. Termin pojawił się w XVIII wieku, kiedy do odtwarzania widoków zaczęto używać kamery obscura. Czołowym artystą tworzącym w tym gatunku był A. Canaletto: Plac Świętego Marka(1727-1728, Waszyngton, Galeria Narodowa).
Gatunek sztuki przedstawiający przedmioty gospodarstwa domowego, pracę, kreatywność, kwiaty, owoce, ubitą zwierzynę, złowione ryby, umieszczone w prawdziwym środowisku domowym, nazywany jest martwą naturą (fr. nature morte - martwa natura). Martwa natura może mieć złożone znaczenie symboliczne, pełnić rolę panelu dekoracyjnego, być tzw. „oszustwo”, które daje iluzoryczne odwzorowanie rzeczywistych przedmiotów lub postaci, powodując efekt obecności prawdziwej natury.
Wizerunek przedmiotów znany jest w sztuce starożytności i średniowiecza. Za pierwszą martwą naturę w malarstwie sztalugowym uważa się jednak obraz weneckiego artysty Jacopo de Barbari Kuropatwa ze strzałką i rękawiczkami(1504, Monachium, Alte Pinakothek). Już w XVI wieku. martwa natura dzieli się na wiele typów: wnętrze kuchni z ludźmi lub bez, nakryty stół w wiejskim otoczeniu, „vanitas” z przedmiotami symbolicznymi (wazon z kwiatami, zgaszona świeca, instrumenty muzyczne). W XVII wieku kwitnie gatunek martwej natury: monumentalność obrazów F. Snydersa ( Martwa natura z łabędziem, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), F. Zurbaran, który z kilku przedmiotów wykonał proste kompozycje ( Martwa natura z czterema naczyniami, 1632-1634, Madryt, Prado). Martwa natura holenderska była szczególnie bogata, skromna w kolorze i przedstawianych przedmiotach, ale znakomita w wyrazistej fakturze przedmiotów, grze koloru i światła (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . W XVIII wieku Lakoniczne martwe natury J. B. Chardina potwierdzają wartość i godność drzemiącą w życiu codziennym: Atrybuty sztuki(1766, Petersburg, Ermitaż). Martwe natury XIX wieku są różnorodne: wydźwięk społeczny w płótnach O. Daumiera; przezroczystość, zwiewność w obrazach E. Maneta; monumentalność, konstruktywność, trafne ukształtowanie formy kolorem przez P. Cezanne’a. W XX wieku otwierają się nowe możliwości martwej natury: P. Picasso, J. Braque uczynili z tematu główny przedmiot artystycznego eksperymentu, badając i analizując jego geometryczną strukturę.
Gatunek sztuki przedstawiającej zwierzęta nazywa się gatunek zwierzęcy(od łac. zwierzę - zwierzę). Artysta zwierzęcy zwraca uwagę na cechy artystyczne i figuratywne zwierzęcia, jego zwyczaje, dekoracyjną ekspresję postaci, sylwetki. Często zwierzęta są obdarzone cechami właściwymi ludziom, działaniom i doświadczeniom. Często można spotkać wizerunki zwierząt rzeźba antyczna, obrazy wazonowe.
Nina Bayor
Literatura:
Suzdalew P. O gatunkach malarskich.- czasopismo „Kreatywność”, 1964, nr 2, 3
Historia sztuki zagranicznej. M., Sztuki wizualne, 1984
Vipper B.R. Wprowadzenie do historycznych studiów nad sztuką. M., Sztuki wizualne, 1985
Historia sztuki światowej. BMM AO, M., 1998
gotyk(z włoskiego gotico – niezwykły, barbarzyński) – okres w rozwoju sztuki średniowiecznej, obejmujący niemal wszystkie dziedziny kultury i rozwijający się w Europie Zachodniej, Środkowej i częściowo Wschodniej od XII do XV wieku. Gotyk zakończył rozwój europejskiej sztuki średniowiecznej, powstałej na bazie osiągnięć kultury romańskiej, a w okresie renesansu sztukę średniowiecza uważano za „barbarzyńską”. Sztuka gotycka miała charakter kultowy i religijny w tematyce. To odwoływało się do wyższych boskie moce, wieczność, Chrześcijański światopogląd. Gotyk w swoim rozwoju dzieli się na wczesny gotyk, okres świetności, późny gotyk.
Słynne europejskie katedry, w których tak chętnie fotografujemy najdrobniejsze szczegóły turyści. W projektowaniu wnętrz katedr gotyckich ważną rolę odegrały rozwiązania kolorystyczne. Na zewnątrz i dekoracja wnętrz było mnóstwo złoceń, świetlistość wnętrza, ażurowość ścian, krystaliczne rozwarstwienie przestrzeni. Materia była pozbawiona ciężkości i nieprzeniknioności, była jakby uduchowiona.
Ogromne powierzchnie okien wypełniły witraże z kompozycjami odtwarzającymi wydarzenia historyczne, legendy apokryficzne, wątki literackie i religijne, obrazy codziennych scen z życia zwykłych chłopów i rzemieślników, które stanowiły wyjątkową encyklopedię sposobu życia w średniowieczu. Kona wypełnione były od góry do dołu figuralnymi kompozycjami, które ujęto w medaliony. Połączenie lekkich i kolorowych początków malarstwa w technice witrażowej nadało kompozycji artystycznych zwiększoną emocjonalność. Najbardziej różne okulary: gęsty szkarłat, ognisty, czerwony, granat, zielony, żółty, granatowy, jasnoniebieski, ultramarynowy, rzeźbiony wzdłuż konturu obrazu ... podwyższony sposób.
Dzięki gotyckiemu szkłu kolorowemu narodziły się nowe walory estetyczne, a kolory nabrały najwyższej dźwięczności promiennej barwy. Czysty kolor dał początek atmosferze powietrznego środowiska, pomalowanego na różne kolory w wyniku gry światła na kolumnach, podłodze, witrażach. Kolor stał się źródłem światła pogłębiającego perspektywę. Grube szyby, często nierówne, wypełniano niezbyt przezroczystymi bąbelkami, co potęgowało artystyczny efekt witrażu. Światło przechodzące przez nierówną grubość szkła zostało zmiażdżone i zaczęło grać.
Najlepsze przykłady autentycznych witraży gotyckich udostępniane są zwiedzającym w katedrach w Chartres, Bourges i Paryżu (np. „Dziewica z Dzieciątkiem”). Nie mniejszym blaskiem wypełniły także „Ogniste koła” i „Rzucanie błyskawic” w katedrze w Chartres.
Od połowy I wieku do gamy barwnej zaczęto wprowadzać barwy złożone, uzyskiwane poprzez powielanie szkła. Takie niezwykłe witraże w stylu gotyckim zachowały się w Sainte-Chapelle (1250). Na kontury szkła nałożono brązową emalię, formy zaś miały płaski charakter.
Epoka gotyku to okres rozkwitu sztuki miniaturowej książki, a także miniatur artystycznych. Umacnianie się tendencji świeckich w kulturze tylko intensyfikowało ich rozwój. Ilustracje z wielofigurowymi kompozycjami o tematyce religijnej zawierały różne realistyczne detale: wizerunki ptaków, zwierząt, motyli, ozdoby z motywami roślinnymi, sceny codzienne. Prace francuskiego miniaturzysty Jeana Pussela przepełnione są szczególnym poetyckim urokiem.
W rozwoju francuskiej miniatury gotyckiej z XIII i XIV wieku wiodące miejsce zajmowała szkoła paryska. Psałterz św. Ludwika obfituje w wielofigurowe kompozycje, ujęte w jeden motyw architektury gotyckiej, co sprawia, że narracja nabiera niezwykłej harmonii (Luwr, Paryż, 1270). postacie dam i rycerzy są pełne wdzięku, ich formy wyróżniają się płynnymi liniami, co stwarza iluzję ruchu. Bogactwo i gęstość barw oraz dekoracyjna architektura rysunku sprawiają, że te miniatury stają się niepowtarzalnymi dziełami sztuki i cenną ozdobą stronic.
Styl księgi gotyckiej wyróżniają spiczaste formy, kanciasty rytm, niepokój, filigranowy ażurowy wzór i niedbałość krętych linii. Warto dodać, że w XIV i XV wieku ilustrowano także rękopisy świeckie. Księgi godzinowe, traktaty naukowe, zbiory pieśni miłosnych i kroniki wypełnione są wspaniałymi miniaturami. Miniatura, ilustrująca dzieła literatury dworskiej, ucieleśniała ideał rycerskiej miłości, a także sceny ze zwykłego otaczającego życia. Podobnym dziełem jest rękopis Manesa (1320).
Z biegiem czasu narracja w stylu gotyckim nasiliła się. W „Wielkich Kronikach francuskich” z XIV w. wyraźnie widać chęć artysty zgłębienia znaczenia przedstawianego przez siebie wydarzenia. Jednocześnie księgom nadano dekoracyjną elegancję poprzez zastosowanie wykwintnych winiet i ramek o dziwacznych kształtach.
Miniatura gotycka wywarła ogromny wpływ na malarstwo i wniosła żywy nurt do sztuki średniowiecza. Gotyk stał się nie tylko stylem, ale ważnym ogniwem w ogólnym rozwoju kulturalnym społeczeństwa. Mistrzowie stylu z niesamowitą dokładnością potrafili odtworzyć wizerunek swoich współczesnych w temacie i środowisku naturalnym. Majestatyczne i uduchowione dzieła gotyckie otoczone są aurą niepowtarzalnego uroku estetycznego. Gotyk dał początek nowemu rozumieniu syntezy sztuk, a jego realistyczne podboje utorowały drogę do przejścia do sztuki renesansu.