Techniki i metody malowania akwarelą. Opracowanie metodologiczne tematu: „Martwa natura w technice akwareli

14.06.2019

W procesie opanowywania metod i technik pisania akwarelą uczniowie powinni pamiętać o dobrze znanym przestrodze: technika nie jest celem samym w sobie, a jedynie środkiem w przekazywaniu zadań. Każdy uczeń, zgodnie z cechami osobistymi i gustem artystycznym, znajduje swój własny, szczególny styl pisania, zgodnie z wymogami natury, wybiera tę lub inną metodę i technikę.

Istnieją różne sposoby pracy nad kawałkiem. Wskazujemy najczęstsze z nich:

1) praca nad opracowaniem „układu”, w którym obrysy i wypełnienia układane są w rozbiciu z uwzględnieniem odcienia, jasności i nasycenia;

2) metoda pisania „szerokiego”, w której do konkretów i szczegółów przechodzi się dopiero po ogólnej organizacji w badaniu dużych relacji światła i koloru;

3) sposób pisania częściowego z opracowaniem szczegółów, w którym student zmuszony jest w swojej prezentacji zachować duże proporcje światła i koloru;

4) połączenie w jednym opracowaniu metod „szerokiego” pisania i jednoczesnej pracy w częściach.

Wszystkie te metody są technicznie realizowane poprzez pisanie na suchym lub mokrym papierze, jednoetapowo lub etapami obliczonymi przez długi czas i muszą być podporządkowane identyfikacji głównej treści malarstwa.

Jak pracować na suchym papierze

Metoda suchego pisania. Metoda ta polega na obróbce na suchym papierze w pełnej mocy światła i tonacji barwnej z konstruktywną analizą formy trójwymiarowej (tzw. cięcie) za pomocą płaszczyzn wypełniających. Nie dając delikatnych efektów akwareli, metoda suchego, wystudiowanego pisania jest metodycznie najbardziej poprawna w rozwiązywaniu problemów podczas pracy z naturą na początkowym etapie szkolenia. Rozwija percepcję kolorów u początkującego akwarelisty, wzmacnia rysunek, zapewnia prawidłowe konstruktywne wyświetlanie kształtu i objętości oraz pomaga szybko opanować farby i ich mieszaniny.

Metodę tę stosuje się według przygotowanego rysunku z konsekwentnym rozwinięciem kolorystyki – od ogółu do szczegółów, od głównego do wtórnego, z dopracowaniem całości na końcu pracy. Należy go zastosować już w pierwszym dłuższym zadaniu, po pracy nad martwą naturą ciał geometrycznych.

Zapis jednowarstwowy. Jednowarstwowa metoda techniki akwarelowej eliminuje pisanie wyliczane na etapie, ale pozwala na przerwy w pracy. Metoda ta pozwala na szerokie pisanie dużym pędzlem, suchym i ostrym lub miękkim i soczystym, już w jednej sesji. Metoda jednowarstwowa nadaje się do pracy nad etiudami w plenerze.

Możliwa jest także praca w trybie jednowarstwowym w częściach. Wykonuje się go małymi pociągnięciami (pismo mozaikowe) małym pędzelkiem, pociągnięcie za pociągnięciem. Praca ta wymaga odpowiedniego przygotowania i umiejętności, gdyż składając obraz z mnóstwa kresek i plam barwnych, trudno zachować integralność i kolorystykę dzieła. W pracy wykorzystywane są zarówno farby glazurnicze, jak i karoseryjne.

Warstwowe pisanie. Praca ta wyliczana jest scenicznie i w zasadzie zakłada tzw. „pisanie glazurą”. To ostatnie nie wyklucza stosowania farb do ciała w dopuszczalnych granicach w świetle iw razie potrzeby na pierwszym planie. Wykonywanie pracy etapami spowodowane jest wieloma przyczynami, a przede wszystkim złożonością procesu tworzenia etiudy (utworu), w którym wyobraźnia początkującego nie jest w stanie od razu objąć całego dzieła od początku do końca, od ogólnego szczegółowo.

Pracę rozpoczynamy od przygotowania koloru – nałożenia kolorowej wykładziny, przeznaczonej do późniejszego nakładania po wyschnięciu farbami glazurującymi. W takim przypadku zaleca się stosowanie ciepłych odcieni kolorów. Zimne odcienie kolorów podszewek, zwłaszcza niebieskich, mogą zniknąć, a miejsca, w których się znajdowały, nabiorą brudnego wyglądu.

Metoda wielowarstwowa wymaga dużego doświadczenia i znajomości kolorów palety. Możliwość przewidzenia początku bazy kolorystycznej poprzez wielokrotne nakładanie się różnych odcieni jest trudna. Nie oznacza to litery ze słabą podkładką tego samego koloru, dopóki nie zostanie ona stopniowo wzmocniona. Mówimy o sposobie stosowania różnych kolorów i odcieni, dającym w sumie kombinacje, których wystąpienie jest możliwe tylko w prawdziwym przeszkleniu. Przy wielokrotnym nakładaniu koloru na kolor konieczna jest ostrożność i wyczucie proporcji: istnieje granica, której naruszenie może prowadzić do utraty przezroczystości koloru w wypełnieniach. Dopuszczalne jest łączenie w jednym szkicu metod pisania jednowarstwowego i wielowarstwowego.

Surowa papierkowa robota

Praca na mokrym papierze pozwala uzyskać niesamowitą jedność mas kolorystycznych, delikatne i stopniowe przejście z jednego koloru w drugi.

Działanie jednowarstwowe. To szeroki list bez etapów, na zwilżonym papierze. Wykonuje się go za pomocą dużego pędzla z przygotowanymi roztworami farb. Szczotkując szybko i szeroko, nie pozwalając farbom wyschnąć, określa się duże zależności. Korekty dokonywane są natychmiast: zły ton usuwa się półsuchym, wykręconym pędzlem. Stosowane są mechaniczne mieszaniny farb wszystkich grup.

Pracuj bez przerwy, partiami, w jednej sesji (metoda a la prima). To obraz wykonany na mokrym papierze w pełnej mocy światła i koloru, szybko i soczyście. Ten sposób pisania pozwala oddać subtelność i miękkość przejść kolorystycznych. Dobre rozwiązanie kolorystyczne w akwareli osiąga się poprzez zachowanie dużych planów kolorystycznych i sylwetek w trakcie pracy. Jednak charakter techniki akwarelowej nie pozwala na jednoczesną pracę soczystą i miękką na dużych obszarach opracowania i wymusza złożenie obrazu w częściach. W tym przypadku metoda a la prima jest niezbędna w pracy z naturą.

Sposób pisania na mokrym papierze po szkle. Polega ona na tym, że przed zapisaniem papier zanurza się w wodzie, dając mu czas na namoczenie i pęcznienie. Kiedy papier pęcznieje, wyjmuje się go i kładzie na szybie, ustawionej prawie poziomo. Na bardzo wilgotnym papierze można pisać od razu, jednak aby uniknąć rozpryskiwania się farby, lepiej usunąć nadmiar wody gąbką i przystąpić do pracy po pewnym czasie naświetlania. Roztwory farb należy wybierać jednorodnie.

Metoda „wlewania koloru w kolor”. Surowa farba, wlana do innej, niezaschniętej i organicznie z nią połączona, daje wielokolorowe wypełnienie, naturalne dla techniki akwareli. Mieszanie farb w tej metodzie ma charakter mechaniczny. Dobry efekt dają mieszanki i wtapianie koloru w kolor podczas pracy z farbami glazurowymi i półbłyszczącymi. Farba glazurująca wlana do lakieru karoserii zmywa ją i odcieka tworząc szorstkie i twarde smugi. Pracę metodą „wlewania koloru w kolor” najlepiej wykonywać partiami.

Odbiór „awarii” farby nałożonej na papier. Technika ta polega na tym, że jeszcze nie wyschnięta farba, szczególnie farba do ciała, jest zmywana strumieniem wody, przy czym wcześniej ułożone wypełnienia pozostają nienaruszone; pod zmytą farbą pojawia się biały papier z miękkimi, naturalnymi przejściami na krawędziach. „Porażka” odbioru sprawdziła się w połączeniu z jednowarstwową metodą pisania na suchym papierze. Pracę rozpoczynają od szerokiego i szybkiego wypełnienia gotowego rysunku roztworami farb. Po wyjaśnieniu zależności kolorystycznych osobnym pędzlem - kadmowym cytrynowym lub żółtym - gęsto pokrywamy miejsca przeznaczone do usunięcia farby. Jednocześnie utrzymanie mokrego stanu uszczelek kadmowych poprzez ich wielokrotne nakładanie aż do całkowitego wyschnięcia pozostałych wypełnień. Następnie dzieło przemywa się strumieniem wody z kranu, aż do całkowitego usunięcia kadmu i farby, na którą został nałożony. W kolejnym etapie pisania na podstawie surowego szkicu ustalane są jasne i ciemne tony oraz dopracowywane są detale.

Wśród wymienionych metod i metod pracy z akwarelami nie ma prostych i łatwych, każda z nich ma swoją własną charakterystykę, własne trudności, wymaga dokładnych badań i rozwoju pacjenta. Początkujący akwarelista powinien pamiętać, że mechaniczne przeniesienie tych metod, bez uwzględnienia całego kompleksu wymagań, które doprowadziły do ich zastosowania, nie może prowadzić do pozytywnych wyników w badaniach.

BIBLIOGRAFIA

Vinner AV Jak używać akwareli i gwaszu. - M.: Sztuka, 1951.
Wieber J. Malarstwo i jego środki. - L., 1961.
Wołkow N.N. Kolor w malarstwie. - M.: Sztuka, 1965.
Zajcew A.S. Nauka koloru i malarstwa. - M.: Sztuka, 1986.
Lepikash V.A. Malowanie akwarelą. - M., 1961.
Odnorałow A.V. Materiały w sztukach plastycznych. - M.: Oświecenie, 1983.
Revyakin PA Technika malowania akwarelą. - M.: Nauka, 1959.
Kirtser Yu.M. Rysowanie i malowanie: praktyczny przewodnik. - M.: Szkoła wyższa, 1992.

Miejska budżetowa instytucja oświatowa

DZIECIĘCA SZKOŁA ARTYSTYCZNA nr 3 Kursk

Rozwój metodologiczny na ten temat:

„Martwa natura w technice akwareli”. w ramach programu „Malarstwo” ze standardowym okresem studiów wynoszącym 5 lat

Deweloper: .

Kursk 2015

Wstęp.

Zadaniem zajęć z malarstwa jest rozwinięcie umiejętności widzenia i przedstawiania otaczającego ich świata w całej gamie relacji kolorystycznych i świetlnych. Używając środków obrazowych, naucz rzeźbić formę kolorem, opanuj techniki malarstwa akwarelowego, gwaszu.
W wyniku pracy uczniowie muszą nauczyć się konsekwentnego prowadzenia szkicu, podejmowania relacji kolorystycznych, przekazywania światła i powietrza otoczenia oraz materialności obiektów. Program zakłada konsekwentność w nauczaniu malarstwa.
W procesie uczenia się ważnym punktem jest edukacja dzieci w zakresie emocjonalnego postrzegania koloru i zrozumienia jego wyrazistej treści figuratywnej.
Większość obrazu to martwa natura. Wszystkie zadania są ze sobą ściśle powiązane i naprzemiennie układają się w logiczną sekwencję. Martwa natura w praktyce edukacyjnej przyczynia się do wzrostu potencjału twórczego uczniów, doskonalenia smaku, umiejętności, myślenia kompozycyjnego, technologii, zdolności do przekazywania światła, objętości formy, materiału.
Akwarela jest niezbędna w nauczaniu sztuk pięknych, ponieważ wśród materiałów plastycznych dla dzieci w wieku szkolnym wyróżnia się przystępnością, nie wymaga skomplikowanych specjalnych urządzeń i ma malarską ekspresję.

Cele Lekcji:

Rozwój zdolności ucznia do myślenia objętościowego w przestrzeni i dostrzegania złożoności świata poprzez interakcję światła i koloru obiektów

Opanowanie wiedzy i umiejętności zawodowych w zakresie malarstwa;

Kształtowanie rozwiniętej estetycznie i twórczej osobowości.

Cele Lekcji:

Rozwijaj pamięć wzrokową, postrzeganie kolorów;

Nauczyć widzieć kolor w zależności od oświetlenia, obiektów znajdujących się w pobliżu, „planowania”.

Zapoznanie studentów z teoretycznymi podstawami malarstwa;

Ujawnij estetyczną esencję malarstwa realistycznego;

Przekazanie niezbędnej wiedzy i umiejętności praktycznych o charakterze metodycznym.

Materiały wykonawcze:

ołówek, pędzle, akwarele, paleta i papier.

Sprzęt:

Papier akwarelowy naciągnięty na tablet. Sztaluga, butelka wody.

Konstrukcja procesu edukacyjnego powinna przyczyniać się do rozwoju zainteresowań działalnością twórczą. W celu realizacji postawionych zadań doskonalona jest technika malarstwa akwarelowego.

Temat: „Martwa natura w akwareli”.

Cel:
edukacyjne: zapoznanie z zasadami konsekwentnej pracy nad martwą naturą;

rozwijanie: rozwijanie umiejętności i umiejętności pracy z materiałem oraz prowadzenia spójnej pracy nad martwą naturą zgodnie z zasadami kompozycji, konstrukcji konstrukcyjnej i malarstwa;

edukacyjne: edukacja gustu estetycznego i artystycznego, postrzeganie harmonii otaczającego świata; edukacja dokładności i uważności podczas wykonywania pracy z użyciem akwareli.

Technika malowania akwarelą. Metody i techniki pisania.

Technika malarstwa akwarelowego to zespół specjalnych umiejętności, metod i technik pisania, za pomocą których wykonywane jest dzieło sztuki. Rozważa także zagadnienia związane z jak najbardziej racjonalnym i systematycznym wykorzystaniem możliwości artystycznych materiałów w modelowaniu obiektów, rzeźbieniu form trójwymiarowych, przekazywaniu relacji przestrzennych itp.
Wizualne i ekspresyjne możliwości malarstwa akwarelowego w dużej mierze zależą nie tylko od znajomości materiałów i narzędzi oraz umiejętności ich stosowania w pracy, ale także od posiadania technik i metod pisania. W procesie studiowania technik i metod pisania akwarelą opanowanie techniki powinno opierać się na dogłębnym przestudiowaniu i wykorzystaniu doświadczenia twórczego mistrzów malarstwa, najlepszych dzieł sztuki klasycznej i współczesnej.

W praktyce artystycznej malarstwa akwarelowego istnieją różne techniki, które ze względu na metody pisania dzielą się na trzy części: metoda pracy na suchym papierze, metoda pracy na mokrym (mokrym) papierze, techniki kombinowane i mieszane.

Praca papierowa na sucho

Ta metoda pisania jest szeroko stosowana w malarstwie realistycznym i od dawna jest tradycyjna (klasyczna). Prostota i przystępność tej metody pisania pozwala na jej szerokie zastosowanie w procesie edukacyjnym. Polega na wykorzystaniu naturalnych właściwości i właściwości farb akwarelowych, które łatwo łączą się z powierzchnią papieru.

Metoda pracy na suchym papierze umożliwia dostosowanie rozciągnięcia tonalnego od gęstych pociągnięć do jasnych wypełnień w procesie pisania, wykorzystanie nakładania się przezroczystych warstw farby jedna na drugą, tworząc w ten sposób iluzję objętości i głębia przestrzeni w obrazie.

Odbiór wypełnienia na suchej powierzchni papieru

Jest to jedna z najpopularniejszych technik. Specyfika tej techniki polega na tym, że praca wykonywana jest na suchym papierze, z uwzględnieniem odcieni światła i kolorów za pomocą płaszczyzn wypełniających.

W praktyce podejście to przeprowadza się w następujący sposób. Na początku pracy arkusz rozciągnięty na tablecie lekko zwilża się wodą za pomocą szerokiego pędzla lub gąbki. Jest to konieczne, aby atrament rozłożył się równomiernie i dobrze wchłonął w powierzchnię papieru. Podczas wysychania papieru na palecie wybiera się niezbędny roztwór farby. Po wpisaniu roztworu farby za pomocą pędzla uszczelka zaczyna się od górnego poziomego wypełnienia. W takim przypadku rozmaz powinien być soczysty. Aby to zrobić, należy nabrać na pędzel taką ilość farby, aby po każdym pociągnięciu powstała niewielka smuga roztworu. Stopniowo wypełniając pędzel farbą, pociągnięcia wykonuje się tak, aby zetknęły się z dolną krawędzią poprzedniego pociągnięcia. W wyniku napływu farby uzyskuje się płynne przejścia z jednego odcienia koloru w drugi, miękko modelując kształt przedmiotów.

Stosując technikę wypełniania na suchej powierzchni papieru, można dowolnie zmieniać gradację światła i koloru, pisać zarówno jednoetapowo, jak i etapami zaprojektowanymi na długi czas.

Odbiór listu glazurowego

Na początkowym etapie szkolenia, w procesie opanowywania technik pracy z akwarelami, szeroko rozpowszechniona jest metoda wielowarstwowego malowania poprzez nakładanie kolorowych warstw - szkliwo (glazura z niemieckiego Lassieurung - nakładanie cienkiej przezroczystej warstwy farby) używany. Istota tej techniki pisania polega na sukcesywnym nakładaniu przezroczystych warstw farby, aby uzyskać przy rzeźbieniu trójwymiarowej formy różnorodne odcienie barwne, wzbogacić kolor, uzyskać jedność obraz i jego harmonia.

Technika pisania glazury jest często wykorzystywana w procesie edukacyjnym podczas długotrwałej, wielowarstwowej pracy nad szkicem martwej natury ze szczegółowym studium kształtu przedstawionych obiektów. Zadania związane z nauką martwej natury wymagają dokładnego przestudiowania natury. Pisane są w kilku sesjach (praca jest rozplanowana etapowo), a potem trzeba stopniowo i konsekwentnie nakładać jedną warstwę na drugą, aby osiągnąć niezbędny efekt. Stosując metodę malowania szkliwem, wypełnianie płaszczyzn można wykonać zarówno dużym pędzlem, jak i małym (pismo mozaikowe), a następnie następuje szerokie zachodzenie na siebie. Co więcej, szklenia można nakładać na siebie tylko ograniczoną liczbę razy, w przeciwnym razie pojawią się głuche, zanieczyszczone miejsca. Należy również pamiętać, że niezbędny odcień barwy w malarstwie akwarelowym uzyskuje się nie tylko za pomocą technik technicznych, ale przede wszystkim poprzez mieszanie farb na palecie. Aby uniknąć zmętnienia odcienia koloru, nie należy dodawać do mieszanki więcej niż dwóch lub trzech kolorów. Pożądaną tonację lepiej osiągnąć poprzez umiejętne i rozważne nakładanie jednej warstwy koloru na drugą.

Surowa papierkowa robota

Jako techniczna odmiana malarstwa akwarelowego, pod koniec XVIII wieku rozpowszechnił się sposób pisania na wilgotnej powierzchni papieru. Z technicznego punktu widzenia ta metoda malowania dała nowe wyobrażenie o możliwości przekazania bezpośredniego emocjonalnego postrzegania natury, uzyskania różnorodnej obróbki teksturowanej warstwy farby malarskiej, a także możliwości ukończenia szkicu w jednej sesji.

Praca na papierze mokrym w nawiązaniu do sposobów pisania na suchej powierzchni papieru wyróżnia się wydajnością, względną prostotą technologii i dostępnością. Polega ona na zasadzie wlewania jednej warstwy farby w drugą. Przy dość umiejętnym opanowaniu tej techniki powstają bardzo spektakularne i malownicze wypełnienia tonami barwnymi.

Odbiór wylewania na mokrą powierzchnię papieru

Ta technika pisania stanowi etap przejściowy od techniki pisania na suchym papierze do pracy „na mokro”. Został zaprojektowany, aby pomóc początkującemu akwareliście rozwinąć percepcję kolorów i szerokie, integralne widzenie. Osobliwością tej techniki jest to, że malownicze wypełnienia wykonywane są w jednej warstwie, biorąc pod uwagę relacje kolorystyczne i tonalne. Jest to szeroka litera, którą wykonuje się bez etapów na zwilżonym papierze za pomocą dużego pędzla i przygotowanych roztworów farb. Proces obrazowy nie dzieli się, jak malarstwo wielowarstwowe, na niezależne etapy, które odbywają się w regularnych odstępach czasu. Stosując metodę wylewania na mokrą powierzchnię papieru, szkic jako całość i każdy obiekt z osobna zostaje natychmiast doprowadzony do pożądanego rozwiązania obrazowego i plastycznego. Ta metoda pracy pozwala uzyskać jasne, przejrzyste odcienie kolorów z miękkimi przejściami na obrazie.

Przed rozpoczęciem pracy przednią powierzchnię papieru zwilża się wodą. Pisanie „na surowo” należy rozpocząć po równomiernym nasyceniu papieru wilgocią i braku nadmiaru wody na jego powierzchni. Stopień zawilgocenia papieru oraz różne nachylenie tabletu pozwalają regulować i ograniczać rozprowadzanie atramentu do wymaganych granic, uzyskać pożądane zestawienia kolorystyczne oraz osiągnąć ich czystość i przezroczystość. Ponadto wilgotność papieru zaciera granice pomiędzy poszczególnymi tonami barw.

Lepiej rozpocząć pracę od góry, po wcześniejszym ustaleniu głównych relacji naturalnego otoczenia pod względem tonu i koloru. Choć nałożony kolor wypełnienia nie jest suchy, obok niego nakłada się kolejny, częściowo przechwytując sąsiedni. Jeśli trzeba dokonać jakichś wyjaśnień, to dokonuje się ich nawet w surowej warstwie farby.

Przyjęcie listu a la prima

W procesie pracy tą techniką w akwareli osiąga się dobre rozwiązanie kolorystyczne. Specyfika tej techniki polega na tym, że studium lub szkic wykonuje się na mokrym papierze w pełnej mocy światła i koloru, bez wstępnej rejestracji, bez przerw, w częściach i podczas jednej sesji. Odbiór a la prima jest niezbędny w pracy z naturą na małych szkicach o krótkotrwałym charakterze, co pozwala oddać subtelność i miękkość relacji kolorystycznych.

Aby oddać w dziele duże plany kolorystyczne i sylwetki, artysta zmuszony jest złożyć obraz w częściach, zachowując jedynie w wyobraźni obraz kompletnego i całościowego studium. Praca kończy się z reguły w jednej sesji, bez dłuższej przerwy. Odbiór a la prima wymaga dokładności rysunku, znajomości właściwości farb, przemyślaności i systematyczności w pracy, a także umiejętności przeprowadzenia studium od początku do końca. Początkującym artystom, którzy mają zwyczaj przepisywania, można polecić rozpoczęcie pracy od bardzo szczegółowego rysunku. Takie podejście do prowadzenia procesu malowania pozwoli początkującemu akwareliście spojrzeć na naturę całościowo i kompetentnie napisać szkic.

Specyfika tej techniki zobowiązują również do bezbłędnego polegania na intuicji, bezpośrednich uczuciach z postrzegania natury. A te cechy artysty rozwijają się w procesie pracy edukacyjnej, twórczej i przychodzą wraz z doświadczeniem.

Postęp.

1. Szkicowanie - znalezienie dobrej kompozycji martwej natury
Praktyczną pracę nad martwą naturą ćwiczeniową rozpoczynamy od wykonania wstępnych szkiców, zawierających poszukiwanie najlepszego rozwiązania kompozycyjnego, relacji tonalnych.

Oto, co A. Matisse powiedział o roli wstępnych szkiców w malarstwie: „Do stanu natchnionej twórczości dochodzimy tylko poprzez świadomą pracę”.

Po wybraniu najbardziej udanego ze szkiców możesz przejść bezpośrednio do rysowania.

2. Kompozycyjne rozmieszczenie obiektów na płaszczyźnie arkusza

Jeżeli kwestie kompozycji zostały już wcześniej rozwiązane na szkicach, wówczas znalezioną kompozycję najbardziej udaną można powtórzyć i przenieść na wybrany format arkusza. Jednocześnie określana jest największa szerokość i wysokość całej przedstawionej scenerii, a także przybliżona głębokość, czyli wejście obiektów jeden po drugim. Następnie wyznaczają duże proporcjonalne relacje między obiektami, odnajdując dla każdego miejsce na płaszczyźnie stołu i jednocześnie nakreślając ich ogólny kształt.

3. Określenie głównych proporcji i konstrukcji konstrukcyjnej ze wstępnym określeniem lokalizacji obiektów

Wszystkie konstrukcje są rysowane liniami bez nacisku, a obiekty są rysowane tak, jakby były przezroczyste („przez”), wyjaśniając ich cechy konstrukcyjne.

4. Znajdowanie proporcji głównych plam barwnych
Bardzo ważne jest znalezienie proporcji głównych plam barwnych, biorąc pod uwagę ogólny ton i stan barwny oświetlenia. Na przykład powinieneś znaleźć kolor na poziomej powierzchni tła i głównego tematu, a następnie pozostałych elementów. Jednocześnie nie pokrywaj kolorem całej powierzchni, ale spróbuj zacząć od oddzielnych małych obszarów, które ze sobą graniczą. Staraj się wybierać kolor jak najbardziej zbliżony do natury. Wszelkie zauważone braki należy natychmiast skorygować. Cała przestrzeń płaszczyzny obrazu jest wypełniana stopniowo.

5. Identyfikacja trójwymiarowej formy obiektów i pełne opracowanie kolorystyczne formy.
Aby zidentyfikować formy wolumetryczne obiektów w tonie, konieczne jest określenie najjaśniejszych i najciemniejszych miejsc na przedmiotach. Następnie zaznacz granice światła i cienia na kształtach obiektu, znajdź położenie cieni własnych i padających. Nakładając półtony, wzmocnij ton w obszarach zacienionych: cieniach własnych i padających, a także ich granicach, biorąc pod uwagę kolorystykę obiektów. Więc
Zatem stopniowo zwiększając tony, przejdź do szczegółowego badania form.

Opracowanie szczegółów jest najważniejszym etapem pracy z naturą. Zajmując się szczegółowym badaniem formy, nie należy zapominać o ogólnym tonie i każdym kolorze, każde pociągnięcie musi być podporządkowane dużej formie. Podczas modelowania kształtu obiektów bardzo ważna jest poprawna praca z relacjami tonalnymi, zaczynając od najjaśniejszych do najciemniejszych. Najjaśniejszym miejscem na obiekcie będzie światło i jego otoczenie, a najciemniejszym miejsce będzie jego własny i padający cień.

6. Uogólniający etap pracy nad martwą naturą.
Identyfikacja głównego i wtórnego w systemie kolorów; podporządkowanie wszystkich części obrazu całości. Ustalenie integralności obrazu, które osiąga się z jednej strony poprzez uogólnienie zarówno drobnych szczegółów i obiektów w tle, z drugiej zaś poprzez konkretyzację obiektów pierwszego planu. Jeżeli poszczególne plamki kolorowe wypadają z kolorystyki, „wybijają się” do przodu lub „wpadają” w głąb, wówczas są lekko blokowane przez pozbawiony siły kolor. Wzmocnienie lub osłabienie ogólnej tonacji barwnej w malarstwie akwarelowym wymaga szczególnej ostrożności przy układaniu końcowych warstw farby.

Wniosek

Akwarela martwej natury rozwija u uczniów postrzeganie kolorów otaczającego ich świata. Kolor może wyrazić określony nastrój i przekazać go widzowi. Stopniowo na lekcjach malarstwa poprawia się wrażenie koloru i tonalności. Ważne jest, aby nauczyć dziecko prawidłowego przekazywania swojej wizji produkcji na papierze.

Bibliografia

Kułakow. M., 2010.

Dużo pracy nad martwą naturą. M., 1982.

Akwarela Revyakina. M., 1959.

Shitov sztuk pięknych. Obraz. M., 1995.

http://www. ulsu. ru/com/chairs/pas/Metod_ukaz/

Aplikacja

KLASA MISTRZOSTWSKA „Akwarelowy pejzaż”

Lekcja malarstwa w plenerze dla nauczycieli i uczniów klas 3-4 Dziecięcego Zespołu Plastycznego na temat: Szkice w pobliżu wody.

Ponomareva Lyubov Innokentievna, nauczycielka MAOU DOD „ODSHI nr 3” moskiewskiego regionu Brack, obwód irkucki.
Kurs mistrzowski dla uczniów dziecięcych szkół artystycznych w klasach 3-4 (14-15 lat) i nauczycieli.
Zamiar: pomoc wizualna, prezent.
Cel: Zapoznanie z podstawowymi metodami i technikami spójnego wykonania szkicu pejzażu akwarelą.
Zadania:
Doskonalenie umiejętności i umiejętności wykonywania szkicu krajobrazu w technice akwareli.
Rozwój zdolności twórczych.
Wzbudzanie miłości i zainteresowania obrazem natury.
Materiały: Akwarela („St. Petersburg”, „Neva”, „Czarna Rzeka” czy „Leningrad”); szczotki okrągłe, wiewiórka nr 3, nr 6; papier akwarelowy, słoik na wodę, paleta, ołówek.

Witam, drodzy koledzy i miłośnicy sztuki!
Moja klasa mistrzowska nazywa się „Krajobraz akwarelowy”.
Pejzaże wykonywane są na zajęciach plenerowych i mają ogromne znaczenie, ponieważ przyczyniają się do wizualnego i praktycznego poznania praw perspektywy światła i powietrza, zdobycia nowej wiedzy w zakresie opanowania technik akwareli oraz metodologicznej sekwencji pracy.
Wybieramy motyw pejzażu z wodą i uczymy się malować odbicie.
Wyróżnia się dwie główne techniki akwareli – szkliwienie, czyli malowanie wielowarstwowe i „a la prima” – w surowym wydaniu, a także liczne techniki łączone z nich wywodzące, mające na celu ukazanie efektu, wielostruktury i obrazowości obrazu. obiekt.
Malujemy pejzaż tradycyjną techniką malarstwa wielowarstwowego. Technika ta polega na nałożeniu kolejnych warstw farby po wyschnięciu poprzedniej. Co więcej, pierwsze warstwy są transparentne, kolejne częściowo na siebie zachodzą, stopniowo przyciemniając i nasycając system kolorystyczny dzieła. Nie można od razu pisać ciemnymi i jasnymi kolorami, ponieważ przy braku bieli w akwareli dość trudno jest coś rozjaśnić, a akwarela jest materiałem świeżym, lekkim, przezroczystym, pochodzi od słowa „aqua”, co oznacza wodę . Kolor składa się z dużej ilości wody, dlatego używa się okrągłego, wiewiórkowego pędzla, który dobrze zatrzymuje wodę, a papier akwarelowy dobrze ją wchłania.

Etapy pracy.

1. Motyw pejzażu nie jest zbyt skomplikowany, dlatego od razu rysujemy pędzlem kolor zimny lub ciepły.

2. Akwarelowe wypełnienie tła nieba wykonujemy pędzlem nr 6 od góry do dołu, używając do tego ultramaryny i ochry, gdyż w słoneczny dzień w błękicie nieba pojawiają się ciepłe odcienie.

3. Zamykamy krzaki i brzegi rzeki jasną i ciepłą zielenią. Lepiej jest, jeśli zielony kolor uzyskamy w wyniku zmieszania. Jak wiadomo, w pudełku z akwarelami oferowane są nie kolory, ale farby. Aby uzyskać kolor, musisz wymieszać co najmniej dwie farby.

4. W tym badaniu dominującymi kolorami są niebieski, brązowy, ochra, zielony. Wszystkie kolejne etapy prac prowadzone są na wysuszonej poprzedniej warstwie. W tle określamy półcień krzaka.

5. Wzmacniamy półcień drugiego planu, biorąc pod uwagę, że oświetlenie jest górne, a krzaki mają duże półkoliste objętości.

6. Piszemy odbicie w wodzie. Prąd w tej rzece jest bardzo słaby, dlatego odbicie jest niemal lustrzanym odbiciem. Z reguły jest zawsze ciemniejszy i cieplejszy niż rzeczywiste obiekty. Odbicie piszemy pionowymi pociągnięciami, odzwierciedlając kształt krzaków.

7. Wodę, w której odbija się niebo, piszemy ciemniejszym kolorem.

8. Brzeg pierwszego planu wzmacniamy jaśniejszymi odcieniami zieleni, nie zapominając jednak o przezroczystości akwareli.

9. W cieniu krzaków szukamy odcieni zimnego koloru. W tle zaczynamy pisać świerki. W stosunku do krzewu są znacznie ciemniejsze.

10. Jedliśmy ciemne, prawie płaskie, bo są daleko, piszemy je cieńszym pędzelkiem.

11. Wzmocnij cień w krzakach i wodę pierwszego planu, co da poczucie przestrzeni.

12. Pokazujemy odbicie jodeł w wodzie, zwiększamy kontrast i gęstość kolorów w odbiciu krzaków.

13. Podkreślamy gałęzie w krzaku, udoskonalamy odbicia pierwszego planu.

14. Szkic jest gotowy. Sukces w pracy twórczej!

Pomysłów na kreatywność nigdy za wiele, a jeśli w proces twórczy angażuje się dzieci, trzeba przyznać, że często staje się on nie tylko twórczy, ale także badawczy. Z prostych technik posługiwania się akwarelą, która pokaże nam właściwości niektórych zwykłych przedmiotów z nowej perspektywy, wprowadza nas dziś w Anastazja Borysowa , autor bloga English4.me - Angielski dla mnie i mojej rodziny. Blog Anastazji to nie tylko język, ale także kreatywność, dlatego dziś wybieramy się na wycieczkę do kreatywnych spiżarni i uczymy się prostych technik i technik akwareli.

Ile kreatywnych i wszechstronnie uzdolnionych mam jest tutaj! A ciekawe znaleziska czekają na nas na każdym kroku. Wiele mam, widząc po jakichkolwiek zajęciach niesamowity efekt pracy swojego 2-4-letniego dziecka – choć nie zawsze takiego, jakiego oczekiwało – wykrzykuje: „Jakie to oryginalne i proste! Gdzie tego uczą? Każdy chce zostać małą czarodziejką dla swoich dzieci.

Oto ja, najprostszymi technikami, w 15 minut narysowałam zimowy pejzaż, który mój mąż uznał za godny wystawienia na sprzedaż. 🙂

Najlepsze książki dla dzieci

Niestandardowe użycie materiałów i różnorodność tworzonych efektów dają dziecku poczucie „dam radę!”, a mamie, która przez całe życie myślała, że nie potrafi rysować, pozwala przezwyciężyć „nie potrafię” .

Akwarela to płynna i niegrzeczna rzecz. Właśnie te nie zawsze wygodne właściwości wykorzystamy tworząc „arcydzieła” przeważnie „na mokro”.

1. Efekt oporu kredki - przejawy kredki woskowej

Jest to być może najczęstsza technika. Rysunek lub napis nanosi się na kartkę papieru kredką woskową lub świecą, a następnie zamalowuje akwarelą. Za pomocą białej kredy lub świecy możesz sporządzać tajne notatki lub gratulacje; żółta kreda tworzy efekt blasku; jasne błękity, zielenie i róże pod ciemną akwarelą - efekt neonu. Technikę tę można także połączyć z wcieraniem. Pod arkusz kładziemy teksturowane podłoże (wszystko, co można znaleźć w domu) i pocieramy je płaską stroną kredy. Jeśli zrobisz to ostrożnie i umieścisz liście lub jakiś przedmiot reliefowy, otrzymasz doskonałe wydruki.

2. Sól - mokra sól akwarelowa

Posypując solą jeszcze mokre poplamione prześcieradło, można uzyskać zabawny efekt. Sól średniogruba po wysuszeniu pozostawia „płatki śniegu” na niebiesko. Na zielonym tle okażą się półprzezroczyste liście. Drobna sól ekstra zasycha prawie szczelnie. Możesz więc dodać teksturę do drogi, kamienia, stworzyć galaktykę.

3. Blott – farba wybielająca.

Usuwając nadmiar wody i warstwę farby z prześcieradła za pomocą suchej serwetki, możesz narysować zimowe jodły pokryte śniegiem lub pianą morską. Blady księżyc lub słońce okaże się, jeśli owiniesz tubkę papieru toaletowego papierową serwetką i zwilżysz akwarelowe niebo. Nawet wyschnięty już rysunek można poprawić, spryskując go wodą i delikatnie pocierając w odpowiednim miejscu.

Jeśli zgnieciesz serwetkę i przyłożysz ją do błękitnego nieba, otrzymasz bardzo naturalne chmury.

Zmięta serwetka pozwala również uzyskać ciekawą fakturę. Arkusze tekstur można następnie z powodzeniem wykorzystać do tworzenia kolaży.

4. Naciśnięcie

Na powyższym rysunku widać wyraźny napis ciemnymi literami (I...). Został on wykonany na mokrej akwareli za pomocą końcówki pędzla (farba niejako spływa do ściśniętych wgłębień). W ten sposób możesz podpisać rysunek lub dodać szczegóły. Ta sama zasada dotyczy umieszczania pod prasą arkusza mokrej akwareli z teksturowanym przedmiotem. Najlepiej oczywiście zadrukować liście w ten sposób. Ale nawet z piór i gałęzi choinki wychodzi dobry dekoracyjny obraz.

5. Rozpryskuj i spryskaj

Szczoteczka do zębów i akwarela pomogą sprawić, że deszcz, śnieg, opadanie liści zobrazują wiatr. Ciekawie jest po prostu rozpryskiwać różne farby na suchym arkuszu. Zwilżony liść da zupełnie inny efekt. Będzie można zobaczyć, jak kropelki rozmywają się, łącząc ze sobą w fantazyjną ozdobę.

Możesz spryskać szablon wokół szablonu lub odwrotnie, wewnątrz niego. Gwarantowany jest niezmiennie oryginalny wynik. Tylko nie zapomnij przykryć miejsca pracy gazetami, farba rozprasza się daleko.

6. Taśma maskująca - rysowanie taśmą maskującą

Ze zdziwieniem odkryłem, że wspomniana taśma samoprzylepna kilkukrotnie doskonale odkleja się od papieru, co oznacza, że używamy jej jako podstawy szablonu. Możesz rozerwać go rękami na nierówne paski i narysować las.

Wszelkie kompozycje geometryczne są doskonałe. Możesz nawet wyciąć coś bardziej szczegółowego na grubość taśmy samoprzylepnej, na przykład domy z pierwszego zdjęcia. Najważniejsze, że tego szablonu nie trzeba dodatkowo mocować i przytrzymywać, a prawdopodobieństwo przedostania się pod niego farby nie jest duże, jeśli krawędzie są dobrze wygładzone.

7. Malowanie pianką - rysowanie pianką

Zabawna i piękna konsystencja w jednej butelce. W pojemniku należy wymieszać wodę, trochę mydła w płynie i dużo farby. Dajemy dziecku rurkę i pozwalamy mu puszczać bańki. Gdy tylko wysoki kapelusz wyrośnie, nakładamy na niego papier. Jednocześnie lepiej całkowicie rozebrać dziecko, aby później łatwiej było go umyć.

8. Alkohol i kwas cytrynowy - alkohol i kwas cytrynowy

Obydwa płyny wydają się „odpychać” i „zjadać” farbę. Kropla alkoholu daje efekt „rybiego oka” (rybie oko), natomiast jego lotność może spowodować utworzenie wokół tego oka dodatkowych otoczek, podobnych do aureoli wokół słońca. Bardzo nietypowe.

Sok z cytryny dobrze rozprowadza się na świeżej akwareli, jednak na suszoną nie wpływa w żaden sposób. Sam dość mocno się rozprowadza, dlatego ważne jest, aby nie przesadzić. Idealnie uzyskuje się takie „kudłate” plamy. Po wyschnięciu można je zamienić w potwory lub kogoś innego, dodając ręce, nogi, oczy.

9. Stemplowanie

Na mój gust lepiej jest pracować ze stemplami grubszymi farbami - gwaszem, akrylem. Można wykorzystać wszystko, co jest pod ręką, a także wyciąć stemple z ziemniaków, wydrukować warzywa na wycięciu itp. Akwarela doskonale nadaje się do tworzenia tekstur. Bierzemy serwetkę, zanurzamy ją w farbie i zostawiamy ślady przypominające na przykład kamienie.

10. Folia spożywcza – folia spożywcza

Czy wiesz, że film potrafi także rysować? Wystarczy położyć go na mokrej akwareli i przesunąć. Otrzymuje się kryształki lodu lub inny rodzaj abstrakcji.

Jeśli zrobisz jedno duże, równe „okno” otoczone zmarszczkami, to po wyschnięciu farby zobaczysz, powiedzmy, jezioro lub połynię. Zdjęcie wygląda nawet jak róża.

11. Dmuchanie

Inna metoda rysowania rurką. I znowu musisz dmuchać, ale teraz tak mocno, jak to możliwe, wbijając kroplę farby w arkusz, w rezultacie otrzymasz misterne drzewa lub po prostu zabawnych dziwaków, a może włosy dla wcześniej narysowanej postaci.

Jeśli chcesz, możesz pozwolić, aby farba płynęła sama tam, gdzie chce. Wystarczy odwrócić arkusz do pionu, a potem fantazjować z dzieckiem, to tak.

12. Stolik świetlny - stolik świetlny

Inaczej mówiąc, okno. 🙂 Ta technika nie jest dla dzieci, ale mama będzie mogła na życzenie stworzyć galerię portretów dzieci. Wszyscy bliscy otrzymają prezenty na nadchodzący rok. Myślę, że w dzieciństwie wszyscy „redukowali” obrazy, przyklejając oryginał białą prześcieradłem do okna. A co jeśli zrobimy zdjęcie? W edytorach zdjęć należy zadbać o to, aby pozostały 2 kolory - czarny i biały (funkcja posteryzacji).

Następnie istnieje kilka opcji. Możesz zamalować wszystkie białe miejsca kredką woskową lub świecą, a następnie pomalować akwarelami. Okazuje się interesujące, ale niezbyt czyste, ponieważ dość trudno jest wyśledzić, dokąd poszła kreda.

Możesz po prostu zakreślić wszystkie białe plamy ołówkiem, a następnie ostrożnie wypełnić resztę farbą. To nie jest tak długie i nie tak trudne, jak się wydaje. Wystarczy odrobina cierpliwości i dokładności, a mamy 3-4 portrety do dziennego snu dziecka.

Jeśli zdecydujesz się na uruchomienie, lepiej kupić płyn rezerwowy do papieru akwarelowego na rynkach hobbystycznych. Nakładamy go pędzlem na biały, nakładamy na niego akwarele, a następnie usuwamy nadmiar, jak film z kartki. Szybko, czysto, oryginalnie.

Metodyczny rozwój

Temat: " Technika pracy nad pejzażem w akwareli

Ukończył: nauczyciel Szkoły Artystycznej w Biriusińsku

Kuliszowa Inna Aleksandrowna

Wstęp.

Ten rozwój metodologiczny poświęcony jest problemowi znalezienia dokładnego
rozwiązania kolorystyczne w akwarelowych szkicach krajobrazowych. Ujawnia pytania
zastosowanie podstaw nauki o kolorze w praktyce i cech koloru
rozwiązania krajobrazu przestrzennego. Pomoc nauczycielowi plastyki
nauczyć dzieci prawidłowego pisania akwarelą pejzażu przestrzennego,
wykorzystując wszystkie środki i możliwości akwareli.

Na lekcjach malarstwa uczniowie uczą się języka koloru. Malarstwo rozwijając umysłowo i estetycznie uczy uważnej obserwacji zjawisk, rozwija myślenie przestrzenne, uczy trafności obliczeń, sprzyja poznaniu
piękno przyrody, pielęgnuje patriotyzm i miłość do ojczyzny.

Pod koniec każdego roku szkolnego uczniowie mają dwa tygodnie zajęć lekcyjnych
poświęcają plenerom, na których utrwalają wiedzę zdobytą w malarstwie
wiedzę teoretyczną i umiejętności praktyczne. Seria
problemy związane z tym, że dzieci nie posiadają wystarczającej wiedzy artystycznej
doświadczenia, popełniajcie błędy w pracy nad studiami nad akwarelowym pejzażem.

Kolorystyka prac jest czasem spontaniczna. Jeśli dzieci nie
uczyć umiejętności czytania i pisania w oparciu o głęboką wiedzę, a następnie stawania się
starsi, bardziej świadomi, zaczynają rozumieć, że ich malarstwo nie odpowiada rzeczywistości. Stają się sfrustrowani, nieufni wobec siebie, a wiele dzieci w ogóle przestaje rysować. Dlatego bardzo ważne jest, aby nauczyciel malarstwa już od pierwszych zajęć rozwijał u uczniów przestrzenną percepcję barw, wpajając im coraz więcej umiejętności malarskich, opartych na badaniu praw obrazu realistycznego, w przystępny, ciekawy i zabawny sposób. Z tego wszystkiego jasno wynika, że sam nauczyciel musi przede wszystkim być dobrze zorientowany w zagadnieniach perspektywy światło-powietrze, nauki o kolorze, technik akwareli. Tylko poprawnie wyjaśniając znaczenie chromatycznych i achromatycznych, ciepłych i zimnych, podstawowych i wtórnych kolorów i odcieni, odcienia koloru, wpływu światła na kolor, nauczyciel będzie mógł nauczyć dzieci rysować krajobraz.

Temat mojego rozwoju metodologicznego jest aktualny dzisiaj
dzień, jego decyzja jest podatnym gruntem dla wprowadzenia nowych metod w procesie edukacyjnym.

Cel: opracowanie i wdrożenie systemu metod i technik nauczania studentów stosowania dokładnych charakterystyk kolorystycznych do rozwiązywania problemów przestrzennych w szkicach akwarelowych na lekcjach malarstwa. Przedmiotem rozwoju metodologicznego jest proces nauczania dzieci w wieku szkolnym prawidłowego wykonywania prac akwarelowych na pejzażu na lekcjach malarstwa.
Przedmiotem opracowania metodologicznego są metody i techniki organizacji i prowadzenia pracy dydaktycznej na lekcjach historii sztuki i malarstwa w szkole artystycznej.

Zadania:
1. Podać uzasadnienie psychologiczno-pedagogiczne organizacji i stosowania metod i technik nauczania podstaw pracy nad studiami krajobrazowymi dla studentów.
2. Scharakteryzuj i ujawnij istotę oraz cechy organizacji
metody pracy dydaktycznej z zakresu pejzażu na lekcjach malarstwa.
3. Określ kierunek nauczyciela plastyki
wydziały dotyczące stosowania metod i technik nauczania podstaw pracy
nad studiami krajobrazowymi i ich zastosowaniem w procesie edukacyjnym.
4. Opracować system metod i technik realizacji szkoleń w zakresie podstaw
pracować nad szkicami krajobrazu.

GŁÓWNYM ELEMENTEM.

Aby uzyskać najpełniejsze opracowanie tematu: „Kolor i przestrzeń w akwareli
krajobraz” należy przygotować kilka lekcji z różnych dyscyplin. Na lekcji przekazywania nowej wiedzy z przedmiotu „historia sztuki” nauczyciel opowie o metodach pracy z akwarelami na
przykład mistrzów przeszłości, który pomoże poszerzyć horyzont wiedzy
uczniów na ten temat.

1.Cechy technik akwarelowych w malarstwie pejzażowym. (Historia sztuki)

Sposoby malowania akwarelą.
Warstwowe malarstwo akwarelowe to malowanie wstępne
ton ogólny lub modelujący, w niektórych przypadkach nazywany podmalówką, na którą artysta stopniowo nakłada
przezroczyste warstwy farby, osiągające określone natężenie światła. W takich
tradycyjne dla sztuki rosyjskiej XVIII-XIX wieku, pracowali i
mistrzowie Włoch, Francji, Niemiec, Hiszpanii, Anglii, a później artyści radzieccy.

Metoda M. A. Vrubela. Metodę tę stosowało wielu mistrzów końca XIX wieku. Są to P. P. Chistyakov, I. E. Repin, V. I. Surikov i wielu innych. Ale najbardziej kompletne i spójne wcielenie znalazł w pracach M. A. Vrubela.
Z reguły są to akwarele małego formatu – zdaniem M.A.
Vrubel, rozmiar „z pocztówką”, a także 20x30 cm, 30x40 cm i bardzo
rzadko duże. Niektóre prace P.P. Chistyakova i I.E. Powtórz
mają przybliżony rozmiar współczesnego arkusza Whatmana. Spróbujmy
obecnie w oparciu o wspomnienia, badania, listy M. A. Vrubela i,
oczywiście same akwarele przedstawiają możliwą sekwencję
pracować w ten sposób:
1. Twardym ołówkiem na dobrze sklejonym średnim lub małym papierze
wielkość ziarna w zależności od wielkości wykonywanej pracy
szczegółowy, ścisły rysunek przedstawiający zewnętrzne i wewnętrzne
kontury obiektów, a także światła, półtony, cienie, zarówno własne, jak i
opadanie, brzegi plam barwnych, fałdy tkanin, ozdoby itp.
Przykładem jest niedokończony portret N. I. Zabeli-Vrubela
1904, w którym M. A. Vrubel zdołał wykonać kilka uderzeń
fryzurę i nakrycie głowy, dając w tak nieoczekiwany sposób możliwość zobaczenia niemal w całości tego niesamowitego rysunku przygotowawczego.
2. Pokryj przedstawione obiekty popularnym lokalnym odcieniem kolorów
1/3,½, siła koloru, lekkość. Pozostaw odsłonięte pasemka i inne
jasne miejsca. Podkreśl różnicę w kolorze pomiędzy obiektami lub ich
Części.
3. Na wyschniętą warstwę wstępną nałożyć indywidualny kolor
płaszczyzna przedstawionego obiektu w pełnej mocy, tworząc określony kolor
mozaika, przechodząc od większych do mniejszych wypełnień. Gdzie jest kolor
ton nie wystarczy, aby pokryć kolejne warstwy koloru po wyschnięciu
poprzedni. I tak dalej, aż do zakończenia dzieła, którym powinien być obiekt składający się niejako z twarzy, platform, różnie rozmieszczonych w przestrzeni.
4. Na tym etapie możliwe jest pewne przemywanie pędzlem, zmiękczanie
twarde krawędzie niektórych wypełnień. Mycie może uogólniać indywidualność
obszarach pracy, a także aby złagodzić przeciążenie kolorem w przypadku błędu. Po
susząc ten obszar, możesz zastosować do niego pożądany odcień koloru.
Czasami jako technikę stosuje się małe kropki i pociągnięcia
doprowadź małe obszary kolorów do pożądanego odcienia. Zatem,
Wypełniane są również niewielkie szczeliny pomiędzy poszczególnymi wypełnieniami.

Przykłady tej sekwencji prac w akwareli są wczesne
prace Vrubela M.A.

Oprócz tego, co zostało powiedziane, należy dodać, że tak
można uzupełnić jeszcze jedną sztuczką na początku pracy po jej zakończeniu
rysunek. Na kartce papieru należy zastosować słaby odcień akwareli,
odpowiadający ogólnemu tonowi przedstawionej produkcji, jaki nadaje
pracują nad specjalnym kolorem nastroju i uogólniają go.

Metoda P. Cezanne’a.

Nazwa metody wskazuje na jej pochodzenie. Wiadomo, że Paweł
Cezanne oprócz malarstwa olejnego chętnie i z dużym powodzeniem malował akwarelami. Zachowane bardzo ciekawe akwarele
artysta. Niektóre są napisane w dwóch kolorach: niebiesko-jesionowym i ochrowym.
czerwony. W innych nieznacznie rozszerza swoją paletę do trzech kolorów -
zielony, ochra, czerwony i żółty, pozostawiając niebiesko-jesionową bazę.
W swojej twórczości Cezanne opierał się na jednej z trzech zasad Paula Signaca:
czyli nigdy nie nakładać ani jednej farby
inny, ponieważ każdy ton nałożony na inny zanika. Ale w
w ostatnich latach pisał P. Cezanne, nadal pasjonujący się akwarelą
zupełnie inny. Nałożył jeden kolor na drugi, potem na trzeci i
i tak dalej, używając kolorów podstawowych - niebieskiego, czerwonego, zielonego i
żółty, dodając do nich niewielką ilość czerni, z
którym zrobił na wierzchu lekkie, przerywane akcenty
rozmazuje. Co najważniejsze, P. Cezanne nie mieszał pomiędzy nimi kolorów podstawowych
siebie, ale zastosował niejako zasadę nakładania koloru
okulary. Oto, co napisał na ten temat Emile Bernard w 1904 roku: „Zaczął od drobnej rzeczy
cienie, nakładali jeden punkt, pokrywali go drugim, aż wszystkie te gradacje kolorów, nakładając się na siebie, nie ukształtowały kolorem kształtu obiektów.

Artysta pracował nad całą kompozycją, wzruszająco
najpierw, potem drugi plan, potem niebo, a kiedy wrócił do tego czy innego obszaru, nowe położenie farby nie zmyło poprzedniej warstwy.
Przejrzystość akwareli została zachowana. Trudno teraz to stwierdzić z całą pewnością
który wraz z P. Cezannem mógł zastosować tę metodę, ponieważ wielu jego
współcześni pracowali, starając się nie nakładać jednego czystego koloru na inny.
Tak czy inaczej opisaną metodę można zobaczyć w pracach artystów
koniec XX wieku.
Kolejność pracy w ten sposób jest następująca.

Paula Cezanne’a

1. Na kartce papieru nanieś dowolny rysunek ołówkiem grafitowym
średniomiękkie, bez użycia gumki. błędne linie, jeśli tak nie jest
tak intensywne, że możesz zostawić je na papierze, uzupełnią przyszłość
warstwę kolorów poprzez grę linii.
2. Tam, gdzie to możliwe, zastosuj kolor, zaczynając od niebieskiego
być w pewnym stopniu obecny. Według. rozmazy powinny być małe
kształt obiektu, przezroczysty, lekki. Następnie musisz zastosować resztę kolorów
jeden po drugim w dowolnej kolejności, na przykład czerwony, zielony,
żółty. Ważne jest, aby przejście od tonów jaśniejszych do ciemniejszych było
stopniowy. Do czystych kwiatów można dodać w niewielkiej ilości
czarny kolor. Możliwe jest nakładanie się jednej plamy barwnej na inną
niekompletny, tj. tak, że poprzedni kolor jest oglądany w niektórych miejscach w czystości
formularz. W tej technice leży szczególny urok koloru tej metody.
3. Na tym etapie musisz zastosować akcenty kolorystyczne
kolor czarny, podkreślający kształt przedstawianego obiektu lub
obiekt. W ten sposób możesz użyć zamiast czystej jasności
kolory ziemi, na przykład jasna ochra, czerwona ochra i do nich
dodać tlenek chromu, niebieski FC i czarny. ciekawa praca może
okaże się, czy rysunek ołówkiem zostanie wykonany w jakimś kolorze
ołówek, na przykład niebieski, zielony lub inny; ważne, że on
było dobre na papierze.
Klasyczny sposób
Klasyczny sposób, który w niektórych dziełach sztuki
zwany „celowym”, nietypowym dla malarstwa akwarelowego, aktywnie
był używany przez akwarelistów XIX wieku w portrecie podczas
modelowanie twarzy, przy przedstawianiu tkanin, wnętrz, indywidualnie
obszary tła, a czasem także krajobrazu.

A.P. Bryulov

Obecnie metoda ta praktycznie nie jest przez nikogo stosowana, oczywiście ze względu na jej złożoność. Na początku XIX wieku metodę tę szeroko stosowali tacy mistrzowie jak P. F. Sokolov, K. P. Bryullov, V. I. Gau oraz wielu znanych i nieznanych artystów. Metodę tę stosowano głównie do miniaturowych portretów akwarelowych, ale zdarzają się także sceny fabularne i wnętrza.

Kolejność pracy można przedstawić w następujący sposób.

1. Na kartce dobrze sklejonego papieru akwarelowego o małej ziarnistości naniesiono twardym ołówkiem wystarczająco szczegółowy, ścisły, miękki rysunek.
2. Zastosuj wspólne kolorowe tło do przedstawionego obiektu lub przedmiotu,
odpowiadające najważniejszym momentom, z wyłączeniem wyróżnień i wyróżnień
plamy w miejscach, gdzie papier powinien pozostać nietknięty kolorem.
3. Po wyschnięciu pierwszej warstwy nakładać kolejno jedna na drugą
kolejne warstwy wypełnienia, zaczynając od jasnych półtonów, a kończąc
najciemniejsze obszary, własne i rzucane cienie. Krawędzie
oddzielne warstwy - wypełnienia nie powinny być rozmyte. Każde kolejne
warstwę należy nakładać na dobrze wyschniętą poprzednią. Zatem,
obraz zostaje doprowadzony do niepełnego stopnia kompletności, jeśli jest to możliwe
Nałóż 1-2 kolejne warstwy.
4. Za pomocą ostrej końcówki cienkiego pędzla (być może są to nowoczesne nr 1, 2).
nałóż powierzchnię wysuszonego obrazu lub jego część
obrysowana warstwa akwareli, przypominająca ołówek lub pierwszy rysunek.
Warstwa ta zmiękcza twarde krawędzie poszczególnych wypełnień, modeluje kształt,
doprowadza obraz do stanu gotowego pod względem lekkości i koloru
nasycenie i tworzy poczucie materialności przedstawionego.
Warstwa obrysu do zastosowania, w której obrysy mogą się przecinać,
nakładających się na siebie, może to być ten sam kolor (uogólniając), lub
i różnej kolorystyce, w zależności od zadań stojących przed artystą.
Zaletą tej techniki była jej szczególna plastyczność.
wyrazistość, która pozwoliła „nie zamazać” formy i nie uczynić jej szorstką.
Wymagało to wielkich umiejętności.

Metoda A. V. Fonvizina

A. V. Fonvizin

Nazwa rozważanej metody malowania akwarelą
wybitny artysta Artur Władimirowicz Fonvizin, który pracował
w niesamowity, niepowtarzalny sposób.

I choć panuje opinia, że Fonvizin jest tradycyjny w swoich pracach, najprawdopodobniej można to przypisać temu, że artysta nie stosował wybielania, nie łączył gwaszu z akwarelami, czyli tradycyjnie posługiwał się czystą akwarelą. Poza tym jego twórczość jest głęboko indywidualna.

Można by z tego powodu nie brać pod uwagę jego metody malarstwa akwarelowego, gdyby nie wielu naśladowców, a raczej naśladowców wśród kolejnych pokoleń artystów, zwłaszcza współczesnych młodych akwarelistów. Niektórzy artyści i historycy sztuki uważają, że Fonvizin malował akwarele na mokrej powierzchni papieru. To nie jest prawda. Artysta nie pracuje wtedy na zwilżonym papierze
zależy to wyłącznie od kaprysów rozprowadzania farby na mokrym papierze.

Zachowały się wspomnienia współczesnych artysty, jego modeli, którzy obserwowali twórczość mistrza. Możesz uważnie przyjrzeć się, a nie jednemu
razy, o jego twórczości w Galerii Trietiakowskiej i na różnych wystawach. AV
Fonvizin napisał na kartkach papieru Whatman GOZNAK ręcznie z małym
ziarnistość, mocowanie papieru do tabletu za pomocą przycisków, których ślad nadal pozostał w pracy. Wygląda na to, że autor nie wykonał rysunku przygotowawczego
ołówkiem i zaczął rysować cienką końcówką pędzla, obrysowując jedynie drobne kontury ukazanego, o czym świadczą niedokończone prace. W pozostałych kwestiach ta niekompletność sprawia raczej wrażenie szczególnej zwięzłości właściwej jego twórczości. Następnie nabrał za pomocą dużego pędzla dużą ilość wody z farbą i delikatnie ją wcierał
powierzchnię papieru, dodając inne kolory, aby uzyskać pożądany
ton złożony, tj. w samym dziele uzyskano rodzaj palety.

Artysta z wielkim kunsztem poradził sobie z szerokimi smugami kolorystycznymi
za pomocą pędzla, naprzemiennie ciemne i jasne obszary, czasem prawie pozostawiając
nietknięte papiery. W niektórych miejscach artysta na wyschniętej powierzchni poprzedniej warstwy wprowadził akcenty kolorystyczne, czasem zupełnie nieistotne,
prawie kropki, aby podkreślić kształt lub plamę koloru. W portretach
najczęściej akcentowane są oczy i usta. W niektórych pracach to widać
artysta, przyjmując aktywny kolor, który na pierwszy rzut oka wyróżnia się
ogólny ton prześcieradła, z drżeniem, szerokim pociągnięciem po jego powierzchni
ruch pędzla. W późniejszych pracach A. V. Fonvizin jest lekko zamazany
niektóre obszary kolorów, łącząc je z przezroczystymi wypełnieniami, a także
nałóż kilka warstw koloru jedna na drugą. Jego prace nie sprawiają jednak wrażenia wielowarstwowej akwareli, zachowują niesamowitą świeżość, przejrzystość i świetlistość.

AA Iwanowa

Przypomnijmy pejzaże M. N. Worobiowa i szczególnie dużą grupę akwareli A. A. Iwanowa, w których kładzie on w rzeczywistości tylko zimne niebieskie cienie, rozwiązując w ten sposób problem przenoszenia przestrzeni i powietrza
perspektywy. Podobne prace można znaleźć u P. Cezanne’a, który
sześćdziesiąt lat później swoje stanowisko sformułował w liście do E.
Bernard z 15 kwietnia 1904 r.: „...przyroda jest dla nas ludzi raczej
głębokość niż płaskość: stąd potrzeba wprowadzenia do naszego światła
wystarczające są wrażenia przekazywane przez kolory czerwony i żółty
ilość błękitu, aby poczuć powietrze.”

Podobno te same zadania postawił sobie K. P. Bryullov już na początku XIX w., starając się przenieść na działkę środowisko powietrzne i przestrzeń oraz
akwarela portretowa i dochodzimy do jeszcze bardziej integralnej
roztwór koloru.

Z powyższego możemy wywnioskować, że ta metoda nadal działała. Wydaje się, że autor nie wykonał rysunku przygotowawczego ołówkiem, ale zaczął rysować cienką końcówką pędzla, obrysowując jedynie niezbędne szczegóły, tę metodę można łatwo zastosować w krajobrazie. Spróbujmy wyobrazić sobie sekwencję pracy w ten sposób.

1. Na kartce dobrze sklejonego papieru o średniej lub drobnej fakturze
ziarno, aby zastosować ścisły, szczegółowy rysunek twardym ołówkiem
aby obraz był wyraźny na papierze. Jednak nie
powinny być wgłębienia, które może pozostawić twardy ołówek i
które będą widoczne przez warstwę akwareli.
2. Za pomocą farb niebieskich (w naszym przypadku jest to niebieski FC) i czarnych
wykonać podmalówkę w technice „grisaille”, przynosząc niektórym dzieło
niekompletność. Po wyschnięciu nałóż kolorowe warstwy jedna na drugą.
powierzchnie kolejno od jasnej do ciemnej.
3. Używając jasnej ochry i czerwonej ochry (można też sjenę paloną i
Angielski czerwony), doprowadź dzieło do stanu gotowego. W której
żółta farba, nakładająca się na niebieską, daje zielonkawe odcienie, czerwona -
fioletowy, żółty i czerwony są pomarańczowe i razem dają kolor brązowy
odcienie. W obszarach, w których nie ma niebieskiego, żółtego i czerwonego „dźwięku”.
pełna siła. Jednocześnie w niewielkiej ilości można mieszać
czarna farba.
4. Na tym etapie można dokonać akcentów kolorystycznych i tonalnych (z niewielką ilością czerni), a także drobnych poprawek w postaci lekkich washy. Jednak w tym przypadku jest lepiej
przypadku nie uciekaj się.

metoda sucha

We współczesnym malarstwie akwarelowym tej metody praktycznie nie ma.
Pracuj na suchej powierzchni papieru.
Dzięki tej metodzie powierzchnia papieru nie jest zwilżana przed rozpoczęciem pracy.
kolor, jak w pierwszej metodzie. Malowanie odbywa się w oddzielnych sekcjach
lub, jak mówią artyści, „z kawałka”. Działki są sobie przypisane
przyjaciel. Papier do pracy może mieć zarówno wyraźnie ziarnisty
strukturę i niezbyt zauważalną. Dobrze dopasowane prześcieradła nie są mocne
przyklejony. Akwarelarze nazywają ten papier „miękkim”. Taki
Metoda malowania akwarelą bardzo dobrze nadaje się do krótkotrwałych zadań szkoleniowych. Są one również wykorzystywane przez wielu profesjonalnych artystów do rozwiązywania problemów twórczych.

Doskonałym przykładem zastosowania tej metody malowania są
dzieło wybitnego mistrza akwareli A.P. Ostroumova-Lebiediewa,
które można zobaczyć w zbiorach Państwowej Galerii Trietiakowskiej i
w różnych podręcznikach dotyczących malarstwa akwarelowego.

AP Ostroumova-Lebiediewa

Kolejność pracy na suchej powierzchni papieru jest następująca: Nałóż bardziej szczegółowy rysunek na kartkę papieru. Jeśli praca nie ma natury, zaleca się wykonanie rysunku z wcześniej ukończonego szkicu, aby nie zepsuć powierzchni papieru gumką, poprawiając błędy. Następnie przymocuj arkusz do tabletu. Farbę akwarelową nabierz dużym pędzlem w pełnej mocy koloru z pewnym marginesem blaknięcia, z aktywnym zestawem
wodę i nałożyć na powierzchnię papieru, wypełniając kolor pewnym
„kawałek” i dodanie, w razie potrzeby, dodatkowych odcieni kolorów.

Przypisz następny do gotowego „kawałka” i tak dalej, aż arkusz zostanie całkowicie wypełniony. Rozmiary „kawałków” mogą być różne
zdeterminowany charakterem obrazu. Krawędzie nie są całkowicie suche
Poszczególne sąsiednie „kawałki” w niektórych miejscach mogą lekko się przelewać
w siebie, tworząc przelewy kolorów, które nie wymagają korekty i
nadając dziełu niepowtarzalną wyrazistość kolorystyczną. Po
zarejestrowana jest prawie cała powierzchnia arkusza, należy zastosować dodatkową
akcenty kolorystyczne, a także lekkie zmiękczenie to myje
nie powinny psuć świeżości dzieła. Ponadto musisz wypełnić kolor
małe obszary papieru, zwykle pozostające pomiędzy poszczególnymi osobami
„kawałki” w procesie. Jednak niektórzy artyści celowo pozostawiają obszary czystego papieru, wykorzystując to jako swego rodzaju
podejście sceniczne. Może być tablet z kartką papieru w procesie
przechylaj się pod różnymi kątami w różnych kierunkach, kierując we właściwym kierunku
kierunek bieżącej warstwy atramentu.

Metoda akwarelowo-graficzna

Metoda ta łączy techniki graficzne i akwarelowe. On bierze
począwszy od barwionych rycin i rysunków z XVIII - XIX wieku. Ale jeśli w nich
dominował początek graficzny, następnie w rozważanej metodzie
rysunek i akwarela działają jakby na równi, uzupełniając się nawzajem
pociągnięcie ołówkiem jest tak samo ważne jak kolor
Początki graficzne i obrazkowe łączą się. To jest bardzo dobre
można zobaczyć w akwarelach P. Signaca z początku lat 30. XX wieku, w
który aktywnie wykorzystuje kolory podstawowe - żółty, czerwony, niebieski i
zieleń, dodając odrobinę czerni, kieruje się jedną z trzech zasad: „...oryginalny szkic ołówkiem nie powinien zniknąć
wręcz przeciwnie, pod plamami akwarelowymi musi być wyraźnie widoczny
„stwórz grę linii w pustych przestrzeniach wyznaczających te przestrzenie, które
powinien rozkwitnąć”. Na początku XX wieku łączy akwarelę z grafiką
techniki, A.P. Ostroumova - Lebedev, którego akwarele miały bardziej rygorystyczny charakter kolorystyczny, a później D. I. Mitrokhin.

Jego prace wyróżniają się wyrazistym linearnym wzorem, wspartym
cieniowanie w cieniach i kształtach obiektów oraz intensywne użytkowanie
akwarele, a w niektórych przypadkach nawet kredki. Metodę akwarelowo-graficzną można z powodzeniem stosować zarówno w pracach ilustracyjnych, sztalugowych, pejzażu, martwej naturze, a nawet portrecie. Można go zastosować w przypadkach, gdy w stosunkowo krótkim czasie konieczne było wykonanie najbardziej wyrazistego badania w celu utrwalenia tego, co zostało zaobserwowane, co następnie wykorzystano w kolejnych pracach.

Kolejność pracy w sposób akwarelowo-graficzny.

1. Na kartce papieru, którego faktura może mieć inny charakter (wg
w zależności od pragnienia wykonawcy), zastosuj bezpłatny intensywny
rysunek miękkim grafitem lub czarnym ołówkiem. Może być użyte
czarny ołówek z zestawu zwykłych kredek lub rdzeń „czarny”. Kształty obiektów można modelować za pomocą pociągnięć. Gdzie
konieczne, obrysy można również wypełnić w tle. Jednocześnie użyj
gumka nie jest konieczna, do pracy dołączane są wstępne jasne linie
trochę ożywienia.
2. Korzystając z płynności akwareli, nałóż na gotowy rysunek w całości
warstwa atramentu o sile koloru, w której jeden kolor może płynnie przechodzić w drugi.
3. Na tym etapie możesz uwydatnić cienie, wprowadzając dodatkowe
plamy barwne nałożone na wysuszoną warstwę bazową.
Do powyższego należy dodać, że do rysunku można zastosować
ołówek węglowy i akwarela, która jest lekko rozmyta przez nałożenie
warstwa kasku, nadaje pracy pewną miękkość. Możesz także złożyć wniosek i
różne kolorowe kredki podkreślające fakturę.

1. Należy przedstawić prezentację dotyczącą różnych sposobów malowania akwarelą
malatura. Następnie, aby utrwalić materiał, możesz zaoferować uczniom
niezależnie określa sposób pisania, która metoda została zastosowana
artystów podczas pracy nad proponowanym dziełem.
Wycieczka do galerii sztuki, w celu obejrzenia oryginału
dzieła akwareli - mistrzowie przeszłości lub, jeśli to możliwe
nieobecny, na wystawę współczesnych artystów, pomoże uczniom w pełni doświadczyć tego tematu. Takie wycieczki będą inspiracją do tworzenia małych niezależnych prac - szkiców krajobrazów na podstawie oglądania, przy użyciu jednej z omówionych powyżej technik.
2. Podążając za historią sztuki z teoretycznym studium technik akwareli, następuje lekcja malarstwa.

Na tym etapie uczniowie powinni zdobyć wiedzę z zakresu perspektywy światło-powietrze oraz praw nauki o kolorze. Perspektywa (łac. patrzeć przez) to technika przedstawiania obiektów przestrzennych na płaszczyźnie zgodnie z obserwowanymi w przyrodzie pozornymi redukcjami ich wielkości, zmianami konturów kształtów oraz zależnościami światła i cienia. Czym jest perspektywa światła i powietrza? Aby stworzyć iluzję głębi na rysunku, należy pamiętać, że istnieją prawa perspektywy światło-powietrze, które przewidują zmianę koloru, tonu i wyrazistości konturów.
przedmioty znajdujące się w pewnej odległości od malarza. rzeczy,
położone bliżej nas, wydają się wyraźniejsze, wyróżniamy się
więcej szczegółów na ich powierzchni, ale w miarę oddalania się od nas
kontrast tonów stopniowo słabnie, kolory zmieniają swój kolor,
kontur obiektów staje się rozmyty. Na podstawie naszych obserwacji w
natury, widać obiekty, które są daleko
zdają się być spowijane mgłą.

Niektóre obiekty widzimy jako jasne, inne jako ciemne. Od sąsiadów
dlatego do naszego oka dociera więcej obiektów świetlnych niż z odległych
Obiekty blisko nas wydają się wyraźne i jasne, obiekty odległe wydają się niewyraźne,
niejasne i wyblakłe. Powietrze nie zawsze jest przejrzyste, częściej w nim
rozpuszczają się drobne cząstki chemikaliów, nasycają się oparami,
kurz itp. Tak czy inaczej utrudnia to jednoznaczne określenie konturów obiektu.
Dlatego też, gdy patrzymy na już ukończony rysunek, obiekty są wyraźne
zarysowane przez kontur, postrzegamy jako blisko stojące obiekty i za pomocą
niejasne - tak odległe. Zmiany światła i pogody również
wpływa na kontrast światłocienia i widoczność. W zależności od
odległości zanikają, a kolory obiektów przybierają niebieskawe odcienie,
różnica barw powierzchni formy zostaje złagodzona, na horyzoncie koloru
zbiegają się i zamieniają w jeden niebieskawo-niebieski kolor.
Kontrasty światłocienia, ostre na pierwszym planie, stopniowo się łączą
pojedynczy ton, przedmioty tracą objętość, uzyskując charakter sylwetki,
tekstura znika. Początkujący w rysowaniu powinni się tego nauczyć
prawa. Aby przekazać przestrzeń na rysunku, lepiej użyć trzech
plany i rozwijaj każdy plan osobno w miarę oddalania się od nich
widz.
Kolory ciepłe i zimne mają jeszcze jedną ważną właściwość. Ciepły
kolory w otoczeniu zimnych wydają nam się wystające
do przodu. Na przykład czerwony obiekt umieszczony w rzędzie niebieskich obiektów
postrzegane aktywniej niż te drugie. Wręcz przeciwnie, chłodne kolory sprawiają wrażenie oddalających się obiektów. Następuje następująca właściwość kolorów
uwzględnić w pracach nad malarstwem przedstawień edukacyjnych czy pejzaży.
W transmisji wykorzystano kontrastujące właściwości barw ciepłych i zimnych
relacje przestrzenne w malarstwie - światłocień, światło-powietrze
perspektywy, warunki dnia itp.

Podstawy nauki o kolorze (malowanie tematyczne)
Ważnym punktem malarstwa jest badanie koloru w przestrzeni.

Podstawy nauki o kolorze dla początkujących - tego nam potrzeba.
1. Uważa się, że istnieją trzy kolory podstawowe i mogą istnieć wszystkie inne kolory
otrzymany przez zmieszanie głównych w różnych proporcjach.
2. Koło widmowe. Łatwiej założyć, że kolory podstawowe widma
dwanaście. Wszystkie pozostałe kolory uzyskuje się przez zmieszanie kolorów podstawowych.
Kolory widmowe nazywane są chromatycznymi.
3. Szary, biały i czarny nazywane są achromatycznymi:

4. Kolory dopełniające to kolory przeciwne w widmie. Uzupełniają się, czyli gdy kolory dopełniające znajdują się obok siebie, wzmacniają się, „zapalają”. Na przykład mamy ten: nieokreślony, matowy fioletowy kolor.
Sam w sobie nie niesie ze sobą zbyt wiele piękna i niewiele może
powiedzieć. Ale jeśli dodasz do tego dodatkowy kolor, to tak
będzie grać i błyszczeć.

Spójrz, nasz fiolet błyszczał i ma ten sam kolor co my
podjęte na początku. Mieszanie tych kolorów zawsze skutkuje szarością.
Podstawy nauki o kolorze – główne cechy koloru:

1. Nazwa koloru to tzw. odcień koloru.
2. Lekkość, to jest ton.
3. Nasycenie, czyli napięcie, czystość, jakie jest nasycenie koloru, jak bardzo jest ono czyste.
4. Ciepło i chłód.
Wszystkie te koncepcje są różne i tylko w każdym kolorze są obecne.
Na przykład:
Rozejrzyj się wokół siebie, znajdź dowolny przedmiot. Będzie jakiś
określony kolor, na przykład ten sam żółty. Pomyślmy-
odcień koloru będzie żółty, ale w jasności może okazać się inny lub
jasnożółty lub ciemnożółty. Teraz musimy to zdefiniować
nasycenie - ile żółtego jest w danym kolorze?
Dużo żółtego - mocny żółty napięciowy z zanieczyszczeniami - słaby
napięcie, niska czystość. I ostatni - teploholodnost. Nasz żółty
kolor może być zarówno z nutą chłodną, jak i ciepłą. Będzie łatwiej
zrozumieć, kiedy porównać kilka różnych obiektów o tym samym odcieniu koloru, w
w tym przypadku żółty. Znajdź kilka żółtych przedmiotów i porównaj je
cechy wymienione poniżej. Wszystko stanie się dla Ciebie jasne.
Jeżeli jeszcze nie przeszliście na kierunek, w którym Was prowadzę,
Oferuję jedną rozrywkę:

Kolor jest wyrazem jakości energii niesionej przez otoczenie. Innymi słowy,
każdy przedmiot niesie w sobie energię o określonej jakości
obudowa - kolor. Jak zapewne wiecie każdy kolor jest u nas inny
postrzegane. Kolor żółty zwiększa uwagę, gdzieś irytujący. Kolor niebieski spokojny, pasywny. Czerwony zwiększa wrażliwość, uwagę. Fioletowy - wpływa na nasze wnętrze tak bardzo, że może nawet przygnębić. W ten sposób odczuwamy kolory.

Spektrum kolorów:

Wszystkie kolory biorące udział w kompozycji muszą być podporządkowane jakimś
następnie jeden kolor, który zawsze zależy od:
1. Kolory światła (czy jest poranek, czy wieczór, dzień pogodny czy deszczowy,
A może masz pomarańczowe zasłony wiszące na oknie, które przepuszczają powietrze
ciepłe światło do pomieszczenia
2. Z kolorów wchodzących w skład kompozycji.
3. Z obszaru plam biorących udział w kompozycji.
Załóżmy, że największe miejsce w Twojej kompozycji jest zielone
ten kolor zostanie uwzględniony w gamie. I to gamma określa całość.
kompozycje.
Każde pociągnięcie powinno zawierać trzy kolory - kolor lokalny (color
obiekt), kolor skali (w jakiej skali, powiedzmy, twój krajobraz) i kolor
lekki (może być zarówno zimny, jak i ciepły).
Zmiana koloru w zależności od kształtu obiektu lub odległości:
Z nazwy odcień koloru nie zmienia koloru. Ciekawy proces
dzieje się z lekkością. Jasny kolor ciemnieje w miarę oddalania się: ciemny kolor rozjaśnia się:
Przez nasycenie kolor odchodzi, gaśnie, słabnie:

Przez letniość: zimne kolory, oddalając się, ocieplą się
ciepło - robi się zimniej.
W świetle kolor jest jaśniejszy, w cieniu słabszy i rozkłada się na półtony:
Przez letniość, jeśli wybrałeś ciepłe światło,
wtedy cienie będą zimne. Jeśli światło jest zimne, cienie będą ciepłe.
Ciepłe światło stanie się zimniejsze w miarę oddalania się, zimne światło stanie się cieplejsze. ciepły cień
oddalając się, będzie zimniej i cieplej. Kolor w cieniu rozjaśnia nasycenie.
A teraz najtrudniejsza część:
1. Najciemniejszy półton w świetle jest jaśniejszy niż najjaśniejszy półton w cieniu.
2. Najbardziej bezbarwny półton w świetle jest bardziej kolorowy niż najbardziej kolorowy półton w cieniu.
3. Najcieplejszy półton w zimnym świetle jest zimniejszy niż najzimniejszy
półtony w cieniu.
Czy wszystko jest skomplikowane i zagmatwane? Wydaje mi się, że tak jest za pierwszym razem. Takie myśli znikną, gdy zaczniesz rysować.

Nauka o kolorze dostarcza gotowych praw, które artyści rozwijają przez lata w trakcie studiów. Tego wszystkiego trzeba się tylko nauczyć, zaakceptować i zastosować w praktyce, kierując się mottem: Nie widzę, ale wiem! I robię to, co wiem!

A swoją wiedzę można pogłębiać, kierując się mottem, wykonując kilka ćwiczeń z tematu „nauka o kolorze”. połóż teraz. Pomagają nam w tym oczywiście poszukiwania kolorów i szkice, które wykonujemy przed przystąpieniem do pracy. Ale następujące ćwiczenia pomogą Ci poczuć się pewniej w procesie pracy:

Do tego potrzebujemy akwareli, o której była mowa na początku
strony. Użyj dowolnego koloru. Rozciąganie koloru można wykonać na różne sposoby.
Rozciągaj kolory od ciepłych do zimnych, od jasnych do ciemnych i od
jeden kolor do drugiego. Możesz wykonywać rozciąganie zgodnie z zasadą tych zasad, ok
które tu poznałeś. Ćwiczyć. Można się wiele nauczyć
o kolorze, o tym, jak zachowuje się obok innych lub po zmieszaniu.

Na zajęciach z malarstwa, po krótkim przeglądzie wiedzy o kolorze i prezentacji o godz
na ten temat studenci proszeni są o wykonanie serii ćwiczeń wypełniających,
do dalszego przygotowania do pracy w warunkach ulicznych. Potrzebne wypełnienie
zmień kolor w zależności od oświetlenia, zgodnie z sugestią
scenariusz. Na przykład, światło jest zimne, jak długo będzie płaskie
obiekt zabarwiony na czerwono w miarę oddalania się od widza. Lub,
zadanie samodzielnego wyboru kombinacji kolorów, z których możesz
„uczynić” zielonym. Następne zadanie: jak będzie się zmieniać ta zieleń wg
odległość od widza w ciepłym świetle. Rozciąganie do zrobienia w czterech -
pięć klas. Na koniec pracy poproś uczniów o ocenę
pracy, punktowanie za punkty: czystość koloru, zmiana tonu,
przestrzeganie ciepła i chłodu, czystości wykonania, kompozycji w arkuszu.
Ta lekcja jest lekcją realizacji złożonych zadań.

Pracując nad tematami, uczniowie powinni nauczyć się następujących rzeczy:
pytania:
1. Jakie są metody pracy z akwarelą?
2. Która metoda jest najodpowiedniejsza dla samego ucznia?
3. Jak pracować z akwarelą?
4. Jak zmienia się kolor w zależności od oświetlenia?
5. Jak zmienia się kolor w zależności od odległości?
6. Jak zmienia się kolor w zależności od perspektywy światła i powietrza?
Po lekcjach przygotowawczych uczniowie zdobędą nową wiedzę,
umiejętności pracy z akwarelami, poznania różnych metod pracy z akwarelami
kolory i nowe technologie.
I dopiero wtedy możesz przystąpić bezpośrednio do pracy na ulicy.

I jeszcze kilka wskazówek dla nauczycieli uczących dzieci w wieku szkolnym. W przypadku dzieci w tym wieku lepiej rozpocząć pracę w technice rysowania na surowym papierze. Pozwól dzieciom wypróbować farbę pod kątem płynności i rozmycia.

Technika „mokra” lub „mokra” (akwarela „angielska”)

Istota tej techniki polega na tym, że farbę nakłada się na arkusz uprzednio zwilżony wodą. Zaleca się, aby arkusz nie był ułożony poziomo ani pionowo, ale pod niewielkim kątem. Farby nakładane są lekkimi, pojedynczymi muśnięciami, na mokro z pewnością będą płynąć w kierunku wyznaczonym przez artystę. Ruch farby można kierować suchym pędzlem, może to też osłabić kolor. Ale jaki rodzaj „smugi” się okaże, nie jest znany. Ten element zaskoczenia nadaje technice nieprzewidywalność i pewną pikanterii.Stopień jej zawilgocenia zależy od zamysłu twórczego artysty, jednak zwykle zaczynają one działać, gdy woda na papierze przestaje „świecić” w świetle. Mając wystarczające doświadczenie, możesz ręcznie kontrolować zawartość wilgoci w arkuszu. W zależności od tego, jak wypełniony wodą wiązka włosów pędzla, zwyczajowo warunkowo rozróżnia się takie metody pracy, jak „mokre na mokre” i „suche na mokre”.

Technika wielowarstwowego malowania akwarelą (glazura)

Glazura to metoda nakładania akwareli przezroczystymi kreskami (zwykle ciemniejsze na jaśniejsze), jedna warstwa na drugą, przy czym spód musi być zawsze suchy. Zatem farba w różnych warstwach nie miesza się, ale działa poprzez światło, a kolor każdego fragmentu składa się z kolorów w jego warstwach. Pracując w tej technice, widać granice pociągnięć. Ale ponieważ są przezroczyste, nie psuje to obrazu, ale nadaje mu szczególną teksturę. Pociągnięcia są wykonywane ostrożnie, aby nie uszkodzić ani nie zamazać już wysuszonych malowniczych obszarów.

Technika akwareli „Rezerwa” (Obszary białe i jasne)

„Rezerwa” w akwareli nazywana jest niezapisaną białą lub najjaśniejszą częścią arkusza.
Biały kolor jest przekazywany ze względu na kolor papieru. Inaczej mówiąc, artysta musi cały czas pamiętać o tych obszarach, które musi pozostawić białe i „ominąć” je kolorem, pozostawiając je nietknięte. „Bypass” jest najbardziej złożoną i „czystą” techniką redundancji.
Problem techniki „Rezerwa” można rozwiązać na kilka sposobów:
- za pomocą taśmy klejącej
- parafina
- ołówki woskowe
- polegają na obróbce już wyschniętej warstwy farby różnymi metodami „mechanicznymi” (zeskrobanie, usunięcie warstwy farby żyletką itp.)
- zaznaczanie niezbędnych miejsc za pomocą wykręconego pędzla lub np. serwetki na mokrej lub wysuszonej warstwie.

Technika LaPrima

A la prima* (wł. Allaprima; zaim. – „ala prima”) – to samo co malowanie na surowo.
To malarstwo w surowym stylu, pisane na szybko, w jednej sesji, które tworzy niepowtarzalne efekty plam, przelewów i przelewów farby.

Praca na surowym arkuszu w początkowej fazie z późniejszym wykończeniem „na sucho”

W tym przypadku artysta tworzy podstawę pracy na mokrej kartce, a prace nad szczegółami kontynuuje, gdy kartka jest już sucha. Technologia ta pozwala na łączenie delikatnych przejść malarskich „na surowo” z namalowanymi na nich akcentami na drobnych detalach.

Technika sucha (szkoła włoska)

Polega na tym, że farbę nakłada się na suchą kartkę papieru w jednej, dwóch (akwarela jednowarstwowa) lub kilku (glazura) warstwach, w zależności od pomysłu artysty. Metoda ta pozwala zapewnić dobrą kontrolę nad przepływem farby, tonacją i kształtem pociągnięć.

Technika solna

Sól (zarówno duża, jak i mała) rozsypana na mokrych akwarelach powoduje nierównomierną korozję farby i tworzy na plamie specjalną teksturę. Technika ta jest skuteczna już na pierwszej warstwie farby. Gdy dzieło wyschnie, sól można usunąć suchą szmatką lub nawet ręcznie. Podobny efekt może dać spryskana woda.

Technika Hillshade

Hillshade to metoda ukazywania kształtu obiektu poprzez nakładanie warstw farby w gradacji od świateł do cienia. W rzeczywistości jest to sposób na badanie tonalne obiektu. Mówiąc najprościej, używamy tonu, aby pokazać obszary światła, światła, półświatła, półcienia, cienia. Hillshade to chyba najprostszy, choć długotrwały proces w technice akwareli.

Dzięki technice rysowania „mokro na mokro” – połączenie płynnej farby z mokrym arkuszem tworzy rozmyte kontury, co tylko lepiej działa na wyobraźnię dziecka – kontynuuje tworzenie obrazów przez całą lekcję. Kiedy dziecko dodaje nowy kolor do już rozpoczętego rysunku, często w jego wyobraźni pojawia się nowe połączenie semantyczne, które następnie rozwija w kolejnym rysunku.

Na mokrej płachcie poszczególne kolory mieszają się i w wielu miejscach przenikają, pojawiają się kolory pośrednie - zielony, pomarańczowy, brązowy, fioletowy. Wykonując pracę przy użyciu soli, uzyskuje się niesamowite krajobrazy. Mówiliśmy o tym powyżej. Obserwując te metamorfozy, dzieci cieszą się i dziwią: są twórcami, są pionierami! Podobnie jak w przypadku gry kolorem na papierze, dziecko z zainteresowaniem będzie obserwowało zmieniający się kolor wody w szklance, w której myte są pędzle. Kiedy cała kartka jest już zajęta rysunkiem, a kolory błyszczą i błyszczą dzięki obecności w nich żywiołu wody, dziecko osiąga szczyt „artystycznej” satysfakcji! Następnie, gdy obraz zostanie już wyjęty do wyschnięcia, nie jest już tak interesujący dla dziecka.

Należy również zauważyć, że nie ma technologii samej w sobie. Technika jest podporządkowana celowi, jaki stawia sobie artysta. Dlatego akwarela jest tak różnorodna i indywidualna, jak różnorodne i indywidualne jest pismo ludzi.

Powyższe dotyczy każdego rodzaju sztuki, jednak to właśnie akwarela jest szczególnie podatna na temperament i „ruch pędzla” wynikający z ruchu ducha mistrza. To jest główna tajemnica i problem posiadania technologii.

W pracy metodologicznej wykorzystano niektóre punkty z artykułów:

http://yandex.ru/-E. Bazanow. Żywioł wody i farby. O technice malarstwa akwarelowego.

Źródło http: //yandex.ru/ -Nazarov A. K. „Podstawowe metody malarstwa akwarelowego”

Bibliografia:

Rysujemy martwą naturę: akwarelą, gwaszem, farbami olejnymi, ołówkami akrylowymi, pastelowymi, grafitowymi i wiele więcej / tłum. z języka angielskiego - M.: Astel, 2012. - 32 s.: ilustracje - (rysunek. Wszystkie techniki w jednej książce).

Sokolnikova N.M. Sztuki piękne: Podręcznik dla uch. 5-8 komórek: Po 4 godzinach - Obnińsk: Tytuł, 1999.

Szkoła Sztuk Pięknych: Cz. 2/AN Buynov, E.N. Elizarova, B.V. Ioganson i inni - M.: Sztuk Pięknych, 1988. - 160 s.: chory.

Rysunek. Akwarela: Druga wystawa ogólnorosyjska.- L.: Artysta RFSRR, 1981.- 156 s.: il.

Rostowcew N.N. Metody nauczania plastyki w szkole: podręcznik dla studentów wydziałów artystycznych i graficznych. Pedagog. ins-comrade - wyd. 2, dod. I poprawione - M.: Oświecenie, 1980. - 239 s.: il.

Masłow N.Ya. Plener: ćwiczenie wg rys. Isk-vu: podręcznik. Podręcznik dla studentów kierunków artystycznych - hrabia. Fałszywe. Pedagog. towarzysz.- M.: Oświecenie, 1984.- 112 s.: ilustracja.

Nowoczesna radziecka akwarela / komp. Albumowe i naukowe aparat N. A. Volodina.- M.: Sov. Artysta, 1983.- 258 s.: il.