>

Abstrakcjonizm. Sztuka nieobiektywna. Słynne obrazy abstrakcyjne Abstrakcyjna sztuka współczesna

Abstrakcjonizm abstrakcjonizm

(od łac. abstrakcja - rozproszenie), sztuka nieobiektywna, jeden z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych XX wieku, który powstał na początku. Lata 1910 U podstaw twórczej metody abstrakcjonizmu leży całkowite odrzucenie „podobieństwa do życia”, obrazów form rzeczywistości. Abstrakcyjny obraz zbudowany jest na proporcjach kolorowych plam, linii, pociągnięć; rzeźba - na połączeniach form trójwymiarowych i płaskich, zgeometryzowanych. Za pomocą abstrakcyjnych konstrukcji artyści chcieli wyrazić wewnętrzne wzorce i intuicyjnie pojętą istotę świata, Wszechświata, skrytą za widzialnymi formami.

Za datę narodzin abstrakcjonizmu uważa się rok 1910, kiedy V.V. Kandinsky'ego wystawił w Monachium pierwsze w historii sztuki dzieło abstrakcyjne (akwarelę) oraz napisał traktat „O duchowości w sztuce”, w którym swoją metodę twórczą uzasadnił odkryciami nauki. Wkrótce abstrakcjonizm staje się potężnym ruchem, w ramach którego wyłaniają się różne kierunki: abstrakcja liryczna (obrazy Kandinsky'ego i mistrzów łączenia „Niebieski jeździec” z ich płynnymi, „muzycznymi” formami i emocjonalną wyrazistością koloru) oraz abstrakcja geometryczna (K.S. Malewicz, P. Mondriana, częściowo autorstwa R. Delaunaya, którego kompozycje zbudowane są na zestawieniach elementarnych figur geometrycznych: kwadratów, prostokątów, krzyży, kół). Programowym dziełem Malewicza był jego słynny „Czarny kwadrat” (1915). Artysta nazwał swoją metodę suprematyzmem (od łac. supremus – najwyższy). Chęć oderwania się od ziemskiej rzeczywistości skłoniła go do zamiłowania do kosmosu (Malewicz był jednym z autorów słynnego spektaklu „Zwycięstwo nad słońcem”). Artysta nazywał swoje abstrakcyjne kompozycje „planitami” i „architektonami”, co symbolizowało „ideę uniwersalnego dynamizmu”.


Na początku. XX wiek Sztuka abstrakcyjna rozprzestrzeniła się na wiele krajów zachodnich. W 1912 roku w Holandii narodził się neoplastycyzm. Twórca neoplastycyzmu P. Mondrian wraz z T. van Doesburgiem założył grupę De Stijl (1917) i czasopismo pod tą samą nazwą (wydawane do 1922). „Zasada ludzka” została całkowicie usunięta z ich sztuki. Członkowie grupy De Stijl tworzyli płótna, których powierzchnie narysowane siatką linii tworzyły prostokątne komórki wypełnione czystymi, jednolitymi kolorami, co zdaniem Mondriana wyrażało ideę czystego plastycznego piękna. Chciał stworzyć obraz „pozbawiony indywidualności”, a przez to posiadający „światowe znaczenie”.
W latach 1918-20. w Rosji powstały w oparciu o idee suprematyzmu konstruktywizm, która zrzeszała architektów (K.S. Mielnikow, A. A. Vesnin i inni), rzeźbiarze (V. E. Tatlin, N. Gabo, A. Pevzner), wykresy ( El Lissitzky’ego, JESTEM. Rodczenko). Istotę kierunku zarysował Vesnin: „Rzeczy tworzone przez współczesnych artystów powinny być czystymi konstrukcjami bez balastu figuratywności”. Ważną rolę w rozwoju konstruktywizmu odegrało Bauhaus, stowarzyszenie artystyczne założone w 1919 roku w Niemczech przez architekta W. Gropiusa (P. Klee; V. V. Kandinsky, El Lissitzky i in.). W 1930 roku francuski krytyk M. Seyfor utworzył w Paryżu grupę Koło i Kwadrat. W 1931 roku w Paryżu powstało stowarzyszenie „Abstrakcja – twórczość”, założone przez emigrantów z Rosji N. Gabo i A. Pevznera. Szczególnie radykalnym trendem był tachizm (od francuskiego tache – plamka). Taszyści (P. Soulages, H. Hartung, J. Mathieu i inni) radzili sobie bez pędzli. Rozpryskiwali, rozpryskiwali farbę na płótno, a następnie rozmazywali je lub deptali. Mieszali sadzę, smołę, węgiel, piasek, potłuczone szkło z farbami, wierząc, że kolor brudu jest nie mniej piękny niż kolor nieba. Wraz z wybuchem II wojny światowej centrum sztuki abstrakcyjnej przeniosło się do Stanów Zjednoczonych (J. Pollock, A. Gorky, V. Kooning, ks. Klein, M. Tobey, M. Rothko). W 1960 roku rozpoczął się nowy wzrost abstrakcjonizmu. Ten nurt w sztuce pozostaje aktualny do dziś, ale nie zajmuje już dominującej pozycji, jak na początku. XX wiek

(Źródło: „Art. Modern Illustrated Encyclopedia.” Pod redakcją prof. A.P. Gorkina; M.: Rosmen; 2007.)


Synonimy:

Zobacz, czym jest „abstrakcjonizm” w innych słownikach:

    - [Słownik słów obcych języka rosyjskiego

    Sztuka abstrakcyjna Słownik rosyjskich synonimów. abstrakcjonizm n., liczba synonimów: 2 sztuka abstrakcyjna (1) … Słownik synonimów

    abstrakcjonizm- a, m. abstrakcjonizm m., inż. abstracytonizm.1926. Rey 1998. Niezwykle formalistyczny nurt w malarstwie, rzeźbie i grafice. SIS 1985. W przeciwieństwie do sztuki abstrakcyjnej, realizm jest zawsze konkretny. Zalygin Cechy filmu dokumentalnego. Lex. SIS 1964... Historyczny słownik galicyzmów języka rosyjskiego

    ABSTRAKCJONIZM, a, mąż. W sztukach wizualnych XX wieku: kierunek, którego zwolennicy przedstawiają świat rzeczywisty jako mieszaninę abstrakcyjnych form lub plam barwnych. | przym. abstrakcjonista, och, och. Słownik wyjaśniający Ożegowa. SI. Ozhegov, N.Yu ... Słownik wyjaśniający Ożegowa

    - (łac. abstrakcja - rozproszenie) - kierunek w sztuce XX wieku, zwłaszcza w malarstwie, który odmawiał przedstawiania form rzeczywistości. Estetyczne credo abstrakcjonizmu wyłożył V. Kandinsky. Sztuka abstrakcyjna - ... ... Encyklopedia kulturoznawstwa

    - (łac. usuwanie abstrakcji, rozproszenie) kierunek sztuki niefiguratywnej, która w malarstwie i rzeźbie porzuciła przedstawianie form bliskich rzeczywistości. Jednym z celów abstrakcjonizmu jest osiągnięcie ... ... Wikipedii

    Abstrakcjonizm- (z łac. Abstractus streszczenie) sztuka abstrakcyjna, nieobiektywna, niefiguratywna; trend w procesie sądowym XX wieku, w którym wysunięto ideę odmowy przedstawiania form rzeczywistości. Ma na celu tworzenie kompozycji o różnych emocjach. zadowolony z… … Rosyjski humanitarny słownik encyklopedyczny

    abstrakcjonizm- a, jedyna jednostka, m. Kierunek w malarstwie, rzeźbie, grafice XX wieku, którego zwolennicy reprodukują świat rzeczywisty w postaci abstrakcyjnych form, plam barwnych, linii itp. Od czasów Apollinaire'a paralela pomiędzy muzyka i tak dalej stało się nawykiem …… Popularny słownik języka rosyjskiego

    abstrakcjonizm- (z łac. usuwanie abstrakcji, rozproszenie) kierunek w sztuce XX wieku, którego zwolennicy zasadniczo odmawiają przedstawiania realnych przedmiotów i zjawisk (głównie w malarstwie, rzeźbie i grafice); ostateczny wyraz modernizmu... Słownik-teaurus terminologiczny z zakresu krytyki literackiej

    Abstrakcjonizm- (łac. abstrahere) - 1. kierunek formalistyczny w malarstwie, założony przez V. Kandinsky'ego (1910 1914), ucieleśniony później w głównym nurcie rozwoju innych nurtów sztuk pięknych, głównie w kulturze zachodniej (kubizm, ... ... Encyklopedyczny słownik psychologii i pedagogiki

Książki

  • Prądy w sztuce. Od impresjonizmu do współczesności, Georgina Bertolina. Niniejszy tom encyklopedii stanowi logiczną kontynuację książki „Style w sztuce” i obejmuje całą gamę procesów, jakie miały miejsce w świecie twórczości artystycznej, począwszy od…

Definicja i znaczenie

Termin „sztuka abstrakcyjna”, zwany także „sztuką nieobiektywną”, „niefiguratywną”, „nieprzedstawiającą”, „abstrakcją geometryczną” lub „sztuką konkretną”, jest raczej niejasnym terminem obejmującym każdy obraz lub rzeźbę które nie przedstawiają rozpoznawalnych obiektów lub scen.

Jednakże, jak zobaczymy, nie ma jasnego konsensusu co do definicji, typów czy estetycznego znaczenia sztuki abstrakcyjnej. Picasso uważał, że tak się nie stało, a niektórzy historycy sztuki uważają, że wszelka sztuka jest abstrakcyjna, bo np. żaden obraz nie może mieć nadziei, że stanie się czymś więcej niż zgrubnym uogólnieniem (abstrakcją) tego, co widzi artysta. Nawet czołowi komentatorzy czasami nie zgadzają się co do tego, czy płótno należy nazwać „ekspresjonistycznym”, czy „abstrakcyjnym” – jak na przykład akwarela Statek w ogniu (1830, Tate) i obraz olejny Burza śnieżna - parowiec z ujścia portu(1842, Tate), obaj J.M.W. Turnera (1775-1851). Podobnym przykładem jest Lilia wodna (1916-20, National Gallery, Londyn) autorstwa Claude'a Moneta (1840-1926). Ponadto istnieje ruchoma skala abstrakcji, od półabstrakcyjnej do całkowicie abstrakcyjnej. Dlatego chociaż teoria jest stosunkowo jasna - sztuka abstrakcyjna oderwana od rzeczywistości– praktyczne zadanie oddzielenia abstraktu od nieabstrakcyjnego może być znacznie bardziej problematyczne.

Jaka jest idea sztuki abstrakcyjnej?

Podstawowym założeniem abstrakcji – nawiasem mówiąc, kluczowym zagadnieniem w estetyce – jest to, że walory formalne obrazu (lub rzeźby) są równie ważne (jeśli nie ważniejsze) niż jego walory reprezentacyjne.

Zacznijmy od bardzo prostej ilustracji. Obraz może zawierać bardzo słaby rysunek osoby, ale jeśli jego kolory są bardzo piękne, może mimo wszystko wydawać się nam pięknym obrazem. To pokazuje, jak jakość formalna (kolor) może zastąpić jakość reprezentatywną (rysunek).

Z drugiej strony fotorealistyczny obraz domu z tarasem może przedstawiać eleganckie przedstawienie, ale tematyka, kolorystyka i ogólna kompozycja mogą być wręcz nudne.

Filozoficzne uzasadnienie oceny wartości formalnych dzieła sztuki wynika ze stwierdzenia Platona, że: „proste linie i koła… są nie tylko piękne… ale wiecznie i absolutnie piękne”.

W istocie Platon wskazał, że obrazy nienaturalistyczne (koła, kwadraty, trójkąty itp.) mają absolutne, niezmienne piękno. Zatem obraz można oceniać jedynie po linii i kolorze – nie musi on przedstawiać naturalnego obiektu lub sceny. To samo miał na myśli francuski malarz, litograf i teoretyk sztuki Maurice Denis (1870–1943), pisząc: „Pamiętajcie, że obraz, zanim stanie się koniem bojowym lub nagą kobietą, jest w istocie płaską powierzchnią pokrytą kwiatami. określony porządek.”

Rodzaje sztuki abstrakcyjnej

Dla uproszczenia sztukę abstrakcyjną możemy podzielić na sześć głównych typów. Niektóre z tych typów są mniej abstrakcyjne niż inne, ale wszystkie wiążą się z oddzieleniem sztuki od rzeczywistości.

Krzywoliniowa sztuka abstrakcyjna

Ten typ abstrakcji krzywoliniowej jest ściśle powiązany ze sztuką celtycką, która wykorzystywała szereg abstrakcyjnych motywów, w tym węzły (osiem podstawowych typów), przeplatające się wzory i spirale (w tym triskele lub triskelion). Motywy te nie były oryginalne dla Celtów – wiele innych wczesnych kultur korzystało z tych celtyckich wzorów na przestrzeni wieków, jak na przykład neolityczne spiralne ryciny na grobowcach w Newgrange na Koh Mita, sprzed 2000 lat przed przybyciem Celtów. Można jednak powiedzieć, że Celtowie tchnęli nowe życie w te modele, czyniąc je znacznie bardziej złożonymi i skomplikowanymi. Wzory te pojawiły się później ponownie jako elementy dekoracyjne we wczesnych rękopisach (ok. 600-1000 n.e.). Powrócili później podczas ruchu odrodzenia celtyckiego w XIX wieku i wpływowego ruchu secesji w XX wieku: zwłaszcza w okładkach książek, tekstyliach, wzorach tapet i perkalu, w pracach takich autorów jak William Morris (1834-1896) i Arthura McMurdo (1851-1942). Przykładem abstrakcji krzywoliniowej jest także „nieskończona struktura”, szeroko rozpowszechniona cecha sztuki islamskiej.

Kolorowa lub jasna sztuka abstrakcyjna

Przykładem tego typu są prace Turnera i Moneta, którzy wykorzystują kolor (lub światło) w taki sposób, aby oddzielić dzieło sztuki od rzeczywistości, gdy obiekt rozpuszcza się w wir pigmentu. Wspomniano już o dwóch przypadkach ekspresyjnej abstrakcji w stylu Turnera, do których można dodać jego Wnętrze w Petworth (1837, Tate Collection). Inne przykłady obejmują ostatnią sekwencję obrazów Moneta Lilia wodna (1840–1926), Talizman (1888, Musee d'Orsay, Paryż) Paula Serusiera (1864–1927), przywódcy Les Nabis i kilka dzieł fowistycznych Henriego Matisse’a (1869 -1954). Kilka ekspresjonistycznych obrazów Kandinsky'ego, namalowanych podczas jego pracy Derome Blue Reitera, są bardzo bliskie abstrakcji, podobnie jak Deer in the Forest II (1913-14, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) jego kolegi Franza Marca (1880-1916). Czeski malarz Frank Kupka (1871-1957) stworzył jedne z pierwszych żywych obrazów abstrakcyjnych, które wywarły wpływ na Roberta Delaunaya (1885-1941), który również opierał się na kolorze w swoim stylu inspirowanym kubizmem. Abstrakcja związana z kolorem pojawiła się ponownie pod koniec lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku w postaci kolorowego malarstwa polowego opracowanego przez Marka Rothko (1903-70) i ​​Barnetta Newmana (1905-70). W latach pięćdziesiątych we Francji pojawił się równoległy rodzaj malarstwa abstrakcyjnego związanego z kolorem, znany jako „Abstrakcja liryczna”.

abstrakcja geometryczna

Ten rodzaj intelektualnej sztuki abstrakcyjnej pojawił się około 1908 roku. Wczesną, podstawową formą był kubizm, w szczególności kubizm analityczny, który odrzucił perspektywę linearną i iluzję przestrzennej głębi obrazu, aby skupić się na jego dwuwymiarowych aspektach. Abstrakcja geometryczna nazywana jest także sztuką konkretną i sztuką nieobiektywną. Jak można się spodziewać, nie charakteryzują go naturalistyczne obrazy, ale z reguły geometryczne kształty, takie jak koła, kwadraty, trójkąty, prostokąty i tak dalej. W pewnym sensie, ponieważ nie zawiera absolutnie żadnych odniesień ani powiązań ze światem przyrody, jest najczystszą formą abstrakcji. Można powiedzieć, że sztuka konkretna to abstrakcja, a weganizm to wegetarianizm. Abstrakcję geometryczną reprezentuje „Czarny okrąg” (1913, Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu), namalowany przez Kazimierza Malewicza (1878-1935) (twórcę suprematyzmu); „Broadway Boogie Woogie”(1942, MoMA, Nowy Jork), Piet Mondrian (1872-1944) (twórca neoplastycyzmu); I „Kompozycja VIII (Krowa)”(1918, MoMA, Nowy Jork) Theo Van Doesburg (1883-1931) (założyciel De Stijl i Elementarism). Inne przykłady obejmują obrazy „Poświęcenie placu” Josepha Albersa (1888–1976) i op-art Victora Vasarely’ego (1906–1997).

Emocjonalna lub intuicyjna sztuka abstrakcyjna

Ten rodzaj sztuki intuicyjnej obejmuje kombinację stylów, których wspólnym tematem jest tendencja naturalistyczna. Naturalizm ten jest widoczny w rodzaju zastosowanych kształtów i kolorów. W przeciwieństwie do abstrakcji geometrycznej, która jest niemal antynaturalna, abstrakcja intuicyjna często opisuje naturę, ale w mniej reprezentatywny sposób. Dwa ważne źródła tego typu sztuki abstrakcyjnej to abstrakcja organiczna (zwana także abstrakcją biomorficzną) i surrealizm. Można postawić tezę, że najsłynniejszym artystą specjalizującym się w tej formie sztuki był urodzony w Rosji Mark Rothko – patrz: Malarstwo Marka Rothko (1938-1970). Inne przykłady obejmują obrazy Kandinsky'ego, takie jak Kompozycja nr 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) i Kompozycja VII (1913, Galeria Trietiakowska); „Typowy narrator, Gabel i Nabel”(1923, zbiory prywatne) Jean Arp (1887-1966), Kobieta (1934, zbiory prywatne) Joan Miro (1893-1983), „Inscape: Morfologia psychologiczna nr 104”(1939, zbiory prywatne) Matta (1911-2002); I „Nieskończona podzielność”(1942, Galeria Sztuki Albright-Knox, Buffalo) Yves Tanguy (1900-55). W rzeźbie ten typ abstrakcji ilustrują: Pocałunek (1907, Kunsthalle, Hamburg) Constantina Brancusiego (1876-1957); Matka i dziecko (1934, Tate) Barbary Hepworth (1903-1975); Giant Pip (1937, Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Centre Georges Pompidou), Jean Arp; „Trzy stałe postacie”(1953, Muzeum Guggenheima, Wenecja) Henry Moore (1898-1986).

Sztuka gestów (abstrakcyjna sztuka gestów)

Jest to forma abstrakcyjnego ekspresjonizmu, w której proces tworzenia obrazu staje się ważniejszy niż zwykle. Farbę można nakładać w nietypowy sposób, pociągnięcie pędzla jest często bardzo luźne i szybkie. Wybitnymi amerykańskimi przedstawicielami malarstwa gestu są Jackson Pollock (1912-1956), twórca Action-Painting, jego żona Lee Krasner (1908-1984), która zainspirowała go własną formą malarstwa kroplowego; Willem de Kooning (1904-1997), znany z serialu Kobieta; oraz Robert Motherwell (1912-1956), znany ze swojego serialu „Elegia do Republiki Hiszpańskiej”. W Europie są to Tachisme, a także grupa Cobra, a zwłaszcza Karel Appel (1921-2006).

Minimalistyczna sztuka abstrakcyjna

Ten rodzaj abstrakcji był rodzajem sztuki awangardowej, pozbawionej wszelkich zewnętrznych odniesień i skojarzeń. To właśnie widzisz – i nic więcej. Często przybiera formę geometryczną, w której dominuje rzeźba, chociaż niektórzy wielcy artyści również sięgnęli po ten typ. Więcej informacji na temat sztuki minimalistycznej można znaleźć w artykule „Abstrakcja postmodernistyczna” poniżej.

Pochodzenie i historia

Abstrakcyjne obrazy epoki kamienia

Od realizmu akademickiego do abstrakcji

Aż do końca XIX wieku większość malarstwa i rzeźby opierała się na tradycyjnych zasadach klasycznego realizmu, których nauczano w wielkich akademiach europejskich. Podstawą tych zasad jest pierwszy obowiązek sztuki – stworzenie rozpoznawalnej sceny lub obiektu. Niezależnie od tego, pod silnym wpływem wymagań stylu i medium, dzieło sztuki musiało imitować lub reprezentować rzeczywistość zewnętrzną. Jednak w ostatniej ćwierci XIX wieku sytuacja zaczęła się zmieniać. Sztuka impresjonistyczna pokazała, że ​​ścisły akademicki styl malarstwa naturalistycznego nie był już jedynym autentycznym sposobem działania. Następnie, w latach 1900-1930, rozwój innych dziedzin sztuki współczesnej dostarczył dodatkowych metod (w tym koloru, odrzucenia perspektywy trójwymiarowej i nowych form) do dalszych poszukiwań abstrakcji.

Artyści zaczynają odrywać się od rzeczywistości

Kandinsky, ekspresjonizm i fowizm ukazują siłę koloru

Użycie koloru i formy do poruszenia widza miało ogromne znaczenie w rozwoju sztuki abstrakcyjnej. Impresjonizm, w tym odmiany neoimpresjonistycznego pointylizmu i postimpresjonizmu, zwróciły już uwagę na siłę koloru, ale niemiecki ekspresjonizm uczynił z niego kamień węgielny malarstwa. Jeden z założycieli tego ruchu, Wassily Kandinsky (1866–1944), opublikował książkę O duchowości w sztuce (1911), która stała się podstawą malarstwa abstrakcyjnego.

Kandinsky'ego przekonały emocjonalne właściwości formy, linii, a przede wszystkim koloru w malarstwie. (Miał nienormalną wrażliwość na kolor, stan zwany synestezją.) Uważał, że obrazu nie należy analizować intelektualnie, ale powinien pozwolić dotrzeć do części mózgu związanej z muzyką.

Przestrzegał jednak, że w poważnej sztuce nie należy kierować się pragnieniem, aby abstrakcja stała się jedynie dekoracją. Większość niemieckich ekspresjonistów (np. Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottlaff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke i Max Beckmann) nie była artystami abstrakcyjnymi, ale ich żywa paleta – wraz z pismami teoretycznymi Kandinsky’ego – zaalarmowała inni, bardziej abstrakcyjni artyści, do siły koloru jako środka do osiągnięcia swoich celów.

Równoległy paryski styl awangardowy, Fauvism (1905-08), jedynie podkreślał efekt koloru w pracach Henri Matisse'a, takich jak Red Studio (1911, MoMA, NY).

Kubizm odrzuca perspektywę i obrazową głębię

Kubizm (1908-14) był reakcją na dekoracyjny urok impresjonizmu. Picasso (1881-1973) i Georges Braque (1882-1963) rozwijali ten nowy styl etapami: najpierw prototyp kubizmu (patrz półabstrakcyjne dzieło Picassa Les Demoiselles d'Avignon, 1907, MoMA, Nowy Jork); następnie kubizm analityczny (por. „Nagie schody nr 2”, 1912, Muzeum Sztuki w Filadelfii) Marcel Duchamp (1887–1968); następnie kubizm syntetyczny, który był bardziej zorientowany na kolaż. Ich główną koncepcją było odejście od pięknej, choć trywialnej sztuki impresjonizmu, w stronę bardziej intelektualnej formy sztuki, eksplorującej nowe metody przedstawiania rzeczywistości.

W szczególności odrzucili akademicką metodę przedstawiania rzeczywistości poprzez wykorzystanie perspektywy liniowej (głębi) w celu stworzenia zwykłego efektu trójwymiarowości w malarstwie. Zamiast tego trzymali wszystko na dwuwymiarowej płaskiej płaszczyźnie, na której przedstawiali różne „widoki” tego samego obiektu: proces podobny do robienia zdjęcia obiektu pod różnymi kątami, następnie wycinania zdjęć i wklejania ich na płaska powierzchnia. Ta metoda wykorzystania płaskiej powierzchni do przedstawienia rzeczywistości 3D wstrząsnęła podstawami sztuki. Chociaż większość dzieł sztuki kubistycznej nadal wywodzi się z obiektów lub scen z prawdziwego świata i dlatego nie można jej uznać za całkowicie abstrakcyjną, odrzucenie przez ten ruch tradycyjnego punktu widzenia całkowicie podważyło naturalny realizm w sztuce, otwierając w ten sposób drzwi do czystej abstrakcji.

Rzeźbiarze abstrakcyjni inspirowani kubizmem: Constantin Brancusi (1876-1957), na którego wpływ miała także sztuka afrykańska i orientalna; Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) do przedstawienia ruchu używał środków kubistycznych; Jacques'a Lipchitza (1891-1973).

Informacje na temat stylu malarstwa abstrakcyjnego początku XX wieku, który próbował połączyć kompozycję kubistyczną z kolorem i muzyką, można znaleźć w artykule: Orfizm. Brytyjskim przedwojennym ruchem artystycznym pod silnym wpływem idiomu kubistycznego był Vorticism (1913-14), założony przez Percy'ego Wyndhama Lewisa (1882-1957).

Uwaga: Informacje na temat abstrakcji awangardowej w Wielkiej Brytanii (ok. 1939-75) można znaleźć w szkole St. Ives.

Abstrakcyjny ekspresjonizm - więcej koloru, więcej geometrii

Pozostałe podgrupy: Nowe Siły i Sztuka Non Figuratif.

Op-Art: nowa abstrakcja geometryczna

Jednym z najbardziej wyrazistych stylów geometrycznego malarstwa abstrakcyjnego, który pojawił się w epoce modernizmu, był ruch „Op Art” (skrót od „sztuka optyczna”), którego cechą charakterystyczną było angażowanie oka poprzez złożone, często monochromatyczne, geometryczne wzory, aby je stworzyć. zobacz kolory i formy, które tak naprawdę nie istniały. Do czołowych autorów należeli węgierski artysta i grafik Victor Vasarely (1908-1997) oraz angielska malarka Bridget Riley Richard Serra (ur. 1939), której prace abstrakcyjne obejmują m.in. „Przechylony łuk”(1981, Federal Plaza, Nowy Jork) i Kwestia czasu (2004, Guggenheim, Bilbao). Znani artyści abstrakcji kojarzeni z minimalizmem to Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (ur. 1936), których wielkoformatowe obrazy zawierają przeplatające się skupiska form i kolorów; Sean Scully (ur. 1945) irlandzko-amerykański artysta, którego prostokątne kształty kolorów zdają się naśladować monumentalne formy prehistorycznych budowli; a także Joe Baer (ur. 1929), Ellsworth Kelly (ur. 1923), Robert Mangold (ur. 1937), Brice Marden (ur. 1938), Agnes Martin (1912-2004) i Robert Ryman (ur. 1930) .

Częściowo podążając za ścisłym minimalizmem, neoekspresjonizm był ruchem w dużej mierze figuratywnym, który pojawił się na początku lat 80. Byli w nim jednak wybitni malarze abstrakcjoniści, m.in. zwycięzca z Anglii Howard Hodgkin (ur. 1932), a także malarze niemieccy Georg Baselitz.

    • Oraz Michaił Łarionow, twórca w -1912 r. „Luchizmu”, twórca suprematyzmu jako nowego typu twórczości Kazimierz Malewicz, autor „Czarnego kwadratu” oraz Jewgienij Michnow-Wojtenko, którego twórczość wyróżnia m.in. niespotykanie szeroki wachlarz kierunków stosowanej w jego twórczości metody abstrakcyjnej (wiele z nich, w tym „styl graffiti”, artysta jako pierwszy zastosował wśród mistrzów nie tylko krajowych, ale także zagranicznych).

    Trendem powiązanym z abstrakcjonizmem jest kubizm, który stara się przedstawiać rzeczywiste przedmioty za pomocą wielu przecinających się płaszczyzn, tworząc obraz niektórych prostoliniowych postaci odtwarzających żywą naturę. Jednym z najbardziej uderzających przykładów kubizmu były wczesne dzieła Pabla Picassa.

    Encyklopedyczny YouTube

    • 1 / 5

      W latach 1910-1915 malarze w Rosji, Europie Zachodniej i USA zaczęli tworzyć dzieła abstrakcyjne; do pierwszych abstrakcjonistów badacze zaliczają Wassily’ego Kandinsky’ego, Kazimierza Malewicza i Pieta Mondriana. Za rok narodzin sztuki nieobiektywnej uważa się rok 1910, kiedy to w Niemczech, w Murnau, Kandinsky napisał swoją pierwszą abstrakcyjną kompozycję. Koncepcje estetyczne pierwszych abstrakcjonistów zakładały, że twórczość artystyczna jest odbiciem praw wszechświata, ukrytych za zewnętrznymi, powierzchownymi zjawiskami rzeczywistości. Wzory te, intuicyjnie rozumiane przez artystę, zostały wyrażone poprzez proporcję abstrakcyjnych form (plam barwnych, linii, objętości, kształtów geometrycznych) w abstrakcyjnym dziele. W 1911 roku w Monachium Kandinsky opublikował słynną książkę O duchowości w sztuce, w której zastanawiał się nad możliwością ucieleśnienia tego, co wewnętrznie konieczne, duchowe, w przeciwieństwie do tego, co zewnętrzne, przypadkowe. „Logiczne uzasadnienie” abstrakcji Kandinsky’ego opierało się na studiach nad dziełami teozoficznym i antropozoficznym Heleny Bławatskiej i Rudolfa Steinera. W koncepcji estetycznej Pieta Mondriana podstawowymi elementami formy były pierwotne opozycje: poziom – pion, linia – płaszczyzna, kolor – niekolor. W teorii Roberta Delaunaya, w przeciwieństwie do koncepcji Kandinsky'ego i Mondriana, odrzucono idealistyczną metafizykę; Głównym zadaniem abstrakcjonizmu dla artysty było badanie dynamicznych właściwości koloru i innych właściwości języka artystycznego (kierunek zapoczątkowany przez Delaunaya nazwano orfizmem). Twórca „rayonizmu” Michaił Łarionow przedstawił „promieniowanie światła odbitego; kolorowy pył.

      Narodzona na początku lat 1910. sztuka abstrakcyjna szybko się rozwinęła, manifestując się w wielu obszarach sztuki awangardowej pierwszej połowy XX wieku. Idee abstrakcjonizmu znalazły odzwierciedlenie w twórczości ekspresjonistów (Wasily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), kubistów (Fernand Leger), Dadaistów (Jean Arp), surrealistów (Joan Miro), włoskich futurystów (Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico Prampolini) lub pięści (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), rosyjscy suprematyści (Kazimir Malewicz), luchiści (Michaił Larionov i Natalya Gonczarowa) i konstruktywiści (Ljubow Popova, Lazar Lissitzky, Aleksander Rodczenko, Varvara Stepanova), holenderscy neoplastycy (Pieta Mondriana, Theo van Doesburg, Bart van der Lek), szereg rzeźbiarzy europejskich (Alexander Arkhipenko, Konstantin Brankusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevsner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Nagy, Vladimir Tatlin). Wkrótce po pojawieniu się abstrakcjonizmu zidentyfikowano dwa główne kierunki rozwoju tej sztuki: abstrakcja geometryczna skłaniający się w stronę regularnych kształtów geometrycznych i stabilnych, „substancjalnych” stanów (Mondrian, Malewicz), preferujący formy bardziej swobodne, procesy dynamiczne abstrakcja liryczna(Kandiński, Kupka). Pierwsze międzynarodowe stowarzyszenia artystów abstrakcji („Koło i Kwadrat”, „Abstrakcja-Kreatywność”) powstały na początku lat dwudziestych i wczesnych trzydziestych XX wieku w Paryżu.

      Programy estetyczne abstrakcjonistów charakteryzował się uniwersalizmem; sztuka abstrakcyjna została w nich przedstawiona jako uniwersalny model porządku świata, obejmujący zarówno strukturę środowiska, jak i strukturę społeczeństwa. Pracując z pierwotnymi elementami języka obrazowego, abstrakcjoniści zwrócili się ku ogólnym zasadom kompozycyjnym, prawom kształtowania. Nic dziwnego, że abstrakcjoniści znaleźli zastosowanie dla form niereprezentatywnych w sztuce przemysłowej, projektowaniu artystycznym i architekturze (działalność grupy Style w Holandii i szkoły Bauhaus w Niemczech; twórczość Kandinsky'ego w VKhUTEMAS; architektoniki i projekty projektowe Malewicza; Aleksander „telefony komórkowe” Caldera; projekty Vladimira Tatlina, prace Nahuma Gabo i Antoine’a Pevsnera). Działalność abstrakcjonistów przyczyniła się do powstania nowoczesnej architektury, rzemiosła artystycznego i designu.

      Pod koniec lat czterdziestych w Stanach Zjednoczonych rozwinął się ekspresjonizm abstrakcyjny, który ukształtował się na gruncie abstrakcjonizmu lirycznego. Przedstawiciele ekspresjonizmu abstrakcyjnego (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Franz Kline) głosili swoją metodę „nieświadomości” i automatyzmu kreatywności, nieprzewidzianych efektów („malowanie akcji”). W ich koncepcjach estetycznych nie było już idealistycznej metafizyki, a nieobiektywna kompozycja stawała się niekiedy obiektem samowystarczalnym, wykluczającym skojarzenia z rzeczywistością. Tachisme stał się europejskim odpowiednikiem abstrakcyjnego ekspresjonizmu, którego wybitnymi przedstawicielami byli Hans Hartung, Pierre Soulages, Wolsa, Georges Mathieu. Artyści starali się zastosować nieoczekiwane, niestandardowe połączenia kolorów i faktur, rzeźbiarze (Eduardo Chillida, Seymour Lipton i inni) tworzyli przedziwne kompozycje i stosowali niezwykłe metody obróbki materiałów.

      W latach 60., wraz z upadkiem abstrakcyjnego ekspresjonizmu, zauważalnym nurtem abstrakcjonizmu było rozwinięcie zasad op-artu abstrakcji geometrycznej, wykorzystującej iluzje optyczne percepcji obiektów płaskich i przestrzennych. Kolejnym kierunkiem rozwoju abstrakcji geometrycznej była sztuka kinetyczna, bawiąca się efektami rzeczywistego ruchu całego dzieła lub jego poszczególnych elementów (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taxis). W tym samym czasie w USA narodziła się abstrakcja postmalarska, której zasadami była redukcja i ostateczne uproszczenie form malarskich; odziedziczywszy od abstrakcji geometrycznej regularne formy geometryczne, zaokrąglenia pomalarskie, „zmiękcza” je. Wybitnymi przedstawicielami tego nurtu są Frank Stella, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland. Minimalizm, który ukształtował się w latach 60. i 70. XX wieku, stał się ostatecznym wyrazem abstrakcji geometrycznej w rzeźbie.

      Historia sztuki abstrakcyjnej w Rosji i ZSRR

      1900-1949

      Artyści Kandinsky i Malewicz na początku XX wieku wnieśli znaczący wkład w rozwój teorii i praktyki abstrakcjonizmu.

      W latach dwudziestych XX wieku, w okresie szybkiego rozwoju wszystkich nurtów awangardowych, sztuka abstrakcyjna włączyła w swoją orbitę kubofuturystów, nieobiektywistów, konstruktywistów, suprematystów: Aleksandrę Exter i Ljubowa Popową, Aleksandra Rodczenkę i Varwarę Stiepanową, Gieorgija Stenberga i Michaiła Matiuszyna , Nikołaj Suetin i Ilja Chasznik . Język sztuki niefiguratywnej leżał u podstaw kultury nowej, nowoczesnej formy plastycznej, sztalugowej, rzemieślniczej czy monumentalnej i miał wszelkie szanse na dalszy owocny i obiecujący rozwój. Jednak wewnętrzne sprzeczności ruchu awangardowego, wzmocnione naciskiem ideologicznej biurokracji, na początku lat trzydziestych zmusiły jego przywódców do poszukiwania innych twórczych dróg. Antypopularna, idealistyczna sztuka abstrakcyjna nie miała już prawa istnieć.

      Wraz z dojściem do władzy nazistów ośrodki abstrakcjonizmu z Niemiec i Włoch przeniosły się do Ameryki, gdyż koncepcja abstrakcjonizmu nie znalazła poparcia wśród ideologów faszyzmu. W 1937 r. W Nowym Jorku utworzono muzeum malarstwa nieobiektywnego, założone przez rodzinę milionera Guggenheima, w 1939 r. - Muzeum Sztuki Nowoczesnej, utworzone kosztem Rockefellera. Podczas drugiej wojny światowej i w ogóle po jej zakończeniu wszystkie ultralewicowe siły świata sztuki zgromadziły się w Ameryce.

      W powojennej Ameryce zyskiwała na sile „szkoła nowojorska”, której członkami byli twórcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu Jackson Pollock, Mark Rothko, Barnett Neumann, Adolf Gottlieb. Latem 1959 roku młodzi artyści oglądali swoje prace w Moskwie na wystawie amerykańskiej sztuki narodowej w parku Sokolniki. Dwa lata przed tym wydarzeniem współczesna sztuka świata została zaprezentowana na wystawie sztuki w ramach Światowego Festiwalu Młodzieży i Studentów. Przełom informacyjny stał się swego rodzaju symbolem wolności duchowej i społecznej [ ] . Sztuka abstrakcyjna kojarzona była obecnie z wewnętrznym wyzwoleniem z totalitarnego ucisku krwawego reżimu, z innym światopoglądem [ ] . Problematyka współczesnego języka artystycznego, nowej formy plastycznej okazała się nierozerwalnie związana z procesami społeczno-politycznymi. Era „odwilży” oznaczała szczególny system relacji sztuki abstrakcyjnej i władzy. Rozpoczął się nowy etap w rozwoju radzieckiego abstrakcjonizmu - lata 50. i 70. XX wieku.

      Dla młodych artystów radzieckich, wychowanych w tradycji systemu akademickiego i materialistycznej wizji świata, odkrycie abstrakcji oznaczało możliwość odtworzenia osobistego, subiektywnego doświadczenia. Amerykańscy badacze scharakteryzowali ekspresjonizm abstrakcyjny jako „gest wyzwolenia od wartości politycznych, estetycznych i moralnych” [ ] . Podobne uczucia towarzyszyły młodym malarzom w ZSRR, którzy pojmowali nieznaną im sztukę współczesną, a jednocześnie budowali własne formy współżycia z władzą lub sprzeciwu wobec niej. Narodził się underground, a wśród nieformalnych artystów odwoływanie się do sztuki abstrakcyjnej było powszechnie akceptowane i powszechne.

      W tych latach wielu malarzy odczuwało potrzebę języka sztuki nieobiektywnej. Konieczność opanowania słownictwa formalnego często wiązała się nie tylko z zanurzeniem w spontanicznej twórczości, ale także z pisaniem przemyślanych traktatów teoretycznych. Podobnie jak na początku stulecia, dla tych malarzy abstrakcja nie oznaczała odrzucenia różnych poziomów znaczeń. Współczesna sztuka abstrakcyjna Europy i Ameryki opierała się na tak fundamentalnych warstwach, jak badanie prymitywnej świadomości mitologicznej, freudyzm, początki egzystencjalizmu, filozofie Wschodu - Zen [ ] . Ale w warunkach sowieckiej rzeczywistości artyści abstrakcjoniści nie zawsze byli w stanie w pełni i dogłębnie zapoznać się z pierwotnymi źródłami, intuicyjnie znajdowali odpowiedzi na nurtujące ich problemy [ ] i odrzucając oskarżenia o zwykłe kopiowanie zachodnich wzorców, poważnie potraktowali swoją reputację zawodową [ ] .

      1950-1970

      Powrót sztuki abstrakcyjnej do przestrzeni kulturalnej Rosji nie był jedynie konsekwencją zmiany klimatu politycznego czy naśladownictwem zachodnich zjawisk artystycznych. Prawa „samorozwoju sztuki” wyznaczały formy „niezbędne dla samej sztuki”. Nastąpił proces repersonalizacji sztuki. Stało się możliwe tworzenie indywidualnych obrazów świata.” [ ] To ostatnie wywołało silną negatywną reakcję na szczeblu państwa, które przez wiele lat przywykło uważać abstrakcjonizm za „kierunek skrajnie formalistyczny, obcy prawdomówności, ideologii i narodowości” [ ], a prace abstrakcjonistów jako: „Bezsensowne połączenie abstrakcyjnych kształtów geometrycznych, chaotycznych plam i linii”. [ ]

      Przez prawie trzydzieści lat (od końca lat 50. do 1988) Jewgienij Mikhnov-Voitenko wypracował własny styl sztuki abstrakcyjnej, będący wyjątkowym mistrzem w zakresie stosowanych metod. Poszczególne okresy jego twórczości naznaczone są wieloma eksperymentami z zakresu malarstwa i rzemiosła artystycznego; W dorobku artysty znajdują się grafiki, obrazy wykonane techniką mieszaną, emalią nitro, pastelą, sosem, olejem, gwaszem, temperą, a także prace wykonane w drewnie, metalu, szkle, piance.

      Pierwszy [ ] nieformalnym stowarzyszeniem artystycznym okresu „odwilży”, które wypracowało zasady sztuki abstrakcyjnej, było studio Nowa Rzeczywistość, skupione wokół E.M. Belyutina. Początkowo pracownia funkcjonowała jako kursy dokształcające przy Miejskim Komitecie Artystów Grafików. Wyznaczony przez XX Kongres kurs ku powszechnej liberalizacji otworzył perspektywy dla wolności twórczości i poszukiwań artystycznych. Jednak wystawa w Maneżu w 1962 roku, ostra krytyka ze strony partii artystycznej artystów Nowej Rzeczywistości i kampania przeciwko abstrakcjonizmowi zmusiły artystów do zejścia do podziemia. Przez następne 30 lat pracownia pracowała nieprzerwanie w warsztatach w Abramcewie, w domu należącym do Biełyutina.

      Opracowując zasady przedstawienia niefiguratywnego, artyści pracowni opierali się zarówno na doświadczeniach rosyjskich artystów awangardowych początku stulecia, jak i współczesnych artystów zachodnich. Cechą „Nowej Rzeczywistości” było skupienie się na pracy zbiorowej, do czego aspirowali futuryści początku XX wieku. „Nowa Rzeczywistość” zrzeszała moskiewskich artystów o odmiennych poglądach na sposób konstruowania abstrakcji. Artyści Lyutsian Gribkov i Tamara Ter-Ghevondyan pracowali w stylu najbliższym abstrakcyjnemu ekspresjonizmowi. Zachowując w swoich pracach elementy form rzeczywistych, wypracowali kategorie wyrażania stanów emocjonalnych poprzez ruchy wizualno-plastyczne. Wiera Preobrazhenska, która przez długi czas kierowała pracownią i ustalała teorię i metodologię szkoły, przeszła długą drogę od ekspresjonizmu, przez estetykę op-artu, po abstrakcję geometryczną. Wraz z Eliyem Belyutinem Preobrazhenskaya zajmowała się opracowywaniem modułów „psychogranulek”, symboli wyrażających konkretne stany i abstrakcyjne koncepcje za pomocą przejrzystych rozwiązań kolorystycznych i plastycznych. Vera Preobrazhenskaya powiedziała: „Na moich obrazach Bóg jest prawie zawsze czarnym kwadratem” [ ] . W trakcie pracy z członkami studia Eliy Belyutin stworzył teorię „uniwersalnego kontaktu”, w której wyraził zasady rozwijania potencjału twórczego artysty.

      Artyści „Nowej Rzeczywistości” uważali się za spadkobierców przede wszystkim twórczości Wasilija Kandinskiego. Przodek rosyjskiej abstrakcji skupiającej się na przedstawianiu świata duchowego poprzez sztukę plastyczną. Ich poszukiwania artystyczne wzbogacił dorobek europejskich artystów abstrakcjonistów połowy stulecia, którzy częściowo przywrócili swoim dziełom figuratywność w nowej jakości złudzenia optycznego czy fetyszu.

      Kandinsky stwierdził, że: „Świadomie lub nieświadomie artyści coraz częściej zwracają się ku swojemu materiałowi, testują go, ważą na duchowych skalach wewnętrzną wartość elementów, z których powinna powstać sztuka” [ ] . To, co powiedziano na początku stulecia, ponownie stało się aktualne dla kolejnych pokoleń malarzy. W drugiej połowie lat pięćdziesiątych pojawiła się abstrakcyjna rzeźba wyposażona w „elektroniczny mózg” – „Cysp I” Nicolasa Schöffera. Alexander Calder tworzy swoje „stajnie”. Istnieje jeden z izolowanych obszarów abstrakcjonizmu – op-art. W tym samym czasie, niemal jednocześnie w Anglii i Stanach Zjednoczonych, pojawiły się pierwsze kolaże, wykorzystujące etykiety do produktów masowych, fotografii, reprodukcji i podobnych obiektów nowego stylu pop-artu.

      Moskiewska abstrakcja przełomu lat 60., zagłębiająca się w poszukiwanie nowego kształtowania odpowiadającego wewnętrznemu stanowi „twórczej iluminacji”, swoistej medytacji, dała przekonujące przykłady własnego rozumienia kultury tego, co nieobiektywne. Na przykład w twórczości Władimira Niemukhina, Lidii Masterkowej, Michaiła Kułakowa, których z pewnością porywa abstrakcyjny ekspresjonizm, który udało im się wypełnić wysokim napięciem duchowym. Odmienny typ myślenia abstrakcyjnego najkonsekwentniej przejawiał się w analitycznej i praktycznej pracy Jurija Złotnikowa, autora obszernego cyklu Sygnały powstałego pod koniec lat pięćdziesiątych. Według artysty: „Dynamiczność, rytm, wyraźna w abstrakcji geometrycznej”, doprowadziła go do analizy: „Idee dynamiczne właściwe sztuce”, a dalej: „Do badania reakcji motorycznych człowieka” [ ] . W „Sygnałach” artysta badał „sprzężenie zwrotne” spontanicznych reakcji psychologicznych na symbole kolorów.

      Kolejny etap rozwoju rosyjskiej abstrakcji rozpoczyna się w latach 70. XX wieku. To czas, aby współcześni artyści zapoznali się z twórczością Malewicza, z suprematyzmem i konstruktywizmem, z tradycjami rosyjskiej awangardy, jej teorią i praktyką. „Pierwotne elementy” Malewicza wzbudzały stałe zainteresowanie formą zgeometryzowaną, znakami linearnymi i strukturami plastycznymi. Abstrakcja „geometryczna” pozwoliła zbliżyć się do problemów nurtujących mistrzów lat dwudziestych XX wieku, poczuć ciągłość i duchowy związek z klasyczną awangardą. Współcześni autorzy odkryli dzieła rosyjskich filozofów i teologów, teologów i mistyków, sięgnęli do niewyczerpanych źródeł intelektualnych, które z kolei nadały nowe znaczenie twórczości Michaiła Szwartsmana, Walerego Jurłowa i Eduarda Steinberga.

      Abstrakcja geometryczna stała się podstawą metod pracy artystów zrzeszonych na początku lat 60. w grupie Ruch. Wśród jej członków byli Lew Nusberg, Wiaczesław Kolejczuk, Francisco Infante. Ten ostatni był szczególnie zafascynowany suprematyzmem. W „Dynamicznych spiralach” Infante studiował model nieskończonej spirali w przestrzeni, szczegółowo go analizując: „Nieistniejąca sytuacja plastyczna”.

      Malarstwo amerykańskie lat 70 powraca do figuratywności. Uważa się, że lata 70. to: „moment prawdy dla malarstwa amerykańskiego, które uwolniło się od tradycji europejskiej, która je karmiła, i stało się czysto amerykańskie”. [ ]

      Połowę lat 80. można uznać za zakończenie kolejnego etapu rozwoju abstrakcji w Rosji, która do tego czasu zgromadziła nie tylko ogromne doświadczenie w twórczości, znaczących problemach filozoficznych, ale także przekonała się o potrzebie myślenia abstrakcyjnego.

      Lata 90. potwierdziły specyfikę „rosyjskiej drogi” sztuki nieobiektywnej. Z punktu widzenia rozwoju kultury światowej abstrakcjonizm jako kierunek stylistyczny zakończył się w 1958 roku. Jednak w: „Popieriestrojkowe społeczeństwo rosyjskie dopiero teraz odczuwa potrzebę równorzędnej komunikacji ze sztuką abstrakcyjną, istnieje chęć dostrzeżenia nie miejsc bezsensownych, ale piękna plastycznej gry, jej rytmów, przeniknięcia ich znaczenia. Usłysz wreszcie dźwięk obrazkowych symfonii. [ ] Artyści otrzymali możliwość wyrażenia nie tylko form klasycznych - suprematyzmu czy abstrakcyjnego ekspresjonizmu, ale abstrakcji lirycznej i geometrycznej, minimalizmu, rzeźby, obiektu, ręcznie wykonanej książki autorskiej, w masie papierowej, odlanej przez samego mistrza.

      Nowoczesna sztuka abstrakcyjna w malarstwie

      Ważnym elementem współczesnego języka abstrakcji stał się biały. Dla Mariny Kastalskiej, Andrieja Krasulina, Walerego Orłowa, Leonida Pelikha przestrzeń bieli - najwyższe napięcie koloru jest na ogół wypełniona nieskończonymi możliwościami wariantowymi, które pozwalają na wykorzystanie zarówno metafizycznych idei dotyczących duchowych, jak i optycznych praw odbicia światła.

      Przestrzeń jako kategoria pojęciowa ma w sztuce współczesnej różne znaczenia. Jest na przykład przestrzeń znaku, symbolu, który wyłonił się z głębin archaicznej świadomości, czasami przekształconej w strukturę przypominającą hieroglif. Istnieje przestrzeń starożytnych rękopisów, których obraz stał się swoistym palimpsestem w kompozycjach Walentina Gerasimenko.

      Szczegóły Kategoria: Różnorodność stylów i trendów w sztuce oraz ich cechy Opublikowano 16.05.2014 13:36 Wyświetleń: 11268

      „Kiedy kąt ostry trójkąta dotyka koła, efekt jest nie mniej znaczący niż efekt Michała Anioła, gdy palec Boży dotyka palca Adama” – powiedział V. Kandinsky, lider sztuki awangardowej w pierwszym połowa XX wieku.

      - forma aktywności wizualnej, która nie ma na celu ukazania rzeczywistości postrzeganej wizualnie.
      Ten kierunek w sztuce nazywany jest także „nieobiektywnym”, ponieważ. jej przedstawiciele porzucili obraz bliski rzeczywistości. W tłumaczeniu z łaciny słowo „abstrakcyjny” oznacza „usunięcie”, „odwrócenie uwagi”.

      V. Kandinsky „Kompozycja VIII” (1923)
      Artyści abstrakcjoniści na swoich płótnach tworzyli określone zestawienia kolorystyczne i geometryczne kształty, aby wywoływać u widza różnorodne skojarzenia. Abstrakcjonizm nie ma na celu rozpoznania podmiotu.

      Historia sztuki abstrakcyjnej

      Za twórców abstrakcjonizmu uważa się Wassily'ego Kandinsky'ego, Kazimierza Malewicza, Natalię Goncharową i Michaiła Larionowa, Pieta Mondriana. Kandinsky był najbardziej stanowczym i konsekwentnym z tych, którzy w tamtym czasie reprezentowali ten nurt.
      Badacze twierdzą, że nie do końca słuszne jest uważanie abstrakcjonizmu za styl w sztuce, ponieważ. jest to specyficzna forma sztuki. Dzieli się na kilka obszarów: abstrakcja geometryczna, abstrakcja gestów, abstrakcja liryczna, abstrakcja analityczna, suprematyzm, aranformel, nuageizm itp. Ale w istocie silne uogólnienie jest abstrakcją.

      V. Kandinsky „Moskwa. Plac Czerwony""
      Już od połowy XIX wieku. malarstwo, grafika, rzeźba bazują na tym, co niedostępne bezpośredniemu obrazowi. Rozpoczyna się poszukiwanie nowych środków wizualnych, metod typizacji, wzmożonej ekspresji, uniwersalnych symboli, skompresowanych formuł plastycznych. Z jednej strony ma to na celu ukazanie wewnętrznego świata człowieka - jego emocjonalnych stanów psychicznych, z drugiej - aktualizacji wizji świata obiektywnego.

      Twórczość Kandinsky'ego przechodzi przez szereg etapów, od rysunku akademickiego po realistyczne malarstwo pejzażowe, by dopiero potem wejść w swobodną przestrzeń koloru i linii.

      V. Kandinsky „Błękitny jeździec” (1911)
      Kompozycja abstrakcyjna to ostatni, molekularny poziom, na którym malarstwo jest nadal malowaniem. Sztuka abstrakcyjna jest najbardziej przystępnym i szlachetnym sposobem uchwycenia osobistej egzystencji, a jednocześnie jest bezpośrednią realizacją wolności.

      Murnau „Ogród” (1910)
      Pierwszy obraz abstrakcyjny namalował Wassily Kandinsky w 1909 roku w Niemczech, a rok później opublikował tu książkę „O duchowości w sztuce”, która później stała się sławna. Podstawą tej książki były refleksje artysty, że to, co zewnętrzne, może być przypadkowe, ale to, co wewnętrznie konieczne, duchowe, stanowiące istotę człowieka, równie dobrze może zostać ucieleśnione w obrazie. Postawa ta wiąże się z dziełami teozoficznym i antropozoficznym Heleny Bławatskiej i Rudolfa Steinera, którymi zajmował się Kandinsky. Artysta opisuje kolor, wzajemne oddziaływanie kolorów i ich wpływ na człowieka. „Psychiczna moc farby... wywołuje duchową wibrację. Na przykład kolor czerwony może wywołać duchową wibrację podobną do tej, która powoduje ogień, ponieważ czerwień jest jednocześnie kolorem ognia. Ciepły czerwony kolor ma ekscytujący efekt; kolor ten może się nasilić do boleśnie bolesnego stopnia, być może także z powodu podobieństwa do płynącej krwi. Kolor czerwony w tym przypadku budzi pamięć o innym czynniku fizycznym, który oczywiście boleśnie wpływa na duszę.

      V. Kandinsky „Zmierzch”
      „...fiolet to chłodna czerwień, zarówno w sensie fizycznym, jak i psychicznym. Ma zatem charakter czegoś bolesnego, wygasłego, ma w sobie coś smutnego. Nie na próżno ten kolor jest uważany za odpowiedni do sukienek starszych kobiet. Chińczycy używają tego koloru bezpośrednio do strojów żałobnych. Jego brzmienie nawiązuje do dźwięków rożka angielskiego, fletów, a w głębi niskich tonów instrumentów dętych drewnianych (np. fagotu).

      V. Kandinsky „Szary owal”
      „Czarny kolor wewnętrznie brzmi jak nic bez możliwości, jak martwy”.
      „Jest oczywiste, że wszystkie powyższe oznaczenia tych prostych kolorów są tylko bardzo tymczasowe i elementarne. Te same uczucia, o których wspominamy w związku z kolorami – radość, smutek itp. Te uczucia są także jedynie materialnymi stanami duszy. Odcienie kolorów, podobnie jak muzyka, mają charakter znacznie subtelniejszy; wywołują znacznie subtelniejsze wibracje, które wymykają się słowom”.

      V.V. Kandinsky (1866-1944)

      Wybitny rosyjski malarz, grafik i teoretyk sztuk pięknych, jeden z twórców abstrakcjonizmu.
      Urodzony w Moskwie w rodzinie kupieckiej, podstawowe wykształcenie muzyczne i artystyczne zdobył w Odessie, kiedy rodzina przeniosła się tam w 1871 roku. Studia prawnicze ukończył z wyróżnieniem na Moskiewskim Uniwersytecie Państwowym.
      W 1895 roku w Moskwie odbyła się wystawa francuskich impresjonistów. Kandinsky'ego szczególnie uderzył obraz Claude'a Moneta „Stóg siana” - dlatego w wieku 30 lat całkowicie zmienia zawód i zostaje artystą.

      V. Kandinsky „Kolorowe życie”
      Jego pierwszym obrazem było Pstrokate życie (1907). Jest to uogólniony obraz ludzkiej egzystencji, ale taka jest już perspektywa jego przyszłej twórczości.
      W 1896 przeniósł się do Monachium, gdzie zapoznał się z twórczością niemieckich ekspresjonistów. Po wybuchu I wojny światowej wrócił do Moskwy, jednak po pewnym czasie ponownie wyjechał do Niemiec, a następnie do Francji. Dużo podróżował, ale okresowo wracał do Moskwy i Odessy.
      W Berlinie Wassily Kandinsky wykładał malarstwo, został teoretykiem szkoły Bauhaus (Wyższa Szkoła Budownictwa i Wzornictwa Artystycznego), instytucji edukacyjnej w Niemczech, która istniała w latach 1919–1933. W tym czasie Kandinsky zyskał światowe uznanie jako jeden z liderów sztuki abstrakcyjnej.
      Zmarł w 1944 roku na paryskich przedmieściach Neuilly-sur-Seine.
      Abstrakcjonizm jako kierunek artystyczny w malarstwie nie był zjawiskiem jednorodnym - sztuka abstrakcyjna łączyła kilka nurtów: Rayonizm, Orfizm, Suprematyzm itp., O czym można dowiedzieć się więcej z naszych artykułów. Początek 20 wieku - czas szybkiego rozwoju różnych ruchów awangardowych. Sztuka abstrakcyjna była bardzo różnorodna, obejmowała także kubofuturystów, konstruktywistów, nieobiektywistów itp. Jednak język tej sztuki wymagał innych form wyrazu, ale nie były one wspierane przez postacie oficjalnej sztuki, ponadto sprzeczności były nieuniknione między samego ruchu awangardowego. Sztukę awangardową uznano za antypopularną, idealistyczną i praktycznie zakazaną.
      Abstrakcjonizm nie znalazł wsparcia także w nazistowskich Niemczech, dlatego ośrodki abstrakcjonizmu z Niemiec i Włoch przeniosły się do Ameryki. W 1937 r. W Nowym Jorku utworzono muzeum malarstwa nieobiektywnego, założone przez rodzinę milionera Guggenheima, w 1939 r. - Muzeum Sztuki Nowoczesnej, utworzone kosztem Rockefellera.

      Powojenna sztuka abstrakcyjna

      Po II wojnie światowej w Ameryce popularna była „szkoła nowojorska”, której członkami byli twórcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu: D. Pollock, M. Rothko, B. Neumann, A. Gottlieb.

      D. Pollock „Alchemia”
      Patrząc na obraz tego artysty, rozumiesz: poważna sztuka nie poddaje się łatwej interpretacji.

      M. Rothko „Bez tytułu”
      W 1959 roku ich prace były wystawiane w Moskwie na Narodowej Wystawie Sztuki Stanów Zjednoczonych w parku Sokolniki. Początek „odwilży” w Rosji (lata 50. XX w.) otworzył nowy etap w rozwoju krajowej sztuki abstrakcyjnej. Otwarto studio Nowa Rzeczywistość, którego centrum stanowiło Elij Michajłowicz Biełyutin.

      Pracownia mieściła się w Abramcewie pod Moskwą, na daczy Belyutina. Istniało podejście do pracy zbiorowej, do którego aspirowali futuryści początku XX wieku. „Nowa Rzeczywistość” zrzeszała moskiewskich artystów o odmiennych poglądach na sposób konstruowania abstrakcji. Artyści L. Gribkov, V. Zubarev, V. Preobrazhenskaya, A. Safokhin opuścili studio New Reality.

      E. Belyutin „Macierzyństwo”
      Nowy etap w rozwoju rosyjskiej abstrakcji rozpoczyna się w latach 70. XX wieku. To czas Malewicza, suprematyzmu i konstruktywizmu, tradycji rosyjskiej awangardy. Malarstwo Malewicza budziło zainteresowanie zgeometryzowaną formą, znakami liniowymi i strukturami plastycznymi. Współcześni autorzy odkryli dzieła rosyjskich filozofów i teologów, teologów i mistyków, uzyskali dostęp do niewyczerpanych źródeł intelektualnych, które napełniły prace M. Schwartzmana, V. Yurlova, E. Steinberga nowym znaczeniem.
      Połowa lat 80. – zakończenie kolejnego etapu rozwoju abstrakcji w Rosji. Koniec XX wieku wyznaczył szczególny „rosyjski sposób” sztuki nieobiektywnej. Z punktu widzenia rozwoju kultury światowej sztuka abstrakcyjna jako kierunek stylistyczny zakończyła się w 1958 roku. Ale dopiero w społeczeństwie rosyjskim po pierestrojce sztuka abstrakcyjna zrównała się z innymi dziedzinami. Artyści otrzymali możliwość wyrażenia się nie tylko w formach klasycznych, ale także w formach abstrakcji geometrycznej.

      Nowoczesna sztuka abstrakcyjna

      Współczesny język abstrakcji często staje się biały. Dla Moskali M. Kastalskiej, A. Krasulina, W. Orłowa, L. Pelikha przestrzeń bieli (najwyższe napięcie barwne) jest wypełniona nieskończonymi możliwościami, pozwalającymi na wykorzystanie zarówno metafizycznych idei dotyczących duchowych, jak i optycznych praw odbicia światła .

      M. Kastalskaya „Sleepy Hollow”
      Pojęcie „przestrzeni” ma w sztuce współczesnej inne znaczenie. Na przykład jest spacja znaku, symbolu. Istnieje przestrzeń starożytnych rękopisów, których obraz stał się swoistym palimpsestem w kompozycjach V. Gerasimenko.

      A. Krasulin „Stołek i wieczność”

      Niektóre nurty w sztuce abstrakcyjnej

      Rayizm

      S. Romanowicz „Zejście z krzyża” (lata 50. XX w.)
      Kierunek w malarstwie rosyjskiej awangardy w sztuce lat 1910-tych, oparty na zmianie widm światła i transmisji światła. Jeden z wczesnych nurtów abstrakcjonizmu.
      U podstaw pracy promienistów leży idea „przecięcia odbitych promieni różnych obiektów”, ponieważ człowiek w rzeczywistości postrzega nie sam obiekt, ale „sumę promieni pochodzących ze źródła światła, odbite od obiektu i wpadające w nasze pole widzenia.” Promienie na płótnie przenoszone są za pomocą kolorowych linii.
      Założycielem i teoretykiem ruchu był artysta Michaił Larionow. Michaił Le-Dantyu i inni artyści z grupy Donkey's Tail pracowali w Rayonizmie.

      Rayonizm zyskał szczególny rozwój w twórczości S. M. Romanovicha, który uczynił kolorystyczne idee Rayonizmu podstawą „przestrzenności” kolorowej warstwy malarstwa figuratywnego: „Malarstwo jest irracjonalne. Wychodzi z głębi człowieka, jak źródło wytryskające z ziemi. Jego zadaniem jest przekształcenie widzialnego świata (obiektu) poprzez harmonię, która jest oznaką prawdy. Pracować – pisać w harmonii – potrafi ten, w którym żyje – oto tajemnica człowieka.

      Orfizm

      Nurt w malarstwie francuskim początku XX wieku, który ukształtowali R. Delaunay, F. Kupka, F. Picabia, M. Duchamp. Nazwę nadał w 1912 roku francuski poeta Apollinaire.

      R. Delaunay „Pole Marsowe: Czerwona Wieża” (1911-1923)
      Artyści-orfiści starali się wyrazić dynamikę ruchu i muzykalność rytmów poprzez przenikanie się podstawowych barw widma i przecięcie krzywoliniowych powierzchni.
      Wpływ orfizmu widać w twórczości rosyjskiego artysty Aristarcha Lentulowa, a także Aleksandry Exter, Gieorgija Jakulowa i Aleksandra Bogomazowa.

      A. Bogomazow „Kompozycja nr 2”

      neoplastycyzm

      Styl ten charakteryzuje się wyraźnymi prostokątnymi kształtami w architekturze („styl międzynarodowy” P. Audy) i malarstwem abstrakcyjnym w układzie dużych prostokątnych płaszczyzn malowanych w podstawowych barwach widma (P. Mondrian).

      „w stylu Mondriana”

      abstrakcyjny ekspresjonizm

      Szkoła (ruch) artystów malujących szybko i na dużych płótnach, posługujących się niegeometrycznymi pociągnięciami, dużymi pędzlami, czasem ściekając farbą na płótno, aby w pełni wydobyć emocje. Celem artysty przy takiej metodzie twórczej jest spontaniczna ekspresja wewnętrznego świata (podświadomości) w chaotycznych formach, niezorganizowanych przez logiczne myślenie.
      Ruch nabrał szczególnego zasięgu w latach pięćdziesiątych XX wieku, kiedy na jego czele stanęli D. Pollock, M. Rothko i Willem de Kooning.

      D. Pollock „Pod różnymi maskami”
      Jedną z form abstrakcyjnego ekspresjonizmu jest taszizm, oba te ruchy praktycznie pokrywają się pod względem ideologii i metody twórczej, jednak skład personalny artystów nazywających siebie taszystami lub ekspresjonistami abstrakcyjnymi nie jest całkowicie zbieżny.

      Taszyzm

      A. Orłow „Blizny w duszy nigdy się nie zagoją”
      Jest to obraz z plamami, które nie odtwarzają obrazów rzeczywistości, lecz wyrażają nieświadomą aktywność artysty. Kreski, linie i plamy taszizmu nanoszone są na płótno szybkimi ruchami rąk, bez przemyślanego planu. Z Tachisme blisko związana jest europejska grupa „COBRA” i japońska grupa „Gutai”.

      A. Orłow „Pory roku” P.I. Czajkowski

      Abstrakcja w sztuce!

      Abstrakcjonizm!

      Abstrakcjonizm- To kierunek w malarstwie, który jest podkreślony w szczególnym stylu.

      Malarstwo abstrakcyjne, abstrakcjonizm lub gatunek abstrakcyjny, zakłada odrzucenie obrazu rzeczywistych rzeczy i form.

      Abstrakcjonizm ma na celu wywołanie w człowieku określonych emocji i skojarzeń. W tym celu obrazy w stylu abstrakcyjnym starają się wyrazić harmonię kolorów, kształtów, linii, plam i tak dalej. Wszystkie formy i zestawienia kolorów znajdujące się na obwodzie obrazu mają pomysł, własny wyraz i ładunek semantyczny. Jakkolwiek by się to wydawało widzowi, patrząc na obraz, na którym nie ma nic poza liniami i plamami, wszystko w abstrakcji podlega pewnym regułom wyrazu, tzw. „kompozycji abstrakcyjnej”.

      Abstrakcja w sztuce!

      Abstrakcjonizm, jako kierunek w malarstwie, narodził się na początku XX wieku jednocześnie w kilku krajach europejskich.

      Uważa się, że malarstwo abstrakcyjne zostało wynalezione i rozwinięte przez wielkiego rosyjskiego artystę Wasilija Kandinskiego.

      Uznanymi twórcami i inspiratorami abstrakcjonizmu są artyści Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Piet Mondrian, Frantisek Kupka i Robert Delaunay, którzy w swoich pracach teoretycznych ukształtowali podejścia do definicji „abstrakcjonizmu”. Ich badania, różniące się celami i zadaniami, łączyły jedno: abstrakcjonizm, jako najwyższy etap rozwoju sztuk pięknych, tworzy formy unikalne dla sztuki. Artysta „uwolniony” od kopiowania rzeczywistości myśli w szczególnych obrazowych obrazach o niezrozumiałej duchowej zasadzie wszechświata, odwiecznych „esencjach duchowych”, „siłach kosmicznych”.

      Malarstwo abstrakcyjne, które dosłownie wysadziło w powietrze świat sztuki, stało się symbolem początku nowej ery w malarstwie. Ta era oznacza całkowite przejście od ograniczeń i ograniczeń do całkowitej wolności słowa. Artysta nie jest już niczym związany, może malować nie tylko ludzi, sceny codzienne i rodzajowe, ale nawet myśli, emocje, doznania i używać do tego dowolnej formy wyrazu.

      Dziś abstrakcja w sztuce jest tak szeroka i różnorodna, że ​​sama dzieli się na wiele typów, stylów i gatunków. Każdy artysta lub grupa artystów stara się stworzyć coś własnego, coś wyjątkowego, co mogłoby lepiej trafić w uczucia i doznania danej osoby. Osiągnięcie tego bez użycia rozpoznawalnych kształtów i przedmiotów jest bardzo trudne. Z tego powodu płótna artystów abstrakcjonistów, które naprawdę wywołują szczególne wrażenia i zachwycają pięknem i wyrazistością abstrakcyjnej kompozycji, zasługują na ogromny szacunek, a sam artysta uważany jest za prawdziwego geniusza malarstwa.

      Malarstwo abstrakcyjne!

      Od czasu pojawienia się abstrakcjonizmu zarysowały się w nim dwie główne linie.

      Pierwsza to abstrakcja geometryczna lub logiczna, która tworzy przestrzeń poprzez łączenie geometrycznych kształtów, kolorowych płaszczyzn, linii prostych i przerywanych. Ucieleśnia się ona w suprematyzmie K. Malewicza, neoplastycyzmie P. Mondriana, orfizmie R. Delone, w twórczości mistrzów abstrakcji pomalarskiej i op-artu.

      Druga to abstrakcja liryczno-emocjonalna, w której kompozycje zorganizowane są ze swobodnie płynących form i rytmów, reprezentowanych przez dzieła W. Kandinskiego, dzieła mistrzów abstrakcyjnego ekspresjonizmu, taszizmu i sztuki nieformalnej.

      Malarstwo abstrakcyjne!

      Abstrakcjonizm, jako malarstwo o szczególnym wyrazie osobistym, początkowo przez długi czas znajdował się w podziemiu. Abstrakcjonizm, podobnie jak wiele innych gatunków w historii malarstwa, był wyśmiewany, a nawet potępiany i cenzurowany jako sztuka pozbawiona sensu. Jednak z biegiem czasu pozycja abstrakcji uległa zmianie i obecnie istnieje ona na równi ze wszystkimi innymi formami sztuki.

      Jako zjawisko artystyczne abstrakcjonizm wywarł ogromny wpływ na kształtowanie się i rozwój nowoczesnego stylu architektonicznego, wzornictwa, sztuki przemysłowej, użytkowej i dekoracyjnej.

      Uznani mistrzowie abstrakcjonizmu: Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Franciszek Kupka. Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Michaił Larionow, Lyubov Popova, Jackson Polok, Josef Albers.

      Nowoczesna sztuka abstrakcyjna w malarstwie!

      Abstrakcjonizm stał się ważnym językiem głębokiej komunikacji emocjonalnej między artystą a widzem we współczesnej sztuce pięknej.

      We współczesnym abstrakcjonizmie pojawiają się nowe ciekawe trendy, wykorzystujące na przykład specjalne obrazy o różnych formach kolorystycznych. I tak w pracach Andrieja Krasulina, Walerego Orłowa, Leonida Pelikha przestrzeń bieli - najwyższe napięcie koloru jest na ogół wypełniona nieskończonymi możliwościami wariacyjnymi, które pozwalają na wykorzystanie zarówno metafizycznych idei dotyczących duchowych, jak i optycznych praw odbicia światła.

      We współczesnym abstrakcjonizmie przestrzeń zaczyna odgrywać nowe role i formować różne ładunki semantyczne. Istnieją na przykład przestrzenie znaków, symboli, wyłaniających się z głębin archaicznej świadomości.

      We współczesnym abstrakcjonizmie rozwija się także kierunek fabuły. W tym przypadku, przy zachowaniu nieobiektywności, abstrakcyjny obraz jest konstruowany w taki sposób, że wywołuje określone skojarzenia – różne poziomy abstrakcji.

      Współczesny abstrakcjonizm jest nieskończony w swoich granicach: od sytuacji obiektywnej po poziom filozoficzny figuratywnych kategorii abstrakcyjnych. Z drugiej strony we współczesnym malarstwie abstrakcyjnym obraz może wyglądać jak obraz jakiegoś świata fantasy - na przykład abstrakcyjnego surrealizmu.

      Inne artykuły w tej sekcji:

      • Językowe systemy komunikacji! Języki jako główny czynnik w systemie rozwoju wiedzy!
      • Tradycje. Czym jest tradycja? Tradycja w dialektycznym rozwoju społeczeństwa.
      • Przestrzeń i czas. Prawa przestrzeni. Otwarta przestrzeń. Ruch. Przestrzeń światów.
      • Ewolucja i koewolucja. Ewolucja i koewolucja w systemie współczesnej wiedzy. Zasady ewolucji i koewolucji. Ewolucja biologiczna i koewolucja przyrody żywej.
      • Synergetyka i prawa natury. Synergetyka jako nauka. Synergetyka jako podejście i metoda naukowa. Uniwersalna teoria ewolucji - synergia.
      • Może lub nie! Kalejdoskop wydarzeń i działań przez pryzmat jest niemożliwy i możliwy!
      • Świat Religii! Religia jako forma świadomości człowieka w świadomości otaczającego świata!
      • Sztuka - Sztuka! Sztuka to umiejętność, która może budzić podziw!
      • Realizm! Realizm w sztuce! Realistyczna sztuka!
      • Nieoficjalna sztuka! Nieoficjalna sztuka ZSRR!
      • Thrash – Thrash! Śmieci w sztuce! Thrash w kreatywności! Śmieci w literaturze! Kinowy śmieć! Cyberthrash! Thrash metal! Telethrash!
      • Obraz! Malarstwo to sztuka! Malarstwo to sztuka artysty! Kanony malarstwa. Mistrzowie malarstwa.
      • Wernisaż - "wernisaż" - uroczyste otwarcie wystawy sztuki!
      • Realizm metaforyczny w malarstwie. Pojęcie „realizmu metaforycznego” w malarstwie.
      • Koszt obrazów współczesnych artystów. Jak kupić obraz?