Holenderscy artyści osiągnęli wielkie osiągnięcia w tworzeniu sztuki realistycznej, przedstawiającej rzeczywistość w naturalny sposób, właśnie dlatego, że na taką sztukę było zapotrzebowanie w holenderskim społeczeństwie.
Dla holenderskich artystów zajmujących się sztuką malarstwo sztalugowe było ważne. Płótna Holendrów tego czasu nie mają takich wymiarów jak dzieła Rubensa, a rozwiązują raczej zadania nie monumentalne i dekoracyjne, klientami holenderskich malarzy byli wysłannicy organizacji panującej, ale także drugiej kategorii - mieszczanie, rzemieślnicy.
Jednym z głównych zadań malarzy holenderskich był człowiek i środowisko. Główne miejsce w malarstwie holenderskim zajmował codzienny gatunek oraz portret, pejzaż i martwa natura. Lepsi bezstronni, głęboko przedstawieni malarze naturalny świat, tak liczne i znaczące były wątki ich dzieła.
Malarze holenderscy wystawiali dzieła na sprzedaż, handlowali swoimi obrazami na jarmarkach. Ich dzieła kupowali głównie ludzie z wyższych warstw społeczeństwa – bogaci chłopi, rzemieślnicy, kupcy, właściciele manufaktur. Prości ludzie nie było na to stać, więc z przyjemnością oglądał i podziwiał obrazy. Ogólna lokalizacja sztuki w okresie rozkwitu XVII wieku, pozbawiona tak potężnych konsumentów jak dwór, szlachta i kościół.
Prace wykonano w małym formacie, licząc na skromne i niezbyt duże wyposażenie domów holenderskich. Jednym z ulubionych zajęć Holendrów było malarstwo sztalugowe, ponieważ był otwarty z dużą pewnością i na różne sposoby odzwierciedlał rzeczywistość działań. Na obrazach Holendrów rzeczywistość ich kraju jest im bliska, chcieli zobaczyć to, co dobrze znają – morze i statki, przyrodę swojej krainy, swój dom, tok życia, to, co otaczali ich wszędzie.
Jedna ważna motywacja do nauki środowisko pojawiły się w malarstwie holenderskim w tak naturalnych formach i z tak wyraźną ciągłością, jak nigdzie indziej w sztuce holenderskiej tamtych czasów. Pod tym względem związana jest również głębia jego skali: powstały w nim portrety i pejzaże, martwe natury i gatunek codzienny. Jednostki z nich to martwa natura, obraz gospodarstwa domowego jako pierwsze ukształtowały się w Holandii w dojrzałych formach i osiągnęły taki rozkwit, że stały się jedynym przykładem tego gatunku.
W pierwszych dwóch dekadach wyraźnie ujawnia się główny nastrój poszukiwań głównych holenderskich artystów, sprzeciwiający się właściwym nurtom artystycznym - pociąg do prawidłowego odwzorowania rzeczywistości, do trafności jej wyrażenia. Nie przez przypadek holenderskich artystów zafascynowała sztuka Caravaggia. Działalność tzw. karawagistów utrechckich – G. Honthorsta, H. Terbruggena, D. Van Baburena – ukazała wpływ na holenderską kulturę artystyczną.
Tworzyli malarze holenderscy w latach 20. i 30. XVII wieku główny widok odpowiedni, drobno figurowy obraz, który przedstawia sceny z życia zwykłych chłopów i ich codziennych zajęć. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku jednym z głównych gatunków było malarstwo codzienne, którego twórcy w historii zyskali miano „Małego Holendra” albo ze względu na prostotę fabuły, albo z powodu niewielkich rozmiarów obrazów, a może z obu powodów . Cechy dobrodusznego humoru podsycały wizerunki chłopów na obrazach Adriana van Ostade. Był demokratycznym pisarzem codziennym i zabawnym gawędziarzem Jana Steena.
Jednym z najważniejszych malarzy portretowych Holandii, twórcą holenderskiego portretu realistycznego był Franza Halsa. On stworzył własną chwałę portrety grupowe cechów strzeleckich, w których wyrażał ideały młodej republiki, poczucie wolności, równości, koleżeństwa.
Szczytem holenderskiego realizmu jest Harmensa van Rijna Rembrandta, wyróżniająca się niezwykłą żywotnością i emocjonalnością, głębokim człowieczeństwem obrazów, dużą rozpiętością tematyczną. Malował obrazy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże, był jednym z nich najwięksi mistrzowie akwaforta i rysunek. Ale bez względu na technikę, w której pracował, w centrum jego uwagi zawsze była osoba, jego osoba wewnętrzny świat. Często odnajdywał swoich bohaterów wśród holenderskiej biedoty. W swoich pracach Rembrandt łączył siłę i penetrację cechy psychologiczne z wyjątkowym kunsztem malarskim, w którym najważniejsza jest wierna tonacja światłocienia.
W pierwszej tercji XVII w. ukształtowały się poglądy na holenderski pejzaż realistyczny, który rozkwitł w połowie stulecia. Pejzaż mistrzów niderlandzkich nie jest przyrodą w ogóle, jak w malarstwie klasycystów, ale narodowym, czyli pejzażem holenderskim: wiatraki, pustynne wydmy, kanały, po których latem pływają łódki, a zimą wrotkarze. Artyści starali się oddać atmosferę pory roku, wilgotnego powietrza i przestrzeni.
Martwa natura zyskuje jasny rozwój w malarstwie holenderskim, różni się charakterem niewielkim rozmiarem. Piotr Klas I Willema Khedy najczęściej przedstawiały tzw. śniadania: dania z szynką lub ciastem na stosunkowo skromnie podanym stole. Niedawną obecność człowieka wyczuwa się w nieładzie, w naturalności, z jaką układają się rzeczy, które mu do tej pory służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana. W umiejętnym ułożeniu przedmioty są pokazane w taki sposób, że można poczuć jakby wewnętrzne życie rzeczy, nie bez powodu Holendrzy nazywali martwą naturę „still leven” – „ spokojne życie", a nie "natura morte" - "martwa natura".
Martwa natura. Pietera Claesza i Willema Hedy
Subtelność, prawdziwość w odtwarzaniu rzeczywistości łączy się u holenderskich mistrzów z żywym wyczuciem piękna, ujawniającego się w każdym jego zjawisku, nawet tym najbardziej niepozornym i codziennym. Ta cecha holenderskiego geniuszu artystycznego ujawniła się chyba najdobitniej w martwej naturze; nieprzypadkowo ten gatunek był ulubieńcem Holandii.
Holendrzy nazywali martwą naturę „stilleven”, co oznacza „spokojne życie” i to słowo wyraża znaczenie, jakie holenderscy malarze nadawali obrazowi rzeczy nieporównywalnie trafniej niż „nature morte” – martwa natura. W przedmiotach nieożywionych dostrzegli szczególny, ukryte życie związane z życiem człowieka, jego sposobem życia, przyzwyczajeniami, upodobaniami. Malarze holenderscy stworzyli wrażenie naturalnego „nieporządku” w układzie rzeczy: pokazali pokrojone ciasto, obraną cytrynę ze skórką wiszącą spiralnie, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – to zawsze wydaje się, że ktoś dotknął tych przedmiotów, po prostu ich użył, zawsze odczuwa się niewidzialną obecność osoby.
Wiodący mistrzowie Holenderska martwa natura pierwszej połowy XVII w. to Pieter Claesz (1597/98-1661) i Willem Heda (1594-ok. 1680). Ulubionym tematem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy przedmioty o różnych kształtach i materiałach – dzbanek do kawy, szklanka, cytryna, gliniane naczynie, srebrny talerz itp. – zostają ze sobą porównane w taki sposób, aby ujawnić cechy i atrakcyjność każdego z nich. Dzięki różnorodnym technikom Kheda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; Zatem odblaski światła grają inaczej na powierzchni szkła i metalu: na szkle - jasne, o ostrych konturach, na metalu - blade, matowe, na złoconym szkle - błyszczące, jasne. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor - szaro-zielona kolorystyka.
W „Martwej naturze ze świecą” P. Klassa niezwykła jest nie tylko trafność oddania walorów materialnych przedmiotów – kompozycja i oświetlenie nadają im dużej wyrazistości emocjonalnej.
Martwe natury Klassa i Khedy przepełnione są szczególnym nastrojem, który ich łączy - jest to nastrój intymności i komfortu, rodzący wyobrażenie o ugruntowanym i spokojnym życiu domu mieszczańskiego, w którym panuje dobrobyt i gdzie we wszystkim wyczuwa się troskę ludzkich rąk i uważne oczy mistrza. Malarze holenderscy potwierdzają wartość estetyczną rzeczy, a martwa natura niejako pośrednio śpiewa o życiu, z którym ich istnienie jest nierozerwalnie związane. Dlatego można go uznać za jedno z artystycznych wcieleń ważny temat Sztuka holenderska - temat z życia osoby prywatnej. Główną decyzję otrzymała w obrazie gatunkowym.[&&] Rotenberg I.E. Zachodnioeuropejski sztuka XVII V. Moskwa, 1971;
W drugiej połowie XVII w. w społeczeństwie holenderskim zachodziły zmiany: wzrastało dążenie mieszczaństwa do arystokratyzacji. Skromne „Śniadania” Klasa i Khedy ustępują miejsca bogatym „deserom” Abrahama van Beyerna I Willema Kalfa, na które składały się efektowne naczynia fajansowe, naczynia srebrne, cenne kielichy i muszle w martwych naturach. Konstrukcje kompozytowe stają się coraz trudniejsze, farby stają się bardziej dekoracyjne. W przyszłości martwa natura traci swoją demokrację, intymność, duchowość i poezję. Zamienia się we wspaniałą dekorację domu wysokiej rangi klientów. Przy całej dekoracyjności i kunszcie wykonania, późne martwe natury antycypują upadek wielkiego holenderskiego malarstwa realistycznego, które weszło na rynek początek XVIII stulecia i spowodowane degeneracją społeczną mieszczaństwa niderlandzkiego w ostatniej tercji XVII w., rozprzestrzenianiem się nowych kierunków w sztuce związanych z przyciąganiem mieszczaństwa do gustów francuskiej szlachty. Sztuka holenderska traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy, traci swoją tożsamość narodową i wkracza w okres długiego upadku.
Martwa natura („Stilleven” – co po niderlandzku oznacza „ciche życie”) – to osobliwa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego. Holenderska martwa natura XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w tym gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” obejmuje z reguły różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – martwe ptaki i zwierzyna łowna. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących, rozmaitych ptaków – to tylko część najbardziej znane tematy martwe natury. W sumie te pojedyncze działki charakteryzują duże zainteresowanie Holendrów działkami Życie codzienne i ich ulubione rozrywki oraz zamiłowanie do egzotyki odległych krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszelki i owoce). Często w pracach z motywami „żywej” i „martwej” natury ukryty jest podtekst symboliczny, łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.
Zatem połączenie poszczególnych przedmiotów mogłoby służyć jako wskazówka dla kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegarek; lub związane z moralnie potępionymi nawykami: pochodniami, fajkami; lub wskazał romans; pisanie, instrumenty muzyczne, kocioł. Nie ulega wątpliwości, że znaczenie tych kompozycji jest znacznie szersze niż ich treść symboliczna.
Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim swoimi ekspresja artystyczna pełnia, zdolność objawiania życia uduchowionego obiektywny świat. Preferując wielkoformatowe obrazy z dużą ilością wszelkiego rodzaju obiektów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do ostatecznej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej.
Martwa natura to jeden z gatunków, którymi zajmują się Holendrzy cechy narodowe pojawił się szczególnie wyraźnie. Martwe natury przedstawiające skromne sprzęty gospodarstwa domowego, tak powszechne w malarstwie holenderskim i bardzo rzadkie we flamandzkim, czy martwe natury z przedmiotami gospodarstwa domowego zamożnych warstw społeczeństwa. Martwe natury Pietera Claesza i Willema Hedy, spowijane zimnym, rozproszonym światłem, o niemal monochromatycznej gamie barw, czy martwe natury malowane później przez Willema Kalfa, gdzie na życzenie artysty złote oświetlenie ożywia formy i żywe kolory obiektów ze zmierzchu. Wszystkie mają wspólne cechy narodowe, które nie pozwolą pomylić ich z malarstwem innej szkoły, w tym spokrewnionej z nią flamandzkiej. W holenderskiej martwej naturze zawsze panuje spokojna kontemplacja i szczególne zamiłowanie do przenoszenia realnych form namacalnie materialnego świata.
De Heem otrzymał powszechne uznanie dzięki wspaniałym obrazom kwiatów i owoców. Połączył szczegółowość obrazu w najdrobniejszych szczegółach z genialnym doborem kolorów i wyrafinowanym gustem w budowaniu kompozycji. Malował kwiaty w bukietach i wazonach, w których często fruwają motyle i owady, wianki z kwiatów w niszach, okna i wizerunki Madonn w odcienie szarości, girlandy owoców, martwe natury z kieliszkami wypełnionymi winem, winogronami i innymi owocami i przetworami. Hem po mistrzowsku wykorzystał możliwości koloru i osiągnął wysoki stopień przezroczystości, jego obrazy przyrody nieożywionej są całkowicie realistyczne. Płótna jego pędzla znajdują się w prawie wszystkich głównych galerie sztuki. Znaczącą dystrybucję otrzymała w XVII wieku martwa natura w Holandii, która wyróżniała się swoim charakterem. Holenderscy artyści wybierali do swoich martwych natur różnorodne przedmioty, wiedzieli, jak je doskonale skomponować, aby wydobyć cechy każdego przedmiotu i jego życie wewnętrzne, nierozerwalnie związane z życiem człowieka. Holenderscy malarze XVII wieku Pieter Claesz (ok. 1597-1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne wersje „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, ciasta z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem na stole, z niesamowitą umiejętnością, przekazując kolor, objętość, fakturę każdego przedmiotu. Niedawną obecność człowieka wyczuwa się w nieładzie, przypadkowym uporządkowaniu rzeczy, które mu właśnie służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana i znaleziona. Dyskretna szaro-złota, oliwkowa gama tonalna ujednolica tematy i nadaje szczególną dźwięczność czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękki jedwab niebieskiej wstążki. Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Klasa i Hedy ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beierena są surowe pod względem kompozycji, bogate emocjonalnie, kolorowe. Willem Kalf przez całe życie malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i martwe natury, arystokratyczny w doborze wykwintnych przedmiotów szlachetnych, pełen powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, kielichy, muszle nasycone wewnętrznym wypaleniem barw . W dalszy rozwój martwa natura podąża tymi samymi ścieżkami, co wszyscy inni sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura staje się ozdobą domu wysoko postawionych klientów. Przy całej dekoracyjności i kunszcie wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego. Degeneracja społeczna, dobrze znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej tercji XVII w., dają początek tendencji do zbliżenia się z poglądy estetyczne Francuska szlachta prowadziła do idealizacji obrazów artystycznych, ich wyrafinowania. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy i wkracza w okres długiego upadku. Mocno wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i największego ośrodka artystycznego.
Willem Heda (ok. 1594 - ok. 1682) to jeden z pierwszych mistrzów holenderskiej martwej natury XVII w., którego twórczość była wysoko ceniona przez współczesnych. Szczególnie popularny w Holandii był taki rodzaj płótna jak „śniadanie”. Stworzono je na każdy gust: od bogatych po skromniejsze. Obraz „Śniadanie z krabem” wyróżnia się nietypową dla holenderskiej martwej natury duży rozmiar(Dodatek I). Ogólna gama pracy jest zimna, srebrno-szara z kilkoma różowawymi i brązowymi plamami. Kheda znakomicie przedstawiła nakryty stół, na którym w misterny bałagan ułożone są składniki śniadania. Na naczyniu leży krab z wypisanymi wszystkimi cechami, obok niego żółknie cytryna, której elegancko wycięta skórka zwisa, przekręcając się. Po prawej stronie znajdują się zielone oliwki i przepyszna bułka ze złotą skórką. Szklane i metalowe naczynia dodają martwej naturze solidności, ich kolor niemal zlewa się z całością.
Niezwykłe zjawisko w historii światowych sztuk pięknych miało miejsce w r Północna Europa XVII wiek. Nazywana jest holenderską martwą naturą i uważana za jedno z najwybitniejszych dzieł malarstwa. farby olejne.
Koneserzy i profesjonaliści tak mają mocne przekonanie, jaka jest kwota wielcy mistrzowie, którzy dysponowali najnowocześniejszą technologią i stworzyli tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na małym skrawku kontynentu europejskiego, nie widziano nigdy w historii sztuki.
Nowe znaczenie zawodu artysty
Od tego czasu zawód artysty nabrał w Holandii szczególnego znaczenia początek XVII wieku, było skutkiem pojawienia się po pierwszych rewolucjach antyfeudalnych początków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy mieszczan miejskich i zamożnych chłopów. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderska martwa natura stała się poszukiwanym towarem na wschodzącym rynku.
W ziemie północne W Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Ta okoliczność między innymi sprawiła, że martwa natura Holendrów stała się głównym gatunkiem całych warsztatów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, w szczególności kalwini, zaprzeczali zbawiennej wartości rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, wydalali nawet muzykę ze środowiska kościoła, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.
W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuki piękne rozwijały się według innych praw, jednak bliskość terytorialna spowodowała nieunikniony wzajemny wpływ. Naukowcy - historycy sztuki - znajdują wiele rzeczy, które łączą martwą naturę holenderską i flamandzką, zwracając uwagę na ich nieodłączne kardynalne różnice i unikalne cechy.
Martwa natura z wczesnym kwiatem
W Holandii występuje „czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku specjalne formularze I symboliczne imię„spokojne życie” – wciążrówne. Holenderska martwa natura pod wieloma względami była odzwierciedleniem energicznej działalności Kompanii Wschodnioindyjskiej, która sprowadzała ze Wschodu luksusowe przedmioty, niespotykane wcześniej w Europie. Z Persji firma sprowadziła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii i to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych urzędów, sklepów i banków.
Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów, cebul tulipanów były czymś, co dziś nazywa się produktem reklamy wizualnej: plakatami i broszurami. Dlatego holenderska martwa natura z kwiatami to przede wszystkim dokładne botanicznie przedstawienie kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnione wieloma symbolami i alegoriami. To najlepsze płótna całych warsztatów, na których czele stoją Ambrosius Bosschaert Starszy, Jakob de Hein Młodszy, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.
Nakryte stoły i śniadania
Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło umknąć wpływom nowości public relations i rozwój gospodarczy. Holenderska martwa natura z XVII wieku była dochodowym towarem i organizowano duże warsztaty do „produkcji” obrazów. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podstawy do obrazów - deski lub płótno, gruntowali, robili ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdym stosunkach rynkowych, doprowadziła do wzrostu jakość martwych natur na bardzo wysokim poziomie.
Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. Kompozycje kwiatowe malowano w wielu holenderskich miastach – Utrechcie, Delft, Hadze, jednak to właśnie Haarlem stał się ośrodkiem rozwoju martwych natur przedstawiających nakryte stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie płótna mogą mieć różną skalę i charakter, od złożonych i wielotematycznych po zwięzłe. Były „śniadania” – martwe natury artyści holenderscy, przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie pełen aluzji i moralizatorskich symboli typowych dla malarstwa tamtych czasów. Za szczególnie znaczące uważa się obrazy Nicholasa Gillisa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Rulofa Kootsa i innych.
Tonalna martwa natura. Pieter Claesz i Willem Claesz Heda
Dla współczesnych symbole, którymi nasycona jest tradycyjna holenderska martwa natura, były istotne i zrozumiałe. Obrazy przypominały treścią wielostronicowe książki i za to były szczególnie cenione. Istnieje jednak koncepcja, która nie mniej imponuje zarówno nowoczesnym koneserom, jak i miłośnikom sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze są w niej najwyższe umiejętności techniczne, zaskakująco wyrafinowana kolorystyka, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.
Cechy te są pod każdym względem spójne z płótnami dwóch czołowych mistrzów, których obrazy uważane są za najlepsze przykłady tonalnej martwej natury: Pietera Claesza i Willema Claesza Heada. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby pozbawionych obiektów żywe kolory i szczególna dekoracyjność, która nie przeszkodziła im w stworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z biegiem czasu.
Próżność
Temat przemijania życia, równości przed śmiercią zarówno króla, jak i żebraka, był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. Natomiast w malarstwie znalazła wyraz w obrazach przedstawiających sceny, których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazwano vanitas - od łacińskiego „marności nad marnościami”. Popularności martwych natur, na wzór traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Lejdzie.
Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Stenwijka i innych. ważne sprawy istnienie.
Sztuczne obrazy
Malowidła od późnego średniowiecza są najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą mogła sobie pozwolić rosnąca populacja miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwalały na to umiejętności, tworzyli „sztuczki”, czyli „trompe-l'oeil”, od francuskiego trompe-l „oeil – złudzenie optyczne. Chodziło o to, że typowa holenderska martwa natura to kwiaty i owoce, złamany ptak i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, przyrządy optyczne itp. – zawierały w sobie całkowitą iluzję rzeczywistości. Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazonie, który chcesz slam, to typowe wątki dla fałszywego obrazu.
Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu „tromple” – Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych – często przedstawiają wbudowaną w ścianę niszę z półkami, na których znajduje się wiele różnych rzeczy. Techniczny kunszt artysty w przekazywaniu faktur i powierzchni, światła i cienia był tak duży, że sama ręka sięgnęła po książkę lub szklankę.
Czas kwitnienia i czas zachodu słońca
W połowie XVII wieku główne odmiany martwej natury na obrazach holenderskich mistrzów osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, ponieważ zamożność mieszczan rośnie, a bogate naczynia, cenne tkaniny i obfitość jedzenia nie wyglądają obco we wnętrzu miejskiej kamienicy lub bogatej wiejskiej posiadłości.
Obrazy powiększają się, zadziwiają różnorodnością faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to zrobić, tradycyjną holenderską martwą naturę - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia zwykłych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu pozytywne emocje, aby zwiększyć atrakcyjność komercyjną działki.
Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reykhals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzącego czasu, kiedy istotna stała się zwiększona dekoracyjność, robiąca imponujące wrażenie.
Koniec złotego wieku
Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów dla malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, sama koncepcja złotego wieku, jaką znało malarstwo holenderskie, odchodziła w przeszłość. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.
Willema Klasa Heddy. Martwa natura z ciastem, 1627
„Złotym” wiekiem martwej natury był wiek XVII, kiedy to ostatecznie ukształtowała się ona jako samodzielny gatunek malarstwa, zwłaszcza w twórczości Holendrów i artyści flamandzcy. Jednocześnie termin „ciche, zamrożone życie” zdawał się odnosić do martwej natury (holenderski Stilleven, niemiecki Stilleben, angielski martwa natura). Pierwsze „stilleven” miały prostą fabułę, ale nawet wtedy ukazane na nich przedmioty niosły także ładunek semantyczny: chleb, kieliszek wina, ryba są symbolami Chrystusa, nóż jest symbolem ofiary, cytryna jest symbolem niezaspokojonego pragnienia; orzechy w łupinie - dusza związana grzechem; jabłko przypomina jesień.
Stopniowo wzbogacał się symboliczny język obrazu.
Franciscus Geisbrechts, XVII w
Znalezione na płótnach symbole miały przypominać o kruchości ludzkiego życia i przemijaniu przyjemności i osiągnięć:
Czaszka przypomina o nieuchronności śmierci.
Zgniłe owoce są symbolem starzenia się.
Dojrzałe owoce symbolizują płodność, obfitość, w sensie przenośnym, bogactwo i dobrobyt.
Wiele owoców ma swoje znaczenie: jesień oznaczają gruszki, pomidory, owoce cytrusowe, winogrona, brzoskwinie i wiśnie oraz oczywiście jabłko. Figi, śliwki, wiśnie, jabłka czy brzoskwinie mają podtekst erotyczny.
Kiełki zbóż, gałęzie bluszczu lub lauru (rzadko) - symbol odrodzenia i cyklu życia.
Muszle morskie, czasem żywe ślimaki - skorupa mięczaka to pozostałości niegdyś żyjącego zwierzęcia, oznacza śmierć i słabość.
Pełzający ślimak jest uosobieniem śmiertelnego grzechu lenistwa.
Duże mięczaki oznaczają dwoistość natury, symbol pożądania, kolejny z grzechów głównych.
Bańki mydlane - krótkotrwałość życia i nagłość śmierci; nawiązanie do wyrażenia homo bulla – „człowiek jest bańką mydlaną”.
Gaszenie świecy dymnej (końcówka żużlowa) lub lampy naftowej; czapka do gaszenia świec - płonąca świeca jest symbolem duszy ludzkiej, jej zgaszenie symbolizuje odejście.
Puchary, karty lub kości do gry, szachy (rzadko) - znak błędnego celu życiowego, poszukiwania przyjemności i grzesznego życia. Równość szans w grach hazardowych oznaczała także karygodną anonimowość.
Fajka jest symbolem ulotnych i nieuchwytnych ziemskich przyjemności.
Maska karnawałowa - jest oznaką nieobecności osoby w jej wnętrzu. Przeznaczony również na świąteczną maskaradę, nieodpowiedzialną przyjemność.
Lustra, szklane (lustrzane) kule - lustro jest symbolem próżności, ponadto jest także oznaką odbicia, cienia, a nie rzeczywistym zjawiskiem.
Beyeren. Martwa natura z homarem, 1667
Rozbite naczynia, zwykle szklane kielichy. Pusta szklanka, w przeciwieństwie do pełnej, symbolizuje śmierć.
Szkło symbolizuje kruchość, śnieżnobiała porcelana - czystość.
Moździerz i tłuczek są symbolami męskiej i żeńskiej seksualności.
Butelka jest symbolem grzechu pijaństwa.
Nóż - przypomina o bezbronności człowieka i jego śmiertelności.
Klepsydra i zegar mechaniczny - ulotność czasu.
Instrumenty muzyczne, nuty - zwięzłość i ulotność życia, symbol sztuki.
Książki i mapy geograficzne (mappa mundi), pióro do pisania - symbol nauki.Glob, zarówno ziemia, jak i gwiaździste niebo.
paleta pędzli, wieniec laurowy(zwykle na głowie czaszki) - symbole malarstwa i poezji.
Litery symbolizują relacje międzyludzkie.
Przyrządy medyczne przypominają o chorobach i słabościach ludzkiego ciała.
Portmonetki, szkatułki na biżuterię - biżuteria i kosmetyki mają za zadanie kreować piękno, kobiecą atrakcyjność, jednocześnie kojarzą się z próżnością, narcyzmem i grzechem śmiertelnym arogancji. Sygnalizują także nieobecność ich właścicieli na płótnie.
Broń i zbroja są symbolem mocy i potęgi, oznaczeniem tego, czego nie można zabrać ze sobą do grobu.
Korony i tiary papieskie, berła i moce, wieńce z liści są oznakami przejściowej ziemskiej dominacji, sprzeciwiającej się niebiańskiemu porządkowi świata. Podobnie jak maski symbolizują nieobecność tych, którzy je nosili.
Klucze - symbolizują władzę gospodyni domowej zarządzającej zapasami.
Ruiny – symbolizują przemijające życie tych, którzy kiedyś je zamieszkiwali.
W martwych naturach często przedstawiano owady, ptaki i zwierzęta. Na przykład muchy i pająki uważano za symbole skąpstwa i zła, a jaszczurki i węże za symbole oszustwa. Raki lub homary uosabiały koleje losu lub mądrości.
Jacques André Joseph Aved. Około 1670.
Książka – tragedia Sofoklesa „Elektra” – w tym przypadku symbol jest niejednoznaczny. Umieszczając go w kompozycji, artysta przypomina o nieuchronności odpłaty za zbrodnię nie na ziemi, ale w niebie, gdyż tragedia jest przesiąknięta tą myślą. Motyw antyczny w takich martwych naturach często symbolizował ciągłość sztuki. NA Strona tytułowa kryje się nazwisko tłumacza, słynnego holenderskiego poety Josta van den Vondela, którego prace na tematy starożytne i biblijne były tak aktualne, że był nawet prześladowany. Mało prawdopodobne, aby artysta umieścił Vondela przez przypadek – niewykluczone, że mówiąc o marności świata, postanowił wspomnieć o marności władzy.
Miecz i hełm są symbolem przemijającej chwały wojskowej.
Biały z czerwonym pióropuszem - centrum kompozycji obrazy. Pióra zawsze oznaczają marność i marność. Na zdjęciu datowany jest hełm z pióropuszem. Lodewijk van der Helst w 1670 roku przedstawiony w takim hełmie na pośmiertnym portrecie admirała Sterlingwerfa. Hełm admirała jest obecny w kilku kolejnych martwych naturach van Strecka.
Portret sangwinika. W przeciwieństwie do oleju, sangwina jest bardzo słabo zachowana, podobnie jak papier, w przeciwieństwie do płótna. Arkusz ten mówi o daremności wysiłków artysty, zużyte i podarte krawędzie mają wzmocnić tę ideę.
Złota grzywka to marność luksusu.
Czaszka - w starożytna kultura atrybut Kronosa (Saturna), czyli symbol czasu. Koło fortuny zostało również przedstawione z czaszką. Dla chrześcijan jest to oznaka światowej próżności, mentalnej kontemplacji śmierci, cecha życia pustelniczego. Wraz z nim przedstawieni byli św. Franciszek z Asyżu, św. Hieronim, Maria Magdalena, apostoł Paweł. Czaszka jest także symbolem życie wieczne Chrystus ukrzyżowany na Kalwarii, gdzie według legendy pochowano czaszkę Adama. Ucho owinięte wokół czaszki jest symbolem nieśmiertelności duszy („Ja jestem chlebem życia” – J 6,48), nadziei na życie wieczne.
Stos podniszczonych papierów to marność wiedzy.
Róg prochowy na łańcuszku to bardzo charakterystyczny temat dla holenderskiej martwej natury. Tutaj najwyraźniej należy to interpretować jako coś przynosząc śmierć w przeciwieństwie do róg obfitości
Adrian van Utrecht „Vanitas”. 1642.
konwalie, fiołki, niezapominajki otoczone różami, goździkami, zawilcami - symbole skromności i czystości;
duży kwiat pośrodku kompozycji to „korona cnót”;
rozpadające się płatki w pobliżu wazonu są oznaką słabości;
zwiędły kwiat jest oznaką zniknięcia uczuć;
irysy - znak Dziewicy;
Biała Róża - platoniczna miłość i symbol czystości;
czerwone róże - symbol namiętnej miłości i symbol Dziewicy;
czerwone kwiaty są symbolem pokutnej ofiary Chrystusa;
nie tylko biała lilia piękny kwiat, ale także symbol czystości Dziewicy Maryi;
niebieskie i niebieskie kwiaty - przypomnienie lazurowego nieba;
oset - symbol zła;
goździk - symbol przelanej krwi Chrystusa;
mak – alegoria snu, zapomnienia, symbol jednego z grzechów głównych – lenistwa;
zawilec - pomoc w chorobie;
tulipany - symbol szybko zanikającego piękna, uprawa tych kwiatów była uważana za jedną z najbardziej próżnych i daremnych zajęć; tulipan symbolizował także miłość, współczucie, wzajemne zrozumienie; biały tulipan - fałszywa miłość, czerwony tulipan - namiętna miłość (w Europie i Ameryce tulipan kojarzy się z wiosną, światłem, życiem, kolorami i jest uważany za przytulny, przyjazny kwiat, w Iranie, Turcja i inne kraje Wschodu, tulipan kojarzony z uczuciami miłosnymi i erotyką).
Po przejściu przez szereg etapów, z których każdy miał swoje specyficzne i szczególne znaczenie, holenderska martwa natura szeroko objęła świat rzeczy i przyrodę organiczną. Od pierwszego etapu twórczości artystów początku stulecia, wraz z utrwaleniem rzeczy, które zdawały się być na wystawie, malarze kolejnego pokolenia przeszli do skromnych „śniadań” z metalowymi i szklanymi przedmiotami zgrupowanymi na białym tle. obrus (Klas, Kheda). Te „śniadania” wyróżniają się prostotą przedstawionych rzeczy: bułka, cynowe naczynia, szklane naczynia – to główne elementy obrazów utrzymanych w szarawej kolorystyce. Kilka ryb na obrazach Ormei i Puttera, martwa natura kuchenna autorstwa rotterdamskich artystów odzwierciedla skromne purytańskie gusta warstw demokratycznych pierwszej połowy stulecia.
Ale wraz z ustanowieniem ustroju republikańskiego i późniejszym wzmocnieniem władzy klasy burżuazyjnej, a następnie jej stopniową arystokratyzacją, zmieniają się także wymagania wobec sztuki. Martwa natura traci swój skromny, prosty charakter. „Śniadania” stają się bardziej luksusowe i okazałe, zachwycając bogactwem kolorów. Obecnie opierają się na połączeniu ciepłych odcieni dywanowych obrusów i fajansu z Delft układanego na naczyniach Chińska porcelana pomarańczowe, żółte, czerwone owoce, ożywiane blaskiem złoconych kielichów i szklanych kielichów, na powierzchni których gra światło. Dowody pełnej własności przeniesienia materiału i oświetlenia, nasycone kolorem, martwe natury Kalfa, Beierena, Strecka charakteryzują czas największego rozkwitu martwej natury.
Nie tylko czas wpłynął na tematykę i powstanie martwej natury, ale także wiele innych rzeczy: cechy lokalne, typowa dla danego miasta struktura gospodarcza, często determinują temat, a nawet interpretację twórczości lokalnego artysty. Nie jest przypadkiem, że w szybko rozwijającym się Haarlemie, z jego silnymi stowarzyszeniami obywateli, jako pierwszy rozwinął się rodzaj tonalnej martwej natury, a w centrum gospodarki i życie kulturalne Holandia – Amsterdam – kontynuowano działalność twórców luksusowych deserów Kalfa i Strecka. Bliskość wybrzeża Scheveningen zainspirowała Beierena mieszkającego w Hadze do stworzenia martwej natury z rybami, a w centrum uniwersyteckim – Lejdzie – pojawiła się przemyślana martwa natura z wizerunkiem czaszki i klepsydry, co powinno przypominać kruchość ziemskiej egzystencji. Natychmiast rozesłano zdjęcia przedstawiające naukowca otoczonego folio, globusami i innymi przedmiotami do użytku naukowego, często zajmującymi cały pierwszy plan.
Ścisły podział martwych natur na gatunki jest niemożliwy, gdyż często na jednym obrazie łączono kilka motywów, można jednak wyróżnić gatunki najczęściej spotykane.
Encyklopedyczny YouTube
1 / 5
Holenderska martwa natura. Jak napisać chryzantemę
Ermitaż. Malarstwo Małego Holendra
Luwr: największe muzeum na świecie. 10 flamandzkie i Malarstwo holenderskie XVII wiek. Rubensa, Rembrandta
Holenderska martwa natura.
Ermitaż. Sztuka Flandrii i Holandii
Napisy na filmie obcojęzycznym
kwiat martwa natura
W martwych naturach kwiatowych artyści przedstawiali tulipany, róże, mieczyki, hiacynty, goździki, lilie, irysy, konwalie, niezapominajki, fiołki, altówki, stokrotki, czarnuszki, rozmaryn, zawilce, nagietek, lewkoj, ślaz i inne kwiaty.
Jednym z pierwszych artystów XVII wieku, który malował wazony z kwiatami, był Jakub (Jacques) de Gheyn Młodszy (1565-1629). Jego twórczość charakteryzuje się wydłużonym wertykalnym formatem obrazów, wielopoziomowym układem kwiatów z naprzemiennie dużymi i małymi roślinami, a także zastosowaniem technik, które staną się bardzo popularne wśród artystów tego gatunku: zatapiania bukietu kwiatów w niszy i przedstawiający małe zwierzęta obok wazonu.
Pojawienie się owadów, zwierząt i ptaków, muszli w martwych naturach kwiatowych jako detali pomocniczych jest odzwierciedleniem tradycji wykorzystywania ukrytych znaczeń przedstawianych przedmiotów, które mają znaczenie symboliczne. Różne symbole pojawiają się w martwych naturach wszystkich gatunków.
Naśladowcami Jacoba de Geina Młodszego byli Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) i Jacob Wauters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg malował bukiety tulipanów, żonkili, róż, pęcherzycy, natomiast w jego obrazach pojawiają się motywy „marności marności” i klasycznego „sztuczki”.
Cechą charakterystyczną obrazów Vosmara jest także motyw „marności nad marnościami” w postaci opadającej róży. Często przedstawiał w martwych naturach muchę, motyla pokrzywowego, motyla kapuścianego, ważkę i pszczołę.
Założycielem całej dynastii mistrzów martwej natury z kwiatami i owocami był Ambrosius Bosschaert Starszy (1573-1621). W skład dynastii wchodziło trzech synów (Johannes, Abraham i Ambrosius), dwóch szwagrów (Johannes i Balthasar van der Asty) oraz zięć (Hieronymus Sweerts).
Bosschaert tworzył małe martwe natury z bukietem w wazonie (w niektórych przypadkach był to wazon z chińskiej porcelany) umieszczonym we wnęce lub na parapecie. Jako otoczenie na jego obrazach, oprócz małych zwierząt, pojawiają się muszle.
Wśród synów Bosschaerta talent artysty najwyraźniej objawił się u Johannesa Bosschaerta (1610/11 - po 1629). Cechy charakterystyczne jego twórczości - układ obiektów wzdłuż przekątnej obrazu i matowo-metaliczna kolorystyka.
Ambrosius Bosschaert Młodszy (1609-1645) posługiwał się technikami czarno-białego modelowania karawagistów z Utrechtu.
Abraham Bosschaert (1612/1613 - 1643) kopiował techniki swoich braci.
Bracia żony Ambrosiusa Bosschaerta, Johannes i Balthasar van der Asta, kontynuowali tradycje Bosschaerta.
Znany jest tylko jeden obraz Johannesa van der Asta.
Duże znaczenie dla rozwoju martwej natury miało dzieło najstarszego z braci – Baltasara van der Asty (1593/1594 – 1657), który pozostawił bogate dziedzictwo twórcze – ponad 125 obrazów. Lubił przedstawiać na stole kosz kwiatów lub naczynie z owocami, a na pierwszym planie wzdłuż krawędzi stołu umieszczał muszelki, owoce i motyle. Niektóre z jego obrazów przedstawiają papugi.
Roelant Saverey (1576-1639) należy do szkoły Ambrosiusa Bosschaerta Starszego. Jego martwe natury zbudowane są na zasadzie bukietu kwiatów umieszczonego w niszy. Do obrazów dodał motywy „marności nad marnościami”, wykorzystując świtę: chrząszcza grabarza, muchę gnojową, martwego motyla i inne owady, a także jaszczurki.
Twórczość Ambrosiusa Bosschaerta wywarła wpływ na takich artystów jak Antoni Claes I (1592-1636), jego imiennik Antoni Claes II (1606/1608 - 1652) i zięć Ambrosiusa Bosschaerta Starszego - Hieronymus Swerts.
W twórczości Hansa Bollongiera (ok. 1600 r. – po 1670 r.) szeroko stosowano techniki karawagizmu utrechckiego. Za pomocą światłocienia artysta wyodrębnił kwiaty na tle zmierzchu.
Dalszy rozwój martwej natury kwiatowej można było zaobserwować w twórczości mistrzów Middelburga: Christoffela van den Berghe (ok. 1590 - po 1642), którzy w martwych naturach kwiatowych przedstawiali elementy „marności marności”: butelkę wina, tabakierka, fajka, karty do gry i czaszka; oraz Johannes Goodart, który szeroko wykorzystywał owady i ptaki jako otoczenie.
Do szkoły mistrzów martwej natury kwiatowej z Dordrechtu zaliczają się Bartholomeus Abrahams Asstein (1607 (?) - 1667 lub później), Abraham van Calrath (1642-1722), ojciec słynnego malarza pejzaży i zwierząt Alberta Cuypa Jacoba Gerritsa Cuypa (1594 - 1651/1652). Ich twórczość charakteryzuje się powszechnym wykorzystaniem światłocienia.
„Stoły serwowane” („Śniadania”, „Desery”, „Bankiety”)
Ojczyzną i centrum „zastawionych stołów” był Haarlem. Warunkiem powstania tego typu martwej natury było powszechne wykorzystanie portretów członków cechu strzeleckiego podczas bankietu w XVI wieku. Stopniowo obraz nakrytego stołu stał się niezależnym gatunkiem.
Zestaw elementów składających się na martwą naturę pierwotnie obejmował tradycyjne holenderskie produkty: sery, szynkę, bułki, owoce i piwo. Jednak później w martwych naturach zaczęło pojawiać się coraz więcej dań charakterystycznych dla uroczystych okazji czy stołów zamożnych mieszczan: dziczyzny, wina, pasztetów (najdroższy był placek z jeżynami). Oprócz tradycyjnych śledzi pojawiły się homary, krewetki i ostrygi.
Zaczęto używać drogich naczyń ze srebra i chińskiej porcelany, dzbanków i tańców. specjalna uwaga Artyści używali szkieł: Römer, Berkemeier, Pass-glass, Flute-glass, Venetian, Akele-glass. Najbardziej wykwintnym był kielich Nautilus.
Częstymi atrybutami martwych natur były solniczka i nóż stołowy. Jako kolorowy akcent często stosowano pół obraną cytrynę.
Jeden z najbardziej wczesne martwe natury demonstrowanie serwowania Holenderski stół, to „Nakryty stół” Nicholasa Gillisa (ok. 1580 r. – po 1632 r.). Artysta w swoich obrazach posługiwał się wzniosłym punktem widzenia.
Martwe natury Florisa Gerritsa van Schotena (ok. 1590 r. - po 1655 r.) charakteryzują się złożonością, wykorzystywał dużą liczbę obiektów, a głównym tematem często była zjeżdżalnia serów. W wielu przypadkach stosował technikę odsunięcia akcentu grupy martwych natur od geometrycznego środka obrazu.
Wybitną postacią w tego typu malarstwie martwej natury był Floris van Dyck (1575-1651). Centrum jego obrazów stanowiła piramida serów, tło rozpłynęło się we mgle.
Clara Peters (1594-1657) specjalizowała się w tym samym typie martwej natury. Często przedstawiała drogie dania dla smakoszy, homary i ostrygi. W niektórych swoich martwych naturach używała obniżonego punktu widzenia, niemal na poziomie stołu.
Kompozycje bliskie Petersowi tworzył Hans van Essen (1587/1589 – po 1648).
Rulof Coots (1592/1593 - 1655) stosował technikę umyślnego zaniedbania, talerz lub nóż w jego obrazach wisiał w połowie odległości od krawędzi stołu. Jako jeden z pierwszych stworzył płótna przedstawiające nie nakryty stół, a stół ze śladami zjedzonego śniadania, wprowadzając do obrazów motywy „marności nad marnościami”: zegarów, książek, opadłych winogron.
Na wczesnym etapie swojej twórczości Peter Klas tworzył także obrazy tego gatunku.
Tonalna martwa natura
Na czele tonalnej holenderskiej martwej natury stanęli mieszkający w Haarlemie Pieter Klas i Willem Klas Heda.
Tradycja przedstawiania pani domu, kucharki czy służby została zachowana, choć coraz częściej schodzą one na dalszy plan. Na pierwszym planie znajdowały się przybory kuchenne oraz mięso, ryby i wiele warzyw przyniesionych do kuchni: dynia, rzepa, rutabaga, kapusta, marchew, groszek, fasola, cebula i ogórki. Bogatsi mieli na swoich stołach kalafiory, melony, karczochy i szparagi.
Pieter Cornelis van Rijk (1568-1628) malował w tradycji XVI wieku, czasem ze scenami biblijnymi w tle.
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643) korzystał z podwyższonego punktu obserwacyjnego i lubił umieszczać przybory kuchenne na pierwszym planie.
Napisał sceny kuchenne i słynny mistrz„nakrytych stołów” Florisa Gerritsa van Schotena, czasami w swoich martwych naturach umieszczał motywy gatunkowe.
Cornelis Pieters Begi (1631/1632 - 1664) poszedł jeszcze dalej, włączając w to satyra, który w swojej martwej naturze odwiedzał chłopów.
Malarz gatunkowy i portretowy Gottfried Schalken (1643-1706) przedstawił spiżarnię z beczkami wina i zapasami.
grupa rzemieślników gatunek domowy bracia Cornelis i Hermann Saftlevens (1607/1608 - 1681 i 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) i Eckbert van der Poel (1621-1664) również malowali „kuchnię” martwe natury o tematyce gatunkowej, ale w ich malarstwie dominowały przedmioty gospodarstwa domowego.
Niedaleko dzieł malarzy gatunkowych z Rotterdamu znajdują się martwe natury słynnego mistrza „chłopskich śniadań” Philips Angel.
W przeciwieństwie do artystów, którzy przedstawiali kuchnie zamożnego mieszczanina z jego czystością i porządkiem, Francois Reykhals (po 1600 - 1647) malował kuchnie biednych chłopów.
Ponad 60 jego prac poświęconych było tematyce martwej kuchni kuchennej słynnego mistrza „luksusowych” martwych natur Willema Kalfa.
Martwa natura „Ryba”.
Haga stała się kolebką martwej natury z rybami. Bliskość Scheveningen sprzyjała artystom nie tylko malowaniu marynarzy, ale także tworzeniu szczególnego rodzaju martwej natury – obrazów przedstawiających ryby i zwierzęta morskie.
Twórcami tego typu martwej natury byli: Pieter de Putter, Pieter van Scheyenborg i Pieter van Noort.
Pieter de Pütter (1600-1659) wybrał wysoki punkt widzenia, z którego wyraźnie widoczny jest stół z rybami, czasem do martwej natury dodawana była siatka.
Pieter van Scheyenborg (? - po 1657) malował ryby na szarym lub brązowym tle.
Szczególny kolor miały obrazy Pietera van Noorta (ok. 1600 r. -?), który barwnie oddał blask łusek.
Głównym przedstawicielem tego kierunku malarstwa stał się Abraham van Beijeren (1620/1621 - 1690), który zajmował się także wieloma innymi gatunkami martwej natury, a także malował mariny. Przedstawiał ryby zarówno na stole, jak i na brzegu morza.
Być może uczniem van Beierena był Izaak van Duynen (1628 - 1677/1681).
Do mistrzów martwej natury „rybnej” można zaliczyć także pejzażystę Alberta Cuypa (1620-1691).
Mistrzowie z Utrechtu Willem Ormea (1611-1673) i jego uczeń Jacob Gillig (ok. 1630-1701) lubili martwą naturę „rybną”.
„Marność nad marnościami” (Vanitas, Memento mori, „nauczona” martwa natura)
Ważne miejsce w malarstwie holenderskim zajmowała martwa natura filozoficzno-moralizująca, którą otrzymał Nazwa łacińska„vanitas” („marność nad marnościami”).
„W ideologicznych podstawach tego kierunku osobliwie splatały się średniowieczne idee o kruchości wszystkiego, co ziemskie, moralizujące tendencje kalwinizmu i ideał humanistyczny. mądry człowiek dążenie do prawdy i piękna.
Najczęstszymi symbolami słabości w martwych naturach „próżności próżności” były: czaszka, zgaszona świeca, zegary, książki, instrumenty muzyczne, zwiędłe kwiaty, przewrócone lub stłuczone naczynia, karty i kości do gry, fajki, bańki mydlane, foki , globus itp. .d. Czasami artysta włączał do dzieła kartkę pergaminu z łacińskim powiedzeniem na temat „marności nad marnościami”.
Pierwszą martwą naturę z XVII wieku, która do nas dotarła, należącą do gatunku „marności nad marnościami”, napisał Jacob de Gein Młodszy.
„W górnej części niszy, na kapitelach flankujących ją pylonów, znajdują się rzeźbiarskie wizerunki postaci kobiecych i męskich, a na zworniku sklepienia niszy łaciński napis: „HUMANA VANA”, który można tłumaczone jako „próżność ludzka jest daremna”. To motto pozwala zrozumieć symbolikę postaci, z których pierwsza, jakby ostrzegając przed efemeryczną naturą mydlanej kuli, wskazuje ją palcem, a druga, jakby zastanawiając się nad daremnością ludzkich czynów, w zamyśleniu oparła głowę na zgiętym w łokciu ramieniu. Sprawiedliwość Łacińskie powiedzenie potwierdza wizerunek czaszki – symbolu śmierci tłumiącej zarówno dobre, jak i złe uczynki ludzkie oraz bańka mydlana wyrażająca tragiczny los materia naturalna, skazana na zanik w wirze bytu.
Jacob de Gijn Młodszy mieszkał w Lejdzie, mieście, w którym otwarto pierwszy holenderski uniwersytet i będącym ośrodkiem drukarstwa. To właśnie Lejda stała się centrum martwej natury „naukowców”.
Duży wpływ na rozwój martwej natury typu „marności nad marnościami” wywarła działalność lejdeńskiego malarza Davida Baileya i skupionych wokół niego mistrzów.
Jan Davids de Heem (1606-1684) był pionierem nowego gatunku martwej natury. Próbował swoich sił w różnych gatunkach: kwiat, naukowiec, martwa natura kuchenna. W 1636 roku artysta przeniósł się do Antwerpii i wpadł pod wpływy Malarstwo flamandzkie. Zaczął tworzyć luksusowe martwe natury, przeładowane jasnymi i kolorowymi owocami, homarami, papugami… Martwe natury kwiatowe również miały wyraźny ślad flamandzki, wyróżniający się barokową symfonią kolorów.
Warsztaty odbył z Janem Davidszem de Heemem duża ilość studenci i asystenci. Oprócz syna mistrza, Cornelisa de Heema, jego bezpośrednimi uczniami byli Peter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Bormann, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis, Cornelis Kick. Z kolei Kik wychował zdolnych uczniów – Eliasa van den Broeka i Jacoba van Valskapelle.
Techniki Jana Davidsa de Heema zostały dobrze opanowane przez jego syna Cornelisa de Heema (1631-1695). Jednocześnie w jego obrazach jest więcej powietrza.
Najzdolniejszym uczniem Jana Davidsza de Heema był Pieter de Ring (1615-1660). Osobliwość w jego martwych naturach nieodzowna była obecność pierścionka z sygnetem, nawiązującego do nazwiska artysty (pierścionek po niderlandzku – pierścionek).
Kolejnym wybitnym uczniem Jana Davidsza de Heema był Nicholas van Gelder (1623/1636 – ok. 1676), który swoje martwe natury tworzył pod wpływem Willema Kalfa.
Bardziej proste i intymne są martwe natury następców Jana Davidsza de Heema – Johannesa Bormanna i Martinusa Nelliusa (? – po 1706).
Luksusowe martwe natury tworzył także Simon Luttihuis (1610 -?), dodając do nich motywy „marności nad marnościami”.
Inny uczeń Jana Davidsza de Heema, Cornelis Kick (1631/1632 - 1681), posługiwał się szkicami na na dworze. Techniki plenerowe przekazał swoim uczniom Eliasowi van den Broekowi (1650-1708) i Jacobowi van Walskapelle (1644-1727), których martwe natury charakteryzują się subtelną transmisją medium świetlno-powietrznego.
Z warsztatu Jana Davidsza de Heem wyszli także mistrzowie martwej natury „marności nad marnościami” Maria van Oosterwijk oraz dwaj mistrzowie późnej martwej natury kwiatowej Jacob Rotius (1644 – 1681/1682) i Abraham Mignon.
W okresie pierwszych „luksusowych” martwych natur Jana Davidsza de Hema powstało także kilka prac na ten temat Francois Reykhalsa.
Pragnienie blasku jest charakterystyczne dla luksusowych martwych natur Abrahama van Beierena. Niezbędny atrybut te obrazy były zegarkami kieszonkowymi.
Jeden z nielicznych naśladowców Beyerena, Abraham Susenir, lubił przedstawiać srebrne naczynia.
Duży wpływ na artystów wywarły „luksusowe” martwe natury Willema Kalfa (1619-1693). Kalf często stosował w nich naczynia ze złota, srebra i chińskiej porcelany. Jednocześnie obrazy zostały opatrzone symbolami „marności nad marnościami”: świecznikiem i zegarkiem kieszonkowym. Kalf często wybierał format pionowy. Jego twórczość podzielona jest na okresy pobytu we Francji i powrotu do Amsterdamu. Dla późny okres charakteryzuje się zmniejszeniem liczby obiektów przedstawionych na zdjęciu i ponurym tłem.
Naśladowcami Kalfa byli Jurian van Streck, jego syn Hendrik van Streck (1659 -?), Christian Jans Streep (1634-1673) i Barent van der Meer (1659 - do 1702).
Inny naśladowca Kalfa, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698), poszedł drogą zbliżania „luksusowych” martwych natur do „fałszywych”.
Wraz z Aalstem Matthäus Bloom jest jednym z pionierów martwej natury z trofeami myśliwskimi.
Na nim kilka obrazów ten temat w wykonaniu Nicholasa van Geldera (1623/1636 - ok. 1676).
Trofea myśliwskie sportretował także Melchior de Hondekuter.
Temat polowań na martwą naturę podjął słynny mistrz pejzażu Jan Baptysta Venix (1621-1660), który przedstawiał martwe sarny i łabędzie. Jego syn Jan Veniks stworzył co najmniej sto obrazów przedstawiających bite zające na tle kamiennej niszy lub pejzażu parkowego.
Kolejnym uczniem Jana Chrzciciela Weenixa był Willem Frederik van Rooyen (1645/1654 - 1742), który także wkomponował w pejzaż wizerunki zwierząt.
Zwolennikiem ceremonialnej martwej natury myśliwskiej, podobnie jak Aalst i Royen, był Dirk de Bry. Reprezentował trofea sokolnicze, rozrywkę arystokratów i zamożnych mieszczan.
Wraz z ozdobnymi płótnami „trofeów myśliwskich” rozpowszechniła się martwa natura myśliwska „komorowa”. Jan Vonk (ok. 1630 - 1660?), Cornelis Lelienberg (1626 - po 1676), uczeń Aalsta Willem Gau Ferguson (ok. 1633 - po 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - po 1694) i Pieter Harmens Verelst (1618- 1678), a także jego syn Simon Peters Verelst (1644-1721).
Martwe natury myśliwskie „Komnatowe” tworzyli malarze zajmujący się innymi gatunkami martwej natury: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Słynny pejzażysta Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), autor „Martwej natury z grą Batten” (1661) i „Trofea myśliwskie” (1662) oraz malarz gatunkowy, uczeń Adriana van Ostade, Cornelisa Dusarta (1660- 1704) oddał hołd martwej naturze myśliwskiej.
Martwa natura ze zwierzętami
Założycielami gatunku byli Otto Marseus van Skrik (1619/1620 - 1678) i Matthias Vythos (1627-1703).
Skrik założył na swojej posiadłości terrarium z owadami, pająkami, wężami i innymi zwierzętami, które przedstawiał na swoich obrazach. Lubił tworzyć złożone kompozycje z egzotycznymi roślinami i zwierzętami, wprowadzając do nich wydźwięk filozoficzny. Na przykład na drezdeńskim obrazie „Wąż w ptasim gnieździe” motyle zbierają nektar z kwiatów, drozd łapie motyle i karmi je pisklęciem, kolejne pisklę połyka wąż ścigany przez gronostaja.
Withhos wolał przedstawiać osty i inne rośliny na pierwszym planie obrazów, wśród których pełzają węże, jaszczurki, pająki i owady. Jako tło przedstawił włoski krajobraz, wspomnienie podróży do Włoch.
Christian Jans Streep namalował osty i krety na wzór Krzyku.
Abraham de Hoes bardzo starannie i blisko natury przedstawił różne rodzaje kretów, jaszczurek, węży i motyli.
Właścicielem kilku płócien przedstawiających zwierzęta jest Willem van Aelst. Jego uczennica Rachel Reusch karierę twórczą zaczęło się od imitacji Skrika, ale potem się rozwinęło własny styl, który charakteryzuje się wizerunkiem małych żywych stworzeń na tle złotego krajobrazu.