Co to jest hiperrealizm?
Realizm to styl malarstwa, którego celem jest przekazanie świata takiego, jaki jest na obrazie. Przedrostek „hiper” oznacza więcej niż realizm. Styl ten narodził się pod wpływem fotografii – artyści postanowili sprawdzić swoje umiejętności: czy uda się narysować obraz, który będzie wyglądał jak zdjęcie? I wielu się to udaje.Obrazy w stylu hiperrealizmu zaskakują swoją prawdopodobieństwem. Każdy obraz jest wynikiem szczegółowej pracy nad każdym pociągnięciem. W wielu .
1. Luciano Ventrone
Luciano Ventrone – włoski artysta kto otrzymał uznanie świata jak realista. A potem postanowił poeksperymentować w stylu hiperrealizmu - i udało mu się. Sekret jego malarstwa tkwi w właściwy wybór zabarwienie. Artysta mówi:„Obraz to nie tylko przedmiot, który jest na nim namalowany. prawdziwe zdjęcie to kolor i światło obiektu”.
Na tym zdjęciu widzimy tysiące odcieni błękitu. Wydaje się, że woda jest oświetlona, woda błyszczy w słońcu. Słońce jest za nami, świeci z tyłu, a przed nami ciemne niebo w chmurach. Wszystko to wydaje się bardzo realistyczne.
Artysta pokazał się już podczas studiów w szkole artystycznej przyszły talent hiperrealista. Nauczyciele zauważyli zamiłowanie Ventrone'a do szczegółów, a niektóre jego rysunki znalazły się nawet w podręcznikach anatomii.
Artysta dopracował każdy szczegół granatu. Na każdym ziarenku owocu - blask światła, dokładnie tak, jak to jest w życiu.
Ostatnio artysta zajmuje się martwą naturą. Umieszcza owoce pod jasnymi lampami, aby światło i cienie pięknie padały na przedmioty, a także je fotografuje, a podczas rysowania zawsze porównuje rysunek ze zdjęciem.
Zwróć uwagę na wazon: na pierwszy rzut oka zlewa się z tłem. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz, jak starannie Luciano nad tym pracował.
Ventrone maluje trującymi farbami olejnymi. Trująca farba jest starożytna tradycja artystyczna. Jeśli taka farba dostanie się na skórę, może spowodować oparzenia. Ale takie farby są najjaśniejsze i najwyższej jakości.
Czarne tło kontrastuje z kolorem czerwonym, a kolory grają szczególnie jasno.
2. Siergiej Geta
Siergiej - nowoczesny wykres i malarz. Studiował w Kijowie instytut sztuki mieszka i pracuje w Moskwie. Doszedł do hiperrealizmu, inspirowanego sztuką fotografii.Obraz nosi tytuł „Słoneczny dzień”. Wszyscy hiperrealiści mówią o znaczeniu oświetlenia w swoich obrazach. Tutaj „charakter” obrazu nie jest zielony, ale słońce, światło.
Fotografie rysowałem początkowo ołówkami - ołówkiem ołowianym tworzyłem efekt fotografii na papierze. A potem zacząłem eksperymentować różne techniki.
Teraz Siergiej jest artystą światowej sławy, jego obrazy są wystawiane w Galeria Trietiakowska, muzea Wrocławia w Polsce, Norymbergi w Niemczech, galerie sztuki Japonia i USA.
Kierunek, w jakim działa Geta, nosi nazwę „Realizmu Ekologicznego”. Artysta uwielbia malować pejzaże - przyrodę, zieleń, wodę.
Liście opadają. I każda żyła gra w słońcu.
3. Patryk Kramer
Artysta urodził się w Ameryce, w stanie Utah. Obrazy rysowane są na podstawie fotografii. Najpierw wymyśla, co chce narysować, fotografuje to, wybiera najlepsze z kilku zdjęć, obrabia je trochę w Photoshopie i zaczyna rysować.
Wiele osób ma pytanie - po co rysować dokładnie to samo, co na zdjęciu. Patrick tłumaczy to tak: jeśli widz w galerii widzi zdjęcie, nawet bardzo piękne, patrzy przez kilka sekund i idzie dalej. Kiedy jednak zamiast fotografii pojawia się obraz i odbiorca to rozumie, jest zachwycony, podchodzi bliżej, stara się przyjrzeć obrazowi uważniej, zobaczyć, gdzie na płótnie jest farba...
Obraz nazywa się „Trzy szklanki”. Malowany olejem. Zwróć uwagę na tło - podczas fotografowania obiektów jest rozmyte, podobnie jak tło na zdjęciu zbliżenie. Dzięki takim szczegółom uzyskuje się hiperrealistyczny obraz.
4. Harriet White
Harriet White to brytyjska artystka. Maluje głównie portrety. Jej styl nazywa się makrohiperrealizmem. Czyli twarze namalowane na obrazie, jakby „sfotografowane” bardzo bliski zasięg.Tutaj, jak na każdym zdjęciu, jest „ostrość”. Widzimy rzęsy jako wyraźne, a wszystko za nimi jest rozmazane.
Obrazy Harriet cieszą się popularnością wśród prywatnych kolekcjonerów.
Artysta podchodzi z wprawą schemat kolorów obrazy - działa na kontrast. Beżowy, kolor skóry - pełni rolę tła. A następnie dodawane są czarne i jasne kolory makijażu.
Ze względu na „rozmycie” kolorów pojawia się efekt ruchu. Wydaje się, że na zdjęciu uchwycono przypadkowy moment, modelki nie pozowały, ale czuły się swobodnie.
5. Zuzanna Stojanovic
Suzanna Stojanovic to serbska artystka, która od dzieciństwa pasjonowała się malarstwem. W wieku 11 lat zaczęła malować olejami. Później przejął wszystko możliwe techniki, próbowała się w akwarelach, mozaikach, pastelach, grafice, malarstwie ikon, grawerowaniu, a nawet rzeźbie.Na tym zdjęciu szczególnie widać, że artysta lubił rzeźbę. Figury koni - „rzeźbiarskie”. Tutaj widzimy zamrożony moment.
Ponadto artysta ma twórczość literacka i muzyka - brałem udział w wielu konkursy muzyczne. pierwszy kompozycja muzyczna napisała, gdy miała 15 lat. Jednak pomimo tak szerokiego zainteresowania powołaniem Suzanne pozostaje malarstwo. Wiele jej obrazów znajduje się w prywatnych zbiorach zbiory publiczne w USA, Szwajcarii, Włoszech, Danii, Serbii, Chorwacji, Czarnogórze, Słowenii i Macedonii.
Rozmyte tło sprawia, że czuje się prędkość, z jaką pędzi koń:
Artysta rysuje konie, uważnie studiując ich anatomię. Najpopularniejszy cykl obrazów artysty nosi tytuł „ Magiczny świat konie.” Ciekawe rozwiązanie- stylizacja obrazu pod starą fotografią:
Obecnie artysta pracuje nad nowym cyklem malarskim i pisze krótkie historie. Marzeniem artystki jest spróbowanie swoich sił w kręceniu filmów animowanych.
6. Andrzej Talbot
Andrew Talbot to współczesny artysta pochodzący z Anglii. Maluje martwe natury.
Dzięki żywe kolory powstaje efekt obecności – wydaje się, że przedmioty leżą bezpośrednio przed nami. Zwróć uwagę na to, jak wiarygodnie artysta przekazał na stole odbicie każdego cukierka. Z takich drobiazgów powstaje hiperrealistyczny obraz. Każdy szczegół ma tutaj znaczenie.
W tym roku Andrew znalazł się na liście 15 najlepszych hiperrealistów na świecie.
7. Raffaella Spence
Raffaella Spence to włoska artystka. Jej hobby to podróże, dlatego artystka chętnie pracuje nad pejzażami, przenosząc wrażenia z podróży na papier.
Taka praca jest naprawdę niesamowita. Artysta zwrócił uwagę na każdy drapacz chmur, każde okno, a nawet framugę okna. Praca nad takimi zdjęciami zajmuje dużo czasu, ale wynik jest tego wart.
A to niebo nad miastem nie pozostawi nikogo obojętnym:
8. Yanni Floros
Yanni Floros to australijska artystka. Jego prace wystawiane były w galeriach w Berlinie, Sydney, Melbourne i Brisbane i zdobyły wiele nagród honorowych. Jego rysunki są stylizacją czarno-białych fotografii.Tutaj efekt fotograficzny występuje dzięki fałdom na ubraniach. Artysta starannie pomalował każdą fałdę.
Yanni zajmuje się także malarstwem, rzeźbą i grafiką. W swoich hiperrealistycznych pracach artysta przedstawia ludzi z tyłu różne aktywności i chce pokazać, jak wpływają one na nasze życie i doświadczanie świata.
Hiperrealizm staje się coraz bardziej popularny. Dlatego następnym razem, gdy odwiedzicie galerię i zobaczycie zdjęcie, nie możecie przejść obojętnie obok jego opisu. Całkiem możliwe, że „zdjęcie” okaże się obrazem - a ty zapoznasz się z hiperrealizmem w prawdziwe życie.
Szukaj sztuki w życiu codziennym! Jeśli interesuje Cię życie znany artysta, polecamy zajrzeć
Artyści ci zadziwiają talentem i sposobem tworzenia hiper realistyczne obrazy. Trudno w to uwierzyć, ale to nie są zdjęcia, a prawdziwe obrazy narysowane ołówkiem, farbami, a nawet kulkowe Długopisy. Nie rozumiemy jak oni to robią?! Po prostu ciesz się ich kreatywnością.
Omara Ortiza to artysta hiperrealistyczny z Meksyku, posiadający tytuł licencjata w dziedzinie projektowania graficznego. Główny wątek jego obrazów - postacie ludzkie, głównie nagie kobiety. Na obrazie artysta wyróżnia trzy elementy: postać mężczyzny, drapowane tkaniny, kolor biały. Cechą twórczości Omara jest minimalistyczny styl, lakonizm w przenoszeniu subtelnych krzywizn i linii ciała, praca olejna.
Paula Caddena to światowej klasy współczesny artysta ze Szkocji. Do swojej pracy Paul używa wyłącznie białej kredy i grafitu, za pomocą których jest w stanie odtworzyć niemal każdą fotografię, zwracając uwagę na niedostrzegalne drobne szczegóły. Jak sam artysta przyznaje, nie wymyśla nowych detali, a jedynie je podkreśla, tworząc w ten sposób iluzję nowa rzeczywistość, czego często nie widać na oryginalnych zdjęciach.
Kamalky Laureano— artysta urodził się na Dominikanie w 1983 roku, obecnie mieszka i pracuje w Mexico City. Kamalki jest absolwentką Szkoły Projektowania i Sztuki, specjalizującej się w tworzeniu hiperrealistycznych portretów. Fabuły są trudne do odróżnienia od prawdziwych zdjęć, chociaż są napisane farby akrylowe na płótnie. Dla autora swojej pracy nie jest to tylko imitacja fotografii, ale całe życie ucieleśniony na płótnie.
Grzegorza Thielkera- Urodzony w New Jersey w 1979 roku, studiował historię sztuki i malarstwo na Uniwersytecie Waszyngtońskim. Przeprowadzka do Bostonu stała się dla niego punktem wyjścia do pracy nad hiperrealistycznymi pejzażami miejskimi, co przyniosło mu sławę na całym świecie. Obrazy Tilkera to podróż samochodem w zimny, deszczowy dzień. Inspirując się twórczością artystów lat 70., autor tworzy swoje realistyczne obrazy przy użyciu akwareli i farb olejnych.
Lee Cena- zajmuje się artystą z Nowego Jorku, absolwentem uniwersytetu z dyplomem z malarstwa malarstwo figuratywne. Głównym wątkiem twórczości Lee jest trudny związek kobiety do jedzenia. Widz jakby z zewnątrz obserwuje kobiety, które w tajemnicy jedzą coś smacznego, ale szkodliwego. Sama artystka twierdzi, że w swoich pracach stara się ukazać fakt, że kobiety nadają jedzeniu cechy, które mu nie są, szukają pocieszenia w nieodpowiednim źródle. Zdjęcia oddają absurdalność sytuacji, próbę ucieczki od rzeczywistości, złagodzenia dyskomfortu.
Bena Weinera ur. 10 listopada 1980 w Burlington w stanie Vermont, absolwentka University of the Arts, maluje olejami na płótnie. Osobliwością twórczości artysty jest niezwykła fabuła. Ben maluje! Najpierw artysta nakłada farby na powierzchnię roboczą, fotografuje je, a następnie za pomocą gotowe zdjęcie maluje obraz na płótnie.
Urodzony w 1950 roku w Północnej Kalifornii, znany jest z realistycznych obrazów akrylowych na płótnie. Jako dziecko autor dzielił zamiłowanie do rysowania, co odniosło sukcesy w sporcie, jednak kontuzja pleców zdeterminowała główne zajęcie Raya. Jak przyznał artysta, rysowanie odrywało go od ciągłych bólów pleców. Mistrz nadal obecny wczesne lata zdobyła szerokie uznanie i wiele nagród na konkursach plastycznych.
Alyssa Monks mieszka i tworzy swoje obrazy na Brooklynie, stała się powszechnie znana dzięki realistycznym „mokrym” obrazom. Do tworzenia abstrakcyjnych projektów artysta wykorzystuje filtry takie jak woda, szkło czy para. W swojej pracy Alyssa często wykorzystuje zdjęcia z osobistych archiwów swojej rodziny i przyjaciół. Twarze kobiet a postacie na obrazach są do siebie podobne - artystka często rysuje autoportrety, twierdząc, że „łatwiej” jej jest stworzyć niezbędną fabułę.
Pedro Camposa- hiperrealista z Madrytu, malarstwo olejne zaczął dopiero w wieku 30 lat. Artysta tworzy realistyczne martwe natury przy użyciu farby olejnej. Campos pracował jako projektant wnętrz, ilustrator, konserwator dzieł sztuki mebli, rzeźb i obrazów. Artysta uważa, że to właśnie praca konserwatora pozwoliła mu doskonalić swoje umiejętności.
Dirka Dzimirskiego— artystka z Niemiec, urodzona w 1969 roku, posiada wykształcenie plastyczne, pracuje w technice ołówka. Artysta czerpie obrazy ze zdjęć, nie wdając się w najmniejsze szczegóły, dużo improwizuje. Dirk twierdzi, że pracując nad obrazem reprezentuje żywego modela, dlatego wykorzystuje zdjęcie jedynie do dokładnego przeniesienia ustalonych z góry proporcji. Jego główne zadanie autor rozważa stworzenie poczucia obecności podmiotu na obrazie.
Tomasz Arvid — Amerykański artysta to hiperrealista z Nowego Orleanu, urodzony i wychowany w Detroit, nie ma formalnego wykształcenia, mistrz tzw. „przewymiarowanej” martwej natury. Jego cykl realistycznych obrazów „Piwnica na wino” to korki, butelki, kieliszki z napojami musującymi lub głęboko czerwonymi. Autorytatywni krytycy i publikacje odnotowały ponad 70 dzieł artysty. Obrazy mistrza zdobią nie tylko ściany winiarni i prestiżowych salonów winiarskich, ale także prywatne kolekcje i galerie.
Robina Eleya Urodzona w Wielkiej Brytanii, wychowana i nadal mieszkająca i pracująca w Australii, posiada tytuł licencjata sztuk pięknych i została wyróżniona nagrodą Doug Moran National Portrait Award. Swoje hiperrealistyczne obrazy tworzy w oleju, a za głównego „konia” uważa fabułę „ludzie i celofan”. Mistrz pracuje nad jednym obrazem około 5 tygodni, 90 godzin tygodniowo, niemal na każdym zdjęciu są ludzie zawinięci w celofan.
Samuela Silvy- Portugalski artysta amator bez specjalnego wykształcenia, który na własnym przykładzie udowadnia, że ze wszystkiego można stworzyć arcydzieło. Artystka tworząc obrazy wykorzystuje paletę ośmiu kolorów długopisów firmy Bic. Silva jest z zawodu prawnikiem, a swoją pasję do rysowania traktuje jedynie jako hobby. Dziś światowej sławy artysta samouk opanowuje nowe techniki malarskie za pomocą farb, kredy, kredek, pasteli itp.
Gottfrieda Helnweina- austriacki artysta, autor hiperrealistycznych obrazów o tematyce społecznej, politycznej i wątki historyczne„mistrz nieoczekiwanego uznania”, jak go określił pisarz W. Burroughs. Autorka kształciła się w wiedeńskiej Akademii Sztuk Pięknych, należy do artystów o wysokim poziomie zawodowym. Nieco kontrowersyjne tematy, surrealistyczne kompozycje przyniosły mu sławę. Mistrz często przedstawiał na swoich obrazach postacie z komiksów i przyznaje, że „od Kaczora Donalda nauczył się więcej niż we wszystkich szkołach, w których się uczył”.
Franco Cluna- Włoski artysta samouk, który do wszystkich innych techniki artystyczne woli rysować grafitem. Jego czarno-białe realistyczne obrazy są wynikiem niezależnych badań Franco. różnorodna literatura technika rysowania.
Kelvina Okafora to artysta hiperrealistyczny, urodzony w 1985 roku, mieszka i pracuje w Londynie. Kelvin ukończył studia w zakresie sztuk pięknych na Uniwersytecie Middlesex. Autor tworzy swoje obrazy prostym ołówkiem głównym tematem jego prac są portrety gwiazd.
Amy Robins to brytyjska artystka, która w swoich hiperrealistycznych pracach wykorzystuje kredki i gruby papier. Artystka posiada wykształcenie artystyczne i projektowe, tytuł licencjata Dzieła wizualne mieszka i pracuje w Bristolu. O młodej autorce niewiele wiadomo, ale jej prace zyskały już sławę na całym świecie, zachwycając realizmem i techniką.
Robert Longo ( Roberta Longo) – amerykański artysta i rzeźbiarz, urodzony na Brooklynie w 1953 roku, odznaczony legendarnym Goslar Kaiser Ring. Artysta swoje trójwymiarowe obrazy eksplozji nuklearnych, tornad, huraganów i rekinów rysuje węglem drzewnym na papierze. Longo jest często nazywany „malarzem śmierci”. sławny obraz Untitled (Skull Island) z falą został sprzedany w Christie's w Londynie za 392 000 dolarów.
Diego Fazio jest artystą samoukiem, urodzonym w 1989 roku we Włoszech, nie ma Edukacja plastyczna, zaczął od opracowania szkiców tatuaży, ostatecznie opracował własną technikę rysowania. Młody artysta był członkiem wielu zawody międzynarodowe, gdzie zdobył nagrody, był prezentowany na wystawach na całym świecie. Artysta działa pod pseudonimem DiegoKoi.
Bryana Drury’ego urodzony w 1980 roku w Salt Lake City, posiada dyplom Nowojorskiej Akademii Sztuki, tworzy obrazy z gatunku realizmu. Artysta maluje swoje obrazy farbami olejnymi. Jak przyznaje autor, w swoich pracach stara się skupić na organicznych walorach skóry, jej wadach.
Steve'a Millsa to amerykański artysta, który sprzedał swój pierwszy obraz w wieku 11 lat. Artysta tworzy swoje obrazy farby olejne, skupiając się na najdrobniejszych szczegółach życia codziennego, których w wiecznym pośpiechu często nie zauważamy. Artysta zauważa, że przedstawia przedmioty takimi, jakie są w rzeczywistości, nie zmieniając i nie wyolbrzymiając ich pierwotnej formy.
Paweł Lung urodzony w Hongkongu, rysuje ołówkiem automatycznym na kartkach formatu A2. Cechą techniki tworzenia obrazów jest zasadnicza odmowa użycia gumki, wszystkie prace są rysowane czysto. Głównymi „muzami” artysty są koty, chociaż rysuje także ludzi i inne zwierzęta. Na każdą pracę autor poświęca co najmniej 40 godzin.
Roberta Bernardiego urodzony we Włoszech, hiperrealizmem zainteresował się w wieku 19 lat, pracował jako konserwator w kościele San Francesco. Do tworzenia obrazów używa farb olejnych. Światową sławę artysta przyniósł cykl prac przedstawiających przedmioty charakterystyczne dla społeczeństwa konsumpcyjnego. Zdjęcia ze słodyczami, automatami, półkami w lodówce - wizytówka artysta, chociaż w jego arsenale znajdują się pejzaże, martwe natury i wiele więcej.
Juana Francisco Casasa to hiszpański artysta tworzący swoje obrazy za pomocą standardowego długopisu Bic. Casas był tradycyjny artysta, którzy postanowili udowodnić innym, że nie ważny jest materiał do pracy, ale sposób i technika rysowania. Przyniosła mu pierwsza wystawa twórczego Hiszpana światowa sława. Większość obrazów Casasa przedstawia jego przyjaciół.
Teresę Elliott to amerykańska artystka, która przez 26 lat z sukcesem pracowała jako ilustratorka, zanim stworzyła realistyczne obrazy olejne. Teresa posiada tytuł licencjata sztuki piękne, powracać do sztuka klasyczna, zasłynęła na całym świecie dzięki swojej prawdomówności najdrobniejsze szczegóły portrety.
Hiperrealizm to styl malarski, w którym obrazy przypominają fotografie. Czasami naprawdę trzeba naprawdę dobrze przyjrzeć się dziełu, żeby określić: czy mamy przed sobą zdjęcie czy obraz? O istocie hiperrealizmu jako kierunek artystyczny i jej najlepsi przedstawiciele – czytaj dalej.
Hiperrealizm i fotorealizm: czy jest różnica?
Hiperrealizm rozwinął się z fotorealizmu pod koniec XX wieku i przeniósł się do nowej gałęzi rozwoju początek XXI wiek. A samo pojęcie „hiperrealizmu” wymyśliła francuska krytyczka Isa Brachot (Isy Brachot) – stało się francuskim odpowiednikiem słowa „fotorealizm”. Od tego czasu hiperrealizm oznacza twórczość artystów znajdujących się pod wpływem fotorealizmu.
Fotorealizm powstał jako reakcja na ruch sztuki abstrakcyjnej. Fotorealizm pojawił się w USA w latach 60. ubiegłego wieku, a do Europy rozprzestrzenił się w latach 70. XX wieku. Artyści fotorealiści tworzą obrazy, które wyglądają tak wiarygodnie, że jak sama nazwa wskazuje, przypominają fotografie w wysokiej rozdzielczości.
Zadaniem pracy fotorealistycznej jest uzyskanie technicznie dokładnego i przejrzystego wyniku. Artyści, pisanie zdjęć w stylu fotorealizmu mogą celowo pozbawić swoje dzieło niektórych emocjonalnych szczegółów, jeśli narusza to integralność narracji. Tematem fotorealizmu, podobnie jak w dziełach pop-artu, jest życie codzienne osoba i jej przedmioty.
Hiperrealizm, przeciwnie, w przeciwieństwie do fotorealizmu, nie dystansuje się od emocjonalnego składnika obrazów, ale dodaje obrazom narracyjny charakter i nowe uczucia. To coś więcej niż tylko precyzyjna technika. Takie obrazy potrafią być superrealistyczne i tak szczegółowe, że ostatecznie obraz przedstawia inną rzeczywistość, a nie tę, która była na zdjęciu czy w rzeczywistości.
Objętość obiektu, światło i cień, faktura materiałów – wszystko to jest ukazane w taki sposób, aby wyglądało jeszcze wyraźniej i szczegółowo, a nawet przerysowało w porównaniu z oryginałem. Jednocześnie jednak obrazy nie idą w surrealizm – obraz w hiperrealizmie musi pozostać przekonujący, po prostu prawdziwa rzeczywistość zastąpione fałszywym, iluzorycznym.
Najlepsi artyści hiperrealistyczni XXI wieku
Styl hiperrealizmu stał się dziś bardzo popularny, a armia jego wyznawców z roku na rok rośnie: dzięki Internetowi można zobaczyć tysiące hiperrealistycznych dzieł zarówno w grafice, jak i malarstwie. Nie sposób wymienić wszystkich nazwisk, dlatego poniżej prezentujemy Państwu malarstwo kilku artystów, którzy jednak należą do najwybitniejszych twórców XXI wieku, reprezentujących hiperrealizm w malarstwie.
Jasona de Graafa
Widząc po raz pierwszy twórczość Jasona de Graafa, nie będziesz mógł uwierzyć, że to obraz. Jego hiperrealistyczne światy to starannie wykonane iluzje tworzone delikatnymi pociągnięciami pędzla, które sprawiają wrażenie prawdziwych fotografii w wysoka rozdzielczość. De Graaff maluje w takim gatunku malarstwa jak martwa natura.
Odbicie jest kluczowym elementem większości hiperrealistycznych obrazów tego artysty: od błyszczących metalowych kul po polerowane kryształowe czaszki, artysta wykorzystuje każdą okazję, aby wiernie oddać objętość obiektów i ożywić je poprzez dokładne przekazywanie cienia i światła.
Jego celem nie jest uchwycenie obiektów takimi, jakie są w stu procentach, ale stworzenie iluzji głębi i poczucia obecności, których nie można znaleźć na zdjęciach. Dlatego de Graaff wykorzystuje w swoich obrazach przedmioty, które coś dla niego znaczą lub są właściwie artefaktami z jego życia, a kolory i kompozycje dobiera intuicyjnie.
Marco Grassi
Kolejnym artystą hiperrealistycznym, którego prace uderzają realizmem i skłaniają do ponownego spojrzenia na nie, jest włoski artysta z Mediolanu Marco Grassi. Jego obrazy są tak szczegółowe, że naprawdę mają jakość fotografii.
Prace Grassi to zmysłowe portrety modelek nieśmiało odwracających się od aparatu. Często dodają jakiś surrealistyczny element, który sprawia wrażenie wplecionego w portret - może to być na przykład wzór narysowany lub wyryty w skórze modelki. Swoją drogą, osobnym powodem, dla którego warto zobaczyć te prace, jest skóra dziewcząt na portretach, wydaje się idealna i aksamitna, a przyglądając się bliżej, można dostrzec każdy pieg czy por na ich twarzy.
Grassi nazywa swój styl malarstwa „surrealistycznym hiperrealizmem”.
Jak twierdzi, inspiruje go odmienna faktura, konsystencja materiałów, to, jak oddziałują one ze światłem i jak się w nich odbija, co artysta stara się przekazać w swoich obrazach.
Rod Chase
Jako jeden z najwspanialszych i najbardziej rozpoznawalnych artystów hiperrealistycznych naszych czasów, Rod Chase zyskał ogromny szacunek swoich rówieśników i uwielbienie wielu kolekcjonerów.
Każdy obraz wzięty z jego sztalug to arcydzieło, powstałe w wyniku wnikliwego studiowania przedmiotu malarstwa i jego licznych fotografii. Takie podejście do malarstwa zaowocowało niesamowitą jakością każdego dzieła Chase.
Artysta stworzył wiele obrazów w stylu hiperrealizmu z pejzażami i znanymi miejscami w miastach Nowy Jork i Waszyngton, stany Kolorado i Kalifornia, kraje europejskie takie jak Włochy, Wielka Brytania i inne. W poszukiwaniu ciekawych miejsc i fotografii osobiście podróżował do wszystkich tych miejsc. Chase twierdzi, że jako hiperrealista w dużym stopniu polega na poszukiwaniach dobry towar dla każdego zdjęcia.
Obrazy Chase’a to głównie akryl na płótnie. Artysta spędza setki godzin tworząc każdą pracę, mając na celu zaprezentowanie świeżego, eleganckiego i niepowtarzalnego podejścia do już znanych tematów. Równie imponująca jest szczegółowość i nastrój jego obrazów.
Emanuel Dascanio to jeden z najlepszych współczesnych artystów, prawdziwy mistrz styl hiperrealistyczny, którego prace zadziwiają zmysłowością i realizmem. Oprócz niezwykłej techniki Dascanio ukrywa w swoich pracach dodatkowe znaczenia za pomocą subtelnych szczegółów wizualnych, które pomagają artyście stworzyć iluzję prawdziwy świat. Sam autor twierdzi, że zagadka jest taka tylko wtedy, gdy powoli otwiera się ją przed oczami widza.
Prace Emanuela Dascanio w stylu hiperrealizmu można obejrzeć w następującym filmie:
Hiperrealizm w malarstwie.
Malarstwo klasyczne wprowadza nas głównie w fabułę, w której najważniejsza jest objętość i kolor. Tak pisze większość Artystów – wszystkie ich myśli, uczucia i emocje są przekazywane kolorem i objętością. Ale są artyści, którzy próbują dotrzeć do mikroskopijnych niuansów i prześcignąć kamerę. To artyści hiperrealizmu. I chcę mówić tylko o artystach „czysto”, tych, którzy łączą malarstwo i różne technologie, których dzisiaj nie będziemy rozważać…
Większość ludzi postrzega hiperrealizm jako prosty fotorealistyczny obraz stworzony za pomocą farby, ołówka, długopisu lub w inny sposób. Jednak nie wszystko jest takie proste...
Pojawienie się nurtu hiperrealizmu
Hiperrealizm wyłonił się jako odrębny nurt w sztuce od 1973 roku po wystawie w Brukseli, kiedy to słowo ukuto w celu zastąpienia francuskiego „fotorealizmu”. Jean Baudrillard tak opisał filozofię kierunku hiperrealistycznego: „jest to tworzenie nieistniejącego poprzez dokładne przedstawienie rzeczywistych obiektów”.
Od 1973 roku minęło już sporo czasu, a sama definicja „hiperrealizmu” uległa zmianie – dziś istnieją już w sobie nurty, a jednym z nich jest po prostu proste, dokładne odwzorowanie rzeczywistości bez domieszki twórczych zniekształceń.
Przedmioty i obiekty obrazu
Oryginalność reżyserii polega na tym, że na obrazie można oddać najzwyklejszy i niczym nie wyróżniający się epizod, który nas otacza na co dzień. Prawdziwy kunszt objawia się właśnie w tym, że widz nie potrafi odróżnić rzeczywistości od dzieła pisanego.
Artyści często jako motyw wybierali obraz życia codziennego duże miasto: skrzyżowania, bulwary, budynki mieszkalne, zwykli przechodnie.
Szczególną uwagę zwrócono na obecność powierzchni odbijających światło: witryn sklepowych, okularów na twarzy, szyb samochodowych oraz polerowanych powierzchni plastikowych. Gra świateł, naturalne odbicie promieni stwarza efekt całkowitego przenikania się przestrzeni obrazu i świata rzeczywistego.
Głównym zadaniem hiperrealistów było ukazanie świata nie tylko wiarygodnego, ale nadrealistycznego, jakby wyrwanie fragmentu tego, co widział widz i umieszczenie go na ścianie.
Cechy techniki hiperrealizmu
Jak narysować hiperrealizm w malarstwie? Artyści pracujący w tym kierunku posługują się nowymi, bardzo nietypowymi i innowacyjnymi metodami malarskimi. Aktywnie korzystają metody mechaniczne kopiowanie zdjęć poprzez powiększenie obrazów do rozmiaru dużego płótna. Pomogła im w tym projekcja slajdów i siatka skali.
Technika nakładania farby może być różna: niektórzy artyści piszą swoje obrazy za pomocą węgla drzewnego i prostego ołówka. Zasada działania przypomina wydrukowany obraz drukarka atramentowa. Inną metodą nakładania farby jest natryskiwanie aerografem. Pozwala to zachować specyfikę zdjęcia i wyeliminować najmniejsze ślady indywidualność twórcza artysta.
W pracach artystów hiperrealistycznych można spotkać wiele nagich ciał. Mężczyźni, kobiety - to nie ma znaczenia, ale każde płótno przekazuje przede wszystkim nie wulgarność, nie erotykę, ale nagą ludzką esencję.
Wszystko wyrzucone mechanizmy obronne i maski, pod którymi kryje się człowiek. Hiperrealizm w malarstwie aktu to odrębny sposób przedstawiania tematu człowieka i jego relacji ze światem.
Odrębnym tematem jest hiperrealizm w malarstwie i artyści reprezentujący ten nurt.
Umiejętności każdego z nich są stale porównywane, koneserzy szukają podobieństw i różnic w motywach, obrazach, technice. Niektórych prac nie da się odróżnić od fotografii, ale są obrazy realistyczny obraz niemniej jednak widoczne są cechy indywidualnego warsztatu artysty.
Kim więc są artyści hiperrealistyczni i dlaczego tego potrzebują?
Po co próbować przekazać rzeczy, których być może nawet nie dostrzeżemy w procesie obserwacji rzeczy i zjawisk? Mimo wszystko rozmawiamy o rzeczywistości, nie o fotografii...
I tutaj artysta praktycznie nie ma granic... Jeśli chcesz dotrzeć do sedna molekularnych szczegółów - wszystko jest w rękach artysty - najważniejsze jest przestudiowanie techniki i nauczenie się, jak ją po mistrzowsku zastosować. ..
Jaka jest więc różnica między malarstwem klasycznym a procesem tworzenia hiperrealizmu?
W malarstwo klasyczne artysta ukazuje dynamikę obiektów na nieruchomym płótnie, jakby obraz na chwilę zamarł i za chwilę miał kontynuować swój ruch....
Hiperrealiści natomiast chcą ten bezruch uchwycić na zawsze, tak jak jest to możliwe w fotografii.
Zdarza się, że bezruch okazuje się zbyt przerośnięty (przesadzony). Ten sposób tworzenia zdjęcia jest podobny do fotografowania w trybie długiego czasu naświetlania. Widz wyraźnie ma poczucie zabawy nie tylko przestrzenią, ale i czasem. Takie obrazy nie zatrzymują czasu, ale sprawiają, że staje się on wolniejszy i bardziej płynny.
Również obrazy w stylu hiperrealizmu pozwalają spojrzeć przez mikroskop i zobaczyć wiele niepozornych rzeczy - jest to zaskakująco niezwykłe i ekscytujące ....
Prace w stylu hiperrealizmu powinny być czymś więcej niż kopią rzeczywistości, powinny przekazywać nadrzeczywistość…
Dlaczego artysta tego potrzebuje?
Dla wielu hiperrealizm specjalny kształt wyrażanie siebie. Dla niektórych jest to okazja do doskonalenia swoich umiejętności i osiągnięcia maksymalnego efektu za pomocą farb i pędzli, dla innych jest to sposób na medytację, relaks i niesamowitą przyjemność płynącą z tej skrupulatnie szczegółowej pracy z przedmiotami i przedmiotami.
Czy chciałbyś spróbować swoich sił jako Artysta Realista? Proszę o podzielenie się swoimi doświadczeniami i przemyśleniami na ten temat...
Czekamy na Wasze komentarze... A Wasze prace - jeśli próbowałyście już siebie w tej technice...
A jeśli chcesz spróbować swoich sił jako artysta realista, zacznij już teraz -
Niesamowite fakty
Hiperrealizm ołówkiem
Napisane przez Diego Fazio
Ten utalentowany 22-letni artysta nie przestaje zadziwiać i po raz kolejny udowadniać, że jego obrazy to nie fotografie, a wszystkie narysowane ołówkiem.
Swoją twórczość, którą publikuje w Internecie, podpisuje jako DiegoKoi. Ponieważ wciąż są tacy, którzy nie wierzą, że wszystko sam rysuje, musi dzielić się sekretami swojej kreatywności.
Artysta może się już pochwalić własny styl- całą pracę rozpoczyna od krawędzi arkusza, mimowolnie naśladując drukarkę atramentową.
Jego głównymi narzędziami są ołówki i węgiel drzewny. Namalowanie portretu zajmuje Fazio około 200 godzin.
Obrazy olejne
Napisane przez Eloya Moralesa
Niesamowicie realistyczne autoportrety tworzy hiszpański malarz Eloy Morales.
Wszystkie obrazy są wykonane w oleju. Przedstawia w nich siebie poplamionego farbami lub kremem do golenia, starając się w ten sposób uchwycić i sportretować światło.
Praca nad obrazami jest bardzo skrupulatna. Autor pracuje powoli, starannie dobierając kolory i przetwarzając wszystkie szczegóły.
A jednak Morales zaprzecza, jakoby kładł nacisk na detale. Twierdzi, że najważniejsze jest dla niego dobranie odpowiedniego tonu.
Jeśli dokonasz dokładnego przejścia między tonami, szczegóły pojawią się same.
Malowanie kredkami
Napisane przez Jose Vergarę
Jose Vergara to młody amerykański artysta z Teksasu. Jest autorem obrazów, z których każdy niezwykle wiernie oddaje ludzkie oko.
Umiejętność rysowania oczu i ich szczegółów Vergara opanowała, gdy miał zaledwie 12 lat.
Wszystkie hiperrealistyczne obrazy rysowane są zwykłymi kredkami.
Aby obrazy były jeszcze bardziej realistyczne, artysta dodaje do tęczówek odbicie obiektów, na które patrzy oko. Może to być horyzont lub góry.
obrazy olejne
Napisane przez Roberto Bernardiego
Prace współczesnego 40-letniego artysty, urodzonego w mieście Toddi we Włoszech, zadziwiają realizmem i szczegółowością.
Warto dodać, że nawet w wczesne dzieciństwo zaczął malować, a w wieku 19 lat zafascynował go ruch hiperrealizmu i maluje nadal obrazy olejne w tym stylu.
Obrazy akrylowe
Napisane przez Toma Martina
Ten młody 28-letni artysta pochodzi z Wakefield w Anglii. W 2008 roku ukończył z wyróżnieniem studia na Uniwersytecie w Huddersfield, uzyskując tytuł licencjata w dziedzinie sztuki i projektowania.
To, co przedstawia na swoich obrazach, wiąże się z obrazami, które widzi na co dzień. Prowadzi sam Tomek zdrowy tryb życiażycie, co ma wpływ na jego pracę.
W obrazach Martina można odnaleźć kawałek stali czy rozłożone słodycze, a on w tym wszystkim odnajduje coś własnego, wyjątkowego.
Jego celem nie jest proste kopiowanie obrazu z fotografii, maluje obrazy przy użyciu kilku technik malarskich i modelarskich opracowanych przy użyciu nowoczesnych technologii.
Celem Martina jest sprawić, by widz uwierzył w rzeczy, które widzi przed sobą.
obrazy olejne
Napisane przez Pedro Camposa
Pedro Campos jest Artysta hiszpański mieszka w Madrycie w Hiszpanii. Wszystkie jego obrazy są niezwykle podobne do fotografii, ale tak naprawdę wszystkie są malowane farbami olejnymi.
Rozpoczęła się kariera utalentowany artysta w warsztatach kreatywnych, gdzie już w bardzo młodym wieku projektował kluby nocne i restauracje. Następnie pracował w agencjach reklamowych, ale miłość do hiperrealizmu i malarstwa przyszła prawdopodobnie, gdy zajął się pracami restauratorskimi.
W wieku 30 lat zaczął poważnie myśleć o zawodzie niezależnego artysty. Dziś ma ponad czterdziestkę i jest uznanym mistrzem w swoim rzemiośle. Prace Camposa można zobaczyć w popularnym Londynie Galeria Sztuki Plus jeden.
Do swoich obrazów artysta wybiera przedmioty o specyficznej fakturze, takie jak błyszczące kule, połyskujące szkło itp. Tym wszystkim, na pierwszy rzut oka zwykłym, niepozornym przedmiotom, daje nowe życie.
Malowanie długopisem
Napisane przez Samuela Silvę
Najciekawsze w pracach tego artysty jest to, że rysowane są wyłącznie długopisami – 8 kolorów.
Większość obrazów 29-letniego Silvy to kopie zdjęć, które lubił najbardziej.
Na namalowanie jednego portretu artysta potrzebuje około 30 godzin żmudnej pracy.
Warto zaznaczyć, że rysując długopisami artysta nie ma prawa popełnić błędu, bo. naprawienie tego będzie prawie niemożliwe.
Samuel nie miesza atramentu. Zamiast tego udary różne kolory nakładany warstwowo, co nadaje obrazowi efekt bogatej palety barw.
Z zawodu młody artysta jest prawnikiem, a rysowanie to tylko jego hobby. Pierwsze rysunki powstały r szkolne lata w zeszytach.
Oprócz długopisów Samuel próbuje rysować kredą, ołówkiem, farbami olejnymi i akrylem.
Obrazy wykonane akwarelą
Napisane przez Erica Christensena
Ten artysta samouk zaczął rysować w odległym już roku 1992. Teraz Christensen jest jednym z najpopularniejszych i najmodniejszych artystów.
Między innymi Eric jest nadal jedynym hiperrealistycznym artystą na świecie, który maluje wyłącznie akwarelami.
Jego obrazy przedstawiają bezczynny tryb życia, motywujący do relaksu gdzieś w willi z lampką wina w dłoni.
Rysunki olejne
Napisane przez Luigiego Benedicentiego
Pochodzący z miasta Chieri Benedichenti postanowił połączyć swoje życie z realizmem. Urodził się 1 kwietnia 1948 roku, czyli już w latach siedemdziesiątych pracował w tym kierunku.
Niektóre z jego najsłynniejszych obrazów to te, na których szczegółowo przedstawiał ciasta, ciasta i kwiaty i wyglądały tak dokładnie, że chciało się jeść te ciasta.
Luigi ukończył szkołę artystyczną w Turynie w latach 70-tych. Wielu krytyków zaczęło dobrze wypowiadać się o jego obrazach, pojawili się także fani, jednak artyście nie spieszyło się z wystawowym zamieszaniem.
Na początku lat 90. zdecydował się wystawić swoje prace na widok publiczny.
Sam autor twierdzi, że chce w swoich pracach przekazać uczucia i wzruszenie drobnymi radościami, których sam doświadcza na co dzień, będąc wzorowym człowiekiem rodzinnym, dobry przyjaciel i mieszkaniec małego włoskiego miasteczka.
Obrazy olejne i akwarele
Napisane przez Gregory'ego Thielkera
Prace artysty Gregory'ego Tilkera, urodzonego w New Jersey w 1979 roku, przypominają jazdę samochodem w chłodny, deszczowy wieczór.
W pracach Tilkera przez krople deszczu na przedniej szybie widać parkingi, samochody, autostrady i ulice.
Warto dodać, że Tilker studiował historię sztuki w Williams College i malarstwo na Uniwersytecie Waszyngtońskim.
Po przeprowadzce do Bostonu Gregory postanowił skupić się na miejskich krajobrazach, co widać w jego pracach.
Rysunki ołówkiem, kredą i węglem
Napisane przez Paula Caddena
Możesz być zaskoczony, ale na twórczość słynnego szkockiego artysty Paula Caddena wpłynęła genialna radziecka rzeźbiarka Vera Mukhina.
Dominującymi kolorami w jego obrazach są szarości i ciemnoszare, a narzędziem, którym rysuje, jest ołówek łupkowy, za pomocą którego przenosi nawet najmniejsze krople wody zamarznięte na twarzy człowieka.
Czasami Cadden bierze w ręce kredę i węgiel drzewny, aby obraz był jeszcze bardziej realistyczny.
Warto dodać, że bohater czerpie ze zdjęć. Artysta twierdzi, że jego misją jest stworzenie żywej historii ze zwykłej, płaskiej fotografii.
Rysunki wykonane kredkami
Napisane przez Marcello Barenghi
Głównym tematem hiperrealistycznego artysty Marcello Berengiego są otaczające nas przedmioty.
Rysowane przez niego obrazy są tak realne, że wydaje się, że można podnieść pomalowaną torbę chipsów lub ułożyć narysowaną kostkę Rubika.
Aby stworzyć jeden obraz, Marcello poświęca aż 6 godzin żmudnej pracy.
Inny interesujący fakt- tak artysta sam nagrywa na wideo cały proces powstawania rysunku, a następnie wrzuca do sieci 3-minutowy film.
Włoski artysta Marcello Barenghi maluje za 50 euro