Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła pozostaną w Waszej pamięci nie mniej głęboko, niż dzieła mistrzów minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Skończył studia w języku śląskim Instytut Politechniczny, ale związał się z . W Ostatnio przyciąga głównie kobiety. Koncentruje się na wyrażaniu emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z różnymi nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang – nowoczesny Amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., gdzie uzyskał tytuł BFA. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę profesjonalnego artysty.
Jego obrazy realistyczne można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi przy pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa sięga twórczości XVI-wiecznego artysty Johannesa Vermeera i obejmuje tematy, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, wnętrza pracowni, sale lekcyjne i domy. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki piękne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności zajmującej się malarstwem olejnym w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Warren obecnie mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, a także wykłada (znany jako utalentowany nauczyciel) w Akademii Sztuki w San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni – Włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Uzyskał dyplom ze scenografii w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne obrazy Bruniego zakorzenione są w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich bohaterów. Obiekty animowane i nieożywione zyskują jednakową dostojność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za kurtyną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, troskliwość i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasander Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w Shasta w Kalifornii.
Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, dlatego już od najmłodszych lat działalność artystyczna otrzymała pełne wsparcie od obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie przebywał nauczyciel szkoły a pracująca na pół etatu artystka Katie Gaggliardi zachęcała Alkasandera do zapisania się Szkoła Artystyczna. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee w stanie Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rozina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć naukę w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na kreatywności. Jacques-Louis David. Realizm figuratywny i malarstwo portretowe stanowił większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do uwypuklenia cech i wad ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Tematyka kompozycji jego obrazów przeznaczona jest do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy obrazy nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu tematyka jego prac znacznie się poszerzyła i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały istnienia poprzez malarstwo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodzony w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zacząłem się interesować już jako dziecko. Studiowała w The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. Jednocześnie studiowała malarstwo na tej uczelni Lorenzo Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach studiów magisterskich w New York Academy of Art na wydziale Sztuki Figuratywnej, które ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i instytucje edukacyjne na terenie całego kraju uczyła malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.
„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam Ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie duże obszary abstrakcyjny projekt, z którego prześwitują kolorowe wyspy - części ludzkiego ciała.
Moje obrazy się zmieniają nowoczesny wygląd do ustalonych już, tradycyjnych póz i gestów kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moi bohaterowie przyciskają się do szyby okna prysznica, zniekształcając własne ciała, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Miesza się grube warstwy farby, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska widoczne są niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję punkt, w którym abstrakcyjne pociągnięcia pędzlem stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i wierzyłem, że muszę malować jak najbardziej realistycznie. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się on rozwikłać i ujawnić same w sobie sprzeczności. Obecnie badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antonia Finelliego
Włoski artysta – „ Obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem” Obserwator czasu„Antonio Finelli zabiera nas w wieczną podróż wewnętrzny świat ludzka tymczasowość i związana z nią skrupulatna analiza tego świata, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady, jakie pozostawia na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezlitosności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym, ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminię Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Przez dwanaście lat mieszkała w Rzymie, a przez trzy lata w Anglii i Francji. Ukończyła historię sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „uczesać la pate” i bawić się materiałem. Podobną technikę rozpoznała w twórczości artysty Pascala Torui. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: sztuką uliczną, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubione artysta Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Szkoły Artystycznej w 1998 roku pozostał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także w Charkowie akademia państwowa projektowanie i plastyka, wydział grafiki, dyplom w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawy sztuki, NA ten moment odbyło się ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis zajmuje się szeroką gamą grafik i techniki malarskie. Rysunki ołówkiem to jedna z jego ulubionych metod malarskich, lista jego tematów rysunki ołówkiem jest również bardzo różnorodny, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje gatunkowe, ilustracje książkowe, literackie i rekonstrukcje historyczne i fantazje.
Jest mało prawdopodobne, aby Yayoi Kusama była w stanie odpowiedzieć na pytanie, co stanowiło podstawę jej kariery artystycznej. Ma 87 lat, jej twórczość doceniana jest na całym świecie. Wkrótce odbędą się duże wystawy jej prac w USA i Japonii, ale nie powiedziała jeszcze światu wszystkiego. „To wciąż jest w drodze. Zamierzam stworzyć to w przyszłości” – mówi Kusama. Nazywana jest artystką odnoszącą największe sukcesy w Japonii. Ponadto jest najdroższą żyjącą artystką: w 2014 roku jej obraz „Biały nr 28” został sprzedany za 7,1 miliona dolarów.
Kusama mieszka w Tokio i od prawie czterdziestu lat dobrowolnie przebywa w szpitalu psychiatrycznym. Raz dziennie zostawia ściany do pomalowania. Wstaje o trzeciej w nocy, nie mogąc spać, a chcąc produktywnie spędzić czas w pracy. „Jestem już stary, ale nadal będę tworzyć więcej pracy I najlepsze prace. Więcej niż zrobiłem w przeszłości. Mój umysł jest pełen obrazów” – mówi.
(W sumie 17 zdjęć)
Yayoi Kusama na wystawie swoich prac w Londynie w 1985 r. Zdjęcie: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
Od dziewiątej do szóstej Kusama pracuje w swoim trzypiętrowym studiu, poruszając się wygodnie na wózku inwalidzkim. Potrafi chodzić, ale jest za słaba. Kobieta pracuje na płótnie ułożonym na stołach lub przytwierdzonym do podłogi. Pracownia jest pełna nowych obrazów, jasnych dzieł usianych drobnymi plamkami. Artystka nazywa to „samowyciszeniem” – niekończącym się powtarzaniem, które zagłusza hałas w jej głowie.
Przed wręczeniem nagród artystycznych Praemium Imperiale w Tokio w 2006 roku. Zdjęcie: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
Wkrótce zostanie otwarta ulica po drugiej stronie ulicy nowa galeria, a na północ od Tokio powstaje kolejne muzeum jej sztuki. Ponadto otwierane są dwie duże wystawy jej prac. „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors” – retrospektywa jej 65-letniej kariery, została otwarta 23 lutego w Hirshhorn Museum w Waszyngtonie i potrwa do 14 maja, po czym uda się do Seattle, Los Angeles, Toronto i Cleveland. Na wystawie znalazło się 60 obrazów Kusamy.
Jej kropki pokrywają wszystko, od sukienek Louis Vuitton po autobusy rodzinne miasto. Prace Kusamy regularnie sprzedają się za miliony dolarów i można je zobaczyć na całym świecie, od Nowego Jorku po Amsterdam. Wystawy prac japońskiego artysty cieszą się tak dużym zainteresowaniem, że konieczne jest podjęcie działań, aby zapobiec tłumom i zamieszkom. Na przykład w Hirshhorn bilety na wystawę sprzedawane są przez określony czas, aby w jakiś sposób uregulować przepływ zwiedzających.
Prezentacja wspólnego projektu Louis Vuitton i Yayoi Kusama w Nowym Jorku w 2012 roku. Zdjęcie: Agencja Billy'ego Farrella/REX/Shutterstock
Ale Kusama nadal potrzebuje zgody z zewnątrz. Zapytana w wywiadzie, czy kilkadziesiąt lat temu osiągnęła swój cel, jakim była bogactwo i sława, odpowiedziała ze zdziwieniem: „Kiedy byłam mała, bardzo trudno było mi przekonać mamę, że chcę zostać artystką. Czy to prawda, że jestem bogaty i sławny?
Kusama urodził się w Matsumoto, w górach środkowej Japonii, w 1929 roku w zamożnej i konserwatywnej rodzinie zajmującej się sprzedażą sadzonek. Jednak nie był to szczęśliwy dom. Jej matka gardziła swoim zdradzającym mężem i wysłała małą Kusamę, aby go szpiegowała. Dziewczyna widziała ojca z innymi kobietami, co wywołało u niej niechęć do seksu na całe życie.
Okno butiku Louis Vuitton zaprojektowane przez Kusamę w 2012 roku. Zdjęcie: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
Jako dziecko zaczęła doświadczać halucynacji wzrokowych i słuchowych. Kiedy po raz pierwszy zobaczyła dynię, wyobraziła sobie, że do niej mówi. Przyszła artystka radziła sobie z wizjami, tworząc powtarzające się wzory, które miały zagłuszyć myśli pojawiające się w jej głowie. Już w tak młodym wieku sztuka stała się dla niej rodzajem terapii, którą później nazwała „medycyną sztuki”.
Praca Yayoi Kusamy na wystawie w Whitney Museum of Contemporary Art w 2012 roku. Zdjęcie: Agencja Billy'ego Farrella/REX/Shutterstock
Matka Kusamy stanowczo sprzeciwiała się pragnieniu córki, aby została artystką i nalegała, aby dziewczynka podążała tradycyjną ścieżką. „Nie pozwoliła mi rysować. Chciała, żebym się ożenił” – powiedziała artystka w wywiadzie. - Wyrzuciła moją pracę. Miałem ochotę rzucić się pod pociąg. Każdego dnia walczyłem z matką i dlatego mój umysł został uszkodzony”.
W 1948 roku, po zakończeniu wojny, Kusama udał się do Kioto, aby studiować tradycyjne japońskie malarstwo nihonga według surowych zasad. Nienawidziła tego rodzaju sztuki.
Jeden z eksponatów wystawy Yayoi Kusama w Whitney Museum of Contemporary Art w 2012 roku. Zdjęcie: Agencja Billy'ego Farrella/REX/Shutterstock
Kiedy Kusama mieszkała w Matsumoto, znalazła książkę Georgii O'Keeffe i była zachwycona jej obrazami. Dziewczyna udała się do ambasady amerykańskiej w Tokio, aby znaleźć w tamtejszym katalogu artykuł o O’Keefe i poznać jej adres. Kusama napisała do niej list i przesłała kilka rysunków, na co ku jej zdziwieniu amerykańska artystka odpowiedziała.
„Nie mogłam uwierzyć w swoje szczęście! Była na tyle miła, że zareagowała na nagły wybuch uczuć skromnej Japonki, której nigdy w życiu nie spotkała i o której nawet nie słyszała” – napisała artystka w swojej autobiografii „Infinity Net”.
Yayoi Kusama na wystawie swojego butiku Louis Vuitton w Nowym Jorku w 2012 roku. Zdjęcie: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
Pomimo ostrzeżeń O'Keeffe, że życie młodych artystów w Stanach Zjednoczonych jest bardzo trudne, nie mówiąc już o samotnych młodych dziewczynach w Japonii, Kusama była nie do powstrzymania. W 1957 roku udało jej się uzyskać paszport i wizę. Wszywała do sukienek dolary, aby ominąć rygorystyczne powojenne kontrole walutowe.
Pierwszym przystankiem było Seattle, gdzie zorganizowała wystawę w małej galerii. Następnie Kusama wyjechała do Nowego Jorku, gdzie gorzko się rozczarowała. „W przeciwieństwie do powojennego Matsumoto, Nowy Jork był pod każdym względem miejscem złym i pełnym przemocy. Okazało się to dla mnie zbyt stresujące i wkrótce popadłam w nerwicę”. Co gorsza, Kusama znalazła się w całkowitej biedzie. Stare drzwi służyły jej za łóżko, a z koszy na śmieci łowiła rybie łby i zgniłe warzywa, z których przyrządzała zupę.
Instalacja Infinity Mirror Room - Miłość na zawsze („Pokój z lustrami nieskończoności - miłość na zawsze”). Zdjęcie: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Ta trudna sytuacja skłoniła Kusamę do jeszcze większego zaangażowania się w swoją pracę. Zaczęła tworzyć swoje pierwsze obrazy z cyklu Infinity Net, pokrywając ogromne płótna (jedno z nich miało 10 metrów wysokości) hipnotyzującymi falami małych pętli, które zdawały się nie mieć końca. Sama artystka opisała je następująco: „Białe sieci spowijające czarne kropki cichej śmierci na tle beznadziejnej ciemności nicości”.
Instalacja Yayoi Kusamy z okazji otwarcia nowego budynku Garażowego Muzeum Sztuki Współczesnej w Parku Gorkiego w Moskwie w 2015 roku. Zdjęcie: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
To obsesyjno-kompulsywne powtarzanie pomogło odeprzeć nerwicę, ale nie zawsze ratowało. Kusama nieustannie cierpiał na ataki psychozy i trafił do nowojorskiego szpitala. Ambitna i zdeterminowana, z radością przyjmująca rolę egzotycznej Azjatki w kimonie, dołączyła do grona wpływowych osób w sztuce i kojarzona z tak uznanymi artystami jak Mark Rothko i Andy Warhol. Kusama powiedziała później, że Warhol naśladował jej pracę.
Kusama wkrótce zyskała sławę i wystawiała swoje prace w zatłoczonych galeriach. Ponadto sława artysty stała się skandaliczna.
W latach 60., kiedy Kusama miała obsesję na punkcie kropek, zaczęła organizować w Nowym Jorku wydarzenia: prowokowała ludzi do rozbierania się do naga m.in. Park Centralny i Most Brookliński i pomalowali ich ciała w kropki.
Przed wystawą w Art Basel w Hongkongu w 2013 roku. Zdjęcie: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Dziesiątki lat przed ruchem Occupy Wall Street Kusama zorganizowała wydarzenie w dzielnicy finansowej Nowego Jorku, w którym oświadczyła, że chce „zniszczyć ludzi z Wall Street kropkami”. Mniej więcej w tym czasie zaczęła pokrywać różne przedmioty – krzesło, łódkę, wózek – fallicznymi wypukłościami. „Zaczęłam tworzyć penisy, aby wyleczyć moją niechęć do seksu” – napisała artystka, opisując, jak ten proces twórczy stopniowo zmienił to, co okropne, w coś znajomego.
Instalacja „Przechodząca zima” w Tate Gallery w Londynie. Zdjęcie: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama nigdy nie wyszła za mąż, chociaż przez dziesięć lat mieszkała w Nowym Jorku w związku przypominającym małżeństwo z artystą Josephem Cornellem. „Nie lubiłam seksu, a on był impotentem, więc bardzo do siebie pasowaliśmy” – powiedziała w wywiadzie dla Art Magazine.
Kusama zyskiwała coraz większą sławę dzięki swoim wybrykom: zaproponowała, że prześpi się z prezydentem USA Richardem Nixonem, jeśli zakończy on wojnę w Wietnamie. „Ozdobmy się nawzajem kropkami” – napisała do niego w liście. Zainteresowanie samą jej sztuką osłabło, znalazła się w niełasce i problemy finansowe zaczęły się na nowo.
Yayoi Kusama podczas retrospektywy swoich prac w Whitney Museum of Modern Art w Nowym Jorku w 2012 roku. Zdjęcie: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
Wiadomość o eskapadach Kusamy dotarła do Japonii. Zaczęto ją nazywać „katastrofą narodową”, a matka stwierdziła, że byłoby lepiej, gdyby jej córka umarła na tę chorobę w dzieciństwie. Na początku lat 70. zubożały i upadły Kusama wrócił do Japonii. Zarejestrowała się w szpitalu psychiatrycznym, gdzie mieszka do dziś, i popadła w artystyczny zapomnienie.
W 1989 roku Centrum Sztuki Współczesnej w Nowym Jorku zorganizowało retrospektywę jej twórczości. Był to początek, choć powolnego, odrodzenia zainteresowania sztuką Kusamy. Wypełniła lustrzaną salę dyniami na potrzeby instalacji, która była prezentowana na Biennale w Wenecji w 1993 i 1998 roku. główna wystawa w Muzeum Sztuki Nowoczesnej MoMa w Nowym Jorku. To tutaj zorganizowała kiedyś wydarzenie.
Na wystawie My Eternal Soul w Narodowym Centrum Sztuki w Tokio, luty 2017. Zdjęcie: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
W ciągu ostatnich kilku lat Yayoi Kusama stała się międzynarodowym fenomenem. Nowoczesna galeria Tate w Londynie i Whitney Museum w Nowym Jorku zorganizowały duże retrospektywy, które przyciągnęły ogromne rzesze zwiedzających, a jej kultowy wzór w kropki stał się bardzo rozpoznawalny.
Na wystawie My Eternal Soul w Narodowym Centrum Sztuki w Tokio, luty 2017. Zdjęcie: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Artystka nie planuje przerywać pracy, ale zaczęła myśleć o swojej śmiertelności. „Nie wiem, jak długo uda mi się przeżyć nawet po śmierci. W moje ślady pójdzie następne pokolenie. Byłoby dla mnie zaszczytem, gdyby ludziom podobało się oglądanie moich prac i poruszała ich moja twórczość”.
Na wystawie My Eternal Soul w Narodowym Centrum Sztuki w Tokio, luty 2017. Zdjęcie: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Pomimo komercjalizacji jej sztuki Kusama myśli o grobie w Matsumoto – nie w rodzinnej krypcie, bo i tak odziedziczyła go po rodzicach – i o tym, jak nie zamienić go w świątynię. „Ale ja jeszcze nie umieram. Myślę, że pożyję jeszcze 20 lat” – mówi.
Na wystawie My Eternal Soul w Narodowym Centrum Sztuki w Tokio, luty 2017. Zdjęcie: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Czy lubisz malarstwo japońskie? Jak dużo wiesz o znanych japońskich artystach? Przyjrzyjmy się w tym artykule najsłynniejszym japońskim artystom, którzy tworzyli swoje dzieła w stylu ukiyo-e (浮世絵). Ten styl malarstwa rozwinął się z okresu Edo. Hieroglify użyte do napisania tego stylu 浮世絵 dosłownie oznaczają „obrazy (obrazy) zmieniającego się świata”, możesz przeczytać więcej o tym kierunku malarstwa
Hishikawy Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Uważany za twórcę gatunku ukiyo-e, choć tak naprawdę jest dopiero pierwszym mistrzem, któremu udało się zachować życie Informacje biograficzne. Moronobu urodził się w rodzinie mistrza farbowania tkanin i haftowania złotem srebrne nici i od dawna zajmuje się rzemiosłem rodzinnym, dlatego cechą charakterystyczną jego twórczości są pięknie zdobione stroje piękności, dające wspaniały efekt artystyczny.
Po przeprowadzce do Edo najpierw samodzielnie uczył się technik malarskich, a następnie kontynuował je artysta Kambun.
Dotarły do nas głównie albumy Moronobu, w których przedstawia on tematykę historyczną i tematy literackie i książki z wzorami kimon. Mistrz zajmował się także gatunkiem shunga, a spośród pojedynczych dzieł zachowało się kilka przedstawiających piękne kobiety. 
(鳥居清長, 1752-1815). Uznany pod koniec XVIII w. mistrz Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosił pseudonim Torii Kiyonaga, który przyjął po odziedziczeniu szkoły ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsu po jej śmierci.
Kiyonaga urodził się w rodzinie księgarza Shirakoyi Ishibei. Największą sławę przyniósł mu gatunek bijinga, choć zaczynał od yakusha-e. Tematy rycin z gatunku bijinga zostały zaczerpnięte z Życie codzienne: spacery, świąteczne procesje, wycieczki na łono natury. Wśród wielu prac artysty znalazła się seria „Konkursy modnych piękności z zabawne dzielnice„, przedstawiający Minami, jedną z „zabawnych dzielnic” na południu Edo, „12 portretów piękności z południa”, „10 rodzajów herbaciarni”. Osobliwość Mistrzem było szczegółowe studium widoku tła i wykorzystania technik pochodzących z Zachodu do przedstawiania światła i przestrzeni.
Kiyonaga zyskała początkową sławę dzięki wznowieniu w 1782 roku serii „Próbki mody: modele nowe jak wiosenne liście”, zapoczątkowanej przez Koryusai w latach siedemdziesiątych XVIII wieku dla wydawcy Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Na tego wybitnego mistrza ukiyo-e znaczący wpływ wywarli Torii Kiyonaga i wydawca Tsutaya Juzaburo. W wyniku wieloletniej współpracy z tym ostatnim ukazało się wiele albumów, książek z ilustracjami i cyklami rycin.
Pomimo tego, że Utamaro czerpał tematy z życia prostych rzemieślników i starał się przedstawiać naturę („Księga owadów”), sławę zyskał jako twórca dzieł poświęconych gejszom dzielnicy Yoshiwara („Rocznik Yoshiwara Green Houses ”).
Dotarł do Utamaro wysoki poziom w wyrażaniu stanów psychicznych na papierze. Po raz pierwszy w drzeworytach japońskich zaczął wykorzystywać kompozycje popiersiowe.
To twórczość Utamaro wywarła wpływ na francuskich impresjonistów i przyczyniła się do europejskiego zainteresowania grafiką japońską.
(葛飾北斎, 1760-1849). Prawdziwe imię Hokusai to Tokitaro. Prawdopodobnie najbardziej znany mistrz ukiyo-e na całym świecie. W swojej karierze posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami. Historycy często używają pseudonimów, aby periodyzować jego twórczość.
Początkowo Hokusai pracował jako rzeźbiarz, którego twórczość była ograniczona zamierzeniami artysty. Fakt ten mocno zaciążył na Hokusai i zaczął szukać siebie jako niezależnego artysty.
W 1778 roku został uczniem w pracowni Katsukawa Shunsho, która specjalizowała się w drukach yakusha-e. Hokusai był zarówno utalentowanym, jak i bardzo pilnym uczniem, który zawsze okazywał szacunek swojemu nauczycielowi i dlatego cieszył się szczególną przychylnością Shunsho. Zatem pierwszy niezależna praca Hokusai należały do gatunku yakusha-e w postaci dyptyków i tryptyków, a popularność ucznia dorównywała popularności nauczyciela. W tym czasie młody mistrz rozwinął już swój talent na tyle, że czuł się ciasno w jednej szkole, a po śmierci nauczyciela Hokusai opuścił pracownię i studiował kierunki innych szkół: Kano, Sotatsu (inaczej Koetsu), Rimpa, Tosa.
W tym okresie artysta przeżywa znaczące przeżycia problemy finansowe. Ale jednocześnie ma miejsce jego formacja na mistrza, który odrzuca zwykły wizerunek, którego domagało się społeczeństwo i szuka własnego własny styl.
W 1795 roku światło dzienne ujrzały ilustracje do antologii poetyckiej „Keka Edo Murasaki”. Następnie Hokusai namalował obrazy surimono, które natychmiast stały się popularne i wielu artystów zaczęło je naśladować.
Od tego okresu Tokitaro zaczął podpisywać swoje dzieła imieniem Hokusai, chociaż niektóre jego dzieła publikowane były pod pseudonimami Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
W 1800 roku mistrz zaczął nazywać siebie Gakejin Hokusai, co oznaczało „Szalony Hokusai Malarstwa”.
Do znanych serii ilustracji zalicza się „36 widoków na górę Fuji”, z których najbardziej godne uwagi są „Wiatr Zwycięstwa. Pogodny dzień” lub „Czerwone Fuji” i „ Wielka fala w Kanagawie”, „100 widoków na górę Fuji”, wydany w trzech albumach, „Hokusai’s Manga” (北斎漫画), zwany „encyklopedią narodu japońskiego”. Artysta włożył w „Mangę” wszystkie swoje poglądy na twórczość i filozofię. „Manga” jest najważniejszym źródłem do studiowania życia w Japonii w tamtym czasie, ponieważ obejmuje wiele aspektów kulturowych. Za życia artysty ukazało się łącznie dwanaście numerów, a po jego śmierci trzy kolejne:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (po śmierci artysty)
Sztuka Hokusai wywarła wpływ na takie ruchy europejskie, jak secesja i francuski impresjonizm.
(河鍋暁斎, 1831-1889). Używał pseudonimów Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin i uczył się w szkole Kano.
W przeciwieństwie do Hokusai, Kyosai był dość bezczelny, co spowodowało jego rozłam z artystą Tsuboyamą Tozanem. Po szkole został samodzielnym mistrzem, chociaż czasami uczęszczał do szkoły przez kolejne pięć lat. W tym czasie malował kyogę, tzw. „szalone obrazy”.
Do wybitnych dzieł rycin należy Sto obrazów Kyosai. Jako ilustrator Kyosai tworzy obrazy do opowiadań i powieści we współpracy z innymi artystami.
Pod koniec XIX wieku Europejczycy często odwiedzali Japonię. Część z nich artysta znał, a kilka jego prac znajduje się obecnie w British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Pracował pod pseudonimem Ando Hiroshige (安藤広重) i jest znany z subtelnego przedstawiania motywów naturalnych i Zjawiska naturalne. W wieku dziesięciu lat namalował swój pierwszy obraz „Góra Fuji w śniegu”, który obecnie znajduje się w Muzeum Suntory w Tokio. Przedmioty wczesne prace oparty na prawdziwych wydarzeniach dziejących się na ulicach. Jego słynne cykle: „100 widoków na Edo”, „36 widoków na górę Fuji”, „53 stacje Tokaido”, „69 stacji Kimokaido”, „100 słynnych widoków na Edo”. Pod wpływem Moneta i rosyjskiego artysty Bilibina duży wpływ„53 stacje drogi Tokaido” napisane po podróży East Coast Road oraz „100 widoków na Edo”. Z serii 25 rycin z gatunku kate-ga najbardziej znany jest arkusz „Wróble nad ośnieżoną kamelią”.
(歌川国貞, znany również jako Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Jeden z najbardziej wybitni artyści ukiyo-e.
płatny Specjalna uwaga aktorom kabuki i samemu teatrowi – to około 60% wszystkich prac. Znane są także prace z gatunku bijinga oraz portrety zapaśników sumo. Wiadomo, że stworzył od 20 do 25 tysięcy działek, które obejmowały 35-40 tysięcy arkuszy. Rzadko zwracał się w stronę krajobrazów i wojowników. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798-1861). Urodzony w rodzinie farbiarza jedwabiu. Kuniyoshi zaczął uczyć się rysować w wieku dziesięciu lat, mieszkając z rodziną artystów Kuninao. Następnie kontynuował naukę u Katsukawy Shun'ei, a w wieku 13 lat rozpoczął naukę w warsztacie Tokuyoni. Pierwsze lata młody artysta sprawy nie układają się dobrze. Jednak po otrzymaniu zamówienia od wydawcy Kagayi Kichibei na pięć egzemplarzy serii 108 Suikoden Heroes, sprawy zaczęły nabierać tempa. Tworzy resztę postaci z serii, a następnie przechodzi do kolejnych różne prace, a piętnaście lat później stoi na równi z Utagawą Hiroshige i Utagawą Kunisada.
Po wprowadzeniu w 1842 roku zakazu wizerunków scen teatralnych, aktorów, gejsz i kurtyzan, Kuniyoshi napisał cykl „kotów”, wykonał ryciny z serii edukacyjnej dla gospodyń domowych i dzieci, przedstawiające bohaterowie narodowi w cyklu „Tradycje, moralność i przyzwoitość”, a na przełomie lat 40. i 50. XIX w., po złagodzeniu zakazów, artysta powrócił do tematu kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Znany ze swoich dzieł z gatunku bijinga. Do jego najlepszych dzieł należą portrety typu okubi-e („wielkie głowy”), które uważane są za przykłady kunsztu epoki Bunsei (1818-1830), kiedy gatunek ukiyo-e podupadał. Artysta namalował wiele lirycznych i erotycznych surimono, a także cykl pejzaży „Sześćdziesiąt dziewięć stacji Kisokaido”, którego nie udało mu się ukończyć i dokończył Hiroshige.
Nowość w przedstawieniu bijingi polegała na zmysłowości, jakiej nie widziano wcześniej u innych artystów. Z jego dzieł możemy zrozumieć modę tamtych czasów. Opublikował także biografie Czterdziestu Siedmiu Roninów i napisał kilka innych książek, w tym The History of Ukiyo-e Printings (Ukiyo-e ruiko), zawierającą biografie artystów. Z kolei w Notatkach Bezimiennego Starszego opisał siebie jako zdeprawowanego pijaka i byłego właściciela burdelu w Nedzu, który doszczętnie spłonął w latach trzydziestych XIX wieku.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Prawdziwe imię artysty to Hozumi Jirobei. Jest odkrywcą druku polichromowanego ukiyo-e. Uczęszczał do szkoły Kano i studiował malarstwo. Następnie, pod wpływem Shigenagi Nishimury i Torii Kiyomitsu, drzeworyt stał się jego hobby. Od początków XVIII wieku wykonywano ryciny w dwóch lub trzech kolorach, a Harunobu zaczął malować w dziesięciu kolorach, używając trzech desek i łącząc trzy kolory - żółty, niebieski i czerwony.
Celował w przedstawianiu scen ulicznych i obrazów z gatunku shunga. Od lat sześćdziesiątych XVIII wieku był jednym z pierwszych, którzy wcielili się w aktorów Kabuki. Jego twórczość wywarła wpływ na E. Maneta i E. Degasa.
(小原古邨, 1877 - 1945). Jego prawdziwe imię to Matao Ohara. Przedstawione sceny z wojen rosyjsko-japońskich i chińsko-japońskich. Jednak po ukazaniu się fotografii jego prace zaczęły się słabo sprzedawać, a on zaczął zarabiać na życie, ucząc w szkole sztuki piękne w Tokio. W 1926 roku Ernest Felloza, kurator sztuki japońskiej przy ul Muzeum Bostońskie, namówił Oharę do powrotu do malarstwa, a artysta zaczął przedstawiać ptaki i kwiaty, a jego prace sprzedawały się dobrze za granicą. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Wyróżniał się na tle innych artystów ekscentrycznością i stylem życia, na który składała się przyjaźń z wieloma osobistościami kultury i religii tamtych czasów. Bardzo obrazowo przedstawiał zwierzęta, kwiaty i ptaki egzotyczna forma. Był bardzo znany i przyjmował zamówienia na malowanie parawanów i obrazów świątynnych.
(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z najważniejszych przedstawicieli wczesnego okresu ukiyo-e. Pomimo wielkiego wpływu swojego nauczyciela Hishikawy Monorobu, stał się założycielem gatunku yakusha-e w przedstawianiu plakatów i plakatów oraz wynalazł własny styl. Aktorzy zostali przedstawieni w specjalnych pozach jako odważni bohaterowie i zostali namalowani 
szlachetny kolor pomarańczowy i wciągnięto złoczyńców niebieskie kolory. Aby przedstawić pasję, artysta wymyślił specjalny typ Rysunki Mimizugaki to kręte linie z naprzemiennymi cienkimi i grubymi pociągnięciami, połączone z groteskowym obrazem mięśni kończyn.
Torii Kiyonobu jest założycielką dynastii artystów Torii. Jego uczniami byli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I i Torii Kiyomitsu.
Kto jest Twoim ulubionym artystą ukiyo-e?
Język japoński różni się od innych języków europejskich swoją strukturą, co może powodować pewne trudności w nauce. Jednak nie martw się! Specjalnie dla Ciebie przygotowaliśmy kurs „”, na który możesz zapisać się już teraz!
Malarstwo japońskie jest absolutnie wyjątkowym kierunkiem w sztuce światowej. Istniał od czasów starożytnych, ale zgodnie z tradycją nie stracił na popularności i zdolności zaskakiwania.
Uwaga na tradycje
Wschód to nie tylko krajobrazy, góry i wschodzące słońce. To także ludzie, którzy stworzyli jego historię. To właśnie ci ludzie od wielu wieków wspierają tradycję malarstwa japońskiego, rozwijając i udoskonalając jego sztukę. Ci, którzy wnieśli znaczący wkład w historię, to japońscy artyści. Dzięki nim nowożytni zachowali wszystkie kanony tradycyjnego malarstwa japońskiego.
Sposób wykonania obrazów
W przeciwieństwie do Europy japońscy artyści woleli malować bliżej grafiki niż malarstwa. W takich obrazach nie znajdziesz szorstkich, nieostrożnych pociągnięć olejem, tak charakterystycznych dla impresjonistów. Jaka jest graficzna natura takich dzieł sztuki, jak japońskie drzewa, skały, zwierzęta i ptaki - wszystko na tych obrazach jest narysowane tak wyraźnie, jak to możliwe, za pomocą solidnych i pewnych linii atramentu. Wszystkie obiekty w kompozycji muszą mieć kontur. Wypełnienie wnętrza konturu najczęściej wykonuje się akwarelami. Kolor zostaje wypłukany, dodane są inne odcienie, a gdzieś zostaje kolor papieru. Dekoracyjność jest właśnie tym, co odróżnia malarstwo japońskie od sztuki całego świata.
Kontrasty w malarstwie
Kontrast to kolejna charakterystyczna technika stosowana przez japońskich artystów. Może to być różnica w odcieniu, kolorze lub kontraście ciepłych i chłodnych odcieni.
Artysta sięga po tę technikę, gdy chce podkreślić jakiś element tematu. Może to być żyła na roślinie, oddzielny płatek lub pień drzewa na tle nieba. Następnie przedstawiana jest jasna, oświetlona część obiektu i cień pod nim (lub odwrotnie).
Przejścia i rozwiązania kolorystyczne
Podczas malowania obrazów japońskich często stosuje się przejścia. Mogą być różne: na przykład z jednego koloru na drugi. Na płatkach lilii wodnych i piwonii można zauważyć przejście od jasnego odcienia do bogatego, jasnego koloru.
Przejścia wykorzystuje się także w obrazie powierzchni wody i nieba. Bardzo pięknie prezentuje się płynne przejście od zachodu słońca do ciemnego, pogłębiającego się zmierzchu. Podczas rysowania chmur stosowane są również przejścia z różnych odcieni i refleksów.
Podstawowe motywy malarstwa japońskiego
W sztuce wszystko jest ze sobą powiązane prawdziwe życie, z uczuciami i emocjami osób w nie zaangażowanych. Podobnie jak w literaturze, muzyce i innych przejawach kreatywności, w malarstwie jest ich kilka wieczne tematy. Są to tematy historyczne, wizerunki ludzi i przyrody.
Japońskie krajobrazy występują w wielu odmianach. Często na obrazach pojawiają się wizerunki stawów – ulubionego mebla Japończyków. Ozdobny staw, w pobliżu kilka lilii wodnych i bambusów – tak wygląda typowy obraz z XVII-XVIII wieku.
Zwierzęta w malarstwie japońskim
Zwierzęta są także często powracającym elementem malarstwa azjatyckiego. Tradycyjnie jest to grasujący tygrys lub kot domowy. Ogólnie rzecz biorąc, Azjaci bardzo lubią i dlatego ich przedstawiciele znajdują się we wszystkich formach sztuki orientalnej.
Świat fauny to kolejny temat, który następuje malarstwo japońskie. Ptaki - żurawie, papugi ozdobne, luksusowe pawie, jaskółki, niepozorne wróble, a nawet koguty - wszystkie można znaleźć na rysunkach orientalnych mistrzów.
Ryby to równie istotny temat Japońscy artyści. Karp Koi to japońska wersja złotej rybki. Te stworzenia żyją w Azji we wszystkich stawach, nawet w małych parkach i ogrodach. Karp Koi to rodzaj tradycji, która należy wyłącznie do Japonii. Ryby te symbolizują walkę, determinację i osiągnięcie celu. Nie bez powodu przedstawia się je unoszące się z prądem, zawsze z ozdobnymi grzbietami fal.
Malarstwo japońskie: przedstawianie ludzi
Tematem szczególnym są ludzie w malarstwie japońskim. Artyści przedstawiali gejsze, cesarzy, wojowników i starszych.
Gejsze są przedstawiane w otoczeniu kwiatów, zawsze ubrane w wyszukane szaty z wieloma fałdami i elementami.
Mędrcy są przedstawiani siedzących lub wyjaśniających coś swoim uczniom. Wizerunek starego naukowca jest symbolem historii, kultury i filozofii Azji.
Wojownik był przedstawiany jako potężny, czasem przerażający. Długie były szczegółowo narysowane i wyglądały jak drut.
Zwykle wszystkie szczegóły zbroi są wyjaśniane za pomocą atramentu. Często nadzy wojownicy są ozdobieni tatuażami przedstawiającymi wschodniego smoka. Jest symbolem siły i siła militarna Japonia.
Władcy byli przedstawiani dla rodzin cesarskich. Piękne stroje i ozdoby w męskich włosach to dzieła sztuki, w których nie brakuje.
Krajobrazy
Tradycyjny japoński krajobraz- góry. Malarzom azjatyckim udało się przedstawić różnorodne krajobrazy: ten sam szczyt potrafią przedstawić w różnych kolorach, z różną atmosferą. Jedyne, co pozostaje niezmienne, to obowiązkowa obecność kwiatów. Zwykle wraz z górami artysta przedstawia na pierwszym planie jakąś roślinę i szczegółowo ją rysuje. Góry i kwiaty wiśni wyglądają pięknie. A jeśli malują opadające płatki, obraz budzi podziw dla jego smutnego piękna. Kontrast w atmosferze obrazu to kolejna wspaniała cecha kultury japońskiej.
Hieroglify
Często kompozycja obrazu w malarstwie japońskim łączy się z pismem. Hieroglify ułożone są tak, aby kompozycyjnie wyglądały pięknie. Zwykle rysuje się je po lewej lub prawej stronie obrazu. Hieroglify mogą przedstawiać to, co jest przedstawione na obrazie, jego tytuł lub nazwisko artysty.
Japonia jest jednym z najbogatszych krajów pod względem historii i kultury. Na całym świecie Japończycy są powszechnie uważani za ludzi pedantycznych, którzy odnajdują estetykę w absolutnie wszystkich przejawach życia. Dlatego japońskie obrazy są zawsze bardzo harmonijne pod względem koloru i tonu: jeśli są plamy jakiegoś jasnego koloru, to tylko w centrach semantycznych. Na przykładzie obrazów artystów azjatyckich można uczyć się teorii koloru, prawidłowego przedstawiania formy za pomocą grafiki i kompozycji. Technika wykonania malarstwa japońskiego jest na tyle wysoka, że może służyć jako przykład pracy z akwarelami i wykonywania „prania” prac graficznych.
Ma bardzo bogatą historię; jego tradycja jest rozległa, a wyjątkowa pozycja Japonii na świecie ma ogromny wpływ na dominujące style i techniki japońskich artystów. Znany fakt To, że Japonia była dość odizolowana przez wiele stuleci, wynika nie tylko z położenia geograficznego, ale także z dominującej japońskiej tendencji kulturowej do izolacji, która naznaczyła historię kraju. Przez stulecia istnienia tego, co moglibyśmy nazwać „cywilizacją japońską”, kultura i sztuka rozwijały się oddzielnie od tych w pozostałej części świata. I jest to nawet zauważalne w praktyce malarstwa japońskiego. Na przykład obrazy Nihonga należą do głównych dzieł japońskiej praktyki malarskiej. Opiera się na ponad tysiącletniej tradycji, a obrazy powstają najczęściej za pomocą pędzli na vashi (papier japoński) lub egina (jedwab).
Jednak japońska sztuka i malarstwo pozostają pod wpływem zagranicznych praktyk artystycznych. Po pierwsze, była to sztuka chińska XVI wieku i Sztuka chińska oraz chińska tradycja artystyczna, która wywarła szczególny wpływ pod kilkoma względami. Od XVII wieku na malarstwo japońskie wpływały także tradycje zachodnie. Szczególnie w okresie przedwojennym, który trwał od 1868 do 1945 roku, na malarstwo japońskie wpływał impresjonizm i Europejski romantyzm. Jednocześnie na nowe europejskie ruchy artystyczne duży wpływ miała także Japończycy techniki artystyczne. W historii sztuki wpływ ten nazywany jest „japoństwem” i ma szczególne znaczenie dla impresjonistów, kubistów i artystów kojarzonych z modernizmem.
Długa historia Malarstwo japońskie można postrzegać jako syntezę kilku tradycji, które tworzą elementy uznanej japońskiej estetyki. Przede wszystkim sztuka i metody malarstwa buddyjskiego, a także malarstwo religijne, odcisnęły znaczące piętno na estetyce malarstwa japońskiego; malowanie pejzaży tuszem wodnym w tradycji chińskiego malarstwa literackiego to kolejny ważny element rozpoznawalny w wielu znanych japońskich obrazach; Z kompozycjami japońskimi powszechnie kojarzą się obrazy zwierząt i roślin, zwłaszcza ptaków i kwiatów, podobnie jak pejzaże i sceny z życia codziennego. Wreszcie, starożytne idee piękna zaczerpnięte z filozofii i kultury starożytnej Japonii wywarły ogromny wpływ na malarstwo japońskie. Wabi, co oznacza przemijające i surowe piękno, sabi (piękno naturalnej patyny i starzenia) oraz yugen (głęboki wdzięk i subtelność) w dalszym ciągu wpływają na ideały w praktyce malarstwa japońskiego.
Na koniec, jeśli skoncentrujemy się na wyborze dziesięciu najsłynniejszych japońskich arcydzieł, nie sposób nie wspomnieć o ukiyo-e, które jest jednym z najpopularniejszych gatunków sztuki w Japonii, mimo że należy do grafiki. Dominował w sztuce japońskiej od XVII do XIX wieku, a artyści należący do tego gatunku tworzyli drzeworyty i obrazy o tematyce m.in. piękne dziewczyny, aktorzy kabuki i zapaśnicy sumo, a także sceny z historii i ludowe opowieści, sceny z podróży i krajobrazy, flora i fauna, a nawet erotyka.
Zawsze trudno jest stworzyć listę najlepsze obrazy z tradycji artystycznych. Wiele niesamowitych dzieł zostanie wykluczonych; jednak na tej liście znajduje się dziesięć najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów na świecie. W artykule zaprezentowane zostaną jedynie obrazy powstałe od XIX wieku do współczesności.
Malarstwo japońskie ma niezwykle bogatą historię. Na przestrzeni wieków japońscy artyści opracowali wiele unikalnych technik i stylów, które stanowią najcenniejszy wkład Japonii w świat sztuki. Jedną z takich technik jest sumi-e. Sumi-e dosłownie oznacza „rysunek tuszem” i łączy kaligrafię i malowanie tuszem, tworząc rzadkie piękno kompozycji rysowanych pędzlem. To piękno jest paradoksalne - starożytne, ale nowoczesne, proste, ale złożone, odważne, ale stonowane, niewątpliwie odzwierciedlające duchowe podstawy sztuki buddyzmu zen. Kapłani buddyjscy sprowadzili do Japonii bloki stałego atramentu i pędzle bambusowe z Chin w VI wieku, a w ciągu ostatnich 14 wieków Japonia rozwinęła bogate dziedzictwo malarstwa tuszem.
Przewiń w dół i zobacz 10 arcydzieł malarstwa japońskiego
1. Katsushika Hokusai „Sen żony rybaka”
Jednym z najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów jest „Sen żony rybaka”. Został namalowany w 1814 roku przez słynnego artystę Hokusai. Jeśli będziesz przestrzegać ścisłych definicji, to Wspaniała robota Hokusai nie można uznać za obraz, gdyż jest to drzeworyt z gatunku ukiyo-e z książki Młode sosny (Kinoe no Komatsu), będącej trzytomową księgą shunga. Kompozycja przedstawia młodego nurka ama splecionego seksualnie z parą ośmiornic. Obraz ten wywarł duży wpływ na XIX i XX wiek. Dzieło wywarło wpływ na późniejszych artystów, takich jak Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro pisze nostalgiczny wiersz, obserwując księżyc”
Tessai Tomioka to pseudonim słynnego japońskiego artysty i kaligrafa. Uważany jest za ostatniego ważnego artystę tradycji bunjing i jednego z pierwszych głównych artystów stylu Nihonga. Bunjinga była szkołą malarstwa japońskiego, która rozkwitła pod koniec epoki Edo wśród artystów uważających się za literatów lub intelektualistów. Każdy z tych artystów, łącznie z Tessaya, wypracował swój własny styl i technikę, ale wszyscy byli wielkimi fanami sztuka chińska i kultura.
3. Fujishima Takeji „Wschód słońca nad Morzem Wschodnim”
Fujishima Takeji był japońskim artystą znanym z pracy nad rozwojem romantyzmu i impresjonizmu w ruchu artystycznym jogi (w stylu zachodnim) w koniec XIX- początek XX wieku. W 1905 roku udał się do Francji, gdzie pozostawał pod wpływem ówczesnych ruchów francuskich, zwłaszcza impresjonizmu, co widać na obrazie Wschód słońca nad Morzem Wschodnim namalowanym w 1932 roku.
4. Kitagawa Utamaro „Dziesięć typów kobiecych twarzy, zbiór rządzących piękności”
Kitagawa Utamaro był wybitnym japońskim artystą, który urodził się w 1753 r., a zmarł w 1806 r. Z pewnością najbardziej znany jest z serialu „Dziesięć typów”. kobiece twarze. Zbiór dominujących piękności, wielkie motywy miłosne poezji klasycznej” (czasami nazywany „Zakochanymi kobietami”, zawierający osobne ryciny „Naga miłość” i „Miłość zamyślona”). Jest jednym z najważniejszych artystów należących do gatunku drzeworytu ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tygrys”
Kawanabe Kyosai był jednym z najsłynniejszych japońskich artystów okresu Edo. Na jego twórczość wpłynęła twórczość Tohaku, XVI-wiecznego malarza ze szkoły Kano, który jako jedyny artysta swoich czasów malował ekrany w całości tuszem na delikatnym tle sproszkowanego złota. Chociaż Kyosai jest znany jako rysownik, napisał kilka z nich znane obrazy V Historia Japonii sztuka XIX wieku wiek. „Tygrys” to jeden z tych obrazów, do stworzenia których Kyosai użył akwareli i tuszu.
6. Hiroshi Yoshida „Fuji znad jeziora Kawaguchi”
Hiroshi Yoshida jest znany jako jedna z głównych postaci stylu Shin-hanga (Shin-hanga to ruch artystyczny w Japonii początku XX wieku, w okresie Taisho i Showa, który odrodził się Sztuka tradycyjna ukiyo-e, które zakorzeniło się w okresach Edo i Meiji (XVII - XIX wiek)). Szkolił się w tradycji zachodniego malarstwa olejnego, przejętego z Japonii w okresie Meiji.
7. Takashi Murakami „727”
Takashi Murakami jest prawdopodobnie najpopularniejszym japońskim artystą naszych czasów. Jego prace sprzedają się za astronomiczne ceny. główne aukcje, a kreatywność już inspiruje nowe pokolenia artystów nie tylko w Japonii, ale także za granicą. Sztuka Murakamiego obejmuje szereg mediów i jest zwykle opisywana jako superpłaska. Jego prace znane są z używania koloru, włączając motywy z japońskiej kultury tradycyjnej i popularnej. Treść jego obrazów często określana jest jako „urocza”, „psychedeliczna” lub „satyryczna”.
8. Yayoi Kusama „Dynia”
Yaoi Kusama jest również jednym z najbardziej znanych Japońscy artyści. Tworzy w różne techniki, w tym malarstwo, kolaż, rzeźba scat, performance, sztuka środowiskowa i instalacja, z których większość ukazuje jej tematyczne zainteresowanie psychodelicznym kolorem, powtórzeniem i wzorem. Jedną z najbardziej znanych serii tego wielkiego artysty jest seria „Dynia”. Na siatkowym tle pokryta wzorem w kropki zwykła dynia w kolorze jasnożółtym. Łącznie wszystkie te elementy tworzą język wizualny, który jest niewątpliwie wierny stylowi artysty i był rozwijany i udoskonalany przez dziesięciolecia żmudnej produkcji i reprodukcji.
9. Tenmyoya Hisashi „Japoński duch nr 14”
Tenmyoya Hisashi to współczesny japoński artysta znany ze swoich obrazów w stylu neo-nihonga. Brał udział w odrodzeniu stara tradycja Malarstwo japońskie, będące całkowitym przeciwieństwem współczesnego malarstwa japońskiego. W 2000 roku stworzył także swój nowy styl butouha, który wykazuje silną postawę wobec władzy systemie artystycznym poprzez swoje obrazy. W ramach projektu powstał „Japoński Duch nr 14”. schemat artystyczny„BASARA”, interpretowane w japońska kultura jako buntownicze zachowanie niższej arystokracji w okresie Walczących Królestw, mające na celu pozbawienie władzy możliwości osiągnięcia idealny obrazżycia, ubierając się w luksusowe i luksusowe ubrania oraz zachowując się z wolnej woli, a nie zgodnie ze swoją klasą społeczną.
10. Katsushika Hokusai „Wielka fala u wybrzeży Kanagawy”
Wreszcie Wielka fala w Kanagawie jest prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalnym japońskim obrazem, jaki kiedykolwiek namalowano. To właściwie najwięcej słynne dzieło sztuka stworzona w Japonii. Przedstawia ogromne fale zagrażające łodziom u wybrzeży prefektury Kanagawa. Choć czasami mylona jest z tsunami, fala, jak sugeruje tytuł obrazu, jest najprawdopodobniej po prostu nienormalnie wysoka. Obraz wykonany jest w tradycji ukiyo-e.
Od: