Jeden z głównych sposobów myślenia. Jej efektem jest edukacja jak najbardziej Pojęcia ogólne i sądy (abstrakcje). W sztuce dekoracyjnej abstrakcja to proces stylizacji form naturalnych.
W działalność artystyczna abstrakcja jest zawsze obecna; w swym skrajnym wyrazie sztuki piękne prowadzi to do abstrakcjonizmu, szczególnego nurtu w sztukach wizualnych XX wieku, który charakteryzuje się odrzuceniem obrazu rzeczywistych przedmiotów, ostatecznym uogólnieniem lub całkowitym odrzuceniem formy, nieobiektywnych kompozycji (z linii, kropek, plam , samoloty itp.), eksperymenty z kolorem, spontaniczna ekspresja wewnętrzny spokój artysta, jego podświadomość w chaotycznych, niezorganizowanych formach abstrakcyjnych (ekspresjonizm abstrakcyjny). Do tego kierunku można przypisać obrazy rosyjskiego artysty W. Kandinskiego.
Przedstawiciele niektórych nurtów sztuki abstrakcyjnej tworzyli logicznie uporządkowane struktury, nawiązując do poszukiwań racjonalnej organizacji form w architekturze i designie (suprematyzm rosyjskiego malarza K. Malewicza, konstruktywizm itp.) Abstrakcjonizm wyrażał się mniej w rzeźbie niż w obraz.
Abstrakcjonizm był odpowiedzią na ogólną dysharmonię nowoczesny świat i odniósł sukces, ponieważ głosił odrzucenie w sztuce świadomości i nawoływał do „rezygnacji z inicjatywy na rzecz form, kolorów, koloru”.
Realizm
Od ks. realizm, od łac. realis – prawdziwy. W sztuce szeroko pojętej prawdziwe, obiektywne, wszechstronne odzwierciedlenie rzeczywistości za pomocą specyficznych środków właściwych rodzajom twórczości artystycznej.
Cechą wspólną metody realizmu jest niezawodność w reprodukcji rzeczywistości. Jednocześnie sztuka realistyczna ma ogromną różnorodność sposobów poznania, uogólnienia, artystycznego odzwierciedlenia rzeczywistości (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. . Korin i inni)
Sztuka realistyczna XX wieku. nabiera jasności cechy narodowe i różnorodność form. Realizm jest przeciwieństwem modernizmu.
awangarda
Od ks. avant – Advanced, garde – dystans – pojęcie określające eksperymentalne, modernistyczne przedsięwzięcia w sztuce. W każdej epoce pojawiały się nowatorskie zjawiska w sztukach wizualnych, jednak termin „awangarda” ugruntował się dopiero na początku XX wieku. W tym czasie pojawiły się takie trendy jak fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm. Następnie, w latach 20. i 30., awangardowe pozycje zajął surrealizm. W latach 60. i 70. dodano nowe odmiany abstrakcjonizmu - różne formy akcjonizm, praca z obiektem (pop-art), sztuka konceptualna, fotorealizm, kinetyzm itp. Artyści awangardowi wyrażają własny protest przeciwko tradycyjna kultura.
We wszystkich awangardowych kierunkach, pomimo ich duża różnorodność, Można wyróżnić wspólne cechy: odrzucenie norm klasycznego obrazu, nowość formalna, deformacja form, ekspresja i różnorodne transformacje gier. Wszystko to prowadzi do zatarcia granic pomiędzy sztuką a rzeczywistością (ready-made, instalacja, środowisko), powstania ideału dzieła otwartego, bezpośrednio wkraczającego w środowisko. Sztuka awangardy nastawiona jest na dialog artysty z widzem, aktywną interakcję człowieka z dziełem sztuki, uczestnictwo w twórczości (np. sztuka kinetyczna, dzieje się itp.).
Dzieła nurtów awangardowych czasami tracą swój malarski rodowód i utożsamiane są z obiektami otaczającej rzeczywistości. Współczesne trendy awangardowe są ze sobą ściśle powiązane, tworząc nowe formy sztuki syntetycznej.
pod ziemią
język angielski underground - podziemie, loch. Pojęcie oznaczające kulturę „podziemną”, która sprzeciwiała się konwencjom i ograniczeniom kultury tradycyjnej. Wystawy artystów tego kierunku często odbywały się nie w salonach i galeriach, ale bezpośrednio na ziemi, a także w przejściach podziemnych lub metrze, które w wielu krajach nazywane jest podziemiem (podziemiem). Prawdopodobnie, tę okoliczność wpłynęło również na to, że za tym nurtem w sztuce XX wieku stał. nazwa została zatwierdzona.
W Rosji pojęcie undergroundu stało się określeniem społeczności artystów reprezentujących sztukę nieoficjalną.
Surrealizm
ks. surrealizm - superrealizm. Kierunek w literaturze i sztuce XX wieku. założona w latach dwudziestych XX wieku. Powstały we Francji z inicjatywy pisarza A. Bretona surrealizm szybko stał się trendem międzynarodowym. Surrealiści wierzyli, że twórcza energia pochodzi ze sfery podświadomości, która objawia się podczas snu, hipnozy, bolesnego delirium, nagłych wglądów, automatycznych działań ( przypadkowy spacer ołówek na papierze itp.)
Artyści surrealistyczni, w przeciwieństwie do abstrakcjonistów, nie rezygnują z przedstawiania przedmiotów rzeczywistych, ale przedstawiają je w chaosie, celowo pozbawionym logicznych powiązań. Brak znaczenia, odrzucenie rozsądnego odzwierciedlenia rzeczywistości to główna zasada sztuki surrealizmu. O oderwaniu się od prawdziwe życie już sama nazwa kierunku mówi: „sur” po francusku „powyżej”; artyści nie udawali, że odzwierciedlają rzeczywistość, ale mentalnie umieszczali swoje dzieła „ponad” realizmem, przedstawiając urojeniowe fantazje jako dzieła sztuki. Wśród obrazów surrealistycznych znalazły się więc podobne, niewytłumaczalne dzieła M. Ernsta, J. Miro, I. Tanguya, a także przedmioty przetworzone nie do poznania przez surrealistów (M. Oppenheim).
Surrealistyczny kierunek, na którego czele stał S. Dali, opierał się na iluzorycznej dokładności odtwarzania nierealnego obrazu powstającego w podświadomości. Jego obrazy wyróżniają się starannym sposobem pisania, dokładnym oddaniem światłocienia, charakterystyczną dla malarstwa perspektywą malarstwo akademickie. Widz ulegający perswazji malarstwo iluzoryczne, zostaje wciągnięty w labirynt oszustw i nierozwiązywalnych tajemnic: ciała stałe rozprzestrzeniają się, obiekty gęste stają się przezroczyste, obiekty niekompatybilne przekręcają się na lewą stronę, masywne bryły stają się nieważkie, a wszystko to tworzy obraz niemożliwy w rzeczywistości.
Ten fakt jest znany. Będąc na wystawie przed dziełem S. Dali, widz przez dłuższą chwilę stał, uważnie się przyglądając i próbując zrozumieć sens. W końcu, w całkowitej desperacji, powiedział głośno: „Nie rozumiem, co to znaczy!” Okrzyk publiczności usłyszał obecny na wystawie S. Dali. „Jak możesz rozumieć, co to znaczy, skoro ja sam tego nie rozumiem” – stwierdził artysta, wyrażając w ten sposób podstawową zasadę sztuki surrealistycznej: malować bez myślenia, bez myślenia, porzucając rozum i logikę.
Wystawom dzieł surrealistycznych towarzyszyły zwykle skandale: publiczność była oburzona, patrząc na śmieszne, niezrozumiałe obrazy, uważała, że zostaje oszukana, zdumiona. Surrealiści obwiniali publiczność, deklarowali, że pozostają w tyle, nie dorastali do twórczości „zaawansowanych” artystów.
Ogólnymi cechami sztuki surrealizmu są fantazja absurdu, alogizm, paradoksalne połączenia form, niestabilność wizualna, zmienność obrazów. Artyści zwrócili się ku naśladowaniu sztuka prymitywna, twórczość dzieci i osób chorych psychicznie.
Artyści tego nurtu chcieli stworzyć na swoich płótnach rzeczywistość nieodzwierciedlającą rzeczywistości podsycanej przez podświadomość, jednak w praktyce skutkowało to powstawaniem patologicznie odrażających obrazów, eklektyzmu i kiczu (niem. kicz; tania, pozbawiona smaku masowa produkcja przeznaczona dla efektu zewnętrznego).
Niektóre znaleziska surrealistyczne zostały wykorzystane w obszarach komercyjnych. sztuka dekoracyjna na przykład złudzenia optyczne, które pozwalają zobaczyć dwa różne obrazy lub sceny na jednym zdjęciu, w zależności od kierunku spojrzenia.
Prace surrealistów budzą najbardziej złożone skojarzenia, można je utożsamić w naszym odbiorze ze złem. Przerażające wizje i idylliczne sny, zamieszki, rozpacz – te uczucia są obecne różne opcje pojawiają się w twórczości surrealistów, aktywnie wpływając na widza, absurdalność dzieł surrealizmu oddziałuje na wyobraźnię skojarzeniową i psychikę.
Surrealizm budzi kontrowersje zjawisko artystyczne. Wiele naprawdę zaawansowanych osobistości kultury, zdając sobie sprawę, że ten trend niszczy sztukę, porzuciło później poglądy surrealistyczne (artyści P. Picasso, P. Klee i inni, poeci F. Lorca, P. Neruda, hiszpański reżyser L. Bunuel, który tworzył filmy surrealistyczne). W połowie lat sześćdziesiątych surrealizm ustąpił miejsca nowym, jeszcze bardziej krzykliwym nurtom modernizmu, ale kapryśnym, przez większą część brzydkie, nic nie znaczące dzieła surrealistów wciąż wypełniają sale muzeów.
Modernizm
ks. modernizm, od łac. modernus - nowy, nowoczesny. Oznaczenie zbiorowe dla wszystkich najnowsze trendy, nurty, szkoły i działania poszczególnych mistrzów sztuki XX wieku, zrywanie z tradycją, realizmem i uznawanie eksperymentu za podstawę metody twórczej (fowizm, ekspresjonizm, kubizm, futuryzm, abstrakcjonizm, Dadaizm, surrealizm, pop-art, op. sztuka, sztuka kinetyczna, hiperrealizm itp.). Modernizm jest bliski znaczeniom awangardy i jest przeciwieństwem akademizmu. Modernizm został negatywnie oceniony przez sowieckich krytyków sztuki jako zjawisko kryzysowe kulturę burżuazyjną. Sztuka ma swobodę wyboru swoich historycznych ścieżek. Sprzeczności modernizmu jako takiego należy rozpatrywać nie statycznie, ale w dynamice historycznej.
Pop Art
język angielski pop Art, ze sztuki popularnej - sztuka popularna. Trend w sztuce Europy Zachodniej i USA od końca lat 50. XX wieku. Rozkwit pop-artu przypadł na burzliwe lata 60., kiedy w wielu krajach Europy i Ameryki wybuchły zamieszki młodzieżowe. Ruch młodzieżowy nie miał jednego celu – łączył go patos zaprzeczenia.
Młodzi ludzie byli gotowi wyrzucić za burtę całą dawną kulturę. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w sztuce.
Charakterystyczną cechą pop-artu jest połączenie wyzwania z obojętnością. Wszystko jest równie cenne lub równie bezcenne, równie piękne lub równie brzydkie, równie godne lub niegodne. Być może tylko biznes reklamowy opiera się na tym samym beznamiętnym, biznesowym podejściu do wszystkiego na świecie. To nie przypadek, że to reklama wywarła ogromny wpływ na pop-art, a wielu jej przedstawicieli pracowało i nadal pracuje w centrach reklamowych. Twórcy reklam i seriali potrafią rozdrobnić na kawałki i połączyć proszek do prania słynne arcydzieło sztuka, pasta do zębów i fuga Bacha. Pop-art robi to samo.
Motywy kultury popularnej są w różny sposób wykorzystywane przez pop-art. Rzeczywiste przedmioty wprowadzane są do obrazu poprzez kolaż lub fotografie, najczęściej w nieoczekiwanych lub całkowicie absurdalnych zestawieniach (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Malarstwo może naśladować techniki kompozycyjne i technikę bilbordów, obraz komiksowy można powiększyć do rozmiarów dużego płótna (R. Lichtenstein). Rzeźbę można łączyć z manekinami. Na przykład artysta K. Oldenburg stworzył z nietypowych materiałów podobieństwa modeli wystawowych produktów spożywczych o ogromnych rozmiarach.
Często nie ma granicy pomiędzy rzeźbą a malarstwem. Dzieło sztuki pop-art często nie tylko ma trójwymiarowy wymiar, ale wypełnia całą przestrzeń wystawienniczą. Dzięki takim przekształceniom pierwotny obraz obiektu kultury masowej ulega przekształceniu i jest postrzegany w zupełnie inny sposób niż w realnym, codziennym środowisku.
Główną kategorią pop-artu nie jest obraz artystyczny, ale jego „oznaczenie”, które ratuje autora przed sztucznym procesem jego tworzenia, obrazu czegoś (M. Duchamp). Proces ten został wprowadzony w celu poszerzenia pojęcia sztuki i uwzględnienia w nim działań pozaartystycznych, „wyjścia” sztuki w obszar kultury masowej. Twórcy pop-artu byli inicjatorami takich form jak: dzieje się, instalacja obiektowa, środowisko i inne formy sztuka koncepcyjna. Podobne nurty: underground, hiperrealizm, op-art, Ready-Made itp.
Sztuka op
język angielski op-art, w skrócie. ze sztuki optycznej - sztuka optyczna. Trend w sztuce XX wieku, który rozpowszechnił się w latach 60. XX wieku. Artyści op-artu używali różnych iluzje wizualne, w oparciu o cechy postrzegania figur płaskich i przestrzennych. Efekty ruchu przestrzennego, łączenia, płynięcia form osiągnięto poprzez wprowadzenie rytmicznych powtórzeń, ostrych kontrastów kolorystycznych i tonalnych, przecięcie konfiguracji spiralnych i siatkowych, meandrujące linie. W op-artu często stosowano instalacje zmieniającego się światła, konstrukcje dynamiczne (omówione szerzej w części poświęconej sztuce kinetycznej). Iluzje płynnego ruchu, sukcesywna zmiana obrazów, niestabilna, ciągle odbudowująca się forma powstają w op-artie jedynie w odczuciu widza. Kierunek kontynuuje techniczną linię modernizmu.
sztuka kinetyczna
z gr. kinetikos – wprawienie w ruch. Trend w sztuce współczesnej związany z powszechnym wykorzystaniem ruchomych konstrukcji i innych elementów dynamiki. Kinetyczny jak niezależny kierunek ukształtował się w drugiej połowie lat pięćdziesiątych, poprzedziły go jednak eksperymenty z tworzeniem dynamicznej plastyczności w rosyjskim konstruktywizmie (V. Tatlin, K. Mielnikow, A. Rodczenko), Dadaizmie.
Wcześniej Sztuka ludowa pokazał nam także próbki ruchomych przedmiotów i zabawek, takich jak drewniane ptaki szczęścia z regionu Archangielska, zabawki mechaniczne imitujące procesy pracy ze wsi Bogorodskoje itp.
W sztuce kinetycznej ruch wprowadzany jest na różne sposoby, niektóre prace ulegają dynamicznemu przekształceniu przez samego widza, inne – poprzez fluktuacje środowiska powietrznego, jeszcze jeszcze inne wprawiane są w ruch za pomocą silnika lub sił elektromagnetycznych. Nieskończona różnorodność zastosowanych materiałów - od tradycyjnych po ultranowoczesne środki techniczne aż po komputery i lasery. Lustra są często stosowane w kompozycjach kinetycznych.
W wielu przypadkach iluzję ruchu tworzy zmieniające się oświetlenie – tutaj kinetyzm łączy się z op-artem. Techniki kinetyczne znajdują szerokie zastosowanie przy organizacji wystaw, targów, dyskotek, przy projektowaniu placów, parków, wnętrz użyteczności publicznej.
Kinetyka dąży do syntezy sztuk: ruch obiektu w przestrzeni można uzupełnić efektami świetlnymi, dźwiękiem, muzyką świetlną, filmem itp.
Techniki sztuki nowoczesnej (awangardowej).
hiperrealizm
język angielski hiperrealizm. Kierunek w malarstwie i rzeźbie, który narodził się w Stanach Zjednoczonych i stał się wydarzeniem w świecie sztuk pięknych w latach 70. XX wieku.
Inną nazwą hiperrealizmu jest fotorealizm.
Twórcy tego nurtu naśladowali fotografię środkami obrazowymi na płótnie. Portretowali świat nowoczesne miasto: witryny sklepowe i restauracje, stacje metra i sygnalizacja świetlna, budynki mieszkalne i przechodnie na ulicach. W której Specjalna uwaga zamienione w błyszczące, odbijające światło powierzchnie: szkło, plastik, lakier samochodowy itp. Gra odbić na takich powierzchniach stwarza wrażenie przenikania się przestrzeni.
Celem hiperrealistów było przedstawienie świata nie tylko wiarygodnie, ale także superprawdopodobnie, superrealistycznie. Do tego używali metody mechaniczne kopiowanie zdjęć i powiększanie ich do rozmiarów dużego płótna (projekcja z góry i siatka skali). Farbę z reguły spryskano aerografem, aby zachować wszystkie cechy obrazu fotograficznego, aby wykluczyć przejaw indywidualnego pisma artysty.
Ponadto w halach mogli spotykać się zwiedzający wystawy w tym kierunku postacie ludzkie, wykonane z nowoczesnych materiałów polimerowych w naturalnej wielkości, ubrane w gotową sukienkę i pomalowane w taki sposób, aby niczym nie różniły się od publiczności. Wywołało to wiele zamieszania i zszokowało ludzi.
Fotorealizm postawił sobie za zadanie wyostrzenie naszego postrzegania życia codziennego, symbolizowania nowoczesne środowisko odzwierciedlić nasz czas w formach " sztuki techniczne”, szeroko rozpowszechniony właśnie w naszej epoce postępu technologicznego. Utrwalając i eksponując nowoczesność, ukrywając emocje twórcy, fotorealizm w swoich programowych dziełach znalazł się na granicy sztuk pięknych i niemal ją przekroczył, gdyż chciał konkurować z samym życiem.
Gotowe
język angielski gotowe – gotowe. Jedna z powszechnych technik sztuki współczesnej (awangardowej), która polega na tym, że przedmiot produkcji przemysłowej wyrywa się ze zwykłego otoczenia codziennego i jest eksponowany w sali wystawowej.
Znaczenie gotowego jest następujące: gdy zmienia się otoczenie, zmienia się także postrzeganie przedmiotu. Widz widzi w przedmiocie znajdującym się na podium nie rzecz użytkową, ale przedmiot artystyczny, wyrazistość formy i koloru. Nazwy „readymade” po raz pierwszy użył w latach 1913-1917 M. Duchamp w odniesieniu do swoich „przedmiotów gotowych” (grzebień, koło od roweru, suszarka do butelek). W latach 60. Ready-Made rozpowszechnił się w różnych obszarach sztuki awangardowej, zwłaszcza w Dadaizmie.
instalacja
Z angielskiego. instalacja - instalacja. Kompozycja przestrzenna stworzona przez artystę z różnych elementów - artykuły gospodarstwa domowego, produkty i materiały przemysłowe, przedmioty naturalne, tekst lub informacja wizualna. Założycielami instalacji byli Dadaista M. Duchamp i Surrealiści. Tworząc niezwykłe połączenia zwykłych rzeczy, artysta nadaje im coś nowego znaczenie symboliczne. Treść estetyczna instalacji w grze znaczenia semantyczne, które zmieniają się w zależności od tego, gdzie obiekt się znajduje – w znajomym środowisku domowym czy w sali wystawowej. Instalację stworzyło wielu artystów awangardowych: R. Rauschenberg, D. Dine, G. Ucker, I. Kabakov.
Instalacja jest formą sztuki rozpowszechnioną w XX wieku.
Środowisko
język angielski środowisko - środowisko, środowisko. Rozległy kompozycja przestrzenna, obejmująca widza niczym realne otoczenie, jedna z form charakterystycznych dla sztuki awangardowej lat 60. i 70. XX wieku. Naturalistyczne otoczenie imitujące wnętrze z postaciami ludzkimi stworzyły rzeźby D. Segala, E. Kienholza, K. Oldenburga, D. Hansona. Takie powtórzenia rzeczywistości mogą zawierać elementy urojeniowej fikcji. Innym rodzajem środowiska jest przestrzeń zabawy, która wiąże się z określonymi działaniami publiczności.
Wydarzenie
język angielski dzieje się - dzieje się, dzieje się. Rodzaj akcjonizmu, najpowszechniejszy w sztuce awangardowej lat 60. i 70. XX wieku. Happening rozwija się jako wydarzenie, raczej sprowokowane niż zorganizowane, ale inicjatorzy akcji koniecznie angażują w nią odbiorców. Happening narodził się pod koniec lat pięćdziesiątych jako forma teatru. W przyszłości artyści najczęściej angażują się w organizowanie wydarzeń bezpośrednio w środowisku miejskim lub w naturze.
Traktują tę formę jako rodzaj poruszającego dzieła, w którym otoczenie, przedmioty odgrywają nie mniejszą rolę niż żywi uczestnicy akcji.
Akcja wydarzenia prowokuje do wolności każdego uczestnika i manipulacji przedmiotami. Wszystkie działania rozwijają się według wcześniej zaplanowanego programu, w którym jednak bardzo ważne przeznaczony do improwizacji, dający upust różnym nieświadomym popędom. Happening może zawierać elementy humoru i folkloru. Happening dobitnie wyrażał pragnienie awangardy, aby połączyć sztukę z samym biegiem życia.
I wreszcie najbardziej zaawansowana forma sztuki współczesnej – Supersamolot
Supersamolot
Superflat to termin ukuty przez współczesnego japońskiego artystę Takashiego Murakamiego.
Termin Superflat powstał, aby wyjaśnić nowy język wizualny, aktywnie używany przez pokolenie młodych ludzi. Japońscy artyści takich jak Takashi Murakami: „Myślałem o realiach japońskiego rysunku i malarstwa oraz o tym, czym się od nich różnią Sztuka zachodnia. Dla Japonii ważne jest poczucie płaskości. Nasza kultura nie jest trójwymiarowa. Formy 2D ustalone w historycznym malarstwie japońskim są podobne do prostego, płaskiego języka wizualnego współczesnej animacji, komiksu i projektowania graficznego.
Takie potraktowanie książki wprowadzi filologa w przerażenie i podziw zarazem. Rzeźbiarze zamienili przedmiot sztuki werbalnej w trójwymiarowe wizualne arcydzieło. W wielu przypadkach forma rozmawia z treścią. A w pracach Guya Laramiego książka ucieleśnia się w miniaturowym krajobrazie.
Culturelogia.ru
Niektórzy wiercą obraz, inni go wycinają, inni dodają koloru, a pisarz Jonathan Safran Foer celowo napisał książkę-rzeźbę „Drzewo kodów”. Wyciął słowa z „Ulicy krokodyli” Brunona Schulza. Pozostały tekst, prześwitujący przez strony, tworzy nową pracę różne opcje oznaczający. Autor próbował opublikować książkę, ale w Ameryce odmówiono jej wydrukowania. Żadna drukarnia nie podjęła się takiego przedsięwzięcia technologicznego trudny proces. Małe wydanie ukazało się w Belgii. Czytelnicy byli zaskoczeni, gdy pod zwykłą okładką książki znaleźli wycięte strony.
Teatr cieni został przekształcony w wersję statyczną. Rzeźbiarz konstruuje figurę i umieszcza źródło światła w taki sposób, aby cień rzeźby wyglądał jak naturalistyczny obraz. Sama postać często nie ma rozpoznawalnych konturów. Materiałem może być wszystko: od śmieci po części lalek. Ale cień może być tak realny, że chcesz sprawdzić, czy jest namalowany na ścianie.
artchive.ru
Dziecięcy dowcip stał się formą sztuki. Na zakurzonej powierzchni za pomocą pędzla lub palca artyści kopiują światowe arcydzieła lub tworzą oryginalne rysunki. Jeden z znanych przedstawicieli grafika brudnego samochodu Scott Wade zdobi nie tylko swój pojazd, ale także samochody nieznajomych. Czasami, jeśli samochód jest zbyt czysty, Scott celowo obsypuje go brudem. Nie chce się zmywać takich arcydzieł, więc właściciele tych pomalowanych błotem Pojazd oszczędzaj na myjni samochodowej.
www.autoblog.com
Przedmioty otoczenia zewnętrznego pokryte są przędzą. Ludzie, którzy ozdabiają ulice dzianinami, nazywani są bombowcami z przędzy. Założycielką kierunku jest Magda Sayegh. Jej grupa robiła na drutach przytulne swetry dla autobusów, samochodów, posągów, drzew i ławek na całym świecie.
art-on.ru
Ten kierunek obejmuje nie tylko rysunki na ciele, ale także wszelkie działania, których głównym narzędziem wizualnym jest Ludzkie ciało. Implanty i wszelkiego rodzaju modyfikacje czynią z artysty obiekt sztuki. W sztuce awangardowej znane są nieatrakcyjne autodemonstracje artystów, uwalniające ciało z ram norm społecznych. Artyści szokują publiczność bólem. Chiński artysta Yang Zhichao poddał się wszczepieniu roślin w skórę bez znieczulenia. Po spektaklu „Planting Grass” na ciele Yang Zhichao pozostały blizny po niezakorzenionych roślinach.
www.artsy.net
Mistrz z Chin, Huang Tai Shan, uważany jest za klasyka rzeźbienia w liściach. Usuwa część wierzchniej warstwy liścia, pozostawiając roślinną półprzezroczystą strukturę. Artysta z Hiszpanii Lorenzo Durana tnie nożem naturalne obrazy i wzory z wyraźnymi liniami.
art-veranda.ru
Grafika lekka znana jest już od końca XIX wieku. kamera włączona długa ekspozycja naprawia linie wynikające z ruchu źródła światła. Pablo Picasso lubił tę technikę. Zasłynął z serii prac „Lekkie rysunki Picassa”, wykonanych w ciemnym pokoju małego żarówka z fotografem Guyonem Mili.
Rosyjscy fotografowie Artem Dołgopołow i Roman Palczenkow nazwali tę sztukę zamrożonym światłem i nazwa ta utknęła.
hiveminer.com
Żywe płótna
Od czasów starożytnych artyści dążyli do objętości przedstawionego obrazu. Od wynalezienia perspektywy w malarstwie po technologię kin 3D. Ale w XXI wieku popularność zyskuje rewers obrazów trójwymiarowych. Ludzie lub przedmioty są pokryte farbą i dopasowują się do otoczenia, dzięki czemu wizualnie wydają się dwuwymiarowe. Pomalowane akrylem i mlekiem modele Alexy Mead stoją nieruchomo przez kilka godzin, podczas gdy widzowie są oszołomieni iluzją. Cynthia Greig sprawia, że obiekty wyglądają jak płaskie rysunki graficzne na fotografii.
www.factroom.ru
Przeciwnie, mistrzowie tego rodzaju twórczości bawią się perspektywą i płaszczyznami, aby stworzyć trójwymiarowy obraz. Rysunek wydrukowany na powierzchniach 2D pod pewnym kątem wydaje się obszerny.
hdviewer.com
W latach 60 ubiegłego wieku amerykańscy konceptualiści przenieśli instalacje z muzeów do natury. Najczęściej dzieła land artu to wielkoformatowe kompozycje ściśle powiązane z otoczeniem, w którym się znajdują. W instalację zaangażowana jest natura. Na przykład Walter de Maria zainstalował na polu 400 identycznych piorunochronów. Podczas burzy pojawia się Pole Błyskawic imponujący obraz od stale migoczących wyładowań elektrycznych.
www.faqindecor.com
Główne zdjęcie z artchival.proboards.com
Sztuka powstaje, aby zachwycać, zaskakiwać, a czasem szokować publiczność.
Kreatywni ludzie zawsze są trochę szaleni. Ich fantazja nie ma granic. Przed tobą jest najwięcej niezwykły gatunek Sztuka współczesna.
1. Anamorfoza to technika tworzenia obrazów, które można w pełni zrozumieć jedynie pod pewnym kątem lub pod pewnym kątem. W niektórych przypadkach normalny obraz pojawia się tylko wtedy, gdy spojrzysz na zdjęcie przez lustro. Jeden z najwcześniejszych słynne przykłady anamorfozy to tylko niektóre z dzieł Leonarda da Vinci datowanych na XV wiek.
2. Fotorealizm. Ruch fotorealistyczny pojawił się w latach 60. Twórcy starali się stworzyć coś niesamowitego realistyczne obrazy które są nie do odróżnienia od zdjęć. Nawet skopiowali najdrobniejsze szczegóły ze zdjęć, tworząc własne obrazy. Istnieje również ruch zwany superrealizmem lub hiperrealizmem, który obejmuje zarówno rzeźbę, jak i malarstwo. Był pod dużym wpływem nowoczesny pop-art kultura.
3. Malowanie brudnych samochodów. Rysowanie na nieumytym samochodzie często nie jest uważane za takie wysoki poziom artystyczny, ponieważ większość tych „artystów” rzadko pisze coś więcej niż „umyj mnie”. Ale 52-letni amerykański projektant Scott Wade zasłynął dzięki niesamowitym rysunkom, które tworzy na szybach samochodów odkurzonych z dróg Teksasu. Wade pierwotnie malował na szybach samochodów palcami lub patyczkami, ale teraz używa specjalnych narzędzi i pędzli.
4. Wykorzystanie płynów ustrojowych w sztuce. Może to wydawać się dziwne, ale jest wielu artystów, którzy tworzą swoje prace przy użyciu płynów ustrojowych. Na przykład austriacki artysta Hermann Nitsch używa moczu i wielka ilość krew zwierzęca. Brazylijski artysta Vinicius Quesada jest dobrze znany ze swojej serii obrazów zatytułowanych Blues krwi i sików. Co ciekawe, Quesada działa wyłącznie na własnej krwi. Jego obrazy tworzą mroczną, surrealistyczną atmosferę.
5. Rysowanie częściami ciała. W Ostatnio wzrosła popularność artystów korzystających z części własne ciało do rysowania. Na przykład Tim Patch, znany pod pseudonimem „Pricasso” (na cześć wielkiego Artysta hiszpański Pablo Picasso), rysuje swoim... narządem rozrodczym. Ponadto 65-letni australijski artysta regularnie używa swoich pośladków i moszny jako pędzla. Patch zajmuje się tego typu pracami już od kilkunastu lat i jego popularność z roku na rok rośnie.
6. Odwrotna wizualizacja 3D. Podczas gdy anamorfoza ma na celu nadanie obiektom 2D wyglądu obiektów 3D, odwrotne renderowanie 3D ma na celu osiągnięcie odwrotnego efektu - nadanie obiektowi 3D wyglądu jak rysunek lub obraz. Najbardziej znaną artystką w tym obszarze jest Alexa Meade z Los Angeles. Używa nietoksycznego farby akrylowe aby ludzie wyglądali jak nieożywione dwuwymiarowe obrazy.
7. Sztuka cieni. Cienie są z natury ulotne, więc trudno powiedzieć, kiedy ludzie po raz pierwszy zaczęli ich używać w sztuce. Współcześni artyści osiągnęli niesamowite mistrzostwo w pracy z cieniami. Układają różne przedmioty w taki sposób, że cień z nich tworzy piękne obrazy ludzi, słów lub przedmiotów. Ponieważ cienie tradycyjnie kojarzą się z czymś tajemniczym lub mistycznym, wielu artystów wykorzystuje w swoich pracach motyw horroru lub dewastacji.
8. Odwróć graffiti. Podobnie jak malowanie brudnych samochodów, sztuka odwróconego graffiti polega na tworzeniu obrazów poprzez usuwanie brudu, a nie dodawanie farby. Artyści często używają węży wypełnionych wodą do usuwania brudu ze ścian i usuwania brudu, tworząc niesamowite obrazy. Ruch narodził się dzięki Artysta angielski Paul „Moose” Curtis, który narysował obraz na zadymionej na czarno ścianie restauracji, w której zmywał naczynia adolescencja. Inny brytyjski artysta Ben Long tworzy swoje obrazy na tyłach przyczep kempingowych, używając palca do usuwania brudu z rury wydechowej.
Obecnie, aby zobaczyć inspirujące dzieła sztuka Nie musisz iść do muzeum. Internet umożliwił ludziom docenianie sztuki i czerpanie z niej przyjemności, zapewniając nieskończony strumień arcydzieł. Jednak znalezienie tego, co Cię ekscytuje, to zupełnie inna sprawa. Trzeba to przemyśleć różne rodzaje sztuki takie jak grafika, rzeźby, fotografie i instalacje. A to wcale nie jest łatwe i zajmuje dużo czasu. Dlatego dzisiaj przybliżymy Państwu kilka najpopularniejszych trendów w sztuce ostatnich lat. Od rzeźb książkowych po zapierające dech w piersiach instalacje – to dokładnie te trendy, które ludzie nie mogą przestać podziwiać.
1. Rzeźby i instalacje z książek
Od niewiarygodnego rzeźby książkowe Od Briana Dettmera i Guya Laramee po rozpadającą się rzeźbę ścienną autorstwa Anouk Kruithof i misterne igloo autorstwa Milera Lagosa. Nigdy wcześniej książki nie były tak popularne w sztuce. Opierając się na tym, że wszystko więcej ludzi Przełącz na e-booki, te dzieła sztuki są cenione podwójnie. Są miłym przypomnieniem, że pomimo tego, że żyjemy w dobie Internetu, książki zawsze będą miały szczególne miejsce.
2. Piękne instalacje parasolowe
Parasole często leżą w szafie aż do deszczu, jednak ostatnio coraz częściej pojawiają się w różnych instalacjach na całym świecie. Portugalskie parasole we wszystkich kolorach tęczy, różowa instalacja w Bułgarii – to nie jest ochrona przed zmoknięciem, ale pokazanie, jak ze zwykłych przedmiotów można stworzyć sztukę.
3. Interaktywna sztuka uliczna
Sztuka uliczna powstaje nie tylko w celach społecznych czy politycznych, ale po prostu, by zadowolić przechodniów. Od dzieci jeżdżących na rowerach Ernesta Zacharevica po schody metra Panyi Clark – te instalacje zostały zbudowane z myślą o interaktywności. Celowo lub nawet nieświadomie przechodnie stają się częścią sztuki, nadając nowy wymiar i tak już interesującemu dziełu.
4. Kreatywność złożona z tysięcy rzeczy
Kreatywność, stworzona z tysiąca rzeczy, jest zawsze interesująca. Płynąca rzeka z książek Luzinterruptusa, jaskrawoczerwony ptak stworzony z guzików i szpilek Ran Hwanga – te instalacje pokazują nam, jak tysiące rzeczy mogą wyglądać w rękach cierpliwych twórców. Kto by pomyślał, że pikselowany portret można by wykonać ołówkami pointylistycznymi, gdyby nie Christian Faur? Ten dobry przykład pomysłowość w sztuce.
5. Epickie rzeźby z Lego
Chociaż plastikowe klocki dla dzieci to klasyczny produkt Lego, niektórzy projektanci używają ich do tworzenia imponujących rzeźb. Te niesamowite rzeźby zbudowany bardzo starannie, cegła po cegle - wiktoriański straszny dom, podziemna jaskinia Batmana, rzymskie Koloseum, dom z Gwiezdne Wojny- wszystkie są niesamowite.
6. Kreatywność we wszystkich kolorach tęczy
Jedno- czy dwukolorowe kreacje są nudne – co powiesz na kreacje łączące w sobie wszystkie kolory tęczy! Twórcy tych instalacji wiedzą, jak wywołać uśmiech. Nawa z tęczowymi oknami Christophera Janneya czy wielokolorowe bomby dymne Olafa Breuninga nie tylko pięknie wyglądają, ale trzeba je przeżyć. Nawet origami i samochodziki wyglądają bardziej zabawnie, gdy są ułożone w tęczę kolorów.
7. Zestawy małych ludzi
Te zdjęcia pokazują nam jak mało żyją ludzie. Sceny z jedzeniem autorstwa Christophera Boffoli lub minizestawy na ulicach autorstwa projektanta Slinkachu – te urocze kreacje opowiadają historię śmieszne historie karły, które zwykli ludzie zrozumieją. To prawdziwa sztuka, dzięki której czujemy to, czego nigdy nie czuliśmy.
8. Tysiące żarówek LED
Instalacje i rzeźby najlepiej oglądać w nocy lub w ciemnym pomieszczeniu. Za pomocą dymu i lasera Li Hu stworzył przerażające łóżko, które wywołuje mieszane uczucia. Makoto Tojiki zawiesza żarówki na linach, tworząc wspaniałe świetlne rzeźby ludzi, koni i ptaków. Firma Panasonic spuściła w dół rzeki 100 000 żarówek LED, aby odtworzyć blask świetlików.
9. Instalacje gwintowe
Nie tylko babcie używają nici. Ostatnio coraz częściej wykorzystuje się je na zabytkowych fotografiach czy rzeźbach. Projektant Perspicere przeciągnął nitki tak, aby imitowały plamy farby w kształcie sygnału Batmana. Gabriel Dawe stworzył oszałamiającą instalację we wszystkich kolorach tęczy, przyczepiając do sufitu ogromną liczbę motków nici. Najwyraźniej wątki w projekcie są teraz istotne.
10. Ekscytujące instalacje interaktywne
Chociaż instalacje uliczne mogą być bardzo dobre, gdy projektant pracuje w czterech ścianach, pozwala mu to na szersze rozprzestrzenienie się. Francuski projektant Serge Salat zaprasza gości do spaceru po wielu warstwach Beyond, multimedialnego doświadczenia, które łączy sztuka orientalna z zachodnim renesansem. Yayoi Kusama pokazuje, co się dzieje, gdy dzieci otrzymują nieograniczoną ilość kolorowych naklejek. W barbakanie w Londynie utworzono niedawno pomieszczenie deszczowe, w którym odwiedzający nie zmokną. Kto nie chciałby odwiedzić jednej z takich instalacji? Sztuka XXI wieku. Perfekcja nie ma granic...
Sztuki wizualne powstały wraz z cywilizacją ludzką. Można jednak śmiało powiedzieć, że starożytni artyści, którzy dekorowali ściany jaskiń rysunkami, nie mogli nawet wyobrazić sobie, jaką formę przybierze sztuka za tysiące lat. Dlatego przedstawiam Państwu wybór 10 nieco dziwnych form sztuki XXI wieku.
Rzeczywiście, nie ma ograniczeń co do doskonałości...
1. Anamorfoza
Anamorfoza to technika tworzenia obrazów, które można w pełni zrozumieć jedynie pod określonym punktem lub kątem. W niektórych przypadkach normalny obraz pojawia się tylko wtedy, gdy spojrzysz na zdjęcie przez lustro. Jednym z najwcześniejszych znanych przykładów anamorfozy są pisma Leonarda da Vinci datowane na XV wiek.
Kilka innych godnych uwagi przykładów tej formy sztuki pojawiło się w okresie renesansu, w tym Ambasadorzy Hansa Holbeina Młodszego i freski Andrei Pozzo na kopule Sant'Ignazio w Rzymie. Na przestrzeni wieków technika anamorfozy ewoluowała i obecnie można spotkać zarówno obrazy 3D na papierze, jak i sztukę uliczną imitującą dziury w ścianach czy pęknięcia w ziemi. Szczególnie interesująca odmiana ten styl jest typografią anamorficzną.
Przykładami są prace studentów projektowania graficznego Josepha Egana i Huntera Thompsona, którzy udekorowali korytarze swoich uczelni zniekształconym tekstem, który pod pewnym kątem zmienia się w wiadomość.
2. Fotorealizm
W latach 60. narodził się ruch fotorealistów, którzy starali się tworzyć niezwykle realistyczne obrazy, nie do odróżnienia od fotografii. Kopiowali najdrobniejsze szczegóły ze zdjęć, tworząc własne obrazy. Istnieje również nurt zwany superrealizmem lub hiperrealizmem, który obejmuje nie tylko malarstwo, ale także rzeźbę. Był pod silnym wpływem współczesnej kultury pop-artu.
Jednakże, chociaż pop-art nie wykorzystuje obrazów komercyjnych, fotorealizm oddaje to, co zwykle życie codzienne. Do najbardziej znanych artystów fotorealistycznych należą Richard Estes, Audrey Flack, Robert Bechtley, Chuck Close i rzeźbiarz Duane Hanson.
3. Malowanie brudnych samochodów
Rysowanie na nieumytym samochodzie często nie jest uważane za sztukę wysoką, ponieważ większość tych „artystów” rzadko pisze coś więcej niż „umyj mnie”. Ale 52-letni amerykański projektant Scott Wade zasłynął dzięki niesamowitym rysunkom, które tworzy na szybach samochodów odkurzonych z dróg Teksasu. Wade pierwotnie malował na szybach samochodów palcami lub patyczkami, ale teraz używa specjalnych narzędzi i pędzli. Twórca niezwykłego gatunku sztuki brał już udział w kilku wystawach sztuki.
4. Wykorzystanie płynów ustrojowych w sztuce
Może to wydawać się dziwne, ale jest wielu artystów, którzy tworzą swoje prace przy użyciu płynów ustrojowych. Na przykład austriacki artysta Hermann Nitsch wykorzystuje w swoich pracach mocz i ogromną ilość krwi zwierzęcej. Brazylijski artysta Vinicius Quesada jest dobrze znany ze swojej serii obrazów zatytułowanych Blues krwi i sików. Co ciekawe, Quesada działa wyłącznie na własnej krwi. Jego obrazy tworzą mroczną, surrealistyczną atmosferę.
5. Rysowanie częściami ciała
Ostatnio wzrosła popularność artystów wykorzystujących do rysowania części własnego ciała. Na przykład Tim Patch, znany pod pseudonimem „Pricasso” (na cześć wielkiego hiszpańskiego artysty Pabla Picassa), maluje swoim… penisem. Ponadto 65-letni australijski artysta regularnie używa swojego tyłka i moszny jako pędzla. Patch zajmuje się tego typu pracami już od kilkunastu lat, a jego popularność z roku na rok rośnie.
Warto także wspomnieć o Kirie Ain Warseji, która wykorzystuje swoje piersi do malowania abstrakcyjnych portretów; Ani K. rysująca językiem i Stephen Marmer, nauczyciel, który rysuje pośladkami. Być może najdziwniejszym z tych artystów jest Norweg Morten Wiskum, który podobno maluje z odciętą ręką.
6. Odwrotne renderowanie 3D
Podczas gdy anamorfoza ma na celu nadanie obiektom 2D wyglądu obiektów 3D, odwrotne renderowanie 3D ma na celu osiągnięcie odwrotnego efektu - nadanie obiektowi 3D wyglądu jak rysunek lub obraz. Najbardziej znaną artystką w tym obszarze jest Alexa Meade z Los Angeles. Używa nietoksycznych farb akrylowych, aby nadać ludziom wygląd dwuwymiarowych, nieożywionych obrazów. Inną popularną artystką jest Cynthia Greig z Detroit. W przeciwieństwie do Meada Greig używa zwykłych przedmiotów gospodarstwa domowego, a nie żywych modeli. Pokrywa je białą farbą i węgiel drzewny stworzyć iluzję nierzeczywistości.
7. Sztuka cieni
Cienie są z natury ulotne, więc trudno powiedzieć, kiedy ludzie po raz pierwszy zaczęli ich używać w sztuce. Współcześni artyści osiągnęli niesamowite mistrzostwo w pracy z cieniami. Układają różne przedmioty w taki sposób, że cień z nich tworzy piękne obrazy ludzi, słów lub przedmiotów. Ponieważ cienie tradycyjnie kojarzą się z czymś tajemniczym lub mistycznym, wielu artystów wykorzystuje w swoich pracach motyw horroru lub dewastacji.
8 Odwrócone graffiti
Podobnie jak malowanie brudnych samochodów, sztuka odwróconego graffiti polega na tworzeniu obrazów poprzez usuwanie brudu, a nie dodawanie farby. Artyści często używają węży wypełnionych wodą do usuwania brudu ze ścian i usuwania brudu, tworząc niesamowite obrazy. Ruch ten zapoczątkował angielski artysta Paul „Moose” Curtis, który jako nastolatek namalował obraz na wypełnionej dymem ścianie restauracji, w której mył naczynia. Inny brytyjski artysta Ben Long tworzy swoje obrazy na tyłach przyczep kempingowych, używając palca do usuwania brudu z rury wydechowej.
9. Iluzje związane ze sztuką ciała
Malowanie ciała lub sztuka ciała istnieje już od dawna, nawet Majowie i starożytni Egipcjanie próbowali swoich sił w tej formie sztuki. Współczesna iluzja body artu polega na malowaniu ludzkiego ciała tak, aby zlewało się z otaczającym tłem lub w inny sposób oszukiwało oko. Niektórzy ludzie malują się, aby wyglądać jak zwierzęta lub samochody, podczas gdy inni używają farby, aby stworzyć iluzję dziur w skórze.
10. Lekka grafika
Jak na ironię, niektóre z pierwszych prób malowania światłem w ogóle nie zostały zaakceptowane jako sztuka. Frank i Lillian Gilbreth (bohaterowie powieści Taniej o tuzin) zasłynęli ze zwiększania wydajności pracowników. Już w 1914 roku zaczęto rejestrować ruchy poszczególnych pracowników światłem i kamerą z otwartą migawką. Badając powstałe obrazy świetlne, mieli nadzieję znaleźć sposoby na uproszczenie i ułatwienie pracy. W świecie sztuki technika ta rozpoczęła się w 1935 roku, kiedy surrealistyczny artysta Man Ray użył aparatu z otwartą migawką, aby sfotografować siebie w otoczeniu strumieni światła.