) w swoich wyrazistych, rozległych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla i płynne kołysanie statku na falach.

Jej obrazy zadziwiają głębią, objętością, bogactwem, a fakturą jest taka, że ​​nie sposób oderwać od nich wzroku.

Ciepła prostota Walentina Gubariewa

Artysta prymitywista z Mińska Walentin Gubariew nie goni za sławą i po prostu robi to, co kocha. Jego twórczość jest niezwykle popularna za granicą, ale jego rodakom jest prawie nieznana. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w jego codziennych szkicach i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które, wydawałoby się, powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, spodobały się europejskiej publiczności, a wystawy rozpoczęły się w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.

Zmysłowy realizm Siergieja Marshennikowa

Siergiej Marshennikow ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły portretu realistycznego. Bohaterkami jego płócien są kobiety delikatne i bezbronne w swojej półnagości. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.

Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa

We współczesnej dobie obrazów o wysokiej rozdzielczości i wzrostu hiperrealizmu twórczość Philipa Barlowa od razu przyciąga uwagę. Wymaga to jednak od widza pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie tak właśnie osoby cierpiące na krótkowzroczność postrzegają świat bez okularów i soczewek kontaktowych.

Słoneczne króliczki autorstwa Laurenta Parseliera

Malarstwo Laurenta Parceliera to niesamowity świat, w którym nie ma ani smutku, ani przygnębienia. Nie znajdziesz u niego ponurych i deszczowych zdjęć. W jego płótnach jest dużo światła, powietrza i jasnych kolorów, które artysta stosuje charakterystyczną, rozpoznawalną kreską. Stwarza to wrażenie, że obrazy są utkane z tysiąca promieni słońca.

Dynamika miejska w twórczości Jeremy’ego Manna

Amerykański artysta Jeremy Mann maluje dynamiczne portrety nowoczesnej metropolii w oleju na drewnianych panelach. „Abstrakcyjne kształty, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko to tworzy obraz, który przywołuje wrażenie, jakiego doświadcza się w tłumie i zgiełku miasta, ale może także wyrazić spokój, jaki można odnaleźć w kontemplacji cichego piękna.” mówi artysta.

Iluzoryczny świat Neila Simona

W obrazach brytyjskiego artysty Neila Simone nic nie jest takie, jakim się wydaje na pierwszy rzut oka. „Dla mnie otaczający mnie świat to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” – mówi Simon. A w jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i ze sobą powiązane. Granice się zacierają, a historie przenikają się.

Dramat miłosny Josepha Lorasso

Współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso, Włoch z urodzenia, przenosi na płótno tematy, które obserwował w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne wybuchy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.

Życie na wsi Dmitrija Levina

Dmitry Levin to uznany mistrz rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Najważniejszym źródłem jego twórczości jest przywiązanie do natury, którą kocha czule i namiętnie i której czuje się częścią.

Jasny Wschód – Walery Błochin

Na Wschodzie wszystko jest inne: różne kolory, inne powietrze, inne wartości życiowe, a rzeczywistość jest bardziej fantastyczna niż fikcja - tak wierzy współczesny artysta Walerij Błochin. W malarstwie Valery najbardziej kocha kolor. Jego twórczość jest zawsze eksperymentem: nie zaczyna od figury, jak większość artystów, ale od plamy koloru. Błochin ma swoją specjalną technikę: najpierw nanosi na płótno abstrakcyjne plamy, a następnie uzupełnia rzeczywistość.

„Gracze w karty”

Autor

Paula Cezanne’a

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po osobistej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie obiektu lub fabuły na płótno, dlatego jego obrazy nie wywołują u widza dezorientacji. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowych tekstur nadawał kształtom obiektów niesamowitą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890–1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera Georg Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowego” dzieła Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Acquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz za 250 milionów trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Katar.W lutym 2012 roku sfinalizowano największą w historii malarstwa transakcję na dzieła sztuki. Dziennikarka Alexandra Pierce poinformowała o tym w Vanity Fair. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.

Najbardziejdrogie malowaniena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten mały kraj ma największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., kiedy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju i kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety mają prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al-Dżazira. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2

"Numer 5"

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich rozlewał farbę na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej. Od najmłodszych lat interesował się filozofią Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Nieprzypadkowo autor nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock zmieszał farbę z piaskiem i potłuczonym szkłem, a następnie pomalował kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem i szufelką. Artysta cieszył się tak dużą popularnością, że w latach 50. XX wieku naśladowcy znaleźli się nawet w ZSRR. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał na aukcji Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawnicza wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście w ostatnim czasie kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając ich autora za wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa i szeroka kreska, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiały się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach twarzy. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu, która trafiła na aukcję.

Od lat 70. obraz przechowywany był w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stevenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął wyprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić gazetę Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu „Dama z gronostajem” Leonarda da Vinci. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także źle narysowana korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeliBloch-Bauer I”

Autor

Gustava Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, ale dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca przejął odpowiedzialność za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Każdy widz zatrzymuje się przed jego obrazami: szczery erotyzm jest wyraźnie widoczny pod cienkimi pociągnięciami złota.

138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Twórczość artystki wywołała konflikt pomiędzy całym państwem a jedną starszą panią.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnim życzeniem było przekazanie obrazu Austriackiej Galerii Państwowej. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria z trudem kupiła Złotą Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altmann przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego film „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: przeprowadzono negocjacje w sprawie pożyczek, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili postępowania miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła testament Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz kupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (jest pięć kopii) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo depresyjnej tematyki jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weźmy na przykład „Krzyk”.

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's

Pełny tytuł obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i ponownie gotowy do wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jego drukowanych kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Munch napisał cztery wersje pracy na jeden temat: ta znajdująca się w kolekcji prywatnej wykonana jest pastelami. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów artystów współczesnych i mistrzów klasycyzmu minionych wieków.

6

„Akt na tle popiersia i zielonych liści”

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku występuje podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu i przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu bohater znalazł uznanie, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Płótno zakupił nowojorski handlarz Paul Rosenberg, który w 1951 roku sprzedał je Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta kończył 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie’s. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie wystawiono ją po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy’ego Warhole’a

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla firmy I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola to nazwa nadana epoce pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w studiu Factory, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego wybitni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol testował technikę sitodruku – wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Tę metodę zastosował także podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz ma wrażenie, że widzi materiał z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Ten pierwszy wydał w 2008 roku 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tyle że za wyższą cenę. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalot pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać „Osiem Elvisów” nieznanemu nabywcy za rekordową dla Warhola kwotę – 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,Czerwony żółty"

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dvinsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie) w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale i zdobył stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.

206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, w latach 60. XX wieku stały się brązowo-fioletowe, by po śmierci artysty zgęstnieć i przejść w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor rozpuszczający się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, aby widz „wciągnął się” w kolor niczym w lejek. Bądź ostrożny: patrzenie według wszystkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowej świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu i oczyszczenia. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silny wpływ emocjonalny (mówią, czasem uzdrawiający). Artystka deklarowała: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i takie przypadki rzeczywiście miały miejsce. Według teorii Rothki ludzie w tym momencie przeżywają to samo duchowe przeżycie, jakie on przeżył podczas pracy nad obrazem. Jeśli potrafiłeś to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie zdziwisz się, że te dzieła sztuki abstrakcyjnej często porównywane są przez krytyków do ikon.

Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowa cena na aukcji Christie’s w Nowym Jorku wynosi 35–45 mln dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostaje ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, zupełnego imiennika, a jednocześnie dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego tropy pomieszały się w całej Europie. Za jego życia jego prace wystawiane były w czołowych ośrodkach kulturalnych świata, m.in. w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za okres początkowy swojej twórczości sam artysta uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył wielkie arcydzieła. Przed powstaniem „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez Furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a Furie są jego udręką. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale czym jest kilka milionów dla konesera sztuki, i to hojnego? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, na co znaczący wpływ miała jego przyjaciółka Dasza Żukowa, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen osobiście jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadjewicz.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich obrazach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Obiad na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i w plenerze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także zapalonym ogrodnikiem i uwielbiał przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazach późnego Moneta temat wody i życia w niej zajmuje szczególne miejsce. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął rysować. Cykl „Lilie wodne” składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody wygląd stawu stale się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy doszedł do zrozumienia istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones rozpoczął naukę w szkole projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe przedmioty: butelkę po piwie, flagę czy kartki. W filmie Falstart nie ma jasnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” etykietując kolory na obrazie, odwracając samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby można go było określić inną metodą”. Według krytyków jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” obraz kupił nieznany nabywca.

12

„Siedzinagina kanapie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani od dzieciństwa często chorował, w czasie gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka rozkwitła.

65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby's

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a następnie żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnim rekordem przed sprzedażą „Aktu siedzącego na sofie” w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną aktualnie cenę Modiglianiego. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, chory na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią doprowadziło Qi Baishi do malarstwa. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Chińskie Ministerstwo Kultury nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, a w 1956 roku otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Strażnik Chin

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono dzieło, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Sam zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-nr 1”

Autor

Clyfforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedziłem Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i byłem rozczarowany. Później zapisał się na kurs w Studenckiej Lidze Artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć - okazało się, że „nie dla niego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie

79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Still zapisał wszystkie swoje dzieła, ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, jednak sama budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią ponownie na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-Nr 1” został sprzedany za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż za maksymalnie 25–35 mln dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).

71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Obraz przechowywany był w Muzeum Miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym powstał „Manifest suprematyzmu”, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją zapowiadał, że nie trafi ono do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „Kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją na aukcji Phillipsa za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować i zaprzyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na podróż w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których wyczuwalny jest subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście wdawać się w rozwiązłe związki. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak dla Gauguina było tam tłoczno i ​​wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

"Żonkile i obrusy w odcieniach błękitu i różu"

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 roku Henri Matisse dostał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, mama kupiła mu farby. Początkowo Matisse z nudów kopiował kolorowe pocztówki, potem kopiował dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, aż na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas był własnością Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre’a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie’s. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w odcieniach błękitu i różu”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze słynnego cyklu obrazów malowanych na obrusach, dzieło to, jako jedyne, znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyZawietrzny

htensteina

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Lichtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność posługiwania się ironią uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.

91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Któregoś dnia w ręce Lichtensteina wpadła guma do żucia. Przeniósł obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tej historii z jego biografii zawarte jest całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku artysta zmienił swoje prawdziwe nazwisko, Cornelis, na Mondrian. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.

27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzyczni” artyści XX wieku utrzymywali się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork zainspirowały go najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie-Woogie” jest tego najlepszym przykładem. Charakterystyczne, schludne kwadraty uzyskano za pomocą taśmy samoprzylepnej, ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wypuścił słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużymi nadrukami w kratkę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

BazyliaKandinsky'ego

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z rządem sowieckim, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasach nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, a w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu swoich naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernand Léger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Léger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie uczęszczał do Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

David Norman, prezes międzynarodowego działu impresjonizmu i modernizmu w Sotheby's, uważa ogromną kwotę zapłaconą za „Błękitną Damę” za w pełni uzasadnioną. Obraz należy do słynnej kolekcji Légera (artysta namalował trzy obrazy o tej samej tematyce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwigaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią ikoniczną. Władze lokalne zarzucały mu jednak uprawianie „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspiracją dla niego był zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku szczególnie dotkliwie odczuwa się niepokój artysty: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Było to ostatnie dzieło ze słynnej serii sprzedane na aukcji, pozostałe znajdują się w muzeach. W 1937 roku hitlerowcy surowo potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł wywieziono z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Urlopowicz"tancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od pracy kopisty w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i w końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być szpiegowane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. „Resting Dancer” został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabraniał ich zmiany. Zastanawiam się, jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Obraz"

Autor

Joanna Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiedział się po stronie republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowskim reżimem do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro namalował obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Drugi tytuł obrazu to „Błękitna Gwiazda”. Artysta namalował go w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie naśmiewał się z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując prace śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Obraz” należy do cyklu „obrazów snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, jednak jedna rozmowa telefoniczna incognito rozstrzygnęła spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yvesa Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnika, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s

Pierwsza wystawa monochromatycznych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy błękit Kleina”. Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając tekturę, wykonując odbitki ciała człowieka na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.

26

„W poszukiwaniu Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence'a Alma-Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”, aby móc pojawiać się na pierwszych miejscach w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy cieszyły się takim zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. W swoich obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu przeprowadził nawet wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego tematy mitologiczne. Artysta za życia był niezwykle poszukiwany, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Obecnie zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, która jest siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection Museum w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i sprzedawały się z sukcesem, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret nagiego śpiącego urzędnika” – jak podaje „The Sun” – kupił koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden Gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Légera, a także współpracował z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Gris, jak sam stwierdził, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co upodabnia twórczość do geometrii. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło w stylu kubistycznym „Tribute to Picasso”. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był sławny i lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda”

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, gdy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa Chups.

25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Podczas tej historycznej wizyty namalowano obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uwiecznienia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marka Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30. XX w., podczas przejęcia władzy przez nazistów, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.

80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s

Obraz „Rocznica” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Zawiera wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii mieszczańskiego życia zostaje zachowany klimat baśni, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie czerpał ludzi z życia, a jedynie z pamięci lub wyobraźni. Obraz „Rocznica” przedstawia samego artystę i jego żonę Belę. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, w nowojorskim Museum of Modern Art MoMA znajduje się dokładnie taki sam egzemplarz, tyle że pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

przygotował projekt
Tatiana Palasowa
ocena została opracowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13 (maj-czerwiec 2013)

Treść artykułu

MALARSTWO AMERYKAŃSKIE. Pierwsze dzieła malarstwa amerykańskiego, które do nas dotarły, pochodzą z XVI wieku; są to szkice wykonane przez uczestników wypraw badawczych. Jednak profesjonalni artyści pojawili się w Ameryce dopiero na początku XVIII wieku; jedynym stabilnym źródłem dochodu był dla nich portret; gatunek ten zajmował wiodącą pozycję w malarstwie amerykańskim aż do początku XIX wieku.

Okres kolonialny.

Pierwsza grupa portretów, wykonana w technice malarstwa olejnego, pochodzi z drugiej połowy XVII wieku; W tym czasie życie osadników było w miarę spokojne, życie się ustabilizowało i pojawiły się możliwości uprawiania sztuki. Spośród tych dzieł najbardziej znany jest portret Pani Frick i córka Mary(1671–1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), namalowany przez nieznanego angielskiego artystę. W latach trzydziestych XVIII wieku w miastach na wschodnim wybrzeżu było już kilku artystów tworzących w bardziej nowoczesny i realistyczny sposób: Henrietta Johnston w Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn w Annapolis (1708), Gustav Hesselius w Filadelfii (1712), John Watson w Perth Amboy w New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) i John Smibert (1728) w Bostonie. Malarstwo tych dwóch ostatnich wywarło znaczący wpływ na twórczość Johna Singletona Copleya (1738–1815), uznawanego za pierwszego większego artystę amerykańskiego. Dzięki rycinom z kolekcji Pelham młody Copley zapoznał się z angielskim portretem ceremonialnym i malarstwem Godfreya Knellera, czołowego angielskiego mistrza pracującego w tym gatunku na początku XVIII wieku. Na obrazie Chłopiec z wiewiórką(1765, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych) Copley stworzył wspaniały realistyczny portret, delikatny i zaskakująco dokładny w oddawaniu faktury przedmiotów. Kiedy Copley wysłał tę pracę do Londynu w 1765 roku, Joshua Reynolds poradził mu, aby kontynuował studia w Anglii. Jednak Copley pozostał w Ameryce do 1774 roku i nadal malował portrety, dokładnie opracowując w nich wszystkie szczegóły i niuanse. Następnie odbył podróż do Europy i w 1775 r. osiadł w Londynie; W jego stylu pojawił się manieryzm i cechy idealizacji charakterystyczne dla ówczesnego malarstwa angielskiego. Do najwspanialszych dzieł Copleya wyprodukowanych w Anglii należą duże portrety ceremonialne przypominające twórczość Benjamina Westa, w tym obraz Brooke Watson i rekin(1778, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych).

Wojna o niepodległość i początek XIX wieku.

W przeciwieństwie do Copleya i Westa, którzy pozostali na stałe w Londynie, portrecista Gilbert Stuart (1755–1828) wrócił do Ameryki w 1792 r., robiąc karierę w Londynie i Dublinie. Wkrótce stał się czołowym mistrzem tego gatunku w młodej republice; Stewart malował portrety prawie wszystkich prominentnych osobistości politycznych i publicznych w Ameryce. Jego prace wykonane są w sposób żywy, swobodny, szkicowy, bardzo odmienny od stylu amerykańskich dzieł Copleya.

Benjamin West chętnie przyjmował do swojej londyńskiej pracowni młodych amerykańskich artystów; do jego uczniów należeli Charles Wilson Peale (1741–1827) i Samuel FB Morse (1791–1872). Peale został założycielem dynastii malarzy i rodzinnego przedsiębiorstwa artystycznego w Filadelfii. Malował portrety, zajmował się badaniami naukowymi, otworzył Muzeum Historii Naturalnej i Malarstwa w Filadelfii (1786). Spośród jego siedemnastu dzieci wiele zostało artystami i przyrodnikami. Morse, lepiej znany jako wynalazca telegrafu, namalował kilka pięknych portretów i jeden z najwspanialszych obrazów w całym malarstwie amerykańskim - Galeria Luwr. W tej pracy około 37 płócien zostało odtworzonych w miniaturze z niesamowitą dokładnością. Dzieło to, jak wszystkie działania Morse'a, miało na celu wprowadzenie młodego narodu w wielką kulturę europejską.

Washington Alston (1779–1843) był jednym z pierwszych artystów amerykańskich, który złożył hołd romantyzmowi; Podczas długich podróży po Europie malował burze morskie, poetyckie sceny włoskie i sentymentalne portrety.

Na początku XIX wieku. Powstały pierwsze amerykańskie akademie artystyczne, zapewniające studentom kształcenie zawodowe i biorące bezpośredni udział w organizowaniu wystaw: Pennsylvania Academy of Arts w Filadelfii (1805) i National Academy of Drawing w Nowym Jorku (1825), której pierwszym prezesem był S. R. Morse . W latach dwudziestych i trzydziestych XIX wieku John Trumbull (1756–1843) i John Vanderlyn (1775–1852) namalowali ogromne kompozycje przedstawiające tematy z historii Ameryki, które zdobiły ściany Rotundy Kapitolu w Waszyngtonie.

W latach trzydziestych XIX wieku krajobraz stał się dominującym gatunkiem malarstwa amerykańskiego. Thomas Cole (1801–1848) namalował dziewiczą przyrodę północy (Nowy Jork). Twierdził, że zniszczone przez pogodę góry i jasne jesienne lasy są bardziej odpowiednimi tematami dla amerykańskich artystów niż malownicze europejskie ruiny. Cole namalował także kilka pejzaży przesiąkniętych znaczeniem etycznym i religijnym; wśród nich są cztery duże obrazy Ścieżka życia(1842, Waszyngton, National Gallery) - alegoryczne kompozycje przedstawiające łódź płynącą w dół rzeki, w której siedzi chłopiec, potem młody mężczyzna, potem mężczyzna, a na końcu starzec. Wielu malarzy krajobrazu poszło za przykładem Cole'a i w swoich pracach przedstawiało amerykańską naturę; często łączy się ich w jedną grupę zwaną „szkołą rzeki Hudson” (co nie jest prawdą, gdyż pracowali na terenie całego kraju i pisali w różnych stylach).

Wśród amerykańskich malarzy gatunkowych najbardziej znani to William Sidney Mount (1807–1868), który malował sceny z życia rolników z Long Island, oraz George Caleb Bingham (1811–1879), którego obrazy poświęcone są życiu rybaków z Long Island brzegi Missouri i wybory w małych prowincjonalnych miasteczkach.

Przed wojną secesyjną najpopularniejszym artystą był Frederick Edwin Church (1826–1900), uczeń Cole'a. Malował głównie prace wielkoformatowe, czasami stosował motywy nazbyt naturalistyczne, aby przyciągnąć i oszołomić publiczność. Church podróżował do najbardziej egzotycznych i niebezpiecznych miejsc, zbierając materiały przedstawiające wulkany Ameryki Południowej i góry lodowe mórz północnych; jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest obraz Wodospad Niagara (1857, Waszyngton, Corcoran Gallery).

W latach sześćdziesiątych XIX wieku ogromne płótna Alberta Bierstadta (1830–1902) wzbudziły powszechny podziw dla piękna Gór Skalistych z ich czystymi jeziorami, lasami i przypominającymi wieże szczytami.

Okres powojenny i przełom wieków.

Po wojnie domowej modne stało się studiowanie malarstwa w Europie. W Düsseldorfie, Monachium, a zwłaszcza Paryżu można było zdobyć znacznie bardziej podstawowe wykształcenie niż w Ameryce. James McNeil Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926) i John Singer Sargent (1856–1925) studiowali w Paryżu, mieszkali i pracowali we Francji i Anglii. Whistler był blisko francuskich impresjonistów; w swoich obrazach szczególną wagę przywiązywał do zestawień kolorystycznych i wyrazistej, lakonicznej kompozycji. Mary Cassatt na zaproszenie Edgara Degasa brała udział w wystawach impresjonistów od 1879 do 1886 roku. Sargent malował portrety najwybitniejszych osobistości Starego i Nowego Świata w sposób odważny, porywczy, szkicowy.

Przeciwna strona spektrum stylistycznego impresjonizmu w sztuce końca XIX wieku. zajmowane przez artystów realistów, którzy malowali iluzjonistyczne martwe natury: Williama Michaela Harnetta (1848–1892), Johna Fredericka Peto (1854–1907) i Johna Haeberla (1856–1933).

Dwóch najważniejszych artystów końca XIX i początku XX w., Winslow Homer (1836–1910) i Thomas Eakins (1844–1916), nie należeli do żadnego z modnych wówczas ruchów artystycznych. Homer rozpoczął karierę twórczą w latach sześćdziesiątych XIX wieku od ilustrowania nowojorskich magazynów; już w latach 90. XIX w. cieszył się opinią znanego artysty. Jego wczesne obrazy przedstawiają sceny z życia na wsi nasycone jasnym światłem słonecznym. Później Homer zaczął zwracać się ku bardziej złożonym i dramatycznym obrazom i motywom: na zdjęciu Prąd Zatokowy(1899, Metropolitan) przedstawia rozpacz czarnego marynarza leżącego na pokładzie łodzi na wzburzonym morzu pełnym rekinów. Za życia Thomas Eakins był obiektem ostrej krytyki za nadmierny obiektywizm i bezpośredniość. Obecnie jego prace są wysoko cenione za surowe i jasne rysunki; na jego pędzlach znajdują się wizerunki sportowców i szczere portrety przepojone współczuciem.

XX wiek.

Na początku stulecia najbardziej ceniono naśladownictwo francuskiego impresjonizmu. Gustowi społecznemu rzuciła wyzwanie grupa ośmiu artystów: Robert Henry (1865–1929), W. J. Glackens (1870–1938), John Sloan (1871–1951), J. B. Lax (1867–1933), Everett Shinn (1876–1953) , AB Davies (1862–1928), Maurice Prendergast (1859–1924) i Ernest Lawson (1873–1939). Krytycy nazywali ich szkołą „śmietników” ze względu na ich upodobanie do przedstawiania slumsów i innych prozaicznych tematów.

W 1913 roku na tzw „Armory Show” prezentował prace mistrzów różnych dziedzin postimpresjonizmu. Artyści amerykańscy byli podzieleni: niektórzy zwrócili się w stronę eksploracji możliwości koloru i abstrakcji formalnej, inni pozostali w łonie tradycji realistycznej. Do drugiej grupy należeli Charles Burchfield (1893–1967), Reginald Marsh (1898–1954), Edward Hopper (1882–1967), Fairfield Porter (1907–1975), Andrew Wyeth (ur. 1917) i inni. Obrazy Ivana Albrighta (1897–1983), George’a Tookera (ur. 1920) i Petera Blooma (1906–1992) utrzymane są w stylu „realizmu magicznego” (podobieństwo do natury w ich dziełach jest przesadzone, a rzeczywistość bardziej przypomina sen lub halucynację). Inni artyści, jak Charles Sheeler (1883–1965), Charles Demuth (1883–1935), Lionel Feininger (1871–1956) i Georgia O'Keeffe (1887–1986), łączyli w swoich pracach elementy realizmu, kubizmu i ekspresjonizmu. dzieła i inne kierunki sztuki europejskiej. Morskie widoki Johna Marina (1870–1953) i Marsdena Hartleya (1877–1943) są bliskie ekspresjonizmowi. Wizerunki ptaków i zwierząt na obrazach Maurice’a Gravesa (ur. 1910) wciąż zachowują związek ze światem widzialnym, choć formy w jego pracach są mocno zniekształcone i doprowadzone do wręcz skrajnych określeń symbolicznych.

Po II wojnie światowej malarstwo nieobiektywne stało się wiodącym kierunkiem w sztuce amerykańskiej. Główną uwagę zwrócono teraz na samą powierzchnię malarską; postrzegano go jako arenę interakcji linii, mas i plam koloru. W tych latach najważniejsze miejsce zajmował ekspresjonizm abstrakcyjny. Był to pierwszy ruch w malarstwie, który powstał w Stanach Zjednoczonych i miał znaczenie międzynarodowe. Przywódcami tego ruchu byli Arshile Gorky (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) i ​​Franz Kline (1910–1962). Jednym z najciekawszych odkryć abstrakcyjnego ekspresjonizmu była metoda artystyczna Jacksona Pollocka, który kapał lub rzucał farbę na płótno, tworząc skomplikowany labirynt dynamicznych form linearnych. Inni artyści tego ruchu -

Amerykańscy artyści są bardzo różnorodni. Niektórzy byli wyraźnie kosmopolityczni, jak Sargent. Amerykanin z pochodzenia, ale prawie całe swoje dorosłe życie spędził w Londynie i Paryżu.

Są wśród nich także autentyczni Amerykanie, którzy portretowali życie wyłącznie swoich rodaków, jak Rockwell.

Są też artyści nie z tego świata, jak Pollock. Albo tych, których sztuka stała się wytworem społeczeństwa konsumpcyjnego. Mowa oczywiście o Warholu.

Jednak wszyscy oni są Amerykanami. Kochający wolność, odważny, bystry. Przeczytaj o siedmiu z nich poniżej.

1. James Whistler (1834-1903)

Jamesa Whistlera. Autoportret. 1872 Instytut Sztuki w Detroit, USA.

Whistlera trudno nazwać prawdziwym Amerykaninem. Dorastając, mieszkał w Europie. A dzieciństwo spędził... w Rosji. Jego ojciec zbudował linię kolejową w Petersburgu.

To właśnie tam chłopiec James zakochał się w sztuce, odwiedzając dzięki koneksjom ojca Ermitaż i Peterhof (wówczas były to jeszcze pałace zamknięte dla zwiedzających).

Z czego słynie Whistler? Niezależnie od stylu, w jakim pisze, od realizmu po tonalizm*, można go niemal natychmiast rozpoznać po dwóch cechach. Niezwykłe kolory i nazwy muzyczne.

Część jego portretów jest imitacją dawnych mistrzów. Jak na przykład jego słynny portret „Matka artysty”.

Jamesa Whistlera. Matka artysty. Aranżacja w odcieniach szarości i czerni. 1871

Artysta stworzył niesamowite dzieło, używając kolorów od jasnoszarego do ciemnoszarego. I trochę żółtego.

Nie oznacza to jednak, że Whistler uwielbiał takie kolory. Był niezwykłą osobą. Z łatwością mógł pojawić się w towarzystwie w żółtych skarpetkach i niosąc jasny parasol. I to wtedy mężczyźni ubierali się wyłącznie na czarno i szaro.

Ma też na swoim koncie utwory znacznie lżejsze od „Matki”. Na przykład „Symfonia w bieli”. Tak nazwał obraz jeden z dziennikarzy obecnych na wystawie. Whistlerowi spodobał się ten pomysł. Od tego czasu zatytułował muzycznie prawie wszystkie swoje dzieła.

Jamesa Whistlera. Symfonia w bieli nr 1. 1862 National Gallery Waszyngton, USA

Ale wtedy, w 1862 roku, Symfonia nie spodobała się publiczności. Ponownie, ze względu na osobliwą kolorystykę Whistlera. Ludzie uważali, że to dziwne malować kobietę na biało na białym tle.

Na zdjęciu widzimy rudowłosą kochankę Whistlera. Całkiem w duchu prerafaelitów. Przecież w tym czasie artysta przyjaźnił się z jednym z głównych twórców prerafaelizmu, Gabrielem Rossettim. Piękno, lilie, niezwykłe elementy (skóra wilka). Wszystko jest tak jak powinno być.

Ale Whistler szybko odszedł od prerafaelizmu. Ponieważ nie było dla niego ważne piękno zewnętrzne, ale nastrój i emocje. I stworzył nowy kierunek - tonalizm.

Jego nokturny pejzażowe w stylu tonalizmu są naprawdę jak muzyka. Monochromatyczny, lepki.

Sam Whistler powiedział, że tytuły muzyczne pomagają skupić się na samym obrazie, liniach i kolorach. Jednocześnie bez myślenia o miejscu i osobach, które są ukazane.

Jamesa Whistlera. Nokturn w kolorze niebieskim i srebrnym: Chelsea. 1871 Galeria Tate w Londynie
Mary Cassat. Śpiące dziecko. Pastel, papier. 1910 Muzeum Sztuki w Dallas, USA

Do końca pozostała jednak wierna swojemu stylowi. Impresjonizm. Miękki pastel. Matki z dziećmi.

Na rzecz malarstwa Cassatt porzucił macierzyństwo. Ale jej kobieca strona coraz częściej ujawniała się w tak delikatnych dziełach, jak „Śpiące dziecko”. Szkoda, że ​​konserwatywne społeczeństwo kiedyś postawiło ją przed takim wyborem.

3. Jan Sargent (1856-1925)

Johna Sargenta. Autoportret. 1892 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

John Sargent był pewien, że przez całe życie będzie portrecistą. Moja kariera szła dobrze. Arystokraci ustawiali się w kolejce, aby złożyć u niego zamówienie.

Ale pewnego dnia, według społeczeństwa, artysta przekroczył granicę. Trudno nam teraz zrozumieć, co jest tak niedopuszczalnego w filmie „Madame X”.

Co prawda w oryginalnej wersji bohaterka miała opuszczony jeden z pasków. Sargent ją „wychował”, ale to nie pomogło sprawy. Zamówienia wyschły.

Johna Sargenta. Madame H. 1878 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Jaką nieprzyzwoitą rzecz zobaczyła opinia publiczna? I fakt, że Sargent przedstawił modelkę w pozie zbyt pewnej siebie. Co więcej, przezroczysta skóra i różowe ucho są bardzo wymowne.

Zdjęcie zdaje się mówić, że ta kobieta o zwiększonej seksualności nie ma nic przeciwko akceptowaniu zalotów innych mężczyzn. Co więcej, będąc w związku małżeńskim.

Niestety, współcześni nie widzieli arcydzieła stojącego za tym skandalem. Ciemna sukienka, jasna skóra, dynamiczna poza - proste połączenie, które mogą znaleźć tylko najbardziej utalentowani rzemieślnicy.

Ale każda chmura ma dobrą stronę. Sargent otrzymał w zamian wolność. Zacząłem więcej eksperymentować z impresjonizmem. Pisz do dzieci w sytuacjach natychmiastowych. Tak powstała praca „Goździk, Lilia, Lilia, Róża”.

Sargent chciał uchwycić konkretny moment zmierzchu. Dlatego pracowałem tylko 2 minuty dziennie, gdy oświetlenie było odpowiednie. Pracował latem i jesienią. A kiedy kwiaty zwiędły, zastąpiłam je sztucznymi.

Johna Sargenta. Goździk, lilia, lilia, róża. 1885-1886 Galeria Tate w Londynie

W ostatnich dziesięcioleciach Sargent tak upodobał sobie wolność, że zaczął całkowicie porzucać portrety. Chociaż jego reputacja została już przywrócona. Jednej klientce nawet brutalnie odprawił, mówiąc, że chętniej pomalowałby jej bramę niż twarz.

Johna Sargenta. Białe statki. 1908 Muzeum Brooklyńskie, USA

Współcześni traktowali Sargenta z ironią. Uważane za przestarzałe w dobie modernizmu. Ale czas postawił wszystko na swoim miejscu.

Teraz jego dzieła są warte nie mniej niż dzieła najsłynniejszych modernistów. Cóż, nie ma nic do powiedzenia na temat miłości publiczności. Wystawy z jego pracami są zawsze wyprzedane.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Normana Rockwella. Autoportret. Ilustracja do wydania The Saturday Evening Post z 13 lutego 1960 roku.

Trudno sobie wyobrazić bardziej popularnego artystę za jego życia niż Norman Rockwell. Na jego ilustracjach wychowało się kilka pokoleń Amerykanów. Kochając ich całą duszą.

W końcu Rockwell portretował zwykłych Amerykanów. Ale jednocześnie pokazując swoje życie od jak najbardziej pozytywnej strony. Rockwell nie chciał pokazywać ani złych ojców, ani obojętnych matek. I nie spotkasz z nim żadnych nieszczęśliwych dzieci.

Normana Rockwella. Cała rodzina na wakacjach i z wakacji. Ilustracja w magazynie „Evening Saturday Post” z 30 sierpnia 1947 r. Muzeum Normana Rockwella w Stockbridge, Massachusetts, USA

Jego prace są pełne humoru, bogatej kolorystyki i bardzo umiejętnie uchwyconej mimiki życia.

Ale to złudzenie, że praca była dla Rockwella łatwa. Aby stworzyć jeden obraz, mógł najpierw wykonać nawet sto zdjęć swoich bohaterów, aby uchwycić właściwe gesty.

Prace Rockwella wywarły ogromny wpływ na umysły milionów Amerykanów. Przecież często wypowiadał się poprzez swoje obrazy.

Podczas II wojny światowej postanowił pokazać, o co walczą żołnierze jego kraju. Stworzył także obraz „Wolność od pragnień”. W formie Święta Dziękczynienia, podczas którego wszyscy członkowie rodziny, dobrze odżywieni i usatysfakcjonowani, cieszą się rodzinnym świętem.

Normana Rockwella. Wolność od pragnienia. 1943 Muzeum Normana Rockwella w Stockbridge, Massachusetts, USA

Po 50 latach pracy w „Saturday Evening Post” Rockwell odszedł do bardziej demokratycznego magazynu „Look”, w którym mógł wyrażać swoje poglądy na kwestie społeczne.

Najbardziej uderzającym dziełem tamtych lat jest „Problem, z którym żyjemy”.

Normana Rockwella. Problem, z którym żyjemy. 1964 Muzeum Normana Rockwella, Stockbridge, USA

To prawdziwa historia czarnej dziewczyny, która chodziła do białej szkoły. Od czasu uchwalenia prawa, które stanowi, że ludzie (a tym samym instytucje edukacyjne) nie powinny być już rozdzielane ze względu na rasę.

Ale złość mieszkańców miasta nie miała granic. W drodze do szkoły dziewczynka była pilnowana przez policję. To jest „rutynowy” moment, który pokazał Rockwell.

Jeśli chcesz poznać życie Amerykanów w nieco upiększonym świetle (tak jak oni sami chcieli je zobaczyć), koniecznie obejrzyj obrazy Rockwella.

Być może ze wszystkich malarzy przedstawionych w tym artykule Rockwell jest najbardziej amerykańskim artystą.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Andrzej Wyeth. Autoportret. 1945 Narodowa Akademia Projektowania w Nowym Jorku

W przeciwieństwie do Rockwella Wyeth nie był tak pozytywny. Samotnik z natury, nie próbował niczego upiększać. Wręcz przeciwnie, przedstawiał najzwyklejsze krajobrazy i rzeczy niezwykłe. Tylko pole pszenicy, tylko drewniany dom. Ale udało mu się nawet dostrzec w nich coś magicznego.

Jego najsłynniejszym dziełem jest „Świat Christiny”. Wyeth pokazał losy jednej kobiety, swojej sąsiadki. Sparaliżowana od dzieciństwa, czołgała się po gospodarstwie.

Zatem na tym zdjęciu nie ma nic romantycznego, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Jeśli przyjrzysz się uważnie, kobieta jest boleśnie chuda. A wiedząc, że bohaterka ma sparaliżowane nogi, ze smutkiem rozumie się, jak daleko jej jeszcze do domu.

Na pierwszy rzut oka Wyeth napisał najzwyklejszą rzecz. Oto stare okno starego domu. Podniszczona zasłona, która już zaczęła zamieniać się w strzępy. Za oknem las jest ciemny.

Ale jest w tym wszystkim pewna tajemnica. Inne spojrzenie.

Andrzej Wyeth. Wiatr od morza. 1947 Galeria Narodowa Waszyngton, USA

Dzięki temu dzieci wiedzą, jak patrzeć na świat z otwartym umysłem. Wyatt wygląda tak samo. I jesteśmy z nim.

Wszystkimi sprawami Wyetha zajmowała się jego żona. Była dobrą organizatorką. To ona kontaktowała się z muzeami i kolekcjonerami.

W ich związku było niewiele romantyzmu. Muza musiała się pojawić. I stała się prostą, ale o niezwykłym wyglądzie Helgą. Dokładnie to widzimy w wielu miejscach pracy.

Andrzej Wyeth. Warkocze (z serii „Helga”). 1979 Zbiory prywatne

Wydawać by się mogło, że widzimy jedynie fotograficzny obraz kobiety. Ale z jakiegoś powodu trudno się od niej oderwać. Jej wygląd jest zbyt skomplikowany, a ramiona napięte. To tak, jakbyśmy byli razem z nią wewnętrznie napięci. Próbuję znaleźć wyjaśnienie tego napięcia.

Odwzorowując rzeczywistość w każdym szczególe, Wyeth w magiczny sposób obdarzył ją emocjami, które nie pozostawiają obojętnym.

Artysta długo nie był rozpoznawany. Swoim realizmem, choć magicznym, nie wpisywał się w modernistyczne trendy XX wieku.

Kiedy muzealnicy kupowali jego dzieła, starali się to zrobić po cichu, bez zwracania na siebie uwagi. Wystawy organizowano rzadko. Ale ku zazdrości modernistów zawsze odnosiły one ogromny sukces. Ludzie przybywali tłumnie. I wciąż przychodzą.

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jacksona Pollocka. Zdjęcie z 1950 r.: Hans Namuth

Jacksona Pollocka nie można zignorować. Przekroczył w sztuce pewną granicę, po której malarstwo nie mogło już być takie samo. Pokazał, że w sztuce w ogóle można obejść się bez granic. Kiedy położyłem płótno na podłodze i spryskałem je farbą.

A ten amerykański artysta zaczął od sztuki abstrakcyjnej, w której wciąż można było prześledzić figuratywność. W jego pracy z lat 40. „Figura stenograficzna” widzimy zarysy zarówno twarzy, jak i dłoni. A nawet symbole, które rozumiemy w postaci krzyżyków i zer.

Jacksona Pollocka. Skrócona figura. 1942 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA)

Jego dzieło było chwalone, ale ludziom nie spieszyło się z zakupem. Był biedny jak mysz kościelna. I pił bezwstydnie. Pomimo szczęśliwego małżeństwa. Żona podziwiała jego talent i robiła wszystko, aby mąż osiągnął sukces.

Ale Pollock początkowo miał złamaną osobowość. Od młodości z jego działań jasno wynikało, że jego przeznaczeniem była przedwczesna śmierć.

To załamanie ostatecznie doprowadzi do jego śmierci w wieku 44 lat. Ale będzie miał czas, aby dokonać rewolucji w sztuce i zyskać sławę.

Jacksona Pollocka. Rytm jesieni (numer 30). 1950 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, USA

I zrobił to w ciągu dwóch lat trzeźwości. Mógł owocnie pracować w latach 1950-1952. Eksperymentował długo, aż doszedł do techniki kroplowej.

Rozłożył na podłodze swojej stodoły ogromne płótno i spacerował po nim, jakby był w samym obrazie. I spryskał lub po prostu wylał farbę.

Ludzie zaczęli chętnie kupować od niego te niezwykłe obrazy ze względu na ich niesamowitą oryginalność i nowatorstwo.

Jacksona Pollocka. Niebieskie filary. 1952 Galeria Narodowa Australii, Canberra

Pollock był przytłoczony sławą i popadł w depresję, nie rozumiejąc, gdzie dalej się poruszać. Śmiertelna mieszanka alkoholu i depresji nie pozostawiła mu szans na przeżycie. Któregoś dnia wsiadł za kierownicę bardzo pijany. Ostatni raz.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Andy’ego Warhole’a. Zdjęcie z 1979 r.: Arthur Tress

Pop-art mógł narodzić się tylko w kraju o takim kulcie konsumpcji jak w Ameryce. A jego głównym inicjatorem był oczywiście Andy Warhol.

Zasłynął z tego, że najzwyklejsze rzeczy zamieniał w dzieło sztuki. Tak właśnie stało się z puszką zupy Campbell.

Wybór nie był przypadkowy. Matka Warhola karmiła syna tą zupą codziennie przez ponad 20 lat. Nawet gdy przeprowadził się do Nowego Jorku i zabrał ze sobą matkę.

Andy’ego Warhole’a. Puszki z zupą Campbell. Polimer, druk ręczny. 32 obrazy o wymiarach 50x40 każdy. 1962 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA)

Po tym eksperymencie Warhol zainteresował się sitodrukiem. Od tego czasu robił zdjęcia gwiazd popu i malował je w różnych kolorach.

Tak pojawiła się jego słynna malowana Marilyn Monroe.

Wyprodukowano niezliczoną ilość takich kwaśnych kwiatów Marilyn. Warhol wprowadził sztukę na rynek. Tak jak powinno być w społeczeństwie konsumpcyjnym.

Andy’ego Warhole’a. Marilyn Monroe. Sitodruk, papier. 1967 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA)

Warhol nie wymyślił pomalowanych twarzy znikąd. I znowu nie obyło się bez wpływu matki. Jako dziecko, w czasie przewlekłej choroby syna, przynosiła mu paczki kolorowanek.

To hobby z dzieciństwa stało się jego wizytówką i uczyniło go bajecznie bogatym.

Malował nie tylko gwiazdy popu, ale także arcydzieła swoich poprzedników. Ja też to dostałem.

„Wenus”, podobnie jak Marilyn, zrobiła wiele. Ekskluzywność dzieła sztuki została przez Warhola „wymazana” na proszek. Dlaczego artysta to zrobił?

Popularyzować stare arcydzieła? Lub odwrotnie, spróbować je zdewaluować? Unieśmiertelnić gwiazdy popu? A może urozmaicić śmierć ironią?

Andy’ego Warhole’a. Wenus Botticellego. Sitodruk, akryl, płótno. 122x183 cm 1982. Muzeum E. Warhola w Pittsburghu, USA

Jego kolorowe dzieła Madonny, Elvisa Presleya czy Lenina są czasami bardziej rozpoznawalne niż oryginalne fotografie.

Ale arcydzieła nie zostały przyćmione. Mimo to dziewicza „Wenus” pozostaje bezcenna.

Warhol był zapalonym imprezowiczem, przyciągającym wielu marginalizowanych ludzi. Narkomani, nieudani aktorzy lub po prostu niezrównoważone jednostki. Jeden z nich strzelił do niego raz.

Warhol przeżył. Jednak 20 lat później, w wyniku odniesionych kiedyś ran, zmarł samotnie w swoim mieszkaniu.

Tygiel amerykański

Pomimo krótkiej historii sztuki amerykańskiej, asortyment jest szeroki. Wśród artystów amerykańskich można wymienić impresjonistów (Sargent), realistów magicznych (Wyeth), ekspresjonistów abstrakcyjnych (Pollock) i pionierów pop-artu (Warhol).

Cóż, Amerykanie kochają wolność wyboru we wszystkim. Setki wyznań. Setki narodów. Setki stylów artystycznych. Dlatego jest to tygiel Stanów Zjednoczonych Ameryki.

W kontakcie z

Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła pozostaną w Waszej pamięci nie mniej głęboko, niż dzieła mistrzów minionych epok.

Wojciecha Babskiego

Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył studia na Politechnice Śląskiej, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Koncentruje się na wyrażaniu emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.

Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z różnymi nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.

Warrena Changa

Warren Chang to współczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., gdzie uzyskał tytuł BFA. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę profesjonalnego artysty.

Jego obrazy realistyczne można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi przy pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa sięga twórczości XVI-wiecznego artysty Johannesa Vermeera i obejmuje tematy, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, wnętrza pracowni, sale lekcyjne i domy. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.

Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki piękne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności zajmującej się malarstwem olejnym w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Warren obecnie mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, a także wykłada (znany jako utalentowany nauczyciel) w Akademii Sztuki w San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni to włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Uzyskał dyplom ze scenografii w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.

Wczesne obrazy Bruniego zakorzenione są w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich bohaterów. Obiekty animowane i nieożywione zyskują jednakową dostojność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za kurtyną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, troskliwość i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.

Aleksander Balos

Alkasander Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w Shasta w Kalifornii.

Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, dlatego od najmłodszych lat działalność artystyczna cieszyła się pełnym wsparciem obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i pracująca na pół etatu artystka Cathy Gaggliardi namówiła Alkasandera do zapisania się do szkoły plastycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee w stanie Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rosina.

Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć studia w School of Fine Arts, której metody opierają się na twórczości Jacques-Louis Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do uwypuklenia cech i wad ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.

Tematyka kompozycji jego obrazów przeznaczona jest do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy obrazy nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu tematyka jego prac znacznie się poszerzyła i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały istnienia poprzez malarstwo.

Alyssa Monks

Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodzony w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zacząłem się interesować już jako dziecko. Studiowała w The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo de' Medici we Florencji.

Następnie kontynuowała studia w ramach studiów magisterskich w New York Academy of Art na wydziale Sztuki Figuratywnej, które ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i placówkach oświatowych w całym kraju, ucząc malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.

„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru - częściami ludzkiego ciała.

Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moi bohaterowie przyciskają się do szyby okna prysznica, zniekształcając własne ciała, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Miesza się grube warstwy farby, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska widoczne są niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję punkt, w którym abstrakcyjne pociągnięcia pędzlem stają się czymś innym.

Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i wierzyłem, że muszę malować jak najbardziej realistycznie. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się on rozwikłać i ujawnić same w sobie sprzeczności. Obecnie badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.

Antonia Finelliego

Włoski artysta – „ Obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Rysunki ołówkiem” Obserwator czasu„Antonio Finelli zabiera nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej doczesności i związaną z nią skrupulatną analizę tego świata, której głównym elementem jest przemijanie czasu i ślady, jakie pozostawia on na skórze.

Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezlitosności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym, ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.

Flaminię Carloni

Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Przez dwanaście lat mieszkała w Rzymie, a przez trzy lata w Anglii i Francji. Ukończyła historię sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.

Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „uczesać la pate” i bawić się materiałem. Podobną technikę rozpoznała w twórczości artysty Pascala Torui. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: sztuką uliczną, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.

Denis Czernow

Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Szkoły Artystycznej w 1998 roku pozostał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.

Regularnie uczestniczy w wystawach sztuki, obecnie odbyło się ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.

Denis posługuje się szeroką gamą technik graficznych i malarskich. Do jego ulubionych metod malarskich należy rysunek ołówkiem, lista tematów jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna; maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.