Sztuka i projektowanie

7404

24.09.15 01:41

„Taka mała, najwyraźniej została przeceniona!” Niektórzy turyści, którzy przybyli do Luwru specjalnie, aby zobaczyć lokalną świątynię, Mona Lisę, chrząkają… Luwr Luwr, ale nie zapominajmy, że wielu słynnych malarzy urodziło się w samej Francji. Zróbmy sobie krótką wycieczkę w przeszłość tego kraju i przypomnijmy najlepszych francuskich artystów.

Najlepsi francuscy artyści

Wielki klasycyzm

Urodzony pod koniec XVI wieku Nicolas Poussin entuzjastycznie przyjął techniki mistrzów wysokiego renesansu, w tym autora La Gioconda da Vinci i Rafaela. W jego obrazach często pojawiają się postacie biblijne, sceny mitologiczne (nawet cykl pejzaży poświęcony porom roku, a ten inspirowany Biblią). Norman Poussin stał u początków klasycyzmu, jego wkład w sztukę francuską jest nie do przecenienia. W naszej Ermitażu znajduje się jego obraz „Odpoczynek podczas lotu do Egiptu”.

Piosenkarz epoki szarmanckiej

Antoine Watteau, który urodził się prawie dwie dekady po śmierci Poussina, mocno królował na „Olimpie” francuskich artystów. W jego czasach nie było w Europie ani jednego malarza, który mógłby z nim konkurować umiejętnościami. Żył tylko 36 lat, ale pozostawił po sobie wiele arcydzieł. Codzienne sceny, pejzaże, portrety Watteau są urocze i eleganckie, nazywany jest prekursorem stylu rokoko. Aby zostać przyjętym do Akademii Sztuk Pięknych, młody człowiek namalował dwie wersje obrazu „Pielgrzymka na wyspę Cythera” (jedna jest przechowywana w Berlinie, druga w Luwrze w Paryżu). Ermitaż nabył kilka dzieł francuskiego artysty, w tym obraz Aktorzy francuskiej komedii.

Utalentowany pejzażysta

Pierwszorzędny malarz morski i pejzażowy Claude Joseph Vernet przez długi czas pracował we Włoszech. Wybrzeże Neapolu i potężny Tybr odcisnęły piętno na jego twórczości. Kolekcja Luwru obejmuje „Widok na most i zamek Świętego Anioła” i „Widok Neapolu z Wezuwiuszem”, a eksponaty Ermitażu „Skały nad morzem”, „Poranek w Castellammare” i kilka innych arcydzieł mistrza.

Romantyczni koledzy

Eugene Delacroix, przedstawiciel nurtu romantycznego w sztuce, urodził się na przełomie XVIII i XIX wieku i otrzymał dobre wykształcenie. Uwielbiał kopiować arcydzieła dawnych mistrzów - na nich doskonalił swoją sztukę. Eugene przyjaźnił się z Aleksandrem Dumasem i podziwiał twórczość Géricaulta. Niektóre z najbardziej znanych obrazów Delacroix (często wybierał tematy historyczne) to „Wolność na barykadach” i „Śmierć Sardanapala”.

Inny romantyk, Theodore Gericault, był tylko kilka lat starszy od Delacroix, ale był wielkim autorytetem dla swojego kolegi. Niestety, los odmierzył mu bardzo krótki czas - w wieku 32 lat malarz spadł z konia i rozbił się. Theodor preferował sceny batalistyczne na dużą skalę, kopiował Rubensa, będąc zagorzałym wielbicielem Flemingów. Nawet jeśli nie słyszałeś nazwiska tego francuskiego artysty, prawdopodobnie natrafiłeś na reprodukcje arcydzieła Gericaulta „Tratwa Meduzy” (to dzieło jest dumą Luwru).

Wieczny Wędrowiec

Eugene Henri Paul Gauguin jest nam lepiej znany. Postimpresjonista uchwycił początek XX wieku, ale odszedł dość wcześnie: zmarł w wieku 54 lat w 1903 roku w Polinezji Francuskiej. Mówią, że geniusza zabiły dolegliwości (najgorsza z nich to nieuleczalny trąd). W młodości dużo podróżował: Paul służył jako prosty marynarz na okręcie wojennym, był palaczem na statkach floty handlowej. Wrażenia te znalazły oczywiście odzwierciedlenie w pracach malarza. Prawie poświęcił swoje życie pośrednictwu, ale zatrzymał się w czasie i poświęcił się kreatywności. Nawet niewtajemniczeni znają żywe obrazy stworzone przez Gauguina, na przykład „Kobieta trzymająca owoc”.

latające sylwetki

Każdy z was słyszał wyrażenie „Degas Ballerinas”. Ten francuski artysta naprawdę czerpał inspiracje ze szkół baletowych i prób. Jego lekkimi pastelowymi pociągnięciami udało się uchwycić wdzięczne lekkie przechylenia głowy, piruety, ukłony, skoki - widzimy to na płótnach impresjonisty „Lekcja tańca” czy „Niebiescy tancerze”. Szeroko znane są jego sceny z życia codziennego: "Absynt", "Prasacze".

Ojciec impresjonizmu

Inny klasyk malarstwa europejskiego – Edouard Manet (jeden z „ojców” impresjonizmu) – podobnie jak Degas lubił przedstawiać życie mieszczan: ich spacery po ogrodzie czy pikniki na łonie natury. Jego portrety odznaczają się prostotą i bezpretensjonalnością, a pod koniec życia nagle zainteresował się martwą naturą. Olympia, The Railroad, Breakfast on the Grass są uważane za arcydzieła światowej sławy.

Sentymentalny i perłowy

Ulubionym gatunkiem Pierre-Auguste'a Renoira był portret. Świecka chciwość, młode niewinne panny, zakochane pary ożywają pod pewnymi pociągnięciami pędzla mistrza. Zaczynając jako impresjonista, Pierre stopniowo rozczarował się nim i dołączył do klasycystów. Jego sztuka jest sentymentalna i macica perłowa. Spójrz na „Girls at the Piano” czy „Spring Bouquet”, płótna wydają się świecić od środka.

Czy wieśniak, czy myśliciel ...

Paul Cezanne, ze swoimi sylwetkami wyrzeźbionymi w kamieniu na portretach i nieco „rozmazanych” pejzażach, jest błyskotliwym przedstawicielem postimpresjonizmu. Zarówno w twórczości, jak iw życiu był skąpy w emocjach, lakoniczny i niezbyt emocjonalny - coś w nim pochodziło od chłopa, coś od naukowca-myśliciela. Co ciekawe, jest to jego arcydzieło „Gracze w karty” – jeden z najdroższych obrazów świata (w 2012 roku został zakupiony do kolekcji emira Kataru za 250 mln dolarów).

Zła skała arystokraty

Ostatni na naszej liście najlepszych francuskich artystów jest biedak Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Dlaczego biedny facet? Tak, należał do starożytnej rodziny hrabstwa, ale w wieku 13 i 14 lat młodzieńcowi udało się złamać najpierw udo jednej nogi, potem drugiej, przez co przestały rosnąć. Henri pozostał niepełnosprawnym półkrasnoludem. Niemożność zrobienia kariery wojskowej wstrząsnęła całą rodziną, a sam Henri został zachęcony do zajęcia się malarstwem. Uczył się u mistrzów (bardzo lubił twórczość Degasa i Cezanne'a), a po przybyciu do Paryża stał się bywalcem kabaretów i pubów, pił, zaraził się syfilisem i zmarł w wieku 37 lat. Jego grafiki i obrazy zostały docenione po jego śmierci. Portrety artystów i prostytutek z Moulin Rouge, z usług których zmuszony był skorzystać Toulouse Lautrec, uchodzą dziś za arcydzieła.

Francuską szkołę artystyczną przełomu XVII i XVIII wieku można nazwać wiodącą szkołą europejską, to właśnie we Francji w tym czasie narodziły się takie style artystyczne jak rokoko, romantyzm, klasycyzm, realizm, impresjonizm i postimpresjonizm.

Rokoko (rokoko francuskie, od rocaille – motyw ozdobny w kształcie muszli) – styl w sztuce europejskiej I połowy XVIII wieku. Rokoko cechuje hedonizm, wycofanie się w świat idyllicznej teatralnej zabawy, zamiłowanie do tematów sielankowych i zmysłowo-erotycznych. Charakter rokokowego wystroju nabrał zdecydowanie eleganckich, wyrafinowanych i wyrafinowanych form.

Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard pracowali w stylu rokoko.

Klasycyzm - styl w sztuce europejskiej XVII - początku XIX wieku, którego cechą charakterystyczną było odwoływanie się do form sztuki antycznej, jako idealnej normy estetycznej i etycznej.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David pracowali w stylu klasycyzmu.

Romantyzm - styl sztuki europejskiej w XVIII-XIX wieku, którego charakterystycznymi cechami było stwierdzenie przyrodzonej wartości życia duchowego i twórczego jednostki, obraz silnych i często buntowniczych namiętności i charakterów.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake pracowali w stylu romantyzmu.

Edwarda Maneta. Śniadanie w warsztacie. 1868

Realizm - styl sztuki, którego zadaniem jest jak najdokładniejsze i obiektywne utrwalanie rzeczywistości. Stylistycznie realizm jest wielostronny i wielowariantowy. Różne aspekty realizmu w malarstwie to barokowy iluzjonizm Caravaggia i Velazqueza, impresjonizm Maneta i Degasa oraz dzieła Nyunena Van Gogha.

Narodziny realizmu w malarstwie kojarzone są najczęściej z twórczością francuskiego artysty Gustave'a Courbeta, który w 1855 r. Francois Millet, Jules Breton pracowali w realistyczny sposób. w 1870 roku realizm został podzielony na dwa główne obszary - naturalizm i impresjonizm.

Malarstwo realistyczne rozpowszechniło się na całym świecie. Wędrowcy pracowali w stylu realizmu o ostrej orientacji społecznej w Rosji XIX wieku.

Impresjonizm (z francuskiego impresja - impresja) - styl w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, którego cechą charakterystyczną była chęć jak najbardziej naturalnego uchwycenia świata rzeczywistego w jego ruchliwości i zmienności, przekazania ich ulotnych wrażeń . Impresjonizm nie poruszał kwestii filozoficznych, ale skupiał się na płynności chwili, nastroju i oświetleniu. Tematem impresjonistów staje się samo życie, jako seria małych świąt, przyjęć, przyjemnych pikników na łonie natury w przyjaznym otoczeniu. Impresjoniści jako jedni z pierwszych malowali w plenerze, nie kończąc pracy w pracowni.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i inni pracowali w stylu impresjonizmu.

postimpresjonizm - styl w sztuce, który powstał pod koniec XIX wieku. Postimpresjoniści dążyli do swobodnego i ogólnego oddania materialności świata, uciekając się do dekoracyjnej stylizacji.

Postimpresjonizm dał początek takim dziedzinom sztuki jak ekspresjonizm, symbolizm i nowoczesność.

Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec pracowali w stylu postimpresjonizmu.

Rozważmy bardziej szczegółowo impresjonizm i postimpresjonizm na przykładzie twórczości poszczególnych mistrzów Francji XIX wieku.

Edgara Degasa. Autoportret. 1854-1855

Edgara Degasa (lata życia 1834-1917) – francuski malarz, grafik i rzeźbiarz.

Wychodząc od ściśle historycznych obrazów i portretów, w latach 70. XIX wieku Degas zbliżył się do przedstawicieli impresjonizmu i zwrócił się ku obrazowi współczesnego życia miejskiego - ulicom, kawiarniom, przedstawieniom teatralnym.

W obrazach Degasa dynamiczna, często asymetryczna kompozycja, dokładny elastyczny rysunek, nieoczekiwane kąty, aktywna interakcja figury z przestrzenią są starannie przemyślane i zweryfikowane.

E. Degasa. Łazienka. 1885

W wielu pracach Edgar Degas pokazuje specyfikę zachowania i wyglądu ludzi, generowaną przez osobliwości ich życia, ujawnia mechanizm profesjonalnego gestu, postawy, ruchu osoby, jej plastycznego piękna. Sztuka Degasa tkwi w połączeniu piękna z prozaicznością; artysta, jako trzeźwy i subtelny obserwator, uchwycił jednocześnie żmudną codzienną pracę kryjącą się za elegancką rozrywką.

Ulubiona technika pasteli pozwoliła Edgarowi Degasowi w pełni pokazać swój talent rysownika. Nasycone tony i „mieniące się” akcenty pasteli pomogły artyście stworzyć tę szczególną barwną atmosferę, tę opalizującą zwiewność, która tak wyróżnia wszystkie jego prace.

W dojrzałych latach Degas często zwraca się do tematu baletu. Delikatne i nieważkie postacie baletnic pojawiają się przed widzem czy to w półmroku zajęć tanecznych, czy w świetle reflektorów na scenie, czy też w krótkich chwilach odpoczynku. Pozorna przypadkowość kompozycji i bezstronność autora sprawiają wrażenie podglądania czyjegoś życia, artysta pokazuje nam świat pełen wdzięku i piękna, nie popadając w przesadny sentymentalizm.

Edgara Degasa można nazwać subtelnym kolorystą, jego pastele są zaskakująco harmonijne, czasem delikatne i lekkie, czasem zbudowane na ostrych kontrastach kolorystycznych. Maniery Degasa wyróżniały się niesamowitą swobodą, nakładał pastele odważnymi, łamanymi pociągnięciami, czasami pozostawiając ton papieru przebijający się przez pastel lub dodając pociągnięcia olejem lub akwarelą. Kolor na obrazach Degasa powstaje z opalizującego blasku, z płynącego strumienia opalizujących linii, które dają początek formie.

Późne prace Degasa wyróżniają się intensywnością i bogactwem barw, które uzupełniają efekty sztucznego oświetlenia, powiększonych, niemal płaskich form oraz ograniczenia przestrzeni, które nadają im napięty i dramatyczny charakter. W tym

okres Degas napisał jedno ze swoich najlepszych dzieł - „Niebiescy tancerze”. Artysta operuje tu dużymi plamami koloru, przywiązując ogromną wagę do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu. Pod względem piękna harmonii kolorystycznej i rozwiązania kompozycyjnego obraz „Niebiescy tancerze” można uznać za najlepsze ucieleśnienie tematu baletu Degasa, który osiągnął w tym obrazie najwyższe bogactwo faktur i zestawień kolorystycznych.

PO Renoir. Autoportret. 1875

Pierre'a Augusta Renoira (lata życia 1841-1919) – francuski malarz, grafik i rzeźbiarz, jeden z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Renoir znany jest przede wszystkim jako mistrz świeckiego portretu, nie pozbawiony sentymentalizmu. W połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku. właściwie zerwał z impresjonizmem, wracając do linearności klasycyzmu w okresie twórczości Ingresa. Niezwykły kolorysta, Renoir, często osiąga wrażenie malarstwa monochromatycznego za pomocą najlepszych kombinacji valères, podobnych w tonacji kolorystycznej.

PO Renoir. Brodzik dla dzieci. 1869

Jak większość impresjonistów, Renoir wybiera ulotne epizody życia jako tematy swoich obrazów, preferując świąteczne sceny miejskie - bale, tańce, spacery („Nowy most”, „Żaba”, „Moulin da la Galette” i inne). Na tych płótnach nie zobaczymy ani czerni, ani ciemnego brązu. Tylko gama czystych i jasnych kolorów, które łączą się ze sobą, gdy patrzy się na nie z pewnej odległości. Postacie ludzi na tych obrazach są namalowane tą samą impresjonistyczną techniką, co otaczający ich krajobraz, z którym często się łączą.

PO Renoir. Portret aktorki Jeanne Samary. 1877

Szczególne miejsce w twórczości Renoira zajmują poetyckie i urocze kobiece wizerunki: różne wewnętrznie, ale na zewnątrz nieco do siebie podobne, wydają się być naznaczone wspólną pieczęcią epoki. Renoir namalował trzy różne portrety aktorki Jeanne Samary. Na jednym z nich aktorka jest przedstawiona w wykwintnej zielono-niebieskiej sukience na różowym tle. Na tym portrecie Renoirowi udało się podkreślić najlepsze cechy swojego modelu: piękno, żywy umysł, otwarte spojrzenie, promienny uśmiech. Styl pracy artysty jest bardzo swobodny, czasem aż do zaniedbania, ale tworzy to atmosferę niezwykłej świeżości, duchowej klarowności i pogody ducha. W obrazie aktu Renoir osiąga rzadkie wyrafinowanie goździków (malowanie koloru ludzkiego skin), zbudowane na połączeniu ciepłych, cielistych tonacji z przesuwającymi się jasnymi zielonkawymi i szaroniebieskimi refleksami, nadające powierzchni płótna gładkość i matowość. W obrazie „Akt w słońcu” Renoir używa głównie kolorów podstawowych i drugorzędnych, całkowicie wykluczając czerń. Kolorowe plamy uzyskane za pomocą małych kolorowych kresek dają charakterystyczny efekt łączenia, gdy widz oddala się od obrazu.

Należy zauważyć, że użycie odcieni zieleni, żółci, ochry, różu i czerwieni do przedstawienia skóry zszokowało ówczesną publiczność, nieprzygotowaną na dostrzeżenie faktu, że cienie powinny być kolorowe, wypełnione światłem.

W latach osiemdziesiątych XIX wieku w twórczości Renoira rozpoczął się tak zwany „okres Ingres”. Najbardziej znanym dziełem tego okresu są Wielcy Kąpiący się. Po raz pierwszy Renoir zaczął używać szkiców i szkiców do budowania kompozycji, linie rysunku stały się wyraźne i wyraźne, kolory straciły dawną jasność i nasycenie, obraz jako całość zaczął wyglądać na bardziej powściągliwy i zimniejszy.

Na początku lat 90. XIX wieku w sztuce Renoira zaszły nowe zmiany. W malarski sposób pojawia się opalizacja koloru, dlatego okres ten nazywany jest czasem „perłowym”, następnie okres ten ustępuje miejsca „czerwonemu”, nazwany tak ze względu na preferencje dla odcieni czerwonawych i różowych kwiatów.

Eugene Henri Paul Gauguin (lata życia 1848-1903) – francuski malarz, rzeźbiarz i grafik. Był obok Cezanne'a i Van Gogha największym przedstawicielem postimpresjonizmu. Zaczął malować w wieku dorosłym, wczesny okres twórczości związany jest z impresjonizmem. Najlepsze dzieła Gauguina powstały na wyspach Tahiti i Hiva-Oa w Oceanii, gdzie Gauguin opuścił „przewrotną cywilizację”. Charakterystyczną cechą stylu Gauguina jest tworzenie na dużych płaskich płótnach kompozycji statycznych i kontrastujących kolorystycznie, głęboko emocjonalnych i jednocześnie dekoracyjnych.

W Żółtym Chrystusie Gauguin przedstawił krucyfiks na tle typowego francuskiego krajobrazu wiejskiego, cierpiącego Jezusa otoczonego przez trzy bretońskie wieśniaczki. Spokój w powietrzu, spokojne, uległe pozy kobiet, pejzaż nasycony słonecznie żółtym kolorem z drzewami w czerwonym jesiennym listowiu, chłop zajęty w oddali swoimi sprawami, nie mogą nie kłócić się z tym, co dzieje się na krzyżu. Otoczenie ostro kontrastuje z Jezusem, na którego twarzy maluje się ten etap cierpienia, graniczący z apatią, obojętnością na wszystko wokół. Sprzeczność z bezgranicznymi mękami przyjętymi przez Chrystusa i „niewidzialnością” tej ofiary przez ludzi – to główny temat tej pracy Gauguina.

P. Gauguina. Czy jesteś zazdrosny? 1892

Obraz „Czy jesteś zazdrosny?” nawiązuje do polinezyjskiego okresu twórczości artysty. Obraz oparty jest na scenie z życia, podglądanej przez artystę:

na brzegu dwie siostry - dopiero co pływały, a teraz ich ciała leżą rozłożone na piasku w swobodnych zmysłowych pozach - rozmawiają o miłości, jedno wspomnienie budzi spór: „Jak? Czy jesteś zazdrosny!".

Malując soczyste, pełnokrwiste piękno tropikalnej przyrody, naturalnych ludzi nieskażonych cywilizacją, Gauguin przedstawił utopijne marzenie o ziemskim raju, o życiu człowieka w zgodzie z naturą. Polinezyjskie płótna Gauguina przypominają panele dekoracyjną barwą, płaskością i monumentalnością kompozycji, uogólnieniem stylizowanego wzoru.

P. Gauguina. Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? 1897-1898

Obraz „Skąd się wzięliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" Gauguin rozważał wzniosłą kulminację swoich przemyśleń. Zgodnie z intencją artysty, obraz należy czytać od prawej do lewej: trzy główne grupy figur ilustrują postawione w tytule pytania. Grupa kobiet z dzieckiem po prawej stronie obrazu przedstawia początek życia; środkowa grupa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w grupie skrajnie lewicowej Gauguin przedstawiał ludzką starość, zbliżającą się do śmierci; niebieski idol w tle symbolizuje inny świat. Ten obraz jest szczytem innowacyjnego postimpresjonistycznego stylu Gauguina; jego styl łączył wyraźne operowanie kolorem, dekoracyjne rozwiązania kolorystyczne i kompozycyjne, płaskość i monumentalność obrazu z ekspresją emocjonalną.

Twórczość Gauguina antycypowała wiele cech stylu Art Nouveau, który rozwinął się w tym okresie i wpłynął na kształtowanie się mistrzów grupy Nabis i innych malarzy początku XX wieku.

W Van Gogha. Autoportret. 1889

Vincent van Gogh (lata życia 1853-1890) – francuski i holenderski malarz postimpresjonistyczny, zaczął malować, podobnie jak Paul Gauguin, już w wieku dorosłym, w latach 80. XIX wieku. Do tego czasu Van Gogh z powodzeniem pracował jako handlarz, następnie jako nauczyciel w szkole z internatem, później studiował w protestanckiej szkole misyjnej i przez sześć miesięcy pracował jako misjonarz w biednej dzielnicy górniczej w Belgii. Na początku lat 80. XIX wieku Van Gogh zwrócił się ku sztuce, uczęszczając do Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli (1880-1881) i Antwerpii (1885-1886). We wczesnym okresie swojej twórczości Van Gogh malował szkice i obrazy w ciemnej gamie malarskiej, wybierając jako fabuły sceny z życia górników, chłopów i rzemieślników. Prace Van Gogha z tego okresu („Zjadacze ziemniaków”, „Wieża starego kościoła w Nynen”, „Buty”) charakteryzują się boleśnie ostrym postrzeganiem ludzkiego cierpienia i uczuciami depresji, przytłaczającą atmosferą napięcia psychicznego. W listach do brata Theo artysta tak pisał o jednym z obrazów z tego okresu, Jedzących kartofle: „Starałem się w nim podkreślić, że ci ludzie, jedząc ziemniaki przy świetle lampy, wykopali ziemię tymi samymi rękami, które wyciągnęli do naczynia; tak więc płótno mówi o ciężkiej pracy io tym, że bohaterowie uczciwie zasłużyli na jedzenie. ”W latach 1886-1888. Van Gogh mieszkał w Paryżu, odwiedzał prestiżową prywatną pracownię artystyczną słynnego w całej Europie nauczyciela P. Cormona, studiował malarstwo impresjonistyczne, japońskie ryciny i dzieła syntetyczne Paula Gauguina. W tym okresie paleta Van Gogha stała się jasna, zniknął ziemisty odcień farby, pojawiły się czyste niebieskie, złotożółte, czerwone odcienie, jego charakterystyczna dynamika, jakby płynne pociągnięcie pędzla („Agostina Segatori in the Tambourine Cafe”, „Most nad Sekwaną” ”, „Papa Tanguy”, „Widok Paryża z mieszkania Theo przy Rue Lepic”).

W 1888 roku Van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie ostatecznie ustalono oryginalność jego twórczego sposobu. Ognisty temperament artystyczny, dręczący pęd ku harmonii, pięknu i szczęściu, a jednocześnie lęk przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają albo mieniące się słonecznymi kolorami krajobrazy południa („Żółty dom”, „Żniwa La Crot Valley”), czy też w złowrogich, przypominających koszmarne obrazy („Night Cafe Terrace”); dynamika koloru i obrysu

W Van Gogha. Nocny taras kawiarni. 1888

wypełnia uduchowionym życiem i ruchem nie tylko przyrodę i zamieszkujących ją ludzi („Czerwone winnice w Arles”), ale także przedmioty nieożywione („Sypialnia Van Gogha w Arles”).

Intensywnej pracy Van Gogha w ostatnich latach towarzyszyły napady choroby psychicznej, które doprowadziły go do szpitala dla psychicznie chorych w Arles, następnie w Saint-Remy (1889-1890) i w Auvers-sur-Oise (1890), gdzie popełnił samobójstwo. Twórczość ostatnich dwóch lat życia artysty naznaczona jest ekstatyczną obsesją, skrajnie wzmożoną ekspresją zestawień kolorystycznych, nagłymi wahaniami nastrojów – od szaleńczej rozpaczy i ponurej wizjonerstwa („Droga z cyprysami i gwiazdami”) po drżące uczucie oświecenia i spokój („Krajobraz w Auvers po deszczu”).

W Van Gogha. Irysy. 1889

W okresie leczenia w klinice Saint-Remy Van Gogh namalował serię obrazów „Irysy”. W jego malowaniu kwiatów nie ma wysokiego napięcia i można prześledzić wpływ japońskich nadruków ukiyo-e. Podobieństwo to przejawia się w doborze konturów przedmiotów, nietypowych kątach, obecności obszarów szczegółowych oraz obszarów wypełnionych jednolitym kolorem, który nie odpowiada rzeczywistości.

W Van Gogha. Pole pszenicy z wronami. 1890

„Pole pszenicy z wronami” to obraz Van Gogha, namalowany przez artystę w lipcu 1890 roku i jest jednym z jego najsłynniejszych dzieł. Obraz został podobno ukończony 10 lipca 1890 roku, 19 dni przed śmiercią w Auvers-sur-Oise. Istnieje wersja, w której Van Gogh popełnił samobójstwo w trakcie pisania tego obrazu (wychodząc na zewnątrz z materiałami do rysowania, zastrzelił się z pistoletu zakupionego w celu odstraszenia stad ptaków w okolicy serca, a następnie samodzielnie dotarł do szpitala, gdzie zmarł z powodu utraty krwi).

Francuski artysta Laurent Botella urodził się w Nantes w 1974 roku. Studia malarskie rozpoczął w 1989 roku w pracowni Maithe Rovino w Osson, następnie przez rok studiował w Beaux Arts School w Tuluzie. Szkolenie koncentrowało się na malarstwie olejnym i pastelach. Jednak obrazy węglem i ołówkiem zawsze były podstawą jego twórczości przed i po studiach.

Krajobrazy. Alaina Lutza

Alain Lutz to współczesny francuski pejzażysta urodzony w maju 1953 roku w Miluzie we Francji. Dostrzegając jego niewątpliwy talent artystyczny, rodzice już w wieku trzynastu lat podarowali mu pierwsze farby olejne. Przez pewien czas studiował w Boule School of Design w Paryżu, ale ostatecznie został projektantem przemysłowym i po ukończeniu studiów dostał pracę jako starszy technik.

Autoportret. Laurenta Dauptaina

Laurent Dauptain, utalentowany francuski artysta, studiował w szkole artystycznej w Paryżu, którą ukończył w 1981 roku, następnie kontynuował naukę w szkole sztuk dekoracyjnych w tym samym miejscu, w Paryżu, którą ukończył w 1983 roku z tytułem licencjata, a w 1984 otrzymał tytuł magistra malarstwa. Po kilku latach pracy z autoportretami postanowił spróbować swoich sił w innych gatunkach, jednak od czasu do czasu wracał do portretów.

Styl naiwny. Michel Delacroix

Michel Delacroix urodził się w 1933 roku na lewym brzegu Sekwany, w 14. dzielnicy Paryża. Zaczął rysować od najmłodszych lat, o ile pamięta, nie miał jeszcze siedmiu lat, miłość do rysunku narodziła się w czasie niemieckiej okupacji Paryża. Paryż pozostał Paryżem, nawet w czasie okupacji, do dziś widnieje na obrazach Delacroix. Na prawie wszystkich jego obrazach są przechodnie, rzadkie samochody i latarnie uliczne, miasto na nich, jak w tamtych czasach, wygląda na ciche i spokojne, jakby odizolowane od zgiełku.

sposób na odnalezienie siebie. Pascale Taurua

Pascale Taurua urodziła się w 1960 roku w Noumea w Nowej Kaledonii. Ukończył Akademię Sztuki w Papeete na Tahiti. Swój pierwszy obraz namalowała w 1996 roku i od tego czasu zaczęła malować na pełny etat, prezentując swój własny styl figuratywny. Swoje prace wystawiała niemal we wszystkich krajach regionu Pacyfiku, gdzie jej obrazy są niezwykle poszukiwane i znajdują się w wielu prywatnych kolekcjach sztuki.

potworni ministrowie. Antoniego Squizzato

Współczesny francuski artysta i ilustrator Anthony Squizzato zaprasza nas na chwilę relaksu i udania się w podróż na oficjalne spotkanie z bohaterami stworzonego przez siebie świata, gdzie widz będzie mógł osobiście zapoznać się z bohaterami jego dzieł – barwnymi postaciami jeden z największych (pod względem wielkości i liczby uczestników) w historii gabinetu.

Każdy kraj ma swoich bohaterów sztuki współczesnej, których nazwiska są powszechnie znane, których wystawy gromadzą rzesze fanów i ciekawskich, a których prace trafiają do prywatnych kolekcji.

W tym artykule przedstawimy najpopularniejszych współczesnych artystów we Francji.

Malika Favre

Malika Favre została wprowadzona w świat sztuk plastycznych przez matkę artystkę – w ich domu nie było telewizji i gier wideo, te rozrywki zastąpiło rysowanie. Po ukończeniu studiów Favre przeniosła się do Londynu, gdzie mieszka i pracuje do dziś. To właśnie w Londynie, po czterech latach pracy w Airside, znalazła swoje powołanie i została profesjonalną ilustratorką.

Thomasa Mainardisa

Thomas jest francuskim artystą samoukiem. Jego obrazy, których styl artysta określa mianem pop-ekspresjonizmu, to subiektywne wrażenia i momenty wyrwane ze współczesnej popkultury, nasycone emocjami i fantazjami. Obecnie artysta mieszka i pracuje w małym miasteczku pomiędzy Paryżem a Lille.

Nuszka

Artystka Nushka mieszka i pracuje w Paryżu i maluje od ponad 10 lat. Studiowała malarstwo Nushka w Detroit u amerykańskiego artysty Zawakiego, który nauczył ją podstaw malarstwa, oraz u Maggie Siner, która wprowadziła ją w mechanikę kolorów. Studiowała również u artysty Hashpa. Dzięki tak bogatej bazie malarstwo artysty łączy warsztat i styl ze współczesną tematyką.

Laurenta Botelli

Laurent studiował malarstwo w warsztacie Maithe Rovino w Osson oraz w szkole artystycznej Beaux Arts w Tuluzie. Jego obrazy są wykonane w technice impresjonistycznej - a technika dla Laurenta ma ogromne znaczenie: kompozycja i kolorystyka mają na celu podkreślenie fabularnego elementu obrazu. Od 1991 roku Laurent Botella regularnie bierze udział w wystawach i konkursach, na których wielokrotnie zdobywał nagrody i wyróżnienia.

Laurenta Dauptaina

Laurent Doptin ma tytuł magistra malarstwa. Fabuła jego prac jest niezwykła: w zasadzie artysta rysuje własne portrety, eksperymentując z różnymi technikami. Od czasu do czasu Laurent próbuje swoich sił w innych gatunkach, ale zawsze wraca do autoportretów. Od 1981 roku Dopten stale wystawia, wielokrotnie brał udział w różnych konkursach i wielokrotnie otrzymywał nagrody za swoją pracę, z których najważniejsze to Peintres de l "Armee Salon Grand Prix, 2003, Nagroda Taylora, 2001 i złoty medal Salon Artysty Francji, 1997.

Michel Delacroix Michel Delacroix

Michel Delacroix urodził się w 1933 r. Jego miłość do rysunku sięga czasów niemieckiej okupacji Paryża. To Paryż, który jeszcze wtedy Paryżem pozostał, jest bohaterem jego obrazów - ciche, spokojne miasto dzieciństwa artysty. Delacroix przez długi czas eksperymentował ze stylami, aż w końcu zdecydował się na kierunek, który stał się jego znakiem rozpoznawczym - „naiwny” styl malarski. Delacroix zdobył wiele nagród, w tym Grand Prix des Amateurs d'Art, Paryż 1973, Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes, 1976, Premier Prix de Sept Collines, Rzym, 1976 itd. Jego prace znajdują się w kilku kolekcjach publicznych i prywatnych, w tym w Narodowym Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu i Międzynarodowym Muzeum Sztuki Naiwnej.

Sylwestra Evrarda

Francuski artysta Sylvester Evrard mieszka i pracuje w Lille. Zasadniczo bohaterami jego obrazów są ludzie. Styl i nastrój obrazów artysty, jego własnymi słowami, można krótko scharakteryzować za pomocą wypowiedzi Andre Malraux: „Sztuka jest obecnością w życiu tego, co powinno należeć do śmierci”.

Patricia Perrier-Radix

Prace Patrycji cechuje lekkość, swoboda i perfekcja. Artystka nie poprzestaje na poszukiwaniach swojego stylu, stale wzbogaca swoją wiedzę studiując różne materiały, ale najchętniej pracuje farbami akrylowymi i olejnymi na płótnie. Jej obrazy są zaskakująco emocjonalne - rysując bohaterów bez twarzy, Patricia po mistrzowsku oddaje najdrobniejsze odcienie uczuć i nastrojów z dokładnością ulotnych gestów i póz.

Henryk Lamy

Współczesny francuski artysta figuratywny Henri Lamy studiował malarstwo olejne, ale zafascynowała go spontaniczność i spontaniczność akrylu, który wzbogaca jego prace ostrymi, wyrazistymi kolorami. Obrazy Henriego powstają z kapiącej z noża farby, której smugi splatają się, łączą i wysychają niemal natychmiast. Z bliska te akrylowe obrazy mogą wyglądać abstrakcyjnie i pokazać swoje prawdziwe kolory tylko widzowi, który cofnął się o kilka kroków.

Johanna Perdu

Joanna, znana również wśród kolegów i miłośników sztuki jako La D”Jo, otrzymała dyplom z sztuk plastycznych i poświęciła się mu w całej jego różnorodności, od malarstwa po fotografię. Swoje pomysły czerpie ze świata rozrywki: muzyki, tańca, teatr, cyrk.. a jej obrazy są zawsze w centrum żywych stworzeń z tego magicznego świata. Dziś jej obrazy można znaleźć w galeriach w różnych częściach świata. Celowo naiwna twórczość Perdu przyciągnęła uwagę krytyków i zasłużyła na im wiele recenzji, zazwyczaj entuzjastycznych.

Artyści francuscy to największe nazwiska światowej kultury. Co więcej, to właśnie francuscy mistrzowie pobili wszelkie rekordy cen dzieł sztuki na najlepszych aukcjach. Szkoda tylko, że ich twórcy otrzymali dopiero pośmiertną sławę, ale takie są koleje losu wielu twórców piękna.

Artyści francuscy: fenomen francuskiego impresjonizmu

Tak więc francuscy artyści XX wieku stali się najdrożej sprzedawanymi, a przez to najbardziej znanymi i rozpoznawalnymi na świecie. Nawet ludzie, którzy są całkowicie niedoświadczeni w sztukach plastycznych, znają ich nazwiska. Przede wszystkim są to artyści impresjoniści. Francja była dla nich niegościnna za ich życia, ale po śmierci stali się prawdziwą dumą narodową.

Najwięksi artyści Francji, którzy zdobyli światowe uznanie, sławę i sławę w szerokich kręgach, to m.in Pierre'a Renoira, Edwarda Maneta, ‎Edgara Degasa, Paweł Cezanne, Claude Monet I Paul Gauguin. Wszyscy są przedstawicielami najsłynniejszego i najlepiej sprzedającego się nurtu w malarstwie XX wieku – impresjonizmu. Nie trzeba dodawać, że nurt ten narodził się we Francji i najpełniej ujawnia swoje miejsce i znaczenie w historii sztuki światowej. Niesamowite połączenie oryginalnej techniki i wielkiej ekspresji emocjonalnej fascynowało i nadal fascynuje koneserów piękna na całym świecie w impresjonizmie.

Artyści Francji: powstawanie malarstwa francuskiego

Ale francuscy artyści to nie tylko impresjonizm. Podobnie jak gdzie indziej w Europie, rozkwit malarstwa przypadał tutaj na okres renesansu. Oczywiście Francja nie może pochwalić się takimi gigantami jak Leonardo da Vinci czy Rafael, ale mimo to dołożyła swój wkład we wspólną sprawę. Ale wpływy włoskie były zbyt silne, aby stworzyć oryginalną szkołę narodową.

Pierwszym wielkim francuskim artystą, który całkowicie uwolnił się od wpływów zewnętrznych, był Jacques Louis David, słusznie uważany za twórcę narodowej tradycji malarstwa. Najbardziej znanym obrazem artysty był słynny konny portret cesarza Napoleona „Napoleon na przełęczy św. Bernarda” (1801).

Artyści Francji XIX wieku, pracujący w realistycznym kierunku, są oczywiście mniej znani niż impresjoniści, ale mimo to wnieśli namacalny wkład w rozwój malarstwa światowego. Ale XX wiek był triumfem sztuki francuskiej, a Paryż stał się centrum muz. Słynna dzielnica stolicy Francji Montmartre, która dała schronienie dziesiątkom biednych artystów, którzy później weszli do złotego funduszu dziedzictwa ludzkości, w tym nazwisk Renoira, van Gogh, Toulouse-Lautrec, I Picassa I Modiglianiego, stał się ośrodkiem sztuk pięknych i nadal przyciąga rzesze turystów. Znani współcześni francuscy artyści również tradycyjnie mieszkają na Montmartre.