Karl Bryullov mieszkał we Włoszech przez ponad cztery lata, zanim w 1827 roku dotarł do Pompejów. W tym czasie szukał działki Duży obraz na temat historyczny. To, co zobaczył, zadziwiło artystę. Zebranie materiału i namalowanie epickiego płótna o powierzchni prawie 30 m2 zajęło mu sześć lat.
Na zdjęciu biegają ludzie różnej płci, wieku, zawodu i wyznania, dotknięci kataklizmem. Jednak w pstrokatym tłumie można dostrzec cztery identyczne twarze...
W tym samym 1827 roku Bryullov poznał kobietę swojego życia - Hrabina Julia Samoilova. Po rozstaniu z mężem młoda arystokratka, była druhna, kochająca artystyczny styl życia, przeprowadziła się do Włoch, gdzie moralność jest bardziej swobodna. Zarówno hrabina, jak i artysta mieli reputację łamaczy serc. Ich związek pozostał wolny, ale długi, a ich przyjaźń trwała aż do śmierci Bryulłowa. „Nic nie zostało zrobione zgodnie z zasadami między mną a Karlem”., Samoilova napisała później do swojego brata Aleksandra.
Julia o śródziemnomorskim wyglądzie (krążyły plotki, że ojcem kobiety był włoski hrabia Litta, ojczym jej matki) była dla Bryullowa wręcz ideałem, jakby stworzona na potrzeby starożytnej fabuły. Artysta namalował kilka portretów hrabiny i „oddał” jej twarz czterem bohaterkom obrazu, co stało się jego najsłynniejszym dziełem. W " Ostatni dzień Pompeje” Bryullov chciał pokazać piękno człowieka nawet w rozpaczliwej sytuacji, a Julia Samoilova była dla niego doskonałym przykładem tego piękna w prawdziwym świecie.
1 Julia Samojłowa. Badacz Erich Hollerbach zauważył, że podobne bohaterki „Ostatniego dnia Pompejów”, pomimo różnic społecznych, wyglądają jak przedstawiciele jednej wielkiej rodziny, jakby kataklizm zbliżył i zrównał wszystkich mieszczan.
Ulica 2. „Wziąłem tę scenerię z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód”., Bryullov wyjaśnił w liście do brata wybór lokalizacji. To już przedmieście, tzw. Droga Grobów, prowadząca od Bramy Herkulanum w Pompejach do Neapolu. Tutaj znajdowały się grobowce szlachetnych obywateli i świątynie. Artysta naszkicował położenie budynków podczas wykopalisk.
3 Kobieta z córkami. Według Bryulłowa podczas wykopalisk widział szkielety jednej kobiety i dwójki dzieci, pokryte w tych pozach popiołem wulkanicznym. Artystka mogła kojarzyć matkę z dwiema córkami z Julią Samoilovą, która nie mając własnych dzieci, przyjęła do wychowania dwie dziewczynki, krewne przyjaciół. Nawiasem mówiąc, ojciec najmłodszego z nich, kompozytor Giovanni Pacini, napisał operę „Ostatni dzień Pompejów” w 1825 roku, a modne przedstawienie stało się jednym ze źródeł inspiracji dla Bryulłowa.
4 Chrześcijański ksiądz. W I wieku chrześcijaństwa w Pompejach mógł znajdować się szafarz nowej wiary, na obrazie można go łatwo rozpoznać po krzyżu, przyborach liturgicznych – kadzielnicy i kielichu – oraz zwoju z święty tekst. Noszenie krzyży na ciele i pektorałów w I wieku nie zostało potwierdzone archeologicznie.
5 Pogański kapłan. O statusie postaci świadczą przedmioty kultu w jego dłoniach oraz opaska na głowę – infula. Współcześni zarzucali Bryulłowowi, że nie wysunął na pierwszy plan sprzeciwu chrześcijaństwa wobec pogaństwa, ale artysta nie miał takiego celu.
8 Artysta. Sądząc po liczbie fresków na ścianach Pompejów, zawód malarza był w mieście poszukiwany. Bryullov przedstawił się jako starożytny malarz biegnący obok dziewczyny o wyglądzie hrabiny Julii - tak często robili mistrzowie renesansu, których prace studiował we Włoszech.
9 Kobieta, która spadła z rydwanu. Według krytyczki sztuki Galiny Leontyjewej leżąca na chodniku Pompejanka symbolizuje śmierć starożytnego świata, za którą tęsknili artyści klasycyzmu.
10 rzeczy, które wypadły z pudełka, podobnie jak inne przedmioty i dekoracje na zdjęciu, zostały przez Bryulłowa skopiowane z brązowych i srebrnych luster, kluczy, lamp wypełnionych oliwą z oliwek, wazonów, bransolet i naszyjników znalezionych przez archeologów należących do mieszkańców Pompejów z I wieku n.e. mi.
11 Wojownik i chłopiec. Według pomysłu artysty są to dwaj bracia ratujący chorego, starego ojca.
12 Pliniusz Młodszy. Starożytny rzymski prozaik, który był świadkiem erupcji Wezuwiusza, opisał ją szczegółowo w dwóch listach do historyka Tacyta.
13 Matka Pliniusza Młodszego. Bryullov umieścił scenę z Pliniuszem na płótnie „jako przykład dziecięcej i matczyna miłość„, mimo że pisarza i jego rodzinę dotknęła tragedia w innym mieście – Misenach (około 25 km od Wezuwiusza i około 30 km od Pompei). Pliniusz przypomniał sobie, jak on i jego matka wydostali się z Misenum w szczytowym momencie trzęsienia ziemi, a do miasta zbliżała się chmura pyłu wulkanicznego. Starszej kobiecie trudno było uciec, a ona, nie chcąc spowodować śmierci 18-letniego syna, próbowała go nakłonić, aby ją opuścił. „Odpowiedziałam, że tylko dzięki niej będę zbawiona; Biorę ją za ramię i zmuszam do przyspieszenia kroku.– stwierdził Pliniusz. Obaj przeżyli.
14 Szczygieł. Podczas erupcji wulkanu ptaki ginęły w locie.
15 Nowożeńcy. Według starożytnej tradycji rzymskiej głowy nowożeńców dekorowano wiankami z kwiatów. Z głowy dziewczyny spadł flammei, tradycyjny welon starożytnej rzymskiej panny młodej, wykonany z cienkiej żółto-pomarańczowej tkaniny.
16 Grób Skaurusa. Budynek od Drogi Grobów, miejsce spoczynku Aulusa Umbriciusa Skaurusa Młodszego. Groby starożytnych Rzymian budowano zwykle poza granicami miasta, po obu stronach drogi. Skaurus Młodszy przez całe życie piastował stanowisko duumvira, czyli stał na czele administracji miejskiej, a za swoje zasługi otrzymał nawet pomnik na forum. Obywatel ten był synem zamożnego handlarza sosem rybnym garum (Pompeje słynęły z niego w całym imperium).
17 Zniszczenie budynków. Sejsmolodzy, na podstawie charakteru zniszczeń budynków przedstawionych na zdjęciu, określili intensywność trzęsienia ziemi „według Bryulłowa” - osiem punktów.
18 Wezuwiusz. Erupcja miała miejsce w dniach 24-25 sierpnia 79 r. n.e. e. zniszczył kilka miast Cesarstwa Rzymskiego położonych u podnóża wulkanu. Z 20-30 tysięcy mieszkańców Pompejów, sądząc po znalezionych szczątkach, nie udało się uratować około dwóch tysięcy.
|
ARTYSTA
|
Działka
Płótno przedstawia jedną z najpotężniejszych erupcji wulkanów w historii ludzkości. W 79 roku Wezuwiusz, który wcześniej milczał tak długo, że od dawna uznawano go za wymarły, nagle „obudził się” i zmusił wszystkie żyjące w okolicy do uśpienia na zawsze.
Wiadomo, że Bryulłow czytał wspomnienia Pliniusza Młodszego, który był świadkiem wydarzeń w Misenum, który przeżył katastrofę: „Przerażony tłum szedł za nami i... zwartą masą napierał na nas, popychając do przodu, gdy my wyszedł... Zamarliśmy w środku najbardziej niebezpiecznych i przerażających scen. Rydwany, które odważyliśmy się wyciągnąć, chwiały się tak mocno w przód i w tył, chociaż stały na ziemi, że nie mogliśmy ich utrzymać nawet podkładając pod koła duże kamienie. Wydawało się, że morze cofa się i zostaje odciągnięte od brzegów przez konwulsyjne ruchy Ziemi; zdecydowanie ląd znacznie się powiększył, a na piasku znalazło się kilka zwierząt morskich... Wreszcie straszliwa ciemność zaczęła się stopniowo rozwiewać, niczym chmura dymu; znów pojawiło się światło dzienne i nawet wyszło słońce, chociaż jego światło było ponure, jak to bywa przed zbliżającym się zaćmieniem. Każdy przedmiot, który pojawiał się przed naszymi oczami (które były skrajnie osłabione), wydawał się zmieniony, pokryty grubą warstwą popiołu, jak śnieg.
Pompeje dzisiaj
Niszczycielski cios w miasta nastąpił 18–20 godzin po rozpoczęciu erupcji – ludzie mieli wystarczająco dużo czasu na ucieczkę. Nie wszyscy jednak zachowali ostrożność. I chociaż nie udało się ustalić dokładnej liczby zgonów, liczba ta jest liczona w tysiącach. Są wśród nich przede wszystkim niewolnicy, których właściciele pozostawili na straży swego majątku, a także osoby starsze i chore, które nie miały czasu na wyjazd. Byli też tacy, którzy mieli nadzieję przeczekać katastrofę w domu. W rzeczywistości nadal tam są.
Jako dziecko Bryullov ogłuchł na jedno ucho po uderzeniu przez ojca.
Na płótnie panuje panika, żywioły nie oszczędzają ani bogatego, ani biednego. I co ciekawe, Bryullov posługiwał się jednym modelem, pisząc ludzi z różnych klas. Mowa o Julii Samoilovej, której twarz pojawia się na płótnie czterokrotnie: po lewej stronie płótna kobiety z dzbanem na głowie; w centrum kobieta upadająca na śmierć; w lewym rogu obrazu matka przyciągająca do siebie córki; kobieta ochraniająca swoje dzieci i oszczędzająca wraz z mężem. Artysta szukał twarzy pozostałych postaci na ulicach Rzymu.
Zaskakujące na tym zdjęciu jest także rozwiązanie kwestii światła. „Oczywiście zwykły artysta nie omieszkałby wykorzystać erupcji Wezuwiusza do oświetlenia swojego obrazu; ale pan Bryullov zaniedbał to lekarstwo. Geniusz zainspirował go śmiałym pomysłem, równie szczęśliwym, co niepowtarzalnym: oświetlić całą przednią część obrazu szybkim, drobnym i białawym blaskiem błyskawicy, przecinając grubą chmurę popiołu pokrywającą miasto, podczas gdy światło od erupcji, z trudem przebijając się przez głęboką ciemność, rzuca czerwonawy półcień, znikający w tle” – napisano wówczas w gazetach.
Kontekst
Zanim Bryulłow zdecydował się napisać śmierć Pompejów, uznano go za utalentowanego, ale wciąż obiecującego. Aby zyskać status mistrza, potrzebna była poważna praca.
Motyw Pompejów był wówczas popularny we Włoszech. Po pierwsze, wykopaliska były bardzo aktywne, a po drugie, doszło do jeszcze kilku erupcji Wezuwiusza. Nie mogło to nie znaleźć odzwierciedlenia w kulturze: opera Pacciniego „L” Ultimo giorno di Pompeia” z sukcesem wystawiana była na scenach wielu włoskich teatrów. Nie ulega wątpliwości, że artysta widział ją może nie raz.
Pomysł napisania o śmierci miasta wyszedł z samych Pompejów, które Bryulłow odwiedził w 1827 roku z inicjatywy swojego brata, architekta Aleksandra. Zbieranie materiału trwało 6 lat. Artysta dbał o szczegóły. A więc rzeczy, które wypadły z pudełka, biżuteria i inne różne przedmioty na zdjęciu są kopią tych znalezionych przez archeologów podczas wykopalisk.
Akwarele Bryullova były najpopularniejszą pamiątką z Włoch
Powiedzmy kilka słów o Julii Samoilovej, której twarz, jak wspomniano powyżej, pojawia się na płótnie czterokrotnie. Do obrazu Bryullov szukał typów włoskich. I chociaż Samoilova była Rosjanką, jej wygląd odpowiadał wyobrażeniom Bryullova na temat tego, jak powinny wyglądać Włoszki.
„Portret Yu. P. Samoilovej z Giovaniną Pacini i Małym Arabem”. Bryullowa, 1832-1834
Poznali się we Włoszech w 1827 roku. Bryullov przyjął tam doświadczenie starszych mistrzów i szukał inspiracji, a Samoilova żyła swoim życiem. W Rosji udało jej się już uzyskać rozwód, nie miała dzieci, a ze względu na zbyt burzliwe życie bohemy Mikołaj I poprosił ją, aby wyprowadziła się z dworu.
Kiedy prace nad obrazem dobiegły końca i włoska publiczność zobaczyła płótno, w Bryullowie rozpoczął się boom. To był sukces! Każdy, spotykając się z artystą, traktował przywitanie się z artystą jako zaszczyt; Kiedy pojawiał się w kinach, wszyscy wstawali, a u drzwi domu, w którym mieszkał, lub restauracji, w której jadł obiad, zawsze gromadziło się wiele osób, aby go powitać. Od samego renesansu żaden artysta nie był we Włoszech obiektem takiego kultu jak Karl Bryullov.
Triumf czekał na malarza także w jego ojczyźnie. Ogólna euforia wokół filmu staje się jasna po przeczytaniu słów Baratyńskiego:
Przyniósł łupy pokoju
Zabierz go ze sobą pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla.
Pół przytomny twórcze życie Karl Bryullov spędził w Europie. Po ukończeniu Cesarskiej Akademii Sztuk w Petersburgu po raz pierwszy wyjechał za granicę, aby doskonalić swoje umiejętności. Gdzie indziej, jeśli nie we Włoszech, można to zrobić?! Początkowo Bryullov malował głównie włoskich arystokratów, a także akwarele ze scenami z życia. Te ostatnie stały się bardzo popularną pamiątką z Włoch. Były to obrazy niewielkich rozmiarów, z kompozycjami drobnofigurkowymi, bez portrety psychologiczne. Takie akwarele gloryfikowały głównie Włochy ze względu na ich piękną przyrodę i przedstawiały Włochów jako naród, który genetycznie zachował starożytne piękno swoich przodków.
Przerwana randka (Woda już przepłynęła przez krawędź). 1827
Bryullov pisał w tym samym czasie, co Delacroix i Ingres. Był to czas, kiedy w malarstwie na pierwszy plan wysunął się temat losów ogromnych mas ludzkich. Nic więc dziwnego, że na swoje programowe płótno Bryullov wybrał historię śmierci Pompejów.
Bryullov podważył swoje zdrowie podczas malowania Katedra św. Izaaka
Obraz wywarł na Mikołaju I tak silne wrażenie, że zażądał od Bryulłowa powrotu do ojczyzny i zajęcia miejsca profesora Cesarskiej Akademii Sztuk. Po powrocie do Rosji Bryulłow spotkał się i zaprzyjaźnił z Puszkinem, Glinką i Kryłowem.
Freski Bryulłowa w katedrze św. Izaaka
Artysta ostatnie lata życia spędził we Włoszech, próbując ratować zdrowie, nadszarpnięte podczas malowania katedry św. Izaaka. długie godziny ciężka praca mieszkanie w wilgotnej, niedokończonej katedrze źle wpływało na serce i zaostrzało reumatyzm.
Bryulłow Karol Pawłowicz (1799-1852)
Żadna z Artyści europejscy w XIX wieku nie odniósł tak wspaniałego triumfu, jaki przypadł młodym Malarz rosyjski Karol Pawłowicz Bryulłow, kiedy w połowie 1833 roku otworzył przed widzami drzwi swojej rzymskiej pracowni nowo ukończoną obraz„ ”. Podobnie jak Byron miał prawo powiedzieć o sobie, że pewnego pięknego poranka obudził się sławny. Słowo „sukces” nie wystarczy, aby scharakteryzować stosunek do niego zdjęcie. Pod ręką było coś więcej - obraz wywołał wśród publiczności eksplozję zachwytu i podziwu dla rosyjskiego artysty, który zdawał się otwierać nową kartę w historii światowej sztuki.
Jesień 1833 obraz pojawił się wystawa V Mediolan. Tutaj triumf rosyjskiego mistrza osiągnął swój punkt najwyższy punkt. Każdy chciał zobaczyć dzieło, „o którym mówi cały Rzym”. Włoskie gazety i czasopisma publikowały entuzjastyczne recenzje na temat „ Ostatni dzień Pompejów„i jego autor. Tak jak kiedyś czczono wielkich mistrzów renesansu, tak teraz zaczęli to czcić Bryulłow. Stał się najbardziej znana osoba we Włoszech. Został powitany brawami na ulicy, a w teatrze nagrodzony owacjami na stojąco. Poeci dedykowali mu wiersze. Podróżując po granicach włoskich księstw nie miał obowiązku przedstawiania paszportu – wierzono, że każdy Włoch ma obowiązek znać go z widzenia.
W 1834 r. „” zostało wystawione na Salonie Paryskim. Akademia Francuska sztuka wyróżniony Bryulłow złoty medal. Jeden z pierwszych biografów Bryulłow, N.A. Ramazanov, mówi to pomimo zazdrosnych plotek niektórych Artyści francuscy, paryska opinia publiczna skupiła swoją uwagę głównie na „ Ostatni dzień Pompejów„i z trudem i niechęcią opuściłem to obrazy".
Nigdy wcześniej chwała sztuki rosyjskiej nie rozprzestrzeniła się tak szeroko w całej Europie. Czekało nas jeszcze większe świętowanie Bryulłow w domu.
Przywieziony do Petersburga w lipcu 1834 roku i wystawiony najpierw w Ermitażu, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych, od razu znalazł się w centrum uwagi społeczeństwa rosyjskiego i stał się przedmiotem patriotycznej dumy.
„Tłumy gości, można powiedzieć, wpadały do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje” – mówi współczesny człowiek w swoim oficjalnym raporcie rocznym Akademia Sztuk przyznał bryulowska zdjęcie najlepsze dzieło 19 wiek. Szeroko dystrybuowany wyryty odtwarzanie nagranego dźwięku "Ostatni dzień Pompejów„. Rozbili chwała Bryulłow na terenie całego kraju, daleko poza stolicą. Z entuzjazmem witani byli najlepsi przedstawiciele kultury rosyjskiej zdjęcie. Puszkin napisał:
Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.
Gogol pisał o „ Ostatni dzień Pompejów„obszerny artykuł, w którym to przyznał zdjęcie„kompletnym uniwersalnym dziełem”, w którym wszystko jest „tak potężne, tak odważne, tak harmonijnie połączone w jedno, jak tylko mogło powstać w głowie uniwersalnego geniuszu”.
Malarstwo Bryullova wzbudził niezwykle duże zainteresowanie malarstwem w najszerszych kręgach rosyjskiego społeczeństwa. Nieustanna rozmowa o „ Ostatni dzień Pompejów„w prasie, w korespondencji, w prywatnych rozmowach wyraźnie pokazali, że dzieło malarskie potrafi ekscytować i dotykać nie mniej niż literatura. rolę publiczną Sztuka piękna w Rosji rozpoczęła się właśnie od obchodów Bryulłowa.
Malarstwo historyczne, który od dawna zajmuje czołowe miejsce w sztuka akademicka, zwrócono się przede wszystkim do tematów zaczerpniętych z Biblii i Ewangelii lub z starożytna mitologia. Ale nawet w przypadkach, gdy działka obrazy nie była legendą, ale prawdziwym wydarzeniem historycznym, malarze Akademii w istocie byli bardzo dalecy od autentyczności historycznej w swoim rozumieniu i interpretacji tego, co zostało przedstawione. Nie szukali prawdę historyczną, ponieważ ich celem nie było odtworzenie przeszłości, ale ucieleśnienie tej czy innej abstrakcyjnej idei. W ich obrazy postacie historyczne przybrały wygląd konwencjonalnych „ starożytni bohaterowie”, niezależnie od tego, czy wydarzenie to zostało przedstawione w historii starożytnego Rzymu, czy Rosji.
„utorowało drogę do zupełnie innego rozumienia i interpretacji tematu historycznego.
Szukam prawda życiowa Bryulłow, pierwszy wśród rosyjskich artystów, postawił sobie za cel rekreację zdjęcie prawdziwe wydarzenie przeszłości, w oparciu o badania źródeł historycznych i danych archeologicznych.
W porównaniu z fantastyczną „archeologią” swoich poprzedników Bryulłow ten zewnętrzny historyzm sam w sobie był poważnym, innowacyjnym osiągnięciem. Nie wyczerpują one jednak znaczenia Bryulłowski obrazy. Potwierdzono autentyczność archeologiczną Bryulłow jedynie środkiem do głębszego ujawnienia tematu, do wyrażenia nowoczesne podejście do przeszłości.
"Myśl obrazy należy całkowicie do gustu naszej epoki, która jakby czując swoje straszliwe rozdrobnienie, stara się agregować wszystkie zjawiska we wspólne grupy i wybiera silne kryzysy odczuwane przez całą masę” – napisał Gogol, odsłaniając treść” Ostatni dzień Pompejów".
W przeciwieństwie do poprzedniego malarstwo historyczne z kultem bohaterów i naciskiem na jednostkę w przeciwieństwie do bezosobowego tłumu, Bryulłow pomyślany „” jako scena masowa, w której jedyne i prawdziwy bohater byliby ludzie. Wszystkich głównych postacie V zdjęcie są prawie równoważnymi wykładnikami tematu; oznaczający obrazy ucieleśnia się nie w przedstawieniu pojedynczego bohaterskiego czynu, ale w uważnym i dokładnym przekazie psychologii mas.
Jednakże, Bryulłow z przemyślaną, a nawet ostrą bezpośredniością podkreśla główne kontrasty, w jakich pojawia się idea walki nowego ze starym, życia ze śmiercią, umysł ludzki ze ślepą mocą żywiołów. Wszystko jest podporządkowane tej myśli ideologiczny I rozwiązanie artystyczne obrazy, stąd wywodzą się jego cechy, które zadecydowały o tym miejscu” Ostatni dzień Pompejów" po rosyjsku sztuka XIX wiek.
Temat Malowidła pochodzą z historii starożytnego Rzymu. Pompejusz(albo raczej Pompeje) – starożytne rzymskie miasto położone u podnóża Wezuwiusza – 24 sierpnia 79 roku n.e. w wyniku potężnej erupcji wulkanu zostało wypełnione lawą oraz pokryte kamieniami i popiołem. W wyniku paniki na ulicach miasta zginęło dwa tysiące mieszkańców (w sumie było ich około 30 tysięcy).
Przez ponad półtora tysiąca lat miasto pozostawało pogrzebane pod ziemią i zapomniane. Tylko w koniec XVI wieku podczas prac wykopaliskowych przypadkowo odkryto miejsce, w którym znajdowała się niegdyś zaginiona osada rzymska. Rozpoczęło się w 1748 r wykopaliska archeologiczne, szczególnie ożywiony w pierwszych dziesięcioleciach XIX wieku. Wzbudziły one zwiększone zainteresowanie środowisk artystycznych nie tylko we Włoszech, ale na całym świecie. Każde nowe odkrycie stawało się sensacją wśród artystów i archeologów i tragedią temat i Pompeje Jednocześnie wykorzystywano go w literaturze, malarstwie i muzyce. Opera pojawiła się w 1829 r Włoski kompozytor Paccini, w 1834 r. – powieść historyczna angielskiego pisarza Bulverlittona” Ostatnie dni Pompejów". Bryulłow jako pierwszy zajął się tym tematem: szkicami swojej przyszłości obrazy pochodzą z lat 1827-1828.
Bryulłow miał 28 lat, kiedy zdecydował się napisać „”. Dobiegał końca piąty rok jego emerytury we Włoszech. Miał już na swoim koncie kilka poważnych dzieł, ale żadne z nich nie wydawało się artyście w pełni godne jego talentu; czuł, że jeszcze nie spełnił pokładanych w nim nadziei.
Z Bryulłow czekamy duży malarstwo historyczne- specyficznie historyczne, gdyż w estetyce początku XIX w. ten rodzaj malarstwa uznawany był za najwyższy. Nie zrywając z dominującymi wówczas poglądami estetycznymi, Bryulłow i on sam szukał fabuły, która odpowiadała wewnętrznym możliwościom jego talentu, a jednocześnie była w stanie sprostać wymaganiom, jakie można było mu postawić współczesna krytyka i Akademii Sztuk.
Szukam takiej historii Bryulłow Długo wahałem się pomiędzy tematami z historii Rosji i mitologii starożytnej. Zamierzał pisać zdjęcie "Oleg przybija swoją tarczę do bram Konstantynopola”, a później nakreślił fabułę z historie Piotr Wielki. Jednocześnie tworzył szkice na tematy mitologiczne („ Śmierć Faetona", "Hylas, skradziony przez nimfy„i inne). Jednak wysoko cenione w Akademii wątki mitologiczne przeczyły realistycznym tendencjom młodych Bryulłow, a ze względu na temat rosyjski, będąc we Włoszech, nie mógł zebrać materiału.
Temat zniszczenie Pompei rozwiązał wiele trudności. Sama fabuła, jeśli nie tradycyjna, to jednak niewątpliwie miała charakter historyczny i od tej strony spełniała podstawowe wymogi estetyki akademickiej. Akcja miała rozgrywać się na tle starożytne miasto z jego architektura klasyczna i pomniki starożytna sztuka; wkroczył w ten sposób świat form klasycznych zdjęcie bez żadnej intencji, jakby sam z siebie, a spektakl szalejących żywiołów i tragicznej śmierci otworzył dostęp do romantycznych obrazów, w których talent malarza mógł znaleźć nowe, niespotykane dotąd możliwości ukazywania wielkich uczuć, namiętnych impulsów emocjonalnych i głębokich przeżyć . Nic dziwnego, że temat urzekł i został uchwycony Bryulłow: łączy w sobie wszystkie warunki najpełniejszego wyrażenia swoich myśli, wiedzy, uczuć i zainteresowań.
Źródła na podstawie których Bryulłow rozwiązał swój temat, pojawiły się autentyczne zabytki starożytne, odkryte w zaginionym mieście, prace archeologów i opisy katastrofy V Pompeje, wykonane przez współczesnego i naocznego świadka, Pisarz rzymski Pliniusz Młodszy.
Pracować nad " Ostatni dzień Pompejów„ ciągnęło się przez prawie sześć lat (1827-1833), a świadectwo było głębokie i intensywne kreatywne zadania Bryulłow Liczne rysunki, opracowania i szkice wyraźnie pokazują, jak rozwijała się idea artysty.
Wśród tych prac przygotowawczych szczególne miejsce zajmuje szkic z 1828 roku. Pod względem siły wpływu artystycznego być może nie jest gorszy od większości zdjęcie. To prawda, że \u200b\u200bszkic nie pozostał całkowicie sfinalizowany, poszczególne obrazy i postacie zostały w nim jedynie zarysowane, a nie w pełni ujawnione; ale ta zewnętrzna niekompletność łączy się w wyjątkowy sposób z głęboką wewnętrzną kompletnością i artystyczną perswazją. Znaczenie poszczególnych epizodów, szczegółowo rozwinięte później w zdjęcie, tutaj zdaje się rozpływać w ogólnym namiętnym impulsie, w jednym tragicznym uczuciu, w integralnym obrazie umierającego miasta, bezsilnego wobec naporu spadających na nie żywiołów. Szkic opiera się na romantycznie pojętej idei zmagania się człowieka z losem, którego personifikacją są tutaj żywiołowe siły natury. Zagłada zbliża się z nieuniknionym okrucieństwem, jak starożytna skała, a człowiek całym umysłem i wolą nie jest w stanie przeciwstawić się losowi; pozostaje mu tylko stawić czoła nieuniknionej śmierci z odwagą i godnością.
Ale Bryulłow nie poprzestał na podjęciu decyzji w sprawie swojego tematu. Nie był zadowolony ze szkicu właśnie dlatego, że tak uporczywie wybrzmiewały w nim nuty beznadziejnego pesymizmu, ślepego poddania się losowi i niewiary w ludzką siłę. Takie rozumienie świata pozostawało poza tradycjami kultury rosyjskiej i zaprzeczało jej zdrowym, ludowym podstawom. Podtrzymująca życie moc tkwiąca w talencie Bryulłow, nie mogłem się pogodzić z „ Ostatni dzień Pompejów„, zażądał wyjścia i pozwolenia.
Bryulłow znalazł tę drogę, przeciwstawiając duchową wielkość i piękno człowieka niszczycielskim elementom natury. Dla niego plastyczne piękno zamienia się w potężną siłę, która afirmuje życie w obliczu śmierci i zniszczenia. "...Jego postacie są piękne pomimo całej grozy ich sytuacji. Zagłuszają ją swoim pięknem" - pisał Gogol, który subtelnie dostrzegł główną myśl Bryulłowski obrazy.
Próbując wyrazić różnorodność stany psychiczne i odcienie uczuć, które ogarnęły mieszkańców umierającego miasta, Bryulłow zbudowałem własny zdjęcie jako cykl odrębnych, zamkniętych epizodów, niepowiązanych fabułą. Ich znaczenie ideowe staje się jasne dopiero wtedy, gdy przyjrzymy się jednocześnie wszystkim grupom i niezależnym motywom fabularnym tworzącym „”.
Idea triumfu piękna nad zniszczeniem szczególnie wyraziście wyraża się w grupie postaci stłoczonych na stopniach grobowca po lewej stronie obrazy. Bryulłow celowo połączono tu obrazy kwitnącej siły i młodości. Ani cierpienie, ani groza nie zniekształcają ich idealnie pięknych rysów; Na ich twarzach można odczytać jedynie wyraz zaskoczenia i niespokojnego oczekiwania. W postaci młodego mężczyzny wyczuwalna jest tytaniczna moc, przedzierająca się przez tłum z namiętnym impulsem. Charakterystyczne jest, że ten świat pięknych klasycznych obrazów inspirował rzeźba antyczna, Bryulłow dodaje zauważalną nutę realizmu; wiele jego postaci niewątpliwie jest zaczerpniętych z życia, a wśród nich wyróżnia się jego autoportret Bryulłow, przedstawiający siebie jako artystę pompejańskiego, który uciekając z miasta zabiera ze sobą pudełko pędzli i farb.
W głównych grupach po prawej stronie obrazy Główne motywy to te, które podkreślają duchową wielkość człowieka. Tutaj Bryulłow skoncentrowane przykłady odwagi i bezinteresownego wykonywania obowiązków.
Na pierwszym planie trzy grupy: „dwóch młodych Pompejusza niosących na ramionach chorego, starego ojca”, „Pliniusz z matką” oraz „młodzi małżonkowie” – młody mąż podtrzymujący padającą ze zmęczenia żonę, zwieńczony koroną wieniec ślubny. Jednakże, ostatnia grupa psychologicznie prawie nie rozwinięty i ma charakter wstawki kompozycyjnej niezbędnej dla równowagi rytmicznej obrazy. O wiele bardziej wymowna jest grupa synów niosących ojca: na obrazie starca, majestatycznie wyciągającego rękę, wyraża się dumna nieugiętość ducha i surowa odwaga. W obrazie najmłodszego syna, czarnookiego włoskiego chłopca, wyczuwa się dokładny i bezpośredni szkic z życia, w którym żyjący realistyczne uczucie Bryulłow.
Zasady realistyczne wyrażają się ze szczególną siłą w niezwykłej grupie Pliniusza i jego matki. W szkicach i wczesnych szkicach ten odcinek został opracowany w formy klasyczne, podkreślając historyczność i antyczny charakter sceny. Ale w zdjęcie Bryulłow zdecydowanie odsunął się od oryginalny plan- tworzone przez niego obrazy zadziwiają bezstronną i autentyczną żywotnością.
W Centrum obrazy znajduje się leżąca na ziemi postać młodej kobiety, która zginęła podczas upadku z rydwanu. Można przypuszczać, że na tym rysunku Bryulłow chciał symbolizować cały ginący świat starożytny; wskazówkę takiej interpretacji można znaleźć także w recenzjach współczesnych. Zgodnie z tą intencją artysta poszukiwał najdoskonalszego klasycznego urzeczywistnienia tej figury. Współcześni, w tym Gogol, widzieli w niej jedno z najbardziej poetyckich stworzeń Bryulłow.
Nie wszystkie epizody są równie ważne dla rozwoju tematu, ale w ich naprzemienności i porównywaniu uporczywie ujawnia się główna idea Bryulłow o walce życia ze śmiercią, o triumfie rozumu nad ślepymi siłami żywiołów, o narodzinach nowego świata na walących się ruinach starego.
To nie przypadek, że obok Centralna figura artysta przedstawił piękne dziecko zamordowanej kobiety jako symbol niewyczerpanej mocy życia; Nieprzypadkowo w ugrupowaniach Pliniusza z matką i synami niosącymi starszego ojca przeciwstawiane są obrazy młodości i starości; Wreszcie podkreślony kontrast pomiędzy „pogańskim”, pięknym od starożytności tłumem na stopniach grobowca i majestatycznie spokojną „rodziną chrześcijan” nie jest przypadkowy. W zdjęcie jest tu zarówno kapłan pogański, jak i kapłan chrześcijański, jakby uosabiający odchodzący świat starożytny i powstającą na jego gruzach cywilizację chrześcijańską.
Być może obrazy księdza i księdza nie są wystarczająco głębokie, nie jest ukazany ich świat duchowy zdjęcie a charakterystyka pozostała w dużej mierze zewnętrzna; dało to później V.V. Stasovowi powód do poważnych wyrzutów Bryulłow za to, że nie wykorzystał okazji do ostrego skontrastowania zrujnowanego, umierającego Rzymu i młodego chrześcijaństwa. Ale myśl o tych dwóch światach jest niewątpliwie obecna w zdjęcie. Z jednoczesnym i integralnym postrzeganie obrazy Wyraźnie widać organiczne powiązanie składających się na nią epizodów. Wyrażane w nich odcienie uczuć i różne stany psychiczne, akty męstwa i poświęcenia, obok przejawów rozpaczy i strachu, podane są w „ Ostatni dzień Pompejów„w kierunku harmonijnej, harmonijnej i artystycznie integralnej jedności.
Cudowne płótna. L., 1966. S.107
Renowacja obrazu Ostatni dzień Pompejów
Wyjątkowym wydarzeniem w życiu Muzeum Rosyjskiego było K. P. Bryullova„”. Liczne wcześniejsze renowacje jedynie opóźniały rozpoczęcie zasadniczych prac nad płótnem – płótno obrazu „wypaliło się”, stało się kruche; w miejscach pęknięć płótna na przedniej stronie pojawiły się 42 łaty; ubytki warstwy farby zabarwiono dodatkiem oryginalnego malarstwa; Powłoka lakiernicza znacznie zmieniła kolor. Po wzmocnieniu obraz został przeniesiony do nowe płótno. Zrobiliśmy to dobra robota konserwatorzy I. N. Kornyakova, A. V. Minin, E. S. Soldatenkov; doradzał S. F. Konenkov.
Malarstwo K. P. Bryullova „Ostatni dzień Pompejów” wszedł do Muzeum Rosyjskiego z Ermitażu w 1897 roku. Po gruntownej renowacji w 1995 roku obraz został rozciągnięty na naprawionym kroju autorskim i wrócił na wystawę.
Decyzja o rozpoczęciu restauracji obrazu została podjęta 15 marca 1995 roku na posiedzeniu rozszerzonej Rady Restauratorskiej Państwowego Muzeum Rosyjskiego.
Na początku pracy zabezpieczono je prewencyjnym sklejeniem papieru, a następnie płótno zdjęto z autorskiego krosna. Następnie obraz rozciągnięto na krawędziach na marmurowej posadzce kolorową powierzchnią w dół, a tylną stronę oczyszczono z powierzchniowych zabrudzeń. Z tylnej strony usunięto dwie warstwy antycznej renowacji powielającej krawędzie, które były przyczyną poważnych deformacji płótna na krawędziach oraz ponad 40 łat renowacyjnych, które stanęły w miejscu starych pęknięć płótna. Miejsca ponad setek ubytków płótna autorskiego, zwłaszcza liczne na krawędziach, naprawiono wstawkami nowego płótna. Następnie obraz został powielony na nowe płótno, identyczne pod względem charakteru i jakości z zamówionym w Niemczech dziełem autora. Miejsca ubytku warstwy farby wypełniono podkładem renowacyjnym i zabarwiono akwarelami. Designerski lakier zostaje całkowicie odnowiony poprzez regenerację oparami alkoholu.
W trakcie prac opracowano metody wzmacniania warstwy farby i gruntu na dużej przestrzeni. Ważnym efektem prac było opracowanie nowych urządzeń ułatwiających i upraszczających proces odnowy technicznej. Według specjalnego projektu stworzono trwałą duraluminiową ramę pomocniczą z systemem specjalnych mocowań do napinania płótna powielającego. System ten umożliwiał wielokrotne napinanie płótna do pożądanego napięcia w trakcie pracy.
Warsztaty kadrowania Moskwa
Warsztaty kadrowania w Moskwie położony na ulicy. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w pobliżu stacji metra Prospekt Mira.
Warsztaty kadrowania rozszerza zakres działalności w Moskwa I region Moskwy dostarczać usługi Przez ramy V bagietka obrazy, zdjęcia, obrazy, zbiory.
Ramki na zdjęcia bagietki
Zamówienie ramki na zdjęcia Możesz w naszym warsztaty kadrowania. Warsztat produkuje ramki bagietki z drewniany, Plastikowy I aluminium bagietka najlepsze firmy ramowe Europa. Bagietki ramki na zdjęcia Z passe-partout. Bagietki ramki na zdjęcia handel detaliczny i hurtowy. Struktura standardowe rozmiary - A4, A3, A2. Ramki bagietki duże rozmiary. Ramki na zdjęcia z szeroki bagietka. Ramki na zdjęcia duże rozmiary. Ramki bagietki współ szkło. Bez odblasków bagietka szkło.
Zamów bagietkę
Zamawianie bagietki V warsztaty kadrowania. Wartość artystyczna bagietka zależy od profilu i wzoru reliefu. W kolekcji drewniana bagietka Istnieją duże profile dekoracyjne. Wzór dekoru został zaprojektowany w taki sposób, aby można go było wykorzystać w obu przypadkach projekt nowoczesny obrazy, Więc klasyczny Pracuje. W zależności od szerokości bagietka nazywana jest wąską i szeroką, a w zależności od grubości - niską i wysoką. Drewno bagietka do zdjęć. Drewniana bagietka. Bagietka jest zrobiona z różne rasy drzewo najbardziej różne profile, z różnymi wykończeniami dekoracyjnymi: zdobieniami, różnymi kolorami, lakierami i złotymi powłokami. W kolekcja drewniana bagietka również zawarte bagietka Z elementy wykonane samodzielnie.
Passepartout do obrazów
Passe-partout wykonane jest z kolorowej tektury, w której wycięte jest „okno”. Jak mata pod obrazy używany bagietka o profilu płaskim – tzw. „drewnianym”. passe-partout" - szeroki płaski bagietka, zwykle jasne kolory, często z imitacją tekstury płótno lub pokryte prawdziwy płótno. Stroną surową, wykończoną płótno, zamsz Lub pod złotem, płaski wkład bagietkowy położony pomiędzy obraz I rama, wzrastający jej szerokość. Metalizowane passe-partout (imitacja metal powierzchnie) daje doskonałe rezultaty z projekt fotograficzny, dyplomy I certyfikaty. W tym samym czasie " ciemne złoto” (srebro, miedź) świetne dla ramy portrety antyczne. Passepartout Móc zamówienie I kupić V nasz warsztat.
Moskwa
Warsztat znajduje się w Moskwie, przy ul. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w pobliżu stacji metra Prospekt Mira.
Moskwa- stolica Federacji Rosyjskiej, ośrodek administracyjny Centralny federalny dzielnice I region Moskwy.
Ramy lusterek
Duży wybór ramy luster. Drewno bagietka do lusterek I obrazy. Lustra w złotej bagietce. Zamówienie ramy luster V warsztaty kadrowania. Rama dołącza lustro dekoracyjność i decyduje o przynależności do określonego stylu. Lustro potrafi „zadziwić” ciekawym kształtem i oryginalną oprawą. Pozostają niedoścignione w swojej oryginalności metalowe ramki, dzięki różnorodności formy zewnętrzne, niezwykły design i doskonałe wykonanie. Połączenie szkło I metal zawsze wygląda elegancko i praktycznie. Niezwykle rygorystyczne formy metalowa bagietka dopełni wnętrze niepowtarzalnym stylem.
Zamawianie szkła ramowego
W ramka lub w ramka na zdjęcia Cięcie i wkładanie szkła jest łatwe. Jeśli szkło ma być włożone rama z próbką (rabat), wówczas rozmiar szkła powinien być o kilka milimetrów mniejszy od zmierzonego rozmiaru próbki. Jeśli rozmiary próbek są stałe na całej szerokości i wysokości struktura, wówczas wystarczający jest naddatek 2 mm. Zamawianie szkła ramowego. Szkło antyrefleksyjne w ramce Móc zamówienie I kupić V warsztaty kadrowania.
Malowanie noszy
Nosze chroni przed złamaniem. Produkcja ramy pomocnicze zamówić. Warsztaty kadrowania produkuje ramy pomocnicze Dla obrazy. Do wykonania ramy pomocniczej użyto trwałego drewna. Dobrze wykonane napinacz eliminuje „zapadanie się” płótna i tym samym przedłuża jego żywotność zdjęcie. Rzemieślnicy naciągają hafty, batiki i płótno na nosze.
Wiszące obrazy
Warsztaty kadrowania oferuje nowa metoda wisiorki z obrazkami używając zawieszenie Nielsena. Sztanga z profil metalowy Nielsena mocowany do ściany za pomocą plastikowych podkładek. Linki perlonowe mocuje się wewnątrz profilu bomu za pomocą przesuwnych haczyków lub tulejek i można je przesuwać metal pręty. Wytrzymała żyłka nylonowa o grubości 2 mm jest prawie niewidoczna na tle ściany. Obrazy rozłączyć się na linii z metal haki ze śrubami, które można zamocować na żądanej wysokości. Pewne zamocowanie na wymaganej wysokości wymaga pewnego wysiłku podczas wkręcania śruby. Metal profilłatwy w montażu pod sufitem i pozwala na łatwy i bezproblemowy montaż ponownie powiesić zdjęcia.
Ramki na zdjęcia
Złoto bagietka do zdjęć. Duży ramki na zdjęcia. Warsztaty kadrowania rysuje V bagietka obrazy, akwarela, rysunki, zdjęcia, plakaty, lustra itp. Artyści przywiązują dużą wagę do wyboru ramy Dla ich obrazy. Elementy szkicowało wielu znakomitych artystów bagietka a nawet oni sami zrobiony. Ramki na zdjęcia Móc zamówienie I kupić V warsztaty kadrowania.
Ramki do obrazów akwarelowych
W technice malarstwa akwarelowego można tworzyć obrazy w gatunku pejzaż, martwa natura, portret. Przejrzystość i miękkość najcieńszej warstwy farby obrazy to charakterystyczne właściwości malarstwa akwarelowego. Dla ramy akwarele Wskazane jest użycie passe-partout i niezbyt szerokiej bagietki. Ramy V drewniana bagietka. Struktura Dla akwarele.
Ramki na zdjęcia
Rysunki tworzone przez artystów w procesie studiowania natury (szkice, studia), w trakcie poszukiwań rozwiązania kompozycyjne graficzne, obrazowe i prace rzeźbiarskie(szkice, kartony), podczas zaznaczania malowniczy obrazy ( rysunek przygotowawczy w trakcie malowania). Profesjonalny dekoracje grafiki, fotografie, dokumenty z za pomocą drewniana bagietka I passe-partout. Struktura Zebrane z bagietka wykonany z drewna tropikalnego. W naszym warsztat możesz wybrać jedną z opcji projektu graficznego i zamówić passe-partout I bagietka do ramki. Wartość artystyczna bagietki zależy od profilu i wzoru reliefu. W zależności od szerokości bagietka zwany wąski(do 4 cm) i szeroki oraz w zależności od grubości - niski i wysoki. Rysunki ołówkiem wyglądają lepiej w skromnej wąskiej bagietce ( metal Lub drewniany). Duże ramki z złota bagietka Dla rysunki I grafika. Ramki metalowe A3 Dla rysunki.
Metalowe ramki na zdjęcia
Tradycyjnie jak najbardziej ciekawy I niezapomniany zdjęcia
wstawić V struktura, które można postawić na stole lub powiesić na ścianie. Ważne jest, aby zrobić to dobrze wybierz ramkę, musi pasować zdjęcia i współgrają z wystrojem pomieszczenia. Zdjęcia można oprawić w pracowni. Pogląd bagietka zależy od typu obrazów fotografie(portret, pejzaż, zdjęcia dzieci). Passepartout do zdjęć. Na projekt fotograficzny może być użyte passe-partout. DO passe-partout Istnieje możliwość zaoferowania listwy (obrzeża wzdłuż krawędzi okna).
Kup ramki na zdjęcia możliwe w warsztaty kadrowania.
Plastikowe ramki na zdjęcia praktyczne, łatwe i tani. Są świetne do każdego rodzaju zdjęcia I naśladować
metal I drewniany struktura. Splendor i szlachetność metal. Bardzo popularna srebro matowy metalowe ramki.
Metalowe ramki na zdjęcia kosztować dużo tani, bo materiał na nie produkcja służy niedrogi aluminium. Na mała cena metalowe ramki mają wiele zalet. Elegancja formy i urzekające piękno metal czasem się zmusza rama„konkurować” z fotografią. Dlatego ważne jest, aby treść była godna formy. Taki struktura Profesjonalnie wykonane zdjęcia portretowe będą wyglądać najbardziej harmonijnie.
Ramki dokumentów
Przygotowanie dokumentów, dyplomów, zaświadczeń
Duży wybór struktura Dla dokumenty.Ramki plastikowe A3 i A4 Ramki plastikowe formatu A4 na świadectwa, dyplomy, dyplomy. Gotowe ramki o standardowych rozmiarach na certyfikaty, dyplomy, plakaty, zdjęcia. Złote ramki Dla dyplomy. Złote ramki A3. Ramki plakatowe formatu A3. Na dyplomy, certyfikaty i legitymacje w warsztaty kadrowania Istnieje możliwość zamówienia laminowania.
Ramki na karty
Karty są powszechne duże rozmiary. W przypadkach, gdy wymagana jest zwiększona wytrzymałość, metalowa bagietka- najlepszy wybór. W ramkach z metal bagietka Można umieszczać różne kartki, plakaty, banery. W biurze możesz powiesić stare mapy geograficzne. Stara mapa w drogim wnętrzu biurowym wymaga odpowiedniego ramy aby podkreślić gust i preferencje stylistyczne osoby w tym biurze zawieszony.
Ramki do haftowanych obrazów
Ramki dla haftowane obrazy . Jeśli ty haftować obrazy, to prędzej czy później będziesz musiał wybrać za nią rama.
Wybieranie rama Dla projekt haft, warto o tym pamiętać styl, kolor, szerokość i inne funkcje bagietka do ramki bezpośrednio zależą od fabuły, decyzji dotyczącej stylu, zakres kolorów i rozmiar haftowane obrazy. Do każdego haftowany obrazek wybierz swój własny, niepowtarzalny ramy. Wybór ramki Dla haftowane obrazy zależy też od tego jak będzie używany projekt haftu passe-partout albo nie.
Większość haftowane obrazy Efektowniej będzie wyglądać, jeśli do dekoracji użyjesz passe-partout. Passepartout wykonuje się pojedynczo, podwójnie, czasem potrójnie. Do wyboru jest potrójne passe-partout Złożony proces nawet dla specjalisty (projektanta). Haft naciąga się tak, aby komórki płótna przebiegały równolegle do wycięcia kartonowego passe-partout. Coraz bardziej rozpowszechnione obrazy, zroszony.
Gobelinowe ramki do zdjęć
Gobelin jest tkany ręcznie obraz-dywan. Gobeliny tkano według wzorów z kolorowych nici wełnianych i jedwabnych. Złote ramki Dla gobeliny. Bagietka do zdjęć z gobelin dobierane są na podstawie fabuły przedstawionej na gobelinie. Najczęściej używana bagietka drewniana brązowe odcienie, czasami - na złoto, rzadziej - na srebro.
Współcześni mają możliwość zobaczenia oczami malarza ostatnich chwil życia mieszkańców Pompejów. Trzeba przyznać, że w ręku artysty można dostrzec manierę Rafaela i Velazqueza. Pokaz i szczegółowość tak ostro uchwycone, nasycenie szkarłatnych i czerwonawych barw, technika światłocienia – mistrz przejął wszystko, co najlepsze od artystów tamtej epoki. Bardzo znaczący wpływ na technikę i sposób rysowania miał sam Bryulłow, Flawicki, Sierow, Moller i inni. Cechował go pewien akademizm i majestat, który brutalnie pokazał w obrazach „Jeźdźca” i „Oblężenie Psków”.
Aby zrealizować swój pomysł (a pomysł, trzeba przyznać, został wcielony w bardzo imponujący sposób - na płótnie o wymiarach 465 x 561 centymetrów), Bryulłow musiał udać się do podnóża Wezuwiusza i zobaczyć ruiny miasta Pompeje. Tam na miejscu wykonał szkice przyszłego płótna, wyobrażając sobie, jak odrodzony Wezuwiusz wypluwa setki tysięcy ton popiołu i lawy na zdezorientowanych mieszkańców Pompejów. Napisanie dzieła zajęło Bryulłowowi 3 lata, a w 1833 roku skończył je pisać.
Natychmiast po ukończeniu obrazu przewieziono go do recenzji w Rzymie - krytycy i widzowie byli jednomyślni w swoich pochlebnych recenzjach. Obraz został następnie wywieziony na wystawę w Paryżu i umieszczony w Luwrze. Tam zobaczył ją światowej sławy pisarz Walter Scott. Stwierdził, że obraz jest „niezwykły, epicki”. Rok po zakończeniu paryskiej wystawy płótno wreszcie trafia do Rosji, do Petersburga. A tu, w swojej ojczyźnie, wielkie postacie i pisarze niestrudzenie o tym mówią. Turgieniew pozostawił pochlebną recenzję, a Baratyński i Puszkin natychmiast rozproszyli aforyzmy, których cenzura natychmiast zabroniła.
Styl dzieła w tamtym czasie uznawany był za coś niezwykłego, nowatorskiego, bo wyprzedzającego swoją epokę. Teraz technika ta jest uznawana za neoklasycyzm.
Dlatego Bryullov zamienił popularne historie o tematyce historycznej w rodzaj rzeczywistości - przedstawione postacie nie są statyczne, wszystko jest w ruchu. Ich twarze są pełne grozy i strachu. Wydaje się, że sam artysta w tym momencie pochwycił tłum – realność namalowanych postaci jest wielka. Nie obojętny na hrabinę Julię Pawłownę Samoilovą, druhnę cara, Bryullov nie mógł odmówić sobie przyjemności uchwycenia jej kilka razy na zdjęciu.
Tutaj pojawia się po lewej stronie płótna na wzgórzu, w obrazie kobiety z dzbanem na głowie, następnie wizerunku kobiety, która upadła na śmierć - ona i jej dziecko (on żyje) zostali wyrzuceni z połamanych stopni schodów, wreszcie jest matką przytulającą córkę. Artysta przedstawił się jako ten sam malarz w lewym rogu obrazu. Artysta bardzo szczegółowo i radośnie przedstawił płonący blask i spadające marmurowe posągi bogów, nad którymi rozproszyły się błyskawice.
Ludzie oszalali ze strachu uciekają przed zagładą, ale nie mogą uciec. „Ostatni dzień Pompei” ukazuje nam uchwycony obraz życia wiecznego.
Obecnie obraz znajduje się w Muzeum Rosyjskim, gdzie Mikołaj I podarował mu go w 1895 roku.
Publikacje w dziale Muzea
Starożytna tragedia rzymska, która stała się triumfem Karla Bryulłowa
23 grudnia 1799 roku urodził się Karol Bryulłow. Syn rzeźbiarza Francuskie pochodzenie Paul Brulleau, Karl był jednym z siedmiorga dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Iwan i Fedor również zostali malarzami, a brat Aleksander – architektem. Jednak najbardziej znany był Karol, który w 1833 roku namalował „Ostatni dzień Pompejów”, główne dzieło jego życia. „Kultura.RF” przypomniała sobie, jak powstawał ten obraz.
Karol Bryulłow. Autoportret. 1836
Historia stworzenia
Obraz powstał we Włoszech, gdzie w 1822 roku artysta udał się na czteroletni wyjazd emerytalny z Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale mieszkał tam przez 13 lat.
Fabuła opowiada o starożytnej tragedii rzymskiej - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położonego u podnóża Wezuwiusza: 24 sierpnia 79 r. n.e. mi. Erupcja wulkanu pochłonęła życie dwóch tysięcy mieszkańców.
W 1748 roku inżynier wojskowy Rocque de Alcubierre rozpoczął wykopaliska archeologiczne w miejscu tragedii. Odkrycie Pompejów stało się sensacją i znalazło odzwierciedlenie w kreatywności różni ludzie. Tak więc w 1825 r. ukazała się opera Giovanniego Paciniego, a w 1834 r. powieść historyczna Anglika Edwarda Bulwer-Lyttona poświęcona śmierci Pompejów.
Bryullov po raz pierwszy odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Wybierając się do ruin, 28-letni artysta nie miał pojęcia, że ta wyprawa okaże się dla niego fatalna: „Nie można przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim oprócz strasznego wydarzenia z tym miastem”.– napisał artysta.
Uczucia, których doświadczył Karl Bryullov podczas wykopalisk, nie opuściły go. Tak narodził się pomysł płótna o tematyce historycznej. Pracując nad fabułą, malarz studiował archeologię i źródła literackie. „Wziąłem tę scenerię z natury, bez wycofywania się i bez dodawania, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód”. Wzorami postaci byli Włosi – potomkowie starożytnych mieszkańców Pompejów.
Na przecięciu klasycyzmu i romantyzmu
W tej pracy Bryullov objawia się nie jako tradycyjny klasycysta, ale jako artysta ruchu romantycznego. Zatem jego fabuła historyczna poświęcona jest nie jednemu bohaterowi, ale tragedii całego narodu. A jako fabułę wybrał nie wyidealizowany obraz lub pomysł, ale prawdziwy fakt historyczny.
To prawda, że Bryullov buduje kompozycję obrazu w tradycji klasycyzmu - jako cykl poszczególnych epizodów zamkniętych w trójkącie.
Po lewej stronie zdjęcia w tle widać kilka osób na schodach duży budynek grobowce Skaurusa. Kobieta patrzy bezpośrednio na widza z przerażeniem w oczach. A za nią artysta z pudełkiem farb na głowie: to autoportret Bryullowa przeżywającego tragedię wraz ze swoimi bohaterami.
Bliżej widza - małżonkowie z dziećmi, która próbuje uciec przed lawą, a na pierwszym planie kobieta tuli swoje córki... Obok niej jest chrześcijański ksiądz, który już zawierzył swój los Bogu i dlatego jest spokojny. W głębi obrazu widzimy pogańskiego księdza rzymskiego, który próbuje uciec, zabierając kosztowności rytualne. Tutaj Bryullov nawiązuje do upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i początku ery chrześcijańskiej.
Po prawej stronie obrazu, w tle, jeździec na koniu, który stanął dęba. A bliżej widza ogarnięty przerażeniem pan młody, który próbuje trzymać w ramionach narzeczoną (ma na sobie wianek z róż), która straciła przytomność. Na pierwszym planie dwóch synów niesie na rękach starego ojca. A obok nich młody mężczyzna, błaga matkę, aby wstała i uciekła dalej od tego wszechogarniającego żywiołu. Swoją drogą ten młody człowiek to nikt inny jak Pliniusz Młodszy, który faktycznie uciekł i zostawił wspomnienia z tragedii. Oto fragment jego listu do Tacyta: „Patrzę wstecz. Ogarnęła nas gęsta czarna mgła, rozprzestrzeniająca się niczym strumień nad ziemią. Wszędzie wokół zapadła noc, w przeciwieństwie do nocy bezksiężycowej czy pochmurnej: ciemno robi się tylko w zamkniętym pokoju przy zgaszonym świetle. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn, jedni wołali do rodziców, inni do dzieci lub żon i próbowali ich rozpoznać po głosach. Niektórzy opłakiwali własną śmierć, inni śmierć bliskich, niektórzy w obawie przed śmiercią modlili się o śmierć; wielu podniosło ręce do bogów; większość wyjaśniała, że bogów nigdzie nie ma i dla świata była to ostatnia wieczna noc”..
Na zdjęciu nie ma głównego bohatera, ale są centralni: złotowłose dziecko przy leżącym na ziemi ciele zmarłej matki w żółtej tunice - symbol upadku starego świata i narodzin nowego, to jest przeciwieństwo życia i śmierci – w najlepsze tradycje romantyzm.
Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się także jako innowator, wykorzystując dwa źródła światła - gorące czerwone światło w tle, oddające wrażenie zbliżającej się lawy i zimne zielonkawo-niebieskie na pierwszym planie, dodając dodatkowego dramatyzmu fabule.
Jasna i bogata kolorystyka tego obrazu narusza także klasyczne tradycje i pozwala mówić o artyście jako o romantyku.
Triumfalna procesja z obrazem
Karl Bryullov pracował na płótnie przez sześć lat – od 1827 do 1833 roku.
Obraz został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1833 roku na wystawie w Mediolanie – i od razu wywołał sensację. Artystę uhonorowano rzymskim triumfem, a w prasie pojawiły się pochwalne recenzje obrazu. Bryullowa witano brawami na ulicy, a podczas jego podróży po granicach włoskich księstw nie potrzebowali paszportu: wierzono, że każdy Włoch znał go już z widzenia.
W 1834 roku na Salonie Paryskim zaprezentowano Ostatni dzień Pompejów. Krytyka francuska była, w przeciwieństwie do włoskiej, bardziej powściągliwa. Ale profesjonaliści docenili tę pracę, wręczając Bryullovowi złoty medal Francuskiej Akademii Sztuk.
Płótno zrobiło furorę w Europie i było z niecierpliwością oczekiwane w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Po obejrzeniu obrazu Mikołaj I wyraził chęć osobistego spotkania z autorem, jednak artysta udał się z hrabią Władimirem Davydowem w podróż do Grecji i wrócił do ojczyzny dopiero w grudniu 1835 roku.
11 czerwca 1836 w Sali Okrągłej Akademia Rosyjska gdzie wystawiono obraz „Ostatni dzień Pompejów”, zgromadzili się goście honorowi, członkowie Akademii, artyści i po prostu miłośnicy sztuki. Autor obrazu, „wielki Karol”, został wniesiony do sali na rękach przy entuzjastycznych krzykach gości. „Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje”., pisze współczesny i świadek sukcesu, jakiego nie znał żaden rosyjski artysta.
Klient i właściciel obrazu, Anatolij Demidow, podarował go cesarzowi, a Mikołaj I umieścił go w Ermitażu, gdzie pozostawał przez 60 lat. A w 1897 roku został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego.
Zdjęcie dosłownie zachwyciło wszystkich społeczeństwo rosyjskie I najlepsze umysły ten czas.
Trofea pokojowe sztuki
Przyniosłeś to pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompei”
Za rosyjski pędzel pierwszego dnia! -
o obrazie pisał poeta Jewgienij Boratyński.
Aleksander Puszkin poświęcił jej także wiersze:
Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.
Michaił Lermontow wspomina także „Ostatni dzień Pompejów” w powieści „Księżniczka Ligowska”: „Jeśli kochasz sztukę, to mogę powiedzieć, że bardzo dobre wieści: Obraz Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów” trafia do Petersburga. Wiedziały o niej całe Włochy, Francuzi ją skarcili., - Lermontow wyraźnie wiedział o recenzjach paryskiej prasy.
Rosyjski historyk i podróżnik Aleksander Turgieniew powiedział, że ten obraz był chwałą Rosji i Włoch.
A Mikołaj Gogol poświęcił obrazowi długi artykuł, pisząc: „Jego pędzel zawiera tę poezję, którą tylko czujesz i którą zawsze możesz rozpoznać: nasze uczucia zawsze wiedzą i widzą nawet cechy, ale ich słowa nigdy tego nie powiedzą. Jego kolor jest tak jasny, że prawie nigdy wcześniej nie był, jego kolory płoną i rzucają się w oczy. Byliby nie do zniesienia, gdyby artysta pojawił się na poziomie niższym niż Bryullow, ale wraz z nim odziani są w tę harmonię i oddychają tą wewnętrzną muzyką, którą wypełnione są żywe przedmioty natury”..