Malarstwo w Wietnamie to przede wszystkim dzieła współczesnych artystów z jedwabiu i laki. Można jednak znaleźć także bardziej ekskluzywne obrazy - ze skrzydeł motyla, piór kurczaka, skorupek jaj, masy perłowej, piasku, ryżu i tak dalej. W tym artykule opowiem Wam jak wygląda malowanie w Wietnamie, gdzie można kupić obrazy i ile kosztują.

Sztuka piękna w Wietnamie zaczęła się aktywnie rozwijać dopiero pod koniec XIX i na początku XX wieku. Wcześniej lokalne malarstwo w dużej mierze kopiowało chińskie tematy i techniki. Do dziś zachowało się niewiele przykładów takich dzieł. Są to różnorodne pejzaże i portrety wykonane tuszem lub farbami wodnymi na jedwabnych zwojach. Teraz można je zobaczyć w muzeach historycznych, świątyniach i pagodach.

Wszystko zmieniło się w zeszłym stuleciu, kiedy Francja skolonizowała Wietnam. Trendy europejskie przeniknęły do ​​wszystkich dziedzin kultury kraju, łącznie z malarstwem. Od tego czasu zaczęły się otwierać szkoły artystyczne i wyłoniło się wiele kierunków.

Dziś sztukę wizualną Wietnamu reprezentują zarówno tradycyjne dla tego kraju motywy orientalne, jak i dzieła całkowicie nowoczesne, europejskie. Można je spotkać w galeriach sztuki, na prywatnych wystawach i w sklepach.

Jakie obrazy można kupić w Wietnamie?

Wysokiej jakości wietnamskie obrazy nie są sprzedawane na każdym rogu. Jeśli zamierzasz znaleźć naprawdę wyjątkowe dzieło, musisz zrozumieć, co ogólnie powinieneś rozważyć zakup.

Radzę zwrócić uwagę na następujące zdjęcia:

• Jedwab
• Lakier

Z pewnością będą dobrym prezentem lub podkreślą Twój gust dekorując Twoje wnętrze.

Ponadto istnieje więcej oryginalnych dzieł wykonanych z:

• Matka perły
• Piasek
• muszle

O tym wszystkim opowiem więcej w dalszej części artykułu.

Obrazy na jedwabiu

Wykonane w niepowtarzalnym stylu, z wieloma detalami, te arcydzieła docenią nawet ci, którym daleko jest do sztuki. Jedwab w hafcie pozwala przedstawić każdy, nawet standardowy temat obrazu w nowy, zapadający w pamięć sposób. Praca nad stworzeniem takich obrazów trwa czasami dłużej niż rok, sam proces jest bardzo pracochłonny. Dlatego obrazy doświadczonych mistrzów są naprawdę wysoko cenione.

Jeśli chodzi o ceny, rozpiętość tutaj jest bardzo duża. Tak więc mały obraz na jedwabiu można kupić za 900 000–2 700 000 dongów. Ale musisz zrozumieć, że to nie jest dokładnie sztuka - tematy takich obrazów są typowe. To po prostu niedroga pamiątka, którą można podarować przyjaciołom lub współpracownikom. Ponadto istnieje możliwość, że obraz po pewnym czasie wyblaknie. Oznacza to, że jest to podróbka. Prawdziwy jedwab nie zmienia koloru.

Kolejną rzeczą są wielkoformatowe dzieła ekskluzywne, wykonane w jednym egzemplarzu. Mając taki obraz w swoim domu, już nigdy nie usłyszysz od gości zdania w stylu: „O, mamy taki sam!” Jeśli chodzi o ceny, wahają się one od 1 000 000 dongów do 3 000 000 000 dongów.

Obrazy lakierowe to obrazy wykonane specjalnymi farbami, które pod wpływem werniksu zmieniają kolor. I tutaj sytuacja jest dokładnie taka sama, jak w przypadku sitodruku: można znaleźć zarówno bardzo proste prace, jak i prawdziwe arcydzieła.

Pierwsza opcja jest odpowiednia dla tych, którzy szukają niedrogiego prezentu. Popularne grafiki można wyodrębnić jako odrębny rodzaj takich obrazów. To rodzaj kreskówek i karykatur, które nawiązują do rodzimych wietnamskich komiksów i historii codziennych. Doprawione lokalnym smakiem, cieszą się dużym zainteresowaniem wśród turystów. Technologia ich wytwarzania jest bardzo interesująca. Najpierw na drewnianej powierzchni wycina się działkę, następnie artysta rysuje obraz na drewnie za pomocą kolorowych farb. Należy pamiętać, że farby te są wyłącznie pochodzenia naturalnego.

Takie obrazy można nawet kupić w sklepach z pamiątkami i sklepach. Jeśli chodzi o cenę, ciekawe obrazy można znaleźć nawet za 200 000 VND.

Jeśli jednak szukasz czegoś bardziej oryginalnego, odwiedź galerie sztuki i fabryki lakierów. Można tam kupić obrazy lakierowane w cenach od 9 000 000 do 23 000 000 VND.

Oryginalne obrazy wykonane z naturalnych materiałów

Do tworzenia obrazów Wietnamczycy wykorzystują nie tylko farby i lakiery – wykorzystywane są niemal wszystkie dostępne materiały.

Oto tylko kilka z nich:

Masa perłowa

Błyszczące muszle, które mienią się w świetle, zaczęto wykorzystywać do inkrustacji już w XI wieku. Dziś jest to jeden z tradycyjnych gatunków malarstwa wietnamskiego. W tym celu macicę perłową kupuje się nawet w Chinach, Singapurze i niektórych innych krajach Azji Południowo-Wschodniej.

Sam proces inkrustacji jest bardzo złożony i składa się z kilku etapów:

1. Artysta najpierw wykonuje szkic na papierze, a następnie kopiuje go na drewnianej podstawie.
2. Następnie w drewnie wycina się wgłębienia, w które zostanie umieszczona macica perłowa. Na tym samym etapie konieczne jest prawidłowe wybranie i ułożenie muszli. Różne rodzaje macicy perłowej mają swoje własne odcienie i należy je ze sobą łączyć. Skorupy wycina się na specjalnych maszynach, a następnie przykleja na drewnianą powierzchnię.
3. Ale to nie wszystko - przyszły obraz jest polerowany, a następnie mistrz ręcznie rzeźbi fantazyjne wzory na muszlach.

Naturalna masa perłowa jest bardzo delikatna i jeden nieostrożny ruch może zrujnować pracę. Dlatego przed pocięciem muszli przygotowuje się je w specjalny sposób: najpierw moczy się je w roztworze alkoholu, a następnie podgrzewa.

Zwykle jako podstawę stosuje się deskę lakierowaną. Ponieważ masa perłowa najlepiej prezentuje się na ciemnym tle, często wybiera się lakier niemal czarny. Nadaje to obrazom mistyczny charakter. Najpopularniejszymi tematami są szkice z życia chłopów, zwierząt i roślin.

Koszt takich obrazów jest dość wysoki i może sięgać 10 000 000–15 000 000 dongów. Konkretna cena zależy w dużej mierze od rodzaju zastosowanych pocisków i poziomu szczegółowości. Najdroższe obrazy można inkrustować setkami tysięcy małych kawałków masy perłowej. Jednak sklepy z pamiątkami często sprzedają znacznie prostsze rzeczy, bez większego opracowania. Ich koszt waha się od 300 000 do 800 000 dongów.

Jeśli chcesz znaleźć prawdziwe arcydzieła, musisz udać się do gminy Chuyên Mỹ, która znajduje się 40 kilometrów na południe od Hanoi. Tutaj lokalni mieszkańcy wykonują intarsje od czasów starożytnych. Ich prace sprzedawane są nie tylko w Wietnamie, ale także w krajach europejskich, Rosji i USA.

Piasek

To zupełnie nowa forma sztuki dla Wietnamu, wymyślona przez lokalnego artystę-samouka Tran Thi Hoàng Lan, lepiej znanego pod pseudonimem Y Lan. Od początku XXI wieku obrazy piaskowe zyskały ogromną popularność daleko poza granicami kraju, a Yi Lan otworzyła własną firmę - Ý Lan Sand Painting CO., LTD.

Istota tej techniki polega na tym, że pomiędzy dwiema pionowo umieszczonymi szklankami wlewa się piasek o różnych odcieniach w określonej kolejności (w sumie jest ich ponad 80). Wydawałoby się, że nie ma w tym nic specjalnego, ale w rzeczywistości taka praca jest niezwykle złożona i żmudna. Rzeczywiście, nawet portrety ludzi są przedstawiane na obrazach piaskowych. Jeśli nieprawidłowo wypełnisz ziarna piasku, będziesz musiał zacząć wszystko od nowa.

Warto zauważyć, że pierwsze obrazy Yi Lan były dość prostymi, trójkolorowymi obrazami. Dziś w kolekcji prac artysty znajdują się wizerunki zwierząt, portrety znanych polityków, a nawet logo największych marek. Całość wykonana jest z takim naturalizmem, że malowidło piaskowe trudno odróżnić od fotografii.

Warsztat Yi Lan mieści się w Ho Chi Minh City, wszystkie prace wykonywane są na zamówienie, a ceny uzgadniane są indywidualnie z każdym klientem. Oczywiście jest wielu naśladowców, którzy próbują skopiować tę technikę. Ich prace sprzedawane są w sklepach z pamiątkami po cenach od 150 000 do 250 000 VND. Ale poziom szczegółowości jest tam zupełnie inny.

Często arcydzieła słynnego artysty mylone są z bardziej prymitywnymi „obrazami piaskowymi”. Mówimy o zwykłych obrazach (na płótnie lub drewnie), które po prostu inkrustowane są drobnymi ziarenkami piasku. Takie rzeczy można znaleźć na każdym rynku, są dość tanie (100 000-500 000 dongów).

Ryż

Malowidła ryżowe to także dość nowa technika. Ziarna tej rośliny mają różne odcienie, w zależności od odmiany. Zatem ryż może być szary, biały, kremowy, żółty, brązowy, czerwony, a nawet czarny. Ponadto dodatkowe odcienie można uzyskać poprzez prażenie ziaren. I wreszcie istnieje ryż okrągły, średnio i długoziarnisty. Wszystko to pozwala na ułożenie z niego różnorodnych rysunków.

Rozpoczynając pracę, artysta rysuje na kawałku sklejki szkic przyszłego obrazu. Następnie za pomocą specjalnego bezbarwnego kleju i pęsety na ten szkic przykleja się ziarenka ryżu. Ta czynność wymaga dużej wytrwałości i uwagi. Ziarna ryżu powinny być gładkie i całe. Zazwyczaj rozkładanie ziaren trwa od kilku dni do kilku tygodni. Na koniec obraz wystawiany jest na działanie słońca, gdzie schnie.

Tematyka takich prac może być bardzo różna. Ale najczęściej artyści przedstawiają tradycyjne wietnamskie krajobrazy, zwierzęta lub ptaki. Są też portrety, i to bardzo wyszukane.

Jeśli chodzi o ceny, zależą one bezpośrednio od wielkości obrazu i obrazu. I tak miniaturowe pejzaże (20x20 cm), w których nie ma zbyt wielu obiektów, można kupić za 600 000-700 000 dongów. Jeśli obraz jest duży, szczegółowy, a nawet wykonany na zamówienie, może kosztować kilka milionów dongów. Obrazy ryżowe sprzedawane są na targowiskach i w sklepach z pamiątkami. Ale tam można wybrać tylko coś z gotowych dzieł. A jeśli potrzebujesz obrazu na zamówienie, powinieneś skontaktować się bezpośrednio z artystą.

Powłoka

Wspólne skorupki jaj są koloru białego i ochry. Czy da się z tego stworzyć prawdziwy obraz? Okazuje się, że tak. Potrzebujesz tylko cierpliwości, dokładności i dużo czasu.

Podstawą przyszłej pracy jest drewno lub sklejka. Pokryty jest czarną farbą – na tym tle skorupka jajka wygląda najbardziej imponująco. Następnie zaczynają układać rysunek. I tutaj, w przeciwieństwie do obrazów ryżowych, mistrz ma znacznie więcej możliwości. Potrafi rozdrobnić skorupę na cząstki o różnych rozmiarach, aby dokładniej oddać szczegóły obiektów. Jaśniejsze obszary są wyłożone białymi muszlami, w innych stosuje się muszle w kolorze ochry. Najciemniejsze elementy obrazu w ogóle nie są rozłożone - jest do tego czarne tło. W końcowej fazie obraz pokrywa się kilkoma warstwami lakieru (może być ich więcej niż 10) i szlifuje.

Innymi słowy, malowidła muszlowe są dobrze znaną mozaiką. Są sprzedawane wszędzie i kosztują mniej więcej tyle samo, co ryżowe.

Poza tym jest więcej oryginalnych dzieł wykonanych z kurzych piór, skrzydeł motyli, różnych ziół i roślin... Większość z nich można spotkać tylko w niektórych miastach czy wsiach, a poza tym to sztuka nie dla każdego.

Spacerując ulicami wietnamskich miast, wszędzie natkniemy się na galerie sztuki, wystawy i po prostu sklepy z pamiątkami sprzedające dzieła artystów. Musimy jednak zrozumieć, że tutaj, jak w każdym innym kraju, znajdują się prawdziwe dzieła sztuki, kopie, a nawet podróbki.

Aby nie zabierać ze sobą wydrukowanego na drukarce zdjęcia z Wietnamu, należy zwrócić uwagę na następujące punkty:

• Nie kupuj obrazów na targowiskach i w sklepach, które nie specjalizują się w malarstwie. Najprawdopodobniej nie kupisz przedmiotu sztuki, ale zwykłą bibelotę, a nawet zapłacisz wygórowane ceny.
• Przygotuj się na zapłacenie przyzwoitej kwoty nawet za niewielką pracę. Obrazy należą do kategorii towarów ekskluzywnych, dlatego ich ceny są dość wysokie.
• Kupując obrazy na jedwabiu i lakierze radzę poprosić sprzedawcę o certyfikat. Musi wskazywać, że zakupiony przedmiot nie jest antykiem ani dziełem sztuki. Faktem jest, że ich eksport poza kraj jest zabroniony.

Jak widać, malarstwo w Wietnamie jest dość zróżnicowane. Rozpiętość cenowa jest również bardzo szeroka. Mam nadzieję, że ten artykuł pomoże Ci zrozumieć lokalne malarstwo i znaleźć coś, co Ci się spodoba.

Tradycyjne malarstwo w Wietnamie

Tradycyjne malarstwo wietnamskie można podzielić na kilka rodzajów: portrety, pejzaże, obrazy rodzajowe i religijne. Obrazy malowane były na papierze jedwabnym lub ryżowym farbami wodnymi i tuszem.

Portrety

Portrety malarskie, podobnie jak rzeźbiarskie, powstawały z pamięci lub z opisów i wspomnień. Niewielka liczba portretów cesarzy, dostojników i przedstawicieli szlachty zachowała się w pagodach, świątyniach grobowych rodzin królewskich i grobowcach rodzinnych wielkich panów feudalnych. Do najstarszych dzieł tego typu należą portret Nguyen Chai pochodzący z XV w., portret naukowca Phung Khac Khoana (XVII w.) oraz portrety dwóch książąt Nguyen Quy Duc i Nguyen Quy Canh (poł. 18 wiek). Artysta starannie rysował rysy twarzy i szczegóły ubioru, opierając się na opisach bliskich lub własnych wspomnieniach, więc podobieństwo zewnętrzne było bardzo przybliżone. Nowe trendy w gatunku portretu, które dopiero później (w twórczości wietnamskich artystów lat 30. XX wieku) ujawnią się w większym stopniu, po raz pierwszy znalazły odzwierciedlenie w twórczości artysty Le Van Mien.

Krajobrazy

Jednym z ulubionych rodzajów malarstwa wśród wietnamskich artystów są tradycyjnie pejzaże, wychwalające piękno ich rodzimej przyrody. Jedwabne zwoje, które do nas dotarły (XVIII - XIX w.), przedstawiają serię krajobrazów wykonanych w tradycyjny chiński sposób, z zachowaniem zasad zakulisowej konstrukcji przestrzeni i subtelnych niuansów kolorystycznych. Najczęstszą cechą charakterystyczną wietnamskiego malarstwa pejzażowego jest to, że obraz natury jest postrzegany jako wyidealizowany, abstrakcyjny i bardziej wyrazisty od nastroju artysty niż otaczająca rzeczywistość. Następnie, zwłaszcza od początku XX wieku, wraz z zapoznawaniem się z malarstwem europejskim, malarstwo pejzażowe ulegało znaczącym zmianom.

Obrazy rodzajowe

Tematyka prac tego typu była bardzo ograniczona, a obrazy miały głównie charakter dekoracyjny. Głównymi bohaterami dzieł sztuki tamtych czasów, oprócz elementów naturalnych, są ludzie: „naukowiec, chłop, rzemieślnik, czcigodny starzec, rybak, drwal, oracz, pasterz”. Klasycznym przykładem takiego malarstwa gatunkowego jest obraz „Rybak zajęty łowieniem ryb”. Malarstwo wietnamskie tego okresu charakteryzuje się statycznymi, dwuwymiarowymi obrazami.

Zdjęcia treści kultowych

Obrazy religijne malowano także akwarelami na jedwabiu, papierze ryżowym lub drewnie. Wyróżnia je subtelna i staranna technika pisania, wyjątkowa dbałość o najmniejsze detale ubiorów i wyposażenia. Można to w szczególności wytłumaczyć faktem, że to właśnie określone stroje i różne atrybuty pomagały poruszać się po złożonej hierarchii kultowych postaci. Ponadto każdy mistrz starał się podkreślić niezwykle cenioną dokładność wykonania, subtelność projektu i wdzięk pociągnięcia pędzla.

Lubok – malarstwo ludowe

Luboki zajmują szczególne miejsce w sztukach pięknych Wietnamu. Wietnamskie malarstwo ludowe jest odmianą popularnej grafiki rosyjskiej. Obraz jest stemplowany na drewnianej desce (klisz), następnie malowany, a na koniec drukowany na specjalnym papierze włóknistym „kei zo”. Farby wytwarzano z popiołu z płonących liści bambusa, słomy (czarny), kory drzewa dip (biały), żółtego kamienia (czerwony), kwiatów Sophora (żółty), indygoworta (niebieski) i rdzy miedzianej (zielony). Cechą charakterystyczną szyn Dongho było kolorowe tło, uzyskane przez dodanie do barwnika wywaru z kleistego ryżu zmieszanego z pokruszonym proszkiem z muszli morskich. Dzięki tej wyjątkowej powłoce papier stał się trwalszy, a proszek z masy perłowej nadał obrazowi lekki połysk. Tak zwane popularne ryciny z Hanoi to długie, malownicze zwoje. Tradycyjnie na zwojach umieszczano hieroglify i rysunki. Zazwyczaj Wietnamczycy tworzyli cykle obrazów: „Cztery pory roku”, „Kwiaty i ptaki”, „Podróż na Zachód”. Czasami na jednym obrazie przedstawiono kilka powiązanych ze sobą rysunków („Dwadzieścia cztery przykłady synów pobożności”).

Lubki robiono zazwyczaj z okazji różnych świąt, ale głównie z okazji Nowego Roku (wg kalendarza księżycowego) święta Tet, które jest jednocześnie wiosennym i głównym świętem w roku. Istnieją znaczne różnice pomiędzy popularnymi drukami powstałymi przed podbojem francuskim i po, kiedy upowszechnił się papier innej jakości i formatu oraz nowe farby. Imię mistrza nigdy nie było umieszczane na wczesnych drukach ludowych, a dopiero od XX wieku. znamy nazwiska najsłynniejszych mistrzów: Nguyen The Thyc, Vuong Ngoc Long, Tiong Manh Tung itp. Zajęciem tym zajmowały się z reguły całe rodziny, przekazując swoje umiejętności z pokolenia na pokolenie. Wśród tematów popularnych druków znajdują się różne życzenia z okazji Tet, wyrażane tradycyjnie za pomocą wizerunków różnych kwiatów, owoców, zwierząt, przedmiotów symbolizujących dobrobyt, liczne cnoty: brzoskwinia - długowieczność, granat - liczne potomstwo, paw - pokój i dobrobyt, świnia - obfitość itp. Ponadto popularne były grafiki budujące, historyczne, religijne (przedstawiające Buddę i satwy ciała, różne duchy) oraz grafiki przedstawiające krajobrazy i cztery pory roku.

Lakoniczny i wyrazisty styl ludowych druków ludowych, ich szczególna struktura figuratywna, wrodzony optymizm i swoisty humor niewątpliwie stały się wyrazem pewnych cech charakteru narodowego. A już w pierwszych dekadach XX w., kiedy pojawiło się zainteresowanie studiowaniem własnych tradycji artystycznych, słusznie zaczęto nadawać ludowej grafice popularnej godne miejsce w dziedzictwie narodowym.

Malowanie lakieru

O niezwykłym wietnamskim malarstwie lakowym Europa dowiedziała się w 1931 roku, kiedy zwiedzający Wystawę Światową w Paryżu zobaczyli prace studentów i absolwentów Wyższej Szkoły Sztuk Pięknych Indochin. Od wielu stuleci sok drzewa lakowego, który rośnie wszędzie w Wietnamie, był wykorzystywany jako materiał do tworzenia dzieł tego typu malarstwa. Lakierowane parawany, wazony, tace, pudełka i inne przedmioty zostały pokryte błyszczącą warstwą lakieru. Paletę kolorystyczną lakieru ograniczono do czerni, czerwieni i brązu, dlatego jako dodatki dekoracyjne wykorzystano proszki złote i srebrne, intarsje z masy perłowej i skorupki jaja oraz grawerowanie. Artyści-malarze, którzy w latach dwudziestych studiowali w Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych, podjęli próby przeniesienia uroku malarstwa lakowego na grunt malarstwa sztalugowego. A ograniczenie możliwości kolorystycznych lakieru było jedną z najtrudniejszych przeszkód. Jednak stopniowo problem ten został rozwiązany. W palecie pojawiły się odcienie błękitu, żółci i zieleni, a połączenia barwników wzbogaciły malarstwo lakierowe o barwy fioletu, bzu, różu i szkarłatu. Jednak do dziś technologia malowania lakierem pozostaje bardzo pracochłonna.

Wietnamscy historycy sztuki uważają, że pragnienie artystów wyrażenia się w tworzeniu malarstwa sztalugowego z laki stało się możliwe dopiero po rewolucji sierpniowej 1945 roku. Artyści ludu patriotycznego odzwierciedlali w swojej twórczości nową socjalistyczną rzeczywistość. Jednym z pierwszych eksperymentatorów, którzy pracowali z farbami lakierowymi, był Chan Van Kang, obecnie uznany artysta zajmujący się zarówno malarstwem olejnym, jak i lakierem. Jego wczesne obrazy lakierowane odniosły sukces na wystawie w Hanoi w 1935 roku. Będąc wielkim mistrzem europejskiej techniki malarstwa olejnego, Chan Van Kang w swoich pracach werniksowych dał się poznać jako artysta głęboko narodowy. Malarstwo lakowe po raz pierwszy ogłosiło się na wystawie w Hanoi w 1958 roku jako nowa forma sztuki.

Konsekwentny realista i subtelny autor tekstów Phan Ke An buduje swój obraz „Wspomnienia wieczoru w północno-zachodnim Wietnamie” (1955) na kontrastowym połączeniu półprzezroczystych niebiesko-zielonych odcieni z jasnożółtym nieprzezroczystym złoceniem. Obraz ten jest znaczący w koncepcji i romantyczny w wykonaniu. Na tle skąpanych w wieczornym słońcu gór wyraźnie wyróżnia się łańcuch żołnierzy w niebieskich mundurach, schodzących z przełęczy na nizinę górskiego wąwozu. Idą twarzą w twarz ze słońcem, łapiąc jego ostatnie promienie, zanim wyjdą w ciemność nocy. Trzy podstawowe kolory: żółty, niebieski, zielony (nie licząc niewielkiej ilości czarnego werniksu) oddają bogactwo emocjonalnej intencji artysty dzięki szczególnej grze faktur i różnej głębi odbitego koloru.

Złocisty blask ciemnej lakierowanej powierzchni najbardziej organicznie objawił się w kompozycji jednego z najpotężniejszych mistrzów malarstwa lakowego, Le Quoc Loc, „Przez znajomą wioskę” (obraz był pokazywany w Moskwie na międzynarodowej wystawie sztuk pięknych im. krajach socjalistycznych w 1958 r.). Obraz „Nocny spacer” artysty Nguyena Hiema ukazuje możliwości malarstwa lakowego w tworzeniu poczucia tajemniczości i romantyzmu. Zastosowanie intarsji dla wzmocnienia efektu dekoracyjnego można docenić na obrazie Nguyen Kim Donga „Ceramic Craft” (1958), przedstawiającym dwóch garncarzy przy pracy. Naprzemienność szerokich płaszczyzn intarsji ze skorupek jaj (biała ściana pieca i białe ubrania garncarzy) z najprostszymi kolorowymi sylwetkami sprawia, że ​​kompozycja jest tak uogólniona, że ​​obraz wygląda niemal jak mozaika lub relief.

Opis wietnamskiego malarstwa lakowego byłby niepełny bez wspomnienia techniki lakieru rzeźbionego (grawerowanego), która była szczególnie popularna wśród mistrzów lat 20-30 ubiegłego wieku. Zwykle używano go do tworzenia paneli dekoracyjnych, ekranów i innych detali wnętrz. Technika ta jest stosowana do dziś. Na czarnym lub czerwonym tle powłoki lakierowej wycina się (do samej ziemi) wzór, który wypełnia się różnymi barwnikami. Przykładem jest obraz Guyna Van Thuana „Wioska Vinh-mok”. Wyraźny grawer, podkreślony subtelnymi jasnymi tonami, tworzy ostry kontrast z błyszczącym i gładkim czarnym tłem. Kompozycja obrazu z wysoko podniesionym horyzontem pozwala odsłonić całą panoramę życia w wiosce rybackiej.

Zwiększona dekoracyjność faktury farb lakierniczych, umożliwiająca intarsję z innymi materiałami, nadaje temu obrazowi szczególnej wyrazistości. Wietnamskie malarstwo lakowe ewoluowało od malarstwa dekoracyjnego do sztalugowych kompozycji tematycznych. Stały się dla niej dostępne wszystkie gatunki i wszystkie tematy malarstwa olejnego. Pejzaż morski, obraz kampanii wojskowej w dżungli, obraz kopalni węgla, scena wiejska, obraz huty stali lub fermy świń, a nawet martwa natura i portret. Malarstwo, które powstało w trudnych latach wojny, odzwierciedlając narodowe marzenie o szczęściu i pokoju, żyje i rozwija się w dzisiejszym socjalistycznym Wietnamie jako estetyczny wyraz wysokiego ducha ludzkiego.

Wietnamska sztuka piękna zawsze uwzględniała materiał jako integralny element piękna dzieła. To nie przypadek, że w tradycyjnych wietnamskich sztukach pięknych zawód rzemieślnika został specjalnie rozwinięty, a każdy mistrz był specjalistą w swojej dziedzinie: byli mistrzowie w wyrobie wyrobów lakowych, wyrobów z masy perłowej, rzemieślnicy w obróbce cennych przedmiotów metale, perły, miedź, drewno i jedwab.

Malowanie farbami wodnymi na jedwabiu

Wietnamscy artyści stworzyli wiele dzieł sztuki na bazie jedwabiu. Wśród odnoszących sukcesy mistrzów pracujących z jedwabiem i żywo odzwierciedlających prawdziwe życie warto zwrócić uwagę: Chan Wang Kang „Dziecko czyta swojej matce” (1954); Nguyen Phan Chan „Dziewczyna się myje”, „Po skurczu”, „Opieka nad dzieckiem” (1962, 1970), „Napij się herbaty” (1967); Nguyen Trong Kiem „Wizyta” (1958); Nguyen Van De „Letnie popołudnie”; Fan Hong „Spacer w deszczu” (1958); Nguyen Van Trung „Światło księżyca na piasku” (1976); Tran Dong Luon „Dziewczyny z grupy roboczej” (1958); Ta Thuc Binh „Zbieranie ryżu” (1960); Nguyen Thi Hang „Córki wietnamskie” (1963); Vu Giang Huon „Ryba” (1960); Nguyen Thu „Wizyta na wsi” (1970), „Deszcz” (1972), „Tkanie” (1977); Kim Bak „Owoce ojczyzny” itp.

Innowacja polegała na tym, że przy użyciu uogólnionych metod ucieleśnionych w jedwabiu przekazywały prawdziwe życie. Artyści głęboko i skutecznie zgłębiali temat pracy produkcyjnej. Najbardziej uderzające dzieła tego okresu należą do Nguyena Phan Chana: w swoich pracach tworzy nowe życie duchowe, przedstawia szczęśliwe kobiety, dzieci, rodziny w dniach pokoju itp. W pracy „Portret Chy Dong Tu” (1962) Nguyen Phan Chan pokazuje piękno kobiecego ciała na miękkim jedwabiu, demonstrując swoje głębokie poszukiwania artystyczne.Kolejnym mistrzem tego kierunku w malarstwie jest Nguyen Hu (ur. 1930). W swoich pracach przekazuje przejrzystość górskiego powietrza, przestrzeń i przestrzeń swojego rodzinnego kraju. Głównymi bohaterami jego obrazów są natura i człowiek. Nguyen Hu wniósł znaczący wkład w rozwój nowoczesnej technologii grafiki jedwabnej.

Starożytna i oryginalna sztuka Wietnamu ewoluowała przez wiele stuleci. Utalentowani ludzie tego kraju stworzyli wiele wspaniałych pomników twórczości artystycznej.

Powstawanie malarstwa współczesnego odbywało się w trudnych warunkach i charakteryzuje się wieloma cechami. Jej źródłem była sztuka klasyczna średniowiecza, jednak już na początku XX wieku nie odpowiadała ona już nowym wymaganiom i ideałom. Kolonizacja kraju przez Francję wyraźnie wpłynęła na jego rozwój, w wyniku czego do Wietnamu przedostały się różne elementy kultury europejskiej. W tym okresie nastąpiło ponowne przemyślenie dziedzictwa średniowiecznego, dzięki zapoznaniu się z najlepszymi malowniczymi przykładami Europy.
Ważną rolę odegrało otwarcie w 1924 roku Wyższej Szkoły Sztuk Pięknych Indochin w Hanoi. Główny nacisk kładziono na nauczanie podstaw malarstwa europejskiego, ale studiowano także sztukę dawną. Postępowe znaczenie tej instytucji edukacyjnej polegało na zwróceniu się ku pochodzeniu narodowym. Studiowało tam wielu artystów, stawiając sobie za cel wskrzeszenie starożytnej oryginalnej sztuki. Dzięki ich wysiłkom dawne malarstwo na jedwabiu znów zyskuje na znaczeniu i opracowywana jest nowa technika lakierowania. To właśnie te gatunki cieszą się obecnie największym zainteresowaniem.

Su Mana, Hoana Van Thuana. Lakier. 1982. Czyszczenie ryżu. Grawer na lakierze. 1981. 67 X 48.

Malarstwo na jedwabiu znane było już we wczesnym średniowieczu. Dawni mistrzowie pisali na długich, poziomych i pionowych paskach jedwabnego lub miękkiego papieru ryżowego, do których wzdłuż krawędzi przymocowano drewniane wałki. Zastosowano wodne farby mineralne i roślinne. Gotowy egzemplarz oprawiono w wzorzystą jedwabną ramę. Odrodzenie tej starożytnej formy sztuki wiąże się z nazwiskiem wybitnego wietnamskiego artysty Nguyena Phan Tiena, którego obrazy odniosły ogromny sukces na Międzynarodowej Wystawie w Paryżu w 1931 roku. Do swoich przedmiotów Nguyen Fan Tien wybrał cienki, półprzezroczysty jedwab i pracował tuszem i akwarelą. Urok jego dzieł był tak wielki, że wielu innych artystów poszło za przykładem mistrza.
Sukcesy technologii lakierów sztalugowych nie były początkowo zbyt znaczące. Artyści w latach 20.-30. XX w. stawiali dopiero pierwsze kroki w jego opanowaniu. Ale dekoracyjne obrazy lakierowane są znane w Wietnamie od drugiego tysiąclecia naszej ery. Lakier uzyskano z soku drzew shea i cham i pozostawiono na kilka miesięcy w ciemnym pomieszczeniu. Jej wierzchnia warstwa służyła do przygotowania najwyższej jakości czarnego lakieru, druga warstwa służyła do mieszania z barwnikami, a żywica lakiernicza służyła do pierwotnej obróbki wyrobów. Paleta dawnych mistrzów składała się tylko z kilku kolorów - złotego, czarnego, brązowego, czerwonego, ponieważ inne barwniki ciemnieją po zmieszaniu z lakierem. Kolorowymi masami pokryto drewniane elementy obiektów architektonicznych, rzeźby świątynne, meble, parawany, pudełka ozdobne i wazony. Zastosowanie werniksu w malarstwie sztalugowym wymagało zmiany technologii i palety barw.

Nguyen Luon Tsu Bac. Droga do wioski Zhao Shan. Jedwab, akwarela. 1982. 58 X 76.

Po zwycięstwie rewolucji sierpniowej 1945 roku sztuka narodowa nabrała nowego impetu. Proces jego powstawania przebiegł pomyślnie, pomimo wojen z francuskimi kolonialistami i amerykańskimi agresorami. W tym trudnym dla kraju okresie postępowi artyści wietnamscy oddają swój talent w służbie ludu. Razem z żołnierzami Armii Ludowej odbywali długie marsze i brali udział w bitwach. Ich szkice i rysunki gloryfikowały wyczyny żołnierzy i partyzantów oraz osiągnięcia robotnicze chłopów. Życie kulturalne nie ustało. W 1948 roku w północnym, górzystym regionie Viet Bac rozpoczęły działalność dwie pracownie malarskie, w których doskonalono techniki malarskie oraz nauczano studentów. W 1950 roku otwarto tu szkołę artystyczną, której dyrektorem był słynny malarz To Ngoc Van.
W latach rozejmu (1954–1965) artyści północnowietnamscy otrzymali szerokie możliwości twórcze. W Hanoi ponownie otwierają się instytuty sztuki i organizuje się wiele wystaw zarówno w kraju, jak i za granicą. Są dowodem pomyślnego rozwoju nowej sztuki narodowej, zwłaszcza malarstwa sztalugowego.
Jak przebiegała praca nad utworem? Najpierw przygotowuje się bazę. Do tego biorą suche, jasne drewno, czasem prasowaną sklejkę. Na deskę nakłada się kilka warstw ziemi ze specjalnie przygotowanej kompozycji, w skład której wchodzi kaolin, drobne trociny i surowy lakier, a następnie pokrywa się ją ze wszystkich stron bawełnianą tkaniną w celu zabezpieczenia przed pęknięciami. Każda warstwa jest suszona i dokładnie polerowana pumeksem.
Po nałożeniu podkładu płyta pokrywana jest kilkoma warstwami czarnego lub brązowego lakieru, z których każda jest dodatkowo szlifowana. Następnie nakładany jest wstępny rysunek, po czym mistrz zaczyna pracować z farbami lakierniczymi - tutaj poprawki są prawie niemożliwe. Powierzchnię obrazu poleruje się najpierw słomą ryżową, a na koniec ręcznie. W latach 60. poszerzyła się paleta barw malarstwa sztalugowego. Do tradycyjnych kolorów dodano biel, błękit, róż, fiolet i różne odcienie zieleni.

Nguyen Van Thi. Rybacy u ujścia rzek Han i Khoy. Lakier. 1982. 125 X 190.

Malarstwo wietnamskie swój prawdziwy rozkwit osiągnęło po zjednoczeniu kraju. Artyści z Północy i Południa otrzymali możliwość współpracy. W ciągu ostatnich lat w instytutach i szkołach artystycznych w całym kraju kształciła się plejada młodych talentów. Najstarsi mistrzowie nadal z powodzeniem działają.
Jednym z nich jest Tran Van Can, honorowy akademik Akademii Sztuk Socjalistycznej Republiki Wietnamu. Studiował w latach 30. w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych. Pracował w różnych technikach, jednak jego talent najwyraźniej objawił się w malarstwie olejnym i lakierniczym. Chan Wang Kang jest zawsze wierny swojemu charakterystycznemu stylowi malarstwa, w którym „swobodny pędzel” łączy się z użyciem proszku złotego i srebrnego. Był jednym z pierwszych, którzy zastosowali ten materiał. Najpiękniejsze efekty kolorystyczne dało złoty proszek pokryty przezroczystym brązowym lakierem. Jedna z najnowszych prac artysty „Thu Kieu i Kim Chong” powstała na podstawie słynnego wiersza średniowiecznego poety Nguyena Du „Lamentacje udręczonej duszy”, opowiadającego o ciężkich próbach, jakie spotkały kochanków . Na czarnym tle wzburzona linia przedstawia sylwetki młodego mężczyzny i dziewczynki grających na narodowym instrumencie muzycznym nguet. Chan Wang Kang znakomicie wykorzystuje tajemniczy połysk złota na czarnym lakierowanym tle, aby oddać uczucie wewnętrznego napięcia i niepokoju:
...Nastroiłem lutnię tak, żeby była wierna
Były cztery melodyjne, niespokojne struny...
Gładkie dźwięki – oddech ziemi,
świst wiatru i szum cykad.
Szybkie brzmi jak deszcz
jak wirujący wodospad.
W lampie migocze płomień. Ogród
ogarnięty dziwnym lenistwem; i do tego
Kto z taką pasją słuchał,
patrząc w otaczającą ciemność,
Mam ochotę płakać i śpiewać.
Inni mistrzowie inaczej wykorzystują proszek złota – Nguyen Van Thi i Nguyen Van Binh. Na obrazie „Rybacy u ujścia rzek Han i Hoi” Nguyen Van Thi przedstawił powrót rybaków z udanej wyprawy na ryby. Na pierwszym planie zajęci są naprawianiem sieci, za nimi grupa mężczyzn niesie mokry sprzęt do wyschnięcia. W tle, na niebiesko-zielonej tafli morza, widać wiele łodzi z rozwiniętymi żaglami. Są wyraźnie narysowane na czerwonym tle nieba. Aby efektownie podkreślić sylwetkę żagli, mistrz stosuje nietypową technikę – przykleja na powierzchnię obrazu kawałki materiału, a następnie przykrywa je cienkimi płatkami żółtej folii. Jasne piękno krajobrazu i blask iskier pomagają artyście przekazać nastrój świąt.

Quang Tho. Stary milicjant. Lakier. 1984. 90 X 120.

Na obrazie „Krajobraz prowincji Hao Binh” Nguyen Van Binh przedstawił małą wioskę wśród kwitnących drzew. Utwór wyróżnia się barwną brzmieniowością – czerwona ziemia, brązowo-żółte pnie bambusa, sylwetka niebiesko-zielonych gór. Artystka wykorzystuje złoty proszek do oddania blasku nieba, gęstsze liście folii podkreślają wyraźną grafikę drzew. Kolejnym środkiem wyrazu była intarsja ze skorupkami jaj. Wypełnione są nim stroje wieśniaczek i postać konia. W lakierze wycina się płytkie wgłębienia, umieszcza się w nich kawałki łuski i zabezpiecza młotkiem. Jednocześnie na skorupce jajka tworzy się sieć malowniczych pęknięć. Technikę tę po raz pierwszy zastosowano w latach 30. i 40. XX wieku.
Artysta Quang Tho również pracuje z tym materiałem. Tło dla jego obrazu „Stary milicjant” wykonane jest z wewnętrznych i zewnętrznych powierzchni muszli, które mają różne odcienie bieli. Na tym konwencjonalnym, mozaikowym tle uwypuklają się postacie starca z karabinem maszynowym oraz dziewcząt. Lakonizm struktury kompozycyjnej i ciemna, niepokojąca kolorystyka obrazu ujawniają jego główną ideę - determinację narodu wietnamskiego w obronie swojej niepodległości.
Wraz z malowaniem farbami lakierniczymi o dużej powierzchni
Tradycyjne grawerowanie lakieru odniosło sukces. Dawni mistrzowie używali go do tworzenia przedmiotów dekoracyjnych. Współcześni artyści wykonują w ten sposób obrazy sztalugowe. Tłem jest zazwyczaj werniks, gdzie wycina się wzór i wypełnia farbami temperowymi lub lakierniczymi. Su Man, Hoan Van Thuan, Nguyen Nghia Zuen dużo i owocnie pracują nad techniką grawerowania werniksu. Ich prace charakteryzują się zwiększoną dekoracyjnością. Głównym środkiem wyrazu jest kontrast pomiędzy błyszczącym lakierem i matowymi, kolorowymi powierzchniami. W obrazie Ho Chi Minh i pionierzy Nguyena Nghii Zuyena chłodny połysk lakieru został wzmocniony przez zastosowanie ciepłych różów, czerwieni i fioletów.

Dang Quy Hoa. Most Huk. Jedwab, akwarela. 1982. 45 X 60.

Malarstwo na jedwabiu pozostaje najbardziej wyrafinowaną formą sztuki narodowej. To prawda, że ​​​​niektórzy mistrzowie trzymają się klasycznych technik i używają naturalnego jedwabiu nasączonego specjalną wodą ryżową, która zapobiega swobodnemu rozprowadzaniu się farb. Inni piszą na sztucznym jedwabiu, który nie podlega specjalnej obróbce. Stosowane są akwarele europejskie, znacznie rzadziej - mineralne i roślinne. Aby uzyskać efekt rozmytych kolorów, pisze się je także na mokrym jedwabiu.
Wielu starszych artystów woli tradycyjne pisanie. Należą do nich Nang Hien. Mistrz ten, nie posiadający wykształcenia artystycznego, wyróżnia się znakomitym stylem malarskim. Starannie pracuje z fakturą, nakładając farby tak cienko, że prześwituje przez nie srebrzysta baza jedwabiu. Pisze w lokalnych planach kolorystycznych, zarysowując je wyrazistą kreską. Trzymając się tradycji malarstwa klasycznego, Nang Hien często ozdabia swoje obrazy wzorzystym jedwabiem. Duże miejsce w jego twórczości zajmują portrety dziewcząt różnych narodowości Wietnamu.
W malarstwie na jedwabiu wpływ twórcy tej formy sztuki, Nguyena Phan Tiena, jest widoczny do dziś. Oto na przykład obraz Huynha Phuong Donga „Partyzantka z regionu Cu Chi”. Wydaje się, że kontynuuje galerię portretów kobiecych rozpoczętą przez starszego brata.

Nang Hien. Dziewczyna z grupy etnicznej Ziao. Jedwab, akwarela. 1980. 40 X 60.

Wysoki duch obywatelski cechuje wiele dzieł wietnamskich mistrzów, którzy tworzą dzieła poświęcone bohaterskiej przeszłości swojego kraju i tematyce spokojnego życia. Pham Thanh Liem w swojej pracy „Milicjanci Zakładu Metalurgicznego” pisze o grupie młodych ludzi udających się na zmianę do pracy z bronią na ramionach. Dang Quy Hoa na obrazie „Most Huc” przedstawia ulubione miejsce spotkań Hanojczyków – most na Jeziorze Miecza Zwróconego w centrum stolicy. Praca ta związana jest z bohaterską przeszłością narodu wietnamskiego. Zarysowując w tle sylwetkę starożytnej pagody, mistrz zdaje się rzucać most w przeszłość, przypominając średniowieczną legendę związaną z Jeziorem Powróconego Miecza. Tradycja głosi, że w starożytności kraj był atakowany przez hordy wrogów. Walce wyzwoleńczej dowodził rybak Le Loy. Pewnego dnia, gdy siedział zamyślony na brzegu jeziora, z jego głębin wypłynął żółw i dał mu magiczny miecz. Le Loy poprowadził swoją dzielną armię do bitwy i odniósł zdecydowane zwycięstwo, wypędzając najeźdźców z kraju. A niesamowite ostrze wróciło do żółwia, o czym przypomina współczesna nazwa jeziora.
Współcześni artyści z niezwykłym kunsztem przekazują w malarstwie na jedwabiu bujne kwitnienie drzew, delikatne płatki kwiatów, pola ryżowe pokryte szmaragdową zielenią. Malarze interesują się życiem we wszystkich jego przejawach. Tutaj chłopi spieszą się rano na rynek, zajęci sadzeniem ryżu dla wieśniaczki. Przejścia tonalne przezroczystej akwareli zdają się rozpuszczać ludzi i przedmioty w jasnym środowisku.
Dzisiejsze malarstwo Wietnamu, charakteryzujące się wysokimi walorami artystycznymi, wykazuje żywy i bliski związek z życiem narodu i z powodzeniem rozwija najlepsze tradycje starożytnej sztuki narodowej.

Opublikowano: 4 marca 2011

Paleta szczęścia- Malarstwo Wietnamu, lata 50. XX wieku

(Muzeum Sztuk Pięknych w Hanoi).

Przyglądając się pokrótce twórczości wietnamskich mistrzów z lat 50. XX wieku, nieustannie zdumiewa się, jak nowoczesne wydają się obrazy powstałe w tych trudnych czasach. Kolorystyka samych obrazów jest świeża, jakby odzwierciedlała różnorodność odcieni natury Wietnamu, z gęstą zielenią tropikalnych roślin i lazurowymi odcieniami fal zatoki Ha Long, ze złocistym blaskiem piasku na wybrzeże oceanu i skąpane w słońcu pola ryżowe, z kolorowym gwarem targów kwiatowych...

Od czasów starożytnych kultura artystyczna Wietnamu wchłaniała wszystkie najlepsze osiągnięcia i wpływy z zewnątrz. Na kształtowanie się wietnamskiej tradycji artystycznej duży wpływ miała filozofia konfucjańska i kultura buddyjska Chin, złożone formy i obrazy sztuki hinduskiej, a później style i nurty sztuki francuskiej. Oczywiście, w latach pięćdziesiątych, choć trudno to zgadnąć, duży wpływ miała sztuka socrealizmu. Ale przy tym wszystkim historia malarstwa wietnamskiego wydaje się być kłębkiem jasnej i mocnej nici, która nigdy nie została przerwana, tworząc tkaninę o wzorach wyrażających duszę Wietnamu. I dlatego prawdopodobnie nie zobaczymy w sztuce Wietnamu lat pięćdziesiątych ani pouczających intonacji tradycji konfucjańskiej, ani buddyjskiego dystansu, ani nieco dumnego wyrafinowania szkoły francuskiej, ani cienia otwartej „polit”. agitacja” ani socrealistyczny nacisk na ideologię. Malarstwo wietnamskie, jeśli spróbować je scharakteryzować dosłownie „w pigułce”, wyraża ukryty zachwyt nad najprostszą codziennością, jest uczuciem szczęścia zamrożonym w kolorach i jednocześnie marzeniem o szczęściu. W ogóle, po szybkim spojrzeniu na obrazy z lat 50. XX wieku ze zbiorów Muzeum w Hanoi, zwiedzający ma dziwne poczucie pewności, że odpowiedź na „przeklęte” pytanie „Czym jest szczęście i jak je znaleźć” ?” w końcu odnaleziona w głębi własnego serca, wytopiona z lodu codzienności przez ciepłą paletę wietnamskich mistrzów.

Obraz Tran Don Luon, „Szczęście”, 1956, malarstwo na jedwabiu

Obraz Trana Don Luona, powstały w 1956 roku, nosi tytuł „Szczęście”. Obrazy tego obrazu, namalowanego na cienkim jedwabiu, zdają się wyłaniać z mgły porannej mgły w górach północnego Wietnamu, skąd pochodzi artysta. Jedwabne płótno zmiękcza odcienie, podkreśla miękkość półtonów oraz grę światła i cienia, a wszystkie kolory dzieła nasyca złocistym blaskiem. Tak prosto i wyraźnie, elegancko i szczerze artysta wyraża odwieczną ideę szczęśliwej rodziny, harmonijnych relacji rozwijających się w harmonii z otaczającym światem, z naturą. Harmonijne połączenie świata ludzkiego ze światem przyrody wyraża się nie tylko fabułą, ale także kolorystyką: wyblakły niebiesko-szary kostium wieśniaczki nawiązuje do srebrzystoniebieskich, częściowo popielatych półtonów góry w oddali, które w istocie służą jako perspektywiczne tło sceny rodzajowej. Życie biednego chłopa nie wygląda na żałosne i nie wiąże się z „wielkim obciążeniem” ludu, jak można przeczytać w starych podręcznikach. Podkreślona skromność ubioru, powściągliwość i spokój gestów oraz prostota przedpokoju chaty skupiają naszą uwagę na wewnętrznej harmonii panującej w sercach przedstawionych osób. Być może ktoś jest skłonny sądzić, że to wszystko jest jedynie przejawem „prymitywizmu” i „zacofanej gospodarki” lub komunistycznej „propagandy” robotniczo-chłopskiego stylu życia... Nie należy się spieszyć z wnioskami. Przejdźmy do wielowiekowej legendy o szczęściu bohatera o imieniu Chu Dong Tuai. Ten biedny rybak spotkał kiedyś piękną królewską córkę Tien, która była przyzwyczajona do ubrań haftowanych złotem. Młodzi ludzie zakochali się w sobie, a Tien uciekła z pałacu, aby zamieszkać w prostej chatce ze swoim kochankiem, uznając za swoje główne bogactwo przyrodę ojczystego kraju, życie, szczere uczucia i uśmiechy jej dzieci. Od tego czasu uważa się, że miłość Chu Donga i Tiena patronuje młodym parom, aby przetrwały wszystkie trudy życia i zachowały swoje uczucia i relacje. I w tym obrazie jest jakby echo starożytnej legendy, przypominającej nam, pogrążonym w wirze wielkich miast, jak otworzyć drzwi szczęścia. Ale nawet wietnamski i wcale nie „komunistyczny” filozof Soren Kierkegaard nie powiedział, że „drzwi szczęścia otwierają się nie do wewnątrz, ale od wewnątrz”. Malarstwo wietnamskie jest więc zarówno wyznaniem, jak i filozofią kolorów.

obraz To Ngoca Van „Buffalo podarowany po reformie rolnej”, 1955, akwarela.

Ale o obrazie To Ngoc Vana o wyrazistym tytule „Buffalo Dared After Agrarian Reform” można trafnie powiedzieć „propaganda”, „porządek polityczny”… i zakończyć to. Cóż ja nie!!! A tutaj wszystko nie jest takie proste! Tym, co uderza w wietnamskim sposobie myślenia, jest przede wszystkim ich niezależność i umiejętność dostosowania wszelkich pomysłów do własnej duchowości. Obraz graficzny w swojej artystycznej oprawie bardziej przypomina etiudę, szkic, a taki szkicowy charakter jest wyrazem poezji i wewnętrznej dynamiki obrazu. Wrażenie gwałtownego ruchu uzyskuje się poprzez rozwinięcie dynamiki wzdłuż przekątnej kompozycji. Bawół zdaje się patrzeć na swojego nowego właściciela ze zdziwieniem. Na twarzy kobiety powściągliwy uśmiech wyraża spokój, pewność siebie i radość. W starożytnej mitologii wietnamskiej bawół symbolizuje strażnika słońca. Jak powiadają legendy i baśnie, w czasach stworzenia świata przez mitycznych bohaterów, niebiański bawół niósł na swoich rogach dysk słoneczny i zaczął się nim bawić, podrzucając go - gdy słońce wskoczy na wysokość, potem nadchodzi dzień, kiedy zstępuje na rogi niebiańskiego bawołu, potem spokojnie przychodzi noc. A ten bawół podarowany młodej wieśniaczce jest metaforą nadziei na światło słońca nowego życia, wolnego i szczęśliwego, obraz uchwycony bystrym pędzlem artysty, który zatrzymał się nie tylko na chwilę w historii Wietnamu w XX wieku, ale także motywy starożytnych legend i mitów.

obraz „Dwie dziewczyny z bratem” Ngoc Van, 1954, obraz olejny

W swoim obrazie „Dwie dziewczyny z bratem” To Ngoc Van przekazuje radość z duchowej bliskości między ludźmi, poczucie szczęścia z samego życia i komunikacji. Białe ubranie młodej dziewczyny siedzącej na podłodze nawiązuje do śnieżnobiałych kwiatów w tle, a jej postać symbolizuje czystość rozkwitu młodości. Postać starszej siostry wygląda przepięknie, jej twarz rozświetla wewnętrzny spokój i jasność myśli. Lekkie migotanie refleksów świetlnych na twarzach i ubraniach dziewcząt zwiększa wyrazistość kolorystyki obrazu. Rozwiązanie kompozycyjne podkreśla spokojny, kontemplacyjny charakter sceny. Postacie dwóch dziewcząt i dziecka wpisane są w owal, co sprawia, że ​​dynamika kompozycji jakby zamknięta w przestrzeni malarskiej, tworząc wewnątrz obrazu szczególny świat, tchnący spokojem i życzliwością. Mistrzowsko zrealizowany klasyczny schemat kompozycyjny nie wydaje się jednak kanoniczny i zamrożony. Szczerość twarzy i nasycenie obrazu światłem, postać dziecka ubranego w jaskrawoczerwoną kurtkę, dziecinnie naiwnie jasną w stosunku do koloru obrazu jako całości - wszystko to nadaje witalności i szczególnego smaku przedstawiona scena z życia codziennego.

Malarstwo Nguyen Duc Nun<Прядильная нить>, 1956, malowanie lakierem

Nguyen Duc Nun w filmie „Przędąca nić” nie przedstawia po prostu sceny rutynowej pracy przędzarek w okresie powstawania niepodległego państwa Wietnam, kiedy kobiety, aby zrealizować plan, musiały pracować codziennie po 10–12 godzin. W tradycyjnym światopoglądzie Wietnamczyków praca to nie tylko sposób na przetrwanie, zarobienie na życie, nie jest to żmudny obowiązek, ale coś w rodzaju kultu, posługi religijnej, a także sposobu na podtrzymanie świętych tradycji, więzi i ciągłość pokoleń. A na zdjęciu widoczne ucieleśnienie tej filozoficznej, religijnej i głęboko tradycyjnej idei Wietnamu. Ciekawe, że w przeciwieństwie do rewolucjonistów w Rosji rewolucjoniści wietnamscy wcale nie starali się narzucić ideologii ateistycznej, dążyli jedynie do wolności narodowej, niepodległości politycznej. Pozwoliło to Wietnamczykom zachować pierwotne ludowe wartości duchowe i starożytne zabytki sztuki oraz, co najważniejsze, tradycyjny sposób myślenia, nieskalany żadnymi suchymi schematami ideologicznymi. Kompozycja obrazu opiera się na porównaniu trzech planów, zawężających się perspektywicznie i wchodzących w głąb przestrzeni obrazowej. Na pierwszym planie młoda dziewczyna z zapałem wykonuje swoją pracę. Jasnożółty kolor jej swetra ma charakter symboliczny – w buddyzmie jest to kolor ścieżki duchowej, gdyż szaty Buddy Siakjamuniego, gdy wkraczał na ścieżkę tułaczki w poszukiwaniu prawdy, opuszczając dom swego bogatego ojca, były dokładnie żółte . To także kolor młodości, promieni słońca dających życie wszystkim żywym istotom. Pracowitość w pracy to także asceza, osobista droga duchowa, którą rozpoczyna ta młoda dziewczyna. W tle widać starszą kobietę ubraną w ubrania w kolorze ziemi. Jej żywiołem jest ziemia, jej wizerunek kojarzy się z żyznością gleby, jej praca na rzecz dobrobytu ojczyzny. A trzecia płaszczyzna to rzeczywisty obraz natury, wiecznej, zachowującej życie, dającej siłę i wiarę. Czytając obraz jak otwartą księgę, od planu do planu, od linijki do linijki, zdajemy sobie sprawę, że artysta barwami opowiada nam o duchowym związku pokoleń, o ciągłości wątku życia kultury ludzkiej, wieczności i ciągłe, jak życie samej natury.

Chan Din To, „Most drewniany”, 1956, akwarela

Chi Ngoc, „Drewniany most”, 1956, akwarela na kleju

Często wizerunek mostu jawi się jako symbol połączenia i ciągłości pokoleń jako podstawa szczęścia. Symbolicznie, a nie tylko wizualnie, łącząc brzegi, most ma charakter metaforyczny, wskazuje na potrzebę więzi między ludźmi - przyjaźni, rodziny, współpracy, duchowej więzi, wzajemnego zrozumienia różnych pokoleń. Shi Ngoc, przedstawiając chwiejny drewniany most, pokazuje, jak silny jest on na wietrze – mocny jak drzewa połączone korzeniami z ojczystą ziemią i zdolny do bycia elastycznym, ale nie łamliwym pod podmuchami wiatru. Na obrazie innego artysty, Tran Din To, namalowanym w tym samym 1956 roku, co obraz Chi Ngoca, motyw mostu również stał się centralny.

Kompozycyjnie obraz jest podzielony pionowo na trzy części. Poniżej rzeka, symbol nietrwałości i zmiany, mobilności istnienia, powyżej niebo, wieczne, połączone świadomością ze wszystkim, co wzniosłe i duchowe. Bez względu na to, jaką religię wyznaje współczesny wietnamski chłop (a w Wietnamie zawsze panował wysoki stopień wolności wyznania, niektórzy są nie tylko buddystami lub wyznawcami nauk Konfucjusza i Lao Tzu, ale chrześcijanami lub muzułmanami), niezmiennie wierzy on w starożytna mądrość, że płodność ziemi jest świętym darem z nieba, który ludzie muszą zachować, chronić, chronić i szanować, pracować na ziemi, niezmiennie podziwiając ten dar. I to nie przypadek, że most tutaj pełni także rolę metafory połączenia nieba z ziemią, duchowych i światowych zasad w życiu człowieka. Ideę jedności życia duchowego i doczesnego zdaje się podkreślać kolor obrazu - kolor nieba nawiązuje do koloru błotnistych wód rzeki niosącej na pola żyzny muł.

obraz Fan Ke An<Уборка урожая во Вьетбаке>, 1953, malowanie lakierem

Pragnienie gloryfikacji urodzajności pól, piękna ojczyzny i kuszącej, mistycznej przestrzeni wysokiego nieba znajduje odzwierciedlenie w obrazie Phan Ke Ana „Żniwa w Viet Bac”. Artysta posługiwał się tradycyjną azjatycką techniką malarstwa werniksowego, jednak system artystyczny i wizualny tej pracy opiera się na zasadach europejskiego malarstwa realistycznego. Phan Ke An wolał, podobnie jak wielu innych rzemieślników w Wietnamie, wytwarzać własne farby do swoich dzieł. Oto sekret nieuchwytnego piękna i oryginalności odcieni, wyjątkowości półtonów i melodii zestawień kolorystycznych. Mieszając pokruszone pędy i gałęzie sophora w różnych proporcjach, aby stworzyć żółtą farbę, artysta uzyskuje różnorodne odcienie żółci, które realistycznie oddają bogactwo świeżych zbiorów i wypełniają malarską przestrzeń poczuciem radości życia. Zielonkawy kolor uzyskujemy stosując tlenek miedzi i żywicę sosnową, efekt wewnętrznego blasku uzyskujemy dodając do warstwy lakieru drobno pokruszoną macicę perłową. Pierwotnie rozwiązano kompozycję wielofigurową w redukcji perspektywy. Postacie pracujących chłopów w gwałtownym ruchu stopniowo oddalają się od widza w głębiny przestrzeni, stając się ledwo zauważalnymi punktami bliżej podnóża wysokich gór, gdzie znajduje się granica żyznego pola, i jakby zlewając się w jeden strumień z rytmem życia natury, tworząc z nią jedność i tym samym ucieleśniając prawdziwą harmonię istnienia. Twarze chłopów nie są widoczne dla widza; indywidualizm jest generalnie obcy Wietnamczykom, ale widzowi przekazywana jest potężna energia tych ludzi, których wyraziste postacie przepojone są poczuciem szczęścia z pracy twórczej i poczuciem jedności i bliskość rodzimej przyrody.

Wan Bin, malarstwo<Единство народов севера и юга>, 1956, malowanie farbami wodnymi na kleju

Obraz jedności i przyjaźni między narodami Wietnamu ucieleśnia obraz Van Binha „Przyjaźń narodów Północy i Południa”. Obraz wykonany został skomplikowaną techniką, łączącą w sobie tradycje wietnamskiego malarstwa lakowego i akwareli zachodnioeuropejskiej. Farby wodorozcieńczalne artysta nakłada na specjalnie dla nich przygotowaną bazę lakierowo-klejącą. Po wyschnięciu farb akwarelowych artysta nałożył na wierzch kolejne warstwy przezroczystego kleju, który nadaje kolorowi obrazu subtelny połysk i szczególny wdzięk odcieni. Wizerunki dwóch dziewcząt, symbolizujące jedność Północy i Południa, kojarzą się także nie tylko z historycznymi perypetiami lat 50. XX wieku, ale także z legendami starożytności. Dla tych, którzy znają starożytną historię i legendy Wietnamu, wizerunki tych dziewcząt są jak echo opowieści o legendarnych siostrach Trung, które w I wieku naszej ery zebrały potężną armię i pokonały chińskich władców, osiągając: choć na krótki czas, niepodległość dla swojego narodu. Van Binh przekazuje na tym obrazie bardzo wyraźną metaforę - wezwanie północy i południa, niczym dwóch legendarnych sióstr, do zjednoczenia się i osiągnięcia całkowitego wyzwolenia terytorium Wietnamu. Aby lepiej zrozumieć o czym tu mowa, przypomnijmy pokrótce historię podziału Wietnamu. Idea braterstwa i jedności narodów Wietnamu nabrała szczególnego znaczenia w latach pięćdziesiątych XX wieku, ponieważ w 1954 roku terytorium Wietnamu zostało podzielone wzdłuż XVII równoleżnika na dwie części – Wietnam północny, który uzyskał niepodległość, i Wietnam południowy, gdzie wzmocniono proamerykański „marionetkowy” rząd. W Waszyngtonie zdecydowano się oprzeć na powiązanej z CIA Ngo Dinh Diem, która oczywiście nie bez wsparcia amerykańskich służb wywiadowczych została nominowana na stanowisko premiera marionetkowego rządu w południowym Wietnamie , ponieważ Stany Zjednoczone chciały zamienić Wietnam Południowy w kolonię nowego typu. W październiku 1955 roku Diem odsunął od władzy cesarza Bao Dai w drodze sfałszowanych wyborów, po których proklamował utworzenie suwerennej Republiki Wietnamu, co stanowiło obiektywne naruszenie Porozumień Genewskich. Tym samym perspektywa zjednoczenia Wietnamu została celowo odroczona na czas nieokreślony. Poważnym strategicznym błędem Diema było zniesienie samorządu wiejskiego na południu, co naruszyło wielowiekowe tradycje wietnamskie, zwłaszcza tradycje południowowietnamskiego stylu życia na wsi. W rezultacie chłopstwo, stanowiące większość ludności Wietnamu Południowego, okazało się przeciwne rządowi Diema, który rozpoczął m.in. represje wobec komunistycznego podziemia pozostającego w kraju po 1954 r., choć był słaby i nie stanowił dla niego realnego zagrożenia. Bez względu na to, jak bardzo środowiska proamerykańskie próbowały podzielić naród Wietnamu, nie udało im się to i w grudniu 1960 roku siły patriotyczne Wietnamu Południowego utworzyły Front Wyzwolenia Narodowego, który miał walczyć o niepodległość i zjednoczenie kraju (pamiętajmy, że północ i południe Wietnamu ostatecznie zjednoczyły się w 1976 r.). Zatem malarstwo Van Binha było, jak się teraz mówi, „na temat dnia”, pozostając jednocześnie w ścisłym związku z tradycyjnymi obrazami, w których odbijają się legendy i wielowiekowa historia Wietnamu.

Liryczne, nasycone blaskiem światła i różnorodnością barw są obrazy Luong Xuan Ni. Kontemplacyjny spokój wypełnia krajobraz, przedstawiając prostą wioskę nad brzegiem rzeki. Na pierwszy rzut oka obraz wydaje się opuszczony, postacie ludzi są jedynie umownie zaznaczone w tle. Jednak sama natura wydaje się być obdarzona człowieczeństwem, duchowością i poczuciem szczęścia. Luong Xuan Ni maluje olejami, nawiązując do tradycji szkoły francuskiej, dlatego jego kolory przypominają czasem paletę Cezanne’a czy Renoira.

Subtelność wyczucia koloru jest dla artysty równie ważna, jak dokładność słuchu dla muzyka. I jakby wyrafinowana piękna melodia, od nuty do nuty, od akordu do akordu, przekazująca ruchy duszy, brzmi kolorystyka krajobrazu. Albo żółte refleksy migoczą na wodzie i liściach, potem miękka zielona zieleń łączy wszystkie kolory szmaragdowym blaskiem i odpręża nasze spojrzenie, wtedy gęsta zieleń i brązowawe pnie drzew podkreślają kolor tropikalnej flory.

Kolejny obraz Luong Xuan Ni to martwa natura. Kwiaty w wazonie są jak ucieleśnienie marzenia o rozkwicie ojczystego kraju lub po prostu marzenie o szczęściu.

Wzory obrusów przypominają naiwne i dynamiczne wzory z malarstwa Henriego Matisse’a, jednak nie mówimy tu o naśladownictwie, a raczej o ciągłości tradycji. Wietnamscy artyści nigdy nie kopiowali francuskich mistrzów, a jedynie zapożyczali i przyjmowali cechy, które im się podobały, interpretując je w oparciu o własny światopogląd. Kwiaty w wazonie są tak proste i zachwycające, a jednocześnie poetyckie i eleganckie. Przypominają mi się słowa wietnamskiego poety Mana Giaca z XI wieku: „Wiosna mijają, opadają setki kwiatów, setki kwiatów rozkwitają nową wiosną”. Kwiaty są symbolem zmienności i przemijania życia, a jednocześnie nadzieją na odrodzenie w wirze istnienia.

Mai Long, który dopiero rozpoczynał karierę artystyczną w latach pięćdziesiątych XX wieku, przedstawił scenę z życia w Narodowym Regionie Autonomicznym Tai Meo w północno-zachodnim Wietnamie. Region ten jest praktycznie odcięty od głównych ośrodków handlowych i kulturalnych Wietnamu wysokimi górami i lasami, dzięki czemu lud Tai Meo zachował swoją własną, niepowtarzalną kulturę. Zakochany młody mężczyzna dedykuje swojej dziewczynie melodię bambusowego fletu khen. Jasne ubrania dziewczyny swoim wewnętrznym blaskiem nawiązują do barwy pełni księżyca, co przywodzi na myśl obrazy z wietnamskiej poezji ludowej, kiedy urodę kobiety często porównuje się do twarzy księżyca rozświetlającej mroki nocy. Tak jak księżyc oświetla nocny krajobraz, tak piękno dziewczyny rozświetla życie młodego mężczyzny swoim łaskawym światłem. Wrażenie chłodu nocy wyrażają się w migoczących, niebieskawych refleksach i wydaje się, że cały świat, szczyty odległych gór i cienkie pnie drzew w skupieniu wsłuchują się w melodię, która przebija ciszę nocy, ogrzewając powietrze nocy i serca dziewczyny.

„Gdyby nie było złej zimy, świat zapomniałby o wiośnie…” Tymi słowami możemy zakończyć nasze opowiadanie o malarstwie wietnamskim lat 50. XX wieku, które na tle trudów wojny wydawało się barwnym ucieleśnieniem samej idei szczęścia. Są to wersety ze słynnego „Dziennika więziennego” Ho Chi Minha, napisanego w latach ostrej walki o niepodległość narodu wietnamskiego. To właśnie wtedy, w latach 40. XX w., więziony za swoją walkę Nguyen Ai Quoc (w tłumaczeniu Nguyen Patriot, prawdziwe nazwisko brzmiało Nguyen Tat Thanh), przyszły przywódca wolnego Wietnamu przyjął pseudonim, pod którym zyskał światową sławę. W tłumaczeniu imię Ho Chi Minh oznacza obdarzony mądrością. Mądrość, jako połączenie doświadczenia życiowego i obserwacji, przejaw naturalnego talentu i prawdziwego człowieczeństwa, ucieleśnienie duchowości, życzliwości i współczucia, jest właśnie mądrością, która prowadzi do szczęścia i wolności, w wymiarze filozoficznym, a nie tylko politycznym, zrozumienie. Przyjmując tak dźwięczny pseudonim, skromny i inteligentny, ale jednocześnie silny i nieprzejednany w walce, przywódca ruchu narodowowyzwoleńczego w Wietnamie zdaje się potwierdzać pogląd, że mądrością należy się kierować nie tylko w sprawach rządowych, ale także w pokonywaniu stromych wyzwań i zwrotów losu. Mądrość Wietnamczyków w dążeniu do szczęścia zawsze znajdowała odzwierciedlenie w sztukach pięknych. Sztuka malarska lat pięćdziesiątych XX wieku zdawała się zwiastować nadejście „wiosny” - odrodzenia niepodległego Wietnamu po ostrej „zimie” wojen i niedostatków.

Reasumując krótki przegląd dzieł malarstwa wietnamskiego lat 50. XX wieku znajdujących się w zbiorach Muzeum w Hanoi, można powiedzieć, jaką rolę odegrały one w historii sztuki wietnamskiej w szczególności i w ogóle w światowej kulturze artystycznej, czy też jak blisko są te obrazy stworzone przez artystów, związane z wydarzeniami historycznymi tamtych lat oraz z historyczną i kulturową tradycją narodową. Ale chyba wystarczy zajrzeć we własną duszę – a to efekt zapoznania się ze sztuką Wietnamu w tych, już stosunkowo odległych od nas latach. To tak, jakbyśmy w jakiś sposób stali się bogatsi i mądrzejsi, zanurzając nasze oczy i uczucia w palecie szczęścia.

Lukashevskaya Yana Naumovna, historyk sztuki, niezależny krytyk sztuki, kurator wystaw.

© strona, 2011

Od: Biryukova Irina,  

Wietnamczycy to ludzie kreatywni, mający własne podejście do sztuki. W wietnamskich obrazach wykonanych z różnorodnych materiałów jest wiele niezwykłych i kolorowych rzeczy. O niektórych z nich chcemy Wam opowiedzieć, bo być może nawet nie podejrzewaliście, że z takiego złomu mogą powstać dzieła sztuki. Jednocześnie poruszymy zarówno starożytne sposoby wyrażania siebie artystów, jak i te najnowocześniejsze.

Obrazy haftowane jedwabiem

Ogromna liczba odcieni używanych do tworzenia obrazów i delikatna, żmudna praca wykwalifikowanych rzemieślników rozsławiły wietnamskie obrazy haftowane jedwabiem na całym świecie. Na obrazach ożywają naturalne krajobrazy i portrety ludzi. Szczególnie zaskakujące są dwustronne obrazy. Wszystkie prace wyróżnia także efekt trójwymiarowości obrazu. Obrazy autorstwa rzemieślniczek można zobaczyć w fabryce jedwabiu w Dalat. To nie tylko fabryka, ale piękna sala wystawowa, w której można podziwiać wspaniałe dzieła hafciarzy, a jeśli chcesz, kupić swój ulubiony obraz. Ponadto zwiedzający mogą zobaczyć, jak dziewczyny pracują nad tworzeniem tych niesamowitych obrazów bezpośrednio w korytarzach.

Obrazy lakierowane

Lakier to trwały, wodoodporny materiał, a Wietnamczycy używają go do tworzenia pięknych obrazów oraz ozdabiania pudełek, tac, parawanów i innych przedmiotów obrazami z lakieru. Praca z lakierem wymaga pewnych umiejętności, ponieważ materiał ten szybko twardnieje. Rzemieślnicy muszą działać szybko i ostrożnie. Obrazy lakierowane można obejrzeć w warsztacie w Ho Chi Minh City, udając się tam na wycieczkę krajoznawczą. W warsztacie można znaleźć różnorodne przedmioty, od dużych komód po maleńkie pudełka, które można kupić na pamiątkę.

Obrazy z piór kurczaka

Takie wyjątkowe dzieła można zobaczyć w starożytnej dzielnicy Hoi An, a ich twórcą jest artysta o imieniu Dinh Thong. Od dzieciństwa interesował się sztukami pięknymi, rysował tradycyjnymi farbami i ołówkami, wykonywał kolaże z papieru, a następnie postanowił wprowadzić do swojej twórczości coś zupełnie nowego i niezwykłego i wykonał swój pierwszy obraz z kurzych piór. Zwykle artysta wykorzystuje pióra wietnamskich ptaków, które występują w czterech kolorach: czarnym, białym, brązowym i szarym. Dinh Thong przykleja pióra na tekturę, tworząc w ten sposób pejzaże, portrety lub abstrakcyjne kompozycje. Te niezwykłe obrazy charakteryzują się trwałością, trwałością kolorów i co najważniejsze oryginalnością.

Płaskorzeźba na szkle grawerowana SOWA

Ten rodzaj sztuki nie jest starożytny. Pojawiło się po sprowadzeniu do Wietnamu z Europy mozaik szklanych. Obrazy na szkle SOVA powstały dzięki Fan Hong Vin. To on opracował nową technikę grawerowania płaskorzeźb na szkle. Za pomocą tej techniki artysta zamienia zwykłe szklane płytki w dzieła sztuki. Vinh wynalazł specjalną maszynę do piaskowania, która służy do obróbki matowego szkła, a także wymyślił metodę zmętnienia produktów kryształowych. Grawerowanie służy nie tylko do tworzenia zwykłych obrazów, ale także do wykonywania różnych elementów wystroju pomieszczeń: drzwi, ścian, ścianek działowych. Gdy światło pada na szybę, powstaje piękny efekt: przestrzeń staje się błyszcząca! Obrazy przedstawiają kwiaty i rośliny, zwierzęta, ludzi czy naturalne krajobrazy.

Rysunki z ryżu

Jak wiadomo, ryż dla Wietnamczyków jest najważniejszym zbożem i produktem na stole. Wietnamczycy cenią i szanują ryż. Nic dziwnego, że ryż wkroczył także na dziedzinę sztuk pięknych. Wykorzystując ziarna ryżu, artyści pracujący w pracowni Huu Cuong Nguyena tworzą niepowtarzalne obrazy przedstawiające naturę Wietnamu oraz ludzi żyjących i pracujących w tym kraju. Do pracy rzemieślnicy wybierają mocne ziarna o jednakowej wielkości. Aby nadać ziarnom różnych odcieni, praży się je w różnych temperaturach. Doświadczeni profesjonaliści mogą wyprodukować ponad dziesięć odcieni ryżu. Aby przykleić ryż do podłoża, stosuje się lepki klej mleczny. Gotowe obrazy suszy się na słońcu. Na wykonanie jednego obrazu rzemieślnicy spędzają od sześciu do dwunastu dni.

Malowidła ze skrzydłami motyla

Obrazy przedstawiające skrzydła motyla są dziełem wietnamskiego profesora Bui Cong Hiena. Pracę tę podjął po odejściu z nauczania na Wydziale Biologii Instytutu w Hanoi. Razem z inżynierem Dang Ngoc Anhem zaczęli hodować motyle, aby tworzyć obrazy. Podczas pracy wykorzystuje się specjalny, specjalnie opracowany rodzaj kleju, który zachowuje naturalną delikatność skrzydeł motyla. Teraz profesor i inżynier wpadają na pomysł, aby nauczyć chłopów hodować motyle i tworzyć niesamowite i niezwykłe obrazy, aby mogli zwiększyć swoje dochody.

Obrazy z różnych materiałów naturalnych

W niektórych luksusowych wietnamskich sklepach wnętrzarskich można zobaczyć oryginalne obrazy stworzone przez grupę studentów Ourway. Wykonane są z naturalnych materiałów i nie od razu można się domyślić, że do swoich prac rzemieślnicy wykorzystywali skorupki jaj, korzenie roślin, siano, trociny i słomę. Co ciekawe, studenci starają się nie malować materiałów do swoich obrazów. Znajdują kolorowe trociny i wykorzystują skorupki nie tylko kurzych jaj, ale także kaczych i przepiórczych. W początkowej fazie szkic nakłada się na podstawę ołówkiem, następnie przyszły obraz pokrywa się klejem, na który nakładane są różne materiały. Wszystkie obrazy są oryginalne i niepodobne do siebie, co stanowi ich szczególną wartość.