Historia kultury rosyjskiej. XIX wiek Jakowkina Natalia Iwanowna
§ 2. KLASYCYZM I „AKADEMIZM” W MALARSTWIE ROSYJSKIM
Kierunek klasycyzmu powstał w rosyjskich sztukach plastycznych w taki sam sposób, jak w literaturze i teatrze w drugiej połowie XVIII wieku, ale w przeciwieństwie do nich był to okres dłuższy, obejmujący całą pierwszą połowę XIX wieku i w pełni współistniejący z romantyzm i sentymentalizm.
W malarstwie i rzeźbie, a także w literaturze zwolennicy klasycyzmu proklamowali sztukę starożytną jako wzór do naśladowania, skąd czerpali tematy, sytuacje fabularne, bohaterów. W dziełach sztuki ucieleśniały się także główne tendencje klasycyzmu: afirmacja idei monarchicznej państwowości, patriotyzmu, przywiązania do władcy, pierwszeństwa powinności publicznej, przezwyciężania osobistych interesów i uczuć w imię powinności wobec kraju, suwerenny. W starożytnych próbkach artyści widzieli przykłady ludzkiego piękna i wielkości. Malarstwo i rzeźba dążyły do zwięzłości opowieści, plastycznej klarowności i piękna formy. Jednocześnie, podobnie jak w innych dziedzinach sztuki, obowiązywały ich pewne kanony reprezentacji artystycznej. Wybierając więc wątek z antycznej mitologii lub Biblii, artysta zbudował kompozycję w taki sposób, aby główna akcja była koniecznie na pierwszym planie. Jego ucieleśnieniem była grupa postaci, nagich lub ubranych w obszerne antyczne szaty. Uczucia i działania przedstawionych osób przejawiały się w ruchach ciała, również warunkowych. Na przykład, aby wyrazić wstyd lub smutek, zalecano pochylić głowę bohatera, jeśli współczucie - na bok, rozkaz - podnieść ją.
Każda postać na obrazie uosabiała pewną ludzką cechę - wierność, czułość, prostolinijność lub oszustwo, odwagę, okrucieństwo itp. Jednak niezależnie od tego, jakiej własności ta lub inna osoba była rzecznikiem, jego postać i ruchy musiały odpowiadać starożytnym kanony piękna.
W pierwszej dekadzie XIX wieku, dzięki patriotycznemu zrywowi wywołanemu wojną ojczyźnianą 1812 roku, klasycyzm był najbardziej rozpowszechniony w rosyjskiej rzeźbie i malarstwie. Podstawa ideologiczna | klasycyzm – ucieleśnienie wzniosłych uczuć i obrazów w dziełach sztuki JI – odpowiadał ówczesnym nastrojom społecznym. Ideę bezinteresownej służby Ojczyźnie artyści ucieleśniają w fabułach i wzorach zaczerpniętych z historii starożytnej i rosyjskiej. Tak więc, zgodnie z fabułą rzymskiej legendy, artysta Bruni stworzył obraz „Śmierć Camilli, siostry Horacego”, w którym deklarowana jest myśl o zbrodni miłości i litości wobec wrogów ojczyzny. Artyści ze starożytnej historii Rosji rysują liczne przykłady wysokiego patriotyzmu. W 1804 r. rzeźbiarz Martos z własnej inicjatywy rozpoczął prace nad pomnikiem Minina i Pożarskiego. Dopiero po zakończeniu wojny ojczyźnianej w 1818 r. rząd zdecydował o zainstalowaniu go w Moskwie na Placu Czerwonym. Ciekawe, że wiadomość o tym wzbudziła najżywsze i, można powiedzieć, zainteresowanie narodowe. Współcześni zauważyli, że już podczas transportu pomnika z Petersburga do Moskwy kanałami systemu Maryjskiego tłumy ludzi gromadziły się wzdłuż brzegów i patrzyły na pomnik. Niezwykłe zgromadzenie ludzi odbyło się na otwarciu pomnika w Moskwie. „Okoliczne sklepy, dachy Gostiny Dvor, wieże Kremla były usiane ludźmi, którzy chcieli cieszyć się tym nowym i niezwykłym spektaklem”.
Pod koniec Wojny Ojczyźnianej młody artysta A. Iwanow (ojciec słynnego autora obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludowi” A. A. Iwanow), człowiek o poglądach zaawansowanych, przepełniony uczuciami patriotycznymi, stworzył obrazy „Wyczyn młodego Kijowa w 968 r.” (1810) i „Pilot bojowy Mścisława z Rededeą” (1812). W trakcie wojny epizody wydarzeń militarnych pobudzają wyobraźnię artystów i przekonują ich, że przykłady militarnej sprawności i heroicznego patriotyzmu można czerpać nie tylko ze starożytności. W 1813 r. Pojawiła się rzeźba Demuta-Malinowskiego „Russian Scaevola”, wychwalająca wyczyn rosyjskiego chłopa, który schwytany przez Francuzów, którzy nałożyli mu na rękę piętno, odciął je, aby pozbyć się haniebnego znaku. Prace spotkały się z entuzjastycznym przyjęciem publiczności. Jednocześnie konwencjonalność klasycznej maniery artystycznej nie kolidowała z percepcją. Widzów nie zawstydził fakt, że „rosyjski Scaevola”, podobnie jak jego starożytny pierwowzór, został przedstawiony z nagim torsem, co nie tylko nie odpowiadało rodzimym tradycjom, ale także klimatowi Rosji. Nawiasem mówiąc, młodzieniec z Kijowa na obrazie Iwanowa, ubrany w rodzaj lekkiej tuniki, zgodnie z klasycznymi kanonami, zabraniał tego. przedstawiają „brzydkie” pozy i ruchy ciała, niezwykle zgrabnie i bez widocznego wysiłku uciekają przed pościgiem wroga. Konwencja ta była postrzegana przez współczesnych jako zwykłe symboliczne określenie wysokich cnót obywatelskich. Dlatego prace Martosa, Demuta-Malinowskiego i innych artystów, którzy byli wówczas bardzo popularni, wyznaczały rozkwit klasycyzmu w rosyjskich sztukach pięknych.
Jednak od drugiej ćwierci XIX wieku, kiedy w Rosji zapanowała reakcja rządowa po stłumieniu powstania dekabrystów przez długi czas, wzniosłe obywatelskie idee klasycyzmu otrzymały inne, oficjalne przemyślenie w duchu słynnej triady Uvarowa - Prawosławie, samowładztwo i narodowość. Uderzającym przykładem tego nowego etapu sztuki klasycznej jest słynny obraz Bruniego, czcigodnego profesora, a następnie rektora Akademii Sztuk Pięknych – „Miedziany wąż”. Dramatyczna fabuła utworu jest zaczerpnięta przez autora z historii biblijnej. Izraelici, wyprowadzeni z niewoli przez Mojżesza, szemrali przeciwko Bogu i zostali za to ukarani deszczem węży. Tylko ci, którzy pokłonili się przed figurą Miedzianego Węża, mogli uratować się od śmierci. Obraz przedstawia moment, w którym Izraelici, dowiedziawszy się o Boskim nakazie, rzucili się do posągu, zdrowi ludzie pomagają chorym i starszym czołgać się do niego, matki wyciągają swoje dzieci do przodu. I tylko jeden - wątpiący i protestujący - leży pokonany, dotknięty karą Bożą.
W ten sposób ujawnia się ideowa istota dzieła – wszelki protest jest odgórnie potępiany; tylko pokora i pokora podobają się królom ziemi i nieba.
Stopniowo gnije klasycyzm, który utracił swój wysoki obywatelski patos. Wraz z rozwojem ruchu socjalno-demokratycznego lat 30. i 40. XX wieku ciągłe odwoływanie się do antycznych wzorów, uporczywe lekceważenie rzeczywistości jako prymitywnej, niegodnej sztuki, wygląda coraz bardziej anachronicznie. Konwencje dzieł klasycznych, które wcześniej były postrzegane jako środek wzmacniający treści ideowe, teraz, wraz z utratą wysokiego obywatelstwa dzieła, kłują w oczy. Braku głębokiej treści nie da się zrekompensować pięknem form, nienagannością rysunku, klarownością kompozycji. Piękne, ale zimne dzieła mistrzów tego kierunku tracą na popularności.
Klasycyzm, który w sztukach rosyjskich wyczerpał swoje możliwości artystyczne i ideowe w drugiej ćwierci XIX wieku, wyraża się w tzw. N. Tak.), kierunek obrany przez Akademię jako jedyną uczelnię artystyczną.
Akademizm, zachowując zwykłe klasyczne formy, doprowadził je do poziomu niezmiennego prawa, ignorując obywatelską wysokość treści. Zasady te stanowiły podstawę akademickiego systemu kształcenia zawodowego. Jednocześnie akademizm stał się zalegalizowanym, „rządowym” kierunkiem w sztukach wizualnych. Czołowi profesorowie Akademii zamieniają się w wściekłych fanatyków oficjalnej sztuki. Tworzą dzieła promujące oficjalne cnoty, lojalne uczucia, jak na przykład obraz Szebujewa „Wyczyn kupca Igolkina”. Odtwarza epizod z legendy, która mówi, że rosyjski kupiec Igolkin podczas wojny północnej, który został schwytany przez Szwedów, będąc w więzieniu, usłyszał, jak szwedzcy wartownicy drwią z Piotra I, rzucili się na nich i kosztem życia , wspierał prestiż swego władcy. Oczywiście takie prace spotykały się z aprobatą w kręgach rządzących. Ich twórcy otrzymywali nowe, dobrze płatne zamówienia, nagrody i byli nominowani na wszelkie możliwe sposoby. Bruni zostaje rektorem Akademii Sztuk Pięknych, głównym konsultantem ds. zakupu dzieł sztuki do Ermitażu i rezydencji królewskich. F. Tołstoj - wiceprezes Akademii, jej faktyczny przywódca. Jednak odnosząc sukcesy w życiu codziennym, ci mistrzowie przeżywają poważny kryzys twórczy. Degradacja oznacza późniejsze prace Bruniego, Martosa, F. Tołstoja. I warto zauważyć, że akademizm nie dał ani jednego znaczącego artysty, który zastąpiłby odchodzących luminarzy. Epigonizm i naśladownictwo w zakresie sztuki, oficjalna ideologia jako podstawa ideowa – to korzenie, które miały żywić sztukę akademizmu. Nic dziwnego, że to „drzewo” dawało tak nieszczęśliwe pędy. Jednocześnie im słabszy twórczo ten nurt, tym ostrzejszy stawał się sprzeciw „akademicków” wobec wszystkiego, co w sztuce nowe.
autor Woerman Karl1. Specyfika malarstwa środkowowłoskiego Odkąd florencki Leonardo da Vinci obudził drzemiące w malarstwie siły, świadomie dążył on w całych Włoszech do celu, jakim było sprawienie, by obraz żył pełniejszym życiem, a jednocześnie był doskonalszy.
Z książki Historia sztuki wszechczasów i narodów. Tom 3 [Sztuka XVI-XIX wieku] autor Woerman Karl1. Formowanie się malarstwa górnowłoskiego Tak jak w regionach górskich dominuje forma plastyczna, tak na równinach dominuje ton powietrza i światło. Malarstwo równin Górnych Włoch również kwitło kolorowymi i świetlistymi rozkoszami. Leonardo, wielki wynalazca
Z książki Historia sztuki wszechczasów i narodów. Tom 3 [Sztuka XVI-XIX wieku] autor Woerman Karl2. Malarstwo emaliowe W ścisłym związku z przemianami malarstwa na szkle nastąpił dalszy rozwój malarstwa emaliowego Limoges, który opisaliśmy wcześniej. W nowej postaci, a mianowicie w postaci malowania grisaille (szary na szarym) z czerwonawo-fioletowym miąższem
Z książki Historia sztuki wszechczasów i narodów. Tom 3 [Sztuka XVI-XIX wieku] autor Woerman Karl2. Powstanie malarstwa portugalskiego Historię malarstwa portugalskiego wyjaśniają od czasów Rachinsky'ego Robinson, Vasconcellos i Justi. Za Emanuela Wielkiego i Jana III malarstwo staroportugalskie nadal poruszało się po niderlandzkim torze wodnym. Frei Carlos, autor
Z książki Historia sztuki wszechczasów i narodów. Tom 3 [Sztuka XVI-XIX wieku] autor Woerman Karl1. Podstawy malarstwa angielskiego Tylko nieliczne malowidła angielskie na szkle z pierwszej połowy XVI wieku są odzwierciedleniem wielkiej sztuki średniowiecznej Anglii. Whistleck zbadał je. Będziemy musieli ograniczyć się do kilku uwag na ich temat. I w tym
Z książki Historia sztuki wszechczasów i narodów. Tom 3 [Sztuka XVI-XIX wieku] autor Woerman Karl1. Klasycyzm w rzeźbie Na początku XVIII w. rzeźba francuska rozwijała się w ramach klasycyzmu i dokonała istotnego przełomu w artystycznej sile i naturalności.Siła plastycznego przekazu, stara francuska jakość, nie zdradziła Francuzów w 18 wiek. Wątek
Z książki O sztuce [tom 2. Rosyjska sztuka radziecka] autor Z książki Paradoksy i dziwactwa filosemityzmu i antysemityzmu w Rosji autor Dudakow Salij JurjewiczŻYDZI W MALARSTWIE I MUZYCE Temat żydowski w V.V. Vereshchagin i N.N. Karazin Naszym zadaniem nie jest mówienie o życiu i ścieżce twórczej Wasilija Wasiljewicza Vereshchagina (1842–1904) - biografia artysty jest dość dobrze znana Interesuje nas wąskie pytanie:
Z książki Namiętna Rosja autor Mironow Gieorgij EfimowiczZŁOTY WIEK MALARSTWA ROSYJSKIEGO Wiek XV i pierwsza połowa XVI wieku to przełom w rosyjskim malarstwie ikonowym, czas powstania wielu arcydzieł i powstawania nowych początków w sztuce malarskiej. Tacy znani eksperci wykazywali całkiem naturalne zainteresowanie tym okresem.
autor Jakowkina Natalia Iwanowna§ 3. SENTYMENTALIZM W MALARSTWIE ROSYJSKIM Twórczość A. G. Wenecjanowa Na początku XIX wieku sentymentalizm rozwijał się w rosyjskich sztukach pięknych, a także w literaturze. Jednak w malarstwie i rzeźbie proces ten znalazł nieco inne odbicie. W obrazowym
Z książki Historia kultury rosyjskiej. 19 wiek autor Jakowkina Natalia Iwanowna§ 5. POCHODZENIE REALIZMU W MALARSTWIE ROSYJSKIM Twórczość P. A. Fiedotowa W latach 30-40 XIX wieku w rosyjskich sztukach pięknych, a także w literaturze, pojawiają się i rozwijają zalążki nowego kierunku artystycznego - realizmu. Demokratyzacja społeczeństwa
Z książki Historia kultury rosyjskiej. 19 wiek autor Jakowkina Natalia Iwanowna§ 3. KLASYCYZM SCENICZNY Klasycyzm był głównym kierunkiem teatru rosyjskiego drugiej połowy XVIII w. W dramaturgii okres ten reprezentowała klasyczna tragedia. Jako swego rodzaju kanon, wzór twórczości artystycznej, przedstawiciele
Z książki O sztuce [tom 1. Sztuka na Zachodzie] autor Łunaczarski Anatolij WasiljewiczSalony malarstwa i rzeźby Po raz pierwszy - "Wieczór Moskwa", 1927, 10 i 11 sierpnia, nr 180, 181. Do Paryża przyjechałem, gdy otwarte były trzy ogromne Salony. O jednym z nich – o Salonie Sztuk Zdobniczych – już pisałem; pozostałe dwa poświęcone są czystemu malarstwu i rzeźbie, w ogóle w dużym stopniu
Z książki Katarzyna II, Niemcy i Niemcy autor Szalik KlausRozdział V. Oświecenie, klasycyzm, wrażliwość: literatura niemiecka i sztuka „niemiecka” W procesie literackim swojej epoki Katarzyna uczestniczyła jednocześnie w kilku rolach. Po pierwsze, w liście do Voltaire'a, o którym mowa na końcu poprzedniego rozdziału, ona
Z księgi Ludwika XIV autor Bluche FrancoisBarok i klasycyzm W ciągu ostatnich kilku lat, zanim król szlachetnie i hojnie zrezygnował z Luwru, było wiele kontrowersji co do przeznaczenia tego pałacu. Colbert nie miał wątpliwości: ukończenie Luwru wzmocniłoby reputację młodego monarchy już wtedy
Z książki Zabytki starożytnego Kijowa autor Gritsak ElenaZajęcia w kierunku „Malarstwa akademickiego” - zestaw lekcji do nauki klasycznych metod malarstwa i rysunku. W rzeczywistości są to lekcje rysunku dla dorosłych od podstaw. Program kursu szczegółowo omawia kluczowe punkty rysunku i malarstwa - światłocień, perspektywę liniową i powietrzną, podstawowe zasady rysowania portretu, podstawy anatomii plastycznej, podstawy tworzenia obrazu (jako samodzielna praca). Również w klasie w kierunku „ malarstwo akademickie» Nauczysz się pracować ołówkiem, węglem, sangwinikiem, weźmiesz lekcje akwareli, nauczysz się rysować farbami akrylowymi i olejnymi.
rysunki studentów pracowni
System zajęć budowany jest na zasadzie systemu kształcenia ogólnokształcącego w klasycznych uczelniach artystycznych, dostosowany do współczesnych realiów i krótkiego czasu nauki - 6-8 miesięcy (minimalny czas nauki w szkole artystycznej to 4 lata, na uczelni - 5 lat).
 |
 |
 |
rysunki studentów pracowni
Taki kurs jest odpowiedni dla osoby, która chce poważnie poświęcić się sztukom plastycznym lub przygotować się do egzaminów na uczelniach artystycznych (KISI, KNUTD, NAOMA, LNAM, Boychuk KDIDPMD). Te uniwersytety mają kursy dla kandydatów, które obiecują gwarantowane przyjęcie. Zakłada się, że nauczyciele uczą odpowiednich dyscyplin w tych uczelniach i mogą najlepiej przygotować kandydata do wymagań swojej uczelni. Wadą tych kursów jest jednak duża liczba kandydatów o różnym stopniu wyszkolenia, co znacznie komplikuje nauczanie. Również kursy w instytutach artystycznych nie mają określonego systemu nauczania mającego na celu uczenie osoby „od podstaw”.
Jedyną realną okazją do uczenia się na takich kursach jest przykład rówieśników. Ale w rzeczywistości jest to niemożliwe, jeśli pominie się kluczowe punkty podstawowej wiedzy o umiejętnościach artystycznych. Zwykle na takich kursach nauczyciel nie trudzi się powtarzaniem szkolnych prawd, wychodząc z założenia, że kandydat ma już średnie wykształcenie artystyczne, a kursy wymagają jedynie „odświeżenia” umiejętności.
Na kursach rysunku w Kijowie z „Artstatus” praca odbywa się w małej grupie 3-4 osób. Pozwala to na indywidualne podejście do każdego ucznia. Nasi nauczyciele, w przeciwieństwie do nauczycieli większości kierunków artystycznych, są praktykującymi artystami i mogą pomóc w rozwiązaniu powstałych trudności, wyjaśniając, co nazywa się „na palcach”.
Podobne programy dla malarstwo akademickie”, badanie technik i technik rysunkowych jest dostępne w wielu prywatnych pracowniach. Ale przed rozpoczęciem zajęć zalecamy zapoznanie się z rysunkami nauczycieli - z reguły są one albo zbyt „kreatywne” i „nowoczesne”, albo nauczyciel po raz ostatni rysował w instytucie sztuki (można to zobaczyć z działek obrazów – prace są zadaniami edukacyjnymi). Nawiasem mówiąc, nie zapomnij również zapoznać się z dyplomem i doświadczeniem nauczycielskim nauczyciela.
praca studencka
Jeśli dokonasz wyboru na rzecz „Artstatus”, pomożemy Ci gruntownie przestudiować podstawy malarstwa i pomożemy zrealizować Twój talent. Uczmy się i pracujmy razem!
Istnieją dwa poglądy na malarstwo akademickie. Do tej pory toczą się gorące dyskusje między koneserami. Główna różnica między malarstwem a rysunkiem (grafiką) polega na tym, że malarstwo wykorzystuje złożone kolory. Na przykład linoryt może zawierać kilka odbitek w różnych kolorach, ale nadal pozostaje grafiką. Malarstwo monochromatyczne (grisaille) również nie jest uważane za malarstwo w sensie akademickim, chociaż jest etapem przygotowawczym do prawdziwego malarstwa.
Idealnie, prawdziwe malarstwo powinno zawierać pełnowartościowe, złożone rozwiązanie kolorystyczne.
Standardowa martwa natura edukacyjna na zajęcia z malarstwa Wymagania stawiane malarstwu akademickiemu: rzeźbienie formy w tonacji i kolorze, wierne odwzorowanie balansu barw, piękna kompozycja (układ na płótnie), pokazanie niuansów kolorystycznych i tonalnych: odbić, półtonów, cieni, faktur, całościowej bryły i harmonii. Obraz musi być kompletny, solidny, harmonijny i spójny z oprawą (martwa natura lub opiekunka). W rosyjskiej klasycznej szkole malarstwa nie ma zwyczaju fantazjować i wykraczać poza to, czym jest natura.
Kontrowersje wynikają z faktu, że nie każdemu artyście udaje się odejść od jakości barwionego grisaille (jak kiedyś barwiono czarno-białe fotografie) i wypełnić obraz grą i siłą koloru, którą kiedyś odkryli impresjoniści . Niektórym artystom naturalnie to nie jest dane. Nie wszyscy malarze mają taką interpretację, co nie przeszkadza im być całkiem udanymi grafikami i ilustratorami.
Portret Walentina Serowa, uznanego mistrza rosyjskiej akademickiej szkoły malarstwa akademizm- kierunek w malarstwie, który pojawił się w XVII wieku. Akademizm powstał w wyniku rozwoju sztuki klasycznej, klasycyzmu. Akademizm to malarstwo oparte na tradycjach sztuki antycznej i sztuce, ale bardziej zaawansowane, usystematyzowane, z dobrze rozwiniętą techniką wykonania, specjalnymi zasadami konstruowania kompozycji. Akademicyzm charakteryzuje się wyidealizowaną naturą, pompatycznością i wysokimi umiejętnościami technicznymi. W powszechnym rozumieniu akademizm to realistyczny obraz o wysokiej jakości i nienagannym wykonaniu, z pewnymi cechami klasycyzmu, który wywołuje poczucie dużej przyjemności estetycznej. Zdjęcia akademików są często bardzo dokładne i skrupulatnie opracowane. Akademizm jest ściśle związany ze sztuką salonową, która charakteryzuje się starannymi studiami, nienaganną zgodnością ze wszystkimi kanonami akademizmu i klasycyzmu, wirtuozowskim wykonaniem, ale wyróżniającym się powierzchownym projektem.
Dzięki specjalnym technikom, tajemnicom kompozycji, kombinacji kolorów, elementom symbolicznym itp. Prace akademików najwyraźniej iw pełni wyrażają tę lub inną scenę. W XIX wieku akademizm zaczął zawierać elementy romantyzmu i realizmu. Najbardziej znanymi artystami akademickimi byli: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, wielu artystów Stowarzyszenia Objazdowych Wystaw Artystycznych, Jean Ingres, Alexander Cabanel, William Bouguereau, Paul Delaroche, Jean Gerome, Konstantin Makovsky, Henryk Semiradsky i wielu innych. Akademizm rozwija się dzisiaj, ale nie jest już tak powszechny. Jeśli wcześniejszy akademizm pretendował do miana jednego z wiodących i dominujących nurtów w sztukach wizualnych z tego powodu, że jest jak najbardziej zrozumiały dla masowego odbiorcy, to współczesny akademizm nie pełni już roli, jaką pełniła sztuka akademicka największych artystów przeszłości . Współcześni artyści akademiccy to: Ilya Glazunov, Alexander Shilov, Nikolai Anokhin, Sergei Smirnov, Ilya Kaverznev, Nikolai Trietiakov i inni.
Jeźdźca - Karl Bryullov
Kleopatra – Aleksander Cabanel
Miedziany wąż - Fedor Bruni
Kciuk w dół - Jean Gerome
Półkole - Paul Delaroche
Narodziny Wenus - William Bouguereau
Wiele muzeów w Europie, wśród których jedno z pierwszych miejsc zajmuje Ermitaż w Petersburgu, a także centrum arcydzieł sztuki rosyjskiej - Muzeum Rosyjskie, przechowuje w swoich zbiorach ogromną liczbę obrazów namalowanych w stylu „akademizmu” przez uznanych mistrzów swoich czasów. Nurt akademicki w sztuce jest podstawą, bez której dalsze malarstwo i rzeźba nie mogłyby się tak owocnie rozwijać. Jakie są główne cechy akademizmu w malarstwie? Zrozumienie tego jest naszym zadaniem.
Czym jest akademizm?
W malarstwie i rzeźbie akademizm lub kierunek akademicki jest uważany za wyłaniający się styl, którego głównym składnikiem jest intelektualny. Niewątpliwie w ramach tego kierunku stylistycznego należy przestrzegać również zasad estetycznych określonych przez kanony.
Nurt akademicki we Francji, reprezentowany przez prace takich przedstawicieli akademizmu, jak Nicolas Poussin, Jacques Louis David, Antoine Gros, Jean Ingres, Alexandre Cabanel, William Bouguereau i inni, narodził się w XVI wieku. Nie trwało to długo w państwie prawodawczym, a już w XVII wieku. został mocno stłumiony przez impresjonistów.
Jednak akademizm mocno ugruntował swoją pozycję w krajach europejskich, a następnie w Rosji i mimo nowo powstających stylów stał się solidną klasyczną podstawą dla sztuk pięknych w nauczaniu młodych mistrzów malarstwa i rzeźby.
Przesłanki powstania akademizmu w Europie i Rosji
Zmiany, jakie dokonały się w okresie renesansu w życiu społeczeństwa europejskiego, którego głównymi zasadami sztuki były humanizm, antropocentryzm, a także umiejętność szerokiego rozpowszechniania zaawansowanych myśli i idei poprzez różne typy, doprowadziły do zmian w samej sztuce, m.in. malarstwo europejskie.
- Zmiana postaw wobec artystów: nie rzemieślników, ale twórców.
- Otwarcie Francuskiej Akademii Sztuk.
- Otwieranie akademii artystycznych przez mecenasów krajów europejskich w celu podniesienia statusu społecznego artystów i nauczenia ich zasad malarstwa renesansowego.
- Promocja i wspieranie młodych talentów przez mecenasów.
Cechy charakterystyczne stylu akademickiego w sztuce
Sztuka akademicka polegała na starannym planowaniu, przemyśleniu i wypracowaniu szczegółów przyszłej pracy. Za podstawę merytoryczną najczęściej przyjmowano wątki mitologiczne, biblijne i historyczne. Przed napisaniem płótna artysta wykonał wcześniej ogromną liczbę rysunków przygotowawczych - szkiców. Wszystkie postacie zostały wyidealizowane, ale jednocześnie koniecznie zachowano historycznie dokładne otoczenie, przedmioty, ubrania itp., odpowiadające epoce.
Szczególną uwagę zwrócono na użycie koloru: cała gama musiała odpowiadać rzeczywistej w życiu, użycie jaskrawych kolorów, których nie zalecano (jedynie w drodze wyjątku), wymagało szczególnej ostrożności. Również technika i cechy obrazu podlegały najściślejszemu przestrzeganiu zasad nakładania światłocienia, przedstawiania perspektywy i kątów. Zasady te zostały określone już w renesansie. Ponadto powierzchnia płótna nie powinna składać się z smug i szorstkości.
Akademia Trzech Najszlachetniejszych Sztuk – kolebka malarstwa akademickiego
Ta instytucja edukacyjna była pierwszą instytucją w Rosji, która pełniła taką samą funkcję jak Akademia Francuska w swoim czasie. Założycielem Akademii Trzech Najszlachetniejszych Sztuk, jak ją wówczas nazywano, był hrabia Iwan Iwanowicz Szuwałow, człowiek bliski tronu cesarzowej Elżbiety Pietrowna, który popadł w niełaskę za panowania Katarzyny II.
Trzy najszlachetniejsze sztuki to malarstwo, rzeźba i architektura. Fakt ten znalazł odzwierciedlenie w wyglądzie gmachu wzniesionego dla akademii na Nadbrzeżu Uniwersyteckim nad Newą według projektu J.B., symbolizującego najszlachetniejsze sztuki. Pierwszym z nich było oczywiście malowanie.
Najsłynniejsi mistrzowie Europy uczyli i pracowali razem ze studentami w akademii. Oprócz podstawowej wiedzy teoretycznej studenci akademii mieli okazję obserwować prace znanych europejskich mistrzów i uczyć się od nich w praktyce.
W trakcie szkolenia młodzi artyści uczyli się pisać i rysować z życia, studiowali anatomię plastyczną, grafikę architektoniczną itp. Po ukończeniu studiów wszyscy absolwenci wykonywali w sposób akademicki pracę konkursową na określony temat, zwykle fabułę mitologiczną. W wyniku konkursu wyłoniono najzdolniejsze prace, ich autorom przyznano medale różnych wyznań, z których najwyższy dawał prawo do bezpłatnej kontynuacji nauki w Europie.
akademicy rosyjscy
Zwyczajowo wyróżnia się dwa etapy akademickiego kierunku malarstwa zachodnioeuropejskiego: akademizm końca XVIII - początku XIX wieku. i drugiej połowy XIX wieku. Wśród artystów pierwszego okresu wyróżnia się F. Bruni, A. Ivanov i K. P. Bryullov. Wśród mistrzów drugiego okresu są Wędrowcy, zwłaszcza Konstantin Makovsky.
Główne cechy akademizmu końca XVIII - początku XIX wieku. są rozważane:
- elewacja podmiotu (portret mitologiczny, ceremonialny, pejzaż salonowy);
- wysoka rola metafory;
- wszechstronność i wielopostaciowość;
- wysokie umiejętności techniczne;
- skalę i wielkość.
W drugiej połowie XIX wieku w akademii malarstwa lista tych cech poszerzyła się o:
- włączenie elementów romantyzmu i realizmu;
- wykorzystanie motywów historycznych i lokalnych tradycji.
Karl Pavlovich Bryullov - mistrz malarstwa akademickiego
Szczególnie na liście artystów akademickich wyróżnia się Karl Bryullov - mistrz, który stworzył płótno, które od wieków wychwalało nazwisko autora - „Ostatni dzień Pompejów”.
Losy petersburczyka Karola Pawłowicza Brullo (va) związane są ze specyfiką wychowania i życia w rodzinie. Fakt, że ojciec Karla i jego bracia związali swoje życie z Akademią Sztuk Pięknych, zdeterminował dalszą drogę twórczą utalentowanego młodego człowieka. Akademię ukończył ze złotym medalem. Został członkiem Towarzystwa Zachęty Artystów i dzięki temu mógł kontynuować naukę w Europie - we Włoszech. Tam mieszkał i pracował przez całe dwanaście lat. Po wykonaniu prywatnego zamówienia Demidova na wielkoformatowe płótno o śmierci miasta Pompeje mógł zerwać stosunki ze społeczeństwem i zostać niezależnym artystą.
Karl Bryullov żył tylko 51 lat. Pod naciskiem Mikołaja I wrócił do Rosji, nieszczęśliwie żonaty i rozwiedziony kilka miesięcy po ślubie. Początkowo akceptowany przez całe społeczeństwo petersburskie jako geniusz i bohater narodowy, po skandalicznym małżeństwie został również odrzucony przez całe społeczeństwo, ciężko chory i zmuszony do wyjazdu. Zmarł w Rzymie i właściwie pozostał geniuszem jednego obrazu. I to pomimo faktu, że stworzył wystarczająco dużo płócien, które do dziś mają ogromne znaczenie dla malarstwa akademickiego XIX wieku.