Vrubel Mikhail Aleksandrovich (Mikhail Vrubel), artista russo, il più grande rappresentante del simbolismo e della modernità nelle belle arti russe. Nato a Omsk il 5 (17) marzo 1856. Vrubel studiò all'Accademia delle arti di San Pietroburgo (1880–1884) sotto Pavel Petrovich Chistyakov; Ho preso lezioni di acquerello da Ilya Efimovich Repin. La pittura ha avuto un'influenza speciale su Vrubel Rinascimento veneziano(dai contemporanei - lo spagnolo M. Fortuny e i preraffaelliti inglesi). Lo stile originale di Vrubel - un tipo speciale di disegno cristallino, scintillante di toni di "crepuscolo del mondo blu-lilla" - si formò finalmente nei suoi anni di Kiev (1884-1889), inoltre, in linea con l'arte della chiesa. Invitato per il restauro della chiesa di San Cirillo (XII secolo), Vrubel in diversi casi dovette eseguire nuove composizioni (in particolare, la Discesa dello Spirito Santo, 1884); contemporaneamente l'artista dipinse anche l'icona della Madre di Dio con il Bambino (Museo di Arte Russa di Kiev). La tradizione bizantina è qui satura dello psicologismo acuto e tragicamente intenso dei tempi moderni.
L'incantevole splendore della colorazione di Vrubel si manifestò pienamente nel dipinto La ragazza sullo sfondo di un tappeto persiano (1886, ibid.). Dopo essersi trasferito a Mosca, Vrubel diventa uno dei membri più attivi del gruppo artistico Sava Mamontov. Qui il pittore dipinge alcuni dei suoi migliori dipinti, opere in maiolica - sculture Tsar Berendey, Lel, Volkhov - tutto nella Galleria Tretyakov, Mosca, riferendosi al design, esegue schizzi di una stufa in ceramica, vasi, panche (Museo di Abramtsevo) . Lo "stile russo" di queste cose trova espressione nella sua scenografia associata all'Opera russa privata di Mosca di Savva Ivanovich Mamontov, compreso il design di Sadko (1897) e The Tale of Tsar Saltan (1900) di Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov. Il talento di Vrubel come decoratore è evidente anche nel suo enorme dipinto su tavola Princess of Dreams, commissionato per la Fiera di Nizhny Novgorod (1896, Galleria Tretyakov).
Atmosfera fiaba, caratteristico dei dipinti di Pan (1899), Swan Princess, By Night, Lilac (tutti 1900), è permeato da un senso di caos oscuro, caratteristico del simbolismo, in agguato dietro le coperture esterne dell'universo. Espressivo-drammatico e ritratti (K. D. e M. I. Artsybushev, così come Savva Mamontov, tutti e tre 1897; tutte le opere - nella Galleria Tretyakov). La tragedia latente culmina in quelle immagini di Vrubel che risalgono alle sue illustrazioni per il poema di Lermontov Il demone (acquerello, imbiancatura, 1890–1891, Galleria Tretyakov e Museo russo, San ; entrambe le opere - Galleria Tretyakov).
Un conglomerato di forme scintillanti in ultima immagine già vicino arte non oggettiva. Nel 1902 Vrubel fu colpito da una grave malattia mentale, ma anche nel suo periodo successivo (effettuato principalmente in cliniche private a Mosca e St. transizione dal moderno all'avanguardia. Nel 1906 l'artista divenne cieco. Vrubel morì a San Pietroburgo il 1 (14) aprile 1910. L'influenza della sua arte è stata universale: in un modo o nell'altro, quasi tutti i maggiori maestri dell'arte russa del XX secolo l'hanno vissuta.
Come artista Vrubel formata rapidamente. È arrivato all'arte da persona adulta e istruita. Mikhail Vrubel non aveva né studenti né seguaci che componevano la scuola. durante la sua vita vinse il successo, ma a quel punto l'artista era già irrimediabilmente malato e non aveva bisogno di onori. Dietro di lui per molto tempo si è rafforzata l'idea di una persona strana e squilibrata. Per Vrubel era importante vivere di creatività e non creare arte. Ha sorpreso i suoi amici con trucchi ridicoli - dal loro punto di vista: in uno stato di squilibrio, poteva scrivere bella immagine, su cui ha lavorato a lungo e duramente prima, un'immagine priva di significato di un'amazzone da circo; in un impeto di rabbia, strappò bellissimi fogli ad acquerello, gettò magnifici schizzi. Ha valutato non tanto il risultato quanto se stesso. lavoro creativo, processo, momento di intuizione artistica. Ampiamente istruito, conoscendone diversi lingue europee, vestito sempre in modo ordinato e persino elegante, educato e pieno di tatto, sebbene a volte capace di disprezzare il suo interlocutore, Vrubel visse in povertà quasi tutta la vita, rimanendo a volte con cinque copechi in tasca o vivendo a malapena della piccola remunerazione ricevuta per le lezioni di disegno . Sentiva dolorosamente l'ingiustizia, ma non cercava specificamente il successo, non era interessato agli affari artistici, non andava nemmeno alle mostre. Ma allo stesso tempo, la vanità ferita gli faceva talvolta lanciare parole offensive in faccia ai suoi amici artisti, che perdonavano il loro amico, interpretando le sue parole come capricci di un genio malato. Dalla sua vita, lo stesso Vrubel ha creato una leggenda. Questo è un tratto insito nella personalità romantica. Desiderava risultati, impressioni forti, grandi eventi. vita interiore, pieno di conflitti, shock, come se scuotesse la sua vita esteriore. I cerchi, divergendo dalla sua tensione interiore, raggiungevano non solo tutte le circostanze ordinarie della vita, ma penetravano nella carne di ogni opera. La mano dell'artista sembrava guidata dal suo dolore interiore, dalla sua lotta spirituale. Il movimento della mano divenne un'espressione diretta del movimento spirituale.
Nella natura stessa dell'arte di Vrubel, nel suo sistema pensiero artistico si possono trovare numerose manifestazioni del concetto romantico creatività artistica. Vrubel è stato forse il primo tra le figure della cultura artistica russa che ha iniziato il movimento verso il simbolismo. Alla fine del XIX secolo. cultura artistica La Russia stava attraversando un periodo di formazione di un nuovo stile (in Russia si chiamava "moderno"). Il linguaggio della pittura in questo stile ha acquisito spiccate caratteristiche di decoratività, una solida base lineare-strutturale e, inoltre, ha subordinato le sue scoperte non solo all'immagine, ma anche alla trasformazione della natura. In Russia, Vrubel può essere considerato il fondatore di questo stile.
Insieme a Vrubel, si è affermata l'arte russa nuovo tipo artista - artista universale. Vrubel dipinse quadri e grandi pannelli, dipinse le pareti del tempio e realizzò vetrate colorate, creò illustrazioni e segni di libri, studiò scenografia teatrale E arti applicate, scultura e architettura, ha persino realizzato schizzi di capesante e dipinti su balalaika a Talashkino (la tenuta della principessa Tenisheva).
Testa di demone (gesso dipinto) (1890)
Testa di leone libico (maschera in altorilievo) (1892)
Sadko (schizzo di piatto, maiolica) (1899)
Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) nacque in una famiglia di militari e trascorse la sua infanzia a città diverse- a Omsk, Astrakhan, San Pietroburgo, Saratov, Odessa. Dopo essersi diplomato prima in un ginnasio classico, studiò per 5 anni presso la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo e solo allora - nel 1880 - entrò all'Accademia delle Arti. In anni accademici aveva già risvegliato un interesse per l'arte, rivelato in alcuni disegni che testimoniano l'insolita del suo talento. All'Accademia, la felicità sorrise a Vrubel: cadde nel campo visivo di P.P. Chistyakov, che allevò quasi tutti i migliori pittori ultimo terzo del XIX secolo Nel frattempo, Vrubel non è riuscito a diplomarsi all'Accademia. Fu chiamato da AV Prakhov, storico dell'arte e archeologo, che a quel tempo era incaricato della pittura della Cattedrale di Vladimir, a lavorare a Kiev come muralista.
Cinque anni (1884-1889) Vrubel trascorse a Kiev, partendo occasionalmente da lì, in particolare in Italia. A Kiev, Vrubel si manifesta chiaramente nel monumentale e pittura da cavalletto e nella grafica. Già allora prende forma il suo sistema figurativo e pittorico, già allora scopre in sé una smania di categorie simboliche, e nella sua arte incatena il principio di un nuovo stile.
Durante i suoi anni accademici, il lavoro dell'artista si divideva naturalmente in due linee: una portava a immagini tradizionali accademiche (ad esempio, "Feasting Romans") e l'altra stimolava la creatività indipendente: dipingeva ritratti di conoscenti ad acquerello, scriveva una composizione ad acquerello in il suo laboratorio (lo condivideva con i suoi amici Serov e Derviz). Quindi iniziò a dipingere un quadro, che non finì ("Amleto e Ofelia") e tornò alla trama di cui cinque anni dopo.
Autoritratto (1882)
Romani in festa (1883)
Amleto e Ofelia (1884)
Questi esperimenti non hanno portato un grande successo. Ma in quegli anni si stava sviluppando la posizione artistica di Vrubel. Insieme agli amici, ha sperimentato per la prima volta l'influenza di Repin, ha usato i suoi consigli. Ma lui temperamento creativo non gli ha permesso di rimanere nel quadro degli atteggiamenti creativi caratteristici degli anziani Wanderers. Nel serio e ponderato lavoro ad acquerello su ritratti e composizioni, Vrubel cercava quella che chiamava "conversazione d'amore con la natura". Questa posizione ha rivelato all'artista nuovo modo.
Questo nuovo modo iniziò a dare veri frutti mentre lavorava nella chiesa di San Cirillo a Kiev, dove Vrubel dovette rinnovare i vecchi dipinti di freon del XII secolo. e luoghi per creare nuove composizioni; l'artista si è incontrato uno contro uno con le enormi superfici di pareti e soffitti. Ha riprodotto palco principale il suo dipinto "La Discesa dello Spirito Santo" sulla volta del coro senza cartone, secondo un piccolo bozzetto, fungendo da vecchio maestro, non si sa dove, acquistando la sicurezza e la forza di un artista rinascimentale. Vrubel a quel tempo si occupava dello stile bizantino; ne vedeva la caratteristica principale nell'osservare il piano su cui è applicata l'immagine, quindi attribuiva particolare importanza al motivo, al ritmo delle pieghe e all'ornamento generale della superficie. Ha cercato di penetrare nell'essenza del vecchio stile, ma allo stesso tempo ha modernizzato i suoi eroi. L'artista è stato in grado di interpretare al meglio l'eredità medievale nella scena del "Lamento della tomba", dove ritmi morbidi e linee morbide sono diventati i principali mezzi figurativi.
Vergine con Bambino. Chiesa di Cirillo. Kiev (1885)
Discesa dello Spirito Santo
Alla prima monumentale esperienza sarebbe seguita la seconda. A Kiev, la costruzione della grande cattedrale di Vladimir, che doveva essere dipinta, era in fase di completamento. Per questi murales sono invitati maestri già esperti: Viktor Vasnetsov e artisti della direzione accademica, i fratelli Svedomsky e Notarbinsky. Anche Vrubel, su suggerimento di Prakhov, iniziò a lavorare su schizzi. Ma si sono rivelati così insoliti da spaventare i clienti. L'unica cosa che è stata realizzata dagli schizzi di Vrubel sono stati i progetti dei suoi ornamenti, costituiti da elementi del mondo organico di fiori, foglie, uccelli, volti femminili. Gli ornamenti Vrubel sono estremamente tipici dello stile Art Nouveau - linee curve, steli di piante intrecciate, paillettes sparse di piume di pavone.
Risurrezione. Schizzo del dipinto della Cattedrale di Vladimir. Kiev
Lo stesso Vrubel era molto attento ai suoi ornamenti, ma aveva speranze molto più alte composizioni di trama. Soprattutto, ha lavorato su due soggetti: "Tombstone" e "Resurrection" (1887). Lo schizzo "Tombstone Lamentation", realizzato in acquerello nero, fissando il movimento congelato e fermato della Madre di Dio sul corpo di Cristo, ripulito da dettagli, segni specifici di spazio e tempo, questo schizzo incarna il tema eterno della morte. La sensazione tragica è liberata dal sovraccarico. Le figure sembrano fluttuare nel vuoto. La loro incorporeità è sottolineata dalla luce fredda che trasforma la scena.
grave lamento
Lamento grave (opzione)
L'interesse per la luce mistica che trasforma la realtà si è manifestato in tutto il lavoro di Vrubel negli anni '80. A Kiev sta prendendo forma l'intero sistema artistico di Vrubel. Negli autoritratti grafici dell'epoca, nei disegni raffiguranti scene quotidiane vita reale, la luce funge da mezzo di drammatizzazione immagine artistica. A volte, come sembra, ha una fonte reale, a volte sgorga dal nulla, strappando arbitrariamente oggetti o parti di figure.
Ritratto di vecchia Knorre che lavora a maglia (1883)
Natura morta. Tessuti (1884)
Salieri versa del veleno nel bicchiere di Mozart (1884)
Allo stesso tempo, Vrubel ha sviluppato altri mezzi per trasformare la realtà. Gravita verso la struttura ornamentale delle sue opere, che si manifesta sia nella pittura che nella grafica. Uno dei primi completi e completi dipinti Vrubel divenne "Ragazza sullo sfondo di un tappeto persiano" (1886). Per amore della bellezza dell'inizio ornamentale, Vrubel ricorre alla messa in scena della scena. La modella dell'artista era la figlia del proprietario di un negozio di antiquariato. Vrubel è stato attratto dalla variegatura del tappeto, dalla luminosità dell'abito, dall'atmosfera stessa del negozio di antiquariato con il suo fascino magico dell'antiquariato.
Ragazza davanti a un tappeto persiano (1886)
L'ornamentale si sviluppa a suo modo nella grafica. Vrubel iniziò subito a disegnare in un modo particolare. Il suo compito comprendeva non solo l'immagine di un oggetto o di una figura, ma anche l'organizzazione del piano del foglio, la riduzione di questi elementi in una certa struttura. Il risultato principale di questa struttura è stata la ripetizione ritmica di alcuni elementi grafici: tratti paralleli, piani ombreggiati, virgole. Allo stesso tempo, l'ornamento non è entrato in conflitto con l'immagine del soggetto.
Negli anni '80. Vrubel non ha dovuto lavorare spesso su dipinti realizzati da Dipinti ad olio, cioè nella tecnica con cui creerà la maggior parte dei suoi capolavori in futuro. Ma già allora aveva idee per futuri programmi software. dipinti, anche allora questi piani si formarono dolorosamente e con difficoltà. Lavora sull'immagine di Cristo, porta per molti anni l'immagine del Demone, riprende un'immagine su di lui, la scrive e la rifà ripetutamente. Infine, alla fine del decennio, torna ad Amleto e Ofelia, facendo di Amleto il fratello del suo Demone, che non ha ancora avuto luogo. Con tali pensieri, entra nel decennio più significativo del suo lavoro, negli anni '90.
Amleto e Ofelia (1888)
Dal 1889 al 1902 La creatività di Vrubel sta vivendo la sua massima fioritura, il tempo della sua maturità. È stato questo il momento che è stato rilasciato dal destino affinché il talento dell'artista si sviluppasse completamente. Nel 1902 arrivò una malattia e Vrubel dovette ritirarsi dalla creatività attiva, sebbene alcune delle sue opere grafiche raggiunsero un'elevata perfezione. Erano gli anni '90. manifestò l'universalismo dell'artista. Allo stesso tempo, è stato realizzato il tema del Demone, che ha accompagnato Vrubel per quasi tutta la sua vita.
Il primo "Demone" fu completato nel 1890. Divenne l'opera centrale dell'artista, riunendo tutto ciò che era già stato fatto prima e delineando la via da seguire. Vrubel posiziona il suo eroe come esponente del principio demoniaco e allo stesso tempo sottolinea la complessità del suo Demone, uno spirito che combina l'aspetto maschile e femminile. Il demonismo di Vrubel è il demonismo in forma ammorbidita, oltre gli estremi dell'individualismo, con un tocco di quella sofferenza universale per le persone, che corre come un filo rosso attraverso l'intero russo cultura XIX v. In questa immagine, Vrubel funge da simbolista. Il contenuto del suo simbolo non può essere determinato con esattezza esaustiva. È estremamente complesso e sfaccettato. Non può essere ridotto a categorie specifiche: desiderio o sete di bellezza, desiderio o rifiuto. L'immagine non può esaurirsi, rimane aperta. "Demon" offre allo spettatore l'opportunità di speculare, espandendo all'infinito il contenuto dell'immagine nella sua mente.
Demone seduto (1890)
Questa scomparsa di una specifica individualità di un'idea, l'attaccamento a un certo fatto della vita determina l'atteggiamento dell'artista nei confronti di un'immagine convenzionale e di un linguaggio artistico. Vrubel si rifiuta di percepire direttamente la natura, di fissare il movimento del mondo circostante: cerca qualcosa di permanente, non soggetto a cambiamenti istantanei. Il demone si bloccò in una posa di attesa e contemplazione. Questo stato di immobilità può durare a lungo. Sembra entrare nell'intenzione dell'artista, lo salva dal descrivere le condizioni specifiche dello spazio e del tempo. Vrubel non raffigura, ma crea, costruisce, costruisce. Posiziona la figura nello spazio in modo tale da creare un equilibrio nell'immagine tra figura e ambiente, tra primo piano e profondità. Il potente busto del Demone, come scolpito nel materiale solido, si trova al centro. Separa parti uguali l'una dall'altra - enormi fiori ultraterreni che occupano l'intero piano dell'immagine a destra e lo spazio celeste che si apre a sinistra - per Vrubel tutte le parti del mondo sono omogenee. L'artista lavora con un tratto ampio, preferendo spesso una spatola al pennello: il tratto si trasforma in un piano di colore, le macchie di colore che giacciono sulla superficie sono paragonate a pietre di mosaico. La struttura colorata generale non corrisponde al vero stato di natura, ma allo stato dell'animo umano: grigio, viola, blu esprimono malinconia, angoscia spirituale.
Testa di demone
Testa di demone sullo sfondo delle montagne
Demone e angelo con l'anima di Tamara
Demone volante
Demone volante
Demone che osserva
Demone al cancello del monastero
Demone alle mura del monastero
Demone che guarda giù per la valle
Demone che guarda Tamara ballare
Data di Tamara e Demon
Tamara nella bara
Tamara e il demone
Segue il primo "Demone" pittorico nel 1891-1892. apparve una serie di disegni per le opere di Lermontov, e in particolare per il poema "Demone". migliori disegni alla poesia c'erano fogli "Un cavallo corre più veloce di un daino" e una delle varianti "Tamara in una bara". In quest'ultimo si è raccolta tutta la tenerezza dell'artista per l'essere umano, la sua compassione. Nel primo disegno, realizzato ad acquerello, viene sottolineata a tutti gli effetti la corsa veloce di un cavallo con un cavaliere morto in sella. Correre uno dopo l'altro: macchie di acquerello, forme sfaccettate di figure che tagliano l'aria, un vortice di tratti: questo è il linguaggio di Vrubel in questo disegno.
Illustrazione "Il principe Gvidon e la principessa del cigno" (1890)
Illustrazione "Grigory Pechorin sul divano" (Romanzo di M.Yu. Lermontov "Un eroe del nostro tempo")
Illustrazione per la poesia di M. Yu Lermontov "Izmail Bay"
Illustrazione "Il duello di Pecorin con Grushnitsky" (romanzo di M.Yu. Lermontov "Un eroe del nostro tempo")
Illustrazione per la poesia di M. Yu Lermontov "Giornalista, lettore e scrittore"
Illustrazione per la poesia di M.Yu Lermontov "Sirena" ("La sirena navigava lungo il fiume azzurro, illuminata dalla luna piena...")
Demon Downcast (1902), l'ultimo dipinto finito di Vrubel, completa la sua demoniana. L'eroe dell'artista muore, non in una lotta insensata e fredda con la vita e la morte, ma in una lotta impari. Questa non è una lotta tra il bene e il male. Questa è una lotta con il destino, che opprime l'individuo, alla fine uccidendolo. L'eroe resiste fino alla fine. L'immagine della sua morte è sia un requiem che una sorta di inno alla resistenza. C'è qualcosa di solenne, edificante in questo inno. Lo stesso Vrubel ha definito la sua pittura un'icona. In The Demon Downcast, il principio dello stile Art Nouveau, che può essere caratterizzato come ornamentale, è decisamente rivelato. L'occhio dello spettatore si muove lungo la superficie del quadro (e non in profondità), comprendendo il ritmo di linee e macchie ripetitive, tipico di numerosi dipinti e pannelli dell'artista: per "Venezia" (1893), in cui il motivo di un magnifico corteo dà luogo al confronto sul piano di teste, figure, lussuose vesti, per "Bogatyr" (1898), dove forme vegetali, le figure dell'eroe e del cavallo si intrecciano in un ritmo vorticoso, per i pannelli dedicati a Faust (1896), dove i ritmi sono organizzati in forme ad angolo acuto, pungenti e aghiformi, per una serie opere grafiche. In The Demon Downcast reale e fantastico si fondono, la realtà è superata dalla deformazione della figura. L'eroe sconfitto è piegato, spezzato; il suo corpo è sepolto in piume fantastiche, simili a oggetti di scena piuttosto che a una manifestazione vivente della natura. Accanto a questo mondo condizionale di bellezza spezzata, nella foto ci sono dettagli assolutamente reali del paesaggio: le cime delle montagne sono state dipinte dall'artista da una fotografia.
Demone abbattuto (1902)
Demone volante (1899)
Venezia (Pannello decorativo) (1893)
Bogatyr (Pannello decorativo) (1898)
Volo di Faust e Mefistofele (1896)
Indovino (1895)
Negli altri casi prevale, dunque, il principio naturale artista fantastico cerca nell'oggetto stesso - per esempio, in una profetessa che svela il futuro delle persone ("The Fortune Teller" (1895). Ma la struttura figurativa rimane ancora metaforica. Come una rete del tempo, questa tela è ricoperta da un grigiore -velo lilla, attraverso il quale, come gemme, oggetti che risplendono di luce interiore irrompono.
Il pannello "Spagna" (1894), a quanto pare, ci avvicina alla situazione quotidiana. Ma l'artista non dissolve le immagini nella vita di tutti i giorni. Al contrario, li affatica. Questa tensione corrisponde anche alla logica compositiva del quadro, in cui il piano pittorico lotta con un rapido movimento in profondità, espresso da un'esagerata riduzione degli oggetti in primo piano.
Spagna (1894)
Le opere di Vrubel sono illuminate da qualcosa di straordinario, anche quando l'artista non sceglie come soggetto motivi e situazioni deliberatamente nobili. Il dipinto "Verso la notte" (1900) è un ottimo esempio in questo senso. L'artista si rivolge alla scena notturna, comune in campagna. Da questa scena estrae qualcosa di misterioso, quasi mistico. I bei fiori di cardo stanno bruciando. Illuminano il paesaggio notturno con bizzarri riflessi. Cautamente e ansiosi, i cavalli che pascolano nelle vicinanze si spostano da un piede all'altro. Vrubel anima la natura, dota i fiori di volontà, dando loro la capacità di sentire, di influenzare le persone con la sua magia ammaliante.
Di notte (1900)
I fiori erano il soggetto preferito dell'artista: scrutava attentamente la complessa struttura di un fiore, creando i suoi schizzi a matita. I fiori compaiono spesso nei dipinti del maestro. A volte questi sono "fiori del male", a volte immagini di elementi al di fuori del controllo umano. Nel dipinto "Lilla" (1900), lo spettatore è particolarmente consapevole dell'elemento della fioritura, della crescita del cespuglio, dell'odore proveniente dai fiori, inebriante e aspro. La figura misteriosa di una ragazza, layer img style=div style=laquo;Demone sconfitto p style=border=ovviamente fusa con un cespuglio di lillà, rafforza l'idea della fusione dell'animato e dell'inanimato, dell'intreccio delle forme di entrambi. Da questi intrecci nascono i personaggi di Vrubel, abbastanza tipici del simbolismo e della modernità europei - metà umani-metà animali, metà umani-metà piante: "The Swan Princess" (1900), che è venuto sulla tela dall'opera romana align: center;o-Korsakova, due giovani donne, come se crescessero da una spirale "Perla" (1904), "Bogatyr" con il suo enorme cavallo che cresce dal terreno come erba e cespugli. Tutto qui è soggetto a metamorfosi. Uno dei dipinti centrali in cui questa tendenza si è manifestata in modo particolarmente consistente è Pan (1899). Trasformando l'antica padella in un folletto russo, Vrubel lo raffigura con un avambraccio in mano, come se crescesse dal terreno, sporgendo come un ceppo muschioso. I suoi occhi brillano come stelle, bilanciando con il loro splendore la luce che si riversa dalla luna, metà della cui falce è già andata oltre l'orizzonte.
La principessa del cigno (1900)
Perla (1904)
Anche nel ritratto, Vrubel sottopone il modello a ogni sorta di similitudini. Il ritratto della moglie di N.I. Zabela-Vrubel (1898), a quanto pare, è interamente costruito sul trasferimento della prima impressione della natura. È scritto in modo semplice, plein air. Ma, creando l'immagine di una donna, piena di fascino e bellezza, il pittore qui paragona la sua figura e la sua testa a una specie di fiore, che sboccia i suoi petali lussureggianti verso la luce del sole.
Ritratto dell'attrice N. I. Zabela-Vrubel, moglie dell'artista, nell'abito estivo Impero, disegnato dall'artista (1898)
Molto spesso, durante la creazione di un ritratto, Vrubel si è avvicinato al modello con un'idea già prestabilita, inserendo le proprie caratteristiche in questo modello. Questo si sente nei ritratti del 1897 - K.D. Artsybushev, S.I. Mamontov. nel personaggio ultimo artista demonismo enfatizzato, passione irrequieta. Un'interessante soluzione pittorica e plastica, con l'aiuto della quale l'artista ha incarnato le sue idee. Sembrava spremere la figura di Mamontov nello spazio, inchiodandola all'aereo. Evidenziando volutamente la macchia bianca della pettorina, l'artista l'ha "posizionata" sulla punta del triangolo, facendolo così traballare e conferendo alla composizione un carattere instabile e dinamico. L'alternanza di luci e ombre ha ulteriormente rafforzato questa dinamica. Accanto al ritratto di Mamontov, puoi mettere ultimo lavoro Vrubel - immagine grafica Valeria Bryusova (1906), disegnata a carboncino e sanguigna. L'immagine creata dall'artista esprime vividamente l'idea del maestro del poeta come profeta e portatore di verità. Il ritratto ha raggiunto una straordinaria costruttività del disegno.
Ritratto di KD Artsybushev (1897)
Ritratto di Savva Mamontov (1897)
Ritratto di T.S. Lubatovich come Carmen (1895)
Principessa Volkhova (NI Zabela) (1897)
Signora in viola. Ritratto di N.I. Zabela Vrubel (1900)
Dal 1903 Vrubel si è occupato solo di grafica: era impossibile dipingere negli ospedali, e anche i brevi intervalli tra i trattamenti non hanno contribuito a questi studi. I disegni successivi sono generi diversi. Attraverso la finestra dell'ospedale, l'artista ha dipinto paesaggi. Malato, gli inservienti posavano per lui, e poi c'erano ritratti, schizzi. A volte venivano fuori intere scene: giocare a scacchi, parlare. Spesso l'artista raffigurava gli oggetti circostanti, e poi apparivano nature morte: una caraffa, un bicchiere, un lenzuolo, una sciarpa, ecc. Vrubel vede gli oggetti semplici come una sorta di carne animata delle cose. Non ricorre ad alcuna deformazione mondo oggettivo, la metafora nasce da sola. Guardando un lenzuolo stropicciato o un abito appeso, le cui forme sono tracciate con incredibile cura, sorgono associazioni il cui significato va ben oltre il soggetto stesso. Si può sentire il desiderio dell'artista di comprendere l'essenza più intima delle cose più semplici, di conoscerne la natura originaria.
Letto (1903-1904)
Campanula (1904-1905)
Allo stesso tempo, nella grafica sono state create anche immagini di diversa natura: Vrubel si rivolge al tema del profeta. Inizia con un tentativo di realizzare illustrazioni per il "Profeta" di AS Pushkin negli anni '90. Quindi questo tema, per così dire, viene separato, acquisendo indipendenza. "Profeta" sostituisce "Demone".
Uno dei picchi del lavoro di Vrubel sono i suoi successivi autoritratti grafici, realizzati nel 1904-1905. Quando non c'erano modelli, ha dipinto se stesso. Tutto il programma si concludeva in questi disegni. Gli autoritratti non sono privi di una certa dose di narcisismo. Ma se guardi da vicino, noterai che ogni autoritratto contiene una domanda silenziosa o un rimprovero, uno smarrimento di fronte a problemi insolubili. problemi di vita, dolore, disperazione nascosta o coraggiosa umiltà. Tutti questi sentimenti sono nascosti da una qualche forma di alienazione. Ma basta penetrare nelle profondità di esso, poiché un documento sbalorditivo si rivelerà davanti ai propri occhi. destino difficile e tragica fine. Nei successivi disegni di Vrubel, accanto agli elementi strutturali, sono presenti alcuni segni di espressionismo.
Camminando sulle acque (schizzo di pittura murale) (1891)
Venezia. Ponte dei Sospiri (1894)
Princess Dream (Pannello decorativo) (1896)
Serafino a sei ali (1904)
Da vero artista del "nuovo stile", Vrubel ha costantemente cercato di incarnare la bellezza. Ha esaltato la vita di tutti i giorni - non ha trovato motivi per la sua creatività nella vita quotidiana del familiare. Da qui la smentita genere domestico, a cui l'artista non si è quasi mai rivolto, interesse per il Demone e il Profeta, Faust e Amleto. Tra i "modelli" dell'artista troviamo oggetti belli, eternamente preziosi - tappeti, conchiglie, abiti magnifici, fiori rari - azalee o companule. Il culto della bellezza era una sorta di religione per molte persone di quella generazione. L'artista-creatore si è divertito in questa bellezza, salendo alle vette dell'estasi creativa. E la caduta da queste vette era irta di disperazione, malinconia e malinconia. La vita dell'artista è passata tra questi due estremi. La bellezza era spesso effimera; la caduta è stata rassicurante, ma questa sobrietà mi ha fatto desiderare di salire ancora più in alto. Alla fine della sua vita, Vrubel si è rimproverato di aver trasgredito il confine morale da qualche parte. Ma di per sé questo rimprovero era una testimonianza della vera moralità dell'artista.
A Omsk.
Suo padre era un ufficiale di combattimento, un partecipante alla campagna di Crimea, che in seguito divenne un avvocato militare. Gli antenati di Vrubel da parte di padre provenivano dalla Polonia prussiana. La madre di Vrubel morì quando il ragazzo aveva tre anni e quando aveva sette anni suo padre si risposò con un pianista con una buona scuola.
A causa del servizio di suo padre, la famiglia Vrubel si trasferì costantemente, vivendo alternativamente a Omsk, Astrakhan, San Pietroburgo, Saratov, Odessa e di nuovo a San Pietroburgo.
Nel 1874, Mikhail Vrubel, dopo essersi diplomato al ginnasio, entrò nel Facoltà di legge Università di San Pietroburgo, allo stesso tempo ha frequentato corsi serali presso l'Accademia delle arti.
Nel 1879 Vrubel si laureò all'università con una medaglia d'oro, dopodiché prestò servizio militare, ricevendo il grado di capocannoniere di riserva. Nell'autunno del 1880 fu iscritto come volontario all'Accademia delle Arti. Tra disegni accademici Spiccano gli acquerelli di Vrubel "Il fidanzamento di Maria con Giuseppe" (1881) e "Il modello nel Rinascimento" (1883).
Nel 1884 Mikhail Vrubel lasciò l'accademia e, su suggerimento del famoso critico d'arte Adrian Prakhov, partì per Kiev per partecipare al restauro degli antichi murales della chiesa di San Cirillo.
Per dipingere l'iconostasi, Vrubel si recò a Venezia (1884-1885). Non avendo precedenti esperienze nel genere monumentale, l'artista in un anno ha realizzato per la Chiesa di San Cirillo le composizioni "La Discesa dello Spirito Santo sugli Apostoli" nei cori e "Compianto" nella nicchia del vestibolo, immagini di il profeta Mosè e "Angeli con labarum" (tre angeli sopra il corpo di Cristo) , iconostasi (immagini di Cristo, la Madre di Dio con il Bambino, i santi Cirillo e Atanasio di Alessandria). Vrubel aggiunse anche, imitando un mosaico, uno degli angeli della cupola Cattedrale di Sofia, ha eseguito ornamenti sui pilastri della Cattedrale di Vladimir a Kiev. Gli schizzi di Vrubel per la Cattedrale di Vladimir (variazioni delle trame "Tombstone" e "Resurrection") non sono stati implementati.
Nel 1889 l'artista si trasferì a Mosca, dove si avvicinò un noto filantropo Savva Mamontov e divenne un membro dell'Abramtsevo circolo artistico. Durante questo periodo, Vrubel creò i pannelli "Venezia" (1893), il cavalletto funziona"Spain" (circa 1894) e "The Fortuneteller" (1895). Ha partecipato alla progettazione delle opere del compositore Nikolai Rimsky-Korsakov Sadko (1897), The Tsar's Bride (1899), The Tale of Tsar Saltan (1900), messe in scena all'Opera privata russa di Mosca di Savva Mamontov. Ha creato schizzi di dettagli architettonici e sculture in maiolica per il laboratorio di ceramica Abramtsevo - "Egyptianka", "Mizgir", "Kupava" (1899-1900). Vrubel ha anche agito come architetto nella progettazione della facciata della casa di Savva Mamontov in via Sadovo-Spasskaya a Mosca (1891).
Uno dei temi principali del lavoro dell'artista era il tema del Demone, che iniziava con "Seated Demon" (1890), proseguiva con le illustrazioni per l'omonima poesia di Mikhail Lermontov e terminava con "Demon Defeated" (1902) .
Vrubel ha anche lavorato come illustratore delle opere di Alexander Pushkin, William Shakespeare, Edmond Rostand, Johann Goethe, Anatole France, epica russa e mitologia antica.
Le opere di Vrubel furono esposte alle mostre delle associazioni "World of Art" (1898-1903) e "Union of Russian Artists" (1903-1910).
Dal 1902 Mikhail Vrubel soffriva di malattie mentali e veniva curato in cliniche psichiatriche. Durante i periodi di remissione, ha creato una serie di dipinti e disegni dalla natura: "Albero vicino al recinto" (1903-1904), ritratto di Fyodor Usoltsev (1904), "Dopo il concerto. Ritratto di N.I. Zabela-Vrubel" (1905 ), ritratto del poeta Valery Bryusov (1906) e altri.
Nel 1905-1906, Vrubel creò schizzi ad acquerello di "La testa di Giovanni Battista", "Giovanni Battista" e l'ultima opera - "La visione del profeta Ezechiele".
Nel novembre 1905 l'artista ricevette il titolo di accademico.
Nel 1906 Vrubel perse completamente la vista. Ha trascorso gli ultimi anni della sua vita nella clinica del Dr. Bari sull'isola Vasilyevsky a San Pietroburgo.
Il 14 aprile (1 aprile, vecchio stile), 1910, Mikhail Vrubel morì. Sepolto nel cimitero Convento di Novodevichy A Pietroburgo.
Nel 1995, il nome dell'artista è stato dato a Omsk museo statale belle arti.
Era sposato con la cantante Nadezhda Zabela (1868-1913). Nel 1901 nacque il loro figlio Savva, che morì nel 1903 di polmonite lobare.
Il materiale è stato preparato sulla base delle informazioni di RIA Novosti e di fonti aperte
Mikhail Aleksandrovich Vrubel (5 marzo 1856, Omsk, regione del Kirghiz siberiano, Impero russo- 1 aprile 1910, San Pietroburgo) - Artista russo turno XIX-XX secoli, lavorando in quasi tutti i tipi e generi arti visive: pittura, grafica, scultura decorativa e arte teatrale.
Biografia di Michail Vrubel
Vrubel Mikhail Alexandrovich è nato nella famiglia di un ufficiale che si spostava spesso di città in città: Omsk, Astrakhan, San Pietroburgo, Saratov, Odessa e ancora San Pietroburgo, dove Vrubel trascorse la sua infanzia. All'età di tre anni, la madre di Vrubel morì, ma la matrigna si rivelò gentile e amorevole e l'infanzia del ragazzo malaticcio fu felice. Tra adulti e bambini, Vrubel era il favorito universale; dall'età di 5 anni ha studiato in una scuola di disegno, all'età di 7 anni ha frequentato la scuola della Society for the Encouragement of Arts di San Pietroburgo. Nel 1874, dopo essersi diplomato al liceo, entrò Dipartimento legale Università di San Pietroburgo e ha frequentato corsi serali presso l'Accademia delle arti. Nel 1879, dopo essersi laureato all'università, Vrubel entrò all'Accademia delle arti, dove rimase per quattro anni.
L'eccezionale talento di Vrubel fu notato e nel 1884 ricevette un invito a Kiev per restaurare antichi affreschi ed eseguire nuove composizioni nella chiesa di San Cirillo (XII secolo). Circa sei mesi nel 1884-1885 Vrubel soggiornò a Venezia, dove studiò l'opera dei maestri del Quattrocento (XV secolo), associata alla tradizione medievale, e dipinse quattro icone per l'iconostasi della chiesa di San Cirillo a Kiev. Questo lavoro ha arricchito il suo dono coloristico e lo ha aiutato a comprendere meglio i compiti della pittura. Nel 1891 Vrubel si avvicinò alla cerchia di artisti e musicisti che si erano riuniti attorno a S.I. Mamontov. Vrubel viveva a casa sua e lavorava come scultore, muralista, decoratore teatrale, realizzando un numero enorme di opere.
Creatività Vrubel
Il lavoro di Mikhail Alexandrovich Vrubel è uno dei più significativi e fenomeni misteriosi Arte russa fine XIX secolo. Grande abilità, tragedia, spirito eroico e un dono decorativo unico fanno di Vrubel un artista per sempre. Vivendo eternamente nel suo mondo, inaccessibile alla comprensione degli altri, Vrubel è stato in grado di ricreare il suo mondo complesso nelle sue immagini arte insolita, e queste immagini sono diventate uno dei pietre miliari La cultura russa all'inizio del secolo.
L'artista sviluppò i temi del bene e del male, le contraddizioni dello spirito umano e si rivelò congeniale al grande poeta.
Vrubel ha dipinto quadri sui temi delle fiabe e delle opere russe di N.A. Rimskij-Korsakov principessa del mare”, “Trentatré eroi”, ecc.). La vivida fantasia e la profonda comprensione dell'essenza dell'esistenza umana hanno dato origine a dipinti come "The Swan Princess", "By Night", "Pan".
Padella 
Critico d'arte N.M. Tarabukin ha scritto della capacità di Vrubel di "confrontare le macchie di colore per far suonare la tela come un gioiello" e il colore ha dato origine alla forma.
I. Grabar credeva che Vrubel “occupasse un posto particolare nell'arte russa. Non ha avuto predecessori in Russia, non ha lasciato seguaci”.
L'ultimo lavoro di Vrubel è stato “Ritratto di V.Ya. Bryusov. (1906), insolitamente espressivo. L'ossessione per il lavoro ha portato a un crollo mentale e al ricovero in un ospedale, dove Vrubel è morto.
A. Blok ha detto al funerale di Vrubel: “Posso solo tremare davanti a ciò che Vrubel e la sua gente rivelano all'umanità una volta al secolo. I mondi che hanno visto, noi non li vediamo.
Vrubel ha automatizzato la realtà nella pittura, ha diviso il mondo e vi ha visto un secondo fondo, incomprensibile e demoniaco.
I dipinti di Vrubel disturbano quasi sempre l'anima, anche se gli occhi del suo Demone e della principessa del cigno sono belli e ispirati.
Questi personaggi nei dipinti di Vrubel, a cui è dedicata un'intera sala nella Galleria Tretyakov, sono forse i più famosi. L'artista simbolista amava il favoloso, immagini mitiche, il loro silenzio e mistero, ambiguità.
Un blocco sulla tomba di Vrubel dirà: "Lui stesso era un demone, un bellissimo angelo caduto, per il quale il mondo era gioia senza fine e tormento senza fine ..."
Vrubel generalmente amava questi volti: pensierosi, con il sigillo del destino, o estatici, drogati da una trance. Allo stesso tempo, quando creava i suoi capolavori - tele, pannelli decorativi, sculture, affreschi, Vrubel raramente ne era soddisfatto. Ma l'artista non era soddisfatto del contenuto spirituale dei suoi dipinti.
Un perfezionista per natura, nutriva grandi speranze per l'arte. La pittura dovrebbe avere una missione elevata, credeva Vrubel.
Nel 1902, il famoso psichiatra Vladimir Bekhterev diagnosticò a Vrubel un acuto disordine mentale. Malattia incurabile ha portato l'artista alla clinica, aveva otto anni da vivere.
Il dottor Fyodor Usoltsev, che ha curato Vrubel, ha ricordato che anche in un'eccitazione dolorosa, confusione di pensieri e sentimenti, Vrubel ha creato: ha scolpito strane figure dall'argilla, ha dipinto.
L'arte era il respiro e il pensiero di Vrubel. E valeva la pena ascoltare i suoi discorsi apparentemente incoerenti, e logica, significato e sentimento iniziarono a far capolino attraverso di essi.
A proposito, gli psichiatri Usoltsev e Vvedensky hanno raccolto collezioni di dipinti di Vrubel, che sono stati mostrati al pubblico nel 1955.
Vrubel ha esplorato con entusiasmo il mondo: ha viaggiato - per poi dire: "Quanta bellezza abbiamo in Rus'!", Si è cimentato in tipi diversi art, ha restaurato i murales della cupola di Hagia Sophia a Kiev, era un architetto. Ha progettato la facciata della casa di Savva Mamontov in via Sadovo-Spasskaya a Mosca nel 1891.
La vita è un viaggio fuori e dentro se stessi, potrebbe dire Vrubel. La sua creatività inquietante e introspettiva ricorda le profondità dello spirito ei suoi abissi.
Mikhail Vrubel è nato a Omsk il 17 marzo 1856. Sua madre morì quando lui aveva solo tre anni. La famiglia dell'ufficiale Alexander Mikhailovich Vrubel si spostava spesso di città in città. All'età di cinque o sei anni, il ragazzo iniziò a disegnare e all'età di otto anni, quando i Vrubel vivevano a San Pietroburgo, suo padre lo portò alla scuola di disegno della Society for the Encouragement of Arts. L'anno seguente, la famiglia si trasferì a Saratov, Mikhail fu assunto come insegnante di disegno.
Gli anni del ginnasio di Vrubel furono per lo più trascorsi a Odessa.Misha ha disegnato a singhiozzo, principalmente su richiesta di suo padre. Secondo la sorella, si sa che in questi anni amava "la storia, scriveva grandi saggi sui temi della vita antica e del Medioevo in eccesso rispetto alla norma". Ha studiato a fondo lingua latina, letto negli originali di Ovidio e Orazio. Dopo essersi diplomato in palestra, Mikhail Vrubel entrò nella facoltà di giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo nel 1874.
Disegni di questo periodo: "Vrubel con il suo amico universitario Valuev" (1877), "Margarita" (1877) - un'illustrazione per il "Faust" di Goethe.Solo negli ultimi anni dell'università Mikhail Alexandrovich si unì all'insegnamento dell'arte, frequentando la classe del professor Chistyakov nelle ore serali . Dopo essersi laureato all'università, Vrubel sta prestando servizio militare.
IN 1 880 Michael diventa uno studente all'Accademia delle Arti. Dall'autunno del 1882 iniziò a studiare nella classe dell'accademico Chistyakov, lavorando sodo e duramente da solo. Vrubel dipinge e dipinge ad acquerello instancabilmente, senza mai smettere di studiare le leggi dell'antica arte. La sua performance è sorprendente. In qualche modo, in una notte, realizza una composizione a cento cifre (!) “Orpheus in Hell”. Mikhail converge strettamente con i compagni di classe: Valentin Serov e il suo cugino Derviz. "Noi tre", dice Vrubel, "siamo gli unici che capiscono seriamente l'acquerello all'Accademia".
Già nelle prime opere di Vrubel erano delineate le caratteristiche che lo distinguevano tra gli accademici.MichaelVrubelEra conosciuto, e meritatamente, come un maestro degli acquerelli e uno straordinario compositore di scene di massa. Ha dimostrato il suo disegno virtuoso e il dono della composizione, in particolare, su scene bibliche a più figure in "Ingresso al tempio" (1882). Nel primo periodo della creatività, Vrubel ha creato ritratti sinceri e pieni di sentimento in cui ha trasmesso lo stato d'animo concentrato di una persona.
Michail Vrubel. Madre di Dio
Nel 1884 Vrubel lasciò l'Accademia, accettando l'offerta di Prakhov di trasferirsi a Kiev e dirigere lì i lavori di restauro del dipinto dell'antica chiesa di San Cirillo. Non si trattava solo del restauro degli affreschi, ma anche della realizzazione di nuove opere in sostituzione di quelle perdute. L'artista studia non solo dipinti domestici, ma ha anche conosciuto molte opere questo tipo a Venezia, dove fu inviato nel 1884. Purtroppo, i bozzetti per il dipinto per la Cattedrale di Vladimir, realizzati da Vrubel nel 1887, non furono realizzati a causa della loro estrema insolita.
Vrubel ha violato i canoni della chiesa e ha creato composizioni libere, aderendo solo al tema, ma non alla sua soluzione canonica. Ha dipinto ad acquerello "Angelo con incensiere e candela", quattro versioni di "Tomb Lament", due versioni di "Resurrection". Nello schizzo “Tombstone Lamentation” (1887), l'immagine individuale della Madre di Dio con gli occhi ardenti, spalancati dall'orrore e dal dolore, corrisponde all'immagine altrettanto espressiva di Cristo che giace nella tomba.
Michail Vrubel. La discesa dello Spirito Santo sugli Apostoli
L'artista ha cercato di scioccare lo spettatore con l'immagine di incommensurabile dolore e sofferenza. I principi del muro di Vrubel pittura decorativa in seguito furono trasferiti ai lavori da cavalletto. Vrubel ha scritto da Kiev che, ahimè, "non si può contare sulla creatività", che per lui il lavoro dalla natura è "un mezzo di sussistenza". Ma meno di tutto pensava al "nutrimento". Suo padre, che lo visitava a Kiev, scriveva invariabilmente con dolore e ansia nelle sue lettere: “E che vita ha vissuto Misha con i suoi talenti! Quasi nessun sostentamento". Ma Vrubel ha creduto nel suo dono, ha scritto "La mania che dirò sicuramente qualcosa di nuovo non mi lascia".
Per tutti gli anni Novanta, Vrubel si è occupato del tema del Demone e del male. Già nel 1885, subito dopo il ritorno da Venezia, Vrubel descrisse il suo "Demone" a suo padre come segue: "Lo spirito non è tanto malvagio quanto sofferente e dolente, ma nonostante tutto lo Spirito è potente e maestoso". L'artista ha mostrato il suo primo, cosiddetto "Demone (seduto)" già a Mosca, dove si è trasferito nel 1889, "un giovane titano è raffigurato nei raggi del tramonto in cima a una roccia. Il possente bel corpo non sembra adattarsi alla cornice, le mani sono rugose, il viso è toccantemente bello, il dolore disumano è negli occhi ", N.A. descrive l'immagine. Fedorov.
Nel 1899 scrive Il demone volante. Vrubel non completò questa tela e iniziò a lavorare sodo su un'immagine diversa del Demone, che si chiamava "Demon Defeated" (1902). Il tema dell'ultimo demone è una protesta titanica e una tragica morte. Il demone viene abbattuto dall'alto e disteso su catene montuose ricoperte di neve eterna e ghiaccio, illuminate dagli ultimi raggi del tramonto. Il demone è spezzato, le sue braccia sono rotte con dita appuntite che scavano nel corpo, la sua testa, per così dire, è strappata dal busto che giace su una pietra pesante. Ma il fuoco della rabbia e della protesta continua a bruciare negli occhi.
Nel 1889 Vrubel partì per Mosca. Inizia così un nuovo e fecondo periodo del suo lavoro. L'artista riceve una serie di ordini per pannelli decorativi. Uno di questi - "Venezia" (1893) - è stato creato sulla base delle impressioni di un nuovo viaggio in Italia (1891-1892). Il contenuto del dipinto "Spain" (1894) potrebbe essere stato ispirato dall'opera "Carmen", che Vrubel amava molto e considerava "un'era della musica". L'eccitazione dei personaggi, l'intensità del colore, il flusso dei raggi del sole caldo evocano una sensazione di conflitto, dramma. Un paese appare vivo, in cui ribollono sentimenti ardenti, sia l'amore che l'odio sono forti. In una certa prossimità a questa immagine - "The Fortune Teller" (1895), un'opera profondamente psicologica. Tra il luccichio rosa lilla del tappeto e dei tessuti di seta, Vrubel mette magistralmente in risalto il viso. Attira prepotentemente lo sguardo di occhi ardenti, come se una donna si fosse aperta terribile segreto futuro." Dopo "Venezia", l'attrazione di Vrubel per il grande stile si manifestò anche nei suoi enormi pannelli di molti metri "Princess Dream" e "Mikula Selyaninovich", eseguiti per l'Esposizione tutta russa di Nizhny Novgorod del 1896, nonché in un ciclo di pannelli su una trama del "Faust" di Goethe per il "gabinetto gotico » nella villa di A.V. Morozov.
Vrubel. Musa
In questo momento, Vrubel ha lavorato molto sui ritratti. Come tutta l'arte dell'artista, la sua ritrattistica è acutamente psicologica. Vrubel è più attratto dalla persona che ritrae alla sua mondo interiore. Cerca di guardare nel profondo dell'anima, di comprendere i pensieri e i sentimenti più intimi. La cerchia dei ritratti è piuttosto ristretta. Queste sono per lo più persone vicine all'artista. Esempi brillanti della ritrattistica di Vrubel sono i ritratti di Artsybushev e Mamontov (entrambi del 1897). Barkova dice del ritratto di Artsybushev “Il ritratto è bello non solo per la sua profondità caratteristica psicologica personalità umana, ma anche virtù pittoresche. Colpisce la modellazione plastica del viso e delle mani. Un abito nero, una cravatta rosso scuro, una poltrona di mogano, i dorsi dei libri sono scritti artisticamente liberamente. I bicchieri di pince-nez si accendono di scintille blu.
Vrubel - "Ritratto di Konstantin Dmitrievich Artsybushev"
Vrubel sa estrarre armonie belle e colorate dagli oggetti più ordinari. L'intera composizione cromatica è portata all'unità. In termini di abilità realistica e potere di caratterizzazione, questo ritratto occupa un posto eccezionale nella ritrattistica della fine 19esimo secolo". Vrubel amava appassionatamente la musica. Alla fine degli anni Novanta ha lavorato come artista in teatro. Per l'Opera privata di Mosca S.I. Mamontov, scrive scene per le opere "La sposa dello zar", "Mozart e Salieri", "La storia dello zar Saltan". Principale ruoli femminili La moglie di Vrubel si è esibita in queste esibizioni, cantante di talento Nadezda Ivanovna Zabela.
Nel 1896, durante una delle prove di Hansel e Gretel di Humperdinck al Teatro Panaevsky di San Pietroburgo, Vrubel la sentì cantare per la prima volta. Dopo la prima di Hansel e Gretel, Zabela ha portato Vrubel a casa di Ge, dove ha poi vissuto. Sua sorella "ha notato che Nadya era in qualche modo particolarmente giovane e interessante, e si è resa conto che ciò era dovuto all'atmosfera d'amore che Vrubel la circondava". Vrubel in seguito disse che "se lei lo avesse rifiutato, si sarebbe tolto la vita". Il 28 luglio 1896 ebbe luogo in Svizzera il matrimonio di Zabela e Vrubel. La felice sposina ha scritto alla sorella: “Ogni giorno trovo nuove virtù in Mikhail Alexandrovich; in primo luogo, è insolitamente mite e gentile, semplicemente toccante, inoltre, mi diverto sempre e sorprendentemente facile con lui. Sicuramente credo nella sua competenza per quanto riguarda il canto, mi sarà molto utile e sembra che riuscirò ad influenzarlo.
Nel 1899 e nel 1900, Vrubel fu responsabile del laboratorio di maiolica Abramtsevo e lì lasciò una serie di interessanti sculture in maiolica sui temi fiabeschi "Lel", "Volkhov". "Kupava". Vrubel dipinge i dipinti "By Night" (1900), "Pan" (1899), "The Swan Princess" (1900). Nella tela "Lilla" (1900), uno dei suoi dipinti più ispiratori, Vrubel non solo ha trasmesso poeticamente un cespuglio di lillà in fiore lussureggiante, ma anche un sentimento pieno di pathos appassionato che ha suscitato nella sua anima profumati fiori primaverili in una notte di luna.
Nell'estate del 1901, il primogenito, Savvochka, apparve nella famiglia Vrubel. Dalla nascita, il ragazzo era malato e morì due anni dopo. Forse questo era il motivo per cui nel 1902 Mikhail Alexandrovich mostrava segni di malattia mentale. La malattia è progredita, ma durante i periodi di chiara coscienza l'artista ha lavorato di nuovo. Il dottor Usoltsev, che ha curato Mikhail Alexandrovich, scrive “Era un artista creativo con tutto il suo essere, fino ai recessi più profondi della sua personalità psichica. Ha sempre creato, si potrebbe dire, continuamente, e la creatività era facile e necessaria per lui come respirare. Mentre una persona è viva, respira, mentre Vrubel respirava, creava.
IN l'anno scorso Vrubel crea una delle immagini più delicate e fragili della sua vita: "Ritratto di N. I. Zabela sullo sfondo di betulle" (1904).
Allo stesso periodo appartengono interessanti autoritratti. Nel 1906 Vrubel iniziò un ritratto del poeta V.Ya. Bryusov. Il ritratto è rimasto incompiuto, poiché l'artista ha subito una terribile disgrazia: è diventato cieco. Mikhail Alexandrovich Vrubel morì il 1 aprile 1910, prendendo la morte come liberazione.http://www.tonnel.ru/
Perla. 1904.