D. Eremeev
Nel 19 ° secolo L’Impero Ottomano, che da tempo è diventato una semicolonia delle potenze occidentali, sta cadendo sempre più in decadenza, perdendo i resti dell’indipendenza economica e politica. Allo stesso tempo, soprattutto a partire dalla metà del XIX secolo, le tendenze dello sviluppo capitalista si sono intensificate in Turchia, sebbene il predominio del clero nella vita del paese renda difficile padroneggiare le conquiste della scienza, della tecnologia e della cultura dell'Occidente. Pertanto, i rappresentanti più lungimiranti della classe dirigente stanno cominciando a rendersi conto della necessità di riforme. Nel "periodo tanzimat" (il periodo del riformismo degli anni '20 -'70), le riforme nei settori dell'economia, della cultura e dell'istruzione acquisiscono una portata piuttosto ampia, aprendo oggettivamente la strada alle tendenze dello sviluppo capitalista. Appaiono gli inizi dell'istruzione secolare. La letteratura e l'arte turca sono in aumento. Cresce il desiderio di conoscere le idee, la cultura e l'arte dell'Occidente borghese. Il sultano Abdul-Aziz (1861-1876), monarca condiscendente e amante della pittura, inviò per la prima volta diversi artisti turchi in Francia appositamente per studiare l'arte europea.
Nel 1876 fu adottata la prima costituzione turca. Tuttavia, nel 1878, le forze della reazione per il momento vincono: il sultano Abdul-Hamid II annulla la costituzione. Tuttavia, anche negli anni bui dello “Zulum” – l'assolutismo di Abdul-Hamid – l'arte turca, seppur lentamente, continuò a svilupparsi. C'era una Scuola di Belle Arti, aperta nel 1877, i cui diplomati migliorarono le loro capacità in Europa. Nel 1908, la rivoluzione borghese dei Giovani Turchi mette fine allo Zulum. I Giovani Turchi attuano riforme progressiste, ma in generale la loro attività è limitata e il paese rimane sotto il potere del clero e dei signori feudali.
Storia drammatica Arte turcaè stato così fino al XIX secolo. era recintato da un muro di pregiudizi religiosi derivanti dalle conquiste dell'arte occidentale - le "azioni empie degli infedeli", paralizzate dal dogma dell'Islam sunnita. Per diversi secoli, la ricerca dell'artista, ostacolata dal divieto di raffigurare persone e animali, si è limitata alla bellezza senza volto dell'ornamento e della calligrafia decorativa. Nelle arti visive turche non ci sono stati risultati così brillanti come l'architettura, la tessitura dei tappeti e la ceramica della Turchia. L'eccezione erano alcune miniature.
Il divario risultante tra le tradizioni dell’arte medievale turca e le conquiste delle arti plastiche dell’Europa occidentale era enorme. L'artista turco, per così dire, si è trovato inaspettatamente di fronte alla ricchezza di queste realizzazioni, ha visto cosa possibilità infinite si nascondono nell'arte che glorifica l'uomo, la sua bellezza spirituale, la meravigliosa diversità della natura. Inoltre, senza alcuna transizione da un'interpretazione piatta delle forme e dal decorativismo ornamentale, dovette padroneggiare la tecnica della pittura a olio, disegno, acquarello, tempera, guazzo, prospettiva, chiaroscuro, reimparare la scultura, ecc. una vera rivoluzione nelle belle arti turche.
Anche all'inizio del XIX secolo. nella miniatura turca si avverte chiaramente l'influenza della pittura europea: compaiono elementi di prospettiva e chiaroscuro. E dalla metà del XIX secolo. la miniatura lascia finalmente il posto ai generi occidentali: paesaggio, natura morta e persino ritrattistica. Da quel momento in poi l’arte turca iniziò una continua lotta tra l’imitazione dei modelli dell’Europa occidentale (“europeisti”) e la ricerca di forme nazionali originali (“regionalisti”),
All'inizio del 20 ° secolo lotta per l'identità arte nazionale risvegliò l'attenzione sull'arte medievale della Turchia e in particolare sull'arte popolare turca, la cui identità nazionale era innegabile. A questo proposito è sorto un nuovo problema, che in una certa misura ha rappresentato un ostacolo. Era un forte desiderio di combinare le conquiste già acquisite dell'arte dell'Europa occidentale con l'originalità delle opere medievali e folcloristiche turche. Tuttavia, né il contenuto, né le forme, né la tecnica di quest'ultima, naturalmente, si adattano al quadro dei nuovi compiti. Non importa quanto siano abili gli sforzi di molti artisti di talento, spesso generavano solo opere eclettiche che sembravano il risultato di una compilazione coscienziosa. Inoltre, i canoni dell’Islam erano ancora tenaci. Molti artisti evitavano di rappresentare esseri umani e animali. Il loro tema principale è la natura e il loro genere preferito è il paesaggio. Nei paesaggi e nelle nature morte - una curiosa fusione di metodi occidentali e orientali di trasmettere la realtà: gli artisti hanno superato l'interpretazione piatta delle forme, enfatizzando abilmente la prospettiva. Allo stesso tempo, sono caratterizzati da un modo di scrivere scrupoloso nella tradizione dei miniaturisti. Questa combinazione spesso portava al naturalismo zuccherino.
Osman Hamdi (1842-1910) sta già iniziando coraggiosamente a ritrarre le persone. Molto conosciuti sono i suoi dipinti "At the Scribe" (Turchia, collezione privata), "At the Gunsmith" (Londra, Museo britannico), “Donne nel cortile della moschea” (Turchia, collezione di Mahmud Celaladdin), “Donne nell'Harem”, in cui combina il metodo realistico con tecniche miniaturistiche individuali, in particolare costruisce la composizione su una netta giustapposizione di colori contrastanti e l'isolamento delle figure. Osman Hamdi è un importante ritrattista. Il suo "Autoritratto in costume arabo" è dipinto in maniera realistica, con amore per i più piccoli dettagli. Ma nei ritratti si avvertono echi della miniatura, soprattutto nella combinazione di combinazioni di colori.
Nel 1908-1910. grande gruppo Gli artisti turchi alla fine della Scuola di Belle Arti furono inviati a Parigi e Monaco. Qui gli artisti hanno conosciuto l'impressionismo, che ha fatto loro una grande impressione. Da quel momento in poi, numerosi artisti caddero per lungo tempo sotto l'influenza dell'impressionismo, che soppresse completamente i loro tentativi di ricerca di forme nazionali. È vero, mezzi di espressione la tecnica impressionista trasmetteva bene il "sapore turco", nell'esotismo di cui questi artisti, - romanticismo la vecchia Istanbul, il silenzio patriarcale dei caffè, delle moschee e dei cimiteri semiabbandonati. Eppure era un'imitazione, no arte originale. Il movimento impressionista fu guidato da Nazmi Zia (1881-1937) e Avni Lifizh (1886-1927). Successivamente, alcuni degli "impressionisti turchi" passarono alle posizioni del realismo (Ibraim Challi (nato nel 1884), Namyk Ismail (1890-1935) e altri, e questa tendenza stessa gradualmente scomparve.
Nella prima guerra mondiale l’impero ottomano venne sconfitto e disintegrato. La minaccia di divisione tra le potenze dell'Intesa incombeva sulla stessa Turchia. Il popolo turco si è ribellato per combattere. Il movimento antimperialista di liberazione nazionale del 1919-1923, contando sull’aiuto della Russia sovietica, si concluse con la vittoria. In Turchia ha avuto luogo una rivoluzione kemalista borghese. Il paese fu dichiarato repubblica.
Le trasformazioni borghesi colpirono duramente il potere del clero ed eliminarono molte vestigia patriarcali e feudali. Alla fine hanno liberato l'artista dal divieto dell'Islam di ritrarre una persona. Molti artisti hanno partecipato con la loro creatività alla lotta di liberazione nazionale, creando il primo poster turco originale nella storia del paese, che riflette le vittorie al fronte e il lavoro disinteressato nelle retrovie. Nel senso stretto del termine, non era un poster: combinava le caratteristiche di una stampa popolare, di una miniatura, di un'immagine stampata in serie, pittura da cavalletto e il manifesto vero e proprio. Successivamente, il manifesto turco promosse le trasformazioni borghesi nella vita quotidiana, i successi della rivoluzione culturale. In termini di tecniche, è diventato più grafico.
Negli anni 20-30. nelle belle arti turche, varie direzioni creative erano combinate in modo contraddittorio. A causa della crescita coscienza nazionale si intensificò il desiderio di sbarazzarsi delle influenze straniere, di trovare la propria forma nazionale nell'arte. Tuttavia, l'interazione attiva con varie direzioni dell'arte straniera, a volte direttamente opposte nel contenuto ideologico e artistico, non si è fermata. Da un lato, l’arte turca fu influenzata dal Cézannismo, dal cubismo e da altri movimenti formalisti, fino all’astrattismo, sostenuti dall’Accademia delle arti di Istanbul con i suoi insegnanti stranieri. D’altra parte, il lavoro di numerosi artisti in questi anni fu fortemente e beneficamente influenzato dall’Unione Sovietica. arte realistica e l'arte progressista dell'Occidente.
L'influenza dell'arte sovietica si spiega non solo con il fatto che in quegli anni esistevano rapporti amichevoli tra l'URSS e la Turchia e gli artisti di questi paesi conoscevano reciprocamente le realizzazioni, ma in una certa misura anche con l'appello di il soggetto. Proprio come molte tele sovietiche di quel periodo cantavano l’eroismo della guerra civile, i dipinti turchi riflettono principalmente gli eventi della lotta di liberazione nazionale. "Partigiani" e "Artiglieri" di Ibraim Chalda attirano l'attenzione con il realismo delle loro immagini. In "The Last Shell" di Namik Ismail, il momento della battaglia più intenso è trasmesso in modo drammatico, senza falso pathos, sullo sfondo di un paesaggio sobriamente severo, pieno di ansia. Khalil Ibraim (nato nel 1906) nel film "Woman at the Front" mostrava una donna combattente; questa immagine di una donna sembrava equipararla a un uomo, e questo rifletteva un enorme cambiamento vita pubblica Tacchino.
Il realismo era incarnato non solo in scene di battaglia. Molte opere meravigliose sono nate dal pennello di Namyk Ismail, che generalmente è molto attento al mondo reale. La sua "Trebbiatura" (anni '30; Istanbul, Museo) è una scena quasi epica manodopera rurale. Ama i paesaggi colorati e soleggiati del suo paese natale. Nella "Fortezza di Ankara" (Istanbul, Museo), l'artista ha trasmesso vividamente il suo profondo senso della natura turca. La bellezza dei paesaggi dell'Anatolia è cantata anche dai paesaggi realistici dell'interessante pittore Khalil Dikmen.
Namik Ismail. Trebbiatura. 1930 Istanbul, Museo.
Khalil Dikmen. Paesaggio anatolico.
Lo sviluppo della repubblica propose temi e compiti completamente nuovi per gli artisti turchi. Sono apparsi dipinti che riflettono il processo di trasformazione culturale: “Writing Peasant”, “Revolution in Writing”, “Woman Studying” degli artisti Hassan Fakhri e Sheref. II sebbene l'interpretazione delle immagini talvolta suonasse ancora ingenua e sentimentale, l'idea stessa - innovativa per l'arte turca - dava freschezza idee creative queste immagini.
Nel 1928, l'artista e storico dell'arte turco Nurullah Berk (nato nel 1904) creò l'"Unione degli artisti indipendenti", ribattezzata nel 1933 "Gruppo D". Inizialmente, l'obiettivo del gruppo era quello di lottare per l'originalità dell'arte turca, contro gli "accademici" in quanto conduttori dell'influenza occidentale. Alla ricerca di forme nazionali, il "Gruppo D" si è rivolto a miniature e dipinti antichi, all'arte popolare turca. Queste ricerche hanno prodotto una serie di opere caratterizzate dall'originalità. Pertanto, le opere di Turgut Zaim (nato nel 1906) combinano le tradizioni dell'arte decorativa planare con le tendenze di una visione realistica dell'argomento. Colori espressivi. Ma il tipo è in qualche modo estetizzato (trittico "Contadini", dipinto "Tessitori di tappeti"). A volte la tradizione oscura completamente la visione realistica del mondo. Ad esempio, nel teatro, all'aperto“L'imitazione della miniatura si esprimeva nella composizione verticale, nella disposizione dei personaggi in file simili a fregi, nelle pose statiche e angolari.
Questo artista è vicino nella forma a Cevat Dereli (nato nel 1899; "Composizione anatolica"). Un altro membro del "Gruppo D", Dzhemal Tollu (nato nel 1899), cerca di utilizzare la plasticità dei bassorilievi e delle sculture ittiti nel suo lavoro. Con le forme volutamente primitive e grossolane delle sue opere, ne imita esempi pesanti e ruvidi, ma plasticamente magnifici arte antica("Dio della terra").
Del "Gruppo D" facevano parte anche il grafico Abidin Dino (n. 1913) e lo scultore Zühtu Muridoglu (n. 1906), che realizzarono numerose opere interessanti.
Il "Gruppo D" ha giocato un certo ruolo positivo nello sviluppo dell'arte turca, soprattutto nella prima fase. Tuttavia, negli anni Quaranta e Cinquanta molti dei suoi partecipanti presero la posizione del formalismo nell'arte (Purullah Bern, Abidin Dino), e alcuni arrivarono all'astrattismo: Sabri Berkel (nato nel 1908), Bedri Rahmi Eyyuboglu (nato nel 1913). Ciò è stato facilitato dalla crescente influenza dei movimenti modernisti americani ed europei, che, a sua volta, è stata favorita dalla situazione politica in Turchia dopo la seconda guerra mondiale (rafforzamento della reazione, allontanamento dal kemalismo, riavvicinamento alle potenze imperialiste).
Negli anni 50-60. L'arte turca si sta sviluppando in modo estremamente contraddittorio, il che esprime l'intensificazione della lotta tra due culture: l'ideologia progressista e reazionaria. Una parte degli artisti è completamente soppressa dal modernismo borghese e lo imita pedissequamente, l'altra è attenta alle conquiste arte democratica Europa e America. Gli "europeisti", soprattutto gli artisti di Istanbul, amano ciecamente soprattutto l'occidente arte modernista, e i "regionalisti", raggruppati ad Ankara, cercano con insistenza forme nazionali turche, prendendo in prestito allo stesso tempo alcune caratteristiche dell'arte europea contemporanea. I migliori artisti tra i “regionalisti” si sforzano di trovare una combinazione organica tradizioni nazionali, conquiste dell'arte mondiale e immagini viventi della modernità. Traggono ispirazione dalla vita di tutti i giorni, vita dura persone normali Turchia (ad esempio, “Sponge Catchers” di Salih Adjar (nato nel 1927), “Pescatori” di Duran Karadzhi e altre opere). Questa combinazione si è rivelata quella di maggior successo nella grafica.
Uno degli artisti grafici più talentuosi è Mustafa Aslier, le cui incisioni hanno guadagnato fama anche fuori dalla Turchia. Il suo argomento preferito è la vita rurale dell'Anatolia. Le incisioni di Aslier sono semplici e impressionanti nella forma. Sono dominati da contorni netti, figure laconiche, a volte geometrizzate, posizionate in modo audace, ritmico, a volte simmetrico. L'artista si ispira all'arte popolare, utilizzando ampiamente un modello chiaro e contrastante di tappeti e ricami turchi. Ma allo stesso tempo, per lui, il contenuto reale, l'immagine vivente, viene sempre al primo posto.
Mustafà Aslier. Incisione. Anni '50
Nevzat Akoral. Bufali nell'acqua. Incisione. Anni '50
modo creativo Aslier è vicino allo stile grafico di Nevzat Akoral, Duran Karadzhi, Salih Adjar. Interessante la grafica di Erdogan Muis. È caratterizzato da tratti accattivanti, audaci, come se fossero fatti casualmente. Risponde vividamente a tutti gli eventi all'interno del paese. I suoi disegni su temi sociali e civici suonano come inviti alla lotta per il progresso, sono come dei manifesti nel senso migliore del termine. Ad esempio, in Progresso e sottosviluppo, viene mostrata simbolicamente la lotta tra il vecchio e il nuovo, il reazionario e il progressista. Songs of Freedom raffigura manifestanti che cadono sotto i proiettili, ma non vengono spezzati.
Gli artisti turchi della tendenza realista progressista con il loro lavoro combattono contro l'impersonalità cosmopolita dell'astrattismo e di altri movimenti formalisti che livellano le caratteristiche nazionali dell'arte. Stanno combattendo per l'arte turca originale, che riflette la vita della gente e utilizza le ricche tradizioni dell'arte popolare. In questo modo contribuiscono alla cultura mondiale.
Nell'architettura della Turchia nei primi due decenni del XX secolo. ci furono timidi tentativi di “rinascita turca”, che però non andarono oltre il ritorno alle vecchie forme. Gli edifici di banche, ministeri, agenzie governative furono costruiti sotto forma di moschee e palazzi. I loro interni si sono adattati alle nuove esigenze e aspetto forme antiche riprodotte.
Dopo la rivoluzione kemalista, iniziò la ricerca di nuove forme che combinassero l’identità nazionale turca con le conquiste dell’architettura moderna dell’Europa occidentale e americana. Durante la costruzione nuova capitale Turchia - Ankara fu la prima a realizzare un tracciato generale della città. Tuttavia, nonostante ciò, la città è stata costruita in vari modi, poiché nelle condizioni della società borghese era difficile resistere al flusso spontaneo di costruzione. Tra le capanne e le baracche, particolarmente numerose nella parte vecchia di Ankara, sono sparse nuove case, la maggior parte delle quali a un piano. Ci sono pochi edifici con 5-8 piani e non ce ne sono affatto più alti.
I migliori architetti turchi hanno il proprio stile creativo; nelle loro opere combinano il costruttivismo con le tradizioni nazionali e storiche, amano la severità delle forme dell'architettura selgiuchide. I nuovi edifici hanno un aspetto modesto e semplice: pareti lisce intonacate con scaglie di cemento, ampie finestre e grandi logge, confortevoli nel clima del sud, tetti piani tradizionali. Balconi e vetrate sono molto diffusi. Ceramiche decorative sapientemente utilizzate. I palazzi sono decorati con colonne lisce senza basi e capitelli, rifinite con mosaici smaltati smaltati di colori tradizionali: blu, verde, turchese, smeraldo.
Il risultato indiscutibile degli architetti turchi Emin Onat e Orhan Arda è il mausoleo di Ataturk: severo, solenne, imponente nella sua architettura.
) ha seguito un corso di ritrattistica a Parigi basato sulla comprensione classica della figura, del disegno e dell'anatomia. Ma era un pittore i cui dipinti mostrano che era un pittore di paesaggi e nature morte.
Sheker Ahmet Pasha, natura morta di mele cotogne e melograni, 1902
L'artista, invece di approfondire i dettagli e mostrare il realismo degli oggetti, ha preferito interpretare la sua comprensione della forma e della luce, ha sperimentato colori contrastanti, ha utilizzato nette transizioni di chiaroscuro per trasmettere forme, varie pennelli diversi. Gli oggetti posizionati asimmetricamente sulla tela hanno acquisito un riflesso favoloso, romantico e magico.
Sheker Ahmet Pasha "Guardiano nella foresta"
Sebbene l'autoritratto sia stato dipinto secondo i canoni della scuola di pittura francese, l'opera è ancora considerata realizzata secondo le tradizioni dei pittori dell'Impero Ottomano.
Osman Hamdi Bey (1842-1910) Ragazza con gli occhi a mandorla, 1882
Osman Hamdi Bey, “La ragazza dagli occhi a mandorla”
Namik Ismail “Mediha Khanym”, 1920
Ibrahim Challi “Ritratto di Fatma Jimjoz”, 1933
Avni Lifizh “Ritratto della magnifica moglie Sirel Lifizh”
Sheref Akdik “Ritratto di padre Kemal Akdik”
Avendo imparato la calligrafia da suo padre, il famoso calligrafo Kamil Akdik ( Kamil Akdik), in questo caso Sheref ( Seref Akdik) non solo ha imparato a disegnare magnificamente le linee, ma è diventato anche un maestro. Ma la vocazione e il talento lo portarono all'arte, e scelse la professione di artista, nonostante a quel tempo essere un calligrafo fosse considerato più prestigioso. Ha creato composizioni di grandi dimensioni costituite da soggetti di ritratti, nature morte, paesaggi e varie figure. Il tema dei suoi dipinti era la vita del popolo dell'Anatolia; nei ritratti, ha aderito a una comprensione accademica realistica dell'arte. Tuttavia, nei suoi paesaggi angoli diversi L'Anatolia e Istanbul, realizzate con la tecnica della pittura ad acquerello, mostravano uno stile impressionista.
Feykhaman Duran (1886-1970) Ritratto della moglie Guzin Duran, 1921
Feiheman Duran “Ritratto di Guzin Duran”, 1921
Ritratti di Feykhaman Duran ( Feyhaman Duran) attraggono con una caratteristica: avendo un interno ben visibile, mettono in primo piano la figura del modello e rendono espressivo il viso nella foto.
Nelle immagini primo periodo Feihaman Duran presta maggiore attenzione ai dettagli: dettagli dell'abbigliamento, forma dei capelli, accessori, espressioni facciali. In quelli successivi, si può vedere che mette in primo piano l'essenza del ritratto, utilizzando metodi descrittivi dettagliati per aggiungere dettagli a questo.
La simpatia durante il periodo di studio tra Gyuzin Khanym e Feykhaman Duran si concluse con il matrimonio nel 1922. Dipinti con l'immagine della moglie, realizzati con grande amore, erano un simbolo del pittore come ritrattista. Feykhaman Duran nei suoi ritratti si propone di esprimere l'immagine dell'individuo e trasmettere lo stato pace interiore Modelli. Ha detto: “C'è una forma in un ritratto, ma c'è un significato. Uno di questi non è sufficiente. Questo è il potere del ritratto."
Se parliamo della pittura turca moderna, Feykhaman Duran è uno dei maestri più forti in questa direzione. L'arte di usare il pennello, un'acuta sensibilità al bene e al male, il senso del colore, l'abilità con a tutta forza trasmettere le emozioni di un volto umano può essere denotato dalle sue parole: “Penso che il colore sia qualcosa di dolce come una caramella. La dolcezza risplende dagli occhi!
Nuri Iyem (1915-2005) Ritratto di donna, 1975
Nuri Yem “Ritratto di donna”, 1975
Fahrelnisa Zeid “Ritratto di Madame Caron”
Sabri Berkel Autoritratto, 1931
L'artista turca Sabri Berkel ( Sabri Berkel) seguace della tendenza modernista nella pittura, da tempo appassionato di cubismo, maestro dell'incisione.
Nei dipinti di Sabri Berkel, gli oggetti, senza nemmeno mostrare vita ed emozioni, sulla via della perfezione, con tutto realismo, si oppongono alla loro natura e, se necessario, si trasformano in oggetti individuali. È uno di quegli artisti i cui autoritratti mostrano questa capacità di astrarre dalla realtà e questa proprietà trasmette lo stato del mondo interiore dell'autore. In questo autoritratto vediamo allo specchio un uomo con uno sguardo folle. Si è immortalato congelato in una posa, trattenendo il respiro, concentrandosi su un punto, come se il disegno fosse solo l'azione di un fotografo che ha cliccato sulla sua cornice e ha prodotto un'immagine istantanea. Questo autoritratto potrebbe ricordare gli autoritratti di Wag Gogh. Tuttavia, Berkel non dovrebbe essere associato ad altri artisti. Non c'è alcuna componente emotiva in questa immagine, non c'è nessun messaggio personale in essa, non trasmette sentimenti, dolori o gioie. Secondo l'idea dell'autore, nessuna emozione umana dovrebbe superare il potere della bellezza.
Sabri Berkel "Pescatori"
Hassan Vecihi Bereketoglu (1835-1971) Ritratto della moglie Leyla Bereketoglu
Hasan Vecihi Bereketoglu
Naji Kalmukoglu “Ritratto di donna”
Sempre in questo periodo iniziò a firmare i suoi dipinti con lo pseudonimo di Naji Kalmukoglu. Nikola fece amicizia con altri artisti stranieri che finirono in Turchia per volontà del destino.
La mostra di Naji è andata come un fuoco d'artificio. Quando è ad Ankara in Ataturk Boulevard nell'ex pasticceria Kutlu " Kutlu Pastanesi Il 12 febbraio 1942 espose 80 delle sue opere, tutta la città rimase senza fiato. Fino a quel momento Ankara non aveva mai visto una galleria così grande.
Naji è stato sposato tre volte. Tutte e tre le mogli erano greche. Ha un figlio dal suo secondo matrimonio. Erol non ha assolutamente nulla a che fare con l'arte. Si è trasferito a vivere in America.
Circolano diverse voci sulla morte di Naca Kalmukoglu. Si schiantò il 2 febbraio 1951, cadendo dal quinto piano di una casa a Isteklal Caddesi, situata nel centro di Istanbul.
Esistono diverse versioni della sua ridicola morte:
- Naji è stato ucciso dall'intelligence russa.
- È stato gettato dal balcone da membri di uno sconosciuto gruppo mafioso russo.
- Si è buttato fuori quando ha visto qualcuno che temeva molto.
- Si è suicidato.
- È stato buttato fuori da un uomo che apparteneva ai servizi segreti turchi.
- Cadde quando salì dal balcone verso una vicina con la quale si incontrò segretamente e penetrò in lei, presumibilmente per dipingere il suo ritratto. Allora pioveva e dicono che sia scivolato e caduto.
- Nessuno sapeva la vera causa della morte.
Eshref ha lasciato pochi ritratti. Si è trovato più nel genere paesaggistico, donando principalmente il suo cuore ad Ankara. Raffigurava la città e i suoi dintorni, tramonti, motivi di neve, viali e strade, parchi, una vista scintillante di una fattoria vicino ad Ankara.
Jemal Tollu (1899-1968) – Donna in abito nero, 1930
Jemal Tollu “Ritratto di donna in nero”
Jemal Tollu () all'inizio della sua carriera lavorò maggiormente sull'esecuzione della figura (1932-33). Nel realizzare i suoi dipinti, Jemal Tollu, analizzando i modelli dei ritratti, ha creato il proprio stile basato sulla comprensione della deformazione della figura. Si può vedere che il maestro, che ha una buona padronanza della tavolozza dei grigi, imposta contorni netti e chiaroscuri per la figura.
Nel 1937, mentre lavorava come assistente all'Accademia di Belle Arti sotto il professore d'arte Leopold Levy, l'artista si concentrò maggiormente sui paesaggi.
Fikret Otyam (1926 -2015) Ritratto di donna, 2014
Ritratto di Fikret Otyam, 2014
Fikret Otyam ( Fikret Otyam) è una delle persone più versatili del suo tempo. Ha lavorato come giornalista, amava la fotografia, ha pubblicato diversi libri. I suoi dipinti, fotografie e libri sono storie piene di sentimento sulla gente dell'Anatolia sudorientale.
Fikret Otyam
Dalle memorie di Fikret Otyam:
“La mia infanzia è stata trascorsa in Anatolia. Pertanto, so molto bene chi sono gli abitanti del villaggio. A proposito, quando sono entrato all'Accademia, ho iniziato a disegnare donne rurali. Anche una volta, Halikarnas Balykchi (famoso scrittore turco Halikarnas Balıkçı), vedendo le donne nei dipinti, esclamò: “Cos'è questo?!!! Come diavolo!" Naturalmente Balychki di Bodrum. Non conosce l'Asia Minore. “Le nostre donne dell'Anatolia indossano calzoncini tagliati da 8 metri di tessuto. Non puoi conoscerli", dissi. Dopodiché siamo diventati amici. Nella prima foto, mi sono concentrato specificamente sugli occhi. Gli occhi delle donne orientali sono belli come gli occhi dei cuccioli di asino, come gli occhi di una bellissima antilope. Li conosco abbastanza bene, quindi, amico, non posso cambiarli."
Il primo principato turco si formò dopo che i mongoli invasero le terre del sultanato del Rum, guidato dalla dinastia selgiuchide. Il principato turco appena formato, che si rafforzò nel tempo, intraprese molte guerre di conquista, a seguito delle quali soggiogò vasti territori in Asia Minore, Asia occidentale, i paesi del Nord Africa e la penisola balcanica, trasformandosi così in un potente stato conosciuto nella storia come Impero Ottomano.
La cultura e l'arte turca si sono sviluppate sulla base delle tradizioni culturali di molti diversi paesi orientali, tra cui i paesi arabi, la Transcaucasia, Bisanzio e quelle tradizioni ereditate dai Selgiuchidi. Avendo adottato le tradizioni e l'esperienza degli Ittiti, degli arabi, dei greci e dei romani, i turchi furono in grado di sviluppare il proprio stile sorprendente e unico. La maggior parte della popolazione turca è musulmana, anche se l'Islam è apparso sul territorio dello stato relativamente tardi, ma è stato in grado di dare un contributo significativo alla formazione dell'arte di questo paese.
Architettura turca
L'architettura della Turchia è varia. La costruzione sul territorio del paese è stata effettuata principalmente in pietra. Gli operai crearono linee chiare basate su massicci blocchi di muratura. Tra le strutture architettoniche in Turchia puoi trovare moschee, madrase, cittadelle, palazzi, terme, mercati coperti e caravanserragli. Tutti gli edifici sono generosamente decorati con intagli ornamentali traforati, rivestimenti in ceramica colorata e piastrelle artistiche, per la trama delle quali venivano spesso utilizzati motivi vegetali, figure geometriche e iscrizioni calligrafiche. All'esterno, gli edifici turchi sono decorati con un motivo in rilievo scolpito sulla superficie della pietra. Allo stesso tempo, gli artigiani hanno utilizzato abilmente il gioco di luci e ombre, conferendo volume e profondità al disegno. L'ingresso della stanza e gli archi erano incorniciati da palmette e rosoni di composizioni vegetali che formavano una sorta di fregio.
Le moschee in Turchia furono costruite di vari tipi. Quelli che sono l'eredità dell'architettura monumentale selgiuchide rappresentano un voluminoso spazio unico con una grande cupola e un alto portale d'ingresso. Spesso questi edifici hanno una vela triangolare, che è una sorta di interpretazione della cupola, e sono anche decorati con sottili minareti diretti verso l'alto, che conferiscono una certa leggerezza alla massiccia struttura. Il periodo dell’architettura ottomana è caratterizzato dall’uso delle tradizioni Arte bizantina. La cupola che copriva la grande sala di preghiera era poggiata su massicci pilastri. I cortili erano circondati da gallerie con numerosi archi sorretti da graziose colonne di marmo bianco o rosa con capitelli a stalattite. Dall'alto, le gallerie sono coperte da piccole cupole.
Le moschee musulmane sono diverse da quelle costruite secondo le tradizioni bizantine. Hanno un profilo a cupola più ripido, una silhouette morbida e linee aggraziate. Gli edifici erano solitamente costruiti su più livelli, rastremandosi verso l'alto e trasformandosi dolcemente in una cupola poggiante su grandi conchiglie. L'interno della moschea è ben illuminato grazie alle numerose finestre realizzate su ogni livello. Le sue pareti sono decorate con vetrate colorate e pannelli di marmo intarsiati.
Le porte delle moschee sono ricoperte da un bellissimo motivo intagliato, costituito da diverse strisce disposte simmetricamente, che formano nastri con ornamento geometrico, motivo floreale e stelle a cinque punte. I palazzi in Turchia hanno una disposizione a parco con molti padiglioni situati tra i giardini. Le fontane situate nei padiglioni a cupola sono decorate con sculture in marmo. All'interno dei locali, tutte le pareti sono ricoperte da un tappeto solido con un motivo di steli di piante e fiori luminosi di tulipani e garofani.
Scultura della Turchia
Figure scultoree in Turchia sono sopravvissute dal tempo della dominazione selgiuchide. Decorano edifici monumentali. Si tratta in sostanza di immagini in altorilievo di figure che risaltano fortemente su un piano rispetto ad una parete piana, che veniva sempre lasciata liscia per enfatizzare il carattere scultoreo del quadro. Sculture furono collocate anche sugli angoli e sui frontoni delle nicchie.
Pittura turca
L'arte dell'antica pittura turca può essere giudicata da alcuni manoscritti decorati con miniature, creati sotto l'influenza delle scuole d'arte iraniana e azera. Più tardi, quando fu finalmente formato uno stile speciale di miniatura turca, fu usata a corte per esaltare il Sultano. La gamma di colori utilizzati Artisti turchi nel suo lavoro, un po' grezzo e costruito su forti contrasti. Le loro figure si sono rivelate spigolose e rigide, non c'erano romanticismo e lirismo nelle immagini. Ma in generale, le loro opere si distinguevano per l'armonia e la vivacità dell'immagine. La pittura turca moderna si sta sviluppando sotto l'influenza della scuola d'arte europea.
Arti decorative e applicate della Turchia
arti applicate La Turchia è rappresentata da una varietà di prodotti ceramici, sia domestici che di rivestimento. Per la loro pittura vengono utilizzati una varietà di motivi vegetali stilizzati, così come talvolta figure di persone e animali. Spesso su di essi si poteva vedere l'immagine di una barca con una vela, mazzi di fiori costituiti da tulipani, giacinti, garofani, iris e vite. Il dipinto è realizzato utilizzando vernice rosso-marrone, verde e blu. Inoltre, i turchi realizzano bellissimi tessuti di seta e broccato, ricoperti da motivi ornamentali colorati con motivi floreali e motivo geometrico. I tessuti rossi turchi con motivi argento o oro sono considerati tradizionali. I turchi hanno sviluppato la tessitura dei tappeti, che per loro è diventata un'artigianato popolare. I tappeti turchi e i tappeti da preghiera hanno un colore discreto e una composizione espressiva. Anche in Turchia vengono prodotti prodotti in maiolica, sculture in legno, prodotti in metallo: piatti e armi.
Letteratura della Turchia
L'antica letteratura turca è rappresentata da opere scritte durante il regno dei Selgiuchidi, quando religiose e lavori scientifici scrivevano in arabo e i poeti di corte scrivevano le loro poesie in persiano. Da quel momento, le opere d'arte popolare sono sopravvissute fino ad oggi: miti, leggende, fiabe, proverbi, canzoncine, canzoni, detti, indovinelli, aneddoti e racconti storici. Tutto turco Lavori letterari poi erano scritti in versi, per esempio, lo erano romanzi cavallereschi e lavora lodando il sovrano. Quando iniziò il declino dell'Impero Ottomano, i poeti iniziarono a creare opere satiriche, raccontando la vita viziosa e l'ubriachezza, la corruzione e l'appropriazione indebita che regnava a corte in quel momento. La prosa a quel tempo veniva utilizzata solo per scrivere libri di medicina, religione e storia. Gli autori che scrissero in prosa in Turchia apparvero molto più tardi. Cominciarono a creare opere di vari generi non caratteristici della precedente letteratura turca, come racconti, avventure e romanticismo sociale, così come un'opera patriottica. Nelle loro opere, gli scrittori hanno notevolmente semplificato il turco lingua letteraria e lo ha avvicinato alla gente.
B.Weimarn
Turchi selgiuchidi ( I Selgiuchidi sono uno dei rami dei nomadi Oghuz dell'Asia centrale, dal nome della dinastia selgiuchide che ne era a capo. Nell'XI secolo I Selgiuchidi conquistarono l'Iran, la Transcaucasia, l'Iraq e l'Asia Minore. L'enorme stato feudale selgiuchide esistette dal 1038 al 1157.)), avendo vinto nell'XI secolo. una parte significativa dell'Asia Minore, creò uno stato indipendente sul suo territorio. Il sultanato di Rum (altrimenti Konian), guidato dalla dinastia selgiuchide, era uno stato feudale che occupava gli altopiani dell'Asia Minore e al momento della sua massima potenza (nel XIII secolo) possedeva parte della costa sul Mediterraneo e sul Mar Nero .
Le grandi città erano la capitale della Lancia, Sivas, ecc. Il periodo di potere politico e fioritura economica del Sultanato selgiunide di Rum (fine XII-XIII secolo) fu accompagnato da un significativo fiorire dell'architettura e dell'arte. C'era una vivace costruzione di città. Insieme all'architettura si svilupparono le industrie correlate arte decorativa e artigianato artistico: intaglio della pietra, intaglio del legno, ceramica da rivestimento, tessitura di tappeti, prodotti d'arte dal metallo, ecc. Il fiorire dell'arte nel Sultanato del Rum ebbe luogo nelle condizioni dello sviluppo dei legami economici e culturali internazionali. Arte selgiuchide del XII-XIII secolo è cresciuto sulla base delle antiche tradizioni locali dell'Asia Minore e ha assorbito gran parte dell'esperienza di sviluppo cultura artistica i paesi vicini dell’Asia Minore, in particolare la Transcaucasia, l’Iran e l’Iraq. Nei primi monumenti giunti fino a noi si intrecciano spesso elementi artistici molto diversi, ma ben presto l'architettura selgiuchide e l'arte dell'Asia Minore svilupparono una propria caratteristiche artistiche e alcuni accorgimenti stilistici contraddistinti da grande originalità e alta artigianalità.
Nell'architettura dell'Asia Minore veniva utilizzata prevalentemente la muratura in pietra. I costruttori selgiuchidi ottennero una chiara armonia di un massiccio blocco di pareti esterne e coperture a cupola, stereometricamente chiare nelle loro forme. I portali decorati con ricchi intagli ornamentali, così come gli alti e sottili minareti, hanno svolto un ruolo importante nell'architettura. Profili di archi e nicchie decorative, modello complesso Le stalattiti che riempiono le volte si distinguono per la loro grazia, a volte poche linee elaborate. L'arredamento architettonico è costruito sui contrasti di luce e ombra, sulla giustapposizione del piano liscio e privo di ornamenti del muro e dei dettagli densamente saturi di ornamenti in rilievo. Il modello architettonico selgiuchide, costituito da una treccia geometrica, motivi vegetali stilizzati e iscrizioni, ha il carattere di un rilievo decorativo intriso di ritmo ornamentale e dotato di una speciale plasticità. L'arte selgiuchide dell'Asia Minore conosce anche la scultura di figure. Particolarmente famoso è il rilievo raffigurante figure di geni alati trasferite in un forte movimento. Questa scultura era sul muro di una delle torri della città di Konya.
La città di Konya, fiorita nel XIII secolo, era circondata da potenti mura e divisa in quartieri artigianali, spesso recintati anche gli uni dagli altri. Nel centro della città sono state conservate le rovine della cittadella e gli edifici del sultano Alaaddin Key-Kubad I (1219-1236), costituiti da un palazzo, una moschea e una madrasa. La moschea, eretta nel 1209/10, è un edificio con una grande sala di colonne. Tuttavia, non solo questo tipo di soluzione architettonica e spaziale degli edifici religiosi divenne caratteristica dell’architettura monumentale selgiuchide. In Asia Minore era ampiamente utilizzata una versione peculiare della composizione aivan con un cortile quadrato al centro. Questa è l'architettura delle numerose madrase di Konya, che di solito comprendono anche i locali di una moschea.
L'aspetto esterno di questi edifici è determinato dall'accostamento del volume chiuso della parte principale dell'edificio con un alto portale d'ingresso monumentale, decorato con ricchi intagli ornamentali. Secondo la natura dello spazio interno degli edifici, le madrasa sono divise in due tipologie principali. Nel primo centro della composizione c'è un cortile aperto rettangolare o quadrato. Lungo gli assi principali si trovano due o quattro iwan: stanze a volta aperte che si affacciano sul cortile con arco a sesto acuto. Tale è la madrasa di Syrchaly a Konya (1242), Chifte Minar a Erzurum e altre. le colonne della galleria tendono a sostenere gli archi. Un esempio di uno sviluppo molto elegante di questo motivo è il porticato a due piani nel cortile del Cifte Minar a Erzurum. Caratteristica dell'architettura di questo monumento è anche un ampio e molto profondo aivan, posto di fronte all'ingresso, dietro il quale si trova un mausoleo a pianta rotonda.
Nella seconda tipologia di edifici il cortile aperto veniva trasformato in un salone centrale coperto da una cupola. Tali edifici includono la Karatay Madrassah e l'Inje Minar a Konya (entrambi gli edifici furono costruiti a metà del XIII secolo). La tendenza a creare uno spazio interno indiviso, che diventa la base dell'intera composizione, si osserva anche nell'architettura delle moschee di questo tempo.
Una caratteristica di alcuni edifici selgiuchidi è una vela triangolare, una sorta di implementazione della struttura a cupola bizantina.
All'interno di molti edifici, l'ordine delle vele non si distingue come una particolare articolazione architettonica. Di conseguenza, dall'esterno, l'emisfero della cupola poggia direttamente sul cubo della parte principale dell'edificio. Nella composizione delle masse architettoniche, un ruolo importante è svolto dal minareto, che ha la forma di un'alta torre a due o tre livelli. Il sottile minareto rivolto verso l'alto, appuntito con un pomo conico, contrasta con la massa massiccia, pesante e un po' tozza dell'edificio nelle proporzioni.
La decorazione murale decorativa gioca un ruolo importante nell'aspetto architettonico degli edifici selgiuchidi. Piastrelle colorate venivano usate per decorare gli aivan del cortile (ad esempio, nella madrasa Syrchaly). I loro colori sono dominati dai toni del blu scuro e del verde. Per decorare gli edifici dall'esterno è stata utilizzata principalmente la pietra, incidendo un rilievo sulla sua superficie, creando un ricco gioco di luci e ombre. Sottolineano gli ampi nastri dell'ornamento, in cui prevalgono forme floreali e geometriche stilizzate linee verticali portali, e l'alternanza di altorilievi e bassorilievi conferisce volume e profondità al disegno. La decorazione dei portali della grande moschea di Divrigi (1229) e di Ince Minar a Konya (ill. 32) si distingue per la ricchezza dell'ornamento. Nei rilievi del portale Ince Minar, un ornamento epigrafico occupa un posto importante. Nastri di iscrizioni, che incorniciano l'arco basso dell'ingresso, si intrecciano sopra la sua sommità in un nodo e salgono; altre due fasce verticali di iscrizioni salgono lungo i bordi del portale. In contrasto con la loro interpretazione planare, i fasci di colonne alla base dell'arco e la corda che incornicia la parte centrale del portale sono eseguiti come un alto rilievo scultoreo. Grandi motivi scultorei accentuano anche gli angoli della volta della nicchia e dei suoi timpani. Sebbene il motivo sia raggruppato in strisce e in pannelli separati, nel complesso forma un'unica composizione “a tappeto”, all'interno della quale l'ornamento passa liberamente da un piano della parete all'altro.
L'arredamento del portale della moschea di Divrigi è molto originale. Motivi vegetali stilizzati disposti in rosoni e palmette riempiono la superficie della parete attorno all'ingresso e formano un fregio sopra l'arco. Il profilo dell'arco ha una forma complessa e bizzarra ed è pieno di ornamenti geometrici e iscrizioni. Pur saturando la superficie architettonica con motivi, gli architetti selgiuchidi lasciavano sempre liscia una parte del muro. Questa tecnica enfatizza ulteriormente la natura scultorea del decoro. Molto spesso, i timpani dell'arco del portale rimanevano vuoti di motivi o erano decorati con due rosette disposte simmetricamente.
I portali selgiuchidi dell'Asia Minore sono caratterizzati anche da nicchie nelle pareti delle guance e riempimenti di stalattiti della volta dell'arco. Un esempio è il portale della moschea Sahib-ata a Konya (ill. 33). Molti mausolei dell'Asia Minore selgiuchide hanno una forma molto elegante. A pianta quadrata o poliedrica, sono solitamente coronati da una tenda di pietra. Per tipologia, sono simili ad alcuni edifici commemorativi dell'Azerbaigian e dell'Iran settentrionale, ma si distinguono per la natura scultorea dell'arredamento.
Dei monumenti dell'architettura secolare sono stati conservati i caravanserragli; tra questi spicca l'enorme edificio del Sultano Khan a Konya, costruito nel 1229. Come gli edifici religiosi, i caravanserragli avevano spesso portali d'ingresso riccamente decorati con intagli in pietra.
Il fiorire dell'architettura fu accompagnato dallo sviluppo di molti rami dell'arte decorativa. L'intaglio del legno ha raggiunto un alto livello di abilità. È giunto fino a noi un bellissimo minbar scolpito della metà del XII secolo. dalla moschea di Alaaddin e scolpito porte in legno 13° sec. da Konja. L'arredamento del minbar si distingue per la sua chiarezza, semplicità e rigorosa geometria. motivi ornamentali. L'altezza del rilievo è enfatizzata dal gioco contrastante di luci e ombre sui bordi e sugli smussi delle figure ornamentali. Il modello scolpito delle porte del XIII secolo si distingue per un carattere diverso, più piatto. La tessitura del nastro, composta da più strisce, forma delle porte posizionate simmetricamente sulle porte. motivi geometrici e stelle a cinque punte piene di piccoli motivi floreali. L'ornamento delle porte Konya si distingue per la chiarezza della costruzione e la succosità dell'interpretazione di ogni motivo.
Anche l'arte selgiuchide dell'Asia Minore conosceva la pittura, che si sviluppò sotto l'influenza delle miniature bizantine, armene e in parte iraniane dell'epoca.
Dopo la devastante invasione mongola, il Sultanato del Rum si divise in una serie di piccoli possedimenti feudali privi di indipendenza. Tuttavia, già all'inizio del XIV secolo. venne alla ribalta un piccolo principato turco che, a seguito di guerre vittoriose, espanse rapidamente il suo territorio, nel XV secolo. inferse un duro colpo a Bisanzio e nel XVI secolo si trasformò in un enorme stato potente che, oltre all'Asia Minore, possedeva i paesi dell'Asia occidentale, del Nord Africa e della penisola balcanica. Questo stato, dal nome del sovrano del principato, cominciò a essere chiamato ottomano e vi includeva i turchi dell'Asia Minore: gli ottomani. L'Impero Ottomano era un dispotismo militare-feudale con un sistema sviluppato di relazioni feudali. La cultura nello stato ottomano è cresciuta sulla base delle antiche tradizioni locali, assorbendo ed elaborando un vasto e complesso patrimonio artistico Seljuk Asia Minore, così come Bisanzio.
L’architettura ottomana ha attraversato due fasi principali nel suo sviluppo. Il primo, compreso tra il XIV e la prima metà del XV secolo, è associato alla costruzione nella capitale Brusa (Bursa) e in numerose altre città dell'Asia Minore. Durante questo periodo, gli architetti turchi, pur mantenendo le tecniche di costruzione del periodo selgiuchide, si sforzarono di ottenere forme semplici e geometricamente corrette dell'edificio. I monumenti più significativi che riflettono le tendenze della prima fase sono gli edifici di culto: Ulu-Jami (XIV secolo) e Yeshil-Jami (Moschea Verde, 1423) a Brus, Nilufer-Khatun Imaret e Yeshil-Jami (entrambi del XIV secolo) a Iznik e altri edifici. Ulu-Jami presenta Sala grande, separati da file di pilastri che sostengono volte. Yeshil-Jami a Brus è costituito da due grandi sale a cupola situate lungo l'asse principale dell'edificio. La prima, al centro della quale si trova una vasca marmorea per le abluzioni, è comunicante a destra e a sinistra da piccoli spazi cupolati. L'interno è rivestito con piastrelle dipinte (con predominanza del verde) e presenta un passaggio molto particolare dalle pareti al cerchio della cupola, realizzato sotto forma di fregio sfaccettato. Anche il portale d'ingresso è riccamente decorato con formelle a rilievo. L'artificio compositivo, consistente nell'ubicazione di piccole stanze a cupola ai lati della sala di preghiera principale, è caratteristico anche di altri edifici religiosi di Brusa, nonché delle prime moschee di Istanbul.
Nella seconda metà del XV sec. Subito dopo la conquista di Costantinopoli, che ricevette il nome di Istanbul, iniziò la fase successiva di sviluppo dell'architettura turca, segnata dalla fioritura dell'architettura alla fine del XV e soprattutto nel XVI secolo. Ruolo importante le grandi tradizioni dell'arte bizantina giocarono in questo periodo.
Tuttavia, gli architetti turchi dei secoli XV-XVI, sebbene procedessero dalle tecniche architettoniche e costruttive dei templi bizantini, conferirono ai loro edifici un carattere volumetrico e spaziale diverso e inserirono nuovi contenuti artistici nella loro immagine.
Negli edifici religiosi turchi dell'epoca, il tema di un grande edificio a cupola veniva sviluppato in diverse versioni. Nella progettazione della moschea del sultano Bayezid II a Istanbul, costruita nel 1500-1506, l'architetto Heyreddin segue ancora le tradizioni dell'architettura turca del tempo precedente. Ma la cupola sopra la sala di preghiera non poggia direttamente sulle pareti, ma su quattro massicci pilastri e ad essa sono adiacenti due grandi conchiglie. Ciò conferisce una maestosità speciale ai locali principali della moschea. Inoltre, a differenza della Brusskaya Yeshil-Jami, la piscina per le abluzioni viene portata fuori dalle mura dell'edificio all'esterno, nel cortile. Tali cortili, che fungevano da vestibolo della moschea ed erano circondati da una galleria con archi su colonne, divennero obbligatori nell'architettura di culto ottomana del periodo di Istanbul. Già nella Moschea Bayezid veniva data grande importanza alla decorazione architettonica del cortile. La galleria di bypass è coperta da piccole cupole. Graziose colonne di marmo bianco e rosa hanno capitelli di stalattiti e archi a sesto acuto.
Il successivo passo importante nello sviluppo dell'architettura turca, quando raggiunse un alto livello di perfezione, è associato al nome dell'eccezionale architetto turco Khoja Sinan (1489-1578 o 1588). Gli viene attribuita la costruzione di centinaia di edifici, tra cui molte moschee, madrase, mausolei, palazzi, ponti e altri edifici. Lo stesso Sinan ha individuato tre sue opere in particolare: le moschee Shehzade (1543-1548) e Suleymaniye (1549-1557) a Istanbul e la moschea Selimiye (tra il 1566-1574) a Edirne (Adrianopoli). In uno dei suoi scritti, Sinan afferma che la Moschea Shehzade era opera di un suo studente, Suleymapiye era opera di un apprendista e Selimiye a Edirne era opera di un maestro.
Di grande importanza nell'opera di Sinan è stato il problema dello spazio interno. Nella sua decisione, divenne l'erede diretto Tradizioni bizantine, ma ha affrontato il problema in modo diverso rispetto a prima creatori ingegnosi Sofia di Costantinopoli. L'architetto Sinan utilizzò la struttura della cupola bizantina, rifiutando allo stesso tempo una chiara divisione dello spazio interno nella parte centrale della cupola principale e nelle parti laterali ad essa subordinate, separate da colonnati. Le cupole degli edifici musulmani poggiano su quattro lati su grandi conchiglie, sotto le quali si trovano volte minori dell'arco PI. L'architetto turco, nelle sue migliori opere architettoniche, creò spazi enormi, indivisi, a cupola unica che soddisfacevano i compiti del culto musulmano e incarnavano l'idea della grandezza del potente impero ottomano. Allo stesso tempo, nell'opera dell'architetto ottomano, si manifestò anche il desiderio di una soluzione decorativa di problemi artistici, caratteristico dell'arte del suo tempo. L'inizio decorativo negli edifici di Sinan è entrato organicamente nel tessuto immagine artistica. Si rifletteva nella pittoresca frammentazione della forma architettonica con una moltitudine di volte, nicchie e finestre, nonché nella saturazione degli interni con dipinti murali ornamentali, pannelli di marmo riccamente intarsiati e motivi colorati di vetrate colorate. Nella moschea Shekh-zade, i massicci pilastri sfaccettati che sostengono la cupola sono ancora disegnati molto chiaramente, e la struttura delle volte è chiaramente distinta dall'alternanza di murature a cuneo chiare e scure degli archi (ill. 35a). In Suleymaniye l'architetto raggiunse una maggiore unità di elementi spaziali e decorativi (ill. 36). Un ruolo importante qui è giocato dalla forma dei pilastri che sostengono le vele e della cupola. Il Sinai ha dato loro un profilo complesso, motivo per cui le loro linee sembrano fondersi con l'articolazione ricca e frazionata della superficie muraria.
Un'altra soluzione compositiva e spaziale molto perfetta è stata trovata dall'architetto durante la creazione di Selimiye a Edirne. La cupola poggia su otto pilastri; la gigantesca rotonda da loro formata è “inscritta” nel quadrato delle pareti in modo che l'intero spazio si fonda in un tutt'uno. La ricca plasticità della superficie delle pareti e dei pilastri che sostengono la cupola conferisce un carattere pittoresco all'interno. L'illuminazione brillante dell'intero vasto spazio attraverso un gran numero di finestre situate su più livelli migliora l'impressione di solennità e magnificenza festosa.
Gli edifici di Sinan differiscono da Sofia bizantina e nell'apparenza; le loro proporzioni sono aumentate, le cupole hanno un profilo più ripido. La cupola di Solimano è 6 metri più alta della cupola di Sofia. Anche gli edifici di Sinan differiscono l'uno dall'altro. L'architettura della moschea Shekh-zade è piuttosto pesante. Nella Moschea Suleymaniye (ill. 35 6), tutte le proporzioni sono armoniose, la silhouette si distingue per la morbidezza e l'eleganza delle linee. L'intera massa dell'edificio rientra in un triangolo regolare. Di conseguenza, è stata risolta la composizione dei minareti situati agli angoli del cortile circondato da un colonnato: la prima coppia di minareti è più bassa delle altre due adiacenti all'edificio della moschea. Suleymaniye fu eretto su una collina sopra il Corno d'Oro; l'edificio con il suo ritmo chiaro delle forme architettoniche si percepisce bene da lontano.
Anche l'architettura di Selimiye a Edirne è nota per la sua notevole integrità (ill. 34). La composizione dell'edificio è costruita da livelli che si assottigliano verso l'alto, trasformandosi dolcemente nell'emisfero della cupola. Il ritmo delle linee verticali e orizzontali permea l'intera architettura della moschea. I piani delle pareti sono divisi orizzontalmente da archi, in ciascuno dei quali sono inscritte file di finestre. Particolari sporgenze ascendenti graduali situate tra gli archi e
completati da otto torrette con piccole tende, dividono verticalmente la massa degli edifici. A queste torri fanno eco quattro minareti sottili e slanciati che creano un senso di ambiente, sottolineano l'importanza della scala dell'edificio. Nell'architettura turca del periodo pre-Istanbul si sviluppò la forma tradizionale di un minareto sottile e slanciato, il cui fusto sfaccettato o scanalato è diviso da balconi in due o tre livelli ed è completato da una guglia affilata.
L'impressione maestosa che producono gli edifici religiosi monumentali turchi è in gran parte determinata dalla giustapposizione contrastante delle verticali dei minareti, che sono come aghi puntati verso il cielo, e della sagoma dell'edificio, che forma una linea curva calma e uniforme, ripetuta ritmicamente da archi sulle pareti dell'edificio.
La creatività Sinan fu l'apice dello sviluppo dell'architettura turca dell'era feudale. Tuttavia, nel XVII secolo. sapevano costruire edifici maestosi, nell'architettura di cui vivevano le tradizioni del secolo precedente. Tra le opere di architettura monumentale del XVII secolo. particolarmente degna di nota è la Moschea Ahmediye (1609-1614), eretta dall'architetto Mehmed Agha (1540-1620). L'edificio ha proporzioni monumentali, una bella sagoma ed è circondato da sei snelli minareti (ill. 37). Il vasto interno della moschea, inondato di luce, è pieno di splendore e colore grazie alle piastrelle blu, verdi e bianche che ricoprono le pareti dal pavimento agli archi in un solido tappeto (la moschea è talvolta chiamata anche Moschea Verde ).
L'architettura dei palazzi turchi è caratterizzata dalla disposizione a parco e dalla costruzione di edifici come i padiglioni nel giardino. Nel Palazzo Topkapu di Istanbul è stato conservato il Chinili Köshk (padiglione in maiolica) del XV secolo. e Baghdad Köshk - XVII sec. Dietro il colonnato della terrazza Chinili Keshka - rigoroso e chiaro nella sua forma - si nasconde la ricchezza della decorazione interna, in cui il posto principale è occupato da piastrelle di ceramica colorata con vari motivi vegetali e iscrizioni decorative calligrafiche. Le pareti delle stanze, come un tappeto, erano ricoperte da un motivo floreale di steli verdi o blu intrecciati su fondo bianco con fiori rossi di garofani e tulipani. Un'altra tecnica di decorazione non meno comune erano i pannelli piastrellati con immagini di alberi stilizzati, principalmente cipressi, o vasi, da cui crescevano rami fioriti e germogli curvi in modo fantasioso. Le sibille (fontane) sotto forma di padiglioni a cupola, costruite a Istanbul e in altre città della Turchia, erano decorate con bellissimi reticoli decorati e sculture in marmo.
Dal periodo di massimo splendore dell'architettura ottomana, oltre a un gran numero di edifici religiosi e di palazzo, vennero giù edifici fortezza, edifici commerciali (mercati coperti, caravanserragli) ed edifici residenziali. Nei secoli XVIII e XIX l'architettura monumentale della Turchia ha subito un declino.
La pittura turca è conosciuta principalmente dalla miniatura, che si sviluppò fortemente sotto l'influenza dell'Azerbaigian e dell'Iran scuole d'arte Tempo safavide. Entro il XV e l'inizio del XVI secolo. esistono alcuni manoscritti illustrati, tra cui due miniature di un manoscritto eseguito per Bayazid II (1481-1512) costituiscono un interessante esempio di arte turca. Sono caratteristiche le composizioni costruite sotto forma di fregi, separate l'una dall'altra da strisce dorate, nonché le colorazioni multicolori, ma generalmente scure: blu intenso e verde negli sfondi, bruno-grigiastro nelle figure.
L'interesse degli ambienti di corte di Istanbul per le belle arti è testimoniato da un invito nel 1480 alla corte del Sultano Artista italiano Gentili Bellini. Il primo pittore turco è considerato Sinan Bey, al cui pennello è attribuito il ritratto di Mahmud II, eseguito sotto l'influenza dell'arte realistica europea.
Il periodo di massimo splendore delle miniature turche cade nel XVI secolo. I maggiori artisti di questo periodo furono Haidar e Valijan di Tabriz. Nella seconda metà del XVI secolo fu finalmente sviluppato lo stile della miniatura turca. Era tribunale arte, che, nelle condizioni del sistema feudale-dispotico della Turchia ottomana, glorificava ed esaltava il Sultano. Rispetto alla miniatura safavide contemporanea, la miniatura ottomana è più prosaica nel suo contenuto figurativo, non ha il lirismo e il romanticismo inerenti alle opere dei maestri di Tabriz del XVI secolo. La miniatura turca attrae con la sua narrativa, la chiarezza della storia. Gli artisti turchi hanno anche sviluppato una propria speciale struttura decorativa e colorata della miniatura. La composizione nelle loro opere è costruita su un chiaro ritmo lineare e cromatico; le figure sono solitamente disposte in file simili a fregi; la spazialità è enfatizzata dalla divisione in piani e talvolta l'artista ricorre a determinate tecniche costruzione prospettica. La comprensione della linea è peculiare: i contorni delle figure raffigurate sono spigolosi e rigidi. Gli artisti turchi sono estranei alla raffinatezza grafica e alla melodiosità della miniatura di Tabriz. Anche la gamma cromatica è pesante e ruvida, spesso costruita su una netta giustapposizione di colori contrastanti. Tuttavia, in generale, la miniatura turca, con la sua intrinseca armonia di colori luminosi “aperti” e le peculiarità della struttura ritmica della composizione, crea un'immagine artistica olistica, colorata, allegra e festosa.
Stile pittorico turco della seconda metà del XVI secolo. trovò la sua espressione più brillante e completa nelle miniature del manoscritto "Storia del sultano Solimano", conservato nella collezione di Chester Beatty (Londra). Il manoscritto contiene oltre venti grandi miniature raffiguranti le campagne del Sultano, i ricevimenti cerimoniali, le visite ai luoghi santi, i forti e le fortezze conquistate da Solimano, le maestose moschee erette dal suo ordine. L'autore delle illustrazioni padroneggia perfettamente le regole delle miniature orientali medievali. Ha alzato il volume delle composizioni, come se guardasse ogni scena dalla prospettiva a volo d'uccello. Le figure delle persone sono statiche, i loro movimenti sono spigolosi, i loro volti sono inespressivi. Tuttavia, non solo queste tecniche adottate dall'arsenale delle tradizioni determinarono l'originalità delle miniature del manoscritto. Attirano un ritmo sonoro colorato, trucchi speciali divulgazione di contenuti figurativi.
La miniatura "Solimano nel suo esercito" raffigura l'esercito del Sultano in campagna. Al centro della composizione su un cavallo nero c'è Solimano con il suo seguito; intorno, riempiendo l'intero piano del lenzuolo, ci sono distaccamenti del suo esercito: guerrieri a piedi e a cavallo, le cui teste sono decorate con turbanti, elmi o speciali copricapi alti. Alcune unità di fanteria sono armate di fucili, altre di archi e frecce; i cavalieri hanno lunghe picche; sullo sfondo ci sono i musicisti dietro i quali sono visibili gli striscioni. Le linee ondulate delle colline, a volte dipinte in verde chiaro, a volte lilla pallido, da dietro le quali sono visibili distaccamenti di guerrieri, così come la disposizione delle figure in file simili a fregi, introducono nella composizione il ritmo di un calmo, solenne , movimento chiaramente diretto.
Il colore della miniatura è uno spettacolo colorato. Negli abiti dei guerrieri, il succoso colore rosso cremisi preferito dagli artisti turchi si alterna al blu, all'arancione, al viola e meno spesso al verde. Turbanti e alti copricapi formano sottili file ritmiche di macchie bianche. Inoltre, la miniatura risplende d'oro, che brilla sugli elmi, sulle armi dei soldati, sulle selle e sui finimenti dei cavalli, nonché sugli abiti bianchi del Sultano e di alcuni suoi nobili.
L'inizio della narrazione appare molto chiaramente in un'altra miniatura raffigurante l'attraversamento del fiume Drava (ill. 39). In primo piano è raffigurato un distaccamento di cavalleria in transito sul ponte; aprendogli la strada, due mandriani trascinano i muli riposati, carichi di pesi. Dietro il ponte, si vede un cavaliere che nuota velocemente attraverso il fiume. Su entrambe le sponde del fiume c'erano distaccamenti di guerrieri, il sultano e il suo seguito. È caratteristico che in questa miniatura, come in molte altre, l'artista, raffigurante un ponte e un fiume, utilizzi il metodo della riduzione prospettica e trasmetta anche il flusso dell'acqua.
Artisti del X secolo insieme a miniature tipicamente turche nello stile, eseguirono opere vicine a Tabriz, ma peculiari per trama e colore. Tali, ad esempio, sono le illustrazioni del divano di Baka (New York, Metropolitan Museum of Art) e del manoscritto dell'Antologia (Londra, collezione Chester Beatty).
Nel XVII secolo I miniaturisti turchi non hanno creato appositamente opere significative; una certa rinascita nella pittura fu osservata all'inizio del XVIII secolo e fu associata al rafforzamento dell'influenza dell'arte europea.
L'arte applicata della Turchia, soprattutto nei secoli XVI-XVII, era famosa per ceramiche, tessuti, tappeti, prodotti in metallo: utensili, armi. La ceramica artistica turca - per rivestimenti e per la casa - fu sviluppata già nel XV secolo in numerose città dell'Asia Minore. L'ornamento della ceramica turca è caratterizzato da grandi motivi vegetali, eseguiti in modo decorativo, piuttosto libero. Secondo il tipo di pittura in ceramica turca dei secoli XVI-XVII. distinguere due gruppi. Nei colori di un gruppo di navi, il cui centro di produzione era la città di Iznik, predomina il colore rosso corallo, in combinazione con il verde e il blu, creando un'intensa gamma di colori. Un motivo leggermente in rilievo esalta il gioco di riflessi sulla superficie dello smalto. Nell'ornamento della ceramica di Iznik, insieme al motivo floreale, a volte presentato sotto forma di rigogliosi mazzi di fiori, ci sono figure di animali e persone. Un motivo peculiare nel decoro di questa ceramica è l'immagine stilizzata di una barca a vela con la caratteristica vela obliqua, molto espressiva in termini di dinamica.
Il secondo gruppo di ceramiche dipinte, provenienti da Damasco, è caratterizzato da una gamma di toni blu, immagini leggermente stilizzate di tulipani, garofani, iris, uva disposti in eleganti mazzi sul fondo dei piatti (ill. 38) e sulla superficie dei brocche con corpo sferico.
I tessuti turchi di seta e broccato sono molto colorati. Una caratteristica distintiva della loro decorazione sono immagini su larga scala di tulipani, garofani, giacinti. Motivi vegetali, interpretati in modo generalizzato e ornamentale, creano composizioni decorative dal colore sonoro. Il colore preferito dei tessuti è uno sfondo rosso intenso, su cui brilla un motivo oro e argento.
La tessitura dei tappeti ha avuto un grande sviluppo in Turchia. I campioni più antichi di tappeti turchi risalgono al XIII secolo, ma sono giunti fino a noi i tappeti dei secoli XVI-XVII. L'oggetto della discussione erano i tappeti artigianato popolare; venivano realizzati anche nei laboratori di corte. L'ornamento dei tappeti turchi è costituito da motivi vegetali altamente stilizzati; sono comuni anche le forme geometriche. Il colore dei tappeti è sobrio, la composizione è chiara ed espressiva. Alcuni tappeti turchi sono caratterizzati dalla selezione di un campo centrale pieno di motivi, incorniciato da numerose strisce di bordo; I tappeti da preghiera sono molto diffusi: i cosiddetti namazlyk, dove il centro della composizione è l'immagine del mihrab. A seconda del luogo di produzione, i tappeti turchi si dividono in diverse tipologie, di cui le più significative sono i tappeti gerdes e usak.
Particolarmente famose sono le orecchie enormi, il cui colore è costruito su un'audace combinazione di macchie di rosso carminio e blu scuro. Su un comune fondo rosso, incorniciato, a differenza della maggior parte dei tappeti turchi, solo da un bordo sottile, si alternano ritmicamente medaglioni blu di varie forme, pieni di fini maglie di motivi vegetali bianchi e colorati. Una rete di motivi floreali ricopre anche il campo rosso del tappeto. A differenza di alcuni tappeti azeri e iraniani, i paraorecchie non hanno una composizione centrica del motivo a medaglione; il loro ornamento non ha la raffinatezza della linea caratteristica delle composizioni "da giardino" e "vaso". Tuttavia, per l'originalità del ritmo ornamentale colorato e soprattutto per la forza e la sonorità del colore, le orecchie, come molti altri tappeti turchi, sono meravigliose opere d'arte decorativa.
L'arte medievale turca ha occupato un posto speciale nella storia della cultura artistica del Medio Oriente. Profondamente diversa dall'arte dei vicini popoli arabi, è strettamente connessa con l'arte locale secolare dell'Asia Minore tradizione artistica. Formato relativamente tardi, ha tuttavia risolto in modo brillante e distinto una serie di problemi importanti. problemi artistici Medioevo, soprattutto nel campo dell'architettura e delle arti e dei mestieri. Nel periodo selgiuchide ci fu un'attiva interazione creativa dell'arte turca con la cultura. nazioni vicine. Nei secoli XVI-XVII, all'epoca del potere politico dell'Impero Ottomano, palazzi e moschee furono costruiti secondo i modelli di Istanbul nei paesi arabi, nella penisola balcanica, in Crimea. Molto utilizzate erano le terrecotte turche, i tessuti, i tappeti e altri oggetti d'arte applicata.
Molti europei dipingevano avidamente l'Oriente. Ma il loro Oriente sono le donne nude negli harem e nei bagni. L'italiano Fausto Zonaro ha una visione completamente diversa dell'argomento. Questi sono i bazar, i veli, le strade delle città e i volti delle persone. Zonaro visse in Turchia e dipinse per il suo ultimo sultano.
Il ragazzo che voleva fare l'artista
Fausto nasce in una famiglia di muratori. Generazione dopo generazione, i suoi antenati lavoravano nell'edilizia e suo figlio Zonaro Sr. avrebbe intrapreso la stessa carriera. Ma il ragazzo, più di ogni altra cosa, voleva disegnare. E... nessuno scandalo. Il suo amorevole padre fu d'accordo. Fausto iniziò ad andare a scuola tutti i giorni in una scuola situata in un paese vicino, a 12 chilometri di distanza. Affinché l'allenamento non fosse così rovinoso per la famiglia, camminava a piedi, appendendo le scarpe al collo, in modo che non si consumassero. Quindi mio padre dovette spendere soldi solo in colori e carta.
Il ragazzo era dotato. È diventato chiaro che la pittura era la sua vocazione. Dopo il college entrò all'Accademia di Belle Arti di Verona. Fu aiutato da una filantropa, la nobildonna Stefania Omboni, che sostenne molti giovani talenti dell'entroterra. Il corso in cui Fausto studiò può essere definito d'oro: molti degli studenti in seguito divennero artisti famosi.
Artista Zonaro: uno tra centinaia
Ricevono un'istruzione per poter lavorare più tardi. Non c'erano posti vacanti per un grande o eccezionale artista sui giornali e Zonaro aprì propria scuola disegno, partito da Verona per Venezia. Lui stesso ha scritto molto, cercando di trovare il suo proprio stile all'incrocio linee morbide Realismo italiano e impressionismo francese "sciatto".
Ho disegnato tutto quello che ho visto. Scene di genere provenienti da strade, officine e negozi; bambini, ragazze, ragazzi, uomini, donne, anziani; case, muri, canali, marciapiedi. Tali dipinti erano sparsi tra i turisti come torte calde e tutti gli artisti veneziani li hanno dipinti quasi con il metodo del trasportatore. Zonaro era una classe superiore alla maggior parte dei suoi colleghi, esponeva molto in patria e all'estero, riceveva recensioni favorevoli dalla critica, ma i turisti ancora non distinguevano le sue tele da dozzine di altri dipinti in vendita con gli stessi ragazzi, fioraie, negozianti e oziosi. giovani signore.
Nella sua scuola conobbe una ragazza di nome Elisabetta Pante. I giovani si innamorarono, si sposarono e andarono a Parigi: fu lì che Fausto conobbe il lavoro degli impressionisti. Eliza non è diventata un'artista, ma è diventata una brava fotografa.
Zonaro fu molto favorevole al duca Paolo Camerini, sia acquistando i suoi dipinti che realizzando grandi commissioni, ad esempio, per diversi paesaggi pastello per decorare il soggiorno. In generale, la capacità di Zonaro di dipingere paesaggi espressivi servì ai suoi discendenti. Riuscì a realizzare diversi dipinti raffiguranti Pendino, una delle zone più antiche e disagiate di Napoli, pochi anni prima che fosse demolita. In generale è andato tutto bene tanto che Zonaro resterà nella storia come uno dei tanti cantanti in Italia. Ma il caso di fronte all'ambasciatore russo in Turchia ha cambiato tutto.
Strade di Istanbul e Palazzo del Sultano
Nel 1892 Fausto si trasferì con la famiglia a Istanbul, sentendo che l'Italia stava diventando inasprita. A mia moglie e ai miei figli è piaciuto il nuovo posto e l'artista stesso è rinato. Come sempre, si innamorò subito delle strade della nuova città. Tela dopo tela si riempiva delle figure delle persone che compongono la vita di queste strade. Non c'erano molti artisti europei in Turchia, quindi quando l'ambasciatore russo Nelidov ebbe bisogno di ordinare un dipinto, si rivolse a Zonaro.
Il dipinto doveva essere un regalo al sultano Abdul Hamid. Su di esso, su richiesta del cliente, Zonaro raffigurò i cavalieri turchi che passavano lungo il ponte sotto gli sguardi ammirati dei cittadini. La tela piacque indicibilmente al Sultano e nel 1896 Zonaro fu invitato al posto di pittore di corte.
Successivamente, dopo il colpo di stato, Fausto sarà ricordato come l'artista dell'ultimo sultano di Turchia. Ma poi nulla sembrava presagire un triste destino per il Sultano, e Zonaro dipinse Abdul Hamid e la sua famiglia, catturando volti felici e fioriti. E, naturalmente, parallelamente dipinse strade, strade, strade, piene di uomini barbuti e donne con il velo. Nessuno ha fatto tanto quanto questo italiano per lasciare un ritratto della Turchia stessa all'inizio del secolo. Non c'è da stupirsi che i turchi lo adorino ancora.
