กุหลาบสีน้ำเงินและแจ็คออฟเพชร ภาพวาดรัสเซียตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ถึง 20: โลกแห่งศิลปะ - การรวมตัวของศิลปินชาวรัสเซีย บลูโรส. แจ็ค ออฟ ไดมอนด์. ตรงกันข้ามกับ "กุหลาบสีน้ำเงิน"

25.02.2019

"กุหลาบสีน้ำเงิน" และ "แจ็คออฟไดมอนด์"

"บลูโรส"

ที่ใหญ่ที่สุด การศึกษาศิลปะหลังจากที่ "โลกแห่งศิลปะ" และ "สหภาพศิลปินรัสเซีย" มาถึง "กุหลาบสีน้ำเงิน" ภายใต้ชื่อนี้ นิทรรศการจัดขึ้นในกรุงมอสโกในปี พ.ศ. 2450 โดยรวบรวมกลุ่มศิลปินรุ่นเยาว์ซึ่งเป็นนักเรียนล่าสุดของโรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมมอสโก - ผู้ติดตามของ Borisov-Musatov แม้ว่านิทรรศการนี้จะเป็นเพียงนิทรรศการเดียว แต่ก็เผยให้เห็นถึงความเหมือนกันของหลักการสร้างสรรค์ดั้งเดิมและ เทคนิคการมองเห็นปรมาจารย์ที่เป็นตัวแทนของมันซึ่งเป็นผู้ก่อตั้ง ทิศทางพิเศษในภาพวาดของรัสเซีย นิทรรศการ Blue Rose เป็นเพียงช่วงเวลาที่ผ่านไปในวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ แต่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญ มันเป็นช่วงเวลาแห่งความสับสนที่ครอบงำส่วนสำคัญของสังคมรัสเซียในบรรยากาศแห่งปฏิกิริยาหลังความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติ ซึ่งเป็นเวลาที่สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะด้วยความชัดเจนของเป้าหมาย ความไวที่เพิ่มขึ้นต่อเฉดสีและความแตกต่างของอารมณ์ที่คลุมเครือทำให้เกิดภาพที่ไม่มั่นคงและเข้าใจยาก ดึงดูดศิลปินให้ค้นหาภาพที่ประณีตและซับซ้อน ความสัมพันธ์ของสีจังหวะทำนองอันไพเราะของการตกแต่งและประดับที่ละเอียดอ่อน เอฟเฟกต์ที่ซับซ้อนของพื้นผิวภาพที่แวววาวด้าน

ตัวอย่างทั่วไปของภาพวาดประเภทนี้คือ "The Blue Fountain" (1905) ซึ่งเป็นภาพวาดในยุคแรกโดยหนึ่งในปรมาจารย์ชั้นนำของขบวนการ P.V. คุซเนตโซวา (2421-2511) วิวัฒนาการเพิ่มเติมของศิลปินคนนี้เป็นเรื่องปกติของศิลปินบลูโรสส่วนใหญ่ ประกอบด้วยการเอาชนะจิตวิทยาที่มีมากเกินไปในความปรารถนาที่จะกลับไปสู่ความเรียบง่ายดั้งเดิมของความรู้สึกของความเป็นจริง อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่วิธีการละทิ้งระบบภาพก่อนหน้านี้ แต่เป็นวิธีการดังกล่าว การพัฒนาเชิงตรรกะและการปรับปรุง นี่คือลักษณะที่ชุดภาพวาดที่อุทิศให้กับแม่น้ำโวลก้าและสเตปป์เอเชียกลางปรากฏขึ้น การไตร่ตรองถึงพื้นที่อันกว้างใหญ่ การสังเกตชีวิตที่วัดได้และเงียบสงบของชนเผ่าเร่ร่อนนำมาซึ่งการปลดปล่อยจากพลังของอารมณ์ที่คลุมเครือ และเปลี่ยนศิลปินจากสิ่งที่ยากจะเข้าใจไปสู่สิ่งที่มีอยู่ตลอดเวลา

"ภาพลวงตาในบริภาษ" (2455) - หนึ่งในมากที่สุด ผลงานที่สมบูรณ์แบบรอบนี้ ท้องฟ้าสูง เส้นขอบฟ้าอันเงียบสงบ โครงร่างอันนุ่มนวลของเต็นท์กระจัดกระจายอย่างอิสระในอวกาศ หลอมรวมกับพื้นดินและทำซ้ำโครงร่างของโดมสวรรค์ เรียบง่ายและ การเคลื่อนไหวเป็นจังหวะผู้คนกำลังตัดแกะเตรียมอาหารนอนหลับ - ทั้งหมดนี้ต้องขอบคุณบทกวีที่ละเอียดอ่อนอย่างน่าอัศจรรย์ความสอดคล้องของสีรูปร่างและรูปทรงทำให้เกิดภาพองค์รวมเชิงกวีของโลกซึ่งเวลาไม่มีอำนาจ เบื้องหน้าเราคือไอดีลปรมาจารย์ดึกดำบรรพ์ซึ่งเป็น "ยุคทอง" ความฝันแห่งความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติซึ่งเป็นจริงในความเป็นจริง

การวาดภาพบนผืนผ้าใบเหล่านี้มีพื้นฐานมาจากความแตกต่างอันละเอียดอ่อนของพื้นผิวที่มีสีสัน ซึ่งได้รับความสมบูรณ์และความดังของโทนสีที่ก่อนหน้านี้มีเมฆมากและมีหมอก รูปทรงที่มีชีวิตชีวาและยืดหยุ่นดูเหมือนจะมองเห็นได้ผ่านอากาศที่โปร่งใสซึ่งได้รับความร้อนจากดวงอาทิตย์ ด้วยเหตุนี้วัตถุต่างๆ จึงปรากฏบนผืนผ้าใบราวกับอยู่ในสถานะที่ถูกระงับ กลายเป็นจิตวิญญาณ และได้รับความไร้น้ำหนักที่มีมนต์ขลัง ดูเหมือนว่าภาพทั้งหมดจะเต็มไปด้วยจังหวะชีวิตเดียวราวกับว่าเป็นคลื่นแห่งความสุขอันไพเราะอย่างเงียบสงบเปลี่ยนภาพแห่งความเป็นจริงให้กลายเป็น "นิมิตแห่งสวรรค์" บทกวีที่ละเอียดอ่อนและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของภาพวาดผสมผสานกับจังหวะที่เคร่งขรึมของการแต่งเพลงอย่างสมดุลและสมมาตร

ธีมตะวันออกเข้าสู่งานของผู้เข้าร่วม "Blue Rose" อีกคนซึ่งเรียนที่โรงเรียนมอสโกร่วมกับ Kuznetsov, M.S. ซาร์ยัน (พ.ศ. 2423-2515) วิธีการวาดภาพของ Saryan ได้รับรูปแบบที่ประณีตในช่วงทศวรรษที่ 10 ของศตวรรษที่ 20 แรงบันดาลใจจากการเดินทางไปตุรกี อิหร่าน และอียิปต์ ศิลปินไม่ได้คัดลอกทุกสิ่งที่ตามองเห็นจากธรรมชาติ แต่แสวงหาภาพองค์รวมซึ่งเป็นสูตรที่มีสีสัน เช่นเดียวกับ Kuznetsov พื้นฐานของความหมายของผืนผ้าใบของเขาคือจุดสีและการจัดระเบียบการตกแต่งและตกแต่งของภาพบนเครื่องบิน ผลงานของซาร์ยัน เช่น “ถนนเที่ยง.

คอนสแตนติโนเปิล" (1910), "Woman Walking" (1911), "Date Palm" (1911) มีความโดดเด่นด้วยสิ่งที่เรียกได้ว่าเป็นพลวัตของการมองเห็น นี่ไม่ใช่การไตร่ตรองเป็นเวลานาน แต่เป็นการแก้ไขความสัมพันธ์ที่มีสีสันหลักอย่างรวดเร็ว การเปรียบเทียบที่ตัดกันอย่างชัดเจน

หากภาพวาดของ Kuznetsov เป็นเหมือนบทกวีที่หลั่งไหลออกมา ภาพวาดของ Saryan ก็เป็นคำพังเพยที่มีสีสันเกี่ยวกับสิ่งที่เขาเห็น Saryan ชอบแสงที่เข้มข้น สว่าง มีทิศทางแน่นอน ซ่อนเฉดสีและเผยให้เห็นความแตกต่าง กำหนดขอบเขตของแสงและความมืดอย่างชัดเจน ด้วยเหตุนี้ภาพวาดของเขาจึงมีลักษณะคล้ายคลึงกัน กราฟิกสีอย่างเช่นใน “Walking Woman” บางครั้งเผยให้เห็นความคล้ายคลึงกับงานปะปะ

ความเป็นจริงบนผืนผ้าใบของ Saryan ปรากฏควบแน่นเป็นอติพจน์หลากสีสัน จนไปถึงระดับของเสียงที่น่าสมเพช ต้นปาล์มของพระองค์วางอยู่กลางผืนผ้าใบ ยกใบขึ้นเหนือบ้านเรือนที่ทรุดโทรมอย่างภาคภูมิ คล้ายน้ำพุสีเขียวชอุ่ม พุ่งขึ้นมาจากลำต้นอย่างแรง ดูเหมือนจะเป็นตัวตนของพลังธาตุแห่งธรรมชาติอย่างแท้จริง “ต้นไม้แห่งชีวิต” ดังนั้นด้วยวิธีของเขาเอง Saryan จึงได้รวมเอาความเป็นจริงในชีวิตประจำวันให้กลายเป็นสัญลักษณ์บทกวีนิรันดร์ด้วยวิธีของเขาเอง

เป็นแนวทางการวาดภาพของรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 "กุหลาบสีน้ำเงิน" ใกล้เคียงกับบทกวีเชิงสัญลักษณ์มากที่สุด พื้นฐานของความใกล้ชิดนี้คือการมุ่งเน้นขั้นพื้นฐานในการเปลี่ยนแปลงภาพของความเป็นจริง เพื่อที่จะแยกความเป็นไปได้ของการรับรู้สิ่งต่าง ๆ และปรากฏการณ์ตามตัวอักษร ปลุกความพิเศษในตัวพวกเขา การเชื่อมต่อสูงและความหมาย

ใน ศิลปกรรมสิ่งนี้ส่งผลให้เกิดความหลงใหลในการเปลี่ยนแปลงทุกรูปแบบในทรงกลม การรับรู้ภาพ- ไปจนถึงการตัดเปอร์สเปคทีฟที่คมชัดและมุมที่ไม่คาดคิดซึ่งปรับเปลี่ยนรูปร่างของวัตถุ, ไปจนถึงการสะท้อนในน้ำ, บนกระจก, ในกระจก, ไปจนถึงการสั่นสะเทือนของแสงและอากาศที่ทำให้รูปทรงหายไป ฯลฯ

ในเวลานั้น โรงละครกลายเป็นขอบเขตที่มีประสิทธิภาพสูงสุดไม่เพียงแต่ด้านการมองเห็นเท่านั้น แต่ยังเป็นการเปลี่ยนแปลงความเป็นจริงที่เป็นสากลอีกด้วย เขาเป็นคนที่กลายเป็นพื้นที่ที่ภาพวาด "กุหลาบสีน้ำเงิน" และสัญลักษณ์มาบรรจบกันโดยตรง ที่สุด ตัวเลือกที่น่าสนใจบทสนทนาระหว่างภาพวาดและสัญลักษณ์ในโรงละครแสดงโดยผลงานของ N.N. ซาปูนอฟ (2423-2455)

ร่วมกับปรมาจารย์แห่ง Blue Rose อีกคน - S.Yu. Sudeikin (พ.ศ. 2425-2489) เขากลายเป็นผู้ออกแบบละครเชิงสัญลักษณ์คนแรกในรัสเซียโดย M. Maeterlinck (ที่ Moscow Art Theatre Studio บน Povarskaya, 1905) นี่คือจุดเริ่มต้นของการทำงานร่วมกันของ Sapunov กับ Vs Meyerhold - ในการผลิตของ Hedda Gabler ของ Ibsen และ Blok's Showcase

ในทางกลับกัน “ความมหัศจรรย์ของโรงละคร” ซึ่งทำให้คนเราสัมผัสประสบการณ์ที่ประดิษฐ์ขึ้นมา สมมติขึ้น และน่าอัศจรรย์เสมือนเป็นของแท้และมีชีวิต ได้ถูกถ่ายทอดโดย Sapunov ไปยัง การวาดภาพขาตั้ง. ก็เป็นเช่นนี้แล ทั้งกลุ่มผลงานที่เขียน "เกี่ยวกับ" ผลงานละครที่เกี่ยวข้อง

ศิลปินโรแมนติกผู้โดดเดี่ยวในโลกที่สร้างขึ้นด้วยจินตนาการเริ่มเข้าใจผิดว่าการสร้างสรรค์จินตนาการของเขาเองนั้นเป็นจริง มีการเปลี่ยนแปลงเชิงสัญลักษณ์” โลกมหัศจรรย์"สู่ "บูธ" - สิ่งเหล่านี้คือ "วิทยานิพนธ์" และ "สิ่งที่ตรงกันข้าม" ของสัญลักษณ์ซึ่ง Blok สังเกตในปี 1910 และก่อนหน้านี้ในปี 1906 ซึ่งกลายเป็นหัวข้อหลัก ละครโคลงสั้น ๆ"Balaganchik" ซึ่งออกแบบโดย Sapunov ตั้งแต่วินาทีแรกที่เขาทำงานเกี่ยวกับการแสดงนี้ องค์ประกอบของงานหวือหวาในงานแสดงสินค้า รูปแบบการพิมพ์ยอดนิยม และความพิสดารก็ปรากฏอยู่ในงานของ Sapunov อยู่ตลอดเวลา กระแสเหล่านี้มาถึงจุดสูงสุดในภาพวาด "The Tea Party" ที่ยังเขียนไม่เสร็จ (1912)

“แจ๊คเพชร”

ชายแดน 2453-2454 โดดเด่นจากการปรากฏตัวในสนามประลอง ชีวิตศิลปะกลุ่มใหม่ภายใต้ชื่อเร้าใจ "แจ็ค ออฟ ไดมอนด์" แกนกลางถาวรของสังคมซึ่งมีอยู่จริงจนถึงปี 1916 ประกอบด้วยศิลปิน P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, A. Kuprin, R. Falk ซึ่งต่อมากลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง ศิลปะโซเวียต. “ The Jack of Diamonds” ซึ่งมีกฎบัตร นิทรรศการ และคอลเลกชันบทความของตัวเอง กลายเป็นเทรนด์ใหม่ที่มีอิทธิพลในงานศิลปะรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20

อิมเพรสชั่นนิสม์ในการดัดแปลงทั้งหมดเป็นทั้งจุดเริ่มต้นของการพัฒนาทางศิลปะและ วิธีการสร้างสรรค์ในการเอาชนะสิ่งที่ศิลปิน “Jack of Diamonds” มองเห็นภารกิจหลักของพวกเขา ตั้งแต่แรกเริ่มพวกเขาทำหน้าที่เป็นคู่ต่อสู้ที่ดุเดือดของงานศิลปะรุ่นก่อน ๆ - โวหารของ "โลกแห่งศิลปะ" จิตวิทยาที่ซับซ้อนของภาพวาด "The Blue Rose" ถูกปฏิเสธออกจากประตู ที่เป็นหัวใจสำคัญของความไม่พอใจของศิลปินรุ่นเยาว์ต่อสถานการณ์ใน ศิลปะร่วมสมัยมีแรงจูงใจทางสังคม - วิกฤตของลัทธิซาร์ในรัสเซียซึ่งแสดงออกมาด้วยพลังพิเศษในช่วงการปฏิวัติปี 2448-2550 และปีแห่งปฏิกิริยาที่ตามมา (พ.ศ. 2450 - 2453) ความไม่พอใจต่อยุค "สนธยา" นี้แสดงออกในการปฏิเสธทุกสิ่งที่คลุมเครือ ลึกลับ และไม่ได้กล่าวถึงในงานศิลปะ

ตรงกันข้ามกับภาพวาดสัญลักษณ์ของ "กุหลาบสีน้ำเงิน" ศิลปินของ "Jack of Diamonds" พยายามแสดงการเคลื่อนไหวที่รุนแรงที่สุดจากการมุ่งเน้นไปที่ความรู้สึกส่วนตัวที่ไม่ชัดเจนไปจนถึงการได้รับความมั่นคง ภาพที่เห็น, เสียงที่สมบูรณ์ของสีไปจนถึงตรรกะเชิงสร้างสรรค์ของการสร้างภาพ การยืนยันเรื่องและความเที่ยงธรรมซึ่งตรงข้ามกับมิติเชิงพื้นที่ถือเป็นหลักการเริ่มแรกของงานศิลปะของพวกเขา

ในเรื่องนี้การวาดภาพวัตถุ - หุ่นนิ่ง - มาเป็นแนวหน้า งานโต้เถียงในการวาดภาพ "Jack of Diamonds" พบว่ามีรูปลักษณ์ที่ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานของหนึ่งในผู้ก่อตั้งกลุ่ม I.I. มาชโควา (2424 - 2487) “ Blue Plums” ของเขา (1910) ถือได้ว่าเป็นสโลแกนสำหรับทิศทางนี้ ภาพของผลไม้ที่จัดเรียงในองค์ประกอบการตกแต่งแบบคงที่ดูเหมือนจะแข็งตัวไปครึ่งหนึ่งจากวัตถุดิบของสีของจานสีไปจนถึงสีที่แท้จริงของธรรมชาติ ศิลปินเปรียบเทียบงานของเขากับงานของช่างฝีมือที่ทำสิ่งต่างๆ ใน ในกรณีนี้สิ่งนั้นก็คือภาพวาดนั่นเอง ศิลปินนำภาพวาดเข้าใกล้ศิลปะพื้นบ้านมากขึ้นด้วยความรู้สึกโดยธรรมชาติของแหล่งข้อมูล

ในความเปลือยเปล่าของกระบวนการสร้างภาพวาดและในความอิ่มเอมใจของเสียงที่มีสีสัน Mashkov ดูเหมือนจะกำหนดหลักการเริ่มต้นของศิลปะพื้นบ้าน: การผสมผสานระหว่างสองด้านของชีวิตชาวบ้าน - แรงงานและการเฉลิมฉลอง

เช่นเดียวกับใน "Blue Plums" ของ Mashkov ซึ่งได้รับการอนุมัติโดย "Jack of Diamonds" แนวทางใหม่สู่การพัฒนาธรรมชาติโดยพี.พี. Konchalovsky (2419-2499) ใน "ภาพเหมือนของ G. Yakulov" (2453) ศิลปินแนะนำชีวิตหุ่นนิ่งโดยเสริมหลักการในพื้นที่ดั้งเดิมของการครอบงำงานทางจิตวิทยา พระองค์ทรงกำจัดทุกสิ่งที่เป็นเพียงชั่วคราว สถานะภายในบุคคลที่เน้นทุกสิ่งที่ประกอบขึ้นอย่างมั่นคงสดใสในความหมายที่เหมาะสมของคำสัญญาณที่งดงามของรูปลักษณ์ภายนอกของแต่ละบุคคล ที่นี่เรากำลังจัดการกับระบบการลดความซับซ้อนเฉพาะที่มีอยู่ พิมพ์ยอดนิยม, ของเล่น, ป้าย. ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บางครั้งคำวิจารณ์ได้กำหนดสไตล์การวาดภาพของ "Jack of Diamonds" โดยรวมว่าเป็น "สไตล์สัญลักษณ์" คำวิจารณ์เดียวกันนี้ได้กล่าวถึงความเชื่อมโยงโดยตรงของจิตรกรมอสโกรุ่นใหม่กับศิลปะร่วมสมัยซ้ำแล้วซ้ำเล่า ภาพวาดฝรั่งเศสซึ่งย้อนกลับไปถึงต้นกำเนิดของ Cezanne อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของ Cezanne ถูกรับรู้โดย "Jack of Diamonds" ผ่าน ตัวเลือกการตกแต่งลัทธิเซซาน ซึ่งแสดงโดยกลุ่มโฟวิสต์ โดยเฉพาะมาติส

ลัทธิการตกแต่งซึ่งในตอนแรกครอบงำในหมู่ศิลปินของ "Jack of Diamonds" แยกออกจากภาพวาดของ Cezanne ในจุดที่สำคัญมากจุดหนึ่ง: ในความรู้สึกที่อ่อนแอของประติมากรรมในรูปแบบ ความประทับใจในสาระสำคัญของวัตถุซึ่งศิลปินพยายามทำให้สำเร็จในผลงานชิ้นแรกของพวกเขาไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจากการสร้างรูปทรงเชิงประติมากรรมและปริมาตร แต่เนื่องมาจากพื้นผิวที่หนาแน่นในขณะที่พื้นที่ดูตกแต่งกระจายออกไปและ บ่อยครั้งด้วยเหตุนี้จึงไม่มีรูปร่าง ในการเอาชนะข้อบกพร่องนี้ บทบาทที่มีชื่อเสียงรับบทโดยลัทธิคิวบิสม์ - การเคลื่อนไหวของการวาดภาพที่พบแรงจูงใจทางทฤษฎีสำหรับการทดลองตามคำแนะนำที่เซซานน์เคยให้ไว้ในการสร้าง การวิเคราะห์ทางจิตรูปร่างที่ซับซ้อนโดยทำให้เข้าใกล้การกำหนดค่าทางเรขาคณิตขั้นพื้นฐานมากขึ้น - ลูกบาศก์ กรวย และทรงกลม ปรมาจารย์แห่ง “แจ็คแห่งเพชร” ก็ใช้เทคนิคที่คล้ายกัน ดังนั้น "Agave" ของ Konchalovsky (1916) จึงเป็นอีกรูปแบบหนึ่งของการหลอมรวมประสบการณ์ของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โดยข้ามรูปแบบสุดขั้วของการแบ่งรูปแบบตามแผนผัง ศิลปินมองเห็นวิธีวิเคราะห์ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ในลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม พื้นที่ของภาพถูกมองว่าเป็นวัตถุบางอย่าง ซึ่งวัตถุที่ปรากฎนั้นตกผลึกด้วยความพยายาม รูปแบบที่ดูเหมือนจะแตกหัก บิดเบี้ยว ด้วยความพยายามในการพิชิตสภาพแวดล้อมที่อยู่อาศัยที่จำเป็นสำหรับตัวมันเอง สิ่งต่าง ๆ ถูกนำเข้าสู่พื้นที่รอบตัวพวกเขาอย่างแข็งขันราวกับว่ากำลังเอาชนะการต่อต้านของมัน จึงเป็นที่มาของความประทับใจในละคร สิ่งต่าง ๆ ดูเหมือนจะยืนหยัดอยู่เหนือสถานที่ที่ถูกยึดครอง ดูเหมือนจะไม่ตกอยู่ในมือง่าย ๆ เป็นศัตรูกับมนุษย์, ห่างเหินจากเขา

ประเภทของหุ่นนิ่งสามารถถ่ายทอดเนื้อหาใหม่ๆ สอดคล้องกับความทันสมัยพร้อมความขัดแย้งและความรู้สึกถึงการเปลี่ยนแปลงที่กำลังจะเกิดขึ้น ในภาพวาด "Jack of Diamonds" หุ่นนิ่งกลับคืนสู่ความสำคัญของศิลปะชั้นสูง

การเคลื่อนไหวด้านการวาดภาพอีกรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในอิตาลีในปีเดียวกันนั้น ควบคู่ไปกับลัทธิคิวบิสม์ กลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของสไตล์การมองเห็นของ "Jack of Diamonds" ในช่วงกลางทศวรรษที่ 10 ประกาศจังหวะอุตสาหกรรมแห่งยุคเป็นภาษาที่แท้จริงแห่งอนาคต การปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีจำเป็นต้องมีการนำจังหวะเหล่านี้มาใช้ในการออกแบบ งานศิลปะ. เทคนิคหนึ่งของเขาคือการ “ตัดต่อ” วัตถุหรือส่วนของวัตถุโดยถ่ายราวกับว่าเป็น เวลาที่แตกต่างกันและจากจุดชมวิวต่างๆ การเคลื่อนไหวของวัตถุเช่น ผู้ดูถูกถ่ายโอนไปยังวัตถุที่เต็มไปด้วยไดนามิกที่เกิดขึ้นเองและความสามารถในการสร้างการดัดแปลงที่แปลกประหลาด เราเห็นผลกระทบนี้เมื่อรวมกับ "การเปลี่ยนแปลง" ลูกบาศก์ของรูปแบบและการแบ่งชั้นของแผนเชิงพื้นที่ในภาพวาดตกแต่งและแผงของ A.V. Lentulov (2425-2486) "เซนต์โหระพา" (2456) และ "เสียงกริ่ง" (2458)

พื้นผิวของภาพคิดว่าเป็นสิ่งที่สั่นสะเทือนและแตกออกโดยผู้มีอำนาจ คลื่นเสียงกระจกที่สะท้อนสถาปัตยกรรมมอสโกอันมีสีสัน มีการประชดในทัศนคติของศิลปินชาวรัสเซียต่อเทคนิคของศิลปะยุโรปตะวันตกสมัยใหม่ ใน Lentulov มันสะท้อนให้เห็นเช่นในการถ่ายทอดเทคนิคแห่งอนาคตที่มีจุดประสงค์เพื่อแสดงจังหวะ ยุคอุตสาหกรรมสู่วัตถุที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงในสาระสำคัญ - สถาปัตยกรรมปรมาจารย์โบราณ จากการผสมผสานที่ขัดแย้งกันของความทันสมัยนี้ ภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างด้วยภาพของสมัยโบราณของมอสโกทำให้เกิดเอฟเฟกต์ทางศิลปะที่สดใสอย่างไม่คาดคิด - สถาปัตยกรรมโบราณราวกับตื่นเต้นกับการบุกรุกของจังหวะอุตสาหกรรมที่ถูกดึงเข้าสู่วงโคจรของการรับรู้ คนทันสมัยรู้สึกถึงตัวเองและทุกสิ่งรอบตัวเขาเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง

ผลงานของตัวแทนอีกคนหนึ่งของ "Jack of Diamonds" R.R. Falk (1886 - 1958) ไม่ได้โดดเด่นด้วยขอบเขตการตกแต่งของผืนผ้าใบของ Lentulov หรือสีที่โหดร้ายและสาระสำคัญของภาพวาดของ Mashkov เนื้อเพลงโดยโกดัง อารมณ์ที่สร้างสรรค์ฟอล์กหลีกเลี่ยงการทำให้รูปแบบหยาบโดยเจตนา พยายามทำให้พื้นผิวของภาพดูละเอียดขึ้น และได้สีสันที่กลมกลืนกันอย่างวิจิตรงดงาม ภาพวาดของฟอล์กเต็มไปด้วยบรรยากาศแห่งสมาธิและความเงียบงันทางจิตวิญญาณ โดดเด่นด้วยจิตวิทยาที่แปลกประหลาด และกอปรด้วยความสามารถในการสร้างเฉดสีอารมณ์ที่ละเอียดอ่อน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาพบุคคลจะมีบทบาทสำคัญในผลงานของเขา หนึ่งใน ภาพวาดที่ดีที่สุดงานก่อนการปฏิวัติของ Falk - "ที่เปียโน ภาพเหมือนของ E.S. Potekhina-Falk" (1917) สไตล์ที่ใกล้เคียงกับภาพวาดของ Falk คือผลงานของ A. Kuprin และ V. Rozhdestvensky ศิลปินของ "Jack of Diamonds" ซึ่งทำงานส่วนใหญ่เป็นประเภทหุ่นนิ่ง

การกบฏถาวรแบบหนึ่งเป็นลักษณะงานของหนึ่งในผู้จัดงาน "Jack of Diamonds" M.F. ลาริโอนอฟ (2424 - 2507) ในปี 1911 เขาเลิกกับกลุ่มนี้และกลายเป็นผู้จัดนิทรรศการใหม่ภายใต้ชื่อที่น่าตกใจ "หางของ Donkey" และ "เป้าหมาย" ในงานของ Larionov แนวโน้มดั้งเดิมของศิลปะของ "Jack of Diamonds" ที่เกี่ยวข้องกับการดูดซึมพบว่ามีการพัฒนาที่สอดคล้องกันมากที่สุด ศิลปะมืออาชีพรูปแบบของป้าย, ภาพพิมพ์ยอดนิยม, ของเล่นพื้นบ้าน, ภาพวาดของเด็ก. ตรงกันข้ามกับศิลปินส่วนใหญ่ในยุค 10 Larionov ปกป้องสิทธิ์อย่างต่อเนื่อง จิตรกรรมประเภทโดยไม่ละทิ้งเรื่องราวการเล่าเรื่องในภาพยนตร์ แต่ชีวิตในแนวของ Larionov นั้นเป็นชีวิต "ดั้งเดิม" ที่พิเศษของถนนในต่างจังหวัด ร้านกาแฟ ช่างทำผม ค่ายทหาร

ผลงานทั่วไปชิ้นหนึ่งของ Larionov คือภาพวาด "The Resting Soldier" (1911) ลักษณะที่แปลกประหลาดและเกินจริงของท่าทางของเด็กที่มีสุขภาพดี ดื่มด่ำกับความรอบคอบด้วยการปัดแก้มให้ทั่วแก้ม ได้รับแรงบันดาลใจจากความไร้เดียงสาในการวาดภาพของเด็กอย่างไม่ต้องสงสัย ในเวลาเดียวกัน ธรรมชาติของภาพขนาดใหญ่และระยะเวลาที่ถ่ายทอดอย่างชำนาญของการเอนกายอย่างเกียจคร้านต่อหน้าผู้ชม เปลี่ยนภาพให้กลายเป็นภาพล้อเลียนอย่างละเอียด ภาพพิธีการ. แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ใช่เงาของการเยาะเย้ย ทัศนคติของศิลปินต่อโมเดลนี้ดูเหมือนเป็น "ความรักประชด" หากศิลปินของ "Jack of Diamonds" โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ชอบจานสีที่สดใสและคอนทราสต์ของสีที่เข้มข้น ตามกฎแล้ว Larionov จะหันไปหาวัตถุที่ธรรมดาและหยาบ หมองคล้ำและไม่มีสี ปลูกฝังเฉดสีที่คล้ายคลึงกันเพื่อให้ได้สีเงินอันงดงามและสีที่กลมกลืนกัน ใกล้กับผลงานของศิลปินคนนี้คือภาพวาดของสหายคงที่ของ Larionov และคนที่มีใจเดียวกันในภารกิจของเขา N.S. กอนชาโรวา (2424 - 2505) ในภาพวาด "Washing the Canvas" (1910) ร่างของผู้หญิงสองคนบนพื้นหลังของภูมิทัศน์หมู่บ้านที่ทาสียอดนิยม นั่งยองๆ ด้วยเท้าที่หนักหน่วงถูกวาดด้วยความเห็นอกเห็นใจที่สัมผัสได้อย่างไร้เดียงสาต่อภาพ ซึ่งทำให้ภาพวาดของเด็ก ๆ แตกต่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเด็กจำลองวัตถุและสถานการณ์ที่คุ้นเคยและเป็นที่รู้จัก ที่นี่เราไม่ได้จัดการกับการใช้ชีวิตของคนทั่วไปที่มีความสวยงามและสนุกสนานอีกต่อไป ดังเช่นใน Kustodiev's อีกต่อไป แต่ด้วยความพยายามผ่านศิลปะดึกดำบรรพ์ เพื่อค้นหาทางออกจากเขาวงกตของจิตวิทยาและการเก็งกำไรสมัยใหม่ เพื่อค้นหาสิ่งที่สูญหาย แหล่งที่มาของมุมมองที่ไร้เดียงสาและองค์รวมของโลก

แนวโน้มเดียวกันนี้ปรากฏในรูปแบบที่แตกต่างกันเล็กน้อยในงานศิลปะของ M.3 ชากาล (2430-2528) Chagall ผสมผสานการดูแลอย่างใกล้ชิดอย่างไม่ธรรมดาในการสร้างรายละเอียดที่ธรรมดาที่สุดของชีวิตในเมืองเล็กๆ ในต่างจังหวัด ซึ่งเปลี่ยนโฉมด้วยสีรุ้งที่เปล่งประกายของจานสีที่เผ็ดร้อนและเขียวชอุ่ม ลวดลายในเทพนิยายเที่ยวบินที่ยอดเยี่ยม สัญญาณท้องฟ้า ฯลฯ ทั้งหมดนี้เปรียบเสมือนจินตนาการของนิยายโรแมนติกที่ผสมผสานความประเสริฐและพื้นฐานอย่างแปลกประหลาดชวนให้นึกถึงความทรงจำของ เรื่องราวโรแมนติกโกกอล.

ผลงานก่อนการปฏิวัติของจิตรกรดั้งเดิมที่สุด P.N. เข้ามาสัมผัสกับแนวดึกดำบรรพ์ในศิลปะรัสเซีย ฟิโลนอฟ (2426-2484) เขาเข้าใจลัทธิดึกดำบรรพ์ยุคใหม่ว่าเป็นวิธีการ "การสร้างแบบจำลอง" ในการวาดภาพองค์รวมของโลกซึ่งเป็นโลกทัศน์ประเภทหนึ่งที่ให้ประสบการณ์การมองเห็นสมัยใหม่แก่ความคิดเกี่ยวกับตำนานทางวัฒนธรรมของมนุษยชาติ สำหรับศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 นี่เป็นวิธีในการระลึกถึงสิ่งที่ก่อให้เกิดอีกด้านหนึ่งของอารยธรรมเครื่องจักร สิ่งที่ผลักดันไปสู่ความสนใจของสาธารณชน ได้แก่ ธรรมชาติและทั่วไปในมนุษย์ เกี่ยวกับ "ส่วนหนึ่ง" ของมนุษย์นั้น ซึ่งเขาหลอมรวมกับธรรมชาติด้วยพลังแห่งความมืดอันเฉื่อยชาอย่างไม่ยืดหยุ่นและลึกลับ "สัมผัส" ซึ่งเป็นเนื้อหาสำคัญของชีวิตการทำงานโดยเฉพาะชีวิตชาวนา ดังนั้นใน "Cowshells" ของ Filonov (1914) ทุกอย่างจึงเข้ากันได้ราวกับอยู่ในความวุ่นวาย ไวยากรณ์ที่ยากของวลีภาพเชิญชวนให้ผู้ชมค้นหาความหมายและความสอดคล้องในการผสมผสานรูปแบบวัตถุประสงค์และตัวเลขตามเส้นทางการเดาจดจำวงแหวนนั้นเป็นกลุ่ม หน่วยความจำของมนุษย์ซึ่งสามารถระบุกุญแจในการเข้ารหัสรูปภาพนี้ได้ แต่ทิศทางของการค้นหาเหล่านี้ถูกกำหนดโดยรูปภาพซึ่งนำไปสู่พื้นที่แห่งตำนานธรรมชาติยุคแรกเริ่ม

ความสัมพันธ์ปกติระหว่างส่วนบนและส่วนล่างกลับกันที่นี่: บ้านของเล่นถูกมองว่ามองเห็นได้ในระยะไกลจากด้านบน ดังนั้นร่างของสัตว์และโรงโคจึง "แขวน" ในท้องฟ้าอันมืดมิดเหนือโลก และถูกร่างไว้ในรูปแบบซูมมอร์ฟิกและมานุษยวิทยา รูปแบบที่มีการประมาณเชิงมุมที่ขัดแย้งกันอย่างแม่นยำซึ่งพวกมันถูกร่างไว้โดยดูที่รูปนักษัตรในลานตาของกลุ่มดาวในท้องฟ้ายามค่ำคืน ฉากทางโลกล้วนๆ แสดงให้เห็นเป็นเรื่องราวก่อนประวัติศาสตร์ในตำนานที่เกิดขึ้นในสวรรค์ แต่สวรรค์นี้ในขณะเดียวกันก็มีบางสิ่งบางอย่างดึกดำบรรพ์ที่หนาแน่น ชวนให้นึกถึงการมีส่วนร่วมดั้งเดิมของมนุษย์ในโลกของสัตว์ ในช่วงเวลานั้นและสภาวะจิตสำนึกนั้นเมื่อเทพผู้สูงสุด ของสวรรค์ปรากฏอยู่ในรูป "วัวสวรรค์" และงานปรับปรุงพันธุ์โคเป็นพิธีกรรมศักดิ์สิทธิ์ "บริการจากสวรรค์" นี่คือชีวิตที่มองจากส่วนลึกอันมืดมนของความทรงจำของบรรพบุรุษ “ เพื่อสร้างมนุษย์ที่ไม่มีตัวตน” - สูตร Blok นี้สามารถกำหนดวิธีการและในเวลาเดียวกันแก่นของงานศิลปะของ Filonov ซึ่งสร้างขึ้นใหม่ในรูปแบบ "อักษรอียิปต์โบราณ" ที่คุ้นเคยกับศิลปะรัสเซียซึ่งเป็นเส้นทางกระบวนการขั้นตอนของการทำให้เป็นมนุษย์ของผู้ไม่มีตัวตน -เป็นธรรมชาติเข้าสู่จิตวิญญาณของมนุษย์

ลักษณะเชิงเปรียบเทียบเฉพาะของภาษาที่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งมีต้นกำเนิดเป็นสัญลักษณ์ แยกการรับรู้ออกเป็นสองส่วน แบบฟอร์มที่มองเห็นได้และคุณสมบัติของโลกวัตถุประสงค์ระหว่างทางตรงและทางตรง ความหมายเป็นรูปเป็นร่าง. ดังนั้น "ความมืด" ในภาพวาดก่อนการปฏิวัติของ Filonov จึงเป็นทั้งกลางคืนและ "ความมืด" ที่เป็นอภิปรัชญา "ความมืด" ยุคก่อนประวัติศาสตร์; ร่างหมอบดั้งเดิมนั้นทั้งใหญ่โตและไม่มีตัวตน แสงและสีถูกหลอมรวมเป็นสีอ่อนคุณภาพเดียวซึ่งชวนให้นึกถึงผลกระทบของกระจกสี ตัวเลขเหล่านี้ชวนให้นึกถึงไอดอลในยุคดึกดำบรรพ์พอๆ กับ "ไคเมรา" ในยุคกลาง คุณสมบัติหลายประการของระบบภาพของ Filonov รวมถึงวิธีการสร้าง "ทัศนคติใหม่ต่อความเป็นจริงโดยการแก้ไขโลกทัศน์ที่ถูกลืม" มีต้นแบบที่ใกล้เคียงที่สุดในงานศิลปะของ Vrubel

แนวโน้มของศิลปินในยุค 10 ที่จะทดลองเพื่อแยกแยะความประทับใจทางศิลปะแบบองค์รวมให้กลายเป็นผลรวมของอิทธิพลเบื้องต้นเพื่อความคุ้นเคยกับหลักการเบื้องต้น การแสดงออกทางศิลปะนำไปสู่การแยกพื้นที่ของการสร้างรูปแบบนี้ออกเป็นขอบเขตของศิลปะที่เป็นอิสระ ในปี 1913 Larionov ตีพิมพ์หนังสือของเขาเรื่อง Rayism ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานศิลปะนามธรรมชิ้นแรก อย่างไรก็ตามผู้นำที่แท้จริง - นักทฤษฎีและผู้ปฏิบัติงานด้านศิลปะนามธรรมในรัสเซียคือ V.V. Kandinsky (2409-2487) และ K.S. มาเลวิช (2421-2478)

ตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง จิตรกรรมนามธรรมพัฒนาในสองทิศทาง: สำหรับ Kandinsky มันเป็นการเล่นจุดสีที่เกิดขึ้นเองและไม่มีเหตุผลสำหรับ Malevich มันเป็นลักษณะของโครงสร้างทางคณิตศาสตร์ที่มีเหตุผลและมีเหตุผลที่ได้รับการตรวจสอบทางคณิตศาสตร์ ศิลปะนามธรรมที่อ้างว่าอยู่ภายใน การปฏิบัติทางศิลปะราวกับว่าเป็นทฤษฎีที่รวบรวมหลักการพื้นฐานของการวาดภาพโดยทั่วไป งานจิตรกรรมลดลงเหลือเพียงการศึกษาการผสมผสานที่เป็นไปได้ขององค์ประกอบหลัก - เส้นสีรูปร่าง

หากศิลปะนามธรรมของ Malevich และ Kandinsky เริ่มแรกพัฒนาเฉพาะในการวาดภาพขาตั้งเท่านั้นจากนั้นในผลงานของ V.E. Tatlin (พ.ศ. 2428-2496) องค์ประกอบอีกประการหนึ่งของการวาดภาพ - พื้นผิว - กลายเป็นเป้าหมายของการทดลองเชิงนามธรรม Tatlin เปลี่ยนคุณสมบัติการสัมผัสที่เป็นของวัสดุชนิดเดียวในการทาสี - สี - ให้เป็นการผสมผสานของพื้นผิว วัสดุต่างๆ- ดีบุก ไม้ แก้ว เปลี่ยนระนาบภาพให้กลายเป็นรูปลักษณ์ของประติมากรรมนูน ในสิ่งที่เรียกว่าการบรรเทาทุกข์ของ Tatlin "วีรบุรุษ" ไม่ใช่วัตถุจริง แต่เป็นประเภทพื้นผิวที่เป็นนามธรรม - หยาบ, เปราะบาง, หนืด, อ่อนนุ่ม, เป็นประกาย - เข้าสู่การมีปฏิสัมพันธ์ซึ่งกันและกัน ความสัมพันธ์ที่ยากลำบากโดยไม่มีการไกล่เกลี่ยเรื่องภาพใดเรื่องหนึ่งโดยเฉพาะ

ในสถาปัตยกรรม เราต้องเผชิญกับความสามารถของศิลปะในการแสดงออกโดยไม่ต้องพรรณนา โดยผ่านการเลียนแบบ "ข้อเท็จจริงของชีวิต" คุณสมบัติของพื้นผิวภาพในฐานะสนามสถาปัตยกรรมมีความเป็นไปได้ในการแสดงออกซึ่งไม่ได้ให้ไว้ แต่ให้กับภาพ เช่นเดียวกับที่กฎแรงโน้มถ่วงให้กับการเคลื่อนไหวของร่างกาย หรือกำหนดจังหวะ ขนาด และลำดับของคำคล้องจอง กลอน. การศึกษาความเป็นไปได้เหล่านี้เป็นการทดลองที่ดำเนินการโดยศิลปะนามธรรม บนเส้นทางสู่หลักการเบื้องต้นนี้ อิทธิพลทางศิลปะที่ซ่อนอยู่ในโครงสร้างของความทรงจำของมนุษย์ ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ย่อมต้องพบกับโลกศิลปะที่กฎแห่งการแสดงออกอันเป็นที่ต้องการเคยได้รับการตระหนักรู้ในความสมบูรณ์ของหลักการแล้ว สิ่งใหม่มอบมือให้กับคนเก่าที่ถูกลืม - และปรมาจารย์เกือบทั้งหมดของสิ่งที่เรียกว่าเปรี้ยวจี๊ดในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ได้ผ่านการติดต่อดังกล่าว

ในหมู่พวกเขา สถานที่ที่โดดเด่นเป็นของ K. S. Petrov-Vodkin (1878 - 1939) เส้นทางอันยาวนานของการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ผู้นี้ซึ่งเต็มไปด้วยการค้นหาที่ซับซ้อนสิ้นสุดลงด้วยการสร้างสรรค์ภาพวาด "The Bathing of the Red Horse" ในปี 1912 งานนี้มีความสำคัญไม่เพียงแต่สำหรับเนื้อหาภายในเท่านั้น แต่ยังเป็นเพราะเน้นไปที่ประเด็นเร่งด่วนทางศิลปะของต้นศตวรรษที่ 20 มันฟังดูเหมือนการโทรและคำถามและสาเหตุหลักมาจากความเฉียบคมและการแสดงออกของรูปแบบการสร้างใหม่และการเปลี่ยนแปลงภาพของความเป็นจริงซึ่งศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ต่อสู้อย่างเจ็บปวดอย่างเจ็บปวดได้เกิดขึ้นที่นี่ผ่านการเรียนรู้บทเรียน ภาพวาดรัสเซียโบราณ. งานนี้ประกาศความต่อเนื่องโดยตรงด้วยการวาดภาพไอคอน ทำให้นึกถึงเรื่อง "The Rape of Europe" โดย Serov ซึ่ง Petrov-Vodkin เรียนที่โรงเรียนมอสโกด้วย ภาพของนักขี่ม้าบนหลังม้าที่เปลี่ยนความคิดไปสู่ความคิดของชาวบ้านในการเคลื่อนไหวที่เยือกแข็งอย่างไม่มีข้อยุติทำให้เกิดคำถาม สีสันรื่นเริงแห่งเทศกาลและความง่วงนอนจังหวะของเส้นที่น่าหลงใหล ม้าทรงพลัง และเด็กวัยรุ่นแช่แข็งอยู่ในความคิดที่คลุมเครือ ปล่อยสายบังเหียนอย่างอิดโรย ยอมจำนนต่อพลังแห่งพลังที่ดึงเขาไปสู่จุดหมายปลายทางที่ไม่รู้จัก ความทรงจำในอดีตและลางสังหรณ์ที่คลุมเครือของอนาคต - การรวมกันขององค์ประกอบที่ตรงกันข้ามนี้เป็นสัญลักษณ์ในธรรมชาติภายใน โครงสร้าง ด้วยเหตุนี้ คนรุ่นราวคราวเดียวกันจึงมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของช่วงเวลาที่กำลังประสบอยู่

Petrov-Vodkin หันไปใช้ภาพอย่างสม่ำเสมอยิ่งขึ้น ศิลปะรัสเซียโบราณในงานเช่น "Mother", "Girls on the Volga" (1915), "Morning. Bathers" (1917) ที่นี่คุณสามารถได้ยินเสียงสะท้อนของภาพสัญลักษณ์ - ในการเคลื่อนไหวที่บันทึกไว้ในการดื่มด่ำกับตัวละครในการไตร่ตรองซึ่งนางเอกของภาพวาดเหล่านี้ตื้นตันใจ ในผลงานของ Petrov-Vodkin ความสำคัญของ ภาพนิรันดร์และหัวข้อ: การนอนหลับและการตื่นขึ้น ช่วงอายุของชีวิต - วัยรุ่น เยาวชน ความเป็นแม่ วงจรชีวิตระหว่างการเกิดและการตาย - นั่นคือช่วงของหัวข้อเหล่านี้ ในการตีความ ชนิดนี้ดังนั้นทุกยุคใหม่จึงแสดงออกถึงความเป็นมัน การแสดงในอุดมคติเกี่ยวกับสถานที่ของมนุษย์ในจักรวาลทั้งหมด ในโลกศิลปะ พวกเขามีบทบาทเป็นสากลของระเบียบปรัชญา ซึ่งอยู่เหนือความแปรปรวนของความเป็นจริงที่ลื่นไหล ดังนั้น ในระบบภาพของ Petrov-Vodkin คุณสมบัติทั้งหมดของโลกที่ต้องสังเกตมีแนวโน้มที่จะอยู่ในสภาวะสูงสุดและสมบูรณ์: สีจะไหลไปสู่ความบริสุทธิ์ทางสเปกตรัม ปราศจากความผันผวนของชั้นบรรยากาศ แสงมีลักษณะเป็น "แสงแดดนิรันดร์" บนดวงดาว ขอบฟ้า เส้นสร้างความโค้งของพื้นผิวดาวเคราะห์ของโลกตามหลักการของสิ่งที่เรียกว่าเปอร์สเปคทีฟทรงกลม ซึ่งเปลี่ยนทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในพื้นที่ภายในภาพให้อยู่ในลำดับของปรากฏการณ์ในระดับจักรวาล ในความหลากหลาย รูปแบบที่ทันสมัยภาพรวมทางศิลปะ Petrov-Vodkin แยกผู้ที่มีที่อยู่ทางประวัติศาสตร์และศิลปะที่เฉพาะเจาะจง - ไอคอนรัสเซียเก่าและจิตรกรรมฝาผนังรวมถึง Quattrocento ของอิตาลีเช่น ปรากฏการณ์เหล่านั้นอย่างแม่นยำในระดับของประเพณีศิลปะระดับชาติและยุโรปที่เข้าใกล้เกณฑ์ของความแตกต่างในภายหลังและการกระจายตัวของการวิเคราะห์โดยตรง แต่ที่ โลกศิลปะและภาพลักษณ์ของโลกในงานศิลปะยังคงถูกคิดและนำเสนอในฐานะความสมบูรณ์ที่แน่นอน โดยให้วิธีการแสดงออกทางศิลปะเป็นตราประทับของความยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ของมัน การไตร่ตรองโลกโดยรวมในแง่ของการเชื่อมโยงสากลของเวลาและปรากฏการณ์ - นี่คือสิ่งที่ Petrov-Vodkin มุ่งมั่นที่จะแสดงออกและฟื้นฟูในศิลปะสมัยใหม่ ดูเหมือนว่าเขาจะเรียกร้องให้คาดเดาถึงรูปลักษณ์และภาพลักษณ์ของโลกสมัยใหม่และความรู้สึกทางศิลปะโดยธรรมชาติของมันที่มีต่อธรรมชาติและประวัติศาสตร์ในพื้นที่ของประสบการณ์ทางวัฒนธรรมระดับโลกด้วยโปรแกรมที่ดึงดูดความสามารถในการเชื่อมโยงของความทรงจำทางศิลปะ

Petrov-Vodkin เช่น ทั้งบรรทัดปรมาจารย์คนอื่นๆ ในรุ่นของเขา ในช่วงหลังการปฏิวัติเขาได้กลายเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง ภาพวาดของสหภาพโซเวียตที่จะพาคุณไป ยุคใหม่มีชีวิตอยู่ ประเพณีทางศิลปะ, ความคิดสูงและฝีมืออันสมบูรณ์แบบ

ชายแดน 2453-2454 โดดเด่นด้วยการปรากฏตัวในเวทีชีวิตศิลปะของกลุ่มใหม่ภายใต้ชื่ออันเร้าใจ “แจ็ค ออฟ ไดมอนด์” แกนกลางถาวรของสังคมซึ่งมีอยู่จริงจนถึงปี 1916 ประกอบด้วยศิลปิน P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, A. Kuprin, R. Falk ซึ่งต่อมากลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะโซเวียตที่มีชื่อเสียง “ The Jack of Diamonds” ซึ่งมีกฎบัตร นิทรรศการ และคอลเลกชันบทความของตัวเอง กลายเป็นเทรนด์ใหม่ที่มีอิทธิพลในงานศิลปะรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20

อิมเพรสชันนิสม์ในการดัดแปลงทั้งหมดเป็นทั้งจุดเริ่มต้นของการพัฒนาทางศิลปะและวิธีการสร้างสรรค์ในการเอาชนะสิ่งที่ศิลปินแห่ง "Jack of Diamonds" มองเห็นภารกิจหลักของพวกเขา ตั้งแต่แรกเริ่มพวกเขาทำหน้าที่เป็นคู่ต่อสู้ที่ดุเดือดของงานศิลปะรุ่นก่อน ๆ - โวหารของ "โลกแห่งศิลปะ" จิตวิทยาที่ซับซ้อนของภาพวาด "The Blue Rose" ถูกปฏิเสธออกจากประตู ความไม่พอใจของศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีสถานะในศิลปะร่วมสมัยนั้นมีพื้นฐานมาจากแรงจูงใจทางสังคม - วิกฤตของลัทธิซาร์ในรัสเซียซึ่งแสดงออกมาด้วยพลังพิเศษในช่วงการปฏิวัติปี 2448-2550 และปีแห่งปฏิกิริยาที่ตามมา (2450 - 2453) ความไม่พอใจต่อยุค "สนธยา" นี้แสดงออกในการปฏิเสธทุกสิ่งที่คลุมเครือ ลึกลับ และไม่ได้กล่าวถึงในงานศิลปะ

ตรงกันข้ามกับภาพวาดสัญลักษณ์ของ “Blue Rose” ศิลปินของ “Jack of Diamonds” พยายามที่จะแสดงการเคลื่อนไหวที่รุนแรงที่สุด จากการมุ่งเน้นไปที่ความรู้สึกส่วนตัวที่ไม่ชัดเจน ไปจนถึงการได้รับความมั่นคงในภาพที่มองเห็น สีสันที่เต็มอิ่ม และ ตรรกะเชิงสร้างสรรค์ของการสร้างภาพ การยืนยันเรื่องและความเที่ยงธรรมซึ่งตรงข้ามกับมิติเชิงพื้นที่ถือเป็นหลักการเริ่มแรกของงานศิลปะของพวกเขา

ในเรื่องนี้การวาดภาพวัตถุ - หุ่นนิ่ง - มาเป็นแนวหน้า งานโต้เถียงในการวาดภาพ "Jack of Diamonds" พบว่ามีรูปลักษณ์ที่ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานของหนึ่งในผู้ก่อตั้งกลุ่ม I.I. มาชโควา (2424 - 2487) “ Blue Plums” ของเขา (1910) ถือได้ว่าเป็นสโลแกนสำหรับทิศทางนี้ ภาพของผลไม้ที่จัดเรียงในองค์ประกอบการตกแต่งแบบคงที่ดูเหมือนจะแข็งตัวไปครึ่งหนึ่งจากวัตถุดิบของสีของจานสีไปจนถึงสีที่แท้จริงของธรรมชาติ ศิลปินเปรียบเทียบงานของเขากับงานของช่างฝีมือที่ทำสิ่งต่างๆ ในกรณีนี้สิ่งนั้นก็คือภาพวาดนั่นเอง ศิลปินนำภาพวาดเข้าใกล้ศิลปะพื้นบ้านมากขึ้นด้วยความรู้สึกโดยธรรมชาติของแหล่งข้อมูล

เช่นเดียวกับใน "Blue Plums" โดย Mashkov แนวทางใหม่ในการพัฒนาธรรมชาติซึ่งได้รับการอนุมัติโดย "Jack of Diamonds" แสดงโดย P.P. Konchalovsky (2419-2499) ใน "ภาพเหมือนของ G. Yakulov" (2453) ศิลปินแนะนำชีวิตหุ่นนิ่งโดยเสริมหลักการในพื้นที่ดั้งเดิมของการครอบงำงานทางจิตวิทยา มันกำจัดทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับสถานะภายในชั่วคราวของบุคคลโดยเน้นทุกสิ่งที่ประกอบขึ้นเป็นความมั่นคงสดใสที่สุดในความหมายที่เหมาะสมของคำสัญญาณที่งดงามของรูปลักษณ์ภายนอกของแต่ละบุคคล ที่นี่เรากำลังจัดการกับระบบเฉพาะที่ทำให้ลักษณะเฉพาะของภาพพิมพ์ ของเล่น และป้ายยอดนิยมต่างๆ ง่ายขึ้น ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บางครั้งคำวิจารณ์ได้กำหนดสไตล์การวาดภาพของ "Jack of Diamonds" โดยรวมว่าเป็น "สไตล์สัญลักษณ์" คำวิจารณ์เดียวกันนี้ได้กล่าวถึงความเชื่อมโยงโดยตรงของจิตรกรมอสโกรุ่นใหม่กับภาพวาดฝรั่งเศสร่วมสมัยซ้ำแล้วซ้ำอีกซึ่งย้อนกลับไปในต้นกำเนิดของ Cezanne อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของ Cézanne ถูกนำมาใช้โดย The Jack of Diamonds ผ่านทาง Cézanneism ในรูปแบบการตกแต่งที่นำเสนอโดย Fauvists โดยเฉพาะ Matisse

ลัทธิการตกแต่งซึ่งในตอนแรกครอบงำในหมู่ศิลปินของ "Jack of Diamonds" แยกออกจากภาพวาดของ Cezanne ในจุดที่สำคัญมากจุดหนึ่ง: ในความรู้สึกที่อ่อนแอของประติมากรรมในรูปแบบ ความประทับใจในสาระสำคัญของวัตถุซึ่งศิลปินพยายามทำให้สำเร็จในผลงานชิ้นแรกของพวกเขาไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจากการสร้างรูปทรงเชิงประติมากรรมและปริมาตร แต่เนื่องมาจากพื้นผิวที่หนาแน่นในขณะที่พื้นที่ดูตกแต่งกระจายออกไปและ บ่อยครั้งด้วยเหตุนี้จึงไม่มีรูปร่าง ในการเอาชนะข้อบกพร่องนี้ คิวบิสม์มีบทบาทบางอย่าง ซึ่งเป็นการเคลื่อนไหวของการวาดภาพที่พบแรงจูงใจทางทฤษฎีสำหรับการทดลองตามคำแนะนำที่ Cézanne ให้ไว้ครั้งหนึ่งให้ทำการวิเคราะห์ทางจิตของรูปแบบที่ซับซ้อนโดยทำให้พวกมันเข้าใกล้การกำหนดค่าทางเรขาคณิตพื้นฐานมากขึ้น - ลูกบาศก์ กรวย และลูกบอล ปรมาจารย์แห่ง “แจ็คแห่งเพชร” ก็ใช้เทคนิคที่คล้ายกัน ดังนั้น "Agave" ของ Konchalovsky (1916) จึงเป็นอีกรูปแบบหนึ่งของการหลอมรวมประสบการณ์ของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โดยข้ามรูปแบบสุดขั้วของการแบ่งรูปแบบตามแผนผัง ศิลปินมองเห็นวิธีวิเคราะห์ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ในลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม พื้นที่ของภาพถูกมองว่าเป็นวัตถุบางอย่าง ซึ่งวัตถุที่ปรากฎนั้นตกผลึกด้วยความพยายาม รูปแบบที่ดูเหมือนจะแตกหัก บิดเบี้ยว ด้วยความพยายามในการพิชิตสภาพแวดล้อมที่อยู่อาศัยที่จำเป็นสำหรับตัวมันเอง สิ่งต่าง ๆ ถูกนำเข้าสู่พื้นที่รอบตัวพวกเขาอย่างแข็งขันราวกับว่ากำลังเอาชนะการต่อต้านของมัน จึงเป็นที่มาของความประทับใจในละคร สิ่งต่างๆ ดูจะคอยคุ้มกันที่ที่ตนพิชิต ย่อมไม่อยู่ในมือง่ายๆ ดูเป็นศัตรูกับมนุษย์ ห่างเหินจากเขา

การเคลื่อนไหวด้านการวาดภาพอีกรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในอิตาลีในปีเดียวกันนั้น ควบคู่ไปกับลัทธิคิวบิสม์ กลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของสไตล์การมองเห็นของ "Jack of Diamonds" ในช่วงกลางทศวรรษที่ 10 การประกาศจังหวะทางอุตสาหกรรมในยุคของการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีเป็นภาษาที่แท้จริงของอนาคต โดยเรียกร้องให้นำจังหวะเหล่านี้มาใช้ในการออกแบบงานศิลปะ เทคนิคหนึ่งของเขาคือการ “ตัดต่อ” วัตถุหรือส่วนของวัตถุ โดยถ่ายราวกับว่าในเวลาที่ต่างกันและจากจุดชมวิวที่ต่างกัน การเคลื่อนไหวของวัตถุเช่น ผู้ดูถูกถ่ายโอนไปยังวัตถุที่เต็มไปด้วยไดนามิกที่เกิดขึ้นเองและความสามารถในการสร้างการดัดแปลงที่แปลกประหลาด เราเห็นผลกระทบนี้เมื่อรวมกับ "การเปลี่ยนแปลง" ลูกบาศก์ของรูปแบบและการแบ่งชั้นของแผนเชิงพื้นที่ในภาพวาดตกแต่งและแผงของ A.V. Lentulov (2425-2486) "เซนต์โหระพา" (2456) และ "เสียงกริ่ง" (2458)

พื้นผิวของภาพที่นี่เป็นเหมือนกระจกที่สั่นสะเทือนและแตกออกด้วยคลื่นเสียงอันทรงพลัง ซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงสถาปัตยกรรมมอสโกอันมีสีสัน มีการประชดในทัศนคติของศิลปินชาวรัสเซียต่อเทคนิคของศิลปะยุโรปตะวันตกสมัยใหม่ ใน Lentulov มันสะท้อนให้เห็นเช่นในการถ่ายทอดเทคนิคแห่งอนาคตซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงจังหวะของยุคอุตสาหกรรมไปยังวัตถุที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงในสาระสำคัญ - สถาปัตยกรรมปิตาธิปไตยโบราณ จากการผสมผสานที่ขัดแย้งกันของภาษาภาพสมัยใหม่กับภาพของสมัยโบราณของมอสโกทำให้เกิดเอฟเฟกต์ทางศิลปะที่สดใสอย่างไม่คาดคิด - สถาปัตยกรรมโบราณราวกับว่าถูกกระตุ้นโดยการบุกรุกของจังหวะอุตสาหกรรมถูกดึงเข้าสู่วงโคจรของการรับรู้ของมนุษย์สมัยใหม่ที่รู้สึกถึงตัวเองและทุกสิ่งรอบตัว เขาเคลื่อนไหวอยู่ตลอดเวลา

ผลงานของตัวแทนอีกคนหนึ่งของ "Jack of Diamonds" R.R. Falk (1886 - 1958) ไม่ได้โดดเด่นด้วยขอบเขตการตกแต่งของผืนผ้าใบของ Lentulov หรือสีที่โหดร้ายและสาระสำคัญของภาพวาดของ Mashkov นักแต่งเพลงที่มีอารมณ์สร้างสรรค์ Falk หลีกเลี่ยงการจงใจสร้างรูปแบบที่หยาบ พยายามสร้างรายละเอียดพื้นผิวของภาพอย่างละเอียด และบรรลุถึงความกลมกลืนของสีสันอันงดงาม ภาพวาดของฟอล์กเต็มไปด้วยบรรยากาศแห่งสมาธิและความเงียบงันทางจิตวิญญาณ โดดเด่นด้วยจิตวิทยาที่แปลกประหลาด และกอปรด้วยความสามารถในการสร้างเฉดสีอารมณ์ที่ละเอียดอ่อน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาพบุคคลจะมีบทบาทสำคัญในผลงานของเขา หนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของผลงานก่อนการปฏิวัติของฟอล์กคือ “ที่เปียโน ภาพเหมือนของ E. S. Potekhina-Falk” (1917) สไตล์ที่ใกล้เคียงกับภาพวาดของ Falk คือผลงานของ A. Kuprin และ V. Rozhdestvensky ศิลปินของ "Jack of Diamonds" ซึ่งทำงานส่วนใหญ่เป็นประเภทหุ่นนิ่ง

การกบฏถาวรแบบหนึ่งเป็นลักษณะงานของหนึ่งในผู้จัดงาน "Jack of Diamonds" M.F. ลาริโอนอฟ (2424 - 2507) ในปี 1911 เขาเลิกกับกลุ่มนี้และกลายเป็นผู้จัดนิทรรศการใหม่ภายใต้ชื่อที่น่าตกใจ "หางของ Donkey" และ "เป้าหมาย" ในงานของ Larionov แนวโน้มดั้งเดิมของศิลปะของ "Jack of Diamonds" ที่เกี่ยวข้องกับการดูดซึมโดยศิลปะมืออาชีพของโวหารของสัญญาณภาพพิมพ์ยอดนิยมของเล่นพื้นบ้านและภาพวาดสำหรับเด็กพบว่ามีการพัฒนาที่สอดคล้องกันมากที่สุด ตรงกันข้ามกับศิลปินส่วนใหญ่ในยุค 10 Larionov ปกป้องสิทธิ์ของการวาดภาพประเภทต่างๆ อย่างต่อเนื่อง โดยไม่ละทิ้งเรื่องราวที่เล่าเรื่องในภาพ แต่ชีวิตในประเภทของ Larionov นั้นเป็นชีวิตที่พิเศษ "ดั้งเดิม" ของถนนในต่างจังหวัด ร้านกาแฟ ช่างทำผม และทหาร ' ค่ายทหาร

ผลงานทั่วไปชิ้นหนึ่งของ Larionov คือภาพวาด "The Resting Soldier" (1911) ลักษณะที่แปลกประหลาดและเกินจริงของท่าทางของเด็กที่มีสุขภาพดี ดื่มด่ำกับความรอบคอบด้วยการปัดแก้มให้ทั่วแก้ม ได้รับแรงบันดาลใจจากความไร้เดียงสาในการวาดภาพของเด็กอย่างไม่ต้องสงสัย ในเวลาเดียวกัน ธรรมชาติของภาพขนาดใหญ่และระยะเวลาที่ถ่ายทอดอย่างชำนาญของการเอนกายอย่างเกียจคร้านต่อหน้าผู้ชม เปลี่ยนภาพให้กลายเป็นภาพบุคคลในพิธีการล้อเลียนอย่างละเอียด แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ใช่เงาของการเยาะเย้ย ทัศนคติของศิลปินต่อโมเดลนี้ดูเหมือนเป็น "ความรักประชด" หากศิลปินของ "Jack of Diamonds" โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ชอบจานสีที่สดใสและคอนทราสต์ของสีที่เข้มข้น ตามกฎแล้ว Larionov จะหันไปหาวัตถุที่ธรรมดาและหยาบ หมองคล้ำและไม่มีสี ปลูกฝังเฉดสีที่คล้ายคลึงกันเพื่อให้ได้สีเงินอันงดงามและสีที่กลมกลืนกัน ใกล้กับผลงานของศิลปินคนนี้คือภาพวาดของสหายคงที่ของ Larionov และคนที่มีใจเดียวกันในภารกิจของเขา N.S. กอนชาโรวา (2424 - 2505) ในภาพวาด "Washing the Canvas" (1910) ร่างของผู้หญิงสองคนบนพื้นหลังของภูมิทัศน์หมู่บ้านที่ทาสียอดนิยม นั่งยองๆ ด้วยเท้าที่หนักหน่วงถูกวาดด้วยความเห็นอกเห็นใจที่สัมผัสได้อย่างไร้เดียงสาต่อภาพ ซึ่งทำให้ภาพวาดของเด็ก ๆ แตกต่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเด็กจำลองวัตถุและสถานการณ์ที่คุ้นเคยและเป็นที่รู้จัก ที่นี่เราไม่ได้จัดการกับการใช้ชีวิตของคนทั่วไปที่มีความสวยงามและสนุกสนานอีกต่อไป ดังเช่นใน Kustodiev's อีกต่อไป แต่ด้วยความพยายามผ่านศิลปะดึกดำบรรพ์ เพื่อค้นหาทางออกจากเขาวงกตของจิตวิทยาและการเก็งกำไรสมัยใหม่ เพื่อค้นหาสิ่งที่สูญหาย แหล่งที่มาของมุมมองที่ไร้เดียงสาและองค์รวมของโลก

แนวโน้มเดียวกันนี้ปรากฏในรูปแบบที่แตกต่างกันเล็กน้อยในงานศิลปะของ M.3 ชากาล (2430-2528) Chagall ผสมผสานการดูแลอย่างใกล้ชิดอย่างผิดปกติในการสร้างรายละเอียดที่ธรรมดาที่สุดของสภาพแวดล้อมของชีวิตในเมืองเล็ก ๆ ในต่างจังหวัดโดยเปลี่ยนด้วยสีรุ้งที่เปล่งประกายของจานสีที่เผ็ดร้อนและเขียวชอุ่มพร้อมลวดลายที่ยอดเยี่ยมของการบินที่ยอดเยี่ยม สัญญาณสวรรค์ ฯลฯ ทั้งหมดนี้คล้ายกับจินตนาการของนิยายโรแมนติกที่ผสมผสานความประเสริฐและพื้นฐานเข้าด้วยกันอย่างแปลกประหลาด ชวนให้นึกถึงเรื่องราวโรแมนติกของโกกอล

ผลงานก่อนการปฏิวัติของจิตรกรดั้งเดิมที่สุด P.N. เข้ามาสัมผัสกับแนวดึกดำบรรพ์ในศิลปะรัสเซีย ฟิโลนอฟ (2426-2484) เขาเข้าใจลัทธิดึกดำบรรพ์ยุคใหม่ว่าเป็นวิธีการ "การสร้างแบบจำลอง" ในการวาดภาพองค์รวมของโลกซึ่งเป็นโลกทัศน์ประเภทหนึ่งที่ให้ประสบการณ์การมองเห็นสมัยใหม่แก่ความคิดเกี่ยวกับตำนานทางวัฒนธรรมของมนุษยชาติ สำหรับศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 นี่เป็นวิธีในการระลึกถึงสิ่งที่ก่อให้เกิดอีกด้านหนึ่งของอารยธรรมเครื่องจักร สิ่งที่ผลักดันไปสู่ความสนใจของสาธารณชน ได้แก่ ธรรมชาติและทั่วไปในมนุษย์ เกี่ยวกับ "ส่วนหนึ่ง" ของมนุษย์นั้น ซึ่งเขาหลอมรวมกับธรรมชาติด้วยพลังแห่งความมืดอันเฉื่อยชาอย่างไม่ยืดหยุ่นและลึกลับ "สัมผัส" ซึ่งเป็นเนื้อหาสำคัญของชีวิตการทำงานโดยเฉพาะชีวิตชาวนา ดังนั้นใน "Cowshells" ของ Filonov (1914) ทุกอย่างจึงเข้ากันได้ราวกับอยู่ในความวุ่นวาย ไวยากรณ์ที่ซับซ้อนของวลีภาพเชิญชวนให้ผู้ชมค้นหาความหมายและความสอดคล้องในการผสมผสานระหว่างรูปแบบวัตถุประสงค์และตัวเลข ตามด้วยการเดา จดจำวงแหวนนั้นในกลุ่มความทรงจำของมนุษย์ซึ่งสามารถระบุกุญแจสู่รหัสของภาพนี้ได้ แต่ทิศทางของการค้นหาเหล่านี้ถูกกำหนดโดยรูปภาพซึ่งนำไปสู่พื้นที่แห่งตำนานธรรมชาติยุคแรกเริ่ม

ลักษณะเชิงเปรียบเทียบที่เฉพาะเจาะจงของภาษาเป็นรูปเป็นร่างซึ่งมีต้นกำเนิดเป็นสัญลักษณ์ แยกการรับรู้รูปแบบที่มองเห็นได้และคุณสมบัติของโลกวัตถุประสงค์ระหว่างความหมายโดยตรงและความหมายเป็นรูปเป็นร่าง ดังนั้น "ความมืด" ในภาพวาดก่อนการปฏิวัติของ Filonov จึงเป็นทั้งกลางคืนและ "ความมืด" ที่เป็นอภิปรัชญา "ความมืด" ยุคก่อนประวัติศาสตร์; ร่างหมอบดั้งเดิมนั้นทั้งใหญ่โตและไม่มีตัวตน แสงและสีถูกหลอมรวมเป็นสีอ่อนคุณภาพเดียวซึ่งชวนให้นึกถึงผลกระทบของกระจกสี ตัวเลขเหล่านี้ชวนให้นึกถึงไอดอลในยุคดึกดำบรรพ์พอๆ กับ "ไคเมรา" ในยุคกลาง คุณสมบัติหลายประการของระบบภาพของ Filonov รวมถึงวิธีการสร้าง "ทัศนคติใหม่ต่อความเป็นจริงโดยการแก้ไขโลกทัศน์ที่ถูกลืม" มีต้นแบบที่ใกล้เคียงที่สุดในงานศิลปะของ Vrubel

แนวโน้มของศิลปินในยุค 10 ที่จะทดลองเพื่อแยกย่อยความประทับใจทางศิลปะแบบองค์รวมให้เป็นผลรวมของอิทธิพลเบื้องต้นเพื่อความคุ้นเคยกับรากฐานหลักของการแสดงออกทางศิลปะนำไปสู่การแยกพื้นที่ของการสร้างรูปแบบนี้ออกเป็น ขอบเขตศิลปะอิสระ ในปี 1913 Larionov ตีพิมพ์หนังสือของเขาเรื่อง Rayism ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานศิลปะนามธรรมชิ้นแรก อย่างไรก็ตามผู้นำที่แท้จริง - นักทฤษฎีและผู้ปฏิบัติงานด้านศิลปะนามธรรมในรัสเซียคือ V.V. Kandinsky (2409-2487) และ K.S. มาเลวิช (2421-2478)

นับตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง การวาดภาพนามธรรมได้รับการพัฒนาในสองทิศทาง: สำหรับ Kandinsky มันเป็นการเล่นจุดสีที่เกิดขึ้นเองและไม่มีเหตุผล สำหรับ Malevich มันเป็นลักษณะของโครงสร้างทางเรขาคณิตและเหตุผลที่ได้รับการตรวจสอบทางคณิตศาสตร์ ลัทธินามธรรมอ้างว่าเป็นทฤษฎีที่รวบรวมหลักการพื้นฐานของการวาดภาพโดยทั่วไปไว้ในการปฏิบัติทางศิลปะ งานจิตรกรรมลดลงเหลือเพียงการศึกษาการผสมผสานที่เป็นไปได้ขององค์ประกอบหลัก - เส้นสีรูปร่าง

หากศิลปะนามธรรมของ Malevich และ Kandinsky เริ่มแรกพัฒนาเฉพาะในการวาดภาพขาตั้งเท่านั้นจากนั้นในผลงานของ V.E. Tatlin (พ.ศ. 2428-2496) องค์ประกอบอีกประการหนึ่งของการวาดภาพ - พื้นผิว - กลายเป็นเป้าหมายของการทดลองเชิงนามธรรม Tatlin เปลี่ยนคุณสมบัติการสัมผัสที่เป็นของวัสดุชนิดเดียวในการทาสี - การทาสี - เป็นการผสมผสานระหว่างพื้นผิวของวัสดุต่าง ๆ - ดีบุก ไม้ แก้ว เปลี่ยนระนาบภาพให้กลายเป็นงานประติมากรรมนูนต่ำ ในสิ่งที่เรียกว่าการบรรเทาทุกข์ของ Tatlin "วีรบุรุษ" ไม่ใช่วัตถุจริง แต่เป็นประเภทพื้นผิวที่เป็นนามธรรม - หยาบ, เปราะบาง, หนืด, อ่อนนุ่ม, เป็นประกาย - เข้าสู่ความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนระหว่างกันโดยไม่ต้องอาศัยการไกล่เกลี่ยของโครงเรื่องภาพใด ๆ โดยเฉพาะ

ในสถาปัตยกรรม เราต้องเผชิญกับความสามารถของศิลปะในการแสดงออกโดยไม่ต้องพรรณนา โดยผ่านการเลียนแบบ "ข้อเท็จจริงของชีวิต" คุณสมบัติของพื้นผิวภาพในฐานะสนามสถาปัตยกรรมมีความเป็นไปได้ในการแสดงออกซึ่งไม่ได้ให้ไว้ แต่ให้กับภาพ เช่นเดียวกับที่กฎแรงโน้มถ่วงให้กับการเคลื่อนไหวของร่างกาย หรือกำหนดจังหวะ ขนาด และลำดับของคำคล้องจอง กลอน. การศึกษาความเป็นไปได้เหล่านี้เป็นการทดลองที่ดำเนินการโดยศิลปะนามธรรม บนเส้นทางสู่หลักการดั้งเดิมของอิทธิพลทางศิลปะที่ซ่อนอยู่ในโครงสร้างของความทรงจำของมนุษย์ ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ต้องเผชิญกับโลกศิลปะอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ซึ่งครั้งหนึ่งกฎแห่งการแสดงออกอันเป็นที่ต้องการเคยเกิดขึ้นแล้วในความสมบูรณ์ของหลักการ สิ่งใหม่มอบมือให้กับคนเก่าที่ถูกลืม - และปรมาจารย์เกือบทั้งหมดของสิ่งที่เรียกว่าเปรี้ยวจี๊ดในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ได้ผ่านการติดต่อดังกล่าว

ในหมู่พวกเขาสถานที่ที่โดดเด่นเป็นของ K. S. Petrov-Vodkin (พ.ศ. 2421 - 2482) เส้นทางอันยาวนานของการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ผู้นี้ซึ่งเต็มไปด้วยการค้นหาที่ซับซ้อนสิ้นสุดลงด้วยการสร้างสรรค์ภาพวาด "The Bathing of the Red Horse" ในปี 1912 งานนี้มีความสำคัญไม่เพียงแต่สำหรับเนื้อหาภายในเท่านั้น แต่ยังเป็นเพราะเน้นไปที่ประเด็นเร่งด่วนทางศิลปะของต้นศตวรรษที่ 20 มันฟังดูเหมือนเสียงเรียกและคำถาม และสาเหตุหลักมาจากความเฉียบแหลมและความหมายของรูปแบบ การสร้างภาพใหม่ การเปลี่ยนแปลงภาพของความเป็นจริง ซึ่งศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ต่อสู้ดิ้นรนอย่างเจ็บปวด ได้มาอยู่ที่นี่ผ่านการฝึกฝนบทเรียนของ ภาพวาดรัสเซียโบราณ งานนี้ประกาศความต่อเนื่องโดยตรงด้วยการวาดภาพไอคอน ทำให้นึกถึงเรื่อง "The Rape of Europe" โดย Serov ซึ่ง Petrov-Vodkin เรียนที่โรงเรียนมอสโกด้วย ภาพของนักขี่ม้าบนหลังม้าที่เปลี่ยนความคิดไปสู่ความคิดของชาวบ้านในการเคลื่อนไหวที่เยือกแข็งอย่างไร้ข้อยุติทำให้เกิดคำถาม สีสันรื่นเริงแห่งเทศกาลและความง่วงนอนจังหวะของเส้นที่น่าหลงใหล ม้าที่ทรงพลัง และเด็กวัยรุ่นแช่แข็งอยู่ในความคิดที่คลุมเครือ ปล่อยสายบังเหียนอย่างอิดโรย ยอมจำนนต่อพลังแห่งพลังที่ดึงเขาไปสู่จุดหมายปลายทางที่ไม่รู้จัก ความทรงจำในอดีตและลางสังหรณ์ที่คลุมเครือของอนาคต - การรวมกันขององค์ประกอบที่ตรงกันข้ามนี้เป็นสัญลักษณ์ในธรรมชาติภายใน โครงสร้าง ด้วยเหตุนี้ คนรุ่นราวคราวเดียวกันจึงมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของช่วงเวลาที่กำลังประสบอยู่

Petrov-Vodkin หันมาใช้ภาพของศิลปะรัสเซียโบราณอย่างสม่ำเสมอมากขึ้นในผลงานเช่น "Mother", "Girls on the Volga" (1915), "Morning. Bathers" (1917) ที่นี่คุณสามารถได้ยินเสียงสะท้อนของภาพสัญลักษณ์ - ในการเคลื่อนไหวที่บันทึกไว้ในการดื่มด่ำกับตัวละครในการไตร่ตรองซึ่งนางเอกของภาพวาดเหล่านี้ตื้นตันใจ ในงานของ Petrov-Vodkin ความสำคัญของภาพและธีมนิรันดร์เพิ่มขึ้น: การนอนหลับและการตื่นขึ้น ช่วงอายุของชีวิต - วัยรุ่น เยาวชน ความเป็นแม่ วงจรชีวิตระหว่างการเกิดและการตาย - นั่นคือช่วงของธีมเหล่านี้ ในการตีความธีมประเภทนี้ ทุกยุคใหม่ได้แสดงออกถึงแนวคิดในอุดมคติเกี่ยวกับสถานที่ของมนุษย์ในจักรวาลทั้งหมด ในโลกศิลปะ พวกเขามีบทบาทเป็นสากลของระเบียบปรัชญา ซึ่งอยู่เหนือความแปรปรวนของความเป็นจริงที่ลื่นไหล ดังนั้น ในระบบภาพของ Petrov-Vodkin คุณสมบัติทั้งหมดของโลกที่ต้องสังเกตมีแนวโน้มที่จะอยู่ในสภาวะสูงสุดและสมบูรณ์: สีจะไหลไปสู่ความบริสุทธิ์ทางสเปกตรัม ปราศจากความผันผวนของชั้นบรรยากาศ แสงมีลักษณะเป็น "แสงแดดนิรันดร์" บนดวงดาว ขอบฟ้า เส้นสร้างความโค้งของพื้นผิวดาวเคราะห์ของโลกตามหลักการของสิ่งที่เรียกว่าเปอร์สเปคทีฟทรงกลม ซึ่งเปลี่ยนทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในพื้นที่ภายในภาพให้อยู่ในลำดับของปรากฏการณ์ในระดับจักรวาล ในรูปแบบทั่วไปทางศิลปะสมัยใหม่ที่หลากหลาย Petrov-Vodkin ได้แยกผู้ที่มีที่อยู่ทางประวัติศาสตร์และศิลปะที่เฉพาะเจาะจง - ไอคอนรัสเซียเก่าและจิตรกรรมฝาผนังรวมถึง Quattrocento ของอิตาลีเช่น ปรากฏการณ์เหล่านั้นอย่างแม่นยำในระดับประเพณีศิลปะระดับชาติและยุโรปซึ่งเข้าใกล้เกณฑ์ของความแตกต่างในภายหลังและการกระจายตัวของการวิเคราะห์โดยตรง แต่ที่ซึ่งโลกศิลปะและภาพลักษณ์ของโลกในงานศิลปะยังคงคิดและนำเสนอในฐานะความซื่อสัตย์แบบหนึ่ง ที่มอบตราประทับแห่งความยิ่งใหญ่อันยิ่งใหญ่ให้กับวิธีการแสดงออกทางศิลปะ การไตร่ตรองโลกโดยรวมในแง่ของการเชื่อมโยงสากลของเวลาและปรากฏการณ์ - นี่คือสิ่งที่ Petrov-Vodkin มุ่งมั่นที่จะแสดงออกและฟื้นฟูในศิลปะสมัยใหม่ ดูเหมือนว่าเขาจะเรียกร้องให้คาดเดาถึงรูปลักษณ์และภาพลักษณ์ของโลกสมัยใหม่และความรู้สึกทางศิลปะโดยธรรมชาติของมันที่มีต่อธรรมชาติและประวัติศาสตร์ในพื้นที่ของประสบการณ์ทางวัฒนธรรมระดับโลกด้วยโปรแกรมที่ดึงดูดความสามารถในการเชื่อมโยงของความทรงจำทางศิลปะ

Petrov-Vodkin เช่นเดียวกับปรมาจารย์คนอื่นๆ ในรุ่นของเขา ในช่วงหลังการปฏิวัติได้กลายเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านการวาดภาพโซเวียตที่โดดเด่น โดยนำเอาประเพณีทางศิลปะที่ดำเนินชีวิต ความคิดชั้นสูง และทักษะอันสมบูรณ์แบบเข้าสู่ยุคใหม่มาด้วย

เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนปี พ.ศ. 2453-2454 กลุ่มใหม่ปรากฏขึ้น ก่อตั้งโดยศิลปินที่กระตือรือร้น “แจ็คแห่งเพชร” - นั่นคือสิ่งที่เรียกว่า รวมอยู่ด้วย จิตรกรชื่อดัง P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, A. Kuprin, R. Falk สังคมนี้มีอยู่จนถึงปี 1916 ต่อมาร่างเหล่านี้ก็กลายเป็น อาจารย์ที่มีชื่อเสียงศิลปะรัสเซีย “Jack of Diamonds” เป็นสมาคมที่มีอิทธิพลต่อการก่อตั้งและการพัฒนางานศิลปะของโซเวียตในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 โดยมีนิทรรศการ คอลเลกชันบทความ และกฎบัตร นอกจากนี้ในบทความ เราจะมาดูกันว่างานของกลุ่มดำเนินไปอย่างไรและงานใดบ้างที่ได้รับผลกระทบ

ประท้วงต่อต้านลัทธิอิมเพรสชันนิสม์

สังคมได้ติดตามเป้าหมายอะไร? ภารกิจหลักของผู้สร้างกลุ่ม "Jack of Diamonds" คือการเอาชนะอิมเพรสชั่นนิสม์ในทุกรูปแบบ ทิศทางนี้เป็นจุดเริ่มต้น การพัฒนาความคิดสร้างสรรค์และในขณะเดียวกันก็เป็นวิธีการที่จิตรกรประกาศตนเองและผลงานของตน ตัวแทนของ "Jack of Diamonds" แสดงความไม่พอใจกับสถานะของกิจการในศิลปะโซเวียต: พวกเขาต่อสู้อย่างดุเดือดกับโวหารของ "โลกแห่งศิลปะ" จิตวิทยาของการวาดภาพ "กุหลาบสีน้ำเงิน" โดยปฏิเสธทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับ ความลึกลับและการกล่าวเกินจริงในความคิดสร้างสรรค์ ความไม่พอใจของจิตรกรรุ่นเยาว์ต่อสิ่งต่าง ๆ ในงานศิลปะในเวลานั้นมีพื้นฐาน: ลัทธิซาร์ในรัสเซียถึงจุดสูงสุดโดยแสดงออกมาอย่างชัดเจนในช่วงการปฏิวัติ (พ.ศ. 2448-2550) และในช่วงปีแห่งปฏิกิริยา (พ.ศ. 2450- 2453)

ตรงกันข้ามกับ "กุหลาบสีน้ำเงิน"

ตรงกันข้ามกับแนวโน้มของเขาด้วยสัญลักษณ์ของ "แจ็คแห่งเพชร" ( สมาคมศิลปะ) พยายามแสดงการเคลื่อนไหวอย่างเด็ดขาดจากการมุ่งความสนใจไปที่ความรู้สึกส่วนตัว ผู้สร้างสังคมมุ่งมั่นที่จะบรรลุความมั่นคงของภาพที่มองเห็น เสียงที่สมบูรณ์ของสี และตรรกะที่สร้างสรรค์ในการสร้างภาพ ตัวแทนของขบวนการ "Jack of Diamonds" ปฏิเสธความเป็นกลางและยืนยันความเป็นกลางและเนื้อหา จึงเน้นย้ำลัทธิความเชื่อในการพัฒนาศิลปะโซเวียต

ความสำคัญของประเภทภาพนิ่ง

ยังมีชีวิตอยู่ในขณะที่ตัวหลักมาถึงข้างหน้า ศิลปิน Mashkov (พ.ศ. 2424-2487) หนึ่งในผู้ก่อตั้งกลุ่มได้รวบรวมประเด็นข้อขัดแย้งในผลงานศิลปะของเขาอย่างเต็มตาและจินตนาการ งานสร้างสรรค์"แจ็คแห่งเพชร". ภาพวาดของศิลปินคนนี้ “Blue Plums” ถือเป็นคติประจำทิศทาง การปรากฏตัวของผลไม้ที่ปรากฎซึ่งจัดเรียงในองค์ประกอบที่มั่นคงไม่เคลื่อนไหวและแสดงออกสร้างลักษณะของการแช่แข็งในช่วงกลางของการเปลี่ยนแปลง: วัตถุดิบที่มีสีหลากหลายไม่มีเวลาที่จะเปลี่ยนเป็น สีที่แท้จริงธรรมชาติ. ศิลปินเปรียบได้กับช่างฝีมือที่สร้างสิ่งต่างๆ จิตรกรที่วาดภาพจะสนใจศิลปะพื้นบ้านมากขึ้น “Jack of Diamonds” เป็นสมาคมศิลปะ ซึ่งต้องขอบคุณประเภทหุ่นนิ่งที่สามารถถ่ายทอดเนื้อหาที่แตกต่าง ซึ่งสอดคล้องกับความทันสมัยที่ขัดแย้งกัน ได้กลับคืนสู่ความสำคัญของศิลปะชั้นสูง

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในภาพวาด

ลัทธิการตกแต่งซึ่งในตอนแรกครอบงำในหมู่จิตรกรของ "Jack of Diamonds" นั้นขัดแย้งกับภาพวาดของ Cezanne ภาพวาดของปรมาจารย์มีความรู้สึกทางประติมากรรมที่อ่อนแอ ในความพยายามที่จะมุ่งความสนใจไปที่สาระสำคัญของวัตถุ ศิลปินให้ความสำคัญกับการแสดงภาพความใหญ่โตของวัตถุมากขึ้น และพื้นที่ว่างในขณะนี้ดูพร่ามัวและไม่ชัดเจน ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมซึ่งเป็นขบวนการจิตรกรรมที่แนะนำโดย Cézanne ช่วยรับมือกับความยากลำบากนี้ได้ เขาเป็นผู้เสนอโดยใช้รูปทรงเรขาคณิต - ลูกบาศก์, กรวย, ลูกบอล - เพื่อวิเคราะห์รูปร่างที่ซับซ้อนทางจิตใจโดยทำให้พวกเขาเข้าใกล้ตัวเลขมากขึ้น “Jack of Diamonds” หันมาใช้เทคนิคนี้ในงานของเขา Konchalovsky (1916) ด้วยภาพวาดของเขา "Agave" แสดงให้เห็นถึงความแตกต่างในการศึกษาประสบการณ์ของทิศทางนี้ นี่เป็นวิธีหนึ่งในการวิเคราะห์ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ วัตถุที่อยู่ในรูปแบบที่แตกหักและผิดรูปจะตกผลึกจากพื้นที่ของภาพ ซึ่งคิดว่าเป็นวัตถุ สิ่งต่าง ๆ พิชิตพื้นที่โดยรอบโดยผลักมันออกไป สิ่งนี้เพิ่มความรู้สึกของละคร สิ่งที่อยู่ห่างไกลและเป็นศัตรูกับมนุษย์จะปกป้องสถานที่ที่ถูกยึดครอง

อนาคตในความคิดสร้างสรรค์

ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1910 เมื่อรวมกับลัทธิคิวบิสม์ที่เป็นองค์ประกอบสำคัญของสไตล์นี้ “Jack of Diamonds” จึงเริ่มใช้ ทราบทิศทางแล้วมีต้นกำเนิดในประเทศอิตาลี เพื่อให้ทันกับยุคแห่งการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี กระแสนี้ผลักดันให้เกิดการนำจังหวะทางอุตสาหกรรมมาสู่ผลงานของศิลปิน การใช้เทคนิค "การตัดต่อ" จะทำให้รูปลักษณ์ของวัตถุเดี่ยวหรือกลุ่มหรือชิ้นส่วนต่างๆ ปรากฏขึ้น ราวกับนำมาจากจุดชมวิวที่ต่างกันและในเวลาที่ต่างกัน วัตถุที่เคลื่อนที่ได้เองตามธรรมชาติ สามารถดัดแปลงได้อย่างแปลกประหลาด ถ่ายโอนการเคลื่อนไหวของวัตถุ (ตัวแสดง) ไปยังตัวมันเอง ภาพวาดแผง A.V. Lentulov's (1882-1943) "Ringing" (1915) และ (1913) มีตัวอย่างของการผสมผสานที่น่าทึ่งของลูกบาศก์ "การเปลี่ยนแปลง" ของรูปแบบและการแบ่งชั้นของแผนเชิงพื้นที่

"โลกแห่งศิลปะ" - (พ.ศ. 2441-2453)สมาคมศิลปินที่สร้างขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมา ปลาย XIXค. ซึ่งประกาศตัวด้วยนิตยสารและนิทรรศการซึ่งได้รับชื่อมา ในปี พ.ศ. 2441 ในพิพิธภัณฑ์ของโรงเรียนของ Baron Stieglitz ผ่านความพยายามของ S. DYAGILEV คนแรก นิทรรศการศิลปะ"ศิลปินรัสเซียและฟินแลนด์" ในปี พ.ศ. 2441 นิตยสาร "World of Art" ก็ปรากฏตัวขึ้น บทบาทหลักในสมาคมแสดงโดย A. BENOIT (ศิลปิน นักประวัติศาสตร์ศิลปะ นักวิจารณ์ นักอุดมการณ์ และนักทฤษฎีของ "โลกแห่งศิลปะ") และ S. DYAGILEV (นักดนตรีที่มีพรสวรรค์ บุคคลสำคัญทางศิลปะ และผู้จัดงานที่มีความสามารถ) "DIAGILEV SEASONS" ที่มีชื่อเสียงเป็นหนึ่งในหน้าศิลปะรัสเซียที่สว่างที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 สโลแกนของ "miriskusniks" คือ "ศิลปะเพื่อประโยชน์ของศิลปะ" ในแง่ที่ว่าความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะมีอยู่ในตัวมันเอง มูลค่าสูงสุดและไม่ต้องการเหตุผลทางอุดมการณ์ ไอดอลของศิลปินระดับโลก ได้แก่ Wagner และ Dostoevsky, Ibsen และ Tchaikovsky, Glinka, Chopin, Bizet พวกเขาชื่นชมร้อยแก้วของนักเขียนชาวเยอรมันและพุชกินที่นับถือ พวกเขาขอโทษต่อลัทธิยุโรปของรัสเซีย ลัทธิของ Peter I ผู้ก่อตั้งวัฒนธรรมรัสเซียแบบยุโรปใหม่เจริญรุ่งเรืองในหมู่พวกเขา ลัทธิเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมนี้ ลัทธิพุชกิน - ในฐานะตัวแทนที่สำคัญที่สุดและเป็นแบบฉบับของ "ยุคเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก" ทั้งหมดในประวัติศาสตร์รัสเซีย จากมุมมองของวิธีการทางศิลปะ นักเรียนของ World of Arts เป็นนักสังเคราะห์มากกว่านักวิเคราะห์และจิตรกร ดังนั้นความมีเหตุผล การประชด การเล่น การตกแต่ง การวาดภาพและการลงสีอยู่ภายใต้หลักการตกแต่งกราฟิก นอกจากนี้ยังอธิบายถึงแนวโน้มของการสังเคราะห์งานศิลปะประเภทต่างๆ มากมาย ทั้งการผสมผสานทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง ภาพบุคคล หรือภาพร่างทางประวัติศาสตร์ไว้ในองค์ประกอบเดียว การรวมจิตรกรรม ประติมากรรม ความโล่งใจในสถาปัตยกรรม ความปรารถนาที่จะใช้วัสดุใหม่ๆ” exit” ในกราฟิกหนังสือและละครเพลง

"บลูโรส"-กลุ่มแรกที่การนับถอยหลังของทิศทางใหม่ในการวาดภาพรัสเซียเริ่มต้นขึ้น ศตวรรษที่ XX ภายใต้ชื่อนี้นิทรรศการถูกเปิดในมอสโกในปี 2450 โดยมี N.P. Krymov, P.V. Kuznetsov, N.N. Sapunov, M.S. Saryan, S.Yu. Sudeikin เข้าร่วม ฯลฯ รวมศิลปิน 16 คน ในหมู่พวกเขามีผู้มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภาพวาดรัสเซีย - Kuznetsov, Saryan, Sapunov ผลงานของสมาชิก Blue Rose มีลักษณะเฉพาะคือความเรียบและสไตล์การตกแต่งบทกวีของภาพ อารมณ์แห่งความโศกเศร้าและความเศร้าโศกและบางครั้งก็เป็นภารกิจที่ลึกลับและเป็นสัญลักษณ์ "กุหลาบสีน้ำเงิน" ใกล้เคียงกับบทกวีสัญลักษณ์มากที่สุด กวีเชิงสัญลักษณ์ที่แท้จริง (Bryusov, Blok, Bely, Ivanov) ต่างจากศิลปินที่สร้างทฤษฎีสัญลักษณ์ของตนเองขึ้นมา พื้นฐานของความใกล้ชิดกับบทกวีสัญลักษณ์ของศิลปิน Blue Rose คือการมุ่งเน้นไปที่การเปลี่ยนแปลงการสร้างภาพแห่งความเป็นจริงขึ้นใหม่

โรงละครแห่งนี้เป็นพื้นที่ที่ภาพวาดดอกกุหลาบสีน้ำเงินและสัญลักษณ์เชิงกวีมาบรรจบกันโดยตรง N.S. Sapunov, S. Sudeikin เป็นผู้ออกแบบละครสัญลักษณ์กลุ่มแรกโดย M. Maeterlinck, Ibsen และ Blok เส้นทางของ "Goluborozovites" ไม่ใช่เส้นทางของการละทิ้งระบบการทาสีก่อนหน้านี้ แต่เป็นการพัฒนาและปรับปรุงเชิงตรรกะ

"แจ็คแห่งเพชร" (2453-2459)- สมาคมศิลปินมอสโก

แกนหลักของสมาคมคือ: M.F. Larionov, N.S. Goncharova, P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, R.R. Falk, A.V. Kuprin และคนอื่น ๆ กิจกรรมที่มีเสียงดังของ "Jack of Diamonds" ซึ่งรายล้อมไปด้วยกลิ่นอายของเรื่องอื้อฉาวนั้นถูกแต่งแต้มด้วยจิตวิญญาณที่ทำให้ชนชั้นกระฎุมพีตกตะลึง ศิลปินของสมาคมนี้มีกฎบัตร นิทรรศการ และคอลเลกชั่นบทความของตนเอง อิมเพรสชันนิสม์เป็นจุดเริ่มต้นและวิธีการที่สร้างสรรค์ในการเอาชนะสิ่งที่ศิลปินแห่ง "Jack of Diamonds" มองเห็นภารกิจหลักของพวกเขา พวกเขาพัฒนาระบบการวาดภาพ "ต่อต้านจิตวิทยา" ใหม่: การยืนยันเรื่องและความเป็นกลาง ยังมีชีวิตอยู่ในการทำงานของพวกเขา สถานที่ชั้นนำ(I. Mashkov “Blue Plums”, 1910) Jack of Diamonds มองหาแรงบันดาลใจในนิทานพื้นบ้าน ในของเล่นพื้นบ้าน ภาพวาดสำหรับเด็ก ภาพพิมพ์ยอดนิยม ในงานฝีมือดั้งเดิมที่ทำป้ายด้วยเพรทเซล ขนมปังน้ำตาล และแตงปลอม นักวิจารณ์มักให้นิยามสไตล์การวาดภาพของ "Jack of Diamonds" ว่าเป็น "สไตล์สัญลักษณ์" และกล่าวถึงความเชื่อมโยงระหว่างพวกเขากับ Cézanne ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและลัทธิอนาคตนิยมก็มีอิทธิพลต่อการวาดภาพ "Jack of Diamonds" เช่นกัน เทคนิคหลักของลัทธิแห่งอนาคต - "การตัดต่อ" ของวัตถุบนเครื่องบินโดยรวม "มุมมอง" เข้ากับภาพพร้อมกันถูกนำมาใช้ในงานของเขาโดย A. Lentulov (“ St. Basil's”, 1913) ความคิดสร้างสรรค์ของผู้นำของ "Jack of Diamonds" M. Larionov เป็นเรื่องปกติของสไตล์ดั้งเดิมสไตล์ของป้ายภาพพิมพ์ยอดนิยมของเล่นพื้นบ้านและภาพวาดสำหรับเด็ก ("Happy Autumn", 1912) ในปี 1912 M. Larionov และ N. Goncharova ประท้วงต่อต้าน "ลัทธิเซซาน" ออกจากสมาคม "Jack of Diamonds" พวกเขาจัดนิทรรศการ "หาง Donkey" และ "เป้าหมาย" ในไม่ช้าพวกเขาก็ตามมาด้วย Konchalovsky, Mashkov, Kuprin, Lentulov, Falk ในปีพ.ศ. 2459 สมาคมได้ยุติลงแล้ว

"กุหลาบสีน้ำเงิน" และ "แจ็คออฟไดมอนด์"

"บลูโรส"

การก่อตัวของงานศิลปะที่ใหญ่ที่สุดรองจาก World of Art และสหภาพศิลปินรัสเซียคือ Blue Rose ภายใต้ชื่อนี้ นิทรรศการจัดขึ้นในกรุงมอสโกในปี พ.ศ. 2450 โดยรวบรวมกลุ่มศิลปินรุ่นเยาว์ซึ่งเป็นนักเรียนล่าสุดของโรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมมอสโก - ผู้ติดตามของ Borisov-Musatov แม้ว่านิทรรศการนี้จะเป็นเพียงนิทรรศการเดียว แต่ก็เผยให้เห็นถึงความคล้ายคลึงกันของหลักการสร้างสรรค์ดั้งเดิมและเทคนิคการมองเห็นของปรมาจารย์ที่เป็นตัวแทนซึ่งเป็นผู้สร้างทิศทางพิเศษในการวาดภาพรัสเซีย นิทรรศการ Blue Rose เป็นเพียงช่วงเวลาที่ผ่านไปในวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ แต่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญ มันเป็นช่วงเวลาแห่งความสับสนที่ครอบงำส่วนสำคัญของสังคมรัสเซียในบรรยากาศแห่งปฏิกิริยาหลังความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติ ซึ่งเป็นเวลาที่สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะด้วยความชัดเจนของเป้าหมาย ความไวที่เพิ่มขึ้นต่อเฉดสีและความแตกต่างของอารมณ์ที่คลุมเครือทำให้เกิดภาพที่ดูไม่มั่นคงและเข้าใจยาก ศิลปินวาดภาพเพื่อค้นหาความสัมพันธ์ของสีที่ประณีตและซับซ้อน จังหวะทำนองอันไพเราะของการตกแต่งและประดับที่ละเอียดอ่อน และเอฟเฟกต์ที่ซับซ้อนของพื้นผิวภาพที่แวววาวด้าน

ตัวอย่างทั่วไปของภาพวาดประเภทนี้คือ "The Blue Fountain" (1905) ซึ่งเป็นภาพวาดในยุคแรกโดยหนึ่งในปรมาจารย์ชั้นนำของขบวนการ P.V. คุซเนตโซวา (2421-2511) วิวัฒนาการเพิ่มเติมของศิลปินคนนี้เป็นเรื่องปกติของศิลปินบลูโรสส่วนใหญ่ ประกอบด้วยการเอาชนะจิตวิทยาที่มีมากเกินไปในความปรารถนาที่จะกลับไปสู่ความเรียบง่ายดั้งเดิมของความรู้สึกของความเป็นจริง อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่เส้นทางที่จะละทิ้งระบบภาพก่อนหน้านี้ แต่เป็นการพัฒนาและปรับปรุงเชิงตรรกะ นี่คือลักษณะที่ชุดภาพวาดที่อุทิศให้กับแม่น้ำโวลก้าและสเตปป์เอเชียกลางปรากฏขึ้น การไตร่ตรองถึงพื้นที่อันกว้างใหญ่ การสังเกตชีวิตที่วัดได้และเงียบสงบของชนเผ่าเร่ร่อนนำมาซึ่งการปลดปล่อยจากพลังของอารมณ์ที่คลุมเครือ และเปลี่ยนศิลปินจากสิ่งที่ยากจะเข้าใจไปสู่สิ่งที่มีอยู่ตลอดเวลา

"Mirage in the Steppe" (1912) เป็นหนึ่งในผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของวัฏจักรนี้ ท้องฟ้าสูง เส้นสายอันเงียบสงบของขอบฟ้า โครงร่างอันนุ่มนวลของเต็นท์กระจัดกระจายอย่างอิสระในอวกาศ หลอมรวมกับพื้นดินและทำซ้ำโครงร่างของโดมสวรรค์ การเคลื่อนไหวที่เรียบง่ายและเป็นจังหวะของผู้คนที่ตัดขนแกะ เตรียมอาหาร นอนหลับ - ทั้งหมด ต้องขอบคุณการคล้องจองที่ไพเราะอย่างน่าอัศจรรย์ ความสอดคล้องกันของสี รูปร่าง และรูปทรงจึงพัฒนาเป็นภาพโลกแบบองค์รวมเชิงกวี ซึ่งในยุคนั้นไม่มีอำนาจใดๆ เบื้องหน้าเราคือไอดีลปรมาจารย์ดึกดำบรรพ์ซึ่งเป็น "ยุคทอง" ความฝันแห่งความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติซึ่งเป็นจริงในความเป็นจริง

หากภาพวาดของ Kuznetsov เป็นเหมือนบทกวีที่หลั่งไหลออกมา ภาพวาดของ Saryan ก็เป็นคำพังเพยที่มีสีสันเกี่ยวกับสิ่งที่เขาเห็น Saryan ชอบแสงที่เข้มข้น สว่าง มีทิศทางแน่นอน ซ่อนเฉดสีและเผยให้เห็นความแตกต่าง กำหนดขอบเขตของแสงและความมืดอย่างชัดเจน ด้วยเหตุนี้ ภาพวาดของเขาจึงมีลักษณะคล้ายกราฟิกสี บางครั้ง เช่น ใน “Walking Woman” ก็มีลักษณะคล้ายกับงานปะติดปะติดปะต่อ

เป็นแนวทางการวาดภาพของรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 "กุหลาบสีน้ำเงิน" ใกล้เคียงกับบทกวีเชิงสัญลักษณ์มากที่สุด พื้นฐานของความใกล้ชิดนี้คือการมุ่งเน้นขั้นพื้นฐานในการเปลี่ยนภาพของความเป็นจริงเพื่อที่จะแยกความเป็นไปได้ของการรับรู้สิ่งต่าง ๆ และปรากฏการณ์ตามตัวอักษรโดยปลุกให้ตื่นขึ้นในสิ่งเหล่านั้นที่มีความเชื่อมโยงและความหมายที่สูงผิดปกติ

ในทัศนศิลป์ สิ่งนี้ส่งผลให้เกิดความหลงใหลในการเปลี่ยนแปลงทุกรูปแบบในขอบเขตการรับรู้ทางสายตา ไปจนถึงการตัดเปอร์สเปคทีฟที่คมชัดและมุมที่ไม่คาดคิดซึ่งปรับเปลี่ยนรูปร่างของวัตถุ ไปจนถึงการสะท้อนในน้ำ บนกระจก ในกระจก ไปจนถึงแสง แรงสั่นสะเทือนของอากาศที่ละลายรูปทรง ฯลฯ .P.

ในเวลานั้น โรงละครกลายเป็นขอบเขตที่มีประสิทธิภาพสูงสุดไม่เพียงแต่ด้านการมองเห็นเท่านั้น แต่ยังเป็นการเปลี่ยนแปลงความเป็นจริงที่เป็นสากลอีกด้วย เขาเป็นคนที่กลายเป็นพื้นที่ที่ภาพวาด "กุหลาบสีน้ำเงิน" และสัญลักษณ์มาบรรจบกันโดยตรง บทสนทนาที่น่าสนใจที่สุดระหว่างภาพวาดและสัญลักษณ์ในโรงละครแสดงโดยผลงานของ N.N. ซาปูนอฟ (2423-2455)

ในทางกลับกัน Sapunov ได้ถ่ายทอด "ความมหัศจรรย์ของโรงละคร" ซึ่งทำให้เราได้สัมผัสประสบการณ์ที่ประดิษฐ์ขึ้นมา สมมติขึ้น และมหัศจรรย์อย่างแท้จริงและเป็นสิ่งมีชีวิต นี่คือวิธีที่งานทั้งกลุ่มเกิดขึ้นโดยเขียน "เกี่ยวกับ" ผลงานละครที่เกี่ยวข้อง

ศิลปินโรแมนติกผู้โดดเดี่ยวในโลกที่สร้างขึ้นด้วยจินตนาการเริ่มเข้าใจผิดว่าการสร้างสรรค์จินตนาการของเขาเองนั้นเป็นจริง มีการเปลี่ยนแปลงของ "โลกแห่งเวทมนตร์" เชิงสัญลักษณ์ให้เป็น "บูธ" - สิ่งเหล่านี้คือ "วิทยานิพนธ์" และ "สิ่งที่ตรงกันข้าม" ของสัญลักษณ์ซึ่ง Blok บันทึกไว้ในปี 1910 และก่อนหน้านี้ในปี 1906 ซึ่งกลายเป็นแก่นของโคลงสั้น ๆ ละครเรื่อง “Balaganchik” ซึ่งออกแบบโดย Sapunov ตั้งแต่วินาทีแรกที่เขาทำงานเกี่ยวกับการแสดงนี้ องค์ประกอบของงานหวือหวาในงานแสดงสินค้า รูปแบบการพิมพ์ยอดนิยม และความพิสดารก็ปรากฏอยู่ในงานของ Sapunov อยู่ตลอดเวลา กระแสเหล่านี้มาถึงจุดสูงสุดในภาพวาด "The Tea Party" ที่ยังเขียนไม่เสร็จ (1912)

“แจ๊คเพชร”

ในเรื่องนี้การวาดภาพวัตถุ - หุ่นนิ่ง - มาเป็นแนวหน้า งานโต้เถียงในการวาดภาพ "Jack of Diamonds" พบว่ามีรูปลักษณ์ที่ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานของหนึ่งในผู้ก่อตั้งกลุ่ม I.I. มาชโควา (2424 - 2487) “ Blue Plums” ของเขา (1910) ถือได้ว่าเป็นสโลแกนสำหรับทิศทางนี้ ภาพของผลไม้ที่จัดเรียงในองค์ประกอบการตกแต่งแบบคงที่ดูเหมือนจะแข็งตัวไปครึ่งหนึ่งจากวัตถุดิบของสีของจานสีไปจนถึงสีที่แท้จริงของธรรมชาติ ศิลปินเปรียบเทียบงานของเขากับงานของช่างฝีมือที่ทำสิ่งต่างๆ ในกรณีนี้สิ่งนั้นก็คือภาพวาดนั่นเอง ศิลปินนำภาพวาดเข้าใกล้ศิลปะพื้นบ้านมากขึ้นด้วยความรู้สึกโดยธรรมชาติของแหล่งข้อมูล