Oczywiście w Luwrze po prostu nie da się zobaczyć wszystkiego. W ciągu kilku godzin zwiedzania obejrzeliśmy tylko najsłynniejsze atrakcje tego wyjątkowego muzeum.
Luwr zrobił na mnie niezapomniane wrażenie. Ale były momenty, które zrobiły na mnie większe wrażenie. Ponieważ nie sposób ogarnąć ogromu, skupię się na tym, co najbardziej utkwiło mi w pamięci.
Okazuje się, że duża szklana piramida w Luwrze nie jest sama, ale jest otoczona trzema mniejszymi. Ponieważ projekt ich budowy został zaproponowany przez architekta Pochodzenie chińskie Yo Ming Peem, wtedy w naturalny sposób zainwestował w swoje potomstwo znaczenie symboliczne. Duża piramida powinna łączyć ziemię i niebo, a wszystkie piramidy niejako reprezentują główne narządy ludzkie, pomiędzy którymi korytarze reprezentują naczynia krwionośne. Ludzie chodzą korytarzami Luwru, gdy w żyłach człowieka płynie krew.
Wejście na wystawę poświęcony historii i sztuka starożytnej Macedonii. Napis głosi: „Królestwo Aleksandra Wielkiego. Starożytna Macedonia. Ale nas tam nie zabrali.
I od razu weszliśmy do sal poświęconych rzeźbom starożytnym.
Pierwszym posągiem, przy którym się zatrzymaliśmy, była Śpiąca Hermafrodyta.
Tematem obrazu nie jest coś obscenicznego. Rzeźbiarz przedstawił syna Hermesa i Afrodyty. Ten złotowłosy młodzieniec o niezwykłej urodzie, kąpiąc się w wodach źródła, wzbudził namiętną miłość Salmakidy, nimfy tego klucza, lecz jej modlitwa o wzajemność nie znalazła odpowiedzi i niepocieszona nimfa poprosiła bogów o wieczne jedność z ukochaną. A bogowie połączyli nimfę i hermafrodytę w jedno biseksualne stworzenie.
„Artemida z jeleniem”. Ponieważ w mitologia grecka zwierzę uważano za towarzysza lub pomocnika Boga, Artemidę, jako boginię łowów, przedstawiano z łanią.
I w końcu dotarliśmy do słynnego posągu Wenus z Milo.
Posąg odnaleziono w 1820 roku na wyspie Melos na Morzu Egejskim. Znany marmurowa rzeźba wykonane w stylu późnego hellenizmu. Prawdopodobnie powstał on w latach 150-100 p.n.e. przez rzeźbiarza Aleksandra (lub Agesandera) z Antiochii nad Meandrem.
Chłop Georgeschi znalazł Wenus. Chciał sprzedać swoje znalezisko za wyższą cenę, więc na jakiś czas ukrył je w szopie. Tam francuski oficer Dumont-Durville zauważył posągi, który natychmiast rozpoznał boginię w marmurowej kobiecie. Ale Francuz nie miał wystarczających środków, aby kupić Wenus od chłopa. Potem poszedł szukać pieniędzy. A kiedy wrócił, Dumont-Durville dowiedział się, że posąg kupił już pewien urzędnik z Turcji. Wenus była gotowa do działania. Następnie oficer kupił posąg i pospieszył z nim na statek. Ale Turcy odkryli stratę i rzucili się za nią. W walce Venus de Milo straciła ramiona, których nigdy nie odnaleziono.
Ale przewodnik nas zaintrygował: z jednej strony Wenus ma cechy kobiece, z drugiej jednak przyjrzyj się bliżej - widać męski, tułów, a nawet jabłko Adama.
Kolejną gwiazdą Luwru jest posąg Nike z Samotraki. Jest to rzeźba bogini zwycięstwa Nike wykonana z marmuru.
To dzieło sztuki zostało odnalezione w 1863 roku na wyspie Samotraka przez archeologa-amatora Charlesa Champoiseau. Natychmiast wysłał znalezisko do Francji. Obecnie posąg ten stał się wizytówką Luwru, jego skarbem i jednym z najlepszych eksponatów. Nika z Samotraki znajduje się na schodach prowadzących do Daru w Galerii Denon.
Autorem posągu jest rzeźbiarz Pythocrite, prawdopodobnie 190-180 p.n.e. W momencie powstania symbolizował zwycięstwo Rodyjczyków nad flotyllą syryjską. Mieszkańcy wyspy umieścili Nikę na skale nad morzem, na cokole w kształcie dziobu statku. Bogini jest pokazana w ruchu do przodu. Brakuje głowy i ramion posągu, ponieważ nie zostały odnalezione. Nike z Samotraki uważana jest za standard kobiecej urody.
Opuszczenie sali starożytne rzeźby, przenosimy się do sal malarskich.
Nasza grupa była już tak zmęczona, że dosłownie upadła obok obrazów.
Skupię się na bardziej zapadających w pamięć zdjęciach.
Bardziej szczegółowo zastanawialiśmy się nad wielkim artystą Jacquesem Louisem Davidem. To jest jego autoportret.
Koronacja cesarza Napoleona i cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame w Paryżu.
„Przysięga Horatii” 1784 David Jacques Louis.
Ale jeden z najbardziej znane prace Jacques Louis David „Portret Madame Recamier”, napisany przez niego w 1800 roku. Właścicielka genialnego paryskiego salonu, Julie Recamier, zamówiła swój portret u Davida. Zabrał się do pracy, lecz ciągle nie zadowalały go warunki, w jakich przyszło mu pisać. Według niego albo w pokoju było za ciemno, albo też dochodziło stamtąd światło wysoka temperatura. Kiedy skończył, Julie nie podobał się portret, wydawała się jej zbyt niepoważna i poprosiła mistrza, aby dokończył ją na przykład książkę. Ale artysta nie zgodził się. Obraz pozostał ten sam. Julie nie chciała go kupić.
Drugi sławny artysta Jean Auguste Dominique Ingres. Przyjrzyj się uważnie, co intryguje na tym zdjęciu?
Nieproporcjonalność w obrazie. Wzrok kobiety od razu pada na oczy kobiety, po czym czołga się niżej: klatka piersiowa, ramię... I w dół, ramię schodzi w dół i w dół... Ta dysproporcja pozwala stworzyć efekt pieszczoty. Obraz nosi tytuł „Portret Madame Riviere”.
Ale być może jedno z jego słynnych dzieł ” Duży odalisk„. Na tym płótnie dodał trzy dodatkowe kręgi.
Jak zwykle u Ingresa wiarygodność anatomiczna zostaje podporządkowana zadaniom artystycznym: prawa ręka odaliska jest niewiarygodnie długa, a lewa noga jest skręcona pod anatomicznie niemożliwym kątem. Jednocześnie obraz sprawia wrażenie harmonii: ostry kąt, jaki tworzy lewe kolano, jest niezbędny artyście do zrównoważenia kompozycji zbudowanej na trójkątach.
Eugene Delacroix „Śmierć Sardanapala”.
Fabuła obrazu została zaczerpnięta z dramat poetycki Byrona „Sardanapala” (1821). Według legendy ostatni król asyryjski, który słynął ze swojej straszliwej rozpusty, doprowadził kraj do buntu. Sardanapal próbował stłumić bunt, ale bezskutecznie. Potem postanowił popełnić samobójstwo, zamieniając swój tron w stos pogrzebowy. Delacroix celowo zastąpił tron luksusowym łóżkiem i nieco zmienił fabułę Byrona. Na zdjęciu Sardanapal przed popełnieniem samobójstwa rozkazuje zabić na jego oczach ukochanego konia i kobiety ze swojej świty, a także zniszczyć wszystkie swoje skarby.
W katalogu Salonu Delacroix zanotował, że stworzony przez niego wizerunek Sardanapala powinien stać się surowym przestrogą dla wszystkich, którzy nie dążą w swoim życiu do cnót. Jednocześnie współcześni odkryli, że Sardanapal Delacroix wygląda na zbyt spokojnego i wcale nie odczuwa wyrzutów sumienia, a raczej cieszy się krwawym występem, który rozpoczął.
Obraz „Wolność na barykadach”, czyli inaczej „Wolność wiodąca naród” jest jednym z najbardziej znanych zbiory muzealneŻaluzja. Arcydzieło należy do pędzla francuski artysta Eugeniusza Delacroix. Tematem obrazu jest rewolucja lipcowa 1830 roku, która oznaczała koniec reżimu restauracji monarchii Burbonów. Płótno wystawiono publiczności wiosną 1831 roku na Salonie Paryskim. Obraz natychmiast kupiło państwo. W centrum płótna widzimy kobietę, która stała się symbolem wolności. Na głowie czapka frygijska, w prawej ręce flaga Republikanów – trójkolorowa, w lewej – pistolet. Klatka piersiowa kobiety jest nieco naga, co ma na celu okazanie bezinteresowności i odwagi. Wokół kobiety kilku uzbrojonych mężczyzn po cywilnemu. Tło obrazy przesłonięte są dymem prochu ze strzałów. Swoboda wskazuje drogę powstańcom, prowadzi ich.
A teraz w końcu wchodzimy do sali, gdzie jest ONA!
Ona jest tam, w oddali, pod pancernym szkłem!
Można powiedzieć, że mieliśmy szczęście, do Luwru dotarliśmy prawie przed zamknięciem, ludzi było mniej i udało nam się spokojnie, bez pośpiechu zbliżyć do Mony Lisy.
Oczywiście obszedłem ją z obu stron i sprawdziłem poprawność stwierdzenia, ona naprawdę patrzy na ciebie z każdego punktu.
Pełny tytuł obrazu to „Ritratto di Monna Lisa del Giocondo”, co po włosku oznacza „Portret pani Lisy Giocondo”. Na prostokątnym płótnie Leonardo przedstawił ubraną w ciemne ubranie kobietę o wędrującym uśmiechu, wykonaną techniką sfumato. Mona Lisa siedzi półobrócona na krześle. Kobieta ma proste, gładkie włosy, przedzielone i zakryte przezroczystym welonem. Co ciekawe, brwi i czoło Giocondy są ogolone. Siedzi na balkonie lub loggii, skąd się otwiera piękny widok na wzgórza.
Naprzeciwko Mony Lisy znajduje się obraz Cagliari Paolo „Wesele w Kanie”.
Oczywiście nie da się obejść i zobaczyć wszystkiego. Ponadto Luwr posiada największą na świecie przestrzeń wystawienniczą, ze względu na to, że wszystkie pomieszczenia gospodarcze i techniczne wraz z kasami zostały przeniesione pod ziemię. Ale to też nie pomaga i tylko 5% prac zostaje wystawionych, bo już się nie mieszczą. Dlatego sale Luwru są stale uzupełniane płótnami z archiwów, a muzeum można zwiedzać bez końca, ciesząc się coraz większą liczbą nowych dzieł.
Być w Paryżu i nie zajrzeć do Luwru to zbrodnia. Każdy turysta Ci to powie. Jeśli jednak nie przygotowałeś się wcześniej, ryzykujesz, że zgubisz się w tłumie ludzi z aparatami, tabletami i smartfonami i przegapisz najważniejszą rzecz, dla której cały świat stara się odwiedzić największe paryskie muzeum.
Luwr jest ogromny i piękny. Nie sposób nawet w jeden dzień obejrzeć wszystkich eksponatów – jest ich ponad 300 000. Aby nie doznać szoku estetycznego z powodu nadmiaru pięknych rzeczy, trzeba dokonać wyboru. Bright Side postanowiło Ci to ułatwić.
Po co więc jechać do Luwru? Przede wszystkim oczywiście dla Giocondy.
„Mona Lisa” Leonarda da Vinci
La Gioconda Leonarda da Vinci główny eksponatŻaluzja. Wszystkie znaki muzealne prowadzą do tego obrazu. Świetna ilość ludzie codziennie przychodzą do Luwru, aby na własne oczy zobaczyć urzekający uśmiech Mony Lisy. Nigdzie poza Luwrem nie można tego zobaczyć. Ze względu na zły stan obrazu dyrekcja muzeum ogłosiła, że nie będzie już przekazywać go na wystawy.
Mona Lisa nie byłaby tak popularna i znana na całym świecie, gdyby nie została skradziona przez pracownika Luwru w 1911 roku. Zdjęcie odnaleziono dopiero 2 lata później, kiedy złodziej próbował je sprzedać we Włoszech. Przez cały czas trwania śledztwa Mona Lisa nie schodziła z okładek gazet i magazynów na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.
Dziś Mona Lisa ukryta jest za kuloodporną szybą, a barykady powstrzymują tłumy turystów. Zainteresowanie jednym z najbardziej znanych i tajemnicze dzieła malarstwo na świecie nie blaknie.
Wenus z Milo
Drugą gwiazdą Luwru jest biały marmurowy posąg bogini miłości Afrodyty. Słynny starożytny ideał piękna, stworzony w 120 roku p.n.e. mi. Wzrost bogini wynosi 164 cm, proporcje to 86 × 69 × 93.
Według jednej wersji ręce bogini zaginęły w czasie konfliktu pomiędzy Francuzami, którzy chcieli zabrać ją do swojego kraju, a Turkami – właścicielami wyspy, na której została odkryta. Eksperci zapewniają, że ręce posągu zostały odcięte na długo przed jego odkryciem. Jednakże miejscowi wyspy Morza Egejskiego wierzą w inną piękną legendę.
Jeden znany rzeźbiarz poszukiwał modela do stworzenia posągu bogini Wenus. Usłyszał plotkę o kobiecie o niezwykłej urodzie z wyspy Milos. Artysta rzucił się tam, odnalazł piękno i zakochał się w niej po uszy. Otrzymawszy zgodę, zabrał się do pracy. W dniu, w którym arcydzieło było już prawie gotowe, nie mogąc już powstrzymać pasji, rzeźbiarz i model rzucili się sobie w ramiona. Dziewczyna tak mocno przycisnęła rzeźbiarza do piersi, że udusił się i umarł. A rzeźba pozostała bez obu rąk.
Tratwa Meduzy Theodore Géricault
Dziś obraz Theodore’a Géricaulta jest jedną z perełek muzeum. Choć po śmierci artysty w 1824 r. przedstawiciele Luwru nie byli gotowi zapłacić za niego przyzwoitej kwoty, a bliski przyjaciel artysty kupił obraz na aukcji.
Za życia autora płótno wywołało oburzenie i oburzenie: jak artysta śmie używać tak dużego formatu nie do przyjętej wówczas fabuły heroicznej lub religijnej, ale do przedstawienia prawdziwego wydarzenia.
Fabuła obrazu opiera się na incydencie, który miał miejsce 2 lipca 1816 roku u wybrzeży Senegalu. Fregata „Medusa” została rozbita, a 140 osób próbowało uciec na tratwie. Przeżyło tylko 15 z nich i 12 dni później zostali zabrani przez bryg Argus. Szczegóły podróży ocalałych – morderstwa, kanibalizm – zszokowały społeczeństwo i zamieniły się w skandal.
Gericault połączył w jednym obrazie nadzieję i rozpacz, żywych i umarłych. Przed przedstawieniem tego ostatniego artysta wykonał liczne szkice przedstawiające umierających w szpitalach i zwłoki rozstrzelanych. Tratwa Meduzy była ostatnim z ukończonych dzieł Géricaulta.
Nike z Samotraki
Kolejną ozdobą muzeum jest marmurowa rzeźba bogini zwycięstwa. Badacze uważają, że nieznany rzeźbiarz stworzył Nike w II wieku p.n.e. jako znak greckich zwycięstw morskich.
W rzeźbie brakuje głowy i ramion, prawe skrzydło jest rekonstrukcją, gipsową kopią lewego skrzydła. Wielokrotnie próbowano przywrócić ręce posągu, ale bezskutecznie - wszyscy zepsuli arcydzieło. Posąg tracił poczucie lotu i szybkości, niepowstrzymanego pędu do przodu.
Początkowo Nika stała na stromym klifie nad morzem, a jej cokół przedstawiał nos okręt wojenny. Dziś pomnik znajduje się na drugim piętrze Luwru, na schodach prowadzących do Daru w Galerii Denon i jest widoczny z daleka.
Koronacja Napoleona Jacques’a Louisa Davida
Koneserzy sztuki udają się do Luwru, aby zobaczyć monumentalne obrazy francuskiego artysty Jacques’a Louisa Davida „Przysięga Horatii”, „Śmierć Marata” oraz wspaniałe płótno przedstawiające koronację Napoleona.
Pełny tytuł obrazu brzmi: „Konsekracja cesarza Napoleona I i koronacja cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame 2 grudnia 1804 roku”. Dawid wybrał moment, w którym Napoleon koronuje Józefinę, a papież Pius VII udziela mu błogosławieństwa.
Obraz powstał na zamówienie samego Napoleona I, któremu zależało na tym, aby wszystko wyglądało na nim lepiej, niż było w rzeczywistości. Dlatego poprosił Dawida, aby przedstawił swoją matkę, której nie było na koronacji, w samym środku obrazu, aby był trochę wyższy, a Józefina trochę młodsza.
„Amor i Psyche” Antonio Canovy
Istnieją dwie wersje rzeźby. W Luwrze znajduje się pierwsza wersja, podarowana muzeum w 1800 roku przez męża siostry Napoleona, Joachima Murata. Druga, późniejsza wersja znajduje się w Ermitażu w Petersburgu. Został podarowany muzeum przez księcia Jusupowa, który nabył arcydzieło w Rzymie w 1796 roku.
Rzeźba przedstawia boga Kupidyna w momencie przebudzenia Psyche z pocałunku. W katalogu Luwru grupa rzeźbiarska zatytułowany „Psychika przebudzona przez pocałunek Kupidyna”. Aby stworzyć arcydzieło Włoski rzeźbiarz Inspiracja Antonio Canovy starożytne mity greckie o bogu miłości Kupidynie i Psyche, którego Grecy uważali za uosobienie ludzkiej duszy.
To arcydzieło ucieleśnienia zmysłowości w marmurze zdecydowanie warto docenić na żywo.
„Wielka Odaliska” Jeana Ingresa
Ingres namalował Wielką Odaliskę dla siostry Napoleona Caroline Murat. Jednak zdjęcie nigdy nie zostało zaakceptowane przez klienta.
Dziś jest to jeden z najcenniejszych eksponatów Luwru, pomimo oczywistych błędów anatomicznych. Odaliska ma trzy dodatkowe kręgi, prawe ramię jest niewiarygodnie długie, a lewa noga jest skręcona pod niemożliwym kątem. Kiedy obraz pojawił się w salonie w 1819 roku, jeden z krytyków napisał, że w „Odalisce” „nie ma kości, nie ma mięśni, nie ma krwi, nie ma życia, nie ma ulgi”.
Ingres zawsze bez wahania i żalu wyolbrzymiał cechy swoich modeli, aby podkreślić wyrazistość i wartość artystyczną obrazu. I dzisiaj nikomu to nie przeszkadza. „Wielka Odaliska” uważana jest za najbardziej znane i znaczące dzieło mistrza.
„Niewolnicy” Michała Anioła
Wśród najbardziej cenne eksponaty W Luwrze dwie rzeźby Michała Anioła: słynna „Niewolnik zmartwychwstały” i „Niewolnik umierający”. Powstały w latach 1513-1519 dla nagrobka papieża Juliusza II, jednak nigdy nie zostały uwzględnione wersja ostateczna grobowce.
Według zamysłu rzeźbiarza w sumie posągów miało być sześć. Ale Michał Anioł nie ukończył pracy nad czterema z nich. Dziś znajdują się w Galerii Accademia we Florencji.
Dwie ukończone posągi w Luwrze stanowią kontrast pomiędzy silnym młodzieńcem próbującym zerwać swoje więzy, a innym młodzieńcem wiszącym w nich bezradnie. Pokonani, związani, umierający ludzie u Michała Anioła jednak jak zawsze zadziwiająco piękni i silni.
Siedzący posąg Ramzesa II
Luwr posiada jedną z najbogatszych kolekcji egipskich antyków na świecie. Arcydziełem kultury starożytnego Egiptu, które trzeba zobaczyć na własne oczy, jest posąg słynnego faraona Ramzesa II.
Będąc w sali egipskich starożytności, nie przegap posągu siedzącego skryby o zaskakująco żywym wyrazie twarzy.
Koronkarka Jana Vermeera
Obrazy Vermeera są o tyle interesujące, że badacze znajdują w nich dowody na to, że wielcy artyści, począwszy od renesansu, używali optyki do pisania swoich dzieł. realistyczne obrazy. W szczególności podczas tworzenia Koronkarki Vermeer rzekomo użył kamery obscura. Na zdjęciu widać wiele efektów optycznych stosowanych w fotografii, np.: rozmyty pierwszy plan.
W Luwrze można zobaczyć także obraz Vermeera „Astronom”. Przedstawia przyjaciela artysty i pośmiertnego zarządcę Anthony'ego van Leeuwenhoeka, naukowca i mikrobiologa, wyjątkowy mistrz który stworzył własne mikroskopy i soczewki. Podobno dostarczył Vermeerowi optykę, za pomocą której artysta malował swoje arcydzieła.
Ktoś odwiedza stolicę Francji w interesach lub w poszukiwaniu drogich butików, ktoś szuka rozrywki, a kogoś przyciąga niesamowita architektura, historia i sztuka. Luwr w Paryżu stał się miejscem pielgrzymek milionów ludzi, którzy przybywają z najodleglejszych zakątków świata, aby na własne oczy zobaczyć jego skarby. Harmonijnie łączy przeszłość z teraźniejszością, a nawet Piramida w Luwrze - struktura naszych dni, rezonuje w sercach podróżników nie mniej niż tajemniczy obraz Mony Lisy.
Wszechstronność Musée du Louvre
Luwr słusznie nosi miano najpopularniejszego i największego muzeum sztuki, zajmującego powierzchnię 160 106 metrów kwadratowych. m (pod wystawami 58 470 mkw.). Jeśli w dalszym ciągu będziemy opierać się na liczbach, to liczba odwiedzin rocznie wygląda imponująco – ponad 9 milionów osób.
Zdobądź Paris Museum Pass, która zapewnia bezpłatny wstęp do ponad 60 muzeów w Paryżu!!! Karnet muzealny kupisz tutaj
Gdzie jest Luwr?
Luwr zlokalizowany jest w centralnej części miasta, na prawym brzegu Sekwany, wzdłuż Alei Rivoli, w budynku dawnego pałacu królewskiego, zlokalizowanego pomiędzy świątynią Saint-Germain-l'Auxerroy a Ogrodem Tuileries. Obok stoi pomnik, na którym Ludwik XIV popisuje się na rozbrykanym koniu, od którego wywodzi się główna oś historyczna Paryża.
Muzeum zgromadziło w swoich salach niesamowitą liczbę zabytków reprezentujących nie tylko minione epoki Europy, ale także kulturę innych krajów: Egiptu i Grecji, Bliskiego Wschodu i Iranu, Afryki, Oceanii i Ameryki.
Luwr dzieli się swoimi zbiorami z innymi muzeami, które w określony sposób prezentują dzieła sztuki (prymitywizm, religia starożytna, nowoczesny kierunek, impresjonizm i postimpresjonizm itp.). Obrazy, rzeźby i inne artefakty można podziwiać w ścianach Orsay, Quai Branly i Guimet Museum, a także w oddziałach Luwru, zlokalizowanych w przemysłowym francuskim mieście Lance oraz w Abu Zabi w Zjednoczonych Emiratach Arabskich .
Co oznacza „Luwr”?
Niewątpliwie nazwa pałacu brzmi pięknie, jednak etymologów zainteresowało dotarcie do sedna jego pochodzenia. Opracowywanych jest kilka wersji, a najpopularniejsze to trzy:
- Na budowę wybrano miejsce zwane „Lupara” (Lupara). Nie udało się jednak dowiedzieć, skąd wzięło się to określenie, przypuszcza się jednak, że pochodzi ono od łacińskiego „tocznia” (toczeń), co oznacza „toczeń”. Dziś tak nazywa się tę chorobę, jednak w czasach Filipa-Augusta, który rządził Francją na przełomie XII-XIII w., nazwa ta mogła oznaczać siedlisko wilków.
- Bliższa prawdy jest druga wersja pochodzenia nazwy, zgodnie z którą „lauer” lub „niższy” w języku starofrancuskim oznacza „wieżę strażniczą”.
- Inną wiarygodną teorię wysunął XVII-wieczny historyk A. Soval, który uważał, że derywatami są słowa pochodzenia innego niż łacińskie „leower ou less, leovar, lovar lub kochanek”, czyli „fort”, „fortyfikacja”.
Jeśli jednak ciekawość budzi pochodzenie tego słowa, to historia samego pałacu jest znacznie dłuższa i bardziej pasjonująca, prowadząc do początek XII wieków, kiedy były w pełnym rozkwicie Krucjaty i polowanie na heretyków.
Historia Luwru
W 1190 roku wyruszając na kolejną kampanię wojskową z Ryszardem Lwie Serce (nazywanym także Ryszardem Tak i Nie ze względu na skłonność do zmiany zdania pod wpływem rozmówcy), król Filip II August, aby nie opuszczać swego ziemie przeznaczone na rozerwanie przez zachłannych krewnych (zwłaszcza dynastię Plantagenetów) i innych wnioskodawców, ufundował budowę bariery twierdzy z wieżami.
Budowa trwała 20 lat, w wyniku czego po obu stronach Sekwany pojawiły się dwie ściany - Nelskaya i Luwr. Przed tym ostatnim wyrósł zamek, który później stał się pałacem królewskim. Stopniowo Luwr zamienił się w fort nie do zdobycia z dziesiątkami wież, radykalnie różniący się od obecnego luksusowego budynku. Kamienne mury o grubości 2,5 m obwieszone były strzelnicami, najeżonymi wysokimi krenelażami, a wokół nich biegła wodna fosa z wysoko wciętymi brzegami.
W tamtych czasach zamek królewski znajdował się na zachodzie wyspy Cite, a nowa twierdza stała się składnicą skarbca, arsenału wojskowego i służyła za więzienie. Dopiero za Karola V status budowli uległ zmianie i z bastionu obronnego stopniowo przekształcił się w przytulne i piękne gniazdo.
Zmiana priorytetów - od nudnej szarości do bujnej dekoracji
Dla wygody rodziny królewskiej a luksusowe apartamenty z budynkami mieszkalnymi i schodami frontowymi. W ścianach trzeba było przebić okna, a na dachu wyrosły kominy i ładne sterczyny. Przewieziono tu także ogromny księgozbiór, a 973 woluminy położyły podwaliny pod bibliotekę królewską.
Jednak dopiero od 1546 roku, za czasów Franciszka I, Luwr stał się oficjalną rezydencją królewską. Do jego uszlachetnienia zaprosili architekta Pierre'a Lescauta i rzeźbiarza Jeana Goujona, którzy nadali budynkowi wygląd w duchu epoki renesansu. Architekt pracował nad południowo-zachodnim skrzydłem tzw. Kwadratowego Dziedzińca.
Udało mu się połączyć wykwintne fasety, ścisłe zestawienia pionów i poziomów z bogactwem i wyrafinowaniem rzeźb tak umiejętnie, że skrzydło Lescaut jest dziś uznawane za niezrównane dzieło architektury francuskiego renesansu. Znajduje się po lewej stronie od wyjścia z Dziedzińca Kwadratowego, sąsiadując z Dziedzińcem Napoleońskim.
W 1564 r. do poprawy przyczyniła się „czarna” królowa Katarzyna Medycejska, o której na zawsze zapadła pamięć za sprowokowanie nocy Bartłomieja. Jej pomysł zakładał ogród na terenie sąsiadującym z Luwrem. Planowała więc zawsze pozostać blisko rządzących synami kraju, pomagając im mądrymi radami i instrukcjami.
Świeże formy architektury i galeria mistrzów
W 1589 roku, po długiej walce o władzę, Henryk IV zasiadł na tronie francuskim i natychmiast przystąpił do obmyślonego przez siebie „Wielkiego Projektu”. Sprząta resztki średniowieczne budynki na przedłużenie wewnętrznego patio i łączy Luwr i Tuileries z Wielką Galerią o długości 210 metrów.
Nad projektem pracowali architekci Louis Metezo i Jacques Androuet, przeznaczając dolne piętro na warsztaty i wszelkiego rodzaju sklepy, a za czasów Czerwonego Kardynała Richelieu działała tu drukarnia z Mennica. W XVII wiek galeria w Luwrze chroniła mistrzów, którzy nie zaliczali się do rodziny warsztatów prawniczych.
Dekret królewski stwierdzał, że jego terytorium powinno być wyposażone w taki sposób, aby zaspokoić potrzeby wielkich magów w dziedzinie malarstwa, rzeźby, biżuterii i zegarmistrzostwa, wytwarzania broni ostrej, perfumerii, dywanów i sztuka orientalna, produkcja instrumentów fizycznych i rur do fontann.
W rzeczywistości ci mistrzowie pracowali pod ciepłym i przytulnym skrzydłem monarchy. Nienależący do żadnego oficjalna szkoła mogli produkować towary, swobodnie je sprzedawać bez zgłaszania się do warsztatów, a także szkolić własnych uczniów.
To niesamowicie rozgniewało sklepikarzy, którzy nie mogli nic na to poradzić i z bezsilności oświadczyli, że prawdziwi i uczciwi przedstawiciele ich biznesu nigdy nie zgodziliby się na pracę w Luwrze. Oczywiście te głośne stwierdzenia nie miały żadnej mocy.
Podczas gdy oficjalne cechy się przechwalały, rzemieślnicy pracujący w galerii pałacu królewskiego prosperowali, tworząc piękne przykłady luksusu. Co więcej, mogli tu pracować przedstawiciele dowolnej narodowości, a na ogromnym placu koegzystowali Turcy ze swoimi słynnymi malowanymi dywanami, holenderscy kuźnicy, wielu Włochów i Flamandów wraz z innymi przedstawicielami narodów.
W 1620 roku architekt Jean Lemercier zrealizował osobisty projekt budowy głównego budynku Kwadratowego Dziedzińca – pawilonu Zegarowego, który posiadał trzy łukowe przejścia.
Ponieważ było za mało miejsca, proponował czterokrotne powiększenie terytorium, jednak pomysł ten mógł zostać zrealizowany dopiero za panowania kolejnego z rzędu Ludwika, „Króla Słońce”.
Wraz z pojawieniem się nowego właściciela zawsze nadchodzą duże zmiany. Ludwik XIV nie był wyjątkiem i z zapałem podjął się udoskonalania dziedzictwa, uwzględniając indywidualny gust.
Zburzono stare budynki, powiększono terytoria, zbudowano nowe, a Kolumnada Wschodnia stała się znakiem rozpoznawczym tego okresu.
Architekt Giovanni Lorenzo Bernini z Włoch proponował generalnie radykalne rozwiązanie – całkowite zniszczenie budynku i zbudowanie na jego miejscu zupełnie nowego, odpowiadającego duchowi obecnej epoki. Widać w tym nieodparte pragnienie dalszego wysławiania swojego imienia za życia i wpisania go na zawsze na tablicach historii, gdyż zaproponował on własny plan urzeczywistnienia tej idei.
Jego pomysł został przyjęty wrogo przez innych architektów i dworzan monarchy, dlatego też nie było mu przeznaczone urzeczywistnienie. Ale inni architekci, wykorzystując ulubione narzędzie francuskiego dworu, a mianowicie intrygę i przekupstwo, zadbali o to, aby ich plany przebudowy budynku spotkały się z pozytywnym odzewem.
Po wybudowaniu Kolumnady Wschodniej w 1680 roku król znudził się stolicą i Luwrem i przeniósł się z całą swoją świtą do. Ale galeria pałacu wciąż się rozrastała. Aspirowało tu coraz więcej rzemieślników, a starzy ludzie stopniowo rozbudowywali działające biura. Tworzył na przykład rzeźbiarz w metalu, ebonista i złotnik André-Charles Boulle biznes rodzinny wraz z czterema synami zainstalował w warsztacie 18 maszyn, na których rzeźbiono przedmioty z hebanu.
On stworzył poszczególne części, a następnie je zmontował, tworząc biurka i inne meble, ozdobione mozaikami i eleganckimi elementami z miedzi; wykwintne koperty do zegarków; kolorowe drewniane regały z wbudowanymi lustrami; eleganckie żyrandole; przycisk.
Przekształcenie pałacu w muzeum
Zaraz się zakręcę Pałac Królewski do muzeum zaczęto rozmawiać już w XVIII wieku za czasów Ludwika XV. Proces, który się za niego rozpoczął, zakończył się rewolucją francuską.
Po raz pierwszy sale Luwru przyjęły pierwszych zwiedzających w sierpniu 1793 roku.
Opiekował się nim dalej Napoleon I, a w okresie I Cesarstwa nosiło nazwę „Muzeum Napoleona”. Następnie pałeczka przeszła w ręce Napoleona III, w którym zakończono wszelkie prace nad kolejną restrukturyzacją, i zespół architektoniczny pojawiło się skrzydło północne, rozciągające się wzdłuż alei Rivoli.
Nie stało się to jednak ostatecznym wcieleniem Luwru. Stało się to w 1871 roku, kiedy skończył się pożar, który zniszczył Tuileries podczas oblężenia Komuny Paryskiej.
Stosunkowo nową innowacją była piramida w Luwrze, całkowicie złożona ze szkła.
Jej prototypem jest Piramida Cheopsa (Giza) – największa z obecnie znanych w Egipcie. Waga szklanej kopii wynosi około 180 ton, wysokość 21,65 m, długość podstawy 35 m, a kąt nachylenia 52 stopnie, a sama konstrukcja składa się z 70 części trójkątnych i 603 części w kształcie rombu.
Otaczają go małe fontanny i trzy mniejsze piramidalne figury, które służą jako oświetlenie. Zespół został zaprojektowany przez Claude’a Angle’a, amerykańskiego architekta o chińskich korzeniach. Budowę prowadzono w latach 1985-1989 i początkowo wywołała ona wrzawę, co jest zupełnie naturalne dla Paryża.
Dziś dość trudno wyobrazić sobie Luwr bez przeszklonej konstrukcji służącej za wejście z kasami biletowymi, zwłaszcza po wydaniu powieści D. Browna „Kod da Vinci”, w której autor postanowił pochować Marię Magdalenę, jak symbol Świętego Graala w odwróconej części konstrukcji.
Istnieje inna zabawna wersja, według której na dnie piramidy spoczywa Francois Mitterrand, prezydent Francji z okresu, gdy zakończono budowę budowli.
Ona przyciąga kreatywni ludzie i jeden dzień artysta uliczny JR, znany ze swoich obszernych dzieł, postanowił zaimponować mieszkańcom stolicy i turystom niecodzienną iluzją. NA Odwrotna strona Budynek balu posiada czarno-białą fotografię pałacu w jego rzeczywistych rozmiarach z dokładnym powtórzeniem wszystkich szczegółów. Pod pewnym kątem zdjęcie idealnie wpasowało się w architekturę budynku, jednocześnie sprawiając, że piramida zniknęła, jakby rozpłynęła się w powietrzu.
Budowanie zbiorów
Początkowe 2500 eksponatów znajdujących się w salach wystawowych to kolekcje obrazów Franciszka I i Ludwika XIV. Ten ostatni kupił od bankiera E. Zhabacha 200 obrazów oraz legendarną „La Giocondę” Leonarda i Rafaela” piękny ogrodnik” zostały kiedyś nabyte przez Franciszka I wraz z resztą kolekcji, będącej własnością samego da Vinci, ale sprzedane po zakończeniu jego ziemskich dni.
Luwr w Paryżu gromadził swoje skarby na różne sposoby. Część przeniesiono tu z innych sklepów, część podarowano za życia właścicieli lub pozostawiono w spadku po ich śmierci, inne skonfiskowano w czasie niepokojów rewolucyjnych, zdobyto w kampaniach wojskowych lub na stanowiskach archeologicznych.
Wśród słynne rzeźby Venus de Milo, zdobyta przez ambasadora Francji z Turcji zaraz po odnalezieniu. Nike z Samotraki została odkryta w 1863 roku na wyspie Samotraki przez francuskiego archeologa C. Champoiseau. Niestety posąg został podzielony na kilka części i trzeba było go złożyć jak puzzle.
Obecnie Luwr, a wcześniej pałac królów francuskich, nie stracił wraz ze zmianą statusu swojego luksusu i nawet szklana piramida zainstalowana na środku placu obok niego nie umniejsza historycznego uroku.
Będąc najczęściej odwiedzanym i niepowtarzalnym, prezentuje kolekcje obrazów i szkiców, rycin, przedmiotów z brązu, rzeźb i gobelinów, ceramiki i porcelany, szlachetnej biżuterii i przedmiotów z kości słoniowej gromadzonych przez wiele dziesięcioleci. W jego magazynach znajduje się ponad 300 000 niesamowitych eksponatów, ale tylko niewielka część (35 000) wypełnia jednocześnie sale Luwru.
W zbiorach znajdują się artefakty starożytnych cywilizacji, wszystkich okresów średniowiecza, a także perły pierwszych połowa XIX wiek. Tutaj w całej okazałości prezentuje się starożytny Wschód, Grecja, Rzym i Etruria, kompozycje rzeźbiarskie i słynne posągi, sztuka islamu, grafika i sztuki wizualne oraz różne interesujące przedmioty.
Każdy temat ma swoje własne sale i Specjalna uwaga poświęcona kulturze Egiptu, której świadectwa przeszłości mieszczą się w 20 pokojach. Raz to duża kolekcja należał do Francois-Jeana Champolliona, któremu udało się rozszyfrować egipskie hieroglify.
Dział poświęcony tej tematyce został założony przez króla Karola X wiosną 1826 roku. Dziś tak rozbudowany panoptykon dzieli się na 3 części: Egipt rzymski i koptyjski; ekspozycja chronologiczna; ekspozycja tematyczna. Równie interesujące są ekspozycje poświęcone Grecji, Rzymowi i Etrurii.
Wenus z Milo patrzy na ciebie leniwie od niepamiętnych czasów i Ganimedes o czymś myśli, majestatyczny Nick z Samotraki rozkłada skrzydła nawet bez głowy i rąk, Adonis i Apollo zamarli w zrelaksowanej pozie, witają Aleksandra Wielkiego i Atenę z Velletri rozległy gest.
W kolekcji rzeźb muzeum początkowo preferowało posągi antyczne (z wyjątkiem dzieł Michała Anioła), ale w połowa XIX wieku postanowiono wyznaczyć 5 nowych obszarów ekspozycji powstałych wcześniej średniowiecznych rzeźb renesansowych XVIII wiek. Nieco później (w 1850 r.) zbiór rzeźb rozmył okres średniowiecza.
Wśród obiektów sztuki wciąż znajduje się sporo unikalnych artefaktów, ale ten panoptykon stale się poszerza, obejmują nowe figurki, gobeliny, meble, biżuterię o fantastycznej urodzie od średniowiecza do XIX wieku.
Słynne obrazy Luwru, to absolutnie oszałamiający, fantastyczny wybór 6000 obrazów przedstawiających obrazy Leonarda Da Vinci, Eugène Delacroix, Diego Velázqueza, Raphaela i jego ucznia Luca Penny, Andrei Mantegny, Paula Rubensa, Tycjana Vecellio, Rembrandta Harmenszoon van Rijn i wielu innych autorów, których wyliczenie jest w pewnym momencie bardzo trudne.
Jednak główną atrakcją muzeum jest niewątpliwie kobieta o najbardziej tajemniczym uśmiechu, o rozwiązanie którego od wieków zmagają się czcigodni znawcy malarstwa – Mona Lisa Leonarda da Vinci.
Patrząc na arcydzieła świata, mimowolnie myślisz: co czuli i chcieli przekazać artyści swoimi płótnami, w jakie szaleństwa zawędrowali? Jakie namiętności przeżyli, jaki los czekał każdego z nich, ile wzlotów i upadków, triumfów i rozczarowań doświadczyli? Jak często doświadczali upokorzenia, uzależnieni od rzadkich promieni chwały?
Na tle tego wszystkiego pasje życiowe szkoda nawet, że miliony ludzi, mijając wielkie dzieła, rzucały na nie tylko pobieżne spojrzenie, próbując szybko przejść dalej.
Zwiedzanie Luwru zamienia się w maraton, podczas którego trzeba zobaczyć i uchwycić na zdjęciu jak najwięcej. Nie ma czasu, aby zdać sobie sprawę, że za każdym pociągnięciem kryje się dusza artysty, jego udręki i udręki, nieprzespane noce, chęć przekazania Głównym punktem, własny światopogląd i cała epoka. Ale nie należy za to winić ludzi, ponieważ dokładniejsze przestudiowanie każdego eksponatu zajmie co najmniej 4 lata!
Malowidła Luwru (galeria zdjęć)
1 z 22
Obrazów różnych malarzy było tak dużo, że zdecydowano się przenieść te, które powstały po 1848 r.
Sale Luwru
Każda sala Luwru to konkurs szyku, bogactwa i pompatyczności. W Galerii Apollo zapierają dech w piersiach przepiękne płótna w otoczeniu aniołów i oprawione w złoto.
W salonie Napoleona wyraźnie widać ukochany przez dowódcę styl Empire. Oparcia krzeseł obite bogatymi tkaninami, podobnie jak sofy z kręconymi nogami, przypominają harfę; Z sufitu zwisają wielopoziomowe kryształowe żyrandole, a ściany zdobią obrazy, pulchne aniołki, sztukaterie i mnóstwo złoceń.
Luwr (panorama wewnątrz)
Wędrując po ogromnych salach w potoku turystów, trudno sobie wyobrazić, że w licznych pomieszczeniach tkano niegdyś spiski, a szlachta i przekupiona służba wpadali za ciężkimi zasłonami w splątane korytarze pałacu, aby pozbyć się niestosownego faworyta. .
Belphegor duch Luwru
Nie jest tajemnicą, że na dworze kwitły przekupstwa, plotki i inne oszustwa. Na przestrzeni lat w jego murach zginęło wiele osób, a obecnie zbiory muzeum stale uzupełniają się świeżymi mumiami, nic więc dziwnego, że zrodziło to wiele plotek i legend, w których główną rolę przypisany duchom.
Belphegor, Upiór z Luwru to nie tylko mistyczny film napisany przez Daniela Thompsona z Sophie Marceau w roli głównej, ale także jedna z lokalnych legend. Mówi się, że arcydemon naprawdę przemierza nocą korytarze, rzucając laskę i obojętnych gości na najbardziej ukryte okropności.
Ponadto, jeśli uda Ci się zatrzymać 9 czerwca do późna w pobliżu apartamentów Katarzyny Medycejskiej, możesz mieć szczęście spotkać ducha królowej Joanny, która została przez nią zabita zatrutymi rękawiczkami. Tego dnia odeszła do innego świata, a teraz próbuje wyrównać rachunki z dręczycielem, przychodząc co roku do swojej sypialni z przezroczystym duchem.
Oczywiście nie zabrakło też tajemniczej Białej Damy, której wizerunek w Europie uważany jest za zły znak.
Bilety do Luwru
Bilety do muzeum kosztują 15 euro, a aby zwiedzanie było pouczające, można zabrać ze sobą audioprzewodnik za 5 euro. Otwarte w każdą pierwszą niedzielę od października do marca bezpłatnie.
Wolne wejście także dla młodzieży do lat 18, rzeźbiarzy i artystów, osób ubogich, osób niepełnosprawnych i ich osób towarzyszących, dla obywateli UE w wieku 18-25 lat.
Panorama Luwru
Gdzie jest Luwr, jak do niego dotrzeć i godziny otwarcia
Luwr jest wyjątkowy kompleks muzealny, jeden z największych na świecie. Ekspozycje zajmują 58 470 metrów kwadratowych, a łączna powierzchnia muzeum wynosi 160 106 m². Historia Luwru jest bogata w wydarzenia i obejmuje około 700 lat. Początkowo była to twierdza, którą później przekształcono w pałac królewski.
Luwr został założony w XII wieku przez Filipa Augusta (króla Francji). Od momentu powstania Luwr przeszedł liczne przebudowy i renowacje. Wszyscy królowie francuscy, którzy nawet nie mieszkali na stałe w Luwrze, starali się wnieść coś nowego do wyglądu budowli.
Dla króla Filipa Augusta Luwr był fortecą, główne zadanie która polegała na ochronie zachodnich podejść do Paryża, zatem Luwr był potężną budowlą z centralną wieżą.
Za panowania Karola V twierdza została przekształcona w rezydencję królewską. To właśnie ten król zainicjował przebudowę twierdzy na budynek odpowiedni na pobyt króla. Pomysł zrealizował architekt Reymond de Templelu, który zadbał także o niezawodną ochronę króla, otaczając budowlę potężnymi murami twierdzy.
Około do koniec XVIIIw wieku, wszystkie prace przy budowie Luwru zostały pomyślnie zakończone.
Muzeum otrzymało pierwszych gości w listopadzie 1793 r. Początkowo głównym źródłem uzupełniania funduszy Luwru były zbiory królewskie zgromadzone przez Franciszka I, Ludwika XIV. W chwili założenia muzeum kolekcja liczyła już 2500 obrazów.
Do chwili obecnej w Luwrze znajduje się 350 000 eksponatów, z których część jest przechowywana.
Harmonogram:
Poniedziałek - 9:00-17:30
Wtorek - Zamknięte
Środa - 9:00-21:30
Czwartek - 9:00-17:30
Piątek - 9:00-21:30
Sobota - 9:00-17:30
niedziela - 9:00-17:30
Oficjalna strona muzeum: louvre.fr
Większość Paryżan uważa Luwr za swoją największą atrakcję. Jednak szklana piramida, zaprojektowana przez amerykańskiego architekta chińskiego pochodzenia Yeo Ming Peo, zdaniem mieszkańców miasta, nie pasuje do renesansowego pałacu. Budynek ten ma takie same parametry jak Piramida egipska Cheopsa. Tworzy wrażenie przestrzeni i światła, a także pełni rolę głównego wejścia do muzeum.
Fabuła
Historycznie rzecz biorąc, architektura Luwru zawsze łączyła wiele stylów. Zapoczątkował go król Filip August, który w XII wieku zbudował fortecę obronną na zachodniej granicy Paryża. Po pierwsze, służyła jako repozytorium królewskiego archiwum i skarbca.
Następnie za panowania króla Karola V przekształcono go w apartamenty królewskie. Architekci epoki renesansu przebudowali zespół pałacowy, dążąc do osiągnięcia praktycznie niemożliwego celu, jakim było zaspokojenie gustów dwóch królów: Franciszka I i Henryka IV, których pomnik stoi obecnie na Nowym Moście. Zniszczono główną część murów twierdzy i zbudowano ogromną galerię łączącą Luwr z istniejącym wówczas Pałacem Tuileries.
Na początku XVII w. Henryk IV, darzący wielką sympatią sztukę, zaprosił artystów do zamieszkania w pałacu. Obiecał im przestronne sale warsztatowe, mieszkania i rangę malarzy pałacowych.
Ludwik XIV praktycznie położył kres prestiżowi Luwru jako rezydencji królów. Wraz z całym dworem przeniósł się do Wersalu, a artyści, rzeźbiarze i architekci osiedlali się w Luwrze. Byli wśród nich Jean-Honore Fragonard, Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Guillaume Coustout. To wtedy Luwr podupadł do tego stopnia, że zaczęto planować jego rozbiórkę.
Na końcu rewolucja Francuska nadano nazwę Luwr Muzeum Centralne sztuka. Jednocześnie Napoleon Trzeci zrealizuje to, o czym marzył Henryk IV - skrzydło Richelieu zostało dołączone do Luwru. Stała się lustrzanym odbiciem galerii Hauts-Borde-de-l'Eau. Ale Luwr przez długi czas wcale nie stał się symetryczny – w czasach Komuny Paryskiej spłonął Pałac Tuileries, a wraz z nim solidna część Luwru.
Kolekcja
Dziś Luwr to ponad 350 tysięcy dzieł sztuki i około 1600 pracowników, którzy organizują funkcjonowanie muzeum. Zbiory zlokalizowane są w trzech skrzydłach budynku: wzdłuż ulicy Rivoli znajduje się skrzydło Richelieu; skrzydło Denon biegnie równolegle do Sekwany, a kwadratowy dziedziniec otacza skrzydło Sully.
Starożytny Wschód i islam. Przedmioty wystawione w salach starożytna sztuka obszary od Zatoki Perskiej po Bosfor, w szczególności Mezopotamię, kraje Lewantu i Persję.
Kolekcja Luwru zawiera ponad 55 000 dzieł sztuki starożytnego Egiptu. Ekspozycja prezentuje wytwory rzemiosła starożytnych Egipcjan – pluszaki, papirusy, rzeźby, talizmany, obrazy i mumie.
Sztuka Starożytna Grecja, Etruskowie i starożytny Rzym. To owoce twórczych poszukiwań w odtworzeniu człowieka i szczególnej wizji piękna. Właściwie to właśnie w tych salach prezentowane są główne walory rzeźbiarskie Luwru – te, które zwiedzający muzeum zazwyczaj chcą zobaczyć w pierwszej kolejności. Są to posągi Apolla i Wenus z Milo, datowane na setny rok p.n.e., a także posąg Nike z Samotraki, który w postaci 300 fragmentów odnaleziono tysiąc lat po jego powstaniu.
Na drugim piętrze prezentowana jest sztuka dekoracyjna i użytkowa. Zobaczysz wszelkiego rodzaju przedmioty: tron Napoleona I i unikalne gobeliny, miniatury, porcelanę i biżuterię, szlachetny brąz, a nawet korony królewskie.
Piwnicę i pierwsze piętra skrzydeł Richelieu i Denon Wing zajmuje bogata kolekcja francuskich rzeźb, a także niewielka liczba eksponatów z Włoch, Holandii, Niemiec i Hiszpanii. Wśród nich znajdują się dwa dzieła wielkiego Michała Anioła, które nazywane są „Niewolnikiem”.
W Luwrze znajduje się jedna z największych na świecie kolekcji obrazów i oczywiście szkoła francuska, jest prezentowana w muzeum w najbardziej kompleksowy sposób.
Mona Lisa
Głównym dziełem, które turyści chcą przede wszystkim zobaczyć, jest Mona Lisa (La Gioconda) Leonarda da Vinci. Obraz ten znajduje się w skrzydle Denona, w osobnym, niewielkim pomieszczeniu – Sal des Eta, do którego można wejść jedynie z Wielkiej Galerii.
Sala ta została wybudowana niedawno, specjalnie po to, aby umożliwić turystom obejrzenie najbardziej rozpoznawalnego obrazu na świecie bez wpadania na siebie, choć jest schowana za dwiema warstwami szkła.
Obraz powstał ponad 500 lat temu i był ulubionym dziełem da Vinci. Istnieje opinia, że Leonardo namalował autoportret Ubrania Damskie i łączy w sobie dwie zasady – yin i yang. Jeśli spojrzysz Mona Lisie w oczy, to podbródek znajduje się w odległej strefie widzenia, co sprawia wrażenie nieuchwytnego uśmiechu. A jeśli spojrzysz na usta, uśmiech w tym znika i kryje się w nim tajemnica.
Pomimo swojej wielkości sama Gioconda jest jeszcze mniejsza niż jej reprodukcje w sklepach z pamiątkami w Luwrze.
220 lat temu, 10 sierpnia 1793 roku, Luwr został otwarty dla zwiedzających. Sama budowla na przestrzeni prawie dziesięciu wieków przeszła wiele przekształceń, od mrocznej twierdzy z XII wieku po pałac Króla Słońce i najpopularniejszy i najbardziej popularny słynne muzeum pokój. Dzisiejszy Luwr to kilkaset tysięcy eksponatów, cztery piętra z ekspozycjami o łącznej powierzchni 60 600 metrów kwadratowych (Ermitaż – 62 324 metrów kwadratowych). Dla porównania: to prawie dwa i pół Placu Czerwonego (23 100 mkw.) i ponad osiem boisk piłkarskich stadionu Łużniki (powierzchnia boiska - 7140 mkw.).
„W Luwrze jest coś do zobaczenia” – o tym wiedzą wszyscy. I być może prawie wszyscy wymienią główne eksponaty muzeum: „Mona Lisa” Leonarda da Vinci, Nike z Samotraki i Wenus z Milo, stela z prawami Hamurappiego i tak dalej i tak dalej… W zeszłym roku według oficjalnych danych muzeum odwiedziło ponad dziewięć i pół miliona osób, krążą legendy o tłumach oblegających Mona Lisę, a także o kieszonkowcach w Luwrze, a portale podróżnicze radzą przygotowywać się do jego wizyty niemal jak na wycieczkę: zabierz ze sobą jedzenie, wybierz wygodne ubrania i buty.
Odrzucając podejście formalne, projekt Weekend wybrał dziesięć eksponatów Luwru, nie mniej znanych i pięknych niż te wymienione powyżej, które z łatwością mogą przeoczyć nawet nie najbardziej uważny i kompetentny turysta.
Mitologiczny demon („Naznaczony”).
Baktria.
Koniec II - początek III tysiąclecie PNE.
Skrzydło Richelieu, parter (-1). Sztuka starożytnego Wschodu (Iran i Baktria). Sala numer 9.
Starożytne artefakty tradycyjnie przyciągają mniej uwagi niż dzieła wielkich artystów i rzeźbiarzy. Oglądanie wielu drobnych eksponatów, a często nawet fragmentów czegoś, uważane jest za masę „fanów”. A w oknach skrzydła Richelieu o powierzchni 22 tys. , wysokość nieco niespełna 12 centymetrów, figurka w biegu.To „człowiek z żelaza” pochodzący z Baktrii i mający ponad 5 tysięcy lat (datowany na koniec II – początek III tysiąclecia p.n.e.) Baktria to państwo założone przez Greków po podbojach Aleksandra Wielkiego w rejonie północnego Afganistanu na przełomie III i IV tysiąclecia p.n.e. Do chwili obecnej odnaleziono jedynie cztery w całości zachowane tego typu figurki, z czego jedną nabył Luwr w 1961 roku. Przyjmuje się, że odnaleziono je w Iranie, w pobliżu miasta Sziraz. : jego twarz jest zniekształcona długą blizną. Według badaczy blizna symbolizowała jakieś rytualne, niszczycielskie działanie. Tułów przykryty krótką przepaską biodrową pokryty jest wężowymi łuskami i podkreśla wężowy charakter postaci. Sugeruje to, że tak właśnie przedstawiano antropomorficznego demona-smoka, czczonego w Azji. Kim są owi „oznaczeni”, można się tylko domyślać, najwyraźniej byli to personifikacje duchów, być może dobrych, być może złych.
Materac Hermafrodyta
Śpiąca hermafrodyta.
Rzymska kopia oryginału z II w. n.e. mi. (materac dodany przez Berniniego w XVII wieku)
Skrzydło Sully, parter (1). Sala nr 17 Sala Kariatyd.
Jeśli nie ominiecie znajdującej się w tej samej hali Wenus z Milo, otaczający ją tłum turystów jest dobrym przewodnikiem, to pobliską „Śpiącą Hermafrodytę” można łatwo ominąć, jeśli skręcicie w złą stronę. Według legendy syn Hermesa i Afrodyty był bardzo przystojnym młodym mężczyzną, a zakochana w nim nimfa Salmakida poprosiła bogów, aby zjednoczyli ich w jedno ciało. Rzeźba ta, uważana za rzymską kopię greckiego oryginału z II wieku n.e. e., trafił do muzeum w początek XIX wieku ze zbiorów rodziny Borghese. W 1807 roku Napoleon poprosił księcia Camillo Borghese, który był jego zięciem, o sprzedaż części przedmiotów znajdujących się w kolekcji. Z oczywistych względów propozycji cesarza nie można było odrzucić. Marmurowy materac i poduszka, na których spoczywała Hermafrodyta, zostały dodane w 1620 roku przez Giovanniego Lorenzo Berniniego, barokowego rzeźbiarza, którego patronem był kardynał Borghese. Jednak ten szczegół podkreśla raczej anegdotyczną stronę kompozycji, która raczej nie była częścią pomysłu. Autor grecki. Z rzeźbą wiąże się także wierzenie, o którym czasami mówią przewodnicy muzealni: podobno mężczyźni, dotykając śpiącego mężczyzny, zwiększają w ten sposób swoją męską siłę.
Dorzecze Saint Louis
Miska to „Czcionka St. Louis”. (na zdjęciu fragment to jeden z medalionów)
Syria lub Egipt, około 1320-1340
Chrzcielnica (lub chrzcielnica) St. Louis jest wymieniana wśród najważniejszych eksponatów podziemi, ale niewiele osób ma siłę zejść tutaj po zwiedzeniu głównych atrakcji muzeum. Wykonana z mosiądzu i zdobiona srebrem i złotem misa uznawana jest za arcydzieło sztuki mameluckiej, wcześniej należała do skarbów kaplicy Sainte-Chapelle, a w 1832 roku trafiła do zbiorów muzeum. Ta duża umywalka była częścią francuskiej kolekcji królewskiej, w środku można zobaczyć herb Francji. Rzeczywiście służyła jako chrzcielnica na chrzcie Ludwika XIII i syna Napoleona III, ale nie św. Ludwika IX, mimo że nazwa była do niej „przyklejona”. Przedmiot ten powstał znacznie później: pochodzi z lat 1320-1340, a Ludwik IX zmarł w 1270 roku.
Shah Abbas i jego strona
Muhammad Kazim.
Portret Szacha Abbasa I i jego pazia (Szach Abbas obejmujący stronę).
Iran, Isfahan, 12 marca 1627
Skrzydło Denona, parter. Sala Sztuki Islamskiej.
W tym samym pomieszczeniu warto zwrócić uwagę na dość znany rysunek przedstawiający Szacha Abbasa i jego podczaszego, który bardziej przypomina dziewczynę. Abbas I (1587-1629) to najważniejszy przedstawiciel dynastii Safiwidów, uznawany za założycieli współczesnego Iranu. Za jego panowania sztuki piękne osiągają swój szczyt rozwoju, obrazy stają się bardziej realistyczne i dynamiczne. Na tym rysunku Shah Abbas jest ukazany w stożkowym kapeluszu z szerokim rondem, który wprowadził do mody, obok pazia trzymającego kubek wina. Pod koroną drzewa, po prawej stronie, widnieje nazwisko artysty – Muhammad Kazim (jeden z znani mistrzowie tego czasu i najwyraźniej nadworny malarz Abbasa) - i krótki wiersz: „Niech życie da ci to, czego pragniesz z trzech ust: twojego kochanka, rzeki i kielicha”. Na pierwszym planie strumień, którego woda była niegdyś srebrzona. Wiersz można interpretować także symbolicznie, w tradycji perskiej istniało wiele wersetów adresowanych do kamerdynera. Rysunek trafił do muzeum w 1975 roku.
Portret dobrego króla
Nieznany artysta szkoły paryskiej.
Portret Jana II Dobrego, króla Francji.
Około 1350 r
Skrzydło Richelieu, drugie piętro. Malarstwo francuskie. Sala numer 1.
Ten obraz nieznany artysta połowy XIV w. uważany jest za najstarszy indywidualny portret w sztuce europejskiej. Studia nad wczesnymi mistrzami malarstwa francuskiego zaczęto badać stosunkowo niedawno, bo w drugiej połowie XIX wieku, a większość ich dzieł zaginęła podczas wojen i rewolucji. Panowanie Jana Dobrego, które przypadło na lata wojny stuletniej, nie było łatwe: pokonany przez Brytyjczyków w bitwie pod Poitiers, dostał się do niewoli i uwięziony w Londynie, gdzie podpisał porozumienie o swojej abdykacji. Według legendy portret został namalowany w Tower of London, a jego autorstwo przypisuje się Girardowi z Orleanu. Interesujący fakt: został ostatnim francuskim monarchą noszącym imię Jan.
Madonna na korytarzu
Leonardo da Vinci.
Madonna w skałach.
1483-1486 lat.
Skrzydło Denona, Wielka Galeria, pierwsze piętro. Malarstwo włoskie. Sala numer 5.
Duża galeria skrzydła Denona, oprócz słynnej sceny z filmu Jeana-Luca Godarda „Gang outsiderów” z bohaterami biegnącymi po Luwrze, znana jest z tego, że „niezauważona” piękna Madonna Leonarda i wiele innych dzieł powiesić tutaj malarze włoscy w tym Caravaggia. „Niezauważona przez nikogo” – to oczywiście mówi się głośno, ta sama „Madonna w skałach” jest jedną z najbardziej znane obrazy na świecie, a mimo to, rozpoczynając wyścig od mety pod Mona Lisą, turyści niestety często mijają to wspaniałe dzieło, dla którego warto stać jeszcze kilka minut. Istnieją dwie wersje tego obrazu. Ten przechowywany w Luwrze powstał w latach 1483-86, a pierwsza wzmianka o nim (w inwentarzu francuskiej kolekcji królewskiej) pochodzi z 1627 roku. Drugi, należący do Londynu Galeria Narodowa, został napisany później w 1508 roku. Obraz stanowił centralną część tryptyku przeznaczonego dla mediolańskiego kościoła San Francesco Grande, nigdy jednak nie został przekazany klientowi, dla którego artysta namalował drugą, londyńską wersję. Pełna czułości i spokoju scena kontrastuje z dziwnym krajobrazem stromych klifów, geometrią kompozycji, miękkimi półtonami, a także słynną „mgiełką” sfumato, tworząc niezwykłą głębię w przestrzeni tego obrazu. No cóż, nie można nie wspomnieć o jeszcze jednej „wersji” treści tego zdjęcia, która kilka lat temu dręczyła fanów Dana Browna, którzy wywrócili treść zdjęcia do góry nogami.
Szukam pcheł
Giuseppe Marii Crespi.
Kobieta szukająca pcheł.
Około 1720-1725
Skrzydło Denona, pierwsze piętro. Malarstwo włoskie. Sala nr 19 (sale na końcu Wielkiej Galerii).
Obraz boloński autorstwa Giuseppe Marii Crespiego jest jednym z ostatnich nabytków muzeum, otrzymanym w prezencie od Towarzystwa Przyjaciół Luwru. Crespi był wielkim wielbicielem malarstwa holenderskiego, a zwłaszcza scen rodzajowych. Istniejąca w kilku wersjach „Kobieta poszukująca pcheł” najwyraźniej była częścią serii obrazów (obecnie zaginionych), które opowiadają o życiu pewnej piosenkarki od początków jej kariery do ostatnie lata kiedy stała się pobożna. Takie prace w żadnym wypadku nie są kluczowe dla twórczości artysty, ale dają nowoczesny mężczyznażywe przedstawienie realiów tamtych czasów, kiedy ani jedna przyzwoita osoba nie mogła obejść się bez łapacza pcheł.
Kaleki, nie rozpaczajcie
Pietera Brueghela Starszego.
Kaleki.
1568.
Skrzydło Richelieu, drugie piętro. Malarstwo Holandii. Sala numer 12.
To niewielkie dzieło starszego Brueghela (tylko 18,5 na 21,5 cm) jest jedynym w całym Luwrze. Nie zauważyć, że jest to łatwiejsze niż kiedykolwiek, i to nie tylko ze względu na rozmiar, efekt rozpoznania – „jeśli na zdjęciu jest dużo małych ludzi, to jest to Brueghel” – może nie zadziałać od razu. Dzieło zostało podarowane muzeum w 1892 roku i w tym czasie narodziło się wiele interpretacji fabuły obrazu. Niektórzy postrzegali to jako odzwierciedlenie wrodzonej słabości ludzka natura, inne - satyra społeczna (karnawałowe nakrycia głowy postaci mogą symbolizować króla, biskupa, mieszczanina, żołnierza i chłopa) czy krytyka polityki prowadzonej we Flandrii przez Filipa II. Jednak do tej pory nikt nie podjął się wyjaśnienia postaci z miską w dłoniach (w tle) oraz lisich ogonów na ubraniach bohaterów, choć niektórzy dopatrują się tu nawiązania do corocznego święta biednych, Koppermaandag . Tajemniczości obrazu dodaje napis na odwrocie, którego widzowie nie widzą: „Kaleka, nie rozpaczaj, a twój biznes może prosperować”.
Jeden z najbardziej znane obrazy Hieronima Boscha nie jest tak, że nie znają się „z widzenia”. Być może położenie nie przemawia na korzyść dzieła: niedaleko wejścia do małej sali, a nawet z takimi sąsiadami jak „Autoportret” Albrechta Dürera i „Madonna kanclerza Rolina” van Eycka, a także niedaleko siostry d'Estre, niezwykłe Kompozycja tej pracy nieznanego francuskiego artysty – nagich kobiet siedzących w łazience, z których jedna szczypie drugą w sutek – sprawiła, że obraz stał się nie mniej popularny niż sama Mona Lisa. Ale wracając do Boscha, ci, którzy uważnie się rozglądają, nigdy za nim nie tęsknią. „Statek głupców” jest częścią nie zachowanego tryptyku, którego dolny fragment uznawany jest obecnie za „Alegorię obżarstwa i pożądania” z Galeria Sztuki Uniwersytet Yale. Zakłada się, że „Statek głupców” jest pierwszą z kompozycji artysty o tematyce wad społecznych. Bosch porównuje zdeprawowane społeczeństwo i duchowieństwo do szaleńców, którzy wcisnęli się do niesfornej łodzi i pędzą ku śmierci. Obraz został podarowany Luwrowi przez kompozytora i krytyka sztuki Camille’a Benois w 1918 roku.
Obowiązkowymi punktami zwiedzania Luwru są dwie „holenderskie perły jego kolekcji” – obrazy Jana Vermeera „Koronkarz” i „Astronom”. Jednak jego poprzednik Pieter de Hooch, którego „Pijak” wisi w tym samym pomieszczeniu, często omija uwagę przeciętnego turysty. A jednak warto zwrócić uwagę na tę pracę i nie tylko ze względu na przemyślaną perspektywę i żywą kompozycję, artyście udało się oddać subtelne niuanse relacji pomiędzy bohaterami obrazu. Każdy uczestnik tej szarmanckiej sceny pełni specyficzną rolę: żołnierz nalewa drinka młodej kobiecie, która nie jest już trzeźwa, jego przyjaciel siedzący przy oknie jest prostym obserwatorem, ale druga kobieta jest wyraźnie sprośną, która wydaje się targować w tym momencie. Podpowiada znaczenie sceny i znajdującego się w tle obrazu, przedstawiającego Chrystusa i grzesznika.
Przygotowane przez Natalię Popową
Numery pięter są podane tradycja europejska, tj. parter jest pierwszym rosyjskim.