Każdego roku arcydzieło podziwia ponad osiem milionów odwiedzających. Jednak to, co widzimy dzisiaj, tylko w niewielkim stopniu przypomina oryginalne stworzenie. Od chwili powstania obrazu dzieli nas ponad 500 lat...
OBRAZ ZMIENIA SIĘ PRZEZ LATA
Mona Lisa zmienia się jak prawdziwa kobieta... Przecież dzisiaj mamy przed sobą obraz wyblakłej, wyblakłej twarzy kobiety, pożółkłej i przyciemnionej w miejscach, gdzie wcześniej widz mógł widzieć odcienie brązu i zieleni (nie bez powodu współcześni Leonarda niejednokrotnie podziwiali świeże i jasne kolory płócien włoskiego artysty).
Portret nie uniknął niszczącego działania czasu i zniszczeń spowodowanych licznymi renowacjami. A drewniane podpory pomarszczyły się i pokryły pęknięcia. Właściwości pigmentów, spoiw i lakierów ulegają na przestrzeni lat zmianom pod wpływem reakcji chemicznych.
Zaszczytne prawo do stworzenia serii zdjęć Mony Lisy w najwyższej rozdzielczości otrzymał francuski inżynier Pascal Cotte, wynalazca kamery wielospektralnej. Efektem jego pracy były szczegółowe zdjęcia obrazu w zakresie od ultrafioletu do podczerwieni.
Warto dodać, że Pascal spędził około trzech godzin na tworzeniu fotografii „nagiego” obrazu, czyli bez ramy i szkła ochronnego. Jednocześnie korzystał z unikalnego skanera własnego wynalazku. Efektem pracy było 13 fotografii arcydzieła o rozdzielczości 240 megapikseli. Jakość tych obrazów jest absolutnie wyjątkowa. Analiza i weryfikacja uzyskanych danych zajęła dwa lata.
ZREkonstruowane piękno
W 2007 roku na wystawie „Geniusz Da Vinci” po raz pierwszy ujawniono 25 tajemnic obrazu. Tutaj po raz pierwszy zwiedzający mogli cieszyć się oryginalnym kolorem farb Mony Lisy (czyli kolorem oryginalnych pigmentów, których użył da Vinci).
Fotografie przedstawiały czytelnikom obraz w oryginalnej formie, podobnej do tej, jaką widzieli współcześni Leonarda: niebo w kolorze lapis lazuli, karnacja w ciepłym różu, wyraźnie zarysowane góry, zielone drzewa...
Fotografie Pascala Cotteta wykazały, że Leonardo nie ukończył obrazu. Obserwujemy zmiany w ułożeniu dłoni modelki. Widać, że początkowo Mona Lisa podpierała narzutę dłonią. Można było również zauważyć, że początkowo wyraz twarzy i uśmiech były nieco inne. A plama w kąciku oka to uszkodzenie powłoki lakierniczej przez wodę, najprawdopodobniej na skutek wisiewania obrazu przez jakiś czas w łazience Napoleona. Możemy również stwierdzić, że niektóre fragmenty obrazu z biegiem czasu stały się przezroczyste. I zobacz, że wbrew współczesnej opinii Mona Lisa miała brwi i rzęsy!
KTO JEST NA ZDJĘCIU
"Leonardo podjął się wykonania portretu Mony Lisy, swojej żony, dla Francesco Giocondo i po czterech latach pracy pozostawił go niedokończonego. Malując portret, kazał ludziom grać na lirze lub śpiewać, zawsze byli też błazny, którzy odsunął się od „Jej melancholii i utrzymywał ją w dobrej kondycji. Dlatego jej uśmiech jest taki przyjemny”.
Jedyny dowód na to, jak powstał obraz, należy do współczesnego da Vinci, artysty i pisarza Giorgio Vasariego (choć w chwili śmierci Leonarda miał zaledwie osiem lat). Na podstawie jego słów od kilku stuleci portret kobiecy, nad którym mistrz pracował w latach 1503-1506, uważany jest za wizerunek 25-letniej Lisy, żony florenckiego magnata Francesco del Giocondo. Tak napisał Vasari – i wszyscy w to wierzyli. Ale najprawdopodobniej jest to pomyłka i na portrecie jest inna kobieta.
Dowodów jest wiele: po pierwsze, nakrycie głowy to welon żałobny wdowy (w międzyczasie Francesco del Giocondo żył długo), a po drugie, jeśli był klient, to dlaczego Leonardo nie dał mu tej pracy? Wiadomo, że artysta zatrzymał obraz w swoim posiadaniu, a w 1516 roku opuszczając Włochy, wywiózł go do Francji, za co król Franciszek I zapłacił za niego w 1517 roku 4000 florenów w złocie, co było wówczas fantastyczną sumą. Nie dostał jednak także „La Giocondy”.
Artysta nie rozstał się z portretem aż do śmierci. W 1925 roku historycy sztuki zasugerowali, że połowa przedstawia księżną Konstancję d'Avalos – wdowę po Federico del Balzo, kochance Giuliano Medici(brat papieża Leona X). Podstawą hipotezy był sonet poetki Eneo Irpino, w którym wspomina się o jej portrecie pędzla Leonarda. W 1957 roku Włoch Carlo Pedretti przedstawił inną wersję: w rzeczywistości jest to Pacifica Brandano, kolejna kochanka Giuliano Medici. Pacifica, wdowa po hiszpańskim szlachcicu, miała łagodne i pogodne usposobienie, była dobrze wykształcona i potrafiła uhonorować każde towarzystwo. Nic więc dziwnego, że tak pogodna osoba jak Giuliano zbliżyła się do niej, dzięki czemu na świat przyszedł ich syn Ippolito.
W pałacu papieskim Leonardo otrzymał pracownię z ruchomymi stołami i rozproszonym światłem, które tak uwielbiał. Artysta pracował powoli, szczegółowo dopracowując szczegóły, zwłaszcza twarz i oczy. Pacifica (jeśli to ona) wyszła na zdjęciu jak żywa. Widzowie byli zdumieni, a często przerażeni: wydawało im się, że zamiast kobiety na zdjęciu pojawi się potwór, coś w rodzaju syreny morskiej. Nawet krajobraz za nią zawierał coś tajemniczego. Słynny uśmiech nie był w żaden sposób kojarzony z ideą prawości. Było tu raczej coś z dziedziny czarów. To właśnie ten tajemniczy uśmiech zatrzymuje, niepokoi, fascynuje i przywołuje widza, jakby zmuszając go do wejścia w telepatyczne połączenie.
Artyści renesansu maksymalnie poszerzyli filozoficzne i artystyczne horyzonty twórczości. Człowiek wszedł w konkurencję z Bogiem, naśladuje Go, ma obsesję na punkcie wielkiego pragnienia tworzenia. Zostaje przez niego schwytany prawdziwy świat, od którego średniowiecze odwróciło się na rzecz świata duchowego.
Leonardo da Vinci dokonał sekcji zwłok. Marzył o przejęciu władzy nad naturą poprzez naukę zmiany kierunku rzek i osuszania bagien, chciał ukraść ptakom sztukę lotu. Malarstwo było dla niego eksperymentalnym laboratorium, w którym nieustannie poszukiwał nowych i nowych środków wyrazu. Geniusz artysty pozwolił mu dostrzec prawdziwą istotę natury za żywą fizycznością form. I tu nie sposób nie wspomnieć o ulubionym przez mistrza subtelnym światłocieniu (sfumato), które było dla niego rodzajem aureoli zastępującej średniowieczną aureolę: jest to w równym stopniu bosko-ludzki i naturalny sakrament.
Technika sfumato pozwoliła ożywić krajobrazy i zaskakująco subtelnie oddać grę uczuć na twarzach w całej jej zmienności i złożoności. Czego Leonardo nie wymyślił, mając nadzieję na realizację swoich planów! Mistrz niestrudzenie miesza różne substancje, próbując je uzyskać wieczne kolory. Jego pędzel jest tak lekki, tak przezroczysty, że w XX wieku nawet analiza rentgenowska nie ujawniła śladów jego uderzenia.Po wykonaniu kilku pociągnięć odkłada obraz do wyschnięcia. Jego oko dostrzega najdrobniejsze niuanse: blask słońca i cienie jednych obiektów na innych, cień na chodniku oraz cień smutku lub uśmiechu na twarzy. Prawa ogólne rysowanie, konstruowanie perspektywy jedynie sugeruje ścieżkę. Z naszych własnych poszukiwań wynika, że światło ma zdolność zaginania i prostowania linii: „Zanurzenie obiektów w środowisku świetlno-powietrznym oznacza w istocie zanurzenie ich w nieskończoności”.
CZEŚĆ
Zdaniem ekspertów nazywała się Mona Lisa Gherardini del Giocondo,… Choć może Isabella Gualando, Isabella d’Este, Filiberta Sabaudii, Constance d’Avalos, Pacifica Brandano… Kto wie?
Dwuznaczność jego pochodzenia tylko przyczyniła się do jego sławy. Przeszła przez wieki w blasku swojej tajemnicy. Portret długich lat” dworzanka w przezroczystym welonie” była ozdobą kolekcji królewskich. Widziano ją albo w sypialni Madame de Maintenon, albo w komnatach Napoleona w Tuileries. Ludwik XIII, który jako dziecko bawił się w Wielkiej Galerii, gdzie wisiała, nie zgodził się ją aż do księcia Buckingham, oświadczając: „Nie można się rozstać” z obrazem uważanym za najlepszy na świecie.” Wszędzie – zarówno w zamkach, jak i w kamienicach – starano się „nauczyć” swoje córki słynny uśmiech.
Więc piękny obraz zamienił się w modny znaczek. Popularność obrazu zawsze była duża wśród profesjonalnych artystów (znanych jest ponad 200 egzemplarzy La Giocondy). Dała początek całej szkole, inspirując takich mistrzów jak Raphael, Ingres, David, Corot. Z koniec XIX wieku zaczęto wysyłać listy do „Mony Lisy” z wyznaniami miłości. A jednak w dziwnie rozwijających się losach obrazu brakowało jakiegoś dotyku, jakiegoś oszałamiającego wydarzenia. I tak się stało!
21 sierpnia 1911 w gazetach ukazał się sensacyjny nagłówek: „La Gioconda” została skradziona!”. Energicznie szukano obrazu. Opłakiwano go. Obawiano się, że zdechł, spalony przez niezręcznego fotografa, który go fotografował. z magnezowym błyskiem w plenerze. We Francji „La Giocondę” opłakiwali nawet uliczni muzycy. „Baldassare Castiglione” Raphaela, zainstalowany w Luwrze w miejscu zaginionego, nikomu nie odpowiadał – przecież było po prostu „zwykłym” arcydziełem.
La Giocondę odnaleziono w styczniu 1913 roku, ukrytą w skrytce pod łóżkiem. Złodziej, biedny włoski emigrant, chciał zwrócić obraz swojej ojczyźnie, Włochom.
Kiedy idol wieków powrócił do Luwru, pisarz Théophile Gautier sarkastycznie zauważył, że uśmiech stał się „szyderczy”, a nawet „triumfujący”? szczególnie w przypadkach, gdy adresowany był do osób, które nie są skłonne ufać anielskim uśmiechom. Społeczeństwo podzieliło się na dwa walczące obozy. Jeśli dla niektórych był to tylko obraz, choć doskonały, to dla innych było to prawie bóstwo. W 1920 roku na łamach magazynu Dada awangardowy artysta Marcel Duchamp dodał do fotografii „najbardziej tajemniczego z uśmiechów” krzaczaste wąsy i dołączył do karykatury początkowe litery słów „ona nie może tego znieść”. W tej formie przeciwnicy bałwochwalstwa wyrażali swoją irytację.
|
GŁÓWNY SEKRET...
...Ukryty, oczywiście, w jej uśmiechu. Jak wiadomo, są różne uśmiechy: szczęśliwy, smutny, zawstydzony, uwodzicielski, kwaśny, sarkastyczny. Ale żadna z tych definicji w tym przypadku nie dobrze. W archiwach Muzeum Leonarda da Vinci we Francji można znaleźć wiele różnych interpretacji zagadki słynnego portretu.
Pewien „ogólny specjalista” zapewnia, że osoba przedstawiona na zdjęciu jest w ciąży; jej uśmiech jest próbą uchwycenia ruchu płodu. Kolejna upiera się, że uśmiecha się do swojego kochanka... Leonarda. Niektórzy uważają nawet, że obraz przedstawia mężczyznę, ponieważ „jego uśmiech jest bardzo atrakcyjny dla homoseksualistów”.
Według brytyjskiego psychologa Digby'ego Questegi, zwolennika tej drugiej wersji, Leonardo pokazał w tej pracy swój utajony (ukryty) homoseksualizm. Uśmiech „La Giocondy” wyraża całą gamę uczuć: od zażenowania i niezdecydowania (co powiedzą współcześni i potomkowie?), po nadzieję na zrozumienie i przychylność.
Z punktu widzenia dzisiejszej etyki założenie to wygląda całkiem przekonująco. Pamiętajmy jednak, że moralność w okresie renesansu była znacznie spokojniejsza niż dzisiejsza, a Leonardo nie robił tajemnicy ze swoich orientacja seksualna. Jego uczniowie zawsze byli piękniejsi niż utalentowani; Jego sługa Giacomo Salai cieszył się szczególną łaską. Inna podobna wersja? „Mona Lisa” to autoportret artystki. Niedawne komputerowe porównanie cech anatomicznych twarzy Giocondy i Leonarda da Vinci (na podstawie autoportretu artysty wykonanego czerwonym ołówkiem) wykazało, że geometrycznie pasują do siebie idealnie. Zatem Giocondę można nazwać żeńską formą geniuszu!.. Ale przecież uśmiech Giocondy jest jego uśmiechem.
Taki tajemniczy uśmiech był rzeczywiście charakterystyczny dla Leonarda; o czym świadczy choćby obraz Verrocchio „Tobiasz z rybą”, na którym Archanioł Michał jest namalowany wraz z Leonardem da Vinci.
Zygmunt Freud również wyraził swoją opinię na temat portretu (oczywiście w duchu freudyzmu): „Uśmiech Giocondy jest uśmiechem matki artysty”. Ideę twórcy psychoanalizy poparł później Salvador Dali: "We współczesnym świecie istnieje prawdziwy kult kultu Giocondy. Było wiele zamachów na życie La Giocondy, kilka lat temu próbowano nawet rzucać kamieniami u niej - wyraźne podobieństwo do agresywnego zachowania wobec własnej matki.Jeśli pamiętasz, co pisał o Leonardo da Vinci Freudzie, a także wszystko, co mówi się o podświadomości artysty w jego obrazach, łatwo możemy stwierdzić, że kiedy Leonardo pracował na La Giocondzie zakochał się w swojej matce. Zupełnie nieświadomie namalował nową istotę, obdarzoną wszelkimi możliwymi oznakami macierzyństwa”. Jednocześnie uśmiecha się ona jakoś dwuznacznie. Cały świat widział i widzi dzisiaj w tym dwuznaczny uśmiech o bardzo wyraźnym odcieniu erotyki. A co dzieje się z nieszczęsnym biednym widzem, który wpadł w kompleks Edypa? Przychodzi do muzeum. Muzeum jest instytucją publiczną. W jego podświadomości jest to po prostu burdel lub po prostu burdel.I w tym właśnie burdelu widzi obraz będący prototypem zbiorowego wizerunku wszystkich matek. Bolesna obecność własnej matki, rzucającej łagodne spojrzenie i obdarzającej dwuznacznym uśmiechem, popycha go do popełnienia przestępstwa. Łapie pierwszą rzecz, jaka mu wpadnie w ręce, powiedzmy kamień, i rozdziera obraz, popełniając tym samym akt matkobójstwa”.
LEKARZE stawiają diagnozę na podstawie uśmiechu...
Z jakiegoś powodu uśmiech Giocondy szczególnie niepokoi lekarzy. Dla nich portret Mony Lisy jest idealną okazją do przećwiczenia stawiania diagnozy bez obawy o konsekwencje błędu medycznego.
Tym samym słynny amerykański otolaryngolog Christopher Adur z Oakland (USA) ogłosił, że Gioconda ma paraliż twarzy. W swojej praktyce nazwał ten paraliż nawet „chorobą Mony Lisy”, osiągając najwyraźniej efekt psychoterapeutyczny poprzez wpajanie pacjentom poczucia zaangażowania w wysoki poziom artystyczny. Pewien japoński lekarz jest absolutnie pewien, że Mona Lisa miała wysoki poziom cholesterolu. Dowodem na to jest typowy dla tej choroby guzek na skórze pomiędzy lewą powieką a podstawą nosa. Co oznacza: Mona Lisa nie jadła dobrze.
Joseph Borkowski, amerykański dentysta i znawca malarstwa, uważa, że kobieta na obrazie, sądząc po wyrazie jej twarzy, straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył blizny wokół ust Mony Lisy. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla osób, które utraciły przednie zęby” – mówi ekspert. Do rozwiązania zagadki przyczynili się także neurofizjolodzy. Ich zdaniem nie chodzi tu o modelkę czy artystę, ale o publiczność. Dlaczego wydaje nam się, że uśmiech Mony Lisy blednie, a potem pojawia się ponownie? Neurofizjolog z Uniwersytetu Harvarda, Margaret Livingston, uważa, że przyczyną tego nie jest magia sztuki Leonarda da Vinci, ale specyfika ludzkiego wzroku: pojawianie się i znikanie uśmiechu zależy od tego, na którą część twarzy Mony Lisy skierowany jest wzrok. Istnieją dwa rodzaje widzenia: centralne, zorientowane na szczegóły i peryferyjne, mniej wyraźne. Jeśli nie skupiasz się na oczach „natury” lub starasz się objąć wzrokiem całą jej twarz, Gioconda uśmiecha się do Ciebie. Jednak gdy tylko skupisz wzrok na ustach, uśmiech natychmiast znika. Co więcej, uśmiech Mony Lisy można odtworzyć, mówi Margaret Livingston. Dlaczego pracując nad kopią, musisz spróbować „narysować usta, nie patrząc na nie”. Ale wydawało się, że tylko wielki Leonardo wie, jak to zrobić.
|
Niektórzy praktykujący psychologowie twierdzą, że Sekret Mony Lisy jest prosty: uśmiecha się do siebie. Właściwie to jest rada dawana współczesnym kobietom: pomyśl, jaka jesteś cudowna, słodka, miła, wyjątkowa - warto się radować i uśmiechać do siebie. Noś swój uśmiech naturalnie, niech będzie szczery i otwarty, płynący z głębi Twojej duszy. Uśmiech zmiękczy Twoją twarz, usunie z niej ślady zmęczenia, niedostępności, sztywności, które tak odstraszają mężczyzn. Nada Twojej twarzy tajemniczy wyraz. A wtedy będziesz mieć tylu fanów, co Mona Lisa.
SEKRET CIEN I ODCIENI
Tajemnice nieśmiertelnego stworzenia od wielu lat nękają naukowców z całego świata. Naukowcy wykorzystali wcześniej promienie rentgenowskie, aby zrozumieć, w jaki sposób Leonardo da Vinci tworzył cienie na swoim wielkim dziele.Mona Lisa była jednym z siedmiu dzieł Da Vinci badanych przez naukowca Philipa Waltera i jego współpracowników. Badanie pokazało, w jaki sposób zastosowano ultracienkie warstwy glazury i farby, aby uzyskać płynne przejście od światła do ciemności. Wiązka promieni rentgenowskich pozwala na badanie warstw bez uszkadzania płótna
Technika używana przez Da Vinci i innych artystów renesansu znana jest jako sfumato. Za jego pomocą można było stworzyć na płótnie płynne przejścia tonów lub kolorów.
Jednym z najbardziej szokujących odkryć naszych badań jest to, że na płótnie nie widać ani jednej kreski ani odcisku palca” – powiedział Walter, członek grupy.
Wszystko jest takie idealne! Dlatego obrazów Da Vinci nie dało się poddać analizie – nie dawały łatwych wskazówek” – kontynuowała.
Wcześniejsze badania ustaliły już podstawowe aspekty technologii sfumato, ale zespół Waltera odkrył nowe szczegóły dotyczące tego, w jaki sposób wielkiemu mistrzowi udało się osiągnąć taki efekt. Grupa korzystała prześwietlenie w celu określenia grubości każdej warstwy nałożonej na płótno. W efekcie udało się ustalić, że Leonardo da Vinci potrafił nakładać warstwy o grubości zaledwie kilku mikrometrów (tysięcznych milimetra), przy czym łączna grubość warstwy nie przekraczała 30 – 40 mikrometrów.
TAJEMNICZNY KRAJOBRAZ
Za Moną Lisą legendarne płótno Leonarda da Vinci przedstawia nie abstrakcyjny, ale bardzo konkretny krajobraz – obrzeża północnowłoskiego miasta Bobbio – mówi badaczka Carla Glori, której argumenty przytacza w poniedziałek 10 stycznia dziennik Daily Gazeta telegraficzna.
Glory doszła do takich wniosków po tym, jak dziennikarz, pisarz, odkrywca grobu Caravaggia i szef Włoskiego Narodowego Komitetu Ochrony dziedzictwo kulturowe Silvano Vinceti poinformował, że widział na płótnie Leonarda tajemnicze litery i cyfry. W szczególności pod łukiem mostu znajdującego się na lewo od Mona Lisy (czyli z punktu widzenia widza po prawej stronie zdjęcia) odkryto cyfry „72”. Sam Vinceti uważa je za nawiązanie do niektórych mistycznych teorii Leonarda. Według Glory jest to wskazówka na rok 1472, kiedy przepływająca obok Bobbio rzeka Trebbia wylała z brzegów, zburzyła stary most i zmusiła rządzącą w tych stronach rodzinę Visconti do zbudowania nowego. Resztę widoku uważa za krajobraz, który otwierał się z okien miejscowego zamku.
Wcześniej Bobbio było znane przede wszystkim jako miejsce, w którym znajduje się ogromny klasztor San Colombano, który stał się jednym z prototypów „Imienia róży” Umberto Eco.
W swoich wnioskach Carla Glory idzie jeszcze dalej: jeśli scena nie znajduje się w centrum Włoch, jak wcześniej sądzono naukowców, opierając się na fakcie, że Leonardo rozpoczął pracę na płótnie w latach 1503-1504 we Florencji, ale na północy, to jego model nie jest jego żoną kupiecką Lisą del Giocondo, a córką księcia Mediolanu Bianki Giovanna Sforza.
Jej ojciec, Lodovico Sforza, był jednym z głównych klientów Leonarda i znanym filantropem.
Glory uważa, że artysta i wynalazca odwiedził go nie tylko w Mediolanie, ale także w Bobbio, miasteczku ze słynną wówczas biblioteką, również podlegającą mediolańskim władcom, jednak sceptyczni eksperci twierdzą, że zarówno cyfry, jak i litery odkryte przez Vincetiego w źrenicach Mony Lisy nic innego jak pęknięcia, które powstały na płótnie na przestrzeni wieków... Nikt nie może jednak wykluczyć, że zostały one specjalnie naniesione na płótno...
CZY SEKRET WYJAŚNIONY?
W zeszłym roku profesor Margaret Livingston z Uniwersytetu Harvarda stwierdziła, że uśmiech Mony Lisy jest widoczny tylko wtedy, gdy spojrzy się na inne rysy jej twarzy, a nie na usta kobiety przedstawionej na portrecie.
Margaret Livingston przedstawiła swoją teorię na dorocznym spotkaniu Amerykańskiego Stowarzyszenia na rzecz Postępu Nauki w Denver w Kolorado.
Zanik uśmiechu przy zmianie kąta widzenia wynika z procesów zachodzących w ludzkim oku informacja wizualna– twierdzi amerykański naukowiec.
Istnieją dwa rodzaje widzenia: bezpośrednie i peryferyjne. Direct dobrze dostrzega szczegóły, gorzej - cienie.
Nieuchwytny charakter uśmiechu Mony Lisy można wytłumaczyć faktem, że prawie w całości zlokalizowany jest w zakresie niskich częstotliwości światła i jest dobrze postrzegany jedynie przez widzenie peryferyjne – stwierdziła Margaret Livingston.
Im częściej patrzysz bezpośrednio na swoją twarz, tym mniej wykorzystujesz widzenie peryferyjne.
To samo dzieje się, jeśli spojrzysz na jedną literę drukowanego tekstu. Jednocześnie inne litery są postrzegane gorzej, nawet z bliskiej odległości.
Da Vinci zastosował tę zasadę i dlatego uśmiech Mony Lisy jest widoczny tylko wtedy, gdy spojrzy się na oczy lub inne części twarzy kobiety przedstawionej na portrecie...
Złóż puzzle
Komentarz
Podobny
Ulubione
„Mona Lisa”, „La Gioconda” czy „Portret pani Lisy del Giocondo” (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) to najbardziej słynny obraz Leonardo da Vinci i być może najsłynniejszy obraz na świecie. Od ponad pięciu stuleci Mona Lisa hipnotyzuje świat swoim uśmiechem, którego naturę próbuje wyjaśnić wielu naukowców i historyków. Według najnowszych danych portret powstał w latach 1503-1519. Istnieją dwie wersje obrazu Leonarda, wcześniejsza znajduje się w kolekcji prywatnej, a druga jest eksponowana w Luwrze.
KOMENTARZE: 47 Pisać
„Mona Lisa”, „La Gioconda” czy „Portret Lady Lisy del Giocondo” (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) to najsłynniejszy obraz Leonarda da Vinci i być może najsłynniejszy obraz na świecie. Od ponad pięciu stuleci Mona Lisa hipnotyzuje świat swoim uśmiechem, którego naturę próbuje wyjaśnić wielu naukowców i historyków. Według najnowszych danych portret powstał w latach 1503-1519.
Istnieją dwie wersje obrazu Leonarda, wcześniejsza znajduje się w kolekcji prywatnej, a druga jest eksponowana w Luwrze. Według jednej wersji modelką Leonarda nie była Lisa Gherardini, ale uczennica artysty Salai, której wizerunek można znaleźć na wielu obrazach Leonarda, jednak większość historyków nadal zgadza się, że jest to portret żony Lisy Gherardini (Lisa del Giocondo) florenckiego kupca Francesco del Giocondo.
„Mona Lisa” znalazła się w gronie wybranych dzieł, z którymi sam malarz nigdy się nie rozstawał. Niektórzy eksperci uważają La Giocondę za kwintesencję nie tylko twórczości da Vinci, ale także jego światopoglądu i filozofii.
Inne wersje
Tajemnica Mony Lisy
Dziś każdy może zamówić portret dla siebie w przystępnej cenie. Jednak jeszcze kilkadziesiąt lat temu na taki luksus mogli sobie pozwolić jedynie ludzie dość zamożni.
W okresie renesansu za prestiż uważano możliwość zamówienia swojego portretu u artysty. Taka usługa była dość droga, dlatego jej obecność we wnętrzu podkreślała wysokość status społeczny osobę i przekonująco świadczył o jej bogactwie materialnym.
Mona Lisa Leonarda da Vinci, znana również jako La Gioconda, słusznie uważana jest za najbardziej rozpoznawalny portret na świecie. Co roku tysiące ludzi z różnych krajów przybywa do Paryża i odwiedza Luwr, aby na własne oczy zobaczyć to arcydzieło. Leonardo Da Vinci pozostawił światu nie tylko portret kobiety, ale zagadkę. Geniusz nie pozostawił żadnych zapisów na temat swojej twórczości, jednak wielu historyków sztuki zgodnie twierdzi, że artysta rozpoczął prace nad stworzeniem portretu w 1503 roku. Istnieje hipoteza, że obraz powstał na zamówienie zamożnego florenckiego kupca zajmującego się handlem tkaninami jedwabnymi, Francesco del Giocondo i jego żony Lisy. Jednak z nieznanych przyczyn portret nie został dostarczony klientowi.
Badacze sugerują, że portret powstał na cześć jakiegoś wydarzenia. Dekorację mógł zlecić Francesco del Giocondo nowy dom nabył w 1503 r. A może obraz powstał na cześć narodzin drugiego dziecka w rodzinie Giocondo, Andrei, który urodził się w grudniu 1502 roku, trzy lata po śmierci córki w 1499 roku.
Historia powstania portretu wciąż pozostaje tajemnicą. Nadal nie ma wystarczająco uzasadnionej wersji tego, jaka kobieta jest przedstawiona na płótnie i czy naprawdę istniała. Według współczesnych Da Vinci nigdy się z nim nie rozstał, a nawet zabrał go ze sobą do Francji na dwór królewski. Dopiero umierający artysta zmuszony był rozstać się z portretem, przekazując go swojemu przyjacielowi i patronowi, królowi Franciszkowi I, który później dołączył płótno do swojej osobistej kolekcji.
Tajemniczy uśmiech Mony Lisy stał się inspiracją dla wielu osób kreatywni ludzie. Na pierwszy rzut oka na portret wydaje się, że jego bohaterka uśmiecha się zalotnie, ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zauważysz, że na twarzy kobiety nie widać nawet cienia uśmiechu.
Czy Mona Lisa się uśmiecha, czy nie? Częściowo. Właśnie takiej odpowiedzi na to pytanie udzielają najsłynniejsi badacze sztuki, zajmujący się malarstwem od wielu lat. Sugerują, że widz patrząc na portret zwraca przede wszystkim uwagę na oczy Mony Lisy, a wszystko inne, łącznie z jej ustami, znajduje się w obszarze widzenia peryferyjnego. Widząc peryferyjnie, osoba nie rozróżnia wyraźnie szczegółów, ale widzi czerń i białe kolory, a także cienie i ruch. Dlatego też, ze względu na cienie na policzkach i kącikach ust Mony Lisy, wydaje się, że jej usta są uniesione w półuśmiechu.
Oczywiście postrzeganie niektórych emocji, a także piękna, zależy od widza, więc nikt nie może z całą pewnością stwierdzić, czy Mona Lisa na zdjęciu się uśmiecha, czy wręcz przeciwnie, jest w melancholii.
Obraz Leonarda da Vinci „Mona Lisa” to pierwsze, co turyści z każdego kraju kojarzą z Luwrem. To najsłynniejsze i najbardziej tajemnicze dzieło malarstwa w historii sztuki światowej. Jej tajemniczy uśmiech do dziś skłania do refleksji i oczarowuje osoby, które nie lubią lub nie interesują się malarstwem. A historia jej porwania na początku XX wieku uczyniła obraz żywą legendą. Ale najpierw najważniejsze.
Historia malarstwa
„Mona Lisa” to po prostu skrócona nazwa obrazu. W oryginale brzmi to jak „Portret pani Lisy Giocondo” (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo). Z języka włoskiego słowo ma donna tłumaczy się jako „moja pani”. Z czasem przekształciła się w po prostu monę i od niej wzięła się znana nazwa obrazu.
Współcześni biografowie artysty pisali, że rzadko przyjmował zamówienia, ale w przypadku Mona Lisy początkowo tak było specjalna historia. Oddał się temu dziełu ze szczególną pasją, niemal cały czas poświęcał na jego malowanie i zabrał ze sobą do Francji (Leonardo opuszczał Włochy na zawsze) wraz z innymi wybranymi obrazami.
Wiadomo, że artysta rozpoczął malowanie w latach 1503-1505, a ostatnią kreskę wykonał dopiero w 1516 r., na krótko przed śmiercią. Zgodnie z testamentem obraz został przekazany uczniowi Leonarda, Salai. Nie wiadomo, w jaki sposób obraz przedostał się do Francji (najprawdopodobniej Franciszek I nabył go od spadkobierców Salaja). W czasach Ludwika XIV obraz przeniósł się do Pałacu Wersalskiego i później rewolucja Francuska Luwr stał się jej stałym domem.
W historii stworzenia nie ma nic specjalnego, większe zainteresowanie budzi pani z tajemniczym uśmiechem na zdjęciu. Kim ona jest?
Według oficjalna wersja, to portret Lisy del Giocondo, młodej żony wybitnego florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo. Niewiele wiadomo o Lisie: urodziła się we Florencji w rodzinie szlacheckiej. Wcześnie wyszła za mąż i prowadziła spokojne, wyważone życie. Francesco del Giocondo był wielkim wielbicielem sztuki i malarstwa oraz patronował artystom. To on wpadł na pomysł zamówienia portretu żony z okazji narodzin ich pierwszego dziecka. Istnieje hipoteza, że Leonardo był zakochany w Lisie. To może wyjaśniać jego szczególne przywiązanie do malarstwa i długi czas Popracuj nad tym.
To zaskakujące, praktycznie nic nie wiadomo o życiu samej Lisy, a jej portret jest głównym dziełem malarstwa światowego.
Jednak współcześni historycy Leonarda nie są tak jednoznaczni. Według Giorgio Vasariego modelką mogła być Caterina Sforza (przedstawicielka panującej dynastii włoskiego renesansu, uważana za główna kobieta tamtej epoki), Cecilia Gallerani (ukochana księcia Ludwika Sforzy, wzór innego portretu geniusza – „Dama z gronostajem”), matka artysty, sam Leonardo, młody mężczyzna w kobiecym stroju i po prostu portret kobieta, która była standardem piękna renesansu.
Opis obrazu
Niewielkich rozmiarów płótno przedstawia kobietę średniej wielkości, ubraną w ciemną pelerynę (według historyków oznakę wdowieństwa), siedzącą w półobrócie. Podobnie jak inne portrety włoskiego renesansu, Mona Lisa nie ma brwi, a włosy na czubku czoła są ogolone. Najprawdopodobniej modelka pozowała na balkonie, ponieważ widoczna jest linia parapetu. Uważa się, że obraz został nieco przycięty, a widoczne z tyłu kolumny w pełni uwzględniły oryginalny rozmiar.
Uważa się, że kompozycja obrazu jest standardem gatunku portretu. Jest namalowany zgodnie ze wszystkimi prawami harmonii i rytmu: model wpisany jest w proporcjonalny prostokąt, falowane pasmo włosów współgra z półprzezroczystym welonem, a złożone dłonie nadają obrazowi szczególną kompletność kompozycyjną.
Uśmiech Mony Lisy
To zdanie od dawna żyje oddzielnie od obrazu, zamieniając się w literacki frazes. Ten główna tajemnica i urok płótna. Przyciąga uwagę nie tylko zwykłych widzów i krytyków sztuki, ale także psychologów. Na przykład Zygmunt Freud nazywa jej uśmiech „flirtem”. A specjalny wygląd"przelotny."
Stan aktulany
Ze względu na to, że artysta uwielbiał eksperymentować z farbami i technikami malarskimi, obraz stał się już bardzo ciemny. Na jego powierzchni tworzą się silne pęknięcia. Jeden z nich znajduje się milimetr nad głową Giocondy. W połowie ubiegłego wieku płótno odbyło „podróż” do muzeów w USA i Japonii. Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkin miał szczęście gościć arcydzieło podczas wystawy.
Sława Giocondy
Obraz cieszył się dużym uznaniem wśród współczesnych Leonarda, jednak z biegiem dziesięcioleci został zapomniany. Aż do XIX wieku nie pamiętano o tym aż do chwili, gdy romantyczny pisarz Théophile Gautier w jednym ze swoich opowiadał o „uśmiechu Giocondy”. dzieła literackie. To dziwne, ale do tego momentu tę cechę obrazu nazywano po prostu „przyjemną” i nie było w tym żadnej tajemnicy.
Prawdziwą popularność wśród szerokiej publiczności obraz zyskał w związku z tajemniczym porwaniem w 1911 roku. Szum prasowy wokół tej historii zyskał ogromną popularność filmu. Odnaleziono ją dopiero w 1914 roku, gdzie przebywała przez cały ten czas pozostaje tajemnicą. Jej porywaczem był Vincezo Perugio, pracownik Luwru, z pochodzenia Włoch. Dokładne motywy kradzieży nie są znane, prawdopodobnie chciał on wywieźć obraz do historycznej ojczyzny Leonarda, Włoch.
Mona Lisa dzisiaj
„Mona Lisa” nadal „mieszka” w Luwrze, jako główna postać artystyczna otrzymuje w muzeum osobne pomieszczenie. Kilkakrotnie doświadczyła aktów wandalizmu, po czym w 1956 roku umieszczono ją w kuloodpornej szybie. Z tego powodu mocno błyszczy, więc dostrzeżenie go może czasami być problematyczne. Niemniej jednak to ona swoim uśmiechem i przelotnym spojrzeniem przyciąga do Luwru większość zwiedzających.
Na samym początku XVI wieku słynny włoski malarz i rzeźbiarz Leonardo da Vinci (1452-1519) namalował jedno z największych arcydzieł współczesnej cywilizacji - portret Mony Lisy, czyli Giocondy. Od tego czasu to dzieło sztuki prześladuje ludzi. Można śmiało powiedzieć, że Mona Lisa kryje w sobie tajemnicę. Naukowcy, artyści i po prostu koneserzy sztuki zadają sobie szereg pytań. Kto jest pokazany na zdjęciu? Dlaczego artysta nie mógł dokończyć tego dzieła? Jak to wpływa na ludzi?
Zanim jednak zaczniemy rozwikłać historyczne szarady, zrozumiejmy najpierw tytuł dzieła. Dlaczego nazywa się ją „La Gioconda” lub „Mona Lisa”? Oficjalnie uważa się, że Leonardo podjął się zadania namalowania portretu Lisy Gherardini. To postać historyczna, która mieszkała we Florencji. Lisa należała do szlachetnych kobiet. Urodziła się w 1479 r., a zmarła w 1542 r. Niektórzy eksperci nazywają rok 1551. W chwili malowania portretu miała 22-24 lata.
Początkowo obraz nosił tytuł „Portret pani Lisy Giocondy”. Gioconda to nazwisko męża pozującej dziewczyny. Moja pani po włosku oznacza „ma donna” i jest skracana jako „mona”. Oznacza to, że „Mona Lisa” to „Pani Lisa”. Portret został po raz pierwszy nazwany „Gioconda” w 1525 roku przez ucznia Da Vinci, artystę Salai. Obie nazwy zakorzeniły się i w tej formie przetrwały do dziś.
Największe zainteresowanie wyjątkowy portret sprawia, że Mona Lisa się uśmiecha. Dyskutuje się o tym od setek lat. Ale nie mniejszą tajemnicą jest sam obraz uchwycony na płótnie. Oficjalnie jest to Lisa z domu Gherardini. Ale są eksperci, którzy twierdzą, że to wcale nie ona. Istnieje kilka założeń na temat tego, kogo naprawdę przedstawił artysta.
Najbardziej egzotyczna wersja głosi, że La Gioconda jest autoportretem samego da Vinci. Nie są to bynajmniej jałowe spekulacje. Portret został poddany badaniom komputerowym, które wykazały, że rysy twarzy artysty pokrywają się z rysami twarzy dziewczyny. Tak niesamowite podobieństwo pozwoliło stwierdzić, że Leonardo stworzył swój autoportret, odzwierciedlając w nim ukryte kobiece cechy własnej natury.
Obrazy Leonarda da Vinci i Mony Lisy
Ta wersja pośrednio wyjaśnia, dlaczego da Vinci namalował obraz prawie 4 lata. Co więcej, nie dał go klientowi. Dzieło pozostało u niego, następnie przekazane uczniowi, by później znaleźć się w zbiorach króla Francji Franciszka I. Trzeba też wziąć pod uwagę predyspozycję Włocha do najróżniejszych łamigłówek, dowcipów i zagadek. Bardzo lubił takie rzeczy i potrafił „naśmiewać się” z przyszłych badaczy jego twórczości.
Ale tajemnica Mony Lisy nie ogranicza się do autoportretu Leonarda. Jest jeszcze jedna egzotyczna wersja. Twierdzi, że portret przedstawia młodego mężczyznę w kobiecej sukni. Jaki młody człowiek? To uczeń wielkiego artysty imieniem Salai. Leonardo i Szalai byli razem przez 25 lat. Zakłada się, że łączyły ich nie tylko przyjazne stosunki, ale także nieszablonowa orientacja. Dało to podstawę do przypuszczenia, że Salai ubrała się w kobiecy strój i pozowała do zdjęcia. Ta wersja wyjaśnia również, dlaczego portret pozostał u wielkiego artysty.
Już w pierwszej ćwierci XX w. sugerowano, że portret przedstawia księżną Konstancję d'Avalos (1460-1541). Otrzymała przydomek „Wesoła”, co po włosku oznacza „la gioconda”, czyli „Gioconda”. W chwili malowania portretu księżna została wdową. Eneo Irpino zaśpiewał to w swoim wierszu. Co ciekawe, w wierszu tym pojawia się wzmianka o portrecie księżnej, rzekomo namalowanym przez Leonarda da Vinci.
Portret Salai - ucznia Leonarda da Vinci
Wiadomo, że kochankiem księżnej (wdowy też mają kochanków) był Giuliano Medici. Zakłada się, że to on zamówił portret swojej kochanki. Ale minęło kilka lat i Giuliano poślubił Filibertę Sabaudzką. To całkiem jasne romans z boku mogłaby skompromitować jej nowo powstałego męża. Dlatego wyparł się portretu, a Leonardo zatrzymał go dla siebie.
Zakłada się również, że portret nie przedstawia księżnej Konstancji, ale inną kochankę Giuliano, Pacificę, wdowę po Giovanni Antonio Brandano. Ta kobieta urodziła syna Giuliano o imieniu Ippolito.
Istnieje wiele innych wersji i założeń. Jednak w 2005 roku odkryto notatki pewnego florenckiego urzędnika. W szczególności napisał, że Leonardo pracował jednocześnie nad trzema obrazami. Jednym z nich jest portret Lisy Gherardini.
Istnieją zatem pośrednie dowody na to, że portret Mony Lisy jest portretem Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca Francesco del Giocondo. Obraz powstał na jego zamówienie z okazji narodzin drugiego syna Andrei. Jednak tajemnica Mony Lisy pozostaje taka, ponieważ dowody te również rodzą wiele pytań i założeń.
Chcę śpiewać do uśmiechu
Mona Liza.
O n a - zagadce renesansu -
Przez wieki .
I nie ma pięknego czerwonego uśmiechu,
S o t or i l ja
E WIELKI MODEL MISTRZA -
Żona Kozaka.
H ego t a l a n tu vi d e l v n e ,
prosty obywatel,
KTÓRE DUŻO WIDZIAŁ
Nadal ,
Piękna duchowa bogini,
P on l t a in u
Kobiety i matki w skrócie
W oczach
Uśmiecha się skromnie
SPOTYKA SIĘ
Lou e m a ter in s t a
pierwsze połączenie
A wokół nie ma nic,
poza tajemnicami,
KTÓRYM ŻYJĘ
w żywieniu .
„Mona Lisa”, czyli „Gioconda”; (włoski: Mona Lisa, La Gioconda, francuski: La Joconde), pełny tytuł - Portret pani Lisy del Giocondo, włoski. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) to obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jednym z najbardziej znane prace malarstwa świata, za które uważa się portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo, namalowany około 1503-1505.
Już niedługo miną cztery stulecia, odkąd Mona Lisa pozbawia zdrowego rozsądku wszystkich, którzy zobaczywszy już dość, zaczynają o tym mówić.
Pełny tytuł obrazu jest włoski. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo - „Portret pani Lisy Giocondo”. W języku włoskim ma donna oznacza „moja pani” (por. angielska „milady” i francuska „madam”), w wersji skróconej wyrażenie to przekształcono na monna lub mona. Druga część imienia modelki, uważana za nazwisko jej męża – del Giocondo, w języku włoskim również ma bezpośrednie znaczenie i jest tłumaczone jako „wesoły, bawiący się” i odpowiednio la Gioconda - „wesoły, bawiący się” (por. Z angielskim żartem).
Nazwa „La Joconda” po raz pierwszy pojawiła się w 1525 roku w spisie spadku po artyście Salai, spadkobiercy i uczniu da Vinci, który pozostawił obraz swoim siostrom w Mediolanie. Napis opisuje go jako portret damy imieniem La Gioconda.
O miejscu, jakie ten obraz zajmował w twórczości artysty, pisali już pierwsi włoscy biografowie Leonarda da Vinci. Leonardo nie stronił od pracy nad Mona Lisą – jak to miało miejsce w przypadku wielu innych zleceń, ale wręcz przeciwnie – oddawał się jej z jakąś pasją. Cały czas, jaki pozostał mu po pracy nad „Bitwą pod Anghiari”, był jej poświęcony. Spędził nad nim sporo czasu i w wieku dorosłym opuszczając Włochy, zabrał go ze sobą do Francji, wśród kilku innych wybranych obrazów. Da Vinci darzył ten portret szczególnym sentymentem, a także wiele myślał w trakcie jego powstawania; w „Traktacie o malarstwie” oraz w owych notatkach o technikach malarskich, które się w nim nie znalazły, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie odnoszą się do „La Giocondy”
Wiadomość Vasariego 
„Studio Leonarda da Vinci” na rycinie z 1845 r.: Giocondę bawią błazny i muzycy
Według Giorgio Vasariego (1511-1574), autora biografii włoskich artystów, który pisał o Leonardzie w 1550 roku, 31 lat po jego śmierci, Mona Lisa (skrót od Madonna Lisa) była żoną florenckiego mężczyzny imieniem Francesco del Giocondo. del Giocondo), nad którego portretem Leonardo spędził 4 lata, ale pozostawił go niedokończony.
„Leonardo podjął się wykonania portretu Mony Lisy, swojej żony, dla Francesco del Giocondo i po czterech latach pracy nad nim pozostawił go niedokończonego. Dzieło to znajduje się obecnie w posiadaniu króla francuskiego w Fontainebleau.
Obraz ten daje każdemu, kto chciałby przekonać się, na ile sztuka może naśladować naturę, możliwość zrozumienia tego w najprostszy sposób, odtwarza bowiem wszystkie najdrobniejsze szczegóły, jakie może przekazać subtelność malarstwa. Dlatego oczy mają ten blask i wilgoć, które zwykle są widoczne u żywej osoby, a wokół nich są wszystkie te czerwonawe refleksy i włosy, które można przedstawić jedynie z największą subtelnością rzemiosła. Rzęsy, wykonane tak, jak włosy rosną na ciele, gdzie są grubsze, a gdzie cieńsze i umiejscowione zgodnie z porami skóry, nie mogły być ujęte z większą naturalnością. Nos ze swoimi uroczymi dziurkami, różowawy i delikatny, sprawia wrażenie żywego. Usta lekko otwarte, o krawędziach połączonych szkarłatnymi wargami, fizycznością swojego wyglądu nie przypominają farby, ale prawdziwego ciała. Jeśli przyjrzysz się uważnie, zauważysz pulsowanie w zagłębieniu szyi. I naprawdę możemy powiedzieć, że to dzieło zostało napisane w taki sposób, że pogrąża każdego aroganckiego artystę, niezależnie od tego, kim jest, w zamęcie i strachu.
Nawiasem mówiąc, Leonardo zastosował następującą technikę: ponieważ Mona Lisa była bardzo piękna, malując portret, trzymał ludzi grających na lirze lub śpiewających, a zawsze byli błazny, którzy podnosili ją na duchu i usuwali melancholię, którą zwykle przekazuje. malowanie wykonywanych portretów. Uśmiech Leonarda w tej pracy jest tak przyjemny, że wydaje się, jak gdyby kontemplowano istotę boską, a nie ludzką; sam portret uważany jest za dzieło niezwykłe, bo samo życie nie mogłoby być inne”. 
Ten rysunek z kolekcji Hyde'a w Nowym Jorku może być autorstwa Leonarda da Vinci i stanowi wstępny szkic portretu Mony Lisy. W tym przypadku ciekawe, że początkowo zamierzał złożyć w jej rękach wspaniałą gałąź.
Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał historię o błaznach, aby zabawić czytelników. W tekście Vasariego znajduje się także dokładny opis brakujących na obrazie brwi. Ta niedokładność mogła powstać tylko wtedy, gdy autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych osób. Aleksiej Dżiwelegow pisze, że stwierdzenie Vasariego, że „prace nad portretem trwały cztery lata, jest wyraźnie przesadzone: Leonardo po powrocie z Cezara Borgii nie przebywał we Florencji tak długo, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari prawdopodobnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat.” Naukowiec pisze także o błędnym wskazaniu niedokończonego charakteru portretu – „malowanie portretu niewątpliwie trwało długo i zostało ukończone, niezależnie od tego, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w w zasadzie nie mógł dokończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został ukończony, ale jest jednym z najstaranniej ukończonych dzieł Leonarda.
Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo modela do obrazu. Wydaje się, że właśnie ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na osobach odwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.
Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo w 1516 roku opuścił Włochy i udał się do Francji, zabierając obraz ze sobą. Według źródeł włoskich znajdował się on od tego czasu w kolekcji króla Francji Franciszka I, nie jest jednak jasne, kiedy i w jaki sposób go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.
Być może artysta rzeczywiście nie dokończył obrazu we Florencji, lecz zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 roku i wykonał ostatnią kreskę pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym opowiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, ukończył ją na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos Luce, niedaleko zamku królewskiego w Amboise).
W 1517 r. kardynał Luigi d'Aragona odwiedził Leonarda w jego francuskim warsztacie. Opis tej wizyty sporządził sekretarz kardynała Antonio de Beatis: „10 października 1517 r. prałat i jemu podobni odwiedzili Messire'a Leonarda da Vinci, florenckiego , w jednej z odległych stron Amboise, siwobrody starzec, ponad siedemdziesięcioletni, najznakomitszy artysta naszych czasów, pokazał Jego Ekscelencji trzy obrazy: jeden przedstawiający florencką damę, namalowany z życia na zlecenie Brat Wawrzyniec Wspaniały Giuliano de' Medici, drugi św. Jana Chrzciciela w młodości i trzeci św. Anny z Maryją i Dzieciątkiem Chrystus, wszystko niezwykle piękne. Od samego mistrza, ze względu na to, że jego prawo ręka była wówczas sparaliżowana, nie można było już oczekiwać nowej dobra robota" Według niektórych badaczy „pewna florencka dama” oznacza „Mona Lisę”. Możliwe jednak, że był to kolejny portret, z którego nie zachowały się żadne dowody ani kopie, w związku z czym Giuliano Medici nie mógł mieć żadnego związku z Mona Lisą. 
XIX-wieczny obraz Ingresa przedstawia w przesadnie sentymentalny sposób smutek króla Franciszka na łożu śmierci Leonarda da Vinci
Problem z identyfikacją modelu
Urodzony w 1511 roku Vasari nie mógł zobaczyć Giocondy na własne oczy i zmuszony był odwołać się do informacji podanych przez anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda. To on pisze o handlarzu jedwabiem Francesco Giocondo, który zamówił u artysty portret swojej trzeciej żony. Wbrew słowom anonimowego współczesnego wielu badaczy wątpiło w możliwość namalowania Mony Lisy we Florencji (1500-1505), gdyż wyrafinowana technika może wskazywać na późniejsze powstanie obrazu. Twierdzono także, że w tym czasie Leonardo był tak zajęty pracą nad „Bitwą pod Anghiari”, że odmówił nawet przyjęcia zamówienia markiza Mantui Isabelli d’Este (miał jednak z tą panią bardzo trudne relacje). 
Dziełem naśladowcy Leonarda jest przedstawienie świętego. Być może jej wygląd przedstawia Izabelę Aragońską, księżną Mediolanu, jedną z kandydatek do roli Mony Lisy
Francesco del Giocondo, wybitny florencki popola, w wieku trzydziestu pięciu lat w 1495 roku poślubił po raz trzeci młodego Neapolitankę ze szlacheckiego rodu Gherardini – Lisę Gherardini, pełne imię i nazwisko Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini (15 czerwca 1479 – 15 lipca 1542, czyli około 1551).
Choć Vasari podaje informacje na temat tożsamości kobiety, przez długi czas panowała co do niej niepewność i wyrażano wiele wersji:
Caterina Sforza, nieślubna córka księcia Mediolanu Galeazzo Sforza
Izabela Aragońska, księżna Mediolanu
Cecilia Gallerani (modelka innego portretu artysty – „Dama z gronostajem”)
Constanza d'Avalos, która również nosiła przydomek „Wesoła”, czyli po włosku La Gioconda. Venturi w 1925 roku zasugerował, że „La Gioconda” to portret księżnej Costanza d’Avalos, wdowy po Federigo del Balzo, uwielbiony w małym wierszu Eneo Irpino, w którym wspomina się także o jej portrecie namalowanym przez Leonarda. Costanza była kochanką Giuliano de'Medici.
Pacifica Brandano - kolejna kochanka Giuliano Medici, matka kardynała Ippolito Medici (według Roberto Zapperiego portret Pacificy powstał na zamówienie Giuliano Medici w celu jego późniejszej legitymizacji Nieślubnym synem, chcąc zobaczyć swoją matkę, która już nie żyła. Jednocześnie, zdaniem krytyka sztuki, klient jak zwykle pozostawił Leonardo pełną swobodę działania).
Izabela Gualanda
Tylko idealna kobieta
Młody mężczyzna przebrany za kobietę (np. Salai, kochanek Leonarda)
Autoportret samego Leonarda da Vinci
Retrospektywny portret matki artysty Katarzyny (1427-1495) (zasugerowany przez Freuda, następnie Serge'a Bramly'ego, Rina de „Firenze).
Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki w 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu zbadali notatki znajdujące się na marginesach księgi, której właścicielem był florencki urzędnik, osobisty znajomy artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesie książki porównuje Leonarda ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisą Gherardini. Obraz, jak udowadniają w tym przypadku naukowcy, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna, imieniem Andrea. 
Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki 
O prawidłowej identyfikacji modelu Mony Lisy świadczyła notatka na marginesie.
Prostokątny obraz przedstawia kobietę w ciemnym ubraniu, odwróconą do połowy. Siedzi na krześle ze splecionymi rękami, jedną ręką opierając się na podłokietniku, drugą na górze, obracając się na krześle niemal twarzą do widza. Włosy z przedziałkiem, gładko i płasko układające się, widoczne przez narzucony na nie przezroczysty welon (według niektórych założeń – atrybut wdowieństwa), opadają na ramiona w dwóch cienkich, lekko falujących pasmach. Zielona sukienka w cienkie falbany, z żółtymi plisowanymi rękawami, wycięta na białej, niskiej piersi. Głowa jest lekko obrócona.
Krytyk sztuki Boris Vipper opisując zdjęcie zwraca uwagę, że na twarzy Mony Lisy widać ślady mody Quattrocento: ma wygolone brwi i włosy na czubku czoła. 
Kopia Mony Lisy z kolekcji Wallace'a (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala na uwidocznienie brakujących kolumn. 
Fragment Mona Lisy z pozostałościami podstawy kolumny
Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, zatem portret jest niemal w połowie długości. Krzesło, na którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu jest widoczna za jej łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i pomieścić dwie boczne kolumny loggii, z której ten moment zachowały się dwie podstawy kolumn, których fragmenty widoczne są wzdłuż krawędzi attyki.
Loggia wychodzi na opuszczoną dzicz z wijącymi się strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami, które rozciągają się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka niczym potężna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie sprzyja kontrastowi wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi. 
Portret Giocondy jest jednym z najlepszych przykładów gatunku portretu włoskiego renesansu.
Boris Vipper pisze, że pomimo śladów Quattrocento „w swoim ubraniu z małym wycięciem na piersi i rękawami w luźnych fałdach, podobnie jak w prostej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym ruchu rąk, Mona Lisa należy do całkowicie do epoki klasyczny styl" Michaił Ałpatow zauważa, że „Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy pewną całość, złożone dłonie nadają jej obrazowi pełnię. Oczywiście nie mogło być mowy o fantazyjnych lokach wczesnego „Zwiastowania”. Jednak niezależnie od tego, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Mony Lisy współgra z przezroczystym welonem, a wiszący materiał przerzucony przez ramię odnajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo demonstruje umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.”
„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik wrodzonej tendencji autora do eksperymentowania z farbami, dzięki czemu fresk „ Ostatnia Wieczerza„Ogólnie rzecz biorąc, praktycznie umarła. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, projektem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Zakłada się np., że rękawy jej sukni mogły pierwotnie być czerwone – co widać na kopii obrazu z Prado.
Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą już oddawać go na wystawy: „W obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich zatrzymuje się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy .” 
Fotografia makro pozwala zobaczyć duża liczba spękanie (pęknięcia) na powierzchni obrazu
Jak zauważa Dzivelegov, do czasu powstania Mony Lisy mistrzostwo Leonarda „weszło już w fazę takiej dojrzałości, kiedy zostały postawione i rozwiązane wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym, kiedy Leonardo zaczął czuć, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania techniki artystycznej zasługiwały na ich wykonanie. A kiedy w osobie Mony Lisy znalazł model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych problemów technika malarska, które nie zostały jeszcze przez nich rozwiązane. Chciał za pomocą technik, które już wcześniej opracował i przetestował, a zwłaszcza za pomocą swojego słynnego sfumato, które dawało wcześniej niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywego człowieka osobę i tak odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy, aby wraz z nimi została w pełni ujawniona wewnętrzny świat osoba."
Boris Vipper zadaje pytanie „w jaki sposób osiągnięto tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości w obrazie Mony Lisy, wówczas należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest cudowne sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mawiać, że „modelowanie jest duszą malarstwa”. To sfumato tworzy wilgotne spojrzenie Giocondy, jej uśmiech lekki jak wiatr i niezrównaną, pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka otulająca twarz i sylwetkę, zmiękczająca kontury i cienie. W tym celu Leonardo zalecał umieszczenie, jak to określił, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami.
Rothenberg pisze, że „Leonardo zdołał wprowadzić do swojej twórczości taki stopień uogólnienia, który pozwala uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach malarskiego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w sposobie, w jaki lekki, przezroczysty welon, okrywający głowę i ramiona Mony Lisy, spaja starannie zaczesane pasma włosów i małe fałdy sukienki tworzące ogólnie gładki kontur; wyczuwalne jest to w niezrównanej miękkości modelowania twarzy (z której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, smukłych dłoniach.” 
Krajobraz za Mona Lisą
Alpatov dodaje, że „w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że odczuto nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to dzięki przyciemnieniu oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko się marszczą; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach znajdują się subtelne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać i mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niespójności jej doświadczeń. (...) Leonardo pracował nad tym kilka lat, dbając o to, aby na obrazie nie pozostał ani jeden ostry pociąg, ani jeden kanciasty zarys; i choć krawędzie znajdujących się w nim obiektów są wyraźnie wyczuwalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półświatła.”
Krytycy sztuki podkreślają organiczny sposób, w jaki artysta połączył portretową charakterystykę osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu 
Wczesna kopia Mony Lisy z Prado pokazuje, jak wiele traci obraz portretowy, gdy jest umieszczony na ciemnym, neutralnym tle.
Whipper uważa krajobraz za drugie medium tworzące duchowość obrazu: „Drugim medium jest relacja pomiędzy figurą a tłem. Fantastyczny, skalisty krajobraz, widziany jakby przez morską wodę, na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się tak niesamowicie bliska i namacalna, a my postrzegamy ten krajobraz jako promieniowanie jej własnych snów.”
Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo, także dzięki pejzażowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczy obraz stworzył coś więcej niż portret nieznanej florenckiej Mony Lisy, trzeciej żony Francesco del Giocondo. Wygląd a struktura mentalna konkretnej osoby jest przez niego przekazywana z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm nawiązuje do kosmicznej abstrakcji krajobrazu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek oznak obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko zarysy postaci i krajobrazu, ale także wszystkie tony kolorystyczne. W subtelnych, prawie niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji „sfumato” Leonarda, wszelka określoność indywidualności i jej stan psychiczny. (…) „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można dostrzec całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego. 
W 2012 roku wyczyszczono kopię „Mony Lisy” z Prado, a pod późniejszymi nagraniami pojawiło się tło krajobrazowe – odczucie płótna natychmiast się zmienia.
„Mona Lisa” została zaprojektowana w złocistobrązowych i czerwonawych odcieniach na pierwszym planie oraz szmaragdowo zielonych odcieniach w tle. „Przezroczyste, jak szkło, kolory tworzą stop, jakby stworzony nie ręką ludzką, ale przez nią wewnętrzna siła materia, która z roztworu rodzi kryształy o doskonałym kształcie.” Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, to dzieło z biegiem czasu pociemniało, a relacje kolorów nieco się zmieniły, ale nawet teraz przemyślane porównania odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodnym” odcieniem krajobraz są wyraźnie widoczne. 
Wcześniejszy portret kobiecy Leonarda „Dama z gronostajem”, choć jest pięknym dziełem sztuki, w swojej prostszej figuratywnej strukturze należy do epoki wcześniejszej.
„Mona Lisa” jest uważana za jedną z najlepsze prace w gatunku portretu, który miał wpływ na dzieła Wysoki renesans i pośrednio przez nich - na cały dalszy rozwój gatunku, który „zawsze musi powracać do La Giocondy jako przykład nieosiągalny, ale obowiązkowy”.
Historycy sztuki zauważają, że portret Mony Lisy był decydującym krokiem w rozwoju portretu renesansowego. Rotenberg pisze: „choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie wiele znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia w portrecie były, że tak powiem, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu znalazła już odzwierciedlenie w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe XV wieku, mimo niezaprzeczalnego podobieństwa fizjonomicznego i emanującego z nich poczucia wewnętrznej siły, wyróżniały się także przymusem zewnętrznym i wewnętrznym. Całe to bogactwo ludzkie uczucia i przeżycia charakteryzujące biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV w. z reguły nie były ich własnością prace portretowe. Echa tego widać we wcześniejszych portretach samego Leonarda, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) Dla porównania portret Mony Lisy jawi się jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej uderzającym obrazom innych gatunków malarskich”. 
„Portret damy” Lorenza Costy został namalowany w latach 1500-06 – mniej więcej w tych samych latach, co „Mona Lisa”, ale w porównaniu z nim wykazuje niesamowitą bezwładność.
Lazarev zgadza się z nim: „Nie ma prawie na świecie drugiego obrazu, o którym krytycy sztuki napisaliby taką otchłań nonsensów, jak to słynne dzieło Leonarda. (...) Gdyby usłyszała to wszystko Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, cnotliwa matrona i żona jednego z najbardziej szanowanych obywateli Florencji, byłaby niewątpliwie szczerze zaskoczona. A Leonardo byłby jeszcze bardziej zaskoczony, ustawiając się tutaj o wiele skromniej, a jednocześnie o wiele bardziej trudne zadanie- dać taki obraz ludzkiej twarzy, który ostatecznie rozpuściłby w sobie ostatnie ślady quattrocentowskiej statyki i psychicznego bezruchu. (...) I dlatego krytyk sztuki, który zwrócił uwagę na bezsens rozszyfrowania tego uśmiechu, miał rację po tysiąckroć. Jego istota polega na tym, że jest to jedna z pierwszych prób w sztuce włoskiej przedstawienia naturalnego stanu psychicznego dla niego samego, jako celu samego w sobie, bez dodatkowych motywacji religijnych i etycznych. Tym samym Leonardo zdołał tak ożywić swój model, że w porównaniu z nim wszystkie starsze portrety wyglądają jak zamrożone mumie. 
Rafael, „Dziewczyna z jednorożcem”, ok. 1505-1506, Galleria Borghese, Rzym. Portret ten, namalowany pod wpływem Mony Lisy, zbudowany jest według tego samego schematu ikonograficznego – z balkonem (również z kolumnami) i pejzażem.
W swojej nowatorskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego narzędzia cechy psychologiczne. Nadając portretowi format pokoleniowy, artysta był w stanie wykazać szerszy zakres techniki wizualne. A najważniejsze w figuratywnej strukturze portretu jest podporządkowanie wszystkich szczegółów przewodniej idei. „Głowa i dłonie są niewątpliwym centrum obrazu, któremu poświęcane są pozostałe jego elementy. Bajeczny krajobraz wydaje się prześwitywać wody morskie wydaje się takie odległe i nieuchwytne. Jego głównym celem nie jest odwracanie uwagi widza od twarzy. I taką samą rolę ma pełnić ubranie, które układa się w najmniejsze fałdy. Leonardo celowo unika ciężkich draperiów, które mogłyby zaciemnić wyrazistość jego dłoni i twarzy. Zmusza więc tych ostatnich do występów ze szczególną siłą, tym większą, im skromniejszy i bardziej neutralny jest krajobraz i strój, porównywany do cichego, ledwo zauważalnego akompaniamentu.
Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy. Część z nich (ze zbiorów Vernona w USA, z kolekcji Waltera w Baltimore w USA, a także przez pewien czas z Isleworth Mona Lisa w Szwajcarii) przez swoich właścicieli uważana jest za autentyczną, a obraz znajdujący się w Luwrze za kopię. Pojawia się także ikonografia „nagiej Mony Lisy”, prezentowana w kilku wersjach („Piękna Gabrielle”, „Monna Vanna”, Ermitaż „Donna Nuda”), najwyraźniej autorstwa własnych uczniów artysty. Duża ich liczba dała początek niemożliwej do udowodnienia wersji, że istnieje wersja nagiej Mony Lisy, namalowana przez samego mistrza. 
„Donna Nuda” (czyli „Naga Donna”). Artysta nieznany, koniec XVI w., Ermitaż
Renoma obrazu 
„Mona Lisa” za kuloodporną szybą w Luwrze i tłoczący się w pobliżu goście muzeum
Mimo że Mona Lisa cieszyła się dużym uznaniem współczesnych artysty, jej sława później przygasła. Obraz nie został szczególnie zapamiętany aż do połowy XIX wieku, kiedy artyści bliscy ruchowi symbolistycznemu zaczęli go wychwalać, łącząc go ze swoimi wyobrażeniami o kobiecej mistyce. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako swego rodzaju mityczne ucieleśnienie wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, pomiędzy którymi siedzi” i która „umarła wiele razy i poznałam tajemnice życia pozagrobowego.” .
Dalszy wzrost sławy obrazu wiąże się z jego tajemniczym zniknięciem na początku XX wieku i szczęśliwym powrotem do muzeum kilka lat później (patrz niżej, rozdział Kradzież), dzięki czemu nie opuścił on łamów gazet.
Współczesny jej przygoda krytyk Abram Efros napisał: „...muzealny strażnik, który teraz nie odchodzi na krok od obrazu, odkąd powrócił on do Luwru po porwaniu w 1911 roku, nie pilnuje portretu Franceski żony del Giocondo, ale obraz jakiejś pół-człowieka, pół-węża, stworzenia, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią rozciągającą się za nim.
Mona Lisa to jeden z najsłynniejszych obrazów współczesnej sztuki zachodnioeuropejskiej. Jego znakomita reputacja związana jest nie tylko z wysokimi walorami artystycznymi, ale także z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło.
Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim uczuciem, jakim autor darzył to dzieło. Proponowano różne wyjaśnienia, np. romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią na dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych uniesień. Ta wersja jest uważana za zwykłą spekulację. Dzivelegov uważa, że to przywiązanie wynika z faktu, że znalazł w niej punkt zastosowania wielu swoich kreatywne zadania(patrz sekcja Technika).
Uśmiech Giocondy 
Leonardo da Vinci. "Jan Chrzciciel". 1513-1516, Luwr. Ten obraz ma także swoją tajemnicę: dlaczego Jan Chrzciciel uśmiecha się i wskazuje w górę? 
Leonardo da Vinci. „Święta Anna z Madonną i Dzieciątkiem Chrystus” (fragment), ok. 1510, Luwr.
Uśmiech Mony Lisy jest jednym z najpiękniejszych słynne zagadki obrazy. Ten lekki, błądzący uśmiech można odnaleźć w wielu pracach zarówno samego mistrza, jak i Leonardesków, jednak dopiero w Mona Lisie osiągnął on swą doskonałość.
Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).
Graszczenkow pisze: „Nieskończona różnorodność ludzkich uczuć i pragnień, przeciwstawnych namiętności i myśli, wygładzonych i stopionych ze sobą, rezonuje w harmonijnie beznamiętnym wyglądzie Giocondy tylko z niepewnością jej uśmiechu, ledwo pojawiającego się i znikającego. Ten bezsensowny, przelotny ruch kącików jej ust, niczym odległe echo złączone w jeden dźwięk, przynosi nam z bezgranicznej odległości barwną polifonię duchowego życia człowieka”.
Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że „w całej sztuce światowej niewiele jest portretów dorównujących Mona Lisie pod względem siły wyrazu ludzkiej osobowości, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. To właśnie niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od obrazy portretowe Quattrocento. Ta cecha jego twórczości jest tym dotkliwiej dostrzegana, że nawiązuje do portretu kobiecego, w którym charakter modelki ujawniał się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z „Mony Lisy” jest organicznym połączeniem wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii osoby opartej na świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegane jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli.”
Boris Vipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolone czoło być może mimowolnie potęgują dziwną tajemniczość w jej wyrazie twarzy. O potędze obrazu pisze dalej: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka siła przyciągania Mony Lisy, jej naprawdę nieporównywalne działanie hipnotyczne, to odpowiedź może być tylko jedna – w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwne interpretacje znalazły się w uśmiechu „La Giocondy”. Chcieli odczytać w nim dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błąd polegał po pierwsze na tym, że w obrazie Mony Lisy za wszelką cenę szukano indywidualnych, subiektywnych właściwości duchowych, podczas gdy nie ulega wątpliwości, że Leonardo dążył do duchowości typowej. Po drugie, co może nawet ważniejsze, próbowano przypisać duchowości Mony Lisy treść emocjonalną, podczas gdy w rzeczywistości ma ona korzenie intelektualne. Cud Mony Lisy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną deską nieodparcie wyczuwamy obecność istoty obdarzonej inteligencją, istoty, z którą możemy rozmawiać i od której możemy oczekiwać odpowiedzi.
Lazarev przeanalizował to jak naukowiec zajmujący się sztuką: „Ten uśmiech to nie wszystko cecha indywidualna Mona Lisa to typowa formuła psychologicznej rewitalizacji, formuła, która niczym czerwona nić przewija się przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formuła, która później w rękach jego uczniów i naśladowców stała się tradycyjnym znaczkiem. Podobnie jak proporcje postaci Leonarda, opiera się na najlepszych pomiarach matematycznych, przy ścisłym uwzględnieniu wartości wyrazistych poszczególnych części twarzy. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i na tym właśnie polega siła jego uroku. Zdejmuje z twarzy wszystko, co twarde, napięte i zamrożone, zamienia ją w zwierciadło niejasnych, nieokreślonych przeżyć duchowych, w swojej nieuchwytnej lekkości można ją porównać jedynie do fali biegnącej po wodzie.
Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko historyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Kto wyobraża sobie obrazy Leonarda, kojarzy się z dziwnym, urzekającym i tajemniczym uśmiechem ukrytym na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech zastygły na wydłużonych, drżących wargach stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „leonardowskim”. W szczególnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda najbardziej urzeka i pogrąża widza w zamęcie. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł wiele interpretacji, z których żadna nie była satysfakcjonująca. (...) Wśród wielu krytyków zrodziło się przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lisy połączyły się dwa różne elementy. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentynki dostrzegły najdoskonalszy obraz antagonizmu rządzącego życiem miłosnym kobiety, powściągliwości i uwodzenia, ofiarnej czułości i lekkomyślnie wymagającej zmysłowości, która pochłania mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w osobie Mony Lisy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicę bezgranicznej czułości i złowrogiej groźby.” 
Filozof A.F. Losev pisze o niej ostro negatywnie:… „Mona Lisa” ze swoim „demonicznym uśmiechem”. „W końcu wystarczy uważnie przyjrzeć się oczom Giocondy, a łatwo zauważyć, że tak naprawdę wcale się nie uśmiecha. To nie jest uśmiech, ale drapieżna twarz o zimnych oczach i wyraźna świadomość bezsilności ofiary, którą Gioconda chce zawładnąć i w której oprócz słabości liczy także na bezsilność wobec złego uczucie, które ją ogarnęło.”
Odkrywca terminu mikroekspresja, psycholog Paul Ekman (prototyp doktora Cala Lightmana z serialu Lie to Me), pisze o wyrazie twarzy Mony Lisy, analizując go z punktu widzenia swojej wiedzy o ludzkiej mimice : „dwa pozostałe rodzaje [uśmiechu] łączą uśmiech szczery z charakterystycznym wyrazem oczu. Flirtujący uśmiech, choć jednocześnie uwodziciel odwraca wzrok od obiektu zainteresowania, aby ponownie rzucić na niego chytre spojrzenie, które znowu zostaje natychmiast odwrócone, gdy tylko zostanie dostrzeżone. Niezwykłe wrażenie słynnej Mony Lisy polega po części na tym, że Leonardo uchwycił swoją naturę właśnie w momencie tego zabawnego ruchu; obracając głowę w jedną stronę, patrzy w drugą – na obiekt jej zainteresowania. W życiu ten wyraz twarzy jest ulotny – ukradkowe spojrzenie nie trwa dłużej niż chwilę.”
Dzieje malarstwa w czasach nowożytnych
W chwili swojej śmierci w 1525 r. asystent (i być może kochanek) Leonarda imieniem Salai był w posiadaniu, jak wynika z wzmianek w jego osobistych dokumentach, portretu kobiety zatytułowanej „La Gioconda” (quadro de una dona aretata), który przekazał mu w spadku jego nauczyciel. Salai pozostawił obraz swoim siostrom, które mieszkały w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, w jaki sposób w tym przypadku portret przedostał się z Mediolanu do Francji. Nie wiadomo też, kto i kiedy dokładnie obciął krawędzie obrazu z kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w wersji oryginalnej. W przeciwieństwie do innego wykadrowanego dzieła Leonarda - „Portret Ginevry Benci”, którego dolna część została przycięta, ponieważ została uszkodzona przez wodę lub ogień, w tym przypadku przyczyny były najprawdopodobniej natury kompozycyjnej. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci. 
Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, nasze dni
Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim zamku w Fontainebleau, gdzie pozostał do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przewiózł ją do Pałacu Wersalskiego, a po rewolucji francuskiej trafiła do Luwru. Napoleon powiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wrócił do muzeum.
Kradzież 
1911 Pusta ściana, na której wisiała Mona Lisa
Mona Lisa przez długi czas była znana jedynie koneserom Dzieła wizualne gdyby nie wyjątkowa historia, która zapewniła jej światową sławę. 
Vincenzo Perugii. Kartka ze sprawy karnej.
21 sierpnia 1911 roku obraz został skradziony przez pracownika Luwru. Włoski mistrz na lustrach Vincenzo Peruggia (w języku włoskim: Vincenzo Peruggia). Cel tego porwania nie jest jasny. Być może Perugia chciała przywrócić La Giocondę swojej historycznej ojczyźnie, wierząc, że Francuzi ją „porwali”, zapominając, że obraz do Francji przywiózł sam Leonardo. Policyjne poszukiwania nie powiodły się. Zamknięto granice kraju, zwolniono dyrekcję muzeum. Poeta Guillaume Apollinaire został aresztowany pod zarzutem popełnienia przestępstwa, a następnie zwolniony. Podejrzany był także Pablo Picasso. Obraz odnaleziono dopiero dwa lata później we Włoszech. Co więcej, winę za to ponosił sam złodziej, który odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował reżyserowi sprzedaż „Giocondy” Galerie Uffiziego. Zakłada się, że zamierzał sporządzić kopie i podać je jako oryginał. Perugię z jednej strony chwalono za włoski patriotyzm, z drugiej skazano go na krótki wyrok więzienia.
Wreszcie 4 stycznia 1914 roku obraz (po wystawach w miastach włoskich) powrócił do Paryża. W tym czasie Mona Lisa gościła na okładkach gazet i magazynów na całym świecie, a także na pocztówkach, nic więc dziwnego, że Mona Lisa była kopiowana częściej niż jakikolwiek inny obraz. Obraz stał się obiektem kultu jako arcydzieło światowej klasyki.
Wandalizm
W 1956 r. dolna część obrazu uległa zniszczeniu, gdy zwiedzający oblał go kwasem. 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (strata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, które chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami. Mimo to w kwietniu 1974 roku kobieta, zdenerwowana polityką muzeum wobec osób niepełnosprawnych, podczas ekspozycji obrazu w Tokio próbowała spryskać czerwoną farbą z puszki, a 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie otrzymała obywatelstwo francuskie, rzucił w szybę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.
W czasie II wojny światowej obraz ze względów bezpieczeństwa został przetransportowany z Luwru do zamku Amboise (miejsca śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a w końcu do Muzeum Ingres w Montauban, skąd po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.
W XX wieku obraz prawie nigdy nie opuścił Luwru, odwiedzając USA w 1963 i Japonię w 1974. W drodze z Japonii do Francji obraz był wystawiany w Muzeum. A. S. Puszkina w Moskwie. Wyjazdy tylko ugruntowały sukces i sławę filmu.