W VII - VIII wieku. BC, kult Dionizosa, boga sił wytwórczych natury, płodności i wina, jest powszechny. Kult Dionizosa obfitował w obrzędy o charakterze karnawałowym. Dionizosowi poświęcono wiele tradycji i wiąże się z nimi pojawienie się wszystkich gatunków dramatu greckiego, opartego na rytualnych grach magicznych. Inscenizacja tragedii na festiwalach poświęconych Dionizosowi stała się oficjalna pod koniec VIII wieku p.n.e., w czasach tyranii.

Tyrania powstała w walce ludu z władzą szlachty plemiennej; tyrani rządzili państwem, oczywiście polegając na rzemieślnikach, handlarzach i rolnikach. Chcąc zapewnić rządowi poparcie społeczne, tyrani utwierdzili popularny wśród rolników kult Dionizosa. Za panowania ateńskiego tyrana Lizystraty kult Dionizosa stał się kultem państwowym i ustanowiono święto „Wielkiego Dionizego”. Produkcja tragedii została wprowadzona w Atenach w 534 roku. Wszystkie starożytne teatry greckie budowano według tego samego typu: na świeżym powietrzu i na zboczach wzgórz.

Pierwszy kamienny teatr powstał w Atenach i mógł pomieścić od 17 000 do 30 000 widzów. Okrągłą platformę nazwano orkiestrą; jeszcze dalej znajduje się skena, czyli pomieszczenie, w którym aktorzy przebierali się. Początkowo w teatrze nie było dekoracji. Do połowy V wieku. PNE. Kawałki płótna zaczęto opierać o fasadę szkiców, malowanych konwencjonalnie: „Drzewa oznaczały las, delfin oznaczały morze, bóg rzeki oznaczał rzekę”. W teatrze greckim mogli występować wyłącznie mężczyźni i wyłącznie wolni obywatele. Aktorzy cieszyli się pewnym szacunkiem i występowali w maskach. Jeden aktor mógł, zmieniając maski, odgrywać role męskie i żeńskie.

Prawie nie zachowały się żadne informacje biograficzne o Ajschylosie. Wiadomo, że urodził się w miejscowości Eleusis koło Aten, że pochodził z rodziny szlacheckiej, że jego ojciec był właścicielem winnic, a jego rodzina brała czynny udział w wojnie z Persami. Sam Ajschylos, sądząc po epitafium, które dla siebie skomponował, cenił siebie bardziej jako uczestnika bitwy pod Maratonem niż jako poetę.

Wiemy również, że żyje około 470 r. p.n.e. przebywał na Sycylii, gdzie po raz drugi wystawiono jego tragedię „Persowie”, i to w roku 458 p.n.e. ponownie wyjechał na Sycylię. Zmarł i tam został pochowany.

Według starożytnych biografów jedną z przyczyn odejścia Ajschylosa jest niechęć współczesnych, którzy zaczęli preferować twórczość jego młodszego współczesnego Sofoklesa.

Już starożytni nazywali Ajschylosa „ojcem tragedii”, chociaż nie był on pierwszym autorem tragedii. Za twórcę gatunku tragicznego Grecy uważali Tespisa żyjącego w drugiej połowie IV wieku. PNE. i, według słów Horacego, „przewożenie tragedii na rydwanie”. Najwyraźniej Thespil przewoził kostiumy, maski itp. od wsi do wsi. Był pierwszym reformatorem tragedii, wprowadził bowiem aktora, który odpowiadał na chór i zmieniając maski, wcielał się w role wszystkich bohaterów dramatu. Znamy także inne nazwiska poetów tragicznych żyjących przed Ajschylosem, nie dokonali oni jednak znaczących zmian w strukturze dramatu.

Ajschylos był drugim reformatorem tragedii. Jego sztuki są ściśle powiązane, a czasem bezpośrednio poświęcone palącym problemom naszych czasów, a jego związek z kultem Dionizosa koncentrował się w jego dramacie satyrowym. Ajschylos zamienił prymitywną kantatę w dzieło dramatyczne, ograniczając rolę chóru i wprowadzając drugiego aktora. Ulepszenia, które wprowadzali kolejni poeci, miały jedynie charakter ilościowy i nie mogły w istotny sposób zmienić struktury dramatu stworzonego przez Ajschylosa.

Wprowadzenie drugiego aktora stworzyło możliwość ukazania konfliktu, dramatycznej walki. Możliwe, że to właśnie Ajschylos wpadł na pomysł trylogii, tj. rozwój jednej fabuły w trzech tragediach, co umożliwiło pełniejsze ujawnienie tej fabuły.

Ajschylosa można nazwać poetą kształtowania się demokracji. Po pierwsze, początek jego twórczości przypada na czas walki z tyranią, ustanowienia porządku demokratycznego w Atenach i stopniowego zwycięstwa zasad demokracji we wszystkich sferach życia publicznego. Po drugie, Ajschylos był zwolennikiem demokracji, uczestnikiem wojny z Persami, aktywnym uczestnikiem życia publicznego swojego miasta, a w tragediach bronił nowego porządku i odpowiadających mu norm moralnych. Spośród 90 stworzonych przez niego tragedii i dramatów satyrowych 7 dotarło do nas w całości i we wszystkich odnajdujemy przemyślaną obronę zasad demokracji.

Najbardziej archaiczną tragedią Ajschylosa są „Modlitwy”: ponad połowę tekstu zajmują partie chóralne.

Zwolennik nowego porządku Ajschylos występuje tu jako obrońca prawa ojcowskiego i zasad państwa demokratycznego. Odrzuca nie tylko zwyczaj krwawych waśni, ale także religijne oczyszczenie przelanej krwi, przedstawione wcześniej w wierszu Stesichorusa, lirycznego poety z VII–VI wieku p.n.e., będącego właścicielem jednej z adaptacji mitu Orestesa.

W tragedii nie odrzucono przedolimpijskich bogów i starych zasad życia: w Atenach ustanowiono kult ku czci Eryjów, ale teraz będą oni czczeni pod imieniem Eumenides, życzliwych bogiń, dawczyń płodności.

Godząc zatem stare zasady arystokratyczne z nowymi, demokratycznymi, Ajschylos wzywa swoich współobywateli do rozsądnego rozwiązywania sprzeczności, do wzajemnych ustępstw w imię zachowania pokoju społecznego. W tej tragedii powtarzają się wezwania do zgody i ostrzeżenia przed konfliktami domowymi. Na przykład Atena:

„Niech obfitość będzie tu na zawsze

Owoce ziemi, niech ogrody obficie rosną,

I niech ludzkość się rozmnaża. I po prostu pozwól

Nasienie odważnych i aroganckich ginie.

Jako rolnik chciałbym odchwaszczać

Chwast, żeby nie zadusił szlachetnego koloru.”

(Art. 908-913: przekład S. Apta)

Atena (Eryniam):

„Więc nie krzywdź mojej ziemi, nie tej

Krwawe waśnie, odurzające młodzież

Odurzony odurzającym zatruciem wścieklizną. moi ludzie

Nie podpalajcie jak koguty, żeby nie było

Wojny wewnętrzne w kraju. Niech obywatele

Nie żywią wobec siebie bezczelnej wrogości”.

(art. 860-865; przeł. S. Apta)

Gdyby arystokraci nie zadowalali się nadawanymi im zaszczytami, lecz starali się zachować wszystkie dotychczasowe przywileje, ustanowienie demokratycznej polis nie byłoby możliwe „odrobiną krwi”, jak to miało miejsce w rzeczywistości; Przyjmując nowy porządek pod pewnymi warunkami, arystokraci postąpili mądrze, podobnie jak Erynie, którzy zgodzili się pełnić nowe funkcje i zrzekli się swoich roszczeń.

Ajschylos zredukował rolę chóru i większą niż dotychczas uwagę poświęcił akcji scenicznej, niemniej jednak partie chóralne zajmują w jego tragediach znaczące miejsce, co jest szczególnie widoczne, gdy porównuje się jego dramaty z twórczością kolejnych poetów tragicznych. Technika artystyczna Ajschylosa nazywana jest zwykle „cichą żałobą”. Technikę tę zauważył już Arystofanes w „Żabach”: bohater Ajschylosa długo milczy, podczas gdy inni bohaterowie opowiadają o nim lub jego milczeniu, aby zwrócić na niego uwagę widza.

Według starożytnych filologów szczególnie długie były sceny milczenia Niobe przy grobie jej dzieci i Achillesa przy ciele Patroklosa w tragediach Ajschylosa „Niobe” i „Myrmidonów”, które do nas nie dotarły.

W tej tragedii Ajschylos protestuje przeciwko przemocy, przed którą uciekają córki Danae, przeciwstawia ateńską wolność wschodniemu despotyzmowi i kształtuje idealnego władcę, który bez zgody ludu nie podejmuje poważnych kroków.

Mit o ludzkim tytanie Prometeuszu, który ukradł Zeusowi ogień dla ludzi, jest podstawą tragedii „Przykuty Prometeusz” (jedna z później działa Ajschylos).

Prometeusz, przykuty do skały na rozkaz Zeusa w ramach kary za kradzież ognia, wygłasza gniewne, oskarżycielskie przemówienia przeciwko bogom, a zwłaszcza Zeusowi. Nie należy jednak widzieć w tym świadomej krytyki religii ze strony Ajschylosa: mit o Prometeuszu poeta wykorzystuje do postawienia aktualnych problemów społeczno-etycznych. Wspomnienia o tyranii były wciąż świeże w Atenach, a w Prometeuszu w niewoli Ajschylos ostrzega swoich współobywateli przed powrotem tyranii. Twarz Zeusa przedstawia typowego tyrana; Prometeusz uosabia patos wolności i humanizmu wrogiego tyranii.

Najnowszym dziełem Ajschylosa jest trylogia „Oresteia” (458) - jedyna trylogia, która całkowicie sprowadziła się do nas z dramatu greckiego. Jej fabuła opiera się na micie o losach króla Argiwów Agamemnona, nad którego rodziną wisiała dziedziczna klątwa. Idea boskiej zemsty, docierająca nie tylko do przestępcy, ale także do jego potomków, którzy z kolei są skazani na popełnienie przestępstwa, zakorzeniła się już w czasach systemu plemiennego, który pojmował klan jako jedną całość.

Wracając zwycięsko z wojny trojańskiej, Agamemnus został zabity przez swoją żonę Klitajmestrę już pierwszego dnia. Trylogia nosi imię syna Agamemnona, Orestesa, który zabija matkę, aby pomścić śmierć ojca. Pierwsza część trylogii: „Agamemnon” opowiada o powrocie Agamemnona, o udanej radości Klitajmestry, która organizuje dla niego uroczyste spotkanie; o jego morderstwie.

W drugiej części („Choephors”) dzieci Agamemnona mszczą się za śmierć ojca. Wykonując wolę Apolla i zainspirowany swoją siostrą Elektrą i przyjacielem Pyladesem, Orestes zabija Klitajmestrę. Zaraz potem Orestes zaczyna być ścigany przez starożytną boginię zemsty, Erypnię, która oczywiście uosabia mękę sumienia Orestesa - matkobójcę.

Zabójstwo matki w starożytnym społeczeństwie uważano za najpoważniejszą, nieodwracalną zbrodnię, natomiast morderstwo męża można odpokutować: w końcu mąż nie jest krewnym żony. Dlatego Erynie bronią Klitajmestry i żądają ukarania Orestesa.

Apollo i Atena, „nowi bogowie”, którzy tutaj uosabiają zasadę obywatelstwa, wyznają inny punkt widzenia. Apollo w swoim przemówieniu na procesie oskarża Klitajmestrę o zabicie mężczyzny, co jego zdaniem jest o wiele straszniejsze niż zabicie kobiety, a nawet matki.

Kluczowe idee

Kult Dionizosa, wielka Dionizos, tragedia starożytna, teatr starożytny, orkiestra, skena, katurni, „Ajschylos Ojciec Tragedii”, „Skuty Prometeusz”, „Oresteia”, „cichy smutek”.

Literatura

• 1. I.M. Tronski: Historia literatura starożytna. M. 1998
• 2. V.N. Yarkho: Ajschylos i problemy tragedii starożytnej Grecji.
• 3. Ajschylos „Prometeusz w łańcuchach”.
• 4. Ajschylos „Oresteja”
• 5. D. Kalistov „Teatr starożytny”. L. 1970

Na święcie „Wielkiego Dionizego”, ustanowionym przez ateńskiego tyrana Pizystrata, oprócz chórów lirycznych z obowiązkowym w kulcie Dionizosa dytyrambem, występowały także chóry tragiczne.

Starożytna tragedia wymienia Ateny Eurypidesa jako pierwszego poetę i wskazuje na rok 534 p.n.e. mi. jak w dniu pierwszej inscenizacji tragedii w czasie „Wielkiej Dionizji”.

Tragedię tę wyróżniały dwie istotne cechy: 1) oprócz chóru wystąpił aktor, kot. przekazywał wiadomości do chóru, wymieniał uwagi z chórem lub z jego kierownikiem (koryfeuszem). Aktor ten recytował wersety trochaiczne lub jambiczne; 2) chór brał udział w grze, wcielając się w grupę osób powiązaną fabułą z tymi, których reprezentował aktor.

Fabuła została zaczerpnięta ze świata, ale w niektórych przypadkach pisano także tragedie na tematy współczesne. pierwsi tragikowie nie zachowali się i charakter rozwoju wątków wczesnej tragedii jest nieznany, ale główną treścią tragedii był obraz „cierpienia”.

Zainteresowanie problematyką „cierpienia” i jego związku ze sposobami ludzkiego zachowania zrodziły się w wyniku fermentów religijnych i etycznych VI wieku, odzwierciedlających powstanie starożytnego społeczeństwa i państwa niewolniczego, nowe powiązania między ludźmi, nowy etap w relacji pomiędzy społeczeństwem a jednostką. Mity o bohaterach, które należą do głównych fundamentów życia miasta i stanowią jeden z nich najważniejsze części w bogactwie kulturowym narodu greckiego.

Bardzo ważnych informacji na temat literackiej genezy tragedii na poddaszu dostarcza Arystoteles. Tragedia przeszła wiele zmian, zanim przyjęła ostateczną formę. Na wcześniejszym etapie miał charakter „satyryczny”, wyróżniał się prostą fabułą, humorystycznym stylem i bogactwem elementów tanecznych; dopiero później stało się to poważnym dziełem. Za źródło tragedii uważa improwizacje „inicjatorów dytyrambu”. Decydującym momentem dla powstania tragedii poddasza było przekształcenie „namiętności” w problem moralny. Tragedia postawiła pytania o ludzkie zachowanie na przykładzie losów mitologicznych bohaterów.

Ajschylos (525-456) pochodził ze szlacheckiej rodziny rolniczej. Urodził się w Eleusis niedaleko Aten. Wiadomo, że Ajschylos brał udział w bitwach pod Maratonem (490 p.n.e.) i Salaminą (480 p.n.e.). Jako naoczny świadek opisał bitwę pod Samaminem w tragedii „Persowie”. Na krótko przed śmiercią udał się na Sycylię. Ajschylos napisał co najmniej 80 sztuk teatralnych - tragedii i dramatów satyrycznych. W całości dotarło do nas jedynie 7 tragedii, z pozostałych pozostały jedynie fragmenty.

Zakres idei, jakie Ajschylos wysuwa w swoich tragediach, uderza swoją złożonością: postępujący rozwój cywilizacji ludzkiej, obrona demokratycznego porządku Aten i ich sprzeciw wobec perskiego despotyzmu, szereg kwestii religijnych i filozoficznych – bogowie i ich panowanie nad światem, losy i osobowość człowieka itp. W tragediach Ajschylosa działają bogowie, tytani i bohaterowie o niesamowitej mocy duchowej. Często ucieleśniają idee filozoficzne, moralne i polityczne, dlatego też ich charaktery są zarysowane dość ogólnie. Są monumentalne i monolityczne.

Dzieło Ajschylosa miało charakter zasadniczo religijny i mitologiczny. Poeta wierzy, że światem rządzą bogowie, mimo to jego lud nie jest istotą o słabej woli, podporządkowaną bogom. Według Ajschylosa człowiek jest obdarzony wolnym umysłem i wolą i postępuje według własnego zrozumienia. Ajschylos wierzy w los, czyli los, któremu posłuszni są nawet bogowie. Jednak korzystając ze starożytnych mitów o losie ciążącym na wielu pokoleniach, Ajschylos nadal kieruje główną uwagę na wolicjonalne działania bohaterów swoich tragedii.

Szczególne miejsce w twórczości Ajschylosa zajmuje tragedia „Prometeusz w niewoli”. Zeus ukazany jest tu nie jako nosiciel prawdy i sprawiedliwości, ale jako tyran, który zamierzał zniszczyć rodzaj ludzki i który skazał na wieczne męki Prometeusza, zbawiciela ludzkości, zbuntowanego przeciwko jego władzy. Tragedia ma mało akcji, ale jest pełna wielkiego dramatu. W tragicznym konflikcie zwycięża Tytan, którego woli nie złamał piorun Zeusa. Prometeusz przedstawiany jest jako bojownik o wolność i rozum ludzi, jest odkrywcą wszelkich dobrodziejstw cywilizacji, kara za „nadmierną miłość do ludzi”.

Sofokles (496-406) urodził się w zamożnej rodzinie. Talent artystyczny Sofoklesa był widoczny już w młodym wieku. W jego tragediach grają już ludzie, choć nieco wyniesieni ponad rzeczywistość. Dlatego mówi się o Sofoklesie, że sprowadził tragedię z nieba na ziemię. W tragediach Sofoklesa główny nacisk położony jest na człowieka i cały jego świat duchowy. Wprowadził trzeciego aktora, co ożywiło akcję. Ponieważ główny nacisk

Sofokles zwraca uwagę na przedstawienie akcji i przeżyć emocjonalnych bohaterów, następnie zwiększono części dialogiczne tragedii, a zmniejszono części liryczne. Zainteresowanie przeżyciami jednostki zmusiło Sofoklesa do porzucenia tworzenia trylogii integralnych, w których zwykle śledzono losy całej rodziny. Jego imię wiąże się także z wprowadzeniem malarstwa dekoracyjnego.

Eurypides. Samotny poeta i myśliciel, odpowiadał na palące problemy społeczne i społeczne życie polityczne. Jego teatr był swego rodzaju encyklopedią ruchu mentalnego Grecji w Petersburgu. połowa 5v. W dziełach Eurypidesa postawiono różnorodne problemy interesujące grecką myśl społeczną, a także przedstawiono i omówiono nowe teorie. Eurypides przywiązuje dużą wagę do kwestii rodzinnych. W rodzinie ateńskiej kobieta była niemal odludkiem.

Bohaterowie Eurypidesa dyskutują, czy w ogóle należy się żenić i czy warto mieć dzieci. Grecki system małżeński jest szczególnie ostro krytykowany przez kobiety, które narzekają na swoje zamknięte i podporządkowane państwo, na to, że małżeństwa zawierane są za zgodą rodziców bez spotkania z przyszłym małżonkiem, na niemożność opuszczenia znienawidzonego męża. Kobiety deklarują swoje prawa do kultury umysłowej i edukacji („Medea”, fragmenty „Mądrej Melanippe”).

Znaczenie twórczości Eurypidesa dla literatury światowej polega przede wszystkim na kreowaniu wizerunków kobiet. Nowością, którą Eurypides wprowadził do tragedii na poddaszu, jest przedstawienie walki uczuć i wewnętrznej niezgody.

Najstarsze zachowane dzieła sztuki pochodzą z epoki prymitywnej (około sześćdziesięciu tysięcy lat temu). Nikt jednak nie zna dokładnego czasu powstania najstarszego malowidła jaskiniowego. Według naukowców najpiękniejsze z nich powstały około dziesięciu do dwudziestu tysięcy lat temu, kiedy prawie całą Europę pokryła grubsza warstwa lodu, a ludzie mogli żyć tylko w południowej części kontynentu. Lodowiec powoli się cofał, a po nim prymitywni myśliwi ruszyli na północ. Można przypuszczać, że w najtrudniejszych warunkach tamtych czasów wszystkie siły ludzkie wydawane były na walkę z głodem, zimnem i zwierzęta drapieżne, ale właśnie wtedy pojawiły się pierwsze wspaniałe obrazy. Prymitywni artyści znał bardzo dobrze zwierzęta, od których zależało istnienie ludzi. Lekką i elastyczną linią oddały pozy i ruchy zwierzęcia. Kolorowe akordy - czarny, czerwony, biały, żółty - tworzą urokliwe wrażenie. Minerały zmieszane z wodą, tłuszczem zwierzęcym i sokiem roślinnym sprawiły, że kolor malowideł jaskiniowych był szczególnie żywy. Na ścianach jaskiń przedstawiano zwierzęta, na które już wtedy umieno polować, a wśród nich były też takie, które człowiek miał oswoić: byki, konie, renifery. Były też takie, które później całkowicie wymarły: mamuty, tygrysy szablozębne, niedźwiedzie jaskiniowe. Możliwe, że znalezione w jaskiniach kamyki z wydrapanymi wizerunkami zwierząt były dziełami uczniów „szkół artystycznych” epoki kamienia.

Najciekawsze malowidła jaskiniowe w Europie odkryto zupełnie przez przypadek. Można je znaleźć w jaskiniach Altamira w Hiszpanii i Lascaux (1940) we Francji. Obecnie w Europie odkryto około półtora setki jaskiń z malowidłami; a naukowcy nie bez powodu uważają, że to nie koniec, że nie wszystko zostało jeszcze odkryte. Zabytki jaskiniowe odnajdowano także w Azji i Afryce Północnej.

Ogromna liczba tych obrazów i ich wysoki kunszt przez długi czas budziły wątpliwości ekspertów co do autentyczności malowideł jaskiniowych: wydawało się, że prymitywni ludzie nie mogli być tak biegli w malowaniu, a niesamowite zachowanie obrazów sugerowało podróbkę. Oprócz malowideł i rysunków naskalnych odnaleziono różne rzeźby z kości i kamienia, które wykonano przy użyciu prymitywnych narzędzi. Posągi te są powiązane z prymitywne wierzenia ludzi.

W czasach, gdy człowiek nie umiał jeszcze obrabiać metalu, wszystkie narzędzia wykonywano z kamienia – była to epoka kamienia. Ludzie prymitywni rysowali na przedmiotach codziennego użytku - narzędziach kamiennych i naczyniach glinianych, chociaż nie było takiej potrzeby. Ludzka potrzeba piękna i radość tworzenia jest jedną z przyczyn powstania sztuki, drugą są wierzenia tamtych czasów. Z wierzeniami kojarzą się piękne pomniki z epoki kamiennej malowane farbami, a także obrazy wyryte na kamieniu pokrywającym ściany i sufity podziemnych jaskiń – malowidła jaskiniowe. Nie wiedząc, jak wyjaśnić wiele zjawisk, ludzie tamtych czasów wierzyli w magię: wierząc, że za pomocą obrazów i zaklęć można wpływać na naturę (uderzyć narysowane zwierzę strzałą lub włócznią, aby zapewnić powodzenie prawdziwego polowania). .

Epoka brązu rozpoczęła się w Europie Zachodniej stosunkowo późno, około czterech tysięcy lat temu. Swoją nazwę wziął od szeroko rozpowszechnionego wówczas stopu metalu - brązu. Brąz jest metalem miękkim, jest znacznie łatwiejszy w obróbce niż kamień, można go odlać do form i polerować. Przedmioty gospodarstwa domowego zaczęto bogato zdobić ozdobami z brązu, na które składały się głównie koła, spirale, faliste linie i tym podobne motywy. Zaczęły pojawiać się pierwsze dekoracje, które były sporych rozmiarów i od razu rzucały się w oczy.

Ale być może najważniejszym atutem epoki brązu są ogromne budowle, które naukowcy kojarzą z prymitywnymi wierzeniami. We Francji, na półwyspie Bretanii, ciągną się kilometrami pola, na których stoją wysokie, kilkumetrowe, kamienne filary, które w języku Celtów, rdzennych mieszkańców półwyspu, nazywane są menhirami.

Już w tamtych czasach wierzono w życie pozagrobowe, o czym świadczą dolmeny – grobowce, które pierwotnie służyły do ​​pochówku (ściany z ogromnych kamiennych płyt przykrywano dachem wykonanym z tego samego monolitycznego kamiennego bloku), a następnie do kultu słońca . Miejsca menhirów i dolmenów uważano za święte.

Starożytny Egipt

Jedną z najstarszych i najpiękniejszych kultur starożytności jest kultura Starożytny Egipt. Egipcjanie, podobnie jak wielu ówczesnych ludzi, byli bardzo religijni, wierzyli, że dusza człowieka istnieje nadal po jego śmierci i od czasu do czasu odwiedza ciało. Dlatego Egipcjanie tak pilnie przechowywali ciała zmarłych; zabalsamowano je i przechowywano w bezpiecznych konstrukcjach pochówku. Aby zmarły mógł cieszyć się wszystkimi dobrodziejstwami w zaświatach, obdarowywano go wszelkiego rodzaju bogato zdobionymi przedmiotami gospodarstwa domowego i luksusowymi, a także figurkami służby. Stworzyli także posąg zmarłego na wypadek, gdyby ciało nie wytrzymywało naporu czasu, aby dusza powracająca z innego świata mogła odnaleźć ziemską skorupę. Ciało i wszystko, co niezbędne, zamurowano w piramidzie – arcydziele starożytnej egipskiej sztuki budowlanej.

Z pomocą niewolników jeszcze za życia faraona wycięto ze skał ogromne kamienne bloki grobowca królewskiego, przeciągnięto je i ustawiono na miejscu. Ze względu na niski poziom technologii każda taka konstrukcja kosztowała kilkaset, a nawet tysiące istnień ludzkich. Największa i najbardziej uderzająca konstrukcja tego rodzaju wchodzi w skład słynnego zespołu piramid w Gizie. To jest piramida faraona Cheopsa. Jego wysokość wynosi 146 metrów i bez problemu zmieści się w niej np. katedra św. Izaaka. Z biegiem czasu zaczęto budować duże piramidy schodkowe, z których najstarsza znajduje się na Saharze i została zbudowana cztery i pół tysiąca lat temu. Porażają wyobraźnię swoimi rozmiarami, dokładnością geometryczną i nakładem pracy włożonej w ich konstrukcję. Starannie wypolerowane powierzchnie mieniły się olśniewająco w promieniach południowego słońca, pozostawiając niezatarte wrażenie na odwiedzających kupców i wędrowców.

Na brzegach Nilu powstały całe „miasta umarłych”, obok których stały świątynie ku czci bogów. Ogromne bramy utworzone przez dwa masywne, zwężające się ku górze kamienne bloki – pylony – prowadziły na dziedzińce i sale z kolumnami. Do bram prowadziły drogi, otoczone rzędami sfinksów – posągów z ciałem lwa i głową człowieka lub barana. Kształt kolumn przypominał rośliny pospolite w Egipcie: papirus, lotos, palmę. Luxor i Kariaka, które powstały około XIV wieku p.n.e., słusznie uważane są za jedne z najstarszych świątyń.

Płaskorzeźby i malowidła zdobiły ściany i kolumny egipskich budowli, słynące z unikalnych technik przedstawiania postaci. Części postaci ukazano tak, aby były jak najpełniej widoczne: stopy i głowę oglądano z boku, a oczy i ramiona z przodu. Nie chodziło tu o niemożność, ale o ścisłe przestrzeganie pewnych zasad. Seria obrazów przebiegała jeden po drugim w długich pasach, obrysowanych naciętymi liniami konturowymi i pomalowanych w pięknie dobranych tonacjach; towarzyszyły im hieroglify - znaki, obrazy pisma starożytnych Egipcjan. W przeważającej części ukazane są tu wydarzenia z życia faraonów i szlachty, są też sceny pracy. Często Egipcjanie malowali pożądane wydarzenia, ponieważ mocno wierzyli, że to, co zostało przedstawione, na pewno się spełni.

Piramida jest w całości zbudowana z kamienia, wewnątrz niej znajduje się jedynie niewielka komora grobowa, do której prowadzą korytarze, zamurowane po pochówku króla. Nie przeszkodziło to jednak rabusiom w odnalezieniu drogi do skarbów ukrytych w piramidzie; To nie przypadek, że później budowę piramid trzeba było porzucić. Być może z powodu szabrowników, a może dlatego ciężka praca Przestali budować grobowce na równinie, zaczęli wycinać je w skałach i starannie zamaskować wyjście. I tak dzięki przypadkowi w 1922 roku odnaleziono grób, w którym pochowano faraona Tutenchamona. W naszych czasach budowa tamy Asuańskiej groziła powodzią wykutej w skale świątyni Abu Simbele. Aby ocalić świątynię, skałę, w której została wyrzeźbiona, pocięto na kawałki i złożono ponownie w bezpiecznym miejscu na wysokim brzegu Nilu.

Wraz z piramidami majestatyczne postacie przyniosły sławę egipskim rzemieślnikom, których piękno podziwiały wszystkie kolejne pokolenia. Szczególnie wdzięczne były posągi wykonane z malowanego drewna lub polerowanego kamienia. Faraonów przedstawiano zwykle w tej samej pozie, najczęściej stojącej, z rękami wyciągniętymi wzdłuż ciała i lewą nogą wyciągniętą do przodu. Na obrazach zwykłych ludzi był więcej życia i ruch. Szczególnie urzekały smukłe kobiety w lekkich lnianych szatach, ozdobione liczną biżuterią. Portrety z tamtych czasów bardzo trafnie oddawały unikalne cechy człowieka, mimo że wśród innych narodów panowała idealizacja, a niektóre obrazy urzekały subtelnością i nienaturalnym wdziękiem.

Sztuka starożytnego Egiptu przetrwała około dwóch i pół tysiąclecia dzięki wierzeniom i surowym zasadom. Niesamowicie rozkwitł za panowania faraona Echnatona w XIV wieku p.n.e. (powstały wspaniałe wizerunki córek króla i jego żony, pięknej Nefertiti, które do dziś wpłynęły na ideał piękna), jednak wpływ sztuki innych narodów, zwłaszcza Greków, na początku naszej ery ostatecznie zgasili płomień sztuki egipskiej.

Kultura Morza Egejskiego

W 1900 roku angielski naukowiec Arthur Evans wraz z innymi archeologami przeprowadził wykopaliska na Krecie. Szukał potwierdzenia w opowieściach starożytnego greckiego śpiewaka Homera, które opowiadał w starożytnych mitach i wierszach, o przepychu kreteńskich pałaców i potędze króla Minosa. I znalazł ślady charakterystycznej kultury, która zaczęła kształtować się około 5000 lat temu na wyspach i wybrzeżach Morza Egejskiego, a która od nazwy morza została później nazwana Morzem Egejskim lub, od nazw głównych centra kreteńsko-mykońskie. Kultura ta przetrwała prawie 2000 lat, lecz wojowniczy Grecy, którzy przybyli z północy, wyparli ją w XII wieku p.n.e. Jednak kultura egejska nie zniknęła bez śladu, pozostawiła po sobie pomniki niezwykłej urody i subtelności smaku.

Tylko częściowo zachowany jest Pałac Kios, który był największy. Składał się z setek różnych pomieszczeń zgrupowanych wokół dużego frontowego dziedzińca. Należą do nich sala tronowa, sale kolumnowe, tarasy widokowe, a nawet łazienki. Do dziś zachowały się ich wodociągi i wanny. Ściany łazienek zdobią fototapety przedstawiające delfiny i latające ryby, adekwatne do takiego miejsca. Pałac miał niezwykle skomplikowany plan. Przejścia i korytarze nagle skręcają, zamieniają się w podjazdy i zjazdy po schodach, a poza tym pałac był wielopiętrowy. Nic dziwnego, że później powstał mit o labiryncie kreteńskim, w którym żył potworny byk-człowiek i z którego nie można było znaleźć wyjścia. Labirynt kojarzony był z bykiem, gdyż na Krecie uznawany był za zwierzę święte i co jakiś czas przyciągał wzrok – zarówno w życiu, jak i w sztuce. Ponieważ większość pomieszczenia nie posiadały ścian zewnętrznych - jedynie przegrody wewnętrzne - nie można było w nich wyciąć okien. Pomieszczenia oświetlano poprzez otwory w suficie, w niektórych miejscach były to „świetliki” biegnące przez kilka pięter. Osobliwe kolumny rosły w górę i były pomalowane na uroczyste kolory czerwony, czarny i żółty. Malowidła ścienne cieszyły oko wesołymi, kolorowymi harmoniami. Zachowane fragmenty malowideł przedstawiają ważne wydarzenia, chłopców i dziewczęta podczas świętych zabaw z bykiem, boginie, kapłanki, rośliny i zwierzęta. Ściany ozdobiono także malowanymi płaskorzeźbami. Wizerunki ludzi przypominają starożytne egipskie: twarze i nogi są z boku, a ramiona i oczy z przodu, ale ich ruchy są bardziej swobodne i naturalne niż na egipskich płaskorzeźbach.

Na Krecie odkryto wiele małych rzeźb, zwłaszcza figurki bogiń z wężami: węże uważano za strażników paleniska. Boginie w spódnicach z falbankami, obcisłym gorsecie i wysokich fryzurach wyglądają bardzo zalotnie. Kreteńczycy byli znakomitymi mistrzami ceramiki: gliniane naczynia są pięknie malowane, zwłaszcza te, w których z dużą plastyką przedstawiane są zwierzęta morskie, na przykład ośmiornice, pokrywające mackami zaokrąglony korpus wazonu.

W XV wieku p.n.e. z półwyspu Peloponez przybyli Achajowie, którzy wcześniej byli podporządkowani Kreteńczykom i zniszczyli Pałac w Knossos. Od tego czasu władza w regionie Morza Egejskiego przeszła w ręce Achajów, aż do momentu, gdy zostali podbici przez inne plemiona greckie – Dorów.

Na półwyspie Peloponez Achajowie zbudowali potężne twierdze – Mykeny i Tiryns. Na kontynencie niebezpieczeństwo ataku wroga było znacznie większe niż na wyspie, dlatego obie osady zbudowano na wzgórzach i otoczono murami z ogromnych kamieni. Trudno sobie wyobrazić, że człowiek jest w stanie poradzić sobie z takimi kamiennymi kadłubami, dlatego kolejne pokolenia stworzyły mit o gigantach – Cyklopach – którzy pomagali ludziom budować te mury. Znaleziono tu także malowidła ścienne i artystycznie wykonane przedmioty gospodarstwa domowego. Jednak w porównaniu do wesołej i bliskiej naturze sztuki kreteńskiej, sztuka Achajów wygląda inaczej: jest surowsza i odważniejsza, gloryfikuje wojnę i łowiectwo.

Wejścia do dawno zrujnowanej twierdzy mykeńskiej nadal strzegą dwa lwy wyrzeźbione w kamieniu nad słynną Lwią Bramą. W pobliżu znajdują się grobowce władców, które jako pierwszy badał niemiecki kupiec i archeolog Heinrich Schliemann (1822 - 1890). Od dzieciństwa marzył o odnalezieniu i odkopaniu miasta Troja; Starożytny grecki piosenkarz Homer w wierszu „Iliada” opowiedział o wojnie między Trojanami a Achajami i śmierci miasta (XII w. p.n.e.). Rzeczywiście, Schliemannowi udało się znaleźć na północnym krańcu Azji Mniejszej (w dzisiejszej Turcji) ruiny miasta uważanego za starożytną Troję. Niestety, przez nadmierny pośpiech i brak specjalnego wykształcenia, zniszczył wiele z tego, czego szukał. Niemniej jednak dokonał wielu cennych odkryć i wzbogacił wiedzę swoich czasów o tej odległej i ciekawej epoce.

Starożytna Grecja

Bez wątpienia najbardziej duży wpływ sztuka wywarła wpływ na kolejne pokolenia Starożytna Grecja. Jego spokojne i majestatyczne piękno, harmonia i przejrzystość posłużyły jako model i źródło dla późniejszych epok historii kultury.

Grecka starożytność nazywana jest starożytnością, a starożytny Rzym również jest klasyfikowany jako starożytność.

Minęło kilka stuleci, zanim plemiona doryckie przybyły z północy w XII wieku p.n.e. e., do VI wieku p.n.e. mi. stworzył wysoko rozwiniętą sztukę. Potem nastąpiły trzy okresy w historii sztuki greckiej:

Okres archaiczny lub starożytny - od około 600 do 480 pne. e., kiedy Grecy odparli najazd Persów i uwolniwszy swoją ziemię od groźby podboju, znów mogli swobodnie i spokojnie tworzyć.

Klasyczny lub rozkwit - od 480 do 323 pne. mi. - rok śmierci Aleksandra Wielkiego, który podbił rozległe obszary, bardzo odmienne w swoich kulturach; ta różnorodność kultur była jedną z przyczyn upadku klasycznej sztuki greckiej.

Hellenizm, lub późny okres; zakończyło się w 30 roku p.n.e. e., kiedy Rzymianie podbili Egipt, który znajdował się pod wpływami greckimi.

Kultura grecka rozprzestrzeniła się daleko poza granice swojej ojczyzny - do Azji Mniejszej i Włoch, na Sycylię i inne wyspy Morza Śródziemnego, do Afryki Północnej i innych miejsc, gdzie Grecy zakładali swoje osady. Miasta greckie znajdowały się nawet na północnym wybrzeżu Morza Czarnego.

Największym osiągnięciem greckiej sztuki budowlanej były świątynie. Najstarsze ruiny świątyń pochodzą z epoki archaicznej, kiedy zamiast drewna jako materiałów budowlanych zaczęto używać żółtawego wapienia i białego marmuru. Uważa się, że prototypem świątyni było starożytne mieszkanie Greków - prostokątna konstrukcja z dwiema kolumnami przed wejściem. Z tej prostej budowli z biegiem czasu wyrosły różnego rodzaju świątynie, bardziej złożone w swoim układzie. Zwykle świątynia stała na schodkowej podstawie. Składało się z pozbawionego okien pomieszczenia, w którym znajdował się posąg bóstwa; budynek otaczał jeden lub dwa rzędy kolumn. Podpierały belki stropowe i dach dwuspadowy. W słabo oświetlonym wnętrzu posąg boga mogli zwiedzać jedynie kapłani, lecz ludzie oglądali świątynię tylko z zewnątrz. Oczywiście dlatego starożytni Grecy największą wagę przywiązywali do piękna i harmonii. wyglądświątynia.

Budowa świątyni została podporządkowana pewne zasady. Dokładnie ustalono wymiary, proporcje części i liczbę kolumn.

W architekturze greckiej dominowały trzy style: dorycki, joński i koryncki. Najstarszym z nich był styl dorycki, który rozwinął się już w epoce archaicznej. Był odważny, prosty i potężny. Swoją nazwę otrzymał od plemion doryckich, które je stworzyły. Kolumna dorycka jest ciężka, nieco pogrubiona tuż poniżej środka – wydaje się, że lekko uwypukliła się pod ciężarem stropu. Górną część kolumny – kapitel – tworzą dwie kamienne płyty; dolna płyta jest okrągła, a górna płyta jest kwadratowa. Kierunek kolumny ku górze podkreślają pionowe żłobienia. Strop wsparty na kolumnach w górnej części otoczony jest na całym obwodzie świątyni pasem dekoracji – fryzem. Składa się z naprzemiennych płyt: niektóre mają dwa pionowe zagłębienia, inne zwykle mają reliefy. Wzdłuż krawędzi dachu biegną wystające gzymsy: po obu wąskich bokach świątyni pod dachem uformowano trójkąty - frontony - które ozdobiono rzeźbami. Dziś ocalałe części świątyń są białe: farby, które je pokryły, z czasem się pokruszyły. Ich fryzy i gzymsy były niegdyś pomalowane na czerwono i niebiesko.

Styl joński powstał w regionie jońskim w Azji Mniejszej. Stąd przedostał się już do właściwych regionów Grecji. W porównaniu do kolumn w stylu doryckim, kolumny w stylu jońskim są bardziej eleganckie i smukłe. Każda kolumna ma swoją podstawę - podstawę. Środkowa część kapitela przypomina poduszkę z narożnikami skręconymi w spiralę, tzw. wolutami.

W epoce hellenistycznej, kiedy architektura zaczęła dążyć do większej świetności, najczęściej zaczęto stosować kapitele korynckie. Są bogato zdobione motywami roślinnymi, wśród których dominują przedstawienia liści akantu.

Tak się złożyło, że czas był łaskawy dla najstarszych świątyń doryckich, głównie poza Grecją. Kilka takich świątyń zachowało się na Sycylii i w południowych Włoszech. Najbardziej znaną z nich jest świątynia boga morza Posejdona w Paestum pod Neapolem, która wygląda nieco ociężała i przysadzista. Z wczesnych świątyń doryckich w samej Grecji najciekawsza jest świątynia najwyższego boga Zeusa, stojąca obecnie w ruinie, w Olimpii, świętym mieście Greków, gdzie rozpoczęły się igrzyska olimpijskie.

Rozkwit architektury greckiej rozpoczął się w V wieku p.n.e. mi. Ta epoka klasyczna jest nierozerwalnie związana z imieniem słynnego męża stanu Peryklesa. Za jego panowania rozpoczęły się wspaniałe prace budowlane w Atenach, największym centrum kulturalnym i artystycznym Grecji. Główna budowa miała miejsce na starożytnym ufortyfikowanym wzgórzu Akropolu. Nawet z ruin można sobie wyobrazić, jak piękny był Akropol w swoich czasach. Na wzgórze prowadziły szerokie, marmurowe schody. Po jej prawej stronie, na podwyższeniu niczym cenna trumna, znajduje się mała elegancka świątynia bogini zwycięstwa Nike. Przez bramy z kolumnami zwiedzający wchodził na plac, pośrodku którego stał posąg patronki miasta, bogini mądrości Ateny; dalej można było zobaczyć Erechtejon, wyjątkową i złożoną świątynię w planie. Jego cechą charakterystyczną jest wystający z boku portyk, gdzie stropy wsparte zostały nie na kolumnach, a na marmurowych rzeźbach w kształcie postaci kobiecej, tzw. kariatydach.

Główną budowlą Akropolu jest Świątynia Partenon poświęcona Atenie. Świątynia ta – najdoskonalsza budowla w stylu doryckim – została ukończona prawie dwa i pół tysiąca lat temu, ale znamy nazwiska jej twórców: nazywali się Iktin i Kallikrates. W świątyni znajdował się posąg Ateny, wyrzeźbiony przez wielkiego rzeźbiarza Fidiasza; jeden z dwóch marmurowych fryzów, otaczających świątynię 160-metrową wstęgą, przedstawiał świąteczną procesję Ateńczyków. Przy tworzeniu tej wspaniałej płaskorzeźby, która przedstawiała około trzystu postacie ludzkie i dwieście koni, Fidiasz także wziął udział. Partenon jest w ruinie od około 300 lat - odkąd w XVII wieku, podczas oblężenia Aten przez Wenecjan, rządzący tam Turcy zbudowali w świątyni magazyn prochu. Większość płaskorzeźb, które przetrwały eksplozję, wywieziono na początku XIX wieku do Londynu, Brytyjskie Muzeum, Anglik Lord Elgin.

W wyniku podbojów Aleksandra Wielkiego w drugiej połowie IV wieku p.n.e. mi. wpływ Kultura grecka i sztuka rozprzestrzeniła się na rozległych terytoriach. Powstały nowe miasta; Największe ośrodki rozwinęły się jednak poza Grecją. Są to np. Aleksandria w Egipcie i Pergamon w Azji Mniejszej, gdzie działalność budowlana była na największą skalę. Na tych obszarach preferowano styl joński; Ciekawym przykładem był ogromny nagrobek króla Azji Mniejszej Mavsola, zaliczanego do siedmiu cudów świata. Była to komora grobowa na wysokiej prostokątnej podstawie, otoczona kolumnadą, a nad nią wznosiła się kamienna piramida schodkowa, zwieńczona rzeźbionym wizerunkiem kwadrygi, którą rządził sam Mausolus. Po tej konstrukcji inne duże ceremonialne budowle pogrzebowe nazwano później mauzoleami.

W epoce hellenistycznej mniej uwagi poświęcano świątyniom, budowano place spacerowe otoczone kolumnadami, amfiteatry na świeżym powietrzu, biblioteki i wszelkiego rodzaju rzeczy. budynki publiczne, pałace i obiekty sportowe. Udoskonalono budynki mieszkalne: stały się dwu- i trzypiętrowe, z dużymi ogrodami. Celem stał się luksus, a w architekturze mieszały się różne style.

Greccy rzeźbiarze dali światu dzieła, które budziły podziw wielu pokoleń. Najstarsze znane nam rzeźby powstały w epoce archaicznej. Są nieco prymitywne: ich nieruchoma poza, ramiona mocno przyciśnięte do ciała i wzrok skierowany przed siebie podyktowane są wąskim, długim kamiennym blokiem, z którego wyrzeźbiono posąg. Zwykle ma jedną nogę wysuniętą do przodu, aby utrzymać równowagę. Archeolodzy odkryli wiele takich posągów przedstawiających nagich młodych mężczyzn i dziewczęta ubrane w luźne fałdy. Ich twarze często ożywia tajemniczy „archaiczny” uśmiech.

Główna działalność rzeźbiarzy epoki klasycznej polegało na tworzeniu posągów bogów i bohaterów. Wszyscy greccy bogowie byli podobni do zwykłych ludzi, zarówno pod względem wyglądu, jak i sposobu życia. Przedstawiano ich jako ludzi, ale silnych, dobrze rozwiniętych fizycznie i mających piękną twarz. Czasami przedstawiano je nago, aby pokazać piękno harmonijnie rozwiniętego ciała. Świątynie zdobiono także płaskorzeźbami; Modne były wizerunki świeckie, na przykład posągi wybitnych mężów stanu, bohaterów i sławnych wojowników.

V wiek p.n.e mi. słynący z wielkich rzeźbiarzy: Myrona, Fidiasza i Polikleta, każdy z nich wniósł świeżego ducha do sztuki rzeźbiarskiej i przybliżył ją do rzeczywistości. Młodzi nadzy sportowcy Polikleita, na przykład jego „Doriphoros”, spoczywają tylko na jednej nodze, drugą pozostawia się luźno. W ten sposób można było obrócić figurę i stworzyć wrażenie ruchu. Jednak stojącym marmurowym figurom nie można było nadać bardziej wyrazistych gestów ani skomplikowanych póz: posąg mógłby stracić równowagę, a kruchy marmur mógłby pęknąć. Jednym z pierwszych, który rozwiązał ten problem, był Miron (twórca słynnego „Dyskobola”), który zastąpił kruchy marmur trwalszym brązem. Jeden z pierwszych, ale nie jedyny. Fidiasz następnie tworzy wspaniały Statuła z Bronzu Ateny na Akropolu oraz 12-metrowy, pokryty złotem i kością słoniową posąg Ateny w Partenonie, który później zniknął bez śladu. Taki sam los spotkał ogromny posąg Zeusa zasiadającego na tronie, wykonany z tych samych materiałów, wykonany dla świątyni w Olimpii – jednego z siedmiu cudów. Na tym nie kończą się osiągnięcia Fidiasza: nadzorował prace przy dekorowaniu Partenonu fryzami i grupami frontonów.

W dzisiejszych czasach zachwycające rzeźby Greków, powstałe w czasach ich świetności, wydają się nieco zimne. , brakuje kolorytu, który kiedyś je ożywiał; ale są obojętni i podobny przyjaciel na swoich twarzach. Rzeczywiście, greccy rzeźbiarze tamtych czasów nie próbowali wyrażać żadnych uczuć ani doświadczeń na twarzach posągów. Ich celem było pokazanie idealnego piękna ciała. Dlatego zniszczone posągi, niektóre nawet bez głów, budzą w nas uczucie głębokiego podziwu.

Jeśli przed IV wiekiem tworzono wzniosłe i poważne obrazy, przeznaczone do oglądania z przodu, to nowy wiek skłaniał się w stronę ekspresji czułości i miękkości. Rzeźbiarze, tacy jak Praxiteles i Lysippos, w swoich rzeźbach przedstawiających nagich bogów i boginie próbowali nadać gładkiej marmurowej powierzchni ciepło i dreszczyk życia. Znaleźli także możliwość urozmaicenia pozycji posągów, stworzenia równowagi za pomocą odpowiednich podpór (Hermes, młody posłaniec bogów, opiera się o pień drzewa). Takie posągi można było oglądać ze wszystkich stron – to była kolejna innowacja.

Hellenizm w rzeźbie uwydatnia formy, wszystko staje się bujne i nieco przesadzone. W dziełach sztuki widać nadmierne namiętności lub nadmierną bliskość z naturą. W tym czasie zaczęto pilnie kopiować posągi z wcześniejszych czasów; Dzięki kopiom znamy dziś wiele zabytków – albo bezpowrotnie utraconych, albo jeszcze nie odnalezionych. Przenoszenie rzeźb marmurowych mocne uczucia, powstały w IV wieku p.n.e. mi. Skopas. Jego największym znanym nam dziełem jest udział w dekoracji mauzoleum w Halikarnasie płaskorzeźbami rzeźbiarskimi. Wśród najbardziej znane prace Epoka hellenistyczna – płaskorzeźby dużego ołtarza w Pergamonie przedstawiające legendarną bitwę; posąg bogini Afrodyty znaleziony na początku ubiegłego wieku na wyspie Melos, a także grupa rzeźbiarska „Laokoon”. Rzeźba ta oddaje z bezwzględną prawdopodobieństwem fizyczne udręki i strach trojańskiego kapłana i jego synów, którzy zostali uduszeni przez węże.

Malowidła wazowe zajmują szczególne miejsce w malarstwie greckim. Wykonywane były często przez mistrzów – ceramików – z wielkim kunsztem, są też ciekawe, bo opowiadają o życiu starożytnych Greków, o ich wyglądzie, przedmiotach gospodarstwa domowego, zwyczajach i nie tylko. W tym sensie mówią nam nawet więcej niż rzeźby. Nie zabrakło jednak także scen z eposu homeryckiego, licznych mitów o bogach i bohaterach, a na wazach przedstawiano festiwale i zawody sportowe.

Aby wykonać wazon, na odkrytą czerwoną powierzchnię naniesiono sylwetki ludzi i zwierząt czarnym lakierem. Zarysy detali zostały na nich wydrapane igłą - pojawiły się w postaci cienkiej czerwonej linii. Ale ta technika była niewygodna, więc później zaczęto pozostawiać postacie na czerwono i malować przestrzenie między nimi na czarno. W ten sposób wygodniej było narysować detale - wykonano je na czerwonym tle z czarnymi liniami.

Z tego możemy wywnioskować, że w czasach starożytnych kwitło malarstwo (świadczą o tym zniszczone świątynie i domy). Oznacza to, że pomimo wszystkich trudności życiowych, człowiek przez cały czas dążył do piękna.

Kultura etruska

Etruskowie żyli w północnych Włoszech około VIII wieku p.n.e. mi. Do dziś przetrwały jedynie żałosne strzępy i skąpe informacje o wielkiej kulturze, od czasów wyzwolenia się Rzymian spod władzy Etrusków w IV wieku p.n.e. e., zmazali ich miasta z powierzchni ziemi. Uniemożliwiło to naukowcom pełne zrozumienie pisma etruskiego. Pozostawili jednak nietknięte „miasta umarłych” - cmentarze, które czasami przekraczały swoją wielkością miasta żywych. Etruskowie wyznawali kult zmarłych: wierzyli w życie pozagrobowe i chcieli uczynić je przyjemnym dla zmarłych. Dlatego ich sztuka, która służyła śmierci, była pełna życia i jasnej radości. Malowidła na ścianach grobowców przedstawiały najlepsze aspekty życia: wakacje przy muzyce i tańcu, zawody sportowe, sceny polowań czy przyjemny pobyt w rodzinie. Sarkofagi – ówczesne łóżka – wykonywano z terakoty, czyli wypalanej gliny. Sarkofagi powstały z myślą o rzeźbach par małżeńskich, które leżały na nich w trakcie przyjacielskiej rozmowy lub posiłku.

W miastach etruskich pracowało wielu rzemieślników z Grecji, którzy przekazywali swoje umiejętności młodym Etruskom i w ten sposób wpływali na ich kulturę. Podobno charakterystyczny uśmiech na twarzach posągów etruskich został zapożyczony od Greków – mocno przypomina „archaiczny” uśmiech wczesnych greckie posągi. A jednak te malowane terakoty zachowały rysy twarzy charakterystyczne dla rzeźb etruskich - duży nos, lekko skośne oczy w kształcie migdałów pod ciężkimi powiekami, pełne usta. Etruskowie byli dobrzy w technikach odlewania brązu. Wyraźnym potwierdzeniem tego jest słynny posąg Wilka Kapitolińskiego w Etrurii. Według legendy swoim mlekiem nakarmiła dwóch braci Romulusa, założyciela Rzymu, i Remusa.

Etruskowie swoje niezwykle piękne świątynie budowali z drewna. Przed prostokątną budowlą znajdował się portyk z prostymi kolumnami. Drewniane belki stropowe umożliwiły rozmieszczenie kolumn w znacznych odległościach od siebie. Dach miał mocny spadek, rolę fryzu pełniły rzędy malowanych płyt glinianych. Najbardziej charakterystyczną cechą świątyni była jej wysoka podstawa, która została odziedziczona przez rzymskich budowniczych. Etruskowie pozostawili w spadku Rzymianom kolejną ważną innowację – technikę sklepienia. Rzymianie osiągnęli później niespotykane dotąd wysokości w konstrukcji sklepionych sufitów.

Kultura starożytnego Rzymu

Państwo rzymskie powstało w I tysiącleciu p.n.e. mi. wokół miasta Rzym. Zaczął powiększać swój majątek kosztem sąsiednich narodów. Państwo rzymskie istniało przez około tysiąc lat i żyło dzięki wyzyskowi niewolniczej pracy i podbitym krajom. W czasach swojej świetności Rzym był właścicielem wszystkich ziem przylegających do Morza Śródziemnego, zarówno w Europie, jak i Azji i Afryce. Surowe prawa i silna armia umożliwiły skuteczne rządzenie krajem przez długi czas. Na pomoc wezwano nawet sztukę, a zwłaszcza architekturę. Swoimi niesamowitymi strukturami pokazali całemu światu niezachwianą siłę władzy państwowej.

Rzymianie jako jedni z pierwszych używali zaprawy wapiennej do łączenia kamieni. Był to ogromny krok naprzód w technologii budownictwa. Teraz możliwe było budowanie konstrukcji o bardziej zróżnicowanych układach i dużych osłonach przestrzenie wewnętrzne. Na przykład 40-metrowe (o średnicy) pomieszczenia rzymskiego panteonu (świątyni wszystkich bogów). A kopuła, która przykrywała ten budynek, nadal jest wzorem dla architektów i budowniczych.

Przyjmując styl koryncki od Greków, uważali go za najwspanialszy. Jednak w budynkach rzymskich kolumny zaczęły tracić swoje pierwotne przeznaczenie, jakim było wspieranie jakiejkolwiek części budynku. Ponieważ łuki i sklepienia wytrzymywały bez nich, kolumny wkrótce zaczęły służyć po prostu jako dekoracja. Ich miejsce zaczęły zajmować pilastry i półkolumny.

Architektura rzymska osiągnęła swój największy rozkwit w czasach cesarzy (pierwsze wieki naszej ery). Z tego okresu pochodzą najbardziej niezwykłe zabytki architektury rzymskiej. Każdy władca uważał za sprawę honoru budowanie eleganckich placów otoczonych kolumnadami i budynkami użyteczności publicznej. Cesarz August, żyjący na przełomie ostatniej ery i naszej ery, przechwalał się, że znalazł stolicę z cegły, pozostawiając ją marmurową. Liczne ruiny, które przetrwały do ​​dziś, dają wyobrażenie o odwadze i ogromie przedsięwzięć budowlanych tamtych czasów. Na cześć zwycięskich dowódców wznieśli łuki triumfalne. Budynki rozrywkowe zyskały niesamowitą popularność i wyróżniały się przepychem architektonicznym. Tym samym największy rzymski cyrk, Koloseum, pomieścił 50 000 widzów. Nie dajcie się zwieść takim liczbom, gdyż już w starożytności ludność Rzymu liczyła się w milionach.

Poziom kulturowy państwa był jednak niższy od poziomu kultury niektórych podbitych ludów. Dlatego wiele wierzeń i mitów zapożyczono od Greków i Etrusków.

Andre Bonnard napisał: „Ze wszystkich dzieł narodu greckiego tragedia jest być może najwspanialszą i najodważniejszą”. Rzeczywiście grecki dramat i teatr epoki klasycznej jest zjawiskiem globalnym. Następnie, w „epoce Peryklesa”, położono początek rozwojowi europejskiego dramatu, teatru i sztuki scenicznej.

FOLKO-RYTUAŁOWE POCZĄTKI TEATRU. Grecki dramat i teatr, podobnie jak inne formy artystyczne, opierał się na gruncie oralnym Sztuka ludowa. Folklor grecki był „nasycony” różnymi kultami i rytuałami, których nieodzownym elementem było przebieranie się, czyli przebieranie. Wynikało to z faktu, że ludzie na prymitywnym, wczesnym etapie byli przekonani, że zakładając maskę boga, bestii, demona itp., „odziedziczą” cechy danej istoty. Mummering uzupełniały skecze i dowcipy, które cieszyły się szczególną popularnością wśród rolników. Takie kultowe akcje i zabawy zbiegły się w czasie ze zmianą pór roku, kiedy więdnięcie zbóż lub ich kwitnienie, siew lub zbiór wiązał się z wyobrażeniami o „narodzinach” i „śmierci”, o śmierci i zmartwychwstaniu demona płodności .

Coś podobnego obserwuje się wśród innych narodów. Na przykład wśród Słowian takim świętem była Maslenica, w Europie Zachodniej w dużej mierze odpowiadała karnawałowi. Starożytni Celtowie posiadali tzw. „Majowe tańce” W Grecji istniał kult wielu bogów, którzy patronowali ludziom w ich działalności. Ale jednym z głównych był kult Dionizosa. Początkowo uważany był za boga twórczych sił natury. Jego świętymi zwierzętami byli byk i koza. Sam Dionizos był często przedstawiany w przebraniu tych zwierząt. Później Dionizosa zaczęto postrzegać jako patrona muz.

Na cześć Dionizosa kilka razy w roku odbywały się festiwale, podczas których jego wielbiciele występowali ubrani w kozie skóry, czasem wiążąc kopyta i rogi. Ubierając się w ten sposób, wydawało się, że człowiek wyszedł ze swojej skorupy. W tym stanie ludzie przedstawiali orszak Dionizosa, stali się „opętani przez boga”, mężczyźni zamienili się w „Bachusa”, kobiety w „Bachanty”. Imiona te pochodzą od Bachusa, jak czasami nazywano Dionizosa. Na uroczystościach ludzie często byli pijani. Śpiewali chóralne pieśni pochwalne na cześć Dionizosa, zwane dytyrambami. Za poetę, który nadał dytyrambowi formę literacką, uznawano Ariona (2. połowa VII w. – I połowa VI w. p.n.e.). Obdał dytyramby fabułami nie związanymi jedynie z czynami Dionizosa, przygotowując w ten sposób narodziny tragedii. Niestety, wiersze Ariona nie zachowały się; popularna jest jednak legenda o cudownym uratowaniu poety przez delfiny, które przeniosły go z morza na ląd. Fabuła ta stała się podstawą słynnego wiersza Puszkina „Arion” (1827).

WIELKA DIONIZJA. Z czasem święta ku czci Dionizosa, dość gwałtowne i chaotyczne, zaczęły zyskiwać coraz większy porządek. Ateński tyran Pisistratus (VI wiek p.n.e.) ustanowił święto Wielkiej Dionizji: były one miejskie i wiejskie, obchodzone przez pięć dni w lutym - marcu. Zaczęło się od pierwszych wiosennych kwiatów, które ozdobiono naczynia, a dzieciom wręczono zabawki. Następnie spacerowano po mummerach i odbywały się konkursy. Na przykład ten, który najszybciej wypił kielich wina, został zwieńczony pluszowym wiankiem. Otrzymał także butelkę wina. Punkt kulminacyjny

Kolejnym punktem uroczystości był tzw. procesje falliczne, podczas których niesiono fallusa (męski organ zapłodnienia), symbol płodności. Czasami znajdował się rydwan, na którym znajdowała się osoba – dorosła lub dziecko – przedstawiająca Dionizosa. Następnie poruszył tłum tańcząc i śpiewając, grając na instrumentach muzycznych. Stopniowo tłum zamienił się w chór, który przeżywał wyjątkowy występ szkolenie muzyczne: próby, próby. Chór ubrany był w kozie skóry. To wyjaśnia pochodzenie słowa: tragedia. Jest to połączenie dwóch słów: trakhos – koza; oda - piosenka. Dosłownie: pieśń kóz. W skład chóru mogli wchodzić zarówno dorośli, jak i młodzież. Najważniejszy punkt doszło do wymiany zdań pomiędzy chórem a wokalistą. Ta wymiana uwag stała się dialogiem, pierwotnym elementem dzieła dramatycznego.

Oprócz wokalisty pojawił się także dyrektor chóru, luminarz. Koryfeusz potrafił nawiązać dialog z solistami i aktorami. Zwykle chór pozostawał na miejscu, a aktor swobodnie się poruszał, opuszczał scenę, wracał i wymieniał z chórem kwestie. Aktor nie tylko mówił, ale potrafił przejść na recytatyw i śpiewać. Pieśni chóru i wypowiedzi aktora wypełnione były konkretną treścią. Pewną fabułę udało się opanować, a kultowa akcja przerodziła się w akcję dramatyczną. Takie „przejście” poza zakres pierwotnego kultu religijnego stało się możliwe dzięki temu, że bogowie Greków, jak chyba żaden inny naród, byli antropomorficzni i bliscy ludziom. W Grecji nie było zamkniętej kasty kapłanów, która zabraniałaby przedstawiania bogów w ludzkiej postaci. Dlatego pochwały na cześć Dionizosa były pełne treści życiowych.

POWSTANIE TRAGEDII. Z biegiem czasu dramatyczne przedstawienia Wielkiego Dionizego zaczynają opierać się na konkretnym tekście. Zyskują także strukturę, która ulega stopniowej konsolidacji. Aktor wychodzi pierwszy, po czym następuje otwierająca piosenka chóru, zwana parodią. Następnie pomiędzy pieśniami chóru rozgrywają się sceny mowy – elizodia. Oddzielone są od siebie stasimami (częściami chóralnymi). Tragedia kończy się exodusem – zejściem chóru ze sceny, któremu towarzyszy końcowy stasim. Początkowo w tragedii bierze udział jeden aktor, który na początku jest prostym gawędziarzem, jedynie opowiadającym wydarzenia. Stopniowo przejmuje władzę umiejętności aktorskie. Ajschylos wprowadza drugiego aktora, Sofokles trzeciego. Ustalona jest także pewna objętość tragedii: zawiera ona do 1400 wersetów.

Twórcy tragedii rywalizowali ze sobą. Pierwsze takie zawody odbyły się podczas 64. Olimpiady, czyli w ostatniej tercji VI wieku. pne mi. Za pierwszego dramaturga tragicznego uważa się Tesnidesa (2. połowa VI w. p.n.e.). Mówią, że jeździł do demesów, czyli powiatów, wsi, i dawał przedstawienia. Co więcej, jego wóz był jednocześnie sjeną i służył jako dekoracja. Znany jest także jego uczeń Frynich (2. poł. V w. p.n.e.), który wielokrotnie zwyciężał w konkursach. Jako pierwszy wprowadził w tragedię postacie kobiece, jednak z jego tragedii zachowały się jedynie drobne fragmenty. Frynich osadził tragedię na historycznym wątku „Zdobycia Miletu”. Jej tematem było powstanie greckiego miasta Milet w Azji Mniejszej, oblężenie i brutalna masakra mieszkańców przez Persów. Tragedia tak wstrząsnęła widzami, że nie mogli powstrzymać łez, za co Frynich został ukarany grzywną. Najwyraźniej powodem było to, że tragedia zawierała krytykę Aten, które nie zapewniły Miletowi niezbędnej pomocy.

Aby przedstawienia dramatyczne osiągnęły godne ucieleśnienie, konieczne było kilka warunków. Przede wszystkim dobrze tekst literacki. Po drugie, dobrze wyszkoleni aktorzy i chór. Po trzecie, obecność przestrzeni scenicznej, miejsca, w którym rozgrywała się akcja dramatyczna.

STRUKTURA TEATRU GRECKIEGO. Jak wyglądał teatr grecki? Możemy to ocenić na własne oczy, oglądając pozostałości teatru zachowane w mieście Epidauros. Został zbudowany na zboczu wzgórza Kingria i mógł z łatwością pomieścić do 14 tysięcy osób. Wzdłuż zbocza góry ustawiono rzędy ławek dla widzów, jedna nad drugą. Podzielono je poziomymi przejściami na kondygnacje, a pionowymi na kliny.

Pośrodku znajdowała się orkiestra, okrągła platforma o średnicy 24 metrów. Był na nim chór i aktorzy. Na orkiestrze znajdował się kamień – ołtarz ku czci boga Dionizosa.

Często orkiestra była oddzielona audytorium fosa z wodą. Po przeciwnej stronie widza, za orkiestrą, znajdował się skene („namiot”). Początkowo tym elementem rzeczywiście był namiot, ale potem wykonano solidną kamieniarkę, która mogła wyobrażać ścianę pałacu, najbardziej znany element dekoracji. Aktor przebierał się tam, przechowywano tam także scenografię i rekwizyty. Przednią część skeny nazywano proskenium i połączono ją schodami z orkiestrą. Teatr nie miał dachu, akcja rozgrywała się na świeżym powietrzu.

CECHY DRAMATU. Dramat, będący obok poezji epickiej i lirycznej jednym z rodzajów literatury, ma swoją specyfikę. Przeznaczony jest do produkcji scenicznej. Samo słowo dramat oznacza akcję. Postacie ujawniają się poprzez wypowiedzi i działania. W odróżnieniu od epickiego poety dramatopisarz nie miał możliwości uwiecznienia scen tłumu, bitew, wraków statków itp. Bohater mógł o tym opowiadać, ale nie sposób było tego pokazać w widoczny sposób. Jeśli w eposie styl jest narracyjny, to w dramacie jest to dialog. We wczesnej dramaturgii wykluczono monologi wewnętrzne i „autocharakterystyki bohaterów”. Autor nie potrafił zinterpretować, skomentować zachowań bohaterów, ocenić ich poczynań. Sędzią był widz.

Dramatopisarza krępowała zarówno objętość spektaklu, jak i prawa panujące na scenie. Czas trwania akcji nie przekroczył jednego dnia, sceneria się nie zmieniła, wszystko odbyło się w jednym miejscu. Dramaturg ma obowiązek jasno i żywo przedstawić poszczególne postacie, zaproponować rozwiązanie konfliktu i przekazać ideę widzowi. Tekst miał dać aktorowi materiał do kreowania obrazu. Bohaterów z reguły ukazywano w „momencie prawdy”, w szczególnych, ekstremalnych sytuacjach, kiedy głęboka istota postaci ujawnia się bardziej zdecydowanie niż kiedykolwiek. Każde zdanie, szczegół, szczegół musiał być znaczący. Wielcy dramatopisarze starożytności przekazali swoim potomkom bezcenne lekcje umiejętności.

TEATR W ŻYCIU STAROŻYTNEGO SPOŁECZEŃSTWA. W warunkach demokracji ateńskiej zdano sobie sprawę z ogromnego znaczenia teatru jako środka edukacji społeczeństwa. Tragedię klasyczną wyróżniał majestat i plastyczność form. Zaimponowała głębią filozoficzną, poruszając podstawowe problemy egzystencji, losu człowieka, konfrontacji jednostki z nieubłaganym losem, obowiązku wobec bogów i państwa. Od problemów uniwersalnych przeszła do problemów indywidualnych, osobistych: miłości i zazdrości, żądzy władzy i poświęcenia. Do konfliktów indywidualnych interesów, a czasem do wewnętrznych zmagań, które rozdzierają duszę konkretnej osoby.

Inscenizacje znaczących dzieł dramatycznych stały się wydarzeniami nie tylko w życiu artystycznym, ale także społecznym. Utalentowani dramatopisarze, podobnie jak aktorzy, cieszyli się szacunkiem w społeczeństwie. Wielki tragik Sofokles, który wzbudził powszechną miłość i podziw wszechstronnością swoich talentów, bliski przyjaciel Peryklesa, piastował szereg prestiżowych stanowisk rządowych, a po jego śmierci został faktycznie ubóstwiony. Dzieła dramaturgów były chronione przez państwo przed zniekształceniami i uważane były za dobro narodowe.

TEATR GRECKI: CECHY PRODUKCJI. Spróbujmy zrekonstruować sposób, w jaki odbywały się przedstawienia w starożytnym teatrze greckim. W teatrze nie było kurtyny. Kostiumy aktorów wpisywały się w charakter przedstawień i odpowiadały wiekowi bohaterów oraz ich pozycji. Na przykład królowie Atreus i Agamemnon byli ubrani w piękne, kolorowe stroje; Specjalny strój miał wróżbita Tejrezjasz, bohater tragedii Sofoklesa „Król Edyp” i „Antygona”.

Aktorzy nosili maski zakrywające czubek głowy. Ich zastosowanie wynikało z faktu, że w warunkach starożytnego teatru o dużych rozmiarach publiczność, zwłaszcza ta siedząca w tylnych rzędach, po prostu nie była w stanie rozróżnić mimiki aktora. Maska znacznie powiększała twarz aktora i mogła rejestrować określony stan umysłu. Zmieniając maski i kostiumy, jeden aktor mógł wcielić się w kilka ról.

Ubiór aktorów tragicznych przypominał strój kapłanów Dionizosa w okresie odprawianych przez nich ceremonii religijnych. Był to chiton przypominający koszulę. W przypadku aktorów była to długość do palców, podczas gdy w prawdziwym życiu sięgała jedynie do kolan. Zamiast prostych rozcięć na ramiona, chiton aktorów miał długie rękawy, sięgające dłoni. Chitony, podobnie jak płaszcze, miały bogate zdobienia, zwłaszcza wielokolorowe hafty. Królowie nosili długie fioletowe płaszcze, królowe białe himation z fioletową obwódką na wierzchu chitonu z trenem. Bogowie ubrani byli w wełniany płaszcz zakrywający całe ich ciało.

Maskę, której początki sięgają kultowych przedstawień, połączono z teatralną peruką. Maski były zróżnicowane pod kątem tragedii i komedii, dla różnych grup wiekowych i klas, a także dla poszczególnych obrazów, na przykład dla Achillesa, który ściął włosy po śmierci swojego przyjaciela Patroklosa; istniały maski dla muz, nimf, dla takich personifikacji abstrakcyjnych pojęć, jak na przykład Śmierć, Przemoc. Ponieważ aktorzy występowali w maskach, które mogli zmieniać w trakcie akcji, mimika twarzy była ukrywana, a mimika przekazywana była za pomocą ruchów rąk i ciała. Wybitny niemiecki krytyk i teoretyk sztuki Lessing napisał: „Bardzo niewiele wiemy o chironimii starożytnych, czyli o całości zasad, które przypisywali ruchom rąk. Wiemy jednak, że doprowadzili język migowy do takiej perfekcji, jakiej nawet nie jesteśmy w stanie sobie wyobrazić”.

Aktorzy wychodzili na scenę w butach z miękkiej skóry, na wysokiej podeszwie, zwanych buskinami, które zwiększały ich wysokość i pozwalały widzowi widzieć ich z każdego miejsca. Sceneria, zwykle prosta, prawie nigdy się nie zmieniała. Widz musiał wykazać się wyobraźnią, aby wyobrazić sobie, że akcja może toczyć się w różnych miejscach spektaklu. Przykładowo w końcowej części trylogii Ajschylosa „Oresteia” („Eumenides”) akcja rozgrywała się najpierw w Delfach przed świątynią Apolla, następnie w Atenach przed świątynią Ateny.

Wśród nielicznych urządzeń teatralnych, tzw eorema, czyli winda. Czasami nazywano to „maszyną”. Eorema potrafiła unieść aktora w powietrze i unieść go ze sceny, co było konieczne w trakcie przedstawienia. W wielu sztukach Eurypidesa akcja kończyła się pojawieniem się boga na maszynie dźwigowej, co było zakończeniem nieoczekiwanym. Stąd specjalne określenie: „bóg z maszyny” (deus ex machina). Wykorzystano także ekkiclemę, czyli drewnianą platformę na kółkach, którą wtaczano do orkiestry od środkowych drzwi skeny. Zwykle pokazywała widzom, co dzieje się wewnątrz pałacu lub domu.

GRA AKTORSKA. Role kobiece odgrywali mężczyźni. Aktor teatru starożytnego był, używając współczesnego określenia, „syntetyczny”, uniwersalny: miał partie mowy, recytatywy i śpiew, przypisywano mu umiejętność tańca i tańca, posiadania silnej i pięknym głosem. Aby wzmocnić głos w teatrze, we wnękach umieszczano specjalne naczynia zwane „skrzyniami głosowymi” lub rezonatorami. Arystoteles napisał, że „przemówienia ludzi niepokornych należy wyobrażać sobie jak przemówienia aktora”. Pozwala to stwierdzić, że aktorzy wyrażali się w sposób zaakcentowany, przemyślany.

Tak ważny dla Hellenów duch twórczej rywalizacji przyczynił się do doskonalenia warsztatu aktorów. Oceniono ich zdolność do ucieleśniania całej gamy ludzkich doświadczeń i emocji, wykorzystując różne modulacje głosu i rytmu. Wygląd, maniery i gesty aktora musiały odpowiadać charakterowi wcielonego bohatera. Na przykład aktor Apollon, który grał role silnych fizycznie, odważni ludzie- Achilles, Herkules, Anthea - zanim pojawił się na scenie teatralnej, był pięściarzem. Wysoko ceniono umiejętność aktora nie tylko przekazania uczuć swojej postaci, ale także wzbudzenia w widzach aktywnego empatii. Trafnie wyraził to rzymski poeta i krytyk Horacy: „Jeśli chcesz dosięgnąć moich łez, sam musisz szczerze smucić się”. Pod tym względem sławny był ateński aktor i tragik Teodor. Mówiono o nim, że odegrał rolę Meropy tak organicznie, że zmusił tyrana Aleksandra z Feraeusa do wybuchu łez i opuszczenia teatru. Kiedy Teodor grał, zabraniał wychodzić na scenę przed sobą nawet drobnym aktorom, starał się bowiem jako pierwszy wystąpić przed publicznością, tak aby już sama barwa i barwa jego głosu nastroiła ich na określoną falę emocjonalną. Aktorzy też mieli swoje ulubione role, swoje własne role. Ten sam Teodor z powodzeniem wcielał się na przykład w role cierpiących kobiet.

Zdarzało się, że po śmierci dramatopisarza, jeśli jego dzieło pozostało w repertuarze, aktorzy pozwolili sobie zostać „współautorami” i arbitralnie dokonali własnych korekt w tekście. Wtedy jednak uchwalono ustawę potwierdzającą nienaruszalność tekstu takich klasyków jak Ajschylos, Sofokles, Eurypides.

Faktycznie. W przeciwieństwie do średniowiecza, kiedy zawód aktora nie miał statusu prawnego, a samo aktorstwo uważano za czynność budzącą niewielki szacunek, artyści w Atenach i Grecji byli osobami szanowanymi. Grecja była jedynym stanem w Helladzie, w którym występy na scenie nie utrudniały dostępu do najwyższych stopni honoru, jeśli aktor był naprawdę utalentowany. Na przykład Ateńczycy dwukrotnie wysłali tragicznego Arystogema jako ambasadora do macedońskiego króla Filipa, aby negocjował ekstradycję więźniów.

Jeśli chodzi o chór, jego skład uległ zmianie: początkowo liczył 12 osób, później rozrósł się do 15 osób. Miał to być harmonijny i harmonijny zespół, który w trakcie działania rozpadł się na półchóry. Poprzez mimikę, gesty i taniec, a także śpiew, chór brał udział w wydarzeniach i tworzył emocjonalną atmosferę występu. Podobnie jak w corps de ballet, do chóru wybrano osoby o podobnym wzroście i budowie ciała.

Czasami do teatru przychodzili wynajęci ludzie, klakacze i kibicowali temu czy innemu aktorowi brawami. Występy odbyły się w dzień, więc nie było wymagane żadne specjalne oświetlenie. Poza tym przedstawienie trwało zwykle dłużej niż we współczesnym teatrze, bo czasami wystawiano kilka sztuk pod rząd. Dlatego też publiczność wzmocniła się smakołykami. Arystoteles zeznał: „W teatrze je się słodycze głównie wtedy, gdy aktorzy są źli”. Jeśli aktorzy wypadli słabo, można było ich wygwizdać. I zdarzyło się, że władze ukarały ich rózgami.

Organizację przedstawień dramatycznych powierzono wyższym urzędnikom. W samej małej Megarze do teatru mogło przyjść nawet 45 tysięcy widzów, czyli prawie cała dorosła populacja. W przedstawieniach uczestniczyli nie tylko wolni obywatele, mężczyźni, ale także kobiety, dzieci, a czasem niewolnicy.

Teatr miał potężny wpływ edukacyjny na życie społeczeństwa greckiego, zwłaszcza w Atenach.

ŚWIAT JEST SCENĄ TEATRALNĄ. Wybitny badacz starożytności, profesor A.A. Tahoe-Godi wysunął hipotezę, według której Grecy wyobrażali sobie życie w formie scena teatralna, w którym ludzie, niczym aktorzy, odgrywają określone role. Przychodzą znikąd i nigdzie nie idą. Tym nieznanym jest przestrzeń, w której rozpływają się niczym krople w morzu. „Sam kosmos tworzy dramaty i komedie, które odgrywamy” – A.F komentuje tę hipotezę. Losew. – ...Naszą koncepcję „osobowości” często wyraża się w języku greckim terminem „soma”. A „soma” to nic innego jak „ciało”. Oznacza to, że sami Grecy ujawnili w swoim języku rozumienie osobowości. Osobowość to dobrze zorganizowane i żywe ciało.”

Później rzymski prozaik Petroniusz stał się autorem aforyzmu: „Cały świat gra”. W nieco zmienionej formie: „Cały świat jest sceną” – reprodukowano go na fasadzie słynnego londyńskiego Globe Theatre, gdzie wystawiano sztuki wielkiego Szekspira…

Tragedia

kultura grecka, literatura teatralna

Teatr ateński

W okresie świetności społeczeństwa greckiego przedstawienia teatralne były częścią kultu Dionizosa i odbywały się wyłącznie podczas świąt poświęconych temu bogu. W Atenach w V wieku. Na cześć Dionizosa obchodzono szereg świąt, ale dramaty wystawiano jedynie podczas „Wielkiej Dionizjów” (około marca - kwietnia) i Leny (w styczniu - lutym). „Wielka Dionizja” to święto początku wiosny, które jednocześnie oznaczało otwarcie żeglugi po zimowych wiatrach; w to święto przedstawiciele społeczności wchodzących w skład ateńskiego związku morskiego przybyli, aby płacić podatki do skarbu związku; Dlatego też „Wielką Dionizję” obchodzono z wielką pompą i trwała ona sześć dni. Pierwszego dnia odbyła się uroczysta procesja przenoszenia posągu Dionizosa z jednej świątyni do drugiej i wyobrażano sobie, że bóg będzie obecny na konkursach poetyckich, które zajmowały resztę festiwalu; drugi i trzeci dzień poświęcony był pochwałom chórów lirycznych, ostatnie trzy dni zabawom dramatycznym. Tragedie, jak już wskazano, wystawiane są od roku 534, czyli od chwili ustanowienia święta; około 488 - 486 dołączyły do ​​nich komedie. Leney, starszy festiwal, dopiero później został wzbogacony o konkursy dramatyczne; Około 448 r. zaczęto wystawiać tam komedie, a ok. 433 tragedie. Wszystkie te mecze miały charakter masowych widowisk i przeznaczone były dla dużej liczby widzów. Do zawodów w V wieku. z nielicznymi wyjątkami dozwolone były tylko nowe sztuki; Następnie nowe spektakle poprzedził spektakl ze starego repertuaru, który jednak nie był przedmiotem konkursu.

Dzieła dramaturgów ateńskich przeznaczone były zatem do jednorazowej inscenizacji, co przyczyniło się do nasycenia dramatów treścią tematyczną, a nawet tematyczną.

Zakon powstały około 501 - 500. dla Wielkiego Dionizego, przewidziano w tragicznym konkursie trzech autorów, z których każdy reprezentował trzy tragedie i dramat satyrów. Na konkursach komediowych poeci musieli napisać tylko jedną sztukę. Poeta komponował nie tylko tekst, ale także partię muzyczną i baletową dramatu, był także reżyserem, choreografem, a często, zwłaszcza we wcześniejszych czasach, aktorem. O dopuszczeniu poety do konkursu zadecydował kierujący festiwalem archont (członek rządu); W ten sposób sprawowano także kontrolę ideologiczną nad przedstawieniami. Państwo przypisało koszty wystawienia dramatów każdego poety jakiemuś zamożnemu obywatelowi, któremu mianowano chorega (dyrektora chóru). Choreg pozyskał 12-osobowy chór, później 15-osobowy do tragedii, 24 do komedii, opłacił chór, salę, w której chór się przygotowywał, próby, kostiumy itp. Splendor przedstawienia zależał od hojności chórzystów. chore. Nakłady choreografów były bardzo znaczne, a zwycięstwa w konkursie przypadły wspólnie choreografowi i reżyserowi-poecie.Wraz ze wzrostem liczby aktorów i oddzieleniem aktora od poety, trzeci, samodzielny uczestnik w konkursie stał się głównym aktorem („bohaterem”), który wybierał swoich asystentów: jednego do drugiej, drugiego do trzeciej roli („deuteragonista” i „tritagonista”). Mianowanie jego poety na choregusa i głównego aktora na poetę odbyło się w drodze losowania na zgromadzeniu ludowym, któremu przewodniczył archont. W IV wieku, kiedy chór stracił swoje znaczenie w dramacie, a środek ciężkości przesunął się na aktorstwo, porządek ten uznano za niewygodny, gdyż nadmiernie uzależniał powodzenie choreografa i poety od gry przypisanego mu aktora i sukces aktora od jakości przedstawienia i produkcji. Następnie ustalono, że każdy bohater powinien wystąpić dla każdego poety w jednej z jego tragedii.

Jury składało się z 10 osób, po jednym przedstawicielu z każdego ateńskiego okręgu. Zostali oni wybrani na początku konkursu w drodze losowania ze sporządzonej wcześniej listy. Ostateczna decyzja została podjęta na podstawie głosów oddanych przez pięciu członków jury, również wybranych w drodze losowania. Na święcie Dionizosa dozwolone były jedynie „zwycięstwa”; jurorzy wyłonili pierwszego, drugiego i trzeciego „zwycięzców” zarówno w odniesieniu do poetów i ich choreografów, a zwłaszcza w odniesieniu do bohaterów. Prawdziwi zwycięzcy pojawili się jedynie choregowie, poeta i bohater, których uznano za „pierwszych”; zwieńczono je bluszczem tam, w teatrze. Trzecie „zwycięstwo” było właściwie równoznaczne z porażką. Jednak wszyscy trzej poeci i bohaterowie otrzymali nagrody, które były jednocześnie ich honorariami. Decyzja jury została podtrzymana archiwum państwowe. W połowie IV wieku. Arystoteles opublikował te materiały archiwalne. Po ukazaniu się jego dzieła zaczęto spisywać na kamieniu utrwalone rejestry zwycięstw na każdym festiwalu oraz listy zwycięzców i dotarło do nas wiele fragmentów tych napisów.

Państwo ateńskie powierzyło opiekę nad lokalami dla widzów i wykonawców, najpierw wznoszenie tymczasowych konstrukcji drewnianych, a następnie utrzymanie i remont stałego teatru, prywatnym przedsiębiorcom, wynajmującym pomieszczenia. „Wstęp do teatru był zatem płatny. Jednak aby zapewnić wszystkim obywatelom, niezależnie od ich sytuacji finansowej, możliwość uczęszczania do teatru, demokracja od czasów Peryklesa zapewniała każdemu zainteresowanemu obywatelowi dotację w wysokości opłata za wstęp na jeden dzień, a w IV wieku za wszystkie trzy dni przedstawień teatralnych.

Jedną z najważniejszych różnic między teatrem greckim a teatrem współczesnym jest to, że spektakl odbywał się na świeżym powietrzu, w świetle dziennym. Swoją drogą brak dachu i wykorzystanie naturalnego światła miały związek z ogromnymi rozmiarami greckiej budowli? teatry, znacznie większe niż nawet największe współczesne teatry. Biorąc pod uwagę rzadkość przedstawień teatralnych, starożytne pomieszczenia teatralne musiały być budowane z myślą o masach obywateli obchodzących to święto. Według archeologów teatr ateński mógł pomieścić 17 000 widzów, teatr miasta Megalopolis w Arkadii - 44 000 osób. W Atenach najpierw występy odbywały się na jednym z placów miasta, a dla publiczności ustawiono tymczasowe drewniane podesty; kiedy pewnego dnia podczas gry upadły, południowe skaliste zbocze Akropolu zaadaptowano na cele teatralne, do którego przymocowano drewniane siedzenia. Kamienny teatr został ostatecznie ukończony dopiero w IV wieku.

Do drugiej połowy XIX wieku. budowę teatru greckiego poznano jedynie na podstawie opisu zawartego w traktacie rzymskiego architekta Witruwiusza „O architekturze”, napisanym około 25 roku p.n.e. mi. Obecnie ruiny dużej liczby Teatry greckie różnych epok, m.in. Ateński Teatr Dionizosa, gdzie niegdyś przeznaczone były do ​​produkcji niemal wszystkie dramaty z klasycznego repertuaru greckiego.

Ze względu na chóralny rodowód dramatu attyckiego, jedną z głównych części teatru jest orkiestra („platforma taneczna”), na której występowały zarówno chóry dramatyczne, jak i liryczne. Najstarsza orkiestra Teatr ateński był okrągłym, zagęszczonym placem apelowym o średnicy 24 metrów, z dwoma bocznymi wejściami; publiczność przeszła przez nich, a potem wszedł chór. Pośrodku orkiestry znajdował się ołtarz Dionizosa. Wraz z wprowadzeniem aktora, który występował w różnych rolach, potrzebna była przebieralnia. Pomieszczenie to, tzw. skena („scena”, czyli namiot), miało charakter tymczasowy i początkowo znajdowało się w miejscu publicznym; wkrótce zaczęli budować go za orkiestrą i artystycznie projektować jako dekoracyjne tło dla gry. Skene przedstawiał teraz fasadę budynku, najczęściej pałacu lub świątyni, przed ścianami których rozgrywa się akcja (w dramacie greckim akcja nigdy nie rozgrywa się we wnętrzu domu). Przed nim wzniesiono kolumnadę (proskenium); Pomiędzy kolumnami umieszczono malowane deski, które pełniły rolę konwencjonalnej dekoracji: przedstawiały coś przypominającego scenerię spektaklu. Następnie skene i proskenium stały się trwałymi budynkami kamiennymi (z bocznymi dobudówkami – paraskenia).

Przy takiej strukturze teatru jedno bardzo ważne dla branży teatralnej pytanie pozostaje niejasne: gdzie grali aktorzy? Dokładne informacje na ten temat są dostępne tylko w późnej starożytności; Następnie aktorzy wystąpili na scenie, wznosząc się wysoko nad orkiestrą i w ten sposób zostali oddzieleni od chóru. W przypadku dramatu z czasów swojej świetności taki zabieg był nie do pomyślenia: chór był wówczas bezpośrednio zaangażowany w akcję, a aktorzy często musieli mieć z nim kontakt w trakcie przedstawienia. Należy zatem założyć, że aktorzy w V wieku. grali w orkiestrze przed proscenium, na tym samym poziomie co chór lub na bardzo niewielkim wzniesieniu; w niektórych przypadkach dach proscenium mógł służyć do gry aktorów, a dramatopisarz miał możliwość skonstruowania przedstawienia tak, aby niektóre postacie były na wyższym poziomie niż inne. Wysoka scena, jako stałe miejsce gry aktorów, pojawiła się znacznie później, prawdopodobnie już w epoce hellenistycznej, kiedy chór stracił swoje znaczenie w dramacie.

Trzeci część integralna teatr, z wyjątkiem orkiestry i skene.” były miejsca dla widzów. Usytuowano je na gzymsach, graniczących z orkiestrą niczym podkowa i przecięto je promieniowymi i koncentrycznymi przejściami. W V wieku były to ławki drewniane, które później zastąpiono kamiennymi siedziskami (patrz rysunek na s. 270).

Urządzenia mechaniczne w teatrze V wieku. było bardzo mało. Kiedy trzeba było pokazać widzowi, co dzieje się w domu, z drzwi skeny wysuwano platformę na drewnianych kółkach (ekkiklema) wraz z umieszczanymi na niej aktorami lub lalkami, a następnie, gdy zaszła taka potrzeba, minęło, zostało odebrane. Aby unieść postacie (na przykład bogów) w powietrze, używano tak zwanej maszyny, czegoś w rodzaju dźwigu. Rozkwit greckiego dramatu nastąpił w warunkach najbardziej prymitywnej technologii teatralnej.

Uczestnicy zabawy nosili maseczki. Teatr grecki okres klasyczny całkowicie zachowało to dziedzictwo dramatu rytualnego, choć nie miało ono już żadnego magicznego znaczenia. Maska odpowiadała wytycznym sztuki greckiej, aby przedstawiać obrazy uogólnione, w dodatku nie zwyczajne, ale heroiczne, górujące nad poziom gospodarstwa domowego lub groteskowo-komiczny. System masek został opracowany bardzo szczegółowo. Zakrywały nie tylko twarz, ale także głowę aktora. Kolor, wyraz czoła, brwi, kształt i kolor włosów maski charakteryzowały płeć, wiek, status społeczny, cechy moralne i stan psychiczny przedstawianej osoby. Kiedy nastąpiła gwałtowna zmiana jego stanu psychicznego, aktor w różnych parafiach zakładał różne maski. W innych przypadkach maskę można dostosować do obrazu większego indywidualne cechy, odtwarzając cechy zwykłego wyglądu mitologicznego bohatera lub naśladując podobieństwo portretu do współczesnych wyśmiewanych w komedii. Dzięki masce aktor mógł z łatwością wcielić się w kilka ról podczas jednego przedstawienia. Maska unieruchomiła twarz i wyeliminowała mimikę ze starożytnej sztuki aktorskiej, która jednak nadal nie docierałaby do zdecydowanej większości widzów, biorąc pod uwagę wielkość greckiego teatru i brak instrumentów optycznych. Nieruchomość twarzy rekompensowana była bogactwem i wyrazistością ruchów ciała oraz deklamacyjną sztuką aktora. W świadomości Greków mityczni bohaterowie przewyższali zwykłych ludzi wzrostem i szerokością ramion. Tragiczni aktorzy nosili zatem kozaki (buty z wysokimi, przypominającymi szczudła podeszwami), wysokie nakrycie głowy, z którego wypływały długie loki, a pod kostiumy umieszczali poduszki. Występowali w uroczystych, długich szatach, starożytnych szatach królewskich, które nadal nosili tylko kapłani. (Kostium aktora komicznego patrz poniżej, s. 156).

Role kobiece odgrywali mężczyźni. Aktorzy byli uważani za sługi kultu i cieszyli się pewnymi przywilejami, takimi jak zwolnienia podatkowe. Rzemiosło aktorskie było zatem dostępne tylko dla wolnych. Począwszy od IV wieku, kiedy w Grecji pojawiło się wiele teatrów i wzrosła liczba aktorów zawodowych, zaczęto tworzyć specjalne stowarzyszenia „mistrzów dionizyjskich”.

Teatr i literatura grecka. Rosnąca popularność przedstawień teatralnych sprawiła, że ​​nie tylko zajmowały one dominujące miejsce w uroczystościach religijnych i publicznych, ale oddzieliły się od ceremonii religijnych i stały się samodzielną formą sztuki, która zajmowała szczególne miejsce w życiu starożytnych Greków. W okresie archaicznym przedstawienia teatralne odbywały się w różnych miejscach, już w V wieku. pne mi. pojawia się podest specjalnie przeznaczony do występów scenicznych.

Z reguły wybierano go u podnóża łagodnego wzgórza, którego zbocza obrobiono w formie kamiennych stopni, na których zasiadali widzowie (siedzenia dla widzów nazywano theatronem od słowa teaomai – patrzę). Schody ułożone były w półkolu, podzielone na wznoszące się jedna za drugą kondygnacje oraz sektory oddzielone przejściami, jak na współczesnych stadionach.

Sama akcja sceniczna rozgrywała się na zagęszczonej okrągłej platformie, wyłożonej następnie marmurowymi płytami i zwanej orkiestrą. W centrum orkiestry znajdował się ołtarz Dionizosa, w orkiestrze występowali aktorzy i chór. Za orkiestrą znajdował się namiot, w którym aktorzy przebierali się i wychodzili na widownię. Namiot ten nazywał się skena. Następnie zamiast małego namiotu do przebierania się, który zaginął na tle ogromnej orkiestry, zaczęto budować stałą wysoki budynek, na wysuniętej w stronę widza ścianie narysowano scenerię, przedstawiającą z reguły fasadę pałacu, świątyni, murów twierdzy, ulicę lub plac miejski.

Akcja sceniczna rozgrywała się w formie dialogu pomiędzy jednym aktorem a chórem. W V wieku pne hm, na scenę wprowadzono jeszcze dwóch aktorów, akcja sceniczna stała się bardziej złożona, a rola chóru zmalała. Aktorzy występowali w maskach zakrywających nie tylko twarze, ale i głowy. Maski przedstawiały samych ludzi różne rodzaje, wiek, status społeczny, przekazywał nawet ich stan umysłu i cechy moralne. Zmieniając maski, jeden aktor mógł w trakcie akcji odgrywać kilka różnych ról, maska ​​jednak uniemożliwiała dostrzeżenie mimiki aktora, ale okoliczność ta rekompensowała jego ekspresyjne ruchy ciała. Bohaterowie mitologiczni lub bogowie byli przedstawiani jako znacznie więksi od zwykłych ludzi, w tym celu aktorzy nosili specjalne buty z wysokimi podeszwami z kokardy, nosili wysokie nakrycia głowy i wkładali pod ubrania wyściółkę, aby wyglądać potężniej. Rekwizyt ten był niezbędny także dlatego, że przy bardzo dużych rozmiarach teatrów greckich i odległości widowni od orkiestry aktorzy w takich strojach stali się bardziej zauważalni i łatwiej było śledzić ich występ. Bawili się w długich szatach, które według legendy nosili już w starożytności królowie i kapłani. Wykorzystano także pewne urządzenia mechaniczne. Na przykład, jeśli trzeba było pokazać akcję w domu, na orkiestrę rozkładano specjalną drewnianą platformę, na której znajdowali się aktorzy. Jeśli podczas akcji konieczne było pokazanie boga unoszącego się na niebie, używano specjalnego urządzenia. Specjalne urządzenie dźwiękowe mogło odtwarzać grzmoty.

Teatry greckie przeznaczone były dla niemal całej populacji miasta i liczyły kilkadziesiąt tysięcy miejsc. Teatr Dionizosa w Atenach miał 17 tys. miejsc, słynny teatr w Epidauros (do dziś zachował się świetnie, a współcześni aktorzy greccy odgrywają tu starożytne tragedie) – 20 tys. miejsc. Teatry w Megalopolis były imponujące – na 40 tysięcy miejsc, a teatr w Efezie nawet na 60 tysięcy. Przedstawienia teatralne stały się organiczną częścią życia codziennego. Na przykład w Atenach specjalność fundusz państwowy, tak zwane „pieniądze teatralne”, które miały być rozdawane biednym obywatelom, aby mogli kupić bilety do teatru. I fundusz ten nie został dotknięty nawet podczas największych trudności finansowych państwa, nawet w przypadku działań wojennych.

W teatrach wystawiano sztuki znanych greckich dramaturgów, poruszające palące pytania współczesnego życia.Ponieważ w teatrach była zwykle obecna większość społeczeństwa obywatelskiego, publiczność stanowczo aprobowała lub potępiała autora. W ten sposób greccy dramatopisarze znaleźli się w centrum uwagi swoich polis, co w naturalny sposób stało się potężnym bodźcem dla ich twórczości. V wiek pne BC - czas niezwykłego rozkwitu klasycznego dramatu greckiego, pojawienia się tytanów literatury greckiej i światowej, wielkich tragików Ajschylosa, Sofoklesa i Eurypidesa, autora nieśmiertelnych komedii Arystofanesa. Ich twórczość wyznaczyła nowy etap w światowym procesie literackim.

Za ojca tragedii greckiej uważa się Ajschylosa z Eleusis (525-456 p.n.e.). Jego dojrzałe lata spędził w okresie heroicznym zwycięska wojna Grecy z Imperium Perskim. Ajschylos brał udział w największych bitwach tej wojny (pod Maratonem, Salaminą i Plataea). Brał czynny udział w życiu publicznym Aten, podróżował na Sycylię i tam spędził ostatnie lata życia. Ajschylosowi przypisuje się stworzenie 90 tragedii, z których siedem przetrwało. Najbardziej znane to Persowie (472 p.n.e.), Więzy Prometeusza (470 p.n.e.) oraz trylogia Oresteja (458 p.n.e.), składająca się z tragedii „Agamemnon”, „Choephora” i „Eumenides”. Fabuła tragedii Ajschylosa to znane od dawna mitologiczne opowieści o tytanie Prometeuszu i zbrodniach królów Argiwów z rodu Atridów. Tylko w „Persach” chodziło o prawdziwe wydarzenia – zwycięstwo Greków nad Persami w bitwie morskiej pod Salaminą. Jednak Ajschylos na nowo zastanawia się nad znanymi i prostymi mitami, wprowadza nowe historie, wypełnia historię ideami swoich czasów. Ajschylos odzwierciedla w swoich dziełach triumf porządku polis i jego ideologii, gloryfikuje odwagę, wolę, patriotyzm Greków, przeciwstawiając ich arogancji i zarozumiałości wschodniego despoty Kserksesa w tragedii „Persowie”, gloryfikuje nieustraszoność bohaterów, dla dobra ludzi gotowych spierać się z samymi bogami, triumf cywilizowanego życia w „Przykutym Prometeuszu”, a jednocześnie maluje w najciemniejszych barwach despotyzm i tyranię Zeusa. W trylogii Oresteia jego twórczość przesiąknięta jest filozoficznymi dyskusjami na temat znaczenia ludzka egzystencja, relacje między ludźmi a bogami. Dla Ajschylosa wolne i moralne życie jest możliwe jedynie we wspólnocie polis, chronionej sprawiedliwymi prawami. Nie ma tu miejsca na te ciężkie zbrodnie, które wypełniały poprzednią epokę Prepolis. Takie zorganizowane życie podoba się bogom. Dzieło Ajschylosa gloryfikowało polityczne, ideologiczne i moralne podstawy greckiej polis.

Dzieła Sofoklesa z Aten poruszają najważniejsze kwestie egzystencjalne (496-406 p.n.e.). Według legendy Sofokles napisał ponad 120 tragedii, z których przetrwało tylko siedem. Wśród nich najbardziej znane stały się dwa: „Król Edyp” (429–425 p.n.e.) i „Antygona” (442 p.n.e.). Sofokles mówi w nich o miejscu człowieka w społeczeństwie i świecie. Kim jest człowiek – marionetką w rękach wszechmocnych bogów czy twórcą własnego losu? Na obrazach tebańskiego króla Edypa i jego córki Antygony Sofokles przedstawia swoje rozwiązanie tego tematu. Edyp jest mądry, cnotliwy i po prostu król, ukochany przez swój lud, niemniej jednak jest zabawką w rękach potężnych bogów. Bogowie przeznaczyli mu życie przestępcze: zabić ojca, poślubić matkę i urodzić dziwne stworzenia, które były jego dziećmi, ale jednocześnie braćmi. Przepowiednia się spełnia, chociaż wydaje się, że Edyp zrobił wszystko, aby temu zapobiec. A kiedy następuje okrutne objawienie, Edyp nie godzi się ze swoim strasznym losem. Buntuje się przeciwko niesprawiedliwości losu, przeciwko okrucieństwu bogów. Jest złamany, ale nie zmiażdżony. Rzuca wyzwanie bogom. Oślepiwszy się, opuszcza Teby i wędruje po Grecji, próbując oczyścić się ze zbrodni narzuconej przez los. Opuszczając świat stary i chory, ale nie złamany moralnie, Edyp osiąga duchowe oczyszczenie, znajduje ostateczne schronienie na przedmieściach Aten, Colon, i zostaje patronem Colon. Edyp mocą swego cierpienia zdołał przezwyciężyć zaplanowane przez bogów ciężkie ciosy losu i tym samym ich pokonał. Sofokles potwierdza ideę wszechmocy człowieka, nieskończoności jego mocy i zdolności przeciwstawienia się nieuniknionemu losowi. Główną ideę tragedii wyraża on w pięknych wersetach:

W przyrodzie jest wiele cudownych sił,

Ale nie ma nikogo silniejszego od człowieka.

Jest buntowniczym wyciem pod zamiecią

Odważnie wykracza poza morze:

Fale wznoszą się dookoła -

Pod nimi płynie pług...

I beztroskie stada ptaków,

I rasy zwierząt leśnych,

I podwodne plemię ryb

Podporządkował sobie władzę.

Postawiony przez Sofoklesa problem miejsca człowieka w świecie i społeczeństwie stanie się odwiecznym tematem całej sztuki światowej. W twórczości Eurypidesa z Salaminy (480-406 p.n.e.) dramat grecki wzbogacił się o nowe osiągnięcia. Najbardziej znaną sztuką Eurypidesa, odzwierciedlającą jego innowację, jest słynna „Medea”, wystawiona w 431 roku p.n.e. mi. Spektakl opowiada o straszliwej zemście Medei, córki króla Kolchidy, którą przywódca Argonautów Jazon zabrał z Kolchidy do Grecji i tutaj pozostawiony na łasce losu, zawierając korzystne małżeństwo z córką króla Koryntu . Do głębi urażona zdradą Jazona, któremu pomogła zdobyć Złote Runo, którego uratowała od śmierci kosztem śmierci brata i dla niego opuściła kraj, Medea knuje plany okrutnej zemsty. Całkiem niespodziewanie dla siebie Medea wpada na pomysł zabicia swoich dzieci od Jasona. Eurypides psychologicznie subtelnie przedstawia straszliwe pomieszanie uczuć kochającej matki i okrutnego mściciela. W tej sztuce Eurypides rozwija kilka zasadniczo nowych technik artystycznych. W rozwinięciu powstaje obraz Medei – kochającej żony, delikatnej matki zamieniającej się w kobietę nienawidzącą męża i morderczynię własnych dzieci. Człowiek Eurypidesa zmienia się wewnętrznie, cierpi jego dusza, rozdarta sprzecznymi namiętnościami, a która z tych namiętności zwycięży, do jakich straszliwych konsekwencji to doprowadzi, sam człowiek nie wie. Nieprzewidywalnym rezultatem walki namiętności w duszy człowieka jest jego przeznaczenie. W dziełach Eurypidesa rozwinął się wspaniały pomysł artystyczny dotyczący badania wewnętrznego świata człowieka, szalejących tam niskich i wysokich namiętności.

Taka interpretacja obrazów stała się artystycznym odkryciem Eurypidesa i wywarła ogromny wpływ na późniejsze losy literatury greckiej i światowej. Nic dziwnego, że przetrwało 18 sztuk Eurypidesa (spośród 92), czyli więcej niż sztuki Ajschylosa i Sofoklesa razem wzięte. Metoda artystyczna Eurypidesa wywarła wpływ na Szekspira, jego nieśmiertelna „Medea” wystawiana jest w teatrach naszych czasów, a szalejąca burza sprzecznych namiętności głównego bohatera wciąż szokuje swoją artystyczną prawdą.

Ogólnie rzecz biorąc, dzieło ateńskich tragików z V wieku. pne mi. było wspaniałym odkryciem artystycznym świat starożytny, wyznaczyła wiele kierunków dalszego ruchu literatury światowej.

Dużą popularnością cieszył się także gatunek komediowy. Komedia zrodziła się ze swobodnych, czasem bardzo swobodnych pieśni i tańców karnawałowych podczas wesołych wiejskich świąt ku czci boga Dionizosa – wiejskiej Dionizji. Najkorzystniejsze warunki do tworzenia komedii rozwinęły się w demokratycznych Atenach, gdzie pozwolono na większą swobodę krytyki zarówno jednostek, jak i praw i instytucji. Ponadto publiczny charakter posiedzeń Zgromadzenia Ludowego, Rady 500 i rad urzędników zapewnił autorom komedii bogaty materiał. Już w drugiej połowie V w. pne mi. Ponieważ problemy polityczne stały się centralnym punktem życia publicznego państwa ateńskiego i były aktywnie i otwarcie omawiane przez szerokie masy obywateli, we wczesnych komediach ateńskich zaczęła dominować tematyka polityczna.

Komedia polityczna osiągnęła swój najwyższy szczyt w twórczości wielkiego ateńskiego dramaturga Arystofanesa (445-388 pne). Zachowało się 11 komedii, w których opisuje najróżniejsze grupy ludności, poruszając wiele aktualnych problemów ateńskiego społeczeństwa: stosunek do sojuszników, kwestie wojny i pokoju, korupcja urzędników i przeciętność dowódców. Wyśmiewa głupotę niektórych decyzji zgromadzeń ludowych, wymownych sofistów i filozofa Sokratesa, gwar ławniczy i zamiłowanie do sporów, opowiada o nierównym podziale bogactwa i trudnym życiu ateńskich rolników. Arystofanes w swoich komediach nie stawiał głębokich pytań filozoficznych, jak wielcy tragikowie, ale przedstawił realistyczny opis wielu aspektów życia Ateńczyków; jego komedie są cennym źródłem historycznym epoki. Arystofanes stworzył w swoich sztukach wiele dowcipnych sytuacji komediowych, które po dziś dzień chętnie wykorzystują kolejni komicy. Komedie Arystofanesa pisane są bogatym, figuratywnym językiem.

Tragedie i komedie należały do ​​gatunków literatury poetyckiej. Proza działa stworzyli historycy, autorzy monumentalnych narracji. Sama historia, w przeciwieństwie do nowoczesne rozumienie Jako dyscyplina naukowa w starożytności traktowana była jako narracja artystyczna. Doskonałe przykłady prozy greckiej z V-IV wieku. pne mi. stać się dzieła historyczne Herodot, Tukidydes, Ksenofont. Fikcję reprezentują także przemówienia ateńskich mówców, zwłaszcza Izokratesa, Demostenesa, dzieła filozoficzne Platon i Arystoteles, którzy przywiązywali dużą wagę do literackiego wykończenia swoich dzieł.

„Anakreontyka” XVIII – XIX w. inspirowany był tym późnoantycznym zbiorem i stał się źródłem licznych tłumaczeń na język rosyjski „z Anakreona” (Puszkin: „Rozpoznaję konie gorliwe”).

Ivik (druga połowa VI w.) – mieszkaniec włoskiego miasta Regia. Pochodził z rodziny szlacheckiej, ale wolał życie wędrownego poety. Został zabity przez rabusiów podczas podróży do Koryntu, gdzie narodziła się legenda o „dźwigach Ivik” (zanim został zabity, Ivikowi udało się wezwać przelatujące obok żurawie na świadków swojej śmierci. Te same żurawie pojawiły się na niebie podczas wakacje w Koryncie, a jeden z nich zdradził się publiczności, zwracając się do swojego towarzysza: „Oto mściciele Ivika!” „Żurawie Ivika” stały się przysłowiem stosowanym w przypadkach, gdy zbrodnia zostaje rozwiązana dzięki boskiej interwencji) . Hymn doprowadza go aż do pochwały cech czysto ludzkich, aż do encomia. Hymny Ivika miały charakter miłosny, z tendencją do motywów epickich.

Stesichorus (VII-VI w. p.n.e.) – Sycylijczyk. Pisał hymny, dzieła bukoliczne (pasterskie) i erotyczne. Głównym obszarem jego twórczości są hymny heroiczne. Istnieje legenda o „Helenie”, że Stesichorus najpierw przedstawił ją w złym świetle i oślepł, a potem wymyślił wersję, że porwany został duch Heleny, a nie ona sama, a potem odzyskał wzrok. Wprowadził do tekstu triadę – zwrotka, antystrofa, epod. Największy fragment – ​​sześć wersetów – dotyczy złotego kielicha, w którym nocą Słońce unosi się nad oceanem. Późniejsi krytycy porównali go do Homera.

Wczesne formy melików ceremonialnych (Arion, Las Hermiona). Uroczysta melika chóralna: Simonides z Keos. Poetki greckie.

Uroczysta melika chóralna kojarzona była z kultami/świętami. W świątyniach utworzono chóry, które miały śpiewać kulty.

Las Hermiona (VI w.) – dytyrambista (dytyramb, hymn kultowy na cześć Dionizosa). Pozwoliło na ostre przejście z jednego tematu na drugi; przypisuje się pierwszą kompozycję dotyczącą muzyki greckiej. Podstawą dytyrambów są mity o bogach i bohaterach.

Simonides z Keos (druga połowa VI – pierwsza połowa V w. p.n.e.) – był pierwszym kierownikiem chóru na Keos podczas świąt Apolla. Mieszkał na dworze różnych sycylijskich tyranów. Śpiewał także o ich bohaterskich wydarzeniach. Poza tym gloryfikował także zwykłych ludzi, zwłaszcza zwycięzców konkursów. Specjalna filozofia oparta na litości i współczuciu dla słabego człowieka. Lamenty pogrzebowe wyróżniały się naturalnością i realizmem. Fraszki pogrzebowe. Rozwija ideę podobieństwa życia z wieczną zmianą liści na drzewach. Napisał też, że nie można być pewnym przyszłości.

Fantazja to legendarna starożytna grecka poetka z czasów wojny trojańskiej. Przypisywano jej wiersze o wojnie trojańskiej i powrocie Odyseusza do Itaki, z których Homer rzekomo skompilował swój epos, odwiedzając Memphis, gdzie mieszkała Fantazja.

Safona (7-6 w. p.n.e.) – arystokratka; po powrocie na Lesbos otworzyła szkołę, w której uczyły dziewczęta przedmiotów ścisłych i muzycznych. Głównym tematem jest miłość. Symfonia uczuć i doznań. Kolejnym motywem przewodnim jest przyroda, która również przesiąknięta jest nastrojami erotycznymi. Miłość do niej jest jednocześnie gorzka i słodka. Safona pisała także hymny, z których zachował się hymn do Afrodyty, w którym prosi boginię, aby zlitowała się nad nią. W hymnach jest więcej realizmu. Piosenki dla dziewczyn - tematem przewodnim jest wspólne życie i praca w szkole, wzajemna miłość, nienawiść i zazdrość. Wyrafinowana zmysłowość.

Corinna – pisała w dialekcie boeockim i opierała się na lokalnych mitach.

Praxilla (poł. V w. p.n.e.) – dytyramby ku czci Adonisa.

Uroczysta melika chóralna: Pindar i Bacchylides. Cechy gatunku epinik w ich twórczości.

Pindar (V w. p.n.e.) – urodzony w pobliżu Teb. Otrzymał wykształcenie muzyczne. Dużo podróżował, cieszył się niespotykaną sławą, był cytowany przez Herodota. Wszystkie jego epiniki są pochwałami zwycięzców konkursów, głównie władców, ale także zwykłych obywateli. Wszystkie te ody zostały napisane na zamówienie, ale mimo to nie zawierają pochlebstw. Chwalona jest sława, bogactwo, zdrowie, siła, szczęście, witalność. Ale bez fanatyzmu.

Bacchylides (V w. p.n.e.) – bratanek Simonidesa z Keos. Pochwała słynnego ateńskiego bohatera Tezeusza, dytyrambu „Tezeusza” jako początków dramatu. Przedstawione jest oczekiwanie Morza Egejskiego i ludu na jego zbliżającego się syna. Dionizyjskie podniecenie chóru ubarwia mit i wizja przedstawiona w historii Egeusza. Zawsze stara się uchwycić szczegóły. Nieco bardziej zauważalny pesymizm. Jego bóstwo daje szczęście nielicznym. Ideałem szczęścia jest życie wolne od zmartwień i zmartwień. Tendencje demokratyczne postępują.

Okres klasyczny (poddaszowy) literatury starożytnej Grecji. Ogólna charakterystyka sytuacji historyczno-kulturowej. Narodziny nowych gatunków.

Greckie społeczeństwo niewolników, które żyło w V wieku. PNE. okres największego rozkwitu – gospodarczego, politycznego, artystycznego. Ten rozkwit jest nierozerwalnie związany z powstaniem Aten i rozwojem demokracji ateńskiej, który nastąpił po wojnach grecko-perskich.

Ateny były demokracją posiadającą niewolników; „Równość” obywateli Aten była możliwa jedynie dzięki temu, że elementy pozbawione praw obywatelskich, niewolnicy*, stanowiący w rzeczywistości większość ludności, zostały wyłączone z korzystania z dobrodziejstw demokracji.

Powstaniu i kryzysowi demokracji ateńskiej towarzyszyły zauważalne zmiany w świadomości społecznej. Ściśle chroniąc podstawy życia polis, demokracja ateńska wyróżniała się pewnym konserwatyzmem religijnym. Radykalne idee filozofii jońskiej bardzo powoli przenikały do ​​Aten, a wśród pisarzy attyckich epoki rozwijającej się demokracji boska kontrola nad światem nie budzi jeszcze najmniejszych wątpliwości. Jednak ich idee religijne stają się coraz bardziej abstrakcyjne. Bóstwo traci swój nadprzyrodzoność i rozpuszcza się w naturze i społeczeństwie.

IV wiek PNE. – upadek polityk. Czas dominacji gatunków prozatorskich. W warunkach demokracji sycylijskiej i ateńskiej szeroko rozwinięta jest elokwencja – sądowa, polityczna oraz tzw. „uroczyste”, czyli przemówienia na zgromadzeniach publicznych w czasie świąt, pogrzebów, uczt. Stara kultura polis wymagała znajomości mitów i tradycji; nowa kultura przygotowana przez sofistykę, odrzucająca znaczną część tych tradycji, opiera się na teoretycznej znajomości zagadnień moralności i państwa i wymaga umiejętności pięknego i przekonującego wyrażania swoich myśli. Z tej potrzeby rodzi się nowa dyscyplina – retoryka.

Rozwój gatunków teatralnych - dramat, komedia, tragedia.

Pojawienie się starożytnego dramatu greckiego. Rodzaje dramatu. Struktura starożytnego teatru greckiego i organizacja przedstawień.

Geneza dramatu – VI wiek. BC, region Attyki. Wymagany dialog + ruch sceniczny. Głównym elementem jest chór wykonywany przy towarzyszeniu fletu. Dramat, jako złożony proces społeczny, ma swoje korzenie w kulcie Dionizosa. Dialog pomiędzy chórem a luminarzem ubranym w maskę i kostium boga oraz chórem w satyry. Tajemnice przedstawiające mity, na przykład porwanie córki Demeter, Persefony.

tragedia to pieśń satyrów, towarzyszy Dionizosa.

komedia - pieśń wesołej wiejskiej procesji na cześć Dionizosa.

Obowiązkowym programem festiwalu są występy teatralne. Tragedie i komedie greckie prezentowane były publiczności w formie konkursu poetów tragicznych. Złożyli wniosek, następnie wybrali 3 najbardziej godnych uwagi i otrzymali chór. W obrębie tragedii odbywa się monolog i drobny dialog z chórem. Oceniany przez specjalny panel składający się z 10 osób, obywateli Aten. Nagrodą jest wieniec wykonany ze świętego drzewa lub rośliny, na cześć której obchodzone jest święto (w Dionizji - bluszcz). Wyniki zostały wyryte na dużej kamiennej steli.

Każdy poeta tragiczny rywalizował z tetralogią (cztery dramaty połączone wspólną fabułą), na którą składała się jedna trylogia + dramat satyrowy. Od tego momentu konkursy dramatyczne nie są ze sobą powiązane. Trylogia umożliwiła rozważenie historii pokoleń. Opiera się na fabule mitologicznej związanej z sytuacją społeczną lub polityczną.

Teatr składał się z trzech części: orkiestry dla chóru z ołtarzem Dionizosa pośrodku, miejsc dla widzów, w których w pierwszym rzędzie znajdowało się krzesło dla kapłana Dionizosa, oraz skenów, czyli budynków za orkiestrą, w których odbywała się scena aktorzy przebrali się + drewniana ściana z dekoracjami. Nie było sufitu, nie było sztucznego oświetlenia – rywalizacja trwała tak długo, jak długo świeciło słońce. Nie było kurtyny. Każdy aktor grał kilka ról. Nie było scen morderstwa. W roli trupa - słomiany worek przykryty płaszczem. Jeden półchór wspierał bohatera, drugi wspierał wroga. Chór jest zawsze statyczny.

Akcja komedii to ulica, tragedia to świątynia lub pałac, dramatu to łąka, wejście do jaskini.

Geneza i struktura tragedii starożytnej Grecji. Pierwsi poeci tragiczni. Dramat satyryczny. Arystoteles o pochodzeniu tragedii („Poetyka”).

Jednak nawet jeśli tragedia poddasza rozwinęła się na bazie folklorystycznej zabawy „kozłów” peloponeskich i dytyrambu typu Ariona, to decydującym momentem dla jej powstania było przekształcenie „namiętności” w problem moralny. Wzrost społecznego znaczenia jednostki w życiu polis i wzrost zainteresowania jej artystycznym ujęciem powodują, że w dalszy rozwój w tragedii maleje rola chóru, wzrasta znaczenie aktora i wzrasta liczba aktorów; ale sama dwuczęściowa konstrukcja pozostaje niezmieniona, obecność partii chóralnych i aktorskich.

W tragedii na poddaszu nie było przerw we współczesnym znaczeniu tego słowa. Gra toczyła się nieprzerwanie, a chór w trakcie akcji prawie nigdy nie opuszczał miejsca gry. Niezbędnymi składnikami tragedii na poddaszu są „cierpienie”, przesłanie posłańca i lament chóru. Katastrofalny koniec wcale jej nie jest potrzebny; wiele tragedii miało pojednawczy skutek.

Starożytny dramat satyrowski był, jak już powiedzieliśmy, dramatem ciała i życia cielesnego.

Pierwsi poeci tragiczni: Ajschylos, Sofokles, Eurypides.

Arystoteles o pochodzeniu tragedii: „tragedia to naśladowanie ważnej i kompletnej czynności, mającej określoną objętość, za pomocą mowy, odmiennie dekorowanej w każdej ze swoich części; poprzez działanie, a nie historię, dokonując poprzez cierpienie i strach oczyszczenie takich afektów.

Ajschylos jest „ojcem tragedii”. Etapy twórczości Ajschylosa. Poglądy religijne i moralne Ajschylosa. Dramatyczne cechy tragedii Ajschylosa. Język i styl Ajschylosa.

Za pomocą obrazów mitologicznych odsłonił historyczną treść rewolucji, której był współczesny – wyłonienie się państwa demokratycznego ze społeczeństwa plemiennego.

Urodzony w 525/4 w Eleusis i pochodził ze szlacheckiej rodziny ziemiańskiej. Z tragedii jasno wynika, że ​​poeta był zwolennikiem państwa demokratycznego, choć należał do grupy konserwatywnej w ramach demokracji.

Trzy etapy w dziełach Ajschylosa, które są jednocześnie etapami powstawania tragedii jako gatunku dramatycznego: „Persowie”, wczesna tragedia, charakteryzują się przewagą partii chóralnych, słabym rozwojem dialogu i abstrakcyjnymi obrazami.

Do okresu środkowego zaliczają się takie dzieła jak „Siedmiu przeciw Tebom” i „Prometeusz w więzach”. Pojawia się centralny obraz bohatera, charakteryzujący się kilkoma głównymi cechami; dialog jest bardziej rozwijany; Wyraźniejsze stają się także obrazy postaci epizodycznych.

Trzeci etap reprezentuje Oresteia, z bardziej złożoną kompozycją, rosnącą dramaturgią, licznymi postaciami drugoplanowymi i udziałem trzech aktorów.

Elementy tradycyjnego światopoglądu są ściśle powiązane z postawami generowanymi przez demokratyczną państwowość. Wierzy w realne istnienie sił boskich, które wpływają na człowieka i często podstępnie zastawiają na niego sidła, a nawet trzyma się starożytnej idei dziedzicznej odpowiedzialności klanu. Z drugiej strony bogowie Ajschylosa stają się strażnikami podstaw prawnych nowego ustroju państwa, a on mocno akcentuje punkt osobistej odpowiedzialności człowieka za swoje swobodnie wybrane postępowanie. Pod tym względem modernizowane są tradycyjne idee religijne. Związek między wpływem boskim a świadomym zachowaniem ludzi, znaczenie dróg i celów tego oddziaływania, kwestia jego sprawiedliwości i dobroci stanowią główną problematykę Ajschylosa, którą rozwija w przedstawieniu ludzkiego losu i ludzkiego cierpienia. Bohaterskie opowieści są materiałem dla Ajschylosa. Jednak Ajschylos, zapożyczając wątki z eposu, nie tylko dramatyzuje legendy, ale także je reinterpretuje i nasyca własnymi problemami.

Władza pieniądza, nieludzkie traktowanie niewolników, podboje – wszystko to spotyka się z bezwarunkowym potępieniem, którego surowa perspektywa opiera się na głębokim współczuciu dla ludzkiego cierpienia.

Charakterystyczna jest pewna powaga i majestat, zwłaszcza w partiach lirycznych. Uroczysty, „dytyrambiczny” styl Ajschylosa i niska dynamika jego sztuk wydawały się już pod koniec V wieku. nieco archaiczne. Spośród obrazów stworzonych przez Ajschylosa największe znaczenie miał Prometeusz. Siłę i wielkość tragedii Ajschylosa doceniono dopiero od końca XVIII wieku; burżuazyjni badacze wciąż jednak wypaczają obraz twórcy tragedii, podkreślając wyłącznie konserwatywną, religijną i mitologiczną stronę jego twórczości, ignorując jego głęboko postępową istotę.

Sofokles – główne etapy twórczości. Reformy teatralne Sofoklesa. Poglądy religijne, moralne i polityczne Sofoklesa. Cechy języka i stylu Sofoklesa.

Etapy: mit trojański („Ajaks”), cykl tebański („Antygona”, „Król Edyp”), mity o Herkulesie.

Drugi wielki tragiczny poeta Aten V wieku. PNE. Miejscem urodzenia Sofoklesa było Colon, przedmieście Aten. Z pochodzenia Sofokles należał do kręgów zamożnych. Do końca życia wyznawał jedynie umiarkowane poglądy demokratyczne. Sofistyczne wolnomyślenie prawie nie miało wpływu na Sofoklesa: wierzył w wyrocznie i cudowne uzdrowienia. Szacunek dla religii i moralności polis, a jednocześnie wiara w człowieka i jego siły to główne cechy światopoglądu Sofoklesa. Poeta był ulubieńcem współczesnych; po śmierci został kanonizowany jako „bohater”.

Problemy nurtujące Sofoklesa dotyczą losów jednostki, a nie rodziny. Mówiąc o trzech tragediach, każdą z nich czyni samodzielną całość artystyczną, zawierającą wszystkie jej problemy. Ukazując wielkość człowieka, bogactwo jego sił umysłowych i moralnych, Sofokles ukazuje jednocześnie jego bezsilność, ograniczenia ludzkich możliwości.

Kolejną znaczącą innowacją dramatyczną Sofoklesa jest włączenie trzeciego aktora. Sceny z jednoczesnym udziałem trzech aktorów pozwoliły na urozmaicenie akcji poprzez wprowadzenie drugoplanowych postaci i nie tylko kontrastowały z bezpośrednimi przeciwnikami, ale także pokazały odmienne sposoby zachowania w tym samym konflikcie.

Dramaty Sofoklesa są zwykle tak skonstruowane, że bohater już w pierwszych scenach podejmuje zdecydowaną decyzję, mając plan działania, który wyznacza cały dalszy przebieg dramatu. Prologi służą temu celowi ekspozycyjnemu; W prologu Antygony pojawia się także inny rys, bardzo powszechny u Sofoklesa – przeciwstawienie charakterów szorstkich i łagodnych: nieugiętej Antygonie przeciwstawia się nieśmiałą Ismenę, która sympatyzuje z siostrą, ale nie ma odwagi z nią działać.

Sofokles bardzo często zadowala się przekonaniem, że bogowie są sprawiedliwi, niezależnie od tego, jak niezrozumiałe mogą wydawać się ich działania. Przedstawiając okrutne losy Edypa, unika stawiania pytań, które mogłyby zmylić wiarę w słuszność bogów. Dzieje się tak także dlatego, że Sofokles w swoich późniejszych tragediach jest już obrońcą antyku polis. Przywiązuje dużą wagę do wizerunków kobiecych.

Język był blisko mowa potoczna. Techniki sticomycji (rzucanie linii pomiędzy postaciami, które sobie nawzajem przeszkadzają). Nadal wiele uwagi poświęcano dialogowi.

Eurypides - „filozof na scenie”. Nowy typ tragedia. Poglądy społeczne i religijno-moralne Eurypidesa. Mit w dziełach Eurypidesa. Język i styl Eurypidesa.

480-406 p.n.e Szlachetne pochodzenie; rozmawiał z filozofami i matematykami. Pod koniec życia przeniósł się do Macedonii. Arystokracja rzymska bardzo kochała jego tragedie.

Idea gloryfikacji Aten, „miasta idealnego” i tematu wojny, choć był pacyfistą; tematem poświęcenia, jedynym rodzajem wojny jest obrona.

Nazywano go „filozofem na scenie” z pogardą.

Chór przestaje być aktorem, a staje się tłem akcji. Cała uwaga skupiona jest na aktorach. Temat miłości zostaje wprowadzony jako podstawa fabuły; motyw rodzinny/domowy. Współcześni nazywają go mizoginem ze względu na nadmierne okrucieństwo w tragediach.

Złożona intryga rozwiązana przy pomocy bohatera lub bóstwa (techniki deus ex machina, podnoszenie aktora na windzie). Jako podstawę wziął rzadkie, mało znane wersje mitów. Unikalna interpretacja prologów: aby przyspieszyć widza z najwyższą szczegółowością i szybkością. Najczęściej fabuła była opowiadana przez bohatera lub bóstwo.

Konflikt między bogami a bohaterami/ludźmi; zazdrość lub gniew bogów, co powoduje wiele problemów, często prowadząc do śmierci.

Nowy typ kobiecej bohaterki: kochająca, ale i mściwa. Psychologia człowieka ze wszystkimi jego wadami została przeniesiona na wizerunki bogów, jako metoda redukcji, dla której publiczność nie poczuła sympatii.

Język i styl:

znajomość retoryki, elokwencji, debaty w scenach dialogowych.

naprzemienność uwag, „przerwanie”.

posłaniec lub posłaniec, jego monolog, jak najbliżej mowy potocznej, z epickimi podpowiedziami.

tematyka: problemy moralne i etyczne, rozumowanie filozoficzne.

Periodyzacja starożytnej komedii greckiej. Geneza i struktura starożytnej komedii greckiej. Pierwsi poeci komiksowi.

Komedia Stara Poddasze (starożytna) – 2. połowa V wieku. PNE.

Środkowe poddasze – połowa IV wieku. PNE.

Nooatyka – koniec IV wieku. PNE. – III i II wiek. PNE.

Konkursy „chórów komediowych” powstały w „Wielkiej Dionizji” dopiero około 488 - 486 roku. Wcześniej komedia była częścią świąt Dionizosa jedynie jako ludowa gra rytualna, a państwo nie brało na siebie jej organizacji.

„Starożytna” komedia poddaszowa to coś niezwykle wyjątkowego. Archaiczne i prymitywne zabawy w święta płodności misternie splatają się w niej z formułowaniem najbardziej złożonych problemów społecznych i kulturowych stojących przed greckim społeczeństwem.

Opierając się na kpinie. Charakteryzuje się ostrą krytyką współczesnych wydarzeń, wyraźnym charakterem politycznym, twarzami (prawdziwych) współczesnych w farsowej formie, ale fabuła jest najczęściej fantastyczna. Jej przedmiotem nie jest mitologiczna przeszłość, ale żywa nowoczesność, aktualne, czasem wręcz aktualne, zagadnienia życia politycznego i kulturalnego.

Rozpoczyna się prologiem; skecz (pieśń wprowadzająca chóru, wskazująca akcję w komedii w roli ptaków, zwierząt); agon (konflikt głównego bohatera z rywalem, zakończony moralnym zwycięstwem bohatera); epizodyczny (obrona prawdy poprzez walkę); exod (ostatnia pieśń chóru).

Pierwsi poeci komiksowi: sycylijscy mimowie Sophron i Xenarch (V w. p.n.e.); Epicharmus (520-500 p.n.e.) wprowadził fabułę do komedii; Arystofanes (450-390 p.n.e.).

Arystofanes jest przedstawicielem starożytnej komedii. Etapy twórczości Arystofanesa. Poglądy społeczno-polityczne Arystofanesa. Język i styl jego komedii.

425-421 p.n.e – „Chmury”, „Świat”. Zbiega się z pierwszą wojną Aten ze Spartą, stąd gloryfikacja Aten i nadzieje na sojusz.

414-405 p.n.e - zwycięstwo Sparty. „Ptaki”, „Żaby”, „Lysistrata”. Personalne ataki na polityków i personel wojskowy prawie zanikają; problemy świata, literatura; duża liczba parodii tragedii i Eurypidesa.

390-388 p.n.e - „Kobiety w Zgromadzeniu Narodowym”. Przejście od polityki do tematów codziennych. Fantastyczny aspekt.

Często naśmiewa się z modnych poetów lirycznych. Jego komedia odzwierciedla najróżniejsze warstwy społeczne, mężczyzn i kobiety, mężów stanu i generałów, poetów i filozofów, chłopów, mieszkańców miast i niewolników; karykaturalne maski typowe nabierają charakteru wyraźnych, uogólniających obrazów.

Po raz pierwszy zostaje podniesione pytanie o sens twórczości. Arystofanes nazywał siebie oczyszczaczem i krytykiem. Środki oddziaływania: mieszanka powagi i humoru, mówienie prawdy. Idealizacja – era bohaterów maratonów. Pozytywne ideały- we wsiach. Wszystkie nowe szkoły nazwał bandą szarlatanów; miał negatywny stosunek do kultury miejskiej.

Język i styl:

Reprodukcja stylów tragedii, poezji lirycznej, parodii wyroczni i terminologii prawniczej, recytacji sofistycznych, wystąpień publicznych i debat. Zniekształcanie mowy + wymyślanie nowych słów lub łamańce językowe.

Język jest przykładem mowy poddasza. W chórze – imitacja zwierząt.

Estetyczne prawa twórczości Arystofanesa. Idealny obraz poety tragicznego („Żaby”). Eurypidesa i Arystofanesa.

Poglądy literackie i estetyczne Arystofanesa wyrażają się głównie w komediach „Żaby” i „Kobiety z tesmoforii”, gdzie porównuje on, wydaje mu się subiektywistyczny i deklamacyjny, styl Eurypidesa ze starożytnym, uroczystym stylem Ajschylosa i preferuje do tego ostatniego.

Jest bardzo pryncypialny w swoich poglądach religijnych, ale nie przeszkodziło mu to w przedstawianiu bogów w zabawny, wręcz błazeński sposób oraz w karykaturze modlitw i przepowiedni.

W „Żabach” Eurypides ukazany jest jako poeta sentymentalny, rozpieszczony i antypatriotyczny. Ajschylos to poeta o wysokiej i heroicznej moralności, poważny, głęboki i wytrwały patriota. Wersety tragików są ważone na wadze, wersety Ajschylosa okazują się solidne, ciężkie, a lekkie wersety Eurypidesa podskakują. Dla Eurypidesa jest to sprawa osobista, codzienna, dla Ajschylosa – wieczna. A celem sztuki tragicznej jest uczynienie jej nieśmiertelną + edukacja moralna.

Walka tragików ma charakter polityczny: usprawiedliwia się tu stary, silny system polityczny i potępia nowoczesną, bogatą, ale bardzo żałosną demokrację.

Proza filozoficzna: Arystoteles. Teoria literatury Arystotelesa.

Arystoteles z miasta Stagira (384-322 p.n.e.), wychowawca Aleksandra Wielkiego, uczeń Platona.

Sprzeciwiał się podstawowym zasadom filozofii idealistycznej swojego nauczyciela: przede wszystkim zaprzeczał istnieniu dwóch światów, świata idei i świata rzeczy, wierząc, że istnieje tylko jeden świat – materialny.

Obok zasad materialistycznych nie są mu obce poglądy idealistyczne: uznaje czystą formę bez treści.

W swoim traktacie „Poetyka” stawia pytanie o istotę piękna. Wychodzi z etycznego rozumienia piękna i widzi piękno w samej formie rzeczy i ich układzie. Wierzył, że sztuka jest twórczym naśladownictwem natury, że sztuka pomaga ludziom zrozumieć życie. Jego zdaniem zadaniem poety jest „mówienie nie o tym, co faktycznie się wydarzyło, ale o tym, co mogłoby się wydarzyć, a zatem o tym, co możliwe – zgodnie z prawdopodobieństwem lub koniecznością”. Uważał, że poezja jest bardziej filozoficzna i poważniejsze niż historia. Poezja wysuwa się na pierwszy plan wszystkich form sztuki, a wśród form poezji przede wszystkim stawiana jest tragedia.

Przykładem postaci tragicznej jest wizerunek Edypa Sofoklesa. Arystoteles kładł nacisk na jedność działania, żądając jedynie ukazywania ludzi szlachetnych w sposobie myślenia, zachowaniu, a nie pochodzeniu.

Problem katharsis:

etyczny – oczyszczenie człowieka z wad.

estetyczny - połączenie muzycznego rytmu i harmonii osiąga się u człowieka poprzez poczucie strachu lub współczucia, koncepcję sprawiedliwości.

Katharsis to najwyższy punkt emocjonalny, będący wynikiem współczucia dla tego, co się dzieje.

religijny.

Poglądy estetyczne Platona.

427-347 p.n.e

Pochodził ze starej rodziny arystokratycznej. W młodości był dramaturgiem, muzykiem, malarzem i sportowcem. Jednak wszystkie te działania ustały po spotkaniu z Sokratesem. A jego śmierć wywarła taki wpływ na Platona, że ​​Sokrates stał się stałym bohaterem niemal wszystkich jego dzieł.

Założył Akademię w Atenach, gdzie spędził całe życie nauczając filozofii.

Według nauk Platona istnieje świat wiecznych, niezmiennych idei. Świat materialny nigdy nie będzie doskonały. Stąd właśnie bierze się estetyka. Jeśli świat materialny jest jedynie odbiciem świata idealnego, a artysta i poeta w swoich dziełach starają się naśladować otaczający ich świat, to jego kunszt jest fałszywy i jest jedynie bladą kopią wyższych idei. Tego rodzaju sztuka nie może istnieć w idealnym społeczeństwie, dlatego nawet Homera należy wypędzić z murów miasta rządzonego przez filozofów.

Dla Platona najwyższym ucieleśnieniem piękna jest proporcjonalny, harmonijny kosmos.

Dialogi Platona to wyjątkowe sceny dramatyczne. Dramat myśli ludzkiej, bo poszukiwanie prawdy jest nie mniej dramatyczne niż wydarzenia życiowe.

Dialog „Uczta” składa się z przemówień bankietowych, z których każde poświęcone jest definicji erosa. Często posługuje się stworzonymi przez siebie mitami.

Historiografia grecka. „Historia” Herodota – temat, kompozycja, cechy stylistyczne. Nowela Herodota.

Starożytni nazywali Herodota z Halikarnasu (484-426 p.n.e.) „ojcem historii”. Życie i twórczość toczyły się w latach po wielkich zwycięstwach Greków nad Persami, w latach błyskotliwych osiągnięć kultury ateńskiej.

Herodot jest zagorzałym patriotą Aten; dużo podróżował po Morzu Śródziemnym, dogłębnie studiował Egipt i Scytię. Dzieła Herodota podzielone są na dziewięć ksiąg, nazwanych na cześć muz.

Kompozycja „Opowieści” przypomina prozą poemat epicki. Tematem przewodnim jest bohaterska walka Greków z Persami; Szczególnie mocno wybrzmiewa w tym temacie postępowa myśl o wyższości Greków – patriotycznych wojowników, dobrze wyszkolonych w gimnastyce i sprawach wojskowych – nad hordami Persów, prowadzonymi biczami.

Oprócz obserwacji naukowych i opisów geograficznych istnieje wiele legendarnych i mitologicznych opowieści pochodzących od starożytnych historyków. Liczne podania i opowiadania ludowe nadają tej historii specyfikę literacką i artystyczną. Dramat wprowadza się, jeśli opowiadana jest historia znanych postaci starożytności (Solon, Polikrates). Jednocześnie Herodot realizuje główną ideę - los i bogowie okrutnie karzą „dumną” osobę, istnieje surowe prawo dotyczące perypetii życiowych.

Druga księga Historii poświęcona jest opisowi tego, co widział i słyszał podczas swoich podróży po Egipcie. Jest zdumiony mocą i pięknem Nilu. Bogactwo materiałów na temat budynków Egipcjan, praw, zwyczajów, roślin i zwierząt, papirusów, a nawet moralności. Życie plemion i bohaterów, opowieści na wpół mityczne.

Dzieła Herodota miały cechy racjonalistyczne charakterystyczne dla epoki. Rozdziały trzeciej księgi dostarczają materiału o życiu Scytów.

Historiografia grecka. „Historia” Tukidydesa – temat, cechy kompozycji i stylu. Funkcje przemówień.

460-396 p.n.e Urodzony w Attyce, należał do szlacheckiej i zamożnej rodziny. Brał udział w wojnie peloponeskiej. Został wybrany strategiem, ale nie udzielił pomocy miastu Amfipolis na czas, został oskarżony o zdradę stanu i spędził około dwudziestu lat na wygnaniu.

Szczery patriota demokracji ateńskiej, wysoko cenił Peryklesa i gloryfikował kulturę Aten. Na jego poglądy polityczne i koncepcję procesu historycznego wpływa epoka Peryklesa z jej wysokim poziomem nauki, sztuki i filozofii, era racjonalistycznej krytyki mitów oraz rozwój szkół sofistycznych. Tukidydes dążył do systematycznej krytycznej weryfikacji źródeł oraz wyjaśnienia przyczynowości i wzorców zdarzeń. Jego zainteresowania dotyczą nowoczesności. Przegląd okresów wcześniejszych służy analizie i ukazaniu cech współczesnych wydarzeń wojny peloponeskiej.