Materia accademica nell'ambito della quale si svolge il project work: letteratura.
Classe: 6
Numero di partecipanti: 13
Età: 10 – 11 anni
Durata del progetto: 3 settimane
Tipologia progetto: sociale progetto di ricerca
Prodotto: album “Mondo Poetico”.
Obiettivo: studiare la creatività e tracciare come le inclinazioni artistiche e musicali abbiano influenzato l'opera del poeta.
Fasi di lavoro sul progetto:
1. Formulazione del problema
2. Raccolta e analisi delle informazioni
3. Elaborare un piano per risolvere il problema
4. Attuazione del progetto
5. Presentazione e difesa del progetto
Selezione di un problema
Che suoni! immobile ascolto
Ai dolci suoni io;
Dimentico l'eternità, il cielo, la terra,
Te stesso.
Avendo conosciuto la creatività, abbiamo scoperto quella creatività- il lavoro non solo di un poeta, ma anche di una persona creativamente dotata sia nella musica che nella pittura; una persona che sente il suo stretto rapporto con il mondo naturale. Lermontov vedeva la natura attraverso gli occhi di un artista, la ascoltava come un musicista. Ecco perché la poesia di Lermontov è percepita dai lettori non solo dal punto di vista del contenuto e del significato delle poesie, ma anche dal punto di vista del suo suono speciale, della speciale "voce" dei testi: visiva e cromatica. .
Ci siamo trovati di fronte a una domanda: come si riflettevano i talenti artistici e musicali nella poesia di Lermontov?
A nostro avviso, i testi di Lermontov sono emotivi e luminosi, ma non accattivanti, come un dipinto ad olio, ma trasparenti e delicati, come un acquerello. Anche il potenziale musicale dell'opera di Lermontov è grande; la registrazione del suono utilizzata attivamente nel suo lavoro rende i testi del poeta raffinati, sublimi, ma allo stesso tempo tristi - tristi, come una poesia musicale o un valzer lento.
Le opere vengono studiate durante tutto il corso di letteratura. Il programma del 9° grado prevede uno studio monografico dell’opera del poeta, che implica la creazione di un concetto olistico del mondo artistico.
Ecco perché noi Abbiamo deciso di creare il progetto “Poeta, Artista, Musicista”.
Il materiale che abbiamo raccolto può essere utile agli studenti interessati alla poesia di Lermontov. Può essere utilizzato come letteratura aggiuntiva in preparazione alle lezioni di letteratura, MKh K o attività extrascolastiche.
Rilevanza
Dopo aver identificato il problema ( come i talenti artistici e musicali si riflettevano nella poesia di Lermontov), dopo aver studiato la letteratura pertinente, siamo giunti alla conclusione che questo problemaè rilevante oggi, poiché Lermontov è quel fenomeno nella poesia che di solito viene chiamato miracolo. Il terzo millennio è iniziato e Lermontov sta diventando un poeta sempre più moderno. Tutti riscoprono Lermontov. Il suo genio è così completo e sfaccettato che queste scoperte continueranno all'infinito. Bella Akhmadulina ha definito Lermontov "il giovane più alto dell'universo". Rimarrà per sempre sia un poeta maturo - per la forza del suo talento e intelligenza, sia un giovane impetuoso - per la passione dei suoi sentimenti e il massimalismo dei suoi rapporti con il mondo. Ciò significa che la sua opera sarà sempre moderna e troverà sempre una forte risposta nel cuore dei giovani.
24 maggio 2011, dati i contributi in sospeso cultura nazionale e in occasione del 200° anniversario della sua nascita nel 2014, IL PRESIDENTE DELLA FEDERAZIONE RUSSA ha firmato il decreto “Sulla celebrazione del 200° anniversario della sua nascita”
Piano di raccolta informazioni
1. Visitare la biblioteca, scegliere libri sull'argomento "poeta, artista, musicista".
2. Revisione delle risorse Internet.
3.Revisione delle pubblicazioni di giornali e riviste
Selezione del prodotto
Il prodotto del nostro progetto sarà l'album “Poetic World”, che includerà materiale raccolto sull'argomento.
Piano di risoluzione dei problemi
1.Conferenza “Il più grande giovane dell’Universo”.
2. Lavoro creativo “L'originalità del mondo poetico”.
3. Preparazione di presentazioni su argomenti:
- “-poeta e musicista”,
- " - artista".
4. Design dell'album “Poetic World”.
Determinazione dei fondi necessari
Enciclopedie, computer, opere.
Promemoria - istruzioni
A lavoro di progetto ha avuto successo, è necessario:
1.Lavora con piena dedizione
2. Aiutatevi a vicenda
3. Sentirsi responsabili del risultato del lavoro di squadra.
4.Pianifica il tuo lavoro
5. Discutere il materiale preparato
6.Preparare una presentazione del progetto
7. Nel riassumere, sii moderato e obiettivo.
Organizzazione del lavoro
La forma di lavoro è di gruppo.
Divisione in gruppi
1 gruppo.
Argomento: "e musica"
2° gruppo .
Argomento: "-artista"
Attuazione del piano d'azione
1. "Il più grande giovane dell'universo"
- poeta, artista, musicista.
Abbiamo raccolto il seguente materiale su questo argomento.
La natura ha dotato Lermontov di vari talenti. Possedeva una musicalità rara: suonava il violino, suonava il pianoforte, cantava arie delle sue opere preferite e componeva persino musica: ci sono informazioni che abbia messo in musica la sua "Canzone della ninna nanna cosacca". Disegnava e dipingeva quadri ad olio e, se si fosse dedicato alla pittura, senza dubbio, sarebbe potuto diventare un artista eccezionale. Per tutta la mia vita ho avuto pennelli e colori accanto ai miei quaderni. Nella sua giovinezza, lo stile artistico di Lermontov fu influenzato dai dipinti di Rembrandt, dal loro effetto chiaroscuro e dai colori cupi. Nella "Principessa Ligovskaya" c'è una descrizione del dipinto: era "una fantasia, profonda, oscura". Forse Lermontov si riferiva alla sua opera: il ritratto di un antenato immaginario. Non tutto ciò che dipinse il poeta è sopravvissuto. Attualmente se ne conoscono 13 dipinti, circa 50 acquerelli, numerosi schizzi a matita in album, su fogli separati, su pagine manoscritte. Risolveva facilmente problemi matematici complessi ed era conosciuto come un forte giocatore di scacchi. Era superbamente istruito, colto e parlava diverse lingue straniere. Per lui tutto era facile. Eppure ha migliorato il suo geniale dono poetico attraverso il duro lavoro. Essendo contemporaneo di Pushkin, voleva entrare nella letteratura con poesie degne di prendere posto accanto a quelle di Pushkin. Insolitamente presto, Lermontov percepì dentro di sé il destino del creatore e realizzò l'altezza inimmaginabile dell'impresa che doveva compiere con la sua creatività:
Chi può, l'oceano cupo,
Devo scoprire i tuoi segreti? Chi
Dirà alla folla i miei pensieri?
O sono Dio o non sono nessuno!
Questo è ciò che ha scritto di sé un ragazzo di diciotto anni. Chi all'inizio della vita non sogna di scuotere il mondo con le sue azioni?
Ho bisogno di agire, lo faccio ogni giorno
Vorrei renderlo immortale.
... La vita è in qualche modo breve per me
E ho ancora paura di non avere tempo
Realizzare qualcosa...
Ma quanto è riuscito a realizzare entro la fine del 27° anno della sua vita! Lermontov non solo ha scritto molto in un breve periodo di tempo: ha creato con la sua penna il mondo intero. Unico, tuo. Mondo di Lermontov.
2. L'originalità del mondo poetico M. Yu.
Il mondo poetico di Lermontov è un mondo allarmante di ricerche, pensieri intensi, questioni irrisolte e grandi problemi filosofici. L'eroe di questo mondo è scioccato dall'ingiustizia che regna ovunque. È pieno di risentimento e rabbia.
Il mondo poetico di Lermontov è un mondo di sentimenti elevati e meravigliosi: amore e amicizia. Un mondo di esperienze profonde e sottili anima umana. E tutta l'opera del poeta è intrisa di desiderio, desiderio dell'ideale.
Lermontov vedeva la natura attraverso gli occhi di un artista, la ascoltava come un musicista. Nel suo mondo poetico, tutto suona e canta, tutto brilla e brilla di colori. Ecco lo splendore luminoso di una giornata soleggiata, ecco il bagliore blu lunare della notte.
Montagne, rocce, scogliere, ruscelli, fiumi, alberi: tutta la natura vive nelle sue opere. Anche le pietre parlano, e le montagne pensano, accigliano, discutono tra loro come uomini, le rupi piangono, gli alberi mormorano contro Dio e sognano. C'è un'intera sinfonia di nuvole che si muovono continuamente e cambiano forma. Ecco le dolci montagne del Caucaso, ecco la dolce bufera di neve su Mosca.
Le poesie di Lermontov come “Vela”, “Scogliera”, “Tamara”, “Una foglia di quercia si staccò dal ramo della mia voglia...”, “La principessa del mare”, “Esco da solo per la strada... ” si distinguono per la loro straordinaria musicalità. Loro, come molte altre poesie di Lermontov, sono messe in musica e vengono spesso eseguite in concerti. Belinsky ha paragonato i testi di Lermontov alla musica e molte delle opere del poeta, in termini di ricchezza e potenza dei colori, alle belle arti. Così, riguardo alla poesia “Tre Palme” ha scritto: “il rilievo delle immagini, la convessità delle forme e la brillante lucentezza dei colori orientali fondono la poesia con la pittura in questa commedia”.
3. Le presentazioni sono allegate.
4. L'album "Poetic World" è allegato.
conclusioni
La creatività ha suscitato il nostro interesse speciale.
La personalità stessa del poeta colpiva per la sua originalità: possedeva una musicalità rara: suonava il violino, suonava il pianoforte, cantava arie delle sue opere preferite, componeva persino musica; dipinti ad olio dipinti e dipinti; risolveva facilmente problemi matematici complessi ed era conosciuto come un forte giocatore di scacchi; Era superbamente istruito, colto e parlava diverse lingue straniere. Abbiamo deciso di continuare a studiare patrimonio poetico Pasternak. Abbiamo definito il tema del nostro progetto così: “poeta, artista, musicista”. Problema identificato: come i talenti artistici e musicali si riflettevano nella poesia di Lermontov. Dopo aver analizzato le informazioni raccolte, abbiamo iniziato a sviluppare una soluzione al problema. Abbiamo preparato presentazioni e creato l'album “Poetic World”. Dopo aver realizzato il piano d'azione, siamo giunti alla conclusione che il poeta ha creato un mondo intero con la sua penna. Unico, tuo. Il mondo di Lermontov:
Pittura e musica entrarono organicamente nel mondo della sua poesia;
Nella nostra mente, i testi di Lermontov sono emotivi e luminosi, ma non appariscenti, come un dipinto ad olio, ma trasparenti e delicati, come un acquerello;
Anche il potenziale musicale dell'opera di Lermontov è grande; il sound design utilizzato attivamente nel suo lavoro rende i testi del poeta raffinati, sublimi, così che a volte il suono, e non il significato delle parole, determina la selezione delle immagini.
Elenco della letteratura utilizzata nello sviluppo del progetto:
1. Andreev - È l'ora di Krivich. – M., 1964.
2. ora a riguardo. – M., 1964.
3. Belinsky M. Lermontov. – M., 1964.
4. Zhuravlev e significato. Mosca, 1991
4. Lermontov. – M., 1964.
5. Alla scuola della parola poetica. Puškin. Lermontov. Gogol. M., 1988.
6. Maksimov Lermontov. – M., 1964.
7. Skorkina opera lirica alle superiori. M., 2002.
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che stai scoprendo questa bellezza. Grazie per l'ispirazione e la pelle d'oca.
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Il tempo è una cosa dannosa e sfuggente. Ti scorre sempre tra le dita e scorre via chissà dove. Cosa fare se per tutta la vita avessi desiderato scrivere sinfonie migliori di quelle di Mozart e avessi due figli, una moglie, una madre e, soprattutto, un progetto ardente?
Siamo dentro sito web Anche noi siamo estremamente preoccupati per questo problema: vogliamo realizzarci nella vita e non soffocarci con un osso. Esempi di personaggi famosi che sicuramente ne hanno avuto abbastanza per 24 ore al giorno ci aiutano a non arrenderci e a fare grandi cose.
Leonardo Da Vinci
In cima alla nostra lista c'è il famoso " persona universale" Ricordiamo che Leonardo è un artista eccezionale del Rinascimento (tutti ricordano la Gioconda?), un inventore (tutte le sue invenzioni costituirono la base per la costruzione dei moderni sottomarini), uno scienziato, oltre che scrittore e musicista. Fu anche il primo a spiegare perché il cielo è blu: “L’azzurro del cielo è dovuto allo spessore delle particelle d’aria illuminate, che si trova tra la Terra e l’oscurità sovrastante”. È riuscito a tutto questo grazie al suo sistema di sonno sviluppato: ha dormito per un totale di 2 ore (luce spenta per 15 minuti più volte al giorno), e per tutto il resto tempo libero cambiato il mondo e me stesso in meglio.
Anton Cechov
Il brillante fratello di suo fratello (quello era il suo pseudonimo). Il famoso maestro di racconti, umorista e satirico, il più grande drammaturgo e medico part-time. Lui stesso ha ammesso: “La medicina è la mia moglie legale e la letteratura è la mia amante. Quando mi stanco di uno, passo la notte con l’altro”. Costantemente diviso tra i suoi due talenti, Cechov si occupò di medicina fino alla fine della sua vita. Ha anche chiamato i suoi cani per nome. medicinali: Bromo e Hina. Ma rispettava anche la sua “amante”: nel corso della sua vita, Cechov creò più di 300 opere, tra cui racconti e drammi impressionanti. Il grande umorista amava anche collezionare francobolli. Ecco l'uomo!
Vladimir Nabokov
Scrittore ed entomologo, nonché entomologo autodidatta. Più di 20 generi di farfalle prendono il nome da Vladimir Vladimirovich, uno dei quali (che carino!) si chiama Nabokovia. Anche Nabokov giocava benissimo a scacchi. Ha composto diversi problemi di scacchi complessi. Il suo amore per questo sport intellettuale si riflette nel romanzo "La difesa di Luzhin". Ricordiamo che Nabokov parlava fluentemente lingua inglese. “Lolita” è amata in America proprio come lo è qui.
Johann Wolfgang von Goethe
Goethe fu conosciuto non solo come grande scrittore e poeta, ma anche come scienziato: fece alcune scoperte nel campo della teoria della luce. Inoltre, ha raccolto attivamente minerali: la sua collezione conta 18.000 esemplari (è chiaro da dove Faust ha avuto una tale brama di alchimia). L'autore del famoso dramma è stato così fortunato o brillante che dormiva solo 5 ore al giorno, ma aveva abbastanza forza per molti, molti risultati. Forse è perché Goethe ha aderito regole severe ed era un sostenitore di uno stile di vita sano: non beveva affatto alcolici e non tollerava l'odore del fumo di tabacco. Ecco perché ha vissuto 82 anni ed è riuscito a creare così tante cose.
Hugh Jackman
Non solo un attore famoso, ma anche un artista di Broadway, e che grande! Nel giro di una stagione è riuscito a ricevere tutti i principali premi teatrali. Tutti conoscono la terza area di attività di Jackman in cui ha ottenuto il successo: la vita familiare. Hugh e Deborra-Lee Furness sono sposati da 20 anni e insieme hanno due figli. Cosa c'è! Il nostro Hugh sa fare tutto: sa suonare il piano, la chitarra, il violino e anche... far vibrare le sue pupille e persino fare il giocoliere. Probabilmente nemmeno Wolverine può farlo.
Salvador Dalì
Tutti dicono che è pazzo, ma tacciono sul fatto che fosse universale. Dalì è famoso non solo come pittore e scultore, ma anche come regista del più terribile "Un Chien Andalou". Dalì scrisse anche diverse “opere”: “ vita segreta Salvador Dalì, raccontato da lui stesso" e "Il diario di un genio". Per il bene dei suoi capolavori psichedelici, il modesto genio spesso “pervertito” in termini di sonno. Spieghiamo: Dalì assunse un servitore speciale, il quale, vedendo che il proprietario cominciava ad addormentarsi completamente esausto, lo svegliò dopo aver atteso qualche secondo. Lo scarmigliato Dalì afferrò subito il foglio e cercò di abbozzare ciò che aveva visto nei primi secondi della fase superficiale del sonno.
Michail Lomonosov
Scienziato naturale, chimico e fisico russo, poeta, artista... difficilmente si può elencare tutto qui. Lomonosov non è solo una figura attiva: è venerato come un riformatore. Fu lui a realizzare la riforma della versificazione. Pertanto, stranamente, dobbiamo l'apprendimento dei giambi e dei trochei a un chimico eccezionale. A proposito, essere intelligenti non significa essere oggetto di bullismo. Mentre studiava a Marburg, ad esempio, Lomonosov padroneggiava perfettamente la capacità di maneggiare una spada. I bulli locali evitavano questo moscovita eccessivamente capace e abile. Certamente persona talentuosa talentuoso in tutto!
Isacco Newton
Tutti dovrebbero sapere che è famoso non solo per la mela che gli è caduta in testa. Newton scrisse libri di teologia, in cui parlò della negazione della Santissima Trinità, e fu anche presidente della Royal Society of Arts. Non molti sanno che Newton ha inventato anche due cose sorprendentemente ingegnose: un mezzo per trasportare i gatti e una porta per loro (dove saremmo adesso senza di loro?). La colpa è del suo amore per gli amici pelosi e baffuti. Newton preferiva l'attività attiva al sonno: assegnava solo 4 ore al giorno per il riposo notturno.
Benjamin Franklin
Lo conosciamo tutti come un ragazzo con un dollaro e un politico, ma Franklin è come il nostro Lomonosov. Era un giornalista e inventore. Ha inventato, ad esempio, la stufa (“camino della Pennsylvania”) e ha anche predetto il tempo. Il primo ha sviluppato una mappa dettagliata della Corrente del Golfo. Fondò la Philadelphia Academy, nonché la prima biblioteca pubblica negli Stati Uniti. Anche Franklin lo aveva fatto talento musicale. Lo zio Ben è stato aiutato a stare al passo con tutto seguendo rigorosamente la routine quotidiana, in cui al sonno venivano assegnate solo 4 ore al giorno.
Alessandro Borodin
Un uomo il cui ritratto è appeso sia nell'aula di musica che in quella di chimica. Lo sai che l'autore famosa opera Il “principe Igor” era anche chimico e medico? Scherzando si definiva un “musicista della domenica”: ha dovuto sacrificare i suoi fine settimana per poter creare qualcosa del genere per il mondo della musica. Sua moglie ha lasciato ricordi delle giornate lavorative di Borodin: "Poteva stare seduto per dieci ore di fila, non riusciva a dormire affatto, non poteva pranzare". Lo farei ancora! Dopotutto, come sapete, uno dei motti di Borodin era una frase così motivante: "Tutto ciò che non abbiamo lo dobbiamo solo a noi stessi". Anche Alexander Porfiryevich era un personaggio pubblico attivo: fu uno dei promotori dell'apertura dei corsi di medicina femminile.
Pulce (Michael Peter Balzary)
Instancabile e audace bassista dei Red Hot Chilli Peppers. È diventato famoso per il suo stile unico di suonare il basso, soprannominato slapping e popping. È sorprendente che Flea abbia iniziato a studiare musica solo nel 2008 (dopo 25 anni in una band) - ha ammesso di aver sempre suonato a orecchio e di non conoscere la teoria musicale. Tuttavia Flea è riconosciuto come uno dei migliori bassisti di tutti i tempi. Come si suol dire, gioca per un quarto di secolo e impara per un secolo. E se pensate che i musicisti rock non facciano altro che ribellarsi tutto il giorno, allora Flea vi smentisce: la sua filmografia comprende 25 film, compresi i cartoni animati. A proposito, è lui il capo pazzo del film "Ritorno al futuro - 2".
Michele Bulgakov
IN nei primi anni Bulgakov lavorava come medico zemstvo e doveva essere un generalista: terapista, ginecologo, chirurgo e dentista. "Appunti di un giovane dottore" deve la sua apparizione proprio a quel periodo della vita del giovane Bulgakov. Era difficile combinare guarigione e creatività, quindi ho dovuto "arare" il mio turno, curare le persone senza pretese del villaggio tutto il giorno e poi trovare anche il tempo per scrivere... Puoi sacrificare tutto per amore dell'arte. Una volta in una lettera a sua madre scrisse: "Di notte scrivo "Appunti di un medico zemstvo". Potrebbe venirne fuori una cosa solida”. Bulgakov è anche un esempio dell'atteggiamento corretto nei confronti delle critiche. Ha raccolto articoli critici sulle loro opere, incluse 298 recensioni negative e 3 positive da parte della critica.
Bene, pensi ancora di non avere abbastanza tempo?
Palazzo Kühleborn. Bozzetto di Karl Schinkel per l'opera “Ondine” di Ernst Theodor Amadeus Hoffmann. 1815-1816 Kupferstichkabinett, Staatliche Museen zu Berlin
Nell'era della diffusione dell'alfabetizzazione musicale universale nelle classi superiori e poi medie della società, il tempo libero musicale di monarchi, scrittori, artisti e attori non era qualcosa di straordinario. Arzamas ha raccolto opere dei più importanti compositori dilettanti dei secoli XVII-XX.
Enrico VIII Tudor, re d'Inghilterra (1491-1547)
È a Enrico VIII che viene spesso attribuita la paternità della famosa canzone inglese "Maniche verdi", e più di una generazione di musicologi britannici hanno spezzato lance in battaglie per dimostrarne la paternità. Questo è assolutamente certo Enrico VIII scrisse tanti canti e danze strumentali mentre firmò editti e condanne a morte. Ecco una delle migliori canzoni del re:
Enrico VIII. "Tempo libero dentro buona società» Eseguita da: The King's SingersIvan il Terribile, sovrano, zar e granduca di tutta la Rus' (1530-1584)
L'attività instancabile di Ivan il Terribile si estendeva non solo alle guerre e ai conflitti, ma anche alle riforme culturali: nuovi stili di architettura, introduzione della stampa, riforme teologiche e ecclesiastiche. Il sovrano amava particolarmente il canto sacro e, con il suo coro sotto la guida di uno dei primi compositori russi, Fyodor Krestyanin, prendeva parte ogni giorno ai servizi divini. Il compositore Ivan il Terribile ha lasciato un manoscritto di due stichera intitolato “Il libro del verbo della Stichera mensile, che è l’occhio del diacono”. Uno è dedicato al metropolita di Mosca Pietro, vissuto nei secoli XIII-XIV, il secondo è dedicato alla Presentazione dell'icona della Madonna di Vladimir (vedi “Musica patriottica”). Sono scritti in un modo insolito linguaggio poetico, collegando i testi direttamente con il contenuto musicale (canti di sillabe, atipici per quel tempo), e in termini di contenuto musicale può essere classificato con i migliori esempi di questo genere del XVI secolo.
Ivan IV il Terribile. Collezione completa stichera Eseguito da: coro maschile del Patriarcato di Mosca “Antico canto russo” sotto la direzione di Anatoly GrindenkoJean-Jacques Rousseau, scrittore, filosofo, pensatore (1712-1778)
Autore di "Discorsi sulle scienze e sulle arti", "Confessioni", noto sostenitore di uno stile di vita semplice e non sofisticato che riporta l'uomo alla natura, Rousseau fu uno dei compositori più sofisticati del suo tempo. Scrisse canzoni, concerti, sonate e altre opere strumentali, e la sua opera in un atto (interludio) "The Village Sorcerer", scritta nel 1752, ottenne una fama particolare. Per lei, il re Luigi XV, dopo la produzione a Fontainebleau, offrì a Rousseau una pensione vitalizia, che però rifiutò con orgoglio. La trama pastorale, la musica brillante e accessibile hanno reso l'intermezzo di Rousseau desiderabile su molti palcoscenici d'Europa. Nikolai Karamzin ha lasciato ricordi di queste produzioni nelle sue "Lettere di un viaggiatore russo".
Jean-Jacques Rousseau. "Stregone del villaggio" Aria “J"ai perdu tout mon bonheur” Interpretazione: Gabriela Burgler (soprano); Cantus firmus consort & Kammerchor, direttore Andreas Reitze
Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, scrittore tedesco (1776-1822)
Hoffmann amava così tanto la musica che Wilhelm cambiò persino il suo terzo nome in Amadeus in onore del suo amato Mozart. L'ultimo scrittore grande epoca Illuminismo tedesco, Hoffmann stava già cercando un'unione puramente romantica di muse e onestamente, con tutta la sua attività creativa, ha contribuito al suo rafforzamento. Non solo compose opere, ma dipinse anche i teatri e le scenografie in cui queste opere furono messe in scena, sebbene il loro libretto, ad esempio, fosse stato scritto per lui da altri poeti. Hoffmann considerava il lavoro musicale più redditizio del lavoro letterario e cercava costantemente di prendere il posto del direttore d'orchestra da qualche parte. Teatro dell'opera- il più delle volte, sfortunatamente, senza successo. Oltre alle opere, Hoffmann ha scritto molto musica da camera, e la sua Sinfonia in mi bemolle maggiore viene ancora eseguita abbastanza spesso nei concerti. Più recente e più saggio di successo L'opera Ondine di Hoffmann (1816) su libretto di Friedrich de la Motte-Fouquet. È vero, anche qui Hoffmann è stato sfortunato: il teatro è andato a fuoco insieme alla scenografia (la partitura, fortunatamente, è sopravvissuta). Hoffmann, l'ultimo educatore e il primo romantico, ebbe molto più successo come avvocato.
Ernest Theodor Amadeus Hoffmann. Ouverture all'Ondine Performance: coro e Orchestra Sinfonica Radio Bavarese, direttore Jan Kucir. 1960
Alexander Griboedov, drammaturgo, poeta e diplomatico russo (1795-1829)
Griboedov era un tipico dilettante dell'epoca di Glinka (come Alyabyev Alexander Alyabyev- autore del romanzo "L'usignolo" basato sulle parole di A. Delvig., Gurilev Alessandro Gurilev- autore del romanzo "La campana suona monotona" secondo le parole di I. Makarov., Varlamov Aleksandr Varlamov- autore del romanzo "Una bufera di neve soffia lungo la strada" secondo le parole di D. Glebov. e altri). Tuttavia, non è rimasta una sola storia d'amore dell'autore dell'immortale "Woe from Wit" - il genere più popolare dell'epoca (ma gli stessi compositori hanno già composto le proprie storie d'amore basate sulle sue poesie). Griboedov amava di più la musica strumentale e improvvisava a lungo al pianoforte. Naturalmente queste improvvisazioni non furono registrate e del musicista Griboedov rimasero solo due valzer: la bemolle maggiore e mi minore. Furono scritti contemporaneamente alla famosa commedia (inverno 1823-1824) e sono sicuramente legati all'atmosfera riproduzione di musica domestica nelle famiglie moscovite di quella società e di quel tempo: “Ora senti un flauto, ora è come un pianoforte…”
Aleksandr Griboedov. Due valzer Eseguita da: Phillip Cyr
Lev Tolstoj, scrittore e pensatore russo (1828-1910)
L'amore di Lev Nikolayevich per la musica era piuttosto selettivo e insolito, come tutti ricordiamo dalle sue descrizioni in "Guerra e pace" e "La Sonata a Kreutzer". Nei suoi ultimi anni a Yasnaya Polyana, Tolstoj si circondava spesso di musicisti, in particolare la sua cerchia comprendeva i compositori Taneyev e Goldenweiser. Fu allora che emerse il "peccato di giovinezza" dello scrittore: nel 1848, all'età di 20 anni, non avendo ancora creato un solo composizione letteraria, Tolstoj ha già scritto un valzer. (È vero, dura solo un minuto e, secondo alcune fonti, in collaborazione con uno dei suoi amici dell'epoca.) A volte Tolstoj suonava questo valzer, ma con grande riluttanza; ad un certo punto, Taneyev e Goldenweiser lo hanno convinto a farlo, dopo di che hanno immediatamente registrato la performance nella stanza accanto. L'anno era il 1906, Tolstoj aveva già 78 anni, ma conservava un udito eccellente e memoria musicale. Grazie a questa storia, possiamo ancora ascoltare l'unico composizione musicale Tolstoj - Valzer in fa maggiore.
Lev Tolstoj. Valzer in fa maggiore Eseguito da: Leon KleiserFriedrich Nietzsche, filosofo tedesco (1844-1900)
Nietzsche, estimatore di Wagner e ammiratore di Wagner, aveva debuttato con “La nascita della tragedia dallo spirito della musica” ed era appassionatamente innamorato della musica. Dopo aver ricevuto le prime lezioni dal padre, all'età di 17 anni iniziò a scrivere musica da autodidatta e quando incontrò Wagner nel 1868 era autore di più di 70 composizioni. Si trattava per lo più di brevi pezzi per pianoforte: la forma grande non gli andava bene. Sono state scritte molte canzoni, ensemble vocali, cori e persino due composizioni spirituali. Tuttavia, la carriera di compositore di Nietzsche non durò a lungo, meno di 15 anni: i musicisti della cerchia di Wagner, da lui così venerati, alla fine uccisero la sua fede nella forza del proprio talento musicale. Solo un'altra volta, nel 1882, scriverà “Inno alla vita” basato su poesie dettategli da Lou Salome, la femme fatale del suo destino. Questa composizione per coro e orchestra sarà la più bella lavoro eseguito Nietzsche.
Friedrich Nietzsche. "Inno alla vita" Eseguita da: Orchestra 1813, Orchestra e Coro del Conservatorio di ComoPer il lettore russo, sarà interessante la storia d'amore di Nietzsche basata sulle poesie di Alexander Sergeevich Pushkin.
Friedrich Nietzsche. “L'incantesimo” (tradotto in tedesco da Theodor Opitz) Eseguita da: Loretta Altman (pianoforte), Valerie Kinslow (soprano)Vasilij Polenov, artista russo (1844-1927)
Polenov è stato bravo educazione musicale e ambizioni di compositore piuttosto elevate. Era interessato alle novità europee, in particolare Wagner, era amico di Ivan Sergeevich Turgenev e Polina Viardot, ed era costantemente impegnato nella scenografia operistica, anche all'Opera privata russa di Mosca. Polenov scrisse romanzi e canzoni, cori, musica per opere teatrali e scrisse persino un'intera opera, "Ghosts of Hellas", basata su un libretto di Savva Mamontov (che la mise in scena nel suo teatro nel 1894). Naturalmente anche la scenografia è appartenuta allo stesso Polenov, ed è molto più conosciuta dagli amanti dell'arte che della musica. Molte delle composizioni di Polenov non sono sopravvissute e molte richiedevano un serio editing musicale. Non molto tempo fa, la musica di Polenov ha ripreso a risuonare, un secolo dopo essere stata dimenticata.
Vasilij Polenov. “Rallegratevi”, frammento della musica per il dramma di Apollo Maykov “Two Worlds” Eseguita da: Kaluga Chamber Orchestra e Kaluga Chamber Choir, direttore Garry AzatovMichail Kuzmin, poeta russo (1872-1936)
Nella sua giovinezza, Kuzmin voleva seriamente diventare un compositore e studiò persino per tre anni (dal 1901 al 1904) al Conservatorio di San Pietroburgo con lo stesso Rimsky-Korsakov. Le sue composizioni studentesche coprivano quasi tutti i generi accademici, ma la musica per produzioni drammatiche, ad esempio "Balaganchik" di Blok, era particolarmente popolare. Più tardi, quando Kuzmin lasciò il conservatorio, continuò a prendere parte attiva alla vita artistica di San Pietroburgo come artista e molto spesso cantava canzoni con le sue stesse parole dai palchi dello Stray Dog o del Comedians' Halt café. Eccolo, come si suol dire, nel flusso: è stato in questi anni che grande quantità cantautori (ad esempio Dmitry Bogemsky, Vladimir Sabinin e altri), che spesso eseguivano le loro canzoni in modo intimo, a bassa voce. Il culmine di questo stile è stato creatività successiva Alexander Vertinsky e le canzoni di Kuzmin furono dimenticate. Non è rimasta una sola registrazione del suo canto, solo la lettura di poesie. Si possono ascoltare alcune delle sue canzoni.
Michail Kuzmin. "Canzoni alessandrine. Primo taccuino" (1905) Eseguita da: Mila Shkirtil (mezzo-soprano), Yuri Serov (pianoforte) Michail Kuzmin. "Poesie spirituali" (1901-1903) Eseguito da: Mila Shkirtil (mezzo-soprano), Yuri Serov (pianoforte).Charles Spencer (Charlie) Chaplin, attore, regista (1889-1977)
Come alcuni altri compositori della scena americana, come il famoso Irving Berlin, Chaplin era musicalmente analfabeta. C'era persino il termine "compositori che fischiano": lavoravano con le segretarie. Tuttavia, la musica ha avuto un ruolo colossale nella vita del grande comico. Ha sempre creato lui stesso le colonne sonore dei suoi film, utilizzando non solo il suo materiale, ma anche materiale altrui (il foxtrot francese “Titina” nell'edizione “Gold Rush” del 1942 e 1956 o il tango “The Violet Seller” in “Lights " grande città"). Aveva le massime esigenze nei confronti di segretari e arrangiatori: lavorare sulla colonna sonora del film a volte si trasformava in una vera tortura per il gruppo musicale. La musica, e non la parola, ha continuato a rimanere il principale supporto emotivo della trama e del gioco fino alla fine della vita del grande artista. Chaplin dettava le sue idee musicali, di solito suonando il violino, sebbene sapesse anche suonare il piano. Negli anni Cinquanta, mentre viveva in Svizzera durante una lunga pausa dopo Footlights, Chaplin rifece tutta la musica dei suoi vecchi film muti risalenti alla fine degli anni Dieci e Venti. L'ultima colonna sonora di Chaplin fu la musica per il famoso melodramma del 1921 “The Kid”, pubblicato in una nuova versione musicale nel 1971.
Carlo Chaplin. Valzer dal film “Luci della città” (1931) Esecuzione: orchestra jazz diretta da Yakov Skomorovsky, registrazione del 1937Inviare il tuo buon lavoro nella knowledge base è semplice. Utilizza il modulo sottostante
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MINISTERO DELL'ISTRUZIONE SPECIALE SUPERIORE E SECONDARIA DELLA REPUBBLICA DELL'UZBEKISTAN
UNIVERSITÀ STATALE DI ANDIJAN
FACOLTÀ DI FILOLOGIA
DIPARTIMENTO DI LINGUA E LETTERATURA RUSSA
MONDO ARTISTICO F.G. LORCA
Eseguita:
Akhmadzhanova Nazokat
introduzione
2. Creatività dello scrittore
Conclusione
Riferimenti
introduzione
Federico García Lorca è un poeta e drammaturgo spagnolo, noto anche come musicista e artista grafico. Figura centrale della “generazione del ’27”, una delle figure più brillanti e significative della cultura spagnola del XX secolo. Ucciso all'inizio della guerra civile spagnola.
Oggi, la poesia e il dramma di Lorca godono di un riconoscimento nazionale non solo nella sua terra natale, e non solo nei paesi di lingua spagnola, ma in tutto il mondo. “Se agli occhi dei suoi contemporanei García Lorca era solo uno di una brillante galassia di poeti spagnoli degli anni '20 e '30, ora la sua opera ha preso un posto tra le più alte conquiste cultura artistica XX secolo”, ha giustamente osservato L. Ospovat nel suo articolo introduttivo a una delle raccolte di opere di Lorca.
Lorca è conosciuta e amata da molti. Più di una generazione di traduttori ha tradotto e traduce le sue poesie: M. Cvetaeva, V. Andreev, A. Geleskul, O. Savich, V. Parnakh, M. Samaev, A. Yakobson, V. Kapustina, G. Shmakova e molti, molti altri. La fama nazionale e, successivamente, mondiale di Lorca è stata portata soprattutto dai suoi cicli poetici “Cante Jondo” e “Romancero gitano”, intrisi di folklore andaluso, veri capolavori del lirismo. Le principali raccolte di poesie del poeta: “Libro de poemas” (1921), “Canciones” (1927), “Romancero Gitano” (1928), “Poema del cante jondo” (1931), “Poeta en Nueva York” (1929-1930 ).
1. Biografia di Federico Garcia Lorca
Il ragazzo impressionabile non andava bene a scuola. Nel 1909 la famiglia si trasferì a Granada. Negli anni '10 Federico fu attivamente coinvolto nella comunità artistica locale.
Nel 1914 Lorca iniziò a studiare legge, filosofia e letteratura presso l'Università di Granada. Garcia Lorca viaggia molto in giro per il paese.
Nel 1918 Lorca pubblicò la sua prima raccolta di poesie, Impresiones y paisajes (“Impressioni e paesaggi”), che gli portò, se non il successo commerciale, almeno la fama.
Nel 1919 Garcia Lorca arrivò a Madrid. All'università della capitale conobbe Salvador Dalì e Luis Buñuel, nonché Gregorio Martinez Sierra, direttore del Teatro Eslava. Su richiesta di Martinez Sierra, Lorca scrisse e mise in scena la sua prima opera teatrale, El maleficio de la mariposa (La stregoneria della farfalla) (1919-1920). Fino al 1928 studiò all'Università di Madrid.
Negli anni successivi, García Lorca divenne una figura di spicco tra gli artisti d'avanguardia.
Ha in uscita nuove raccolte di poesie, tra cui Romancero gitano (“Gypsy Romancero”, 1928). In questi versi il poeta, secondo lui a parole mie, "Volevo fondere la mitologia gitana con tutta la vita quotidiana di oggi."
Un anno dopo, García Lorca partì per New York, a seguito della quale apparvero presto nuovi lavori: il libro di poesie Poeta en Nueva York ("Il poeta a New York", 1931), le opere teatrali El publico ("Il pubblico, ” 1931, 1936) e Asi que pasen cinco anos “Quando saranno passati cinque anni” (1931).
Il ritorno del poeta in Spagna coincise con la caduta del regime di Primo de Rivera e l'instaurazione della Seconda Repubblica spagnola.
Nel 1931 García Lorca fu nominato direttore del teatro studentesco La Barraca (Balagan). Mentre lavorava in teatro, Lorca creò le sue opere più famose: Bodas de sangre (" Matrimonio sanguinoso"), Yerma ("Yerma") e La casa de Bernarda Alba ("La casa di Bernarda Alba").
Nell'estate del 1936, García Lorca progettò di recarsi in Messico, ma decise di recarsi prima nella sua terra natale.
Tre giorni prima dell'ammutinamento militare che segnò l'inizio guerra civile, García Lorca, le cui simpatie per la sinistra spagnola e il governo repubblicano erano ben note, lasciò Madrid per Granada, anche se era ovvio che lì lo attendeva un serio pericolo: nel sud della Spagna le posizioni della destra erano particolarmente forti. Il 16 agosto 1936, i franchisti arrestarono García Lorca nella casa del poeta Luis Rosales (i cui fratelli erano falangisti), e presumibilmente il giorno successivo il poeta fu fucilato per ordine del governatore Valdez Guzmán e sepolto segretamente a 2 km di distanza. da Fonte Grande. Successivamente, fino alla morte del generale Franco, i libri di García Lorca furono banditi in Spagna. Tuttavia, va notato che mantenne rapporti amichevoli con i leader della falange-HONS, José Antonio Primo de Rivera e Onesimo Redondo Ortega.
Esiste una versione secondo cui il poeta non è stato ucciso ed è semplicemente scomparso. Nel 2008, la nipote di un insegnante ucciso insieme a Lorca ha chiesto la riesumazione dei corpi della fossa comune in cui avrebbe riposato Lorca (ai sensi della legge sul restauro della memoria storica).
L'esumazione di questa e di altre 18 fosse comuni è stata effettuata su ordine del giudice Baltasar Garzón, che ha agito di propria iniziativa, cosa che ha comportato la sua perdita dell'incarico e l'accusa penale di abuso di potere. Non sono stati rinvenuti resti non solo nella tomba, ma in tutto il territorio comunale dove, secondo la versione ufficiale, si svolse la tragedia. Una versione più mitica afferma che il poeta ferito fu trasportato segretamente in Argentina, ma non ricordava più né il suo nome né il suo passato.
Nel 2015, la rete televisiva spagnola Cadena SER ha pubblicato, il 22 aprile, documenti precedentemente sconosciuti provenienti dagli archivi della Direzione Generale della Polizia di Granada, che confermavano l'esecuzione di Federico García Lorca da parte dei franchisti (vale a dire, un rapporto di polizia del 1965 in cui si dichiarava "inaffidabilità" di Lorca a causa della sua visioni socialiste, appartenenza massonica e sospetti di omosessualità).
Le opere di Garcia Lorca sono state tradotte in molte lingue, sono state tradotte in russo da M. Cvetaeva (tradusse Lorca negli ultimi giorni della sua vita), N. Aseev, V. Parnakh, A. Geleskul, Yunna Moritz, N. Trauberg, N. Malinovskaya, B. Dubin, N. Vanhanen, K.M. Gusev e altri.
Molti ammettono che Lorca, alla fine del poema “La storia e il ciclo di tre amici” (1930, raccolta “Poeta a New York”), ebbe un presentimento della Guerra Civile, della propria morte e del luogo sconosciuto della sua sepoltura .
2. Creatività dello scrittore
Lorca nacque nel piccolo villaggio di Fuentevaqueros, vicino a Granada, da una famiglia benestante. Dopo essersi diplomato, su insistenza del padre, entrò all'Università di Granada, senza però mostrare alcun zelo per la scienza. Risale a questo periodo l'inizio della sua attività letteraria. Nel 1919 Lorca si trasferisce nella capitale e si dedica interamente alla creatività. Nel marzo del 1920, il Teatro Eslava di Madrid mise in scena la sua prima opera teatrale, “Il malefico incantesimo della farfalla” (El maleficio de la mariposa), che non ebbe successo.
Nell'estate del 1921 fu pubblicata la prima raccolta di poesie di Lorca, "Il libro delle poesie" (Libro de poemas). A questo periodo risale l'inizio del lavoro sulle poesie incluse nella raccolta “Canzoni” (Canciones, poesie 1921 - 1924, pubblicata nel 1927), “Prime canzoni” (Primeras canciones, poesie 1922, pubblicata nel 1935) G. ). Il primo di questi libri porta ancora un'impronta molto chiara del suo apprendistato, echi della sua passione per la poesia di Becker, Jimenez, Machado.
E lo stesso poeta ha ammesso in una delle sue poesie che la “nebbia dei libri e delle parole” cade sull'“ombra della sua anima”.
È vero, già qui si nota l'interesse per arte popolare. Ma, come scrisse giustamente Neruda in seguito, l’appello di Lorca e del suo amico Alberti al folklore spagnolo all’inizio “era solo un gioco di primitività, in cui trovavano un fascino particolare, poiché dopo aiuole livellate e prati ben curati siamo attratti dalla crescita rigogliosa dei prati primaverili. Ma entrambi arrivarono a un consapevole superamento del primitivo e la loro creatività acquisì le caratteristiche di una nazionalità genuina e profonda." Il processo di superamento del "gioco primitivo" da parte di Lorca procedette in modo insolitamente semplice e rapido a causa del senso organico del poeta di parentela di sangue con le persone.
Già nelle "Canzoni" alcune caratteristiche specifiche la sua poesia, che rimase per tutta la sua carriera.
Lorca, come artista, è meno probabile che sia descrittivo. Il poeta preferisce un accenno emotivo che crea un'atmosfera lirica di azione e gli eventi stessi appaiono sotto un sottile velo di mistero. Ogni poesia è un immenso mondo poetico, ma allo stesso tempo è anche un invito alla creatività, che risveglia l’immaginazione del lettore e gli permette di completare poeticamente il non detto.
La Spagna nelle poesie di Lorca appare poeticamente trasformata, questa è la Spagna racconto popolare e leggende. E allo stesso tempo, attraverso questa foschia di leggenda, emerge sempre la vera Spagna; dettagli scarsi, ma estremamente espressivi, ogni volta nelle poesie di Lorca costruiscono un ponte tra questi due lati della terra natale del poeta. Il mondo nella poesia di Lorca appare nella sua integrità e armonia poetica. L'uomo e la natura in esso sono così indissolubilmente legati che la natura risulta essere umanizzata e l'uomo è considerato solo come una particella del cosmo. Per Lorca, questa non è solo la fonte di molte delle sue immagini, la natura, le sue leggi naturali diventano il criterio più importante nella valutazione morale della realtà: vicinanza alla natura, rispetto delle sue leggi, il poeta misura il valore morale e la massima giustizia di ciò che sta accadendo.
In sostanza, diversi motivi importanti attraversano tutta la poesia di Lorca: il destino, il più delle volte percepito con una sfumatura di fatalismo, la morte, l’amore. È vero, nelle prime raccolte il poeta sembra toccare ancora paurosamente il tema del destino e della morte, cercando di nascondersi dalla terribile inevitabilità della morte. Ad esempio, nelle miniature “Il cacciatore” (Cazador) e “Tre alberi tagliati” (Cortaron tres arboles), la morte è raffigurata come il risultato dell'aggressiva invasione della natura da parte dell'uomo, ma non si ha ancora il senso della sua inevitabilità e, soprattutto, la sua eterna presenza invisibile nel mondo.
Queste collezioni mostrano anche mezzi di espressione poetica tipicamente Lor-Koviani. La struttura figurativa delle poesie di Lorca spesso stupisce per la sua insolita. La padronanza matura arrivò a Lorca insolitamente rapidamente. Infatti, negli stessi anni in cui si completava il lavoro sui “Canti”, il giovane poeta stava lavorando al “Poema del cante jondo” (Poema del cante jondo, poesie 1921-1924, pubblicato nel 1931), uno dei più riconosciuti capolavori della sua poesia.
In una conferenza sul cante jondo, che Lorca ha tenuto ai partecipanti al festival, ha definito le caratteristiche uniche di questa poesia: “Innumerevoli gradazioni di Sofferenza e Dolore... Ovunque nascano, nel cuore della sierra, o in negli aranceti di Siviglia, o sull'armoniosa costa mediterranea, queste strofe hanno un contenuto comune: Amore e Morte... Ma Amore e Morte, visti con gli occhi di Sibilla...".
Notando inoltre la “profondità e l'intimità” dell'esperienza caratteristica del cante jondo, Lorca ha affermato che la Tristezza, uno dei “personaggi” principali di queste opere, appare sotto le spoglie di una “donna dalla pelle scura che caccia uccelli con reti fatte di vento”. .” La canzone popolare andalusa non conosce mezzi toni: “Un andaluso o manda un grido al cielo o bacia la polvere rossastra delle sue strade”. L'azione di Cante Jondo si sviluppa sempre in una notte silenziosa, e solo il buio e le stelle testimoniano le tragedie che accadono intorno. "Tutte le poesie del cante jondo", afferma Lorca, "sono piene di magnifico panteismo", in cui "personaggi" come l'aria, la terra, il mare, il vento e il singhiozzo agiscono allo stesso modo. E ha concluso: "Dovremmo prendere dalle persone solo queste essenze più profonde e una o due caratteristiche colorate, in nessun caso cercando di imitare accuratamente le loro modulazioni uniche, perché così facendo non faremo altro che confondere la profondità della canzone". Il "Poema di Cante Jondo" creato dal poeta è rimasto insuperato perché Lorca ha ricreato in esso l'essenza stessa del pensiero poetico della gente.
Lorca ricorre difficilmente alla forma consueta del cante jondo: la quartina siguiriya e petenera, la terzina solea. Scrive in un metro libero che cambia a seconda dell'umore lirico. Ma lo spirito interiore, il significato e il carattere della canzone andalusa si rivelano con una forza sorprendente. La prima poesia, "La ballata dei tre fiumi" (Baladilla de los tres rios), sembra delineare le geografie di questa canzone: sia l'Andalusia - costiera che piatta, separata da montagne e bagnata dai fiumi Guadalquivir, Dauro e Genil. C'è un'immagine espressiva in questa poesia, il cui significato non capirai immediatamente. "Il fiume Guadalquivir allarga una barba color granato." E ancora: "Due fiumi di Granada: uno è lacrime, l'altro è sangue". La prima immagine può sembrare troppo “libresca”. Intanto è il risultato dell'osservazione più accurata: fatto sta che il Guadalquivir scorre in un letto di argilla rossa, e dalle montagne, infatti, sembra un rivolo di sangue o la barba insanguinata di un gigante sconosciuto. Il fondo di Dauro è roccioso, quindi “una è lacrima, un’altra il sangue”.
3. Lo spettacolo "Dona Rosta, la fanciulla o il linguaggio degli uccelli"
L'ultima opera messa in scena da Federico durante la sua vita fu Dona Rosita, la Fanciulla, o il Linguaggio dei Fiori. Parla del tempo che passa, devastando la vita umana. Nonostante il tono un po' frivolo della trama, in quest'opera questo tema raggiunge una profondità particolare. La sua prima ebbe luogo il 12 dicembre 1935 al Principal Palace Theatre di Barcellona. Lo spettacolo è ambientato a Granada nel fine XIX secolo, nel secondo e nel terzo atto si avverte già l'influenza del nuovo secolo.
L'idea per lo spettacolo è nata durante i suoi anni da studente, quando si è imbattuto libro francese, un libro di testo di botanica, di cui si parlava diverse varietà Rose Il poeta rimase particolarmente colpito dalla descrizione della rosa di un giorno: Rosa mutabile, il cui fiore sboccia al mattino, si apre completamente all'ora di pranzo e appassisce la sera. Federico vedeva in questo fiore un simbolo della vita umana: al mattino - fioritura, a mezzogiorno - maturità, alla sera - appassimento e morte. Nella sua opera Lorca descrive le tre età del personaggio principale. All'inizio dell'opera ha solo vent'anni, nel secondo atto ne ha già trentacinque e nel terzo quarantacinque. Lo stesso Lorca aveva allora 37 anni, ed è del tutto possibile che sentisse quanto velocemente il tempo passava, lasciando vuoto, mancanza di affetto, solitudine, o forse aveva un presentimento morte imminente. In ogni caso, in nessun'altra opera teatrale Lorca era riuscito a rappresentare lo scorrere del tempo in modo così drammatico. Nel primo atto lo spettacolo è pieno di musica, gioia e canti tratti dal folclore andaluso. L'azione si svolge in giardino d'inverno, che è pieno colori differenti. Lo spettatore è immerso nella “poesia vegetale”. La commedia è incentrata sull'amore di Rosita per sua cugina. Solo Rosita ha un nome, il resto dei personaggi ha nomi comuni: Komilitsa, Zia, Zio, Nipote, sullo sfondo: la Famiglia Manola, Madre di zitelle, Giovane, Due operai, Professore di Economia e persino La Voce. In questo modo puoi selezionare immediatamente un primo piano personaggio principale, Rosita, vecchia cameriera. L'amore nella commedia rimarrà incompiuto, resterà sospeso nell'aria, come il profumo di quella rosa la cui vita dura solo un giorno. Questo amore che non esisterà più, che non può e non vuole realizzarsi. Ecco la massima incarnazione della sua idea preferita: l'idea di "amore impossibile".
La trama dell'opera è abbastanza semplice. Nel primo atto il Nipote dice che partirà per l'America per seguire i suoi genitori. Giura di tornare da Rosita e la zia risponde alle sue parole sulla partenza: "Le infilerai una freccia con un nastro viola nel cuore". Qui viene utilizzata una delle immagini della corrida: un dardo decorato con nastri multicolori, che il banderillero conficca nella collottola del toro. L'immagine di una “freccia dal nastro viola” parla già di sofferenza futura: ha il colore della passione e il dolore di una ferita mortale.
Nel secondo atto appare un personaggio caricaturale: un professore pedante. è possibile che il suo prototipo fosse un certo professore che Lorca conobbe a Granada. Sapendo che sono passati quindici anni dalla partenza del fidanzato di Rosita, il professore comincia a corteggiarla. Fa a Rosita uno strano regalo che caratterizza pienamente il suo personaggio: "Questa è la Torre Eiffel di madreperla, poggiata su due colombe che portano nel becco la ruota del progresso industriale". E aggiunge: “Volevo regalarvi un piccolo cannone d'argento, dalla cui canna si vede Notre Dame a Lourdes, o una fibbia di cintura a forma di serpente con quattro libellule, ma poi ho pensato che la Torre Eiffel è un dono dal gusto più raffinato”. Per aggiungere ancora più comicità, Lorca porta in scena l'infermiera indignata: "Ero qui, fuori dalla porta... e ho messo la scopa sottosopra, insomma, per buttare fuori di qui questo signore".
E Rosita aspetta una lettera dall'estero. Il tempo passa, Rosita non esce più di casa, il suo periodo d'oro è passato, i suoi amici hanno messo su famiglia da tempo e lei è costretta ad appassire tra quattro mura. Le dita sono puntate contro di lei come se fosse stata abbandonata, può solo sognare un amore irrealistico... Ma forse arriverà una lettera? Pronuncia la frase da cui lo stesso Lorca è ossessionato: "Non voglio vedere passare il tempo". Ma passa, le passa accanto... Non ricorda più il volto del suo amante, nel suo cuore è custodito solo l'amore, che a poco a poco toglie a Rosita tutta la vitalità.
Finalmente arriva la lettera tanto attesa. Il nipote riferisce che non può venire, ma si offre di sposarsi “per procura”.
A quel tempo venivano celebrate tali cerimonie, soprattutto se la ragazza rimaneva nella sua terra natale e il giovane partiva per il Nuovo Mondo.
Ma il matrimonio per procura non fu consumato...
Passarono altri dieci anni. Lo sposo ha preso un'altra moglie. Per la sfortunata Rosita il crollo delle speranze è il crollo del mondo intero. Lo zio è morto, la casa cade in rovina, Rosita, zia e infermiera devono abbandonare le mura natali. L'infermiera minaccia di andare in America, proprio a Tucuman, e di trovare lì il suo vile cugino, "per tagliargli la testa con una sciabola e infilarla tra le pietre, e poi tagliarlo via". mano destra, che scrisse false promesse e false assicurazioni d’amore”.
Appare un altro personaggio, un professore di retorica, perdente e piagnucolone, che cerca di corteggiare Rosita. L'atmosfera cupa si addensa ancora di più. Ultime parole Le Rosita stanno affogando in lacrime, e allo stesso tempo sono piene di un potere speciale, evocando immagini di solitudine inevitabile e il colore sbiadito della vita: “È tutto finito... eppure, nonostante tutte le mie speranze perdute, vado a letto e mi alzo con il più terribile dei rimpianti: il rammarico che ogni speranza sia morta per me. Voglio scappare, non voglio vedere, vorrei diventare libero e vuoto... Eppure la speranza mi perseguita, mi assedia, mi rode, come una bestia morente, stringendomi la gola con le fauci per l'ultima volta."
L'ultima osservazione di Rosita, pronunciata verso la fine, è un ritorno allo stesso distico finale sulla rosa mutabile: Nell'ora in cui la notte scende sulla terra, lei appassirà e morirà silenziosamente.
Conclusione
In conclusione, va notato che il potenziale creativo di Lorca era enorme. Ha studiato arte drammatica (e le sue opere sono diventate dei classici del repertorio mondiale), regia teatrale (e ha creato un teatro all'avanguardia per la sua situazione culturale). poeta drammaturgo scrittore
Si distinse come critico letterario e musicologo. Inoltre, dipingeva e suonava un po' di musica, solo per se stesso. Ma la principale “specialità” di Lorca rimase sempre la poesia lirica.
Lorca era pieno di idee: voleva scrivere un dramma contro la guerra, una tragedia politica, “diversi drammi di carattere sociale e umanistico”. Questi piani non erano destinati a realizzarsi; la vita di Federico García Lorca fu tragicamente interrotta: la notte del 19 agosto 1936 fu fucilato dai fascisti. Ma non riuscirono a uccidere la memoria del grande scrittore spagnolo, destinato all'immortalità.
Riferimenti
1. Federico Garcia Lorca. Canzoni. Poesie sueltos. Varia. -Madrid, 1981.
2. Federico Garcia Lorca. La canzone vuole diventare leggera. - San Pietroburgo, “ABC-Classics”, 2004.
3. Federico Garcia Lorca. A proposito dell'art. - M., “Arte”, 1971.
4. Federico Garcia Lorca. Preferiti. - M., “Illuminismo”, 1986.
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Federico García Lorca è un poeta, drammaturgo e musicista spagnolo, uno dei poeti spagnoli più famosi. Se Miguel Cervantes e il suo eroe divennero esponenti della tradizione culturale spagnola, della visione del mondo spagnola, molti pensatori considerarono il “donchisciotismo” uno degli elementi fondamentali della “spanishness”, allora Garcia Lorca divenne il cantore della Spagna del XX secolo, un “simbolo internazionale” e allo stesso tempo “poeta nazionale”.
L'immagine di Lorca nell'URSS. Lorca come simbolo
Federico Garcia Lorca è probabilmente il poeta spagnolo più famoso e amato in Russia. Può anche essere definito l'autore spagnolo più tradotto. Molti importanti scrittori spagnoli hanno ricevuto solo una volta la traduzione delle loro opere più significative o non sono stati tradotti affatto. Lorca è stato tradotto e studiato in lungo e in largo dai russi.
Non importa quanto sia triste dirlo, la popolarità di Lorca in URSS e in Russia è stata influenzata dalla sua tragica morte. L'immagine di Lorca nella società sovietica è indissolubilmente legata alla guerra civile. Lorca cadde vittima dei franchisti. Prima del fatidico anno 1936, che costò la vita a molti intellettuali spagnoli di entrambe le parti del conflitto, si scriveva poco su Lorca in Unione Sovietica, limitandosi a poche menzioni di lui tra gli altri rappresentanti della letteratura spagnola. Dopo la sua morte, diversi necrologi furono pubblicati sulla stampa sovietica. Lorca vi appariva come una vittima della peste bruna, come poeta popolare, ucciso da una “banda di mercenari fascisti internazionali”. La sua immagine era altamente politicizzata. Per i cittadini sovietici divenne il simbolo della Spagna repubblicana libera, un simbolo dell’“amore dei cittadini sovietici per la cultura spagnola” e della “compassione per il popolo spagnolo”.
Lorca e la generazione del '27.
Nel 1919, Lorca fu iscritto alla Residenza studentesca di Madrid, dove studiarono qui Jorge Guillon e Salvador Dalì, che divennero amici di Lorca. Fu qui che Lorca e i suoi compagni incontrarono gli scrittori "riconosciuti" dell'epoca: Miguel de Unamuno e Antonio Machado, i rappresentanti più importanti della "Generazione del '98". Questo era il nome dato a un gruppo di intellettuali spagnoli che identificavano acutamente i problemi nel loro lavoro sviluppo storico Spagna. Quando il “lento suicidio della Spagna” volgeva al termine, la monarchia stava vivendo i suoi ultimi anni e i rappresentanti della “generazione del ’98” si dispersero “in angoli diversi” del campo ideologico spagnolo e si trasferirono in mondo migliore, il testimone è stato raccolto dalla “Generazione del ’27”. I suoi rappresentanti più importanti furono Garcia Lorca, Jorge Guillon e Salvador Dalì.
L'enfasi nel lavoro della “generazione 27” è stata posta in modo completamente diverso. La creatività della generazione più anziana e la sua “immagine della Spagna” erano orientate “verso l’interno”, basandosi sulla riflessione dei problemi nazionali, mentre le generazioni più giovani hanno rivolto l’immagine della Spagna “verso l’esterno”, l’hanno portata nel mondo, la loro creatività è diventata più "Europeo". C'è un dibattito interno tra i rappresentanti della “generazione”: ha unito “popolo spagnolo” (Lorca) e “avanguardia” (Dalì). Grande influenza Il lavoro di questa generazione è stato influenzato da Juan Ramno Jimenez, che è diventato una sorta di “anello di congiunzione” di due generazioni.
La Spagna nelle opere di Lorca
Lorca è originario della provincia spagnola di Granada, regione dell'Andalusia, da una famiglia di ricchi proprietari terrieri. Questo fatto della biografia di Lorca non rientrava nell'immagine di un “martire e eroe popolare” e quindi veniva spesso taciuto. Il padre di Lorca suonava magnificamente la chitarra, componeva e cantava il "canto jondo" (canzoni andaluse) e fece conoscere a suo figlio cultura popolare. Le immagini della sua nativa Andalusia e i motivi folcloristici divennero una delle fonti di ispirazione per il giovane poeta. Assume l'immagine di uno “zingaro andaluso”. Il suo "Libro di poesie", pubblicato durante il suo apprendistato a Madrid nel 1921, è intriso di originalità, si sentono le canzoni popolari andaluse "sigiriya". Nel 1923 Lorca, insieme al compositore Manuel de Falla, organizzò un festival di canzoni popolari andaluse e nello stesso anno pubblicò la raccolta “Poesie su Cante Jodno”, che divenne “saluti dall'infanzia”, un ricordo di suo padre.
La cima " poesia popolare Il romanzo di Lorca era il ciclo "Gypsy Romance", pubblicato nel 1928, intriso di immagini folcloristiche e spiriti degli zingari andalusi. Nella famosa poesia "Romance of the Moon, Moon" sullo sfondo trama folcloristica A proposito della luna che toglie la vita a un bambino, si apre un'immagine della vita popolare spagnola.
La luna in uno scialle di gelsomino apparve nella fucina degli zingari.
E il bambino guarda e guarda, e lo sguardo del ragazzo è confuso.
La luna ha alzato le braccia e stuzzica il vento di mezzanotte
con i suoi seni di stagno, spudorati e immacolati.
Luna, luna mia, nasconditi!
Se gli zingari ritornano, ti prenderanno il cuore e conieranno argento
Le mani dei bambini si piegano su un'incudine di ghiaccio
Coprendosi orgogliosamente le palpebre, ondeggiando nella nebbia
Bronzo e sonno - zingari - emergono da dietro gli ulivi.
Da qualche parte un gufo cominciò a singhiozzare -
Così sconsolato e sottile!
La luna conduce per mano il bambino nel cielo scuro.
Gli zingari urlavano nella fucina, l'eco gridava nei cespugli...
E i venti cantavano e cantavano per il riposo di coloro che se ne andavano.
Parlando della “Spagna” nell’opera di Lorca, non si possono non menzionare i motivi religiosi. La Spagna è nota per la sua religiosità; il cattolicesimo in questo paese è uno dei fondamenti della cultura. Lorca, come un vero spagnolo, era profondamente persona religiosa. Alcune delle immagini “cristiane” preferite dal poeta erano quelle di San Salvador e della grande martire Eulalia.
Lorca e l'avanguardia
I “motivi popolari” nell’opera di Lorca erano abilmente combinati con il surrealismo, che per il poeta era solo uno dei modi di percepire il mondo. Lorca non può essere definito un surrealista. Elementi di questa tendenza nel suo lavoro furono determinati dal "ritrovo", in particolare dalla sua stretta conoscenza con Salvador Dalì, sotto la cui influenza Lorca cercò di dipingere dipinti surreali, cosa che, devo dire, non gli è riuscita molto bene. L'amicizia tra l'artista e il poeta è stata costruita sul contrasto tra “avanguardia e folklore”, “ateismo e religiosità”.
I motivi surreali nell’opera di Lorca furono influenzati anche dal suo contatto con la “cultura americana”; il poeta visse a New York per due anni, studiando letteratura americana, e da lì portò la raccolta “Il poeta a New York”.
Tutte le sfaccettature della creatività di F. Garcia Lorca.
García Lorca è conosciuto non solo come poeta, ma anche come musicista, artista e drammaturgo. Poesia, musica e teatro erano inseparabili nel suo lavoro. La musica dei genitori e la conoscenza dell'undicenne Lorca con Manuel de Falla, che insegnò al ragazzo lo stile di canto "katno-jondo", determinarono il fatto che fu con la musica che iniziò il percorso creativo di García Lorca. Antonio Seguro Mesa gli ha insegnato a suonare il pianoforte. Già all'età di 18 anni, Lorca conquistò il primo amore del pubblico, eseguendo opere eccellenti propria composizione. Sfortunatamente, i primi scritti di Lorca non sono sopravvissuti.
Una volta nella sua infanzia, il giovane Federico assistette ad uno spettacolo itinerante teatro delle marionette nel suo villaggio natale di Fuenta Laqueros. Ciò gli fece un'impressione indelebile. Iniziò a organizzare spettacoli a casa, ritagliando figure di bambole dal cartone. Successivamente iniziò a eseguire improvvisazioni su temi religiosi, coinvolgendo attivamente la sua famiglia. Così è iniziato il suo amore per il teatro.
Il talento del drammaturgo si manifesterà molti anni dopo. Nel 1921 apparve l'opera teatrale "La stregoneria della farfalla". Lorca lo scrisse dopo aver incontrato Gregorio Martinez, direttore del teatro d'avanguardia Elava. Lì lo spettacolo è stato messo in scena con la partecipazione diretta dell'autore. Durante il “periodo americano”, Lorca scrisse le opere teatrali “The Public” e “When Five Years Pass” e, al ritorno dai suoi viaggi nel 1930, divenne direttore del teatro studentesco “Balagan”. Negli anni successivi creò le sue opere drammatiche più famose “Nozze insanguinate”, “Yerma”, “La casa di Bernarda Alba”.
Immersosi nel mondo del teatro, Lorca non abbandona le sue ambizioni di compositore; scrive lui stesso frammenti musicali per le sue opere teatrali.
Caducità della vita
Federico Garcia Lorca ha vissuto una vita colorata, ma vita breve. È diventato il lampo più luminoso all'orizzonte della cultura spagnola. È una cosa sorprendente, ma molte grandi persone destinate a morire all'alba dei loro poteri hanno il presentimento della loro morte prematura e, rivolgendosi alla loro creatività, è difficile non notarlo. Lo stesso vale per Garcia Lorca, uno dei motivi principali del cui lavoro era la “tragedia” e la “caducità” di questa vita. L'eroe lirico del poeta appariva spesso nell'immagine di un amante infelice, bruciato dalla passione e che accettava la sua impotenza. Spesso nelle sue opere si incontra l'immagine di un “creatore storpio”, un poeta trafitto da frecce o privato degli arti.
Federico, ovviamente, sentiva la tragedia della sua epoca e prevedeva la fine prematura della propria vita.
UN! Quindi la morte mi aspetta
su questa strada per Korova!
Scrive e queste righe diventano profetiche. Il destino personale del poeta e il destino del paese si fusero insieme nel fatidico giorno del 16 agosto 1936. Un mese dopo l'inizio della guerra civile, sulla strada per la nativa Andalusia, Lorca fu catturato dalla destra e fucilato il giorno successivo. Le opere del poeta furono bandite in Spagna fino al 1975, prima della morte del caudillo, ma trovarono la loro popolarità fuori dalla penisola iberica, nei “paesi simpatici”, in particolare nell'URSS.