Università dell'Accademia Russa dell'Educazione

Caratteristiche del Barocco e del Classicismo.

I principali stili nell'arte del XVII secolo.

Completato da: studente del 2° anno

Dipartimento a tempo pieno

Studi culturali speciali

Yakubova K.N.

Insegnante: Mareeva N.S.

Mosca 2010

Introduzione…………………………………3

1. Caratteristiche della cultura del XVII secolo………………………………………...4

2. Stile barocco movimento artistico XVII secolo…………..5

2.1. Presupposti e caratteristiche del Barocco……………….…..5

2.2. Il Barocco in architettura……………………....6

2.3. Il Barocco nella letteratura................................................................8

2.4. Il Barocco nella pittura e nella scultura……………..9

3. Il Classicismo come movimento artistico del XVII secolo……………...……..10

3.1. Prerequisiti e caratteristiche del classicismo……………….10

3.2. Il classicismo in letteratura……………..….....11

3.3. Classicismo in architettura e pittura……………12

3.4. Classicismo nella scultura…………….….13

Conclusione……………………………….14

Riferimenti……………………..15

introduzione

Il mio tema lavoro di prova"Classicismo e Barocco in Europa cultura XVII in.: idee e realizzazioni". Questo argomento è stato scelto per diversi motivi:

Innanzitutto, Barocco e Classicismo sono i due movimenti artistici più diffusi e influenti dell’epoca in questione.

In secondo luogo, queste aree sono complesse e di duplice natura, il che rende questa questione una delle più urgenti nella conoscenza culturale.

In terzo luogo, il barocco e il classicismo rappresentano un contributo eccezionale al tesoro mondiale dell'arte, che suscita un interesse ancora maggiore per la loro conoscenza.

Lo scopo del mio lavoro è studiare tali direzioni arte XVII secoli come il classicismo e il barocco.

Per raggiungere questo obiettivo devo risolvere una serie di problemi:

· Considerare i modelli generali di sviluppo della cultura europea del XVII secolo;

· Esplorare le caratteristiche del Barocco e del Classicismo come principali movimenti artistici di questo periodo.

1. Caratteristiche della cultura del XVII secolo

Il XVII secolo è il secolo di Cartesio e Port-Royal, Pascal e Spinoza, Rembrandt e Milton, il secolo dei coraggiosi marinai, delle migrazioni verso paesi d'oltremare, del commercio audace, del fiorire delle scienze naturali, della letteratura moralizzante - e... il secolo della parrucca, che raggiunse il suo massimo splendore negli anni '60, parrucca indossata da tutti: dal re, dall'ammiraglio al mercante.

Non è un caso che il XVII secolo apra il periodo del Nuovo Tempo: fu davvero il secolo di un uomo nuovo, di una nuova scienza, di una nuova arte.

In Europa, la New Age si rivela nella formazione e nel rafforzamento delle tendenze capitaliste, e in Inghilterra il capitalismo è più chiaramente radicato nella realtà. Questo stesso periodo è il periodo della prima rivoluzione borghese, che rivelò la tragedia e la disumanità dei violenti cambiamenti nella società e la crudeltà dei suoi organizzatori.

L’approccio razionalistico alla realtà è emerso e si è rafforzato; la ragione comincia a svolgere il ruolo principale nel mondo. Ciò si è espresso, innanzitutto, nella formazione di una nuova scienza, sia sperimentale che teorica. Scientifico realizzazioni XVII secoli creano i presupposti per l’ulteriore sviluppo delle scienze fondamentali fino ai tempi moderni e costituiscono le basi di una nuova visione filosofica al mondo.

Il XVII secolo è il periodo iniziale nella formazione del modo di produzione borghese. Questa è un'era estremamente difficile e contraddittoria nella vita. paesi europei. L'era delle prime rivoluzioni borghesi e l'ascesa delle monarchie assolutiste; tempo rivoluzione scientifica e la fase finale della Controriforma; l'era del barocco grandioso ed espressivo e del classicismo asciutto e razionale.

2. Il Barocco come movimento artistico del XVII secolo

2.1. Contesto e caratteristiche del Barocco

Barocco (italiano: Barosso - strano, stravagante) - uno dei principali indicazioni di stile nell'arte europea fine XVI- metà del XVIII secolo Ha avuto origine in Italia e si è diffuso in gran parte paesi europei. Incarnando nuove idee sull'eterna variabilità del mondo, il Barocco gravita verso spettacoli spettacolari, forti contrasti, una combinazione di illusorio e reale e una fusione di arti (urbane e complessi di palazzi e parchi, opera, musica sacra, oratorio); allo stesso tempo - una tendenza all'autonomia dei singoli generi (concerto grosso, sonata, suite nella musica strumentale).

Lo stile barocco si diffuse prevalentemente nei paesi cattolici interessati dai processi della Controriforma. La Chiesa protestante emersa durante la Riforma era molto esigente riguardo al lato dell'intrattenimento esterno del culto. Il divertimento fu trasformato nell'attrazione principale del cattolicesimo; ad esso fu sacrificata la stessa pietà religiosa. Lo stile barocco, con la sua grazia, l'espressività a volte esagerata, il pathos, l'attenzione al principio sensuale e corporeo, che appare molto chiaramente anche quando si raffigurano miracoli, visioni ed estasi religiose, si adattava perfettamente agli obiettivi di riportare il gregge in seno al Chiesa cattolica.

Ma l'essenza del barocco è più ampia dei gusti della Chiesa cattolica e dell'aristocrazia feudale, che cercavano di utilizzare gli effetti del grandioso e dell'abbagliante, caratteristici del barocco, per glorificare il potere, lo sfarzo e lo splendore dello stato e del habitat delle persone vicine al trono.

Lo stile barocco esprime con particolare acutezza la crisi dell'umanesimo, il sentimento di disarmonia nella vita, impulsi senza scopo verso l'ignoto. In sostanza, egli rivela un mondo in divenire, e il mondo del divenire era allora il mondo della borghesia. E in questo mondo che si scopre, il borghese cerca stabilità e ordine. Per lui lusso e ricchezza sono sinonimo di stabilità del suo posto nel mondo. Si scopre che lo stile barocco combina l'incompatibile: monumentalità con dinamismo, brillantezza teatrale con solidità, misticismo, fantasia, irrazionalità con sobrietà e razionalità, efficienza veramente borghese.

Centro per lo sviluppo dell'arte barocca a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. era Roma. Complessi di parchi e palazzi, architettura religiosa, pittura decorativa e scultura, ritratto cerimoniale, e più tardi la natura morta e il paesaggio, divennero i principali tipi e generi dell'arte barocca.

2.2. Barocco in architettura

L’architettura barocca (L. Bernini, F. Borromini in Italia, B.F. Rastrelli in Russia) è caratterizzata da portata spaziale, unità e fluidità di forme complesse, solitamente curvilinee. Spesso ci sono colonnati di grandi dimensioni, abbondanza di sculture sulle facciate e negli interni, volute, gran numero controventature, facciate ad arco con controventatura centrale, colonne e lesene bugnate. Le cupole assumono forme complesse, spesso a più livelli, come quelle della Cattedrale di San Pietro a Roma. Dettagli caratteristici barocchi: telamone (Atlante), cariatide, mascherone.

IN Architettura italiana il rappresentante più importante dell'arte barocca fu Carlo Maderna (1556-1629), che ruppe con il manierismo e creò un proprio proprio stile. La sua realizzazione principale è la facciata della chiesa romanica di Santa Susanna (1603). La figura principale nello sviluppo della scultura barocca fu Lorenzo Bernini, i cui primi capolavori eseguiti nel nuovo stile risalgono al 1620 circa. Bernini è anche architetto. A lui si deve il progetto della piazza della Basilica di San Pietro a Roma e degli interni, oltre che di altri edifici. Contributi significativi sono stati apportati da D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. In Sicilia, dopo un forte terremoto nel 1693, a un nuovo stile Tardo Barocco-Barocco Siciliano.

La quintessenza del barocco, un'impressionante fusione di pittura, scultura e architettura, è considerata la Cappella Coranaro nella Chiesa di Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

Lo stile barocco si diffuse in Spagna, Germania, Belgio (allora Fiandre), Paesi Bassi, Russia e Francia. Barocco spagnolo, o localmente Churrigueresco (in onore dell'architetto Churriguera), diffusosi anche a America Latina. Il suo monumento più popolare è la Cattedrale di Santiago de Compostela, che è anche una delle chiese più venerate della Spagna. In America Latina, il barocco mescolato alle tradizioni architettoniche locali, questa è la sua versione più elaborata, e viene chiamato ultrabarocco.

In Francia, lo stile barocco si esprime in modo più modesto che in altri paesi. In precedenza, si credeva che lo stile non si sviluppasse affatto qui e che i monumenti barocchi fossero considerati monumenti del classicismo. Il termine "classicismo barocco" è talvolta usato in relazione al francese e Versioni inglesi barocco. Ora considerato barocco francese Palazzo di Versailles insieme ad un parco regolare, il Palazzo del Lussemburgo, l'edificio dell'Accademia di Francia a Parigi e altre opere. Hanno alcune caratteristiche classiciste. Una caratteristica dello stile barocco è lo stile regolare nel giardinaggio paesaggistico, un esempio del quale è il Parco di Versailles.

2.3. Barocco in letteratura

Scrittori e poeti dell'epoca barocca percepivano il mondo reale come un'illusione e un sogno. Descrizioni realistiche spesso combinati con la loro rappresentazione allegorica. Sono ampiamente utilizzati simboli, metafore, tecniche teatrali, immagini grafiche (versi di poesia formano un'immagine), ricchezza di figure retoriche, antitesi, parallelismi, gradazioni e ossimori. C'è un atteggiamento burlesque-satirico nei confronti della realtà.

La letteratura barocca è caratterizzata da un desiderio di diversità, una somma di conoscenze sul mondo, di inclusività, di enciclopedismo, che a volte si trasforma in caos e raccolta di curiosità, un desiderio di studiare l'esistenza nei suoi contrasti (spirito e carne, oscurità e luce, tempo e eternità). L'etica barocca è segnata da una brama per il simbolismo della notte, il tema della fragilità e dell'impermanenza, la vita come sogno (F. de Quevedo, P. Calderon). La commedia di Calderon "La vita è un sogno" è famosa. Si stanno sviluppando anche generi come il romanzo eroico-galante (J. de Scudéry, M. de Scudéry) e il romanzo quotidiano e satirico (Furetière, C. Sorel, P. Scarron). Nell'ambito dello stile barocco nascono le sue varietà e direzioni: il marinismo, il gongorismo (culteranismo), il concettismo (Italia, Spagna), la scuola metafisica e l'eufuismo (Inghilterra).

L'azione dei romanzi è spesso trasferita nel mondo immaginario dell'antichità, in Grecia, i gentiluomini e le dame di corte sono raffigurati come pastorelle e pastorelle, che si chiama pastorale (Honoré d'Urfe, "Astraea"). La pretenziosità e l'uso di metafore complesse fioriscono nella poesia. Le forme comuni includono il sonetto, il rondò, i concetti (una breve poesia che esprime qualche pensiero spiritoso) e i madrigali.

In Occidente, nel campo del romanzo, un rappresentante di spicco è G. Grimmelshausen (il romanzo “Simplicissimus”), nel campo del dramma, P. Calderon (Spagna). Nella poesia divennero famosi V. Voiture (Francia), D. Marino (Italia) e Don Luis de Gongora y Argote (Spagna). In Russia, la letteratura barocca comprende S. Polotsky, F. Prokopovich e il primo M. Lomonosov. In Francia durante questo periodo fiorì la “letteratura preziosa”. Veniva poi coltivato soprattutto nel salone di Madame de Rambouillet, uno dei salotti aristocratici di Parigi, il più alla moda e famoso.

2.4. Barocco nella pittura e nella scultura

(P.P. Rubens “Prometeo incatenato”) (L. Bernini “Enea e Anchise”)

Quindi, il barocco è una delle principali tendenze stilistiche nell'arte europea del XVII secolo. Per lui lusso e ricchezza sono sinonimo di stabilità del suo posto nel mondo. Lo stile barocco con i suoi capolavori rappresenta un contributo eccezionale al tesoro mondiale dell'arte.

3. Il classicismo come movimento artistico del XVII secolo

3.1. Prerequisiti e caratteristiche del classicismo

Il classicismo (dal latino classicus - esemplare) è una direzione creativa che ha plasmato visione del mondo artistico, che si è sviluppato durante l'era della formazione e del rafforzamento delle monarchie europee e si basava su norme e modelli arte antica. Il classicismo si riferisce anche a periodi e tendenze nella storia della cultura artistica europea, quando le forme dell'arte antica sono lo standard estetico.

Gli stati assolutisti non potevano fare a meno di rimanere colpiti dall’idea di un ordine maestoso, di una rigida subordinazione e di un’unità impressionante. Lo Stato, dichiarandosi “ragionevole”, cercava di essere visto come un principio equilibratore, unificante, eroicamente sublime. In contrasto con il barocco, il classicismo esprimeva il desiderio di un ordine di vita ragionevole e armonioso, e queste aspirazioni erano inerenti non solo ai monarchi, ma anche alla coscienza popolare, con i suoi ideali di pace, tranquillità e unità del paese. . Inoltre, il lato attraente del classicismo era il suo pathos morale e il suo orientamento civico.

L'estetica del classicismo è orientata all'imitazione dei modelli classici: quella determinante è la tesi aristotelica sull'imitazione dell'arte per natura; condivide l'importante principio del teatro antico sulle tre unità: luogo, tempo e azione. Ma in realtà si basa sulla filosofia razionalistica di R. Descartes. Il classicismo si diffuse nella Francia assolutista, così come in numerosi altri paesi (Italia, Germania, Inghilterra).

Classicismo del XVII secolo. era strettamente associato alla cultura nobile dello stato assolutista francese. Durante questo periodo si formò un'estetica normativa, che richiedeva che l'arte rispettasse determinate leggi e regole. Le immagini artistiche del classicismo si distinguevano per logica ed espressione armoniosa; erano organizzati in modo intelligente, costruiti logicamente e, di regola, privi di caratteristiche individuali. Stabilire rigide regole di creatività è uno dei caratteristiche peculiari estetica del classicismo. I classicisti intendevano un'opera d'arte non come un organismo naturale, ma come un'opera artificiale, creata, creata dalle mani dell'uomo secondo un progetto, con un compito e uno scopo specifici.

Il programma culturale ed estetico più olistico è stato formato dal classicismo francese. La sua base ideologica era il razionalismo di René Descartes (1596-1650).

3.2. Classicismo in letteratura

Il fondatore della poetica del classicismo è il francese Francois Malherbe (1555-1628), che attuò la riforma francese e versi e canoni poetici sviluppati. I principali rappresentanti del classicismo nel dramma furono i tragici Corneille e Racine (1639-1699), il cui argomento principale della creatività era il conflitto tra dovere pubblico e passioni personali. Pierre Corneille scrisse le commedie poetiche “Melita, o le lettere forgiate” (1629, pubblicata nel 1633), “La vedova o il traditore punito” (1631-1632), ecc., la tragicommedia in versi “Il Cid” (1637), la tragedia “Orazio” (1641), “Cinna, o la misericordia di Augusto” (1643), ecc. La tragedia “Andromaca” di Jean Racine esprime l’eroismo dell’opposizione alla tirannia dispotica. La tragedia di "Fedra" è diversa alto livello psicologismo nel descrivere la personalità dell’eroina.

Anche i generi “bassi” raggiunsero un grande sviluppo: favola (J. Lafontaine), satira (Boileau), commedia (Molière 1622-1673). Scrittore francese Jean de La Fontaine è conosciuto come l'autore di fiabe, commedie e favole che descrivono satiricamente la vita nella Francia assolutista.

Il drammaturgo francese Jean-Baptiste Moliere ha sviluppato il genere della commedia popolare nelle sue opere, ridicolizzando l'ozio e i pregiudizi della nobiltà. I suoi personaggi parlano in un linguaggio normale. Nella commedia "Il borghese nella nobiltà", un rappresentante del terzo stato che voleva essere come un nobile è raffigurato in forma satirica. Moliere ridicolizzava l'ozio nobile, l'egoismo ("Don Juan"), l'estirpazione di denaro ("L'avaro") e l'ipocrisia della chiesa ("Tartuffe"). I personaggi negativi sono in contrasto con gli altri eroi di Molière: persone intraprendenti e spiritose del popolo. La sua produzione di Don Juan fu condannata circoli ufficiali per l’ateismo e il libero pensiero.

Boileau divenne famoso in tutta Europa come il “legislatore del Parnaso”, il più grande teorico del classicismo, che espresse le sue opinioni nel trattato poetico “Arte poetica”. Sotto la sua influenza in Gran Bretagna c'erano i poeti John Dryden e Alexander Pope, che fecero degli alessandrini la forma principale della poesia inglese. Anche la prosa inglese dell'era classica (Addison, Swift) è caratterizzata da una sintassi latinizzata.

3.3. Classicismo in architettura e pittura.

(complesso architettonico nei pressi della città di Potsdam) (Leighton Frederick “Girl”)

3.4. Classicismo nella scultura

(J.A. Houdon “La scultura di Voltaire”)

Conclusione.

Alla fine del mio lavoro, posso trarre conclusioni importanti.

Il XVII secolo è un'epoca estremamente complessa e contraddittoria nella vita degli stati europei. Fu durante questo periodo - il periodo delle prime rivoluzioni borghesi, il periodo di massimo splendore delle monarchie assolutiste, la rivoluzione scientifica, che sorsero stili artistici come il barocco e il classicismo.

Il Barocco non può essere visto solo come stile artistico, anche questo è un modo speciale di relazionarsi al mondo e con il mondo. È associato alla crisi degli ideali dell'umanesimo, agli sconvolgimenti socio-politici caratteristici del XVII secolo.

Il classicismo, come il barocco, era immanente all'intera cultura del XVII secolo. Se il barocco, con la sua ricchezza e varietà di sensazioni, gravita verso il sensazionalismo come modo di conoscenza sensoriale del mondo, allora il classicismo richiede chiarezza razionalistica, un metodo ordinato di divisione del tutto in parti e una considerazione sequenziale di ciascuna di esse.

Lo scopo del mio test era studiare il classicismo e il barocco come gli stili principali del XVII secolo. Per raggiungere questo obiettivo, è stato presentato il primo capitolo caratteristiche generali cultura del periodo indicato. Nel secondo e nel terzo capitolo ho cercato di rivelare nel modo più completo possibile le caratteristiche delle tendenze stilistiche del Barocco e del Classicismo in vari ambiti dell'arte: pittura, architettura, letteratura, scultura. Riassumendo posso dire che l’obiettivo del lavoro è stato raggiunto.

Quindi, il barocco e il classicismo sono una delle principali tendenze stilistiche nell'arte europea del XVII secolo. Rappresentano un contributo eccezionale al tesoro artistico mondiale

Bibliografia

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2. Kravchenko A. I. "Culturologia (libro di testo per le università)" M. 2003

3. N.V. Shishova, T.V. Akulich, M.I. Boyko (a cura di N.V. Shishova) “Studi storici e culturali” M. 2000

4. " Storia europea XVII secolo" M. 2005

Differenze tra Barocco e Classicismo.

Nell'era del classicismo, che seguì l'era barocca, il ruolo della polifonia polifonica diminuì e venne alla ribalta polifonia omofonica
( dal greco "homos" - "uno" e "fone" - "suono", "voce")

A differenza di polifonia, dove tutte le voci sono uguali, in polifonia omofonica spicca uno, eseguendo argomento principale, e il resto gioca un ruolo accompagnamento(scorta). L'accompagnamento è solitamente un sistema di accordi (armonie). Da qui il nome del nuovo modo di comporre musica - omofonico-armonico.

Ci sono meno ornamenti e decorazioni nella musica. Le opere sono diventate più armoniose, più chiare nella struttura, soprattutto quelle scritte in forma sonata.

Nell'era barocco in un'opera musicale, ciascuna delle parti si concentra sull'espressione e sulla divulgazione uno, disegnato in modo brillante sentimenti, cosa è stato deciso con l'aiuto della presentazione un argomento che è cambiato (vario) durante l'intero periodo e durante l'epoca classicismo in una parte del lavoro è stato rivelato tante emozioni, che sono stati espressi attraverso la presentazione e lo sviluppo due o più temi di diverso contenuto figurativo.

Musica del primo barocco (1600-1654)

Lo sviluppo dell'opera italiana da parte di un compositore italiano può essere considerato il punto di transizione convenzionale tra l'epoca rinascimentale e quella barocca Claudio Monteverdi (1567-1643).

Il compositore è nato nella città italiana di Cremona nella famiglia di un medico. Monteverdi si è sviluppato come musicista nella sua giovinezza. Ha scritto ed eseguito madrigali; suonava l'organo, la viola e altri strumenti. Monteverdi ha studiato composizione musicale di famosi compositori dell'epoca. Nel 1590, come cantante e musicista, fu invitato a Mantova, alla corte del duca Vincenzo Gonzaga; in seguito diresse la cappella di corte. Nel 1612 Monteverdi lasciò il servizio a Mantova e dal 1613 si stabilì a Venezia. In gran parte grazie a Monteverdi, il primo teatro d'opera pubblico al mondo aprì a Venezia nel 1637. Lì il compositore diresse la cappella della Cattedrale di San Marco. Prima della sua morte, Claudio Monteverdi prese gli ordini sacri.

Dopo aver studiato l'opera operistica dei compositori rinascimentali Peri e Caccini, Monteverdi ha creato le proprie opere operistiche. Già nelle prime opere - "Orfeo" (1607) e "Arianna" (1608) - il compositore è riuscito a trasmettere sentimenti profondi e appassionati attraverso mezzi musicali e creare un'intensa azione drammatica. Monteverdi è autore di molte opere, ma solo tre sono sopravvissute: "Orfeo", "Il ritorno di Ulisse in patria" (1640; basato sull'antico greco poema epico"L'Odissea") e "L'Incoronazione di Poppea" (1642).

Le opere di Monteverdi combinano armoniosamente musica e testo. Le opere sono basate su monologo – recitativo (dall'italiano recitare - “recitare”), in quale recitato ogni parola e la musica trasmette in modo flessibile e sottile sfumature di umore. Monologhi, dialoghi ed episodi corali confluiscono dolcemente l'uno nell'altro, l'azione si sviluppa lentamente (nelle opere di Monteverdi ci sono tre o quattro atti), ma dinamicamente. Ruolo importante il compositore lo diede all'orchestra. In Orfeo, ad esempio, utilizzò quasi tutti gli strumenti allora conosciuti. La musica orchestrale non solo accompagna il canto, ma racconta essa stessa gli eventi che si svolgono sul palco e le esperienze dei personaggi. Apparso per la prima volta in "Orfeo" ouverture(Ouverture francese o apertura latina - "apertura", "inizio")- introduzione strumentale ad un brano musicale importante. Le opere di Claudio Monteverdi hanno avuto un'influenza significativa sui compositori veneziani e hanno gettato le basi della scuola d'opera veneziana .

Monteverdi non ha scritto solo opere liriche, ma anche musica sacra, religioso E madrigali secolari. Divenne il primo compositore a non contrastare i metodi polifonici e omofonici: gli episodi corali delle sue opere includono tecniche polifoniche.
Nell'opera di Monteverdi, il nuovo era combinato con l'antico: le tradizioni del Rinascimento.

Entro l'inizio del XVIII secolo. ha sviluppato scuola d'opera di Napoli. Le peculiarità di questa scuola sono la maggiore attenzione al canto e il ruolo dominante della musica. Fu a Napoli che venne creato Stile vocale del Bel Canto(Bel canto italiano - "bel canto"). Il Bel Canto è famoso per la sua straordinaria bellezza del suono, della melodia e della perfezione tecnica. Un interprete del belcanto deve essere in grado di riprodurre molte sfumature di timbro vocale, oltre a trasmettere magistralmente numerose rapide sequenze di suoni che si sovrappongono alla melodia principale - coloratura (coloratura italiana - "decorazione").

Nel XVIII secolo musica lirica divenne la principale forma di arte musicale in Italia, facilitata dall'alto livello professionale dei cantanti formati conservatori(Conservatorio italiano, err lat. conservare - “proteggere”) - istituzioni educative che hanno formato musicisti. A quel punto, nei centri italiani arte dell'opera- Venezia e Napoli - furono creati quattro conservatori. La popolarità del genere fu accresciuta anche dai teatri d'opera che aprirono in diverse città del paese, accessibili a tutti i segmenti della società. Le opere italiane furono rappresentate nei teatri più grandi Capitali europee e compositori provenienti da Austria, Germania e altri paesi scrissero opere basate su testi italiani.

Figura significativa del primo periodo barocco, la cui posizione fu dalla parte del cattolicesimo, opponendosi alla crescente ideologia, cultura e influenza sociale Il protestantesimo era Giovanni Gabrieli (1555-1612). Le sue opere appartengono allo stile “Alto Rinascimento” (il periodo di massimo splendore del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo della strumentazione (l'assegnazione di compiti specifici a un determinato strumento) indicano chiaramente che fu uno dei compositori che influenzò l'emergere di un nuovo stile.

Uno dei requisiti imposti dalla chiesa alla composizione della musica sacra era quello testi nei lavori con la voce c'erano esigente. Ciò ha richiesto un passaggio dalla polifonia alle tecniche musicali in cui le parole venivano alla ribalta. La voce è diventata più complessa e fiorita rispetto all'accompagnamento.

Il compositore tedesco diede un grande contributo anche alla diffusione delle nuove tecniche. Heinrich Schutz (1585-1672), formatosi a Venezia, è il compositore tedesco più famoso prima di Johann Sebastian Bach e uno dei più grandi importanti compositori del primo periodo barocco insieme a D. Gabrieli e C. Monteverdi. Ha utilizzato nuove tecniche nelle sue opere mentre prestava servizio come maestro di coro a Dresda.

Musica del Barocco maturo (1654-1707)

Viene spesso chiamato il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa Assolutismo. L’assolutismo raggiunse il suo apogeo sotto il re francese Luigi XIV. Per tutta l'Europa, la corte di Luigi era un modello. Compresa la musica eseguita a corte. Maggiore accessibilità strumenti musicali(soprattutto per le tastiere) ha dato impulso allo sviluppo Camera musica (dall'italiano macchina fotografica - “stanza”), eseguiti in piccoli spazi o in casa.

Barocco maturo è diverso dalla prima diffusione capillare del nuovo stile polifonico ( scrittura libera) e una maggiore divisione forme musicali, soprattutto nell'opera. Come nella letteratura, l'opportunità di avere una grande diffusione stampa le opere musicali hanno portato ad un ampliamento del pubblico; si intensificò lo scambio tra i centri di cultura musicale.

Nella teoria musicale, il barocco maturo è definito dall'attenzione dei compositori all'armonia e dai tentativi di creare sistemi coerenti formazione musicale.
Negli anni successivi ciò portò alla nascita di molti teorico lavori Un notevole esempio di tale attività è l'opera del tardo barocco - "Gradus ad Parnassum" (russo: Steps to Parnassus), pubblicata nel 1725 da Johann Joseph Fuchs(tedesco: Johann Joseph Fux) (1660-1741), teorico e compositore austriaco. Questo lavoro ha sistematizzato la teoria del contrappunto, quasi fino al punto di fine XIX secolo fu lo strumento più importante per lo studio del contrappunto.

Rappresentante eccezionale erano compositori di corte della corte di Luigi XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Giovanni Battista). Già all'età di 21 anni ricevette il titolo di "compositore di corte di musica strumentale". Lavoro creativo Lully è stata fin dall'inizio strettamente legata al teatro. Dopo l'organizzazione della musica da camera di corte e la composizione delle “airs de cour” (arie di corte), iniziò a scrivere musica per balletto. Lo stesso Luigi XIV ballò nei balletti, che allora erano l'intrattenimento preferito della nobiltà di corte. Lully era un'ottima ballerina. Ha avuto l'opportunità di partecipare a produzioni, ballando con il re. È famoso per il suo giunto lavorando con Moliere, per le cui opere ha scritto musica. Ma la cosa principale nel lavoro di Lully restava la scrittura opere. Sorprendentemente, Lully creò un tipo completo di opera francese; la cosiddetta tragedia lirica in Francia (tragedie lyrique francese), e raggiunse un'indubbia maturità creativa nei primissimi anni del suo lavoro al teatro dell'opera. Lully utilizzava spesso il contrasto tra il suono maestoso della sezione orchestrale e i semplici recitativi e arie. Il linguaggio musicale di Lully non è molto complesso, ma certamente lo è nuovo: chiarezza dell'armonia, energia ritmica, chiarezza della divisione della forma, purezza della trama parlano della vittoria dei principi del pensiero omofonico. In larga misura, il suo successo è stato facilitato anche dalla sua capacità di selezionare i musicisti per l'orchestra e dal suo lavoro con loro (lui stesso ha diretto le prove). Elemento integrante del suo lavoro era l'attenzione all'armonia e allo strumento solista.

Compositore e violinista Arcangelo Corelli(1653-1713) noto per il suo lavoro sullo sviluppo del genere del concerto grosso (concerto grosso - "grande concerto"). Corelli fu uno dei primi compositori a far pubblicare ed eseguire le sue opere in tutta Europa. Come le opere operistiche di J.B. Lully, il genere del concerto grosso si basa su un confronto contrastante tra il suono di piccoli gruppi orchestrali solisti e il suono di un'intera orchestra. La musica è costruita su transizioni nette dal forte parti sonore a quelli tranquilli si contrappongono passaggi veloci a quelli lenti. Tra i seguaci di Arcangelo Corelli c'era Antonio Vivaldi, che in seguito compose centinaia di opere scritte nelle forme preferite di Corelli: sonate in trio e concerti.

IN Inghilterra barocco maturo segnato da genio brillante Henry Purcell(1659-1695). Morì giovane, all'età di 36 anni, scrivendo un gran numero di opere e diventando ampiamente conosciuto durante la sua vita. Purcell conosceva l'opera di Corelli e di altri compositori italiani dell'epoca barocca vita breve Purcell ha scritto molte opere vocali, strumentali, musicali e teatrali, la più significativa delle quali è l'opera "Dido ed Enea"(1689). Questo è il primo inglese opera nazionale. L'insegnante di danza della pensione le ha ordinato di nobili fanciulle. Il carattere privato della commissione influenzò l'aspetto dell'opera: a differenza delle opere monumentali di Monteverdi o Lully, la composizione di Purcell di piccole dimensioni, l'azione si sviluppa rapidamente. Il libretto dell'opera (autore Nicholas Tate) è stato scritto sulla base dell'epica eroica "Eneide" del poeta romano Virgilio.

In Virgilio, uno dei difensori di Troia, Enea, parte per vagare dopo la caduta della città. Una tempesta trascina la sua nave sulle coste dell'Africa; qui incontra Didone, regina di Cartagine. Didone si innamorò di Enea e, quando l'eroe la lasciò per volere degli dei, si tolse la vita. Nell'opera di Purcell, il messaggero che separa gli eroi non è inviato dagli dei, ma dalle streghe della foresta ( personaggi popolari folklore inglese). Enea scambiò l'inganno per un sacro dovere verso gli dei e distrusse la cosa più preziosa: l'amore.

Una caratteristica distintiva del lavoro di Purcell è armonia. Il compositore aveva il dono straordinario di creare melodie perfette: calme, maestose e impeccabili nella forma. Dopo Henry Purcell nella musica inglese fino al XX secolo. Difficilmente è possibile nominare maestri altrettanto brillanti.

A differenza dei compositori di cui sopra Dietrich Buxtehude (1637-1707) non era un compositore di corte. Buxtehude ha funzionato organista, prima a Helsingborg (1657-1658), poi a Elsinore (1660-1668), e poi, a partire dal 1668, nella chiesa di S. Maria a Lubecca. Guadagnò non pubblicando le sue opere, ma eseguendole, e piuttosto che patrocinare la nobiltà, preferì comporre musica ai testi sacri ed eseguire le proprie composizioni per organo. Le sue opere per organo si distinguevano per la ricchezza di fantasia, l'abbondanza di paragoni inaspettati e colorati e di un dramma profondo. Sfortunatamente, non tutte le sue opere sono sopravvissute a questo compositore. La musica di Buxtehude è in gran parte costruita sulla scala dei suoi piani, sulla ricchezza e sulla libertà di immaginazione, su una propensione al pathos, sul dramma e su un'intonazione piuttosto oratoria. Il suo lavoro ha avuto una forte influenza su compositori come J. S. Bach e G. F. Telemann.

Musica tardo barocca (1707-1760)

La linea precisa tra barocco maturo e tardo barocco è oggetto di dibattito; lei sta mentendo da qualche parte nel mezzo 1680 e 1720. In larga misura, la complessità della sua definizione è dovuta al fatto che in diversi paesi gli stili cambiavano in modo asincrono; le innovazioni già accettate come regola in un luogo erano nuove scoperte in un altro. Italia, grazie ad Arcangelo Corelli e dei suoi allievi Francesco Geminiani e Pietro Locatelli diventa il primo paese in cui Il barocco si sposta dal periodo maturo a quello tardo. Un traguardo importante può considerarsi quasi assoluto primato della tonalità, come principio strutturante per comporre musica. Ciò è particolarmente evidente in lavori teorici Jean Philippe Rameau, che prese il posto di Lully come principale compositore francese. Allo stesso tempo, l'apparizione dell'opera principale di Johann Joseph Fuchs “Degree ad Parnassum” (1725), dedicata alla polifonia di uno stile rigoroso, testimoniava la presenza nella musica due stili di scrittura: omofonico-armonico e polifonico.

Forme, aperto dal periodo precedente, raggiunta la maturità e grande variabilità; concerto, suite, sonata, concerto grosso, oratorio, opera e balletto non avevano più caratteristiche nazionali chiaramente definite. I modelli di opere generalmente accettati sono stabiliti ovunque: la forma ripetuta in due parti (AABB), la forma semplice in tre parti (ABC) e il rondò.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- Compositore italiano, nato a Venezia.
Nel 1703 fu ordinato sacerdote cattolico. Il primo dicembre dello stesso anno divenne maestro di violino presso l'orfanotrofio femminile veneziano "Pio Ospedale della Pietà". La fama di Vivaldi non proveniva da concerti o legami a corte, ma dalla pubblicazione delle sue opere, che includevano sonate per trio, sonate per violino e concerti. Sono stati pubblicati ad Amsterdam e distribuiti ampiamente in tutta Europa. Fu a questi generi strumentali, allora ancora in via di sviluppo (la sonata barocca e il concerto barocco) che Vivaldi diede il suo contributo più significativo. La musica di Vivaldi è caratterizzata da alcune tecniche: una forma ciclica in tre parti per concerto grosso e l'uso del ritornello in movimenti veloci. Vivaldi compose più di 500 concerti. Diede anche titoli programmatici ad alcune sue opere, come le famose “Stagioni”. La carriera di Vivaldi mostra una maggiore opportunità per il compositore di esistere in modo indipendente: grazie ai proventi delle attività concertistiche e alla pubblicazione delle sue opere.

Domenico Scarlatti(1685-1757) fu uno dei principali compositori ed esecutori per tastiere del suo tempo. Iniziò la sua carriera come compositore di corte; prima in Portogallo, e dal 1733 a Madrid, dove trascorse il resto della sua vita. Il padre Alessandro Scarlatti è considerato il fondatore della scuola lirica napoletana. Domenico compose anche opere e musica da chiesa, ma la fama (dopo la sua morte) gli è stata fornita dalla sua funziona per le tastiere. Ha scritto alcune di queste opere per il proprio piacere e altre per i suoi nobili clienti.

Il compositore di corte più famoso dell'era barocca fu Giorgio Frideric Händel(1685-1759). Nacque in Germania, studiò per tre anni in Italia, ma nel 1711 lasciò Londra, dove iniziò la sua brillante carriera commerciale. carriera di successo un compositore d'opera indipendente che esegue ordini per la nobiltà. Possedendo un'energia instancabile, Handel ha rielaborato il materiale di altri compositori e costantemente rifatto loro proprie composizioni. Ad esempio, è noto per aver rielaborato il famoso oratorio "Il Messia" così tante volte che ora non esiste una versione che possa essere definita l'originale. Sebbene le sue fortune finanziarie aumentassero e diminuissero, la sua fama crebbe grazie alle opere pubblicate per tastiere, musica cerimoniale, opere, concerti grossi e oratori. Dopo la sua morte, fu riconosciuto come uno dei principali compositori europei e fu studiato da musicisti dell'era classica. Durante la sua vita, Händel ne scrisse 50 opere (“Almira”, “Agrippina”, “Rinaldo”, “Giulio Cesare”, ecc.), 23 oratori (“Messiah”, “Samson”, “Judas Macovei”, “Hercules”), innumerevoli corali religiosi, concerti d'organo, nonché una serie di opere di intrattenimento (“Water Music”, “Music for Royal Fireworks”).

Uno di più grandi compositori Età barocca - Johann Sebastian Bach sono nato
21 marzo 1685 nella città di Eisenach, in Germania. Durante la sua vita compose più di 1000 opere di vari generi, tranne l'opera. Ma durante la sua vita non ottenne alcun successo significativo. Spostandosi più volte, Bach ricoprì una dopo l'altra posizioni non molto elevate: a Weimar fu musicista di corte per il duca di Weimar Johann Ernst, poi divenne custode dell'organo nella chiesa di S. Bonifacio ad Arnstadt, qualche anno dopo accettò l'incarico di organista nella chiesa di S. Blasius a Mühlhausen, dove lavorò solo per circa un anno, dopodiché tornò a Weimar, dove prese il posto di organista di corte e organizzatore di concerti. Rimase in questa posizione per nove anni. Nel 1717 Leopoldo, duca di Anhalt-Köthen, assunse Bach come maestro di banda e Bach iniziò a vivere e lavorare a Köthen. Nel 1723 Bach si trasferì a Lipsia, dove rimase fino alla sua morte nel 1750.

J. S. Bach era molto conosciuto in Germania durante la sua vita come compositore, esecutore, insegnante e padre dei Bach più giovani, in primo luogo Carl Philipp Emmanuel. Ma negli ultimi anni della sua vita e dopo la morte di Bach, la sua fama di compositore cominciò a declinare: il suo stile era considerato antiquato rispetto al fiorente classicismo.

Nel 1802 Johann Nikolai Forkel pubblicò la prima biografia più completa di Johann Sebastian Bach. Nel 1829, 79 anni dopo la morte di J. S. Bach, Felix Mendelssohn eseguì a Berlino la Passione secondo Matteo di Bach. Il successo di questo concerto ravvivò l'interesse per l'opera di J. S. Bach e divenne la ragione per l'emergere di un enorme interesse per la musica di Bach in Germania, e poi in tutta Europa.

Ora J. S. Bach è uno dei compositori più apprezzati di tutti i tempi: ad esempio, nella votazione “ Miglior compositore Millennium", tenutasi su Cultureciosque.com, Bach si è classificato al primo posto.

classicismo architettonico urbanistico barocco

Le caratteristiche di ciascuno stile sviluppato non presentano particolari difficoltà metodologiche. Un'altra cosa è l'analisi della svolta tra due stili specifici, che è contraddittoria nella sua essenza. Come si verifica una tale frattura? A noi interessa non tanto la questione di cosa lo causi in senso generale, ma di chiarire gli schemi fondamentali nel cambiamento degli stili. Alla ricerca di tali modelli, consentiremo deliberatamente una certa asprezza polemica delle formulazioni al fine di rivelare più chiaramente il punto di vista proposto. Il passaggio dal Barocco al Classicismo fu uno dei più rapidi nel cambiare gli stili dell’architettura domestica. La fine degli anni Cinquanta del Settecento fu ancora il periodo d'oro del barocco. La metà degli anni Sessanta del Settecento era già un periodo di classicismo diffuso. In un periodo estremamente breve, da cinque a sette anni, si verifica un cambiamento completo nei gusti estetici. Architettura barocca russa del XVIII secolo. fu un fenomeno storicamente condizionato, complesso e originale che assorbì molte tradizioni dell'architettura russa del XVII secolo e una serie di caratteristiche dell'architettura russa del periodo immediatamente precedente - ad es. inizio XVIII secolo, e l’influenza dell’architettura contemporanea dei principali paesi europei. Sono così vari componenti formava, però, una lega durevole che presentava caratteristiche di originalità uniche. Entrambe le direzioni non conoscevano ancora i loro nomi futuri, ma l'essenza delle differenze stilistiche e dei loro confini sono chiaramente visibili negli esempi dei migliori edifici realizzati o progettati quasi negli stessi anni. La decoratività decisamente ricca e il dinamismo delle forme barocche sono in contrasto con l'architettura razionalistica leggermente secca del primo classicismo. Gli edifici più importanti del barocco russo - il Palazzo d'Inverno di B. F. Rastrelli e la Cattedrale navale di San Nicola di S. I. Chevakinskrgo, così tipici nella loro traboccante bravura, furono completati nel 1762. Allo stesso tempo, già nel 1760 A. F. Kokorinov progetta la Pleasure House vicino a Oranienbaum, un'opera in cui dominano i principi di una nuova direzione nell'architettura. La pianta, la sagoma e l'intero volume della struttura sono progettati in modo molto compatto, enfatizzando la dominanza delle linee orizzontali. Dettagli realizzati in forme classiche ah e rapporti. Nello stesso anno, A.F. Kokorinov, insieme a Zh.B. M. Wallen Delamot ha realizzato la prima versione del progetto del Bolshoi Gostiny Dvor a San Pietroburgo. Questa versione, che divenne la base per la decisione finale presa due anni dopo, conteneva già nella sua semplicità l'idea di una maestosa struttura aziendale con il ritmo misurato dei portici a due piani, sezionati da modesti pilastri di ordine toscano. Nel 1763--1764. Sono in fase di sviluppo progetti per l'Accademia delle Arti (A.F. Kokorinov e J.-B. Wallen Delamoth), gli orfanotrofi di Mosca (K.I. Blank) e San Pietroburgo (Yu. M. Felten) - i primi edifici appositamente progettati per scopi educativi. Di questi, la costruzione dell'Accademia delle Arti è l'opera migliore periodo iniziale Classicismo russo. Situato in un sito critico, con la facciata principale rivolta verso il corso d'acqua principale della capitale, il fiume Neva, contribuisce all'organizzazione architettonica di una sezione significativa dell'argine. Il progetto dell'edificio si basa su un processo funzionale attentamente studiato per la formazione degli artisti: le principali aree di lavoro sono situate lungo il perimetro esterno dell'edificio e attorno a un ampio cortile circolare, che garantisce loro una buona illuminazione. La superficie delle pareti è abbondantemente sezionata, ma le divisioni con proporzioni d'ordine ben definite sono prevalentemente di natura planare. Un periodo di declino e di graduale degrado non ha preceduto un cambiamento di stile. Al contrario, proprio nel momento della sua massima fioritura, il barocco si rivelò inadatto a risolvere nuovi problemi, e subito apparvero con sorprendente velocità edifici nello stile del classicismo. Una tale rapidità nel cambiare stile non è tipica. Lei è, come già detto, caratteristica distintiva Fu proprio questa svolta - dal barocco al classicismo - a essere causata dalla situazione generale, quando lo sviluppo storico artificialmente lento iniziò a recuperare intensamente il tempo perduto. Il concetto del barocco come stile olistico cessò non solo di dominare l'architettura, ma anche di avere in generale un'influenza significativa sul suo ulteriore sviluppo. Sebbene alcune caratteristiche del vecchio sistema siano apparse per qualche tempo in alcuni elementi degli edifici del primo classicismo, erano solo relitti che gradualmente divennero obsoleti. Solo in provincia le forme barocche continuarono ad esistere per inerzia quasi fino alla fine del XVIII secolo. I prerequisiti storici per un cambiamento di stile includono fattori materiali e ideologici. Tra i più importanti vanno segnalati: il significativo rafforzamento del potere militare e politico della Russia, accompagnato dalla rapida crescita del suo potenziale economico.

Prerequisiti non meno importanti per il cambiamento di stile erano le idee di illuminazione, umanesimo e ideali uomo naturale, caratteristico di tutto il pensiero avanzato del XVIII secolo. L'appello alla ragione come criterio principale e misura di tutti i risultati è stato ascoltato sempre più forte. Le idee del razionalismo hanno ricevuto uno sviluppo diffuso a partire dalla seconda metà del secolo.

In architettura, tutti questi fattori hanno portato a seri cambiamenti. La prosperità economica del paese ha causato una rapida crescita dell'edilizia in tutte le aree. I cambiamenti nell'ordine ideologico richiedevano un significativo ampliamento dei temi architettonici e un diverso contenuto figurativo. Sorsero costantemente argomenti e compiti senza precedenti.

Nel frattempo, l’architettura barocca si distingueva per la sua ristrettezza tematica. L’ambito dell’architettura come arte era limitato principalmente ai palazzi e alle costruzioni religiose. Se era necessario creare strutture per altri scopi, allora venivano sviluppate nelle stesse forme cerimoniali, altamente cerimoniali, vicine a quelle di palazzo, un esempio del quale è il progetto del Gostiny Dvor a San Pietroburgo, proposto da F. B. Rastrelli in 1757.

Lo sviluppo delle forme barocche lungo il percorso della loro ulteriore complessità potrebbe continuare per un periodo piuttosto lungo, ma il campo di applicazione di tali forme non può essere ampliato. Le possibilità dello stile entrarono in conflitto con la realtà. Ciò ha determinato il suo destino.

Verso la metà XVIII secolo c'è bisogno di creare vari tipi nuovi edifici pubblici o edifici che non avevano alcun significato artistico durante il periodo barocco, ad esempio edifici industriali, magazzini e commerciali. Sono emerse nuove sfide costruzione di alloggi. Infine, la città nel suo insieme, come unità sociale, ha ricevuto caratteristiche significativamente diverse rispetto a prima e, a questo proposito, ha richiesto una diversa soluzione progettuale e volumetrica.

Tutta questa crescita della domanda è avvenuta su scala di un paese gigantesco.

I metodi creativi tradizionali non potevano far fronte a tali compiti. Ma questo tipo, sebbene più semplici, i compiti dovevano già essere affrontati dagli architetti all'inizio del XVIII secolo. L'architettura dell'epoca di Pietro il Grande è caratterizzata da decisioni chiare e pratiche basate su chiari principi razionalistici. Le tradizioni del razionalismo apparvero nell'architettura russa all'inizio del XVIII secolo, ovviamente, non per la prima volta. Queste tradizioni esistono da molto tempo, ma ci sono stati periodi particolarmente favorevoli al loro sviluppo e momenti in cui il razionalismo esisteva latente nell'architettura come fenomeno residuo del periodo precedente. Barocco russo del secondo quarto del XVIII secolo. inoltre, non sfuggì l'influenza dell'architettura petrina che lo aveva preceduto, e il razionalismo di quest'ultima entrò con alcuni singoli elementi negli stilemi di una direzione che le era sostanzialmente opposta.

Anche nell'opera del principale maestro del barocco Rastrelli si possono notare elementi di razionalismo. Ad esempio, la decorazione decorativa straordinariamente ricca e complessa degli edifici del palazzo di questo architetto non interferisce con la semplicità e la chiarezza dei piani.

Nelle opere di D.V. Ukhtomsky e S.I. Chevakinsky, le tendenze razionalistiche si manifestano in modo ancora più evidente. Vale la pena ricordare il progetto della Casa degli invalidi a Mosca, realizzato da Ukhtomsky, o il campanile della Cattedrale navale di San Nicola a San Pietroburgo, la cui chiara chiarezza architettonica è così diversa dall'esuberante allegria del cattedrale stessa che alcuni studiosi non volevano nemmeno riconoscerla come opera di Chevakinsky. Entrambi gli architetti erano studenti di I.K. Korobov, la cui attività coincise parzialmente con il periodo barocco. Tuttavia, tra i maestri di questo tempo, Korobov, uno dei gloriosi pensionati di Pietro, mantenne l’orientamento più razionalistico della sua creatività. Fu attraverso Korobov che le tradizioni del razionalismo furono continuate nelle opere dei suoi numerosi studenti e nel lavoro del più giovane di loro - A.F. Kokorinov - furono riprese in una diversa qualità artistica, ripensate nello spirito dei compiti del nuovo direzione architettonica.

Il razionalismo come desiderio di chiarezza, comprensibilità e coerenza dell'immagine architettonica - l'insieme e le sue singole componenti - divenne il fattore principale nella formazione del nuovo stile. I suoi principi richiedevano un concetto artistico particolarmente armonioso e logicamente integrale. Questo concetto è già stato creato in precedenza scuole classiche architettura dell’antichità e del rinascimento. Gli architetti iniziarono a studiare attentamente il patrimonio dell'antichità (nella sua interpretazione romana, l'unica disponibile a quel tempo) e del Rinascimento. Una grande attenzione ai classici divenne, per così dire, un fattore secondario nel plasmare l’architettura del primo classicismo russo.

Naturalmente, nelle condizioni russe di quegli anni, lo studio delle tradizioni classiche della modellazione poteva avvenire solo attraverso la familiarità con le opere teoriche di Vitruvio, Andrea Palladio, Vignola e con gli uvrazh, che contenevano disegni di misurazione o schizzi di monumenti architettonici . L'inadeguatezza di questo metodo di familiarizzazione si è resa conto molto rapidamente. È caratteristico che se il giovane B.F. Rastrelli un tempo viaggiò all'estero non oltre la Germania, dove conobbe solo l'esperienza dei suoi contemporanei Architettura tedesca, poi già nella prima metà degli anni Cinquanta del Settecento nacque l'idea di inviare in Italia il promettente Gezel Kokorinov per studiare l'architettura dell'antichità e del Rinascimento. Dal 1760, la neonata Accademia delle Arti iniziò a inviare regolarmente i suoi migliori studenti all'estero, incaricandoli di familiarizzare con i monumenti dei classici dell'architettura.

Infine, un altro fattore che influenzò la formazione di un nuovo stile in Russia furono i collegamenti dell’architettura russa con l’architettura contemporanea di altri paesi, tra cui la Francia era a quel tempo il paese leader in tutte le aree ideologiche.

Per l'architettura russa, collegamenti con Architettura francese divenne molto significativo già nel primo quarto del XVIII secolo, quando J.-B.A. Leblon, invitato in Russia, creò qui non solo uno dei progetti di pianificazione fondamentali per San Pietroburgo, ma sviluppò anche tipi di case modello che determinarono in gran parte il fisionomia della giovane capitale russa.

Le tendenze razionaliste caratteristiche di quel ramo dell'architettura francese, di cui Leblon era un rappresentante, coincidevano con la direzione principale dell'architettura russa dell'inizio del XVIII secolo. Il cambiamento nell’orientamento dell’architettura nel periodo post-petrino portò anche a un cambiamento nella natura dei legami con l’architettura francese. Cominciarono a godersi il successo dei trucchi rococò, che nella stessa Francia a quel tempo avevano subito una grave sconfitta. Concorso per la progettazione della facciata principale della Chiesa di S. Sulpicius a Parigi divenne il presagio di una svolta nello sviluppo delle idee architettoniche. Fu in questo concorso che i principi del decorativismo rococò, portati al massimo grado di raffinatezza da J. O. Meissonnier, furono respinti, e fu data la preferenza alla composizione rigorosa e classicamente chiara di J. N. Servandoni, che fu poi implementata principalmente nel 1733-- 1745

Lo sviluppo della vita pubblica nel 1750 portò l’architettura russa a concentrarsi sulle conquiste avanzate degli architetti francesi. Una tappa importante nella vittoria del classicismo in Francia fu il concorso per la creazione di Place Louis XV a Parigi. Come risultato di diversi round successivi del concorso (fine anni Quaranta del Settecento - inizio anni Cinquanta del Settecento), vinse il progetto di J. A. Gabriel, che segnò l'approvazione di nuove visioni sui principi di pianificazione urbana. Per la prima volta nella storia del mondo, la piazza della città è stata progettata in correlazione e connessione con l'intero spazio della città.

Il successo di J.-J. che presto seguì. Soufflot al concorso di progettazione per la Chiesa di S. Genevieve a Parigi e la costruzione di un intimo da parte di Gabriel palazzo signorile Il Petit Trianon di Versailles segnò la vittoria finale della nuova direzione dell'architettura francese.

In Russia, le opere dei teorici dell'architettura M. A. Laugier, J. F. Blondel e altri furono studiate con interesse e attenzione. È caratteristico che proprio Blondel fu incaricato di elaborare il progetto iniziale per l'edificio dell'Accademia delle Arti, destinato alla costruzione in Mosca (1758). Il piano di Blondel si distingueva per un sapore nazionale francese troppo evidente ed era ancora lontano dall'attuazione coerente delle forme classiche, che, tra le altre ragioni, hanno avuto un ruolo nel rifiuto del progetto. Ma questo era già un incidente nel corso generale della storia. Dalla fine degli anni Cinquanta del Settecento, l’architettura francese avanzata è diventata la più vicina all’architettura russa in termini di obiettivi e aspirazioni.

Utilizzando l'esempio del passaggio dal Barocco al Classicismo, possiamo provare a dedurre alcuni schemi generali nel cambiamento degli stili architettonici.

Uno stile appena emergente risponde a nuove esigenze e in questo senso il suo percorso è sempre originale e inesplorato. Quanto più questo neofita è innovativo, tanto più ampie devono essere le tradizioni a cui attinge. Ma allo stesso tempo, la direzione emergente tratta con comprensibile antagonismo i metodi del suo predecessore, che a un certo momento hanno rivelato la loro incoerenza. Ogni nuovo stile cerca quindi sostegno nelle tradizioni artistiche non del periodo immediatamente precedente, ma di un passato più lontano, e soprattutto nelle tradizioni dei “nonni”. Dopotutto, lo stile precedente negava anche la direzione che esisteva prima, per cui ogni volta le tradizioni del “nonno” diventano la principale fonte di prestito.

In effetti: l'architettura del barocco russo del secondo terzo del XVIII secolo è molto più vicina nello spirito agli edifici della Rus' della fine del XVII secolo che all'architettura dell'epoca di Pietro I.

Per lo stesso motivo, il desiderio di illuminazione, utilitarismo e razionalismo onnicomprensivo, caratteristico dell'architettura di Pietro, trovò la sua continuazione indipendente nell'architettura del classicismo. Un edificio così originale per un complesso di istituzioni scientifiche come la Kunstkamera, concepito sotto Pietro I, durante il periodo barocco non ha ricevuto né ulteriori sviluppi come nuovo tipo di edificio, né ripetizioni, anche se semplificate. Nel frattempo, l'architettura del classicismo iniziò proprio con la creazione di una struttura di questo tipo: l'edificio dell'Accademia delle arti unì il più alto centro d'arte, un museo, un'istituzione educativa delle “tre nobilissime” arti con un collegio e un annesso anche un teatro, laboratori di artisti e appartamenti residenziali per il personale docente.

L'era petrina non prestò particolare attenzione agli edifici del palazzo, ma diede Grande importanza costruzione utilitaria, elevandola al livello della vera architettura. L'Ammiragliato di San Pietroburgo non era concepito semplicemente come un'impresa industriale combinata con una struttura difensiva, ma come un monumento alla potenza navale russa. L'edificio era molto basso e il materiale - legno a graticcio - non era affatto monumentale, ma l'idea stessa di una struttura ampia, lunga 400 metri, segnata al centro da una torre con guglia, era idea di grande architettura.

Uno dei maggiori maestri del barocco russo, S.I. Chevakinsky, in qualità di architetto dei Collegi dell'Ammiragliato, progettò e costruì molte strutture utilitarie per la flotta nazionale. Ma tra queste sue opere non ci sono edifici simili all'Ammiragliato, significativi nel loro disegno architettonico. Dopo aver costruito la Cattedrale navale di San Nicola, Chevakinsky ha creato un inno gioioso e giubilante utilizzando i mezzi dell'architettura. Tuttavia, nelle strutture utilitaristiche l'epoca non richiedeva da lui altro che durabilità e utilità.

È caratteristico che all'inizio degli anni Sessanta del Settecento, dopo aver avviato il progetto di costruzione di magazzini di legname sull'isola di New Holland a San Pietroburgo, Chevakinsky sviluppò nuova tecnologia deposito forestale, e creò anche un piano di costruzione, ma non riuscì a far fronte alla soluzione figurativa delle facciate, e questa parte del lavoro fu affidata all'architetto di una nuova direzione: Wallen Delamoth.

Il razionalismo, che costituisce la base del concetto di classicismo, trovò un'eco anche nelle tradizioni dell'architettura dell'inizio del XVIII secolo, sebbene, come notato in precedenza, la stessa architettura barocca russa usasse in una certa misura queste tradizioni.

Qui vorrei sottolinearlo le tradizioni più importanti mai morire. Si sviluppano in una spirale ascendente. Ad ogni rivoluzione successiva, una parte del movimento, relativamente parlando, si svolge nell'ombra. Lo stile dominante in questo momento tollera solo una tradizione così “ombreggiata” e spesso la usa anche nel significato opposto.

Nell'era del classicismo, che seguì il barocco, il ruolo del contrappunto diminuì (anche se lo sviluppo dell'arte del contrappunto non si fermò) e venne alla ribalta la struttura omofonica delle opere musicali. Ci sono meno ornamenti nella musica. Le opere cominciarono a tendere verso una struttura più chiara, soprattutto quelle scritte in forma di sonata. Le modulazioni (cambiamenti di tonalità) sono diventate un elemento strutturante; le opere cominciarono ad essere ascoltate come un viaggio carico di drammaticità attraverso una sequenza di tonalità, una serie di partenze e arrivi alla tonica. Le modulazioni erano presenti anche nella musica barocca, ma non avevano una funzione strutturante. Nelle opere dell'epoca classica, molte emozioni venivano spesso rivelate all'interno di una parte dell'opera, mentre nella musica barocca una parte portava un sentimento chiaramente disegnato. Infine, le opere classiche di solito raggiungevano un culmine emotivo che veniva risolto entro la fine del lavoro. Nelle opere barocche, dopo aver raggiunto questo climax, una leggera sensazione dell'emozione sottostante è rimasta fino all'ultima nota. Una varietà di forme barocche servì come punto di partenza per lo sviluppo della forma sonata, sviluppando molte variazioni delle cadenze principali.

Generi barocchi

I compositori dell'era barocca hanno lavorato in vari generi musicali. L'opera, apparsa durante il tardo Rinascimento, divenne una delle principali forme musicali barocche. Si possono ricordare le opere di maestri del genere come Alessandro Scarlatti (1660-1725), Händel, Claudio Monteverdi e altri. Il genere oratorio raggiunse il suo apice nelle opere di J. S. Bach e Händel; le opere e gli oratori usavano spesso forme musicali simili.

Forme di musica sacra come la messa e il mottetto divennero meno popolari, ma la forma della cantata ricevette attenzione da molti compositori protestanti, tra cui Johann Bach. Si svilupparono forme virtuosistiche di composizione come toccate e fughe. Sonate e suite strumentali furono scritte sia per singoli strumenti che per orchestre da camera. Il genere del concerto è apparso in entrambe le sue forme: per uno strumento con un'orchestra e come concerto grosso, in cui un piccolo gruppo di strumenti solisti contrasta con un ensemble completo. Le opere sotto forma di ouverture francese, con le loro parti veloci e lente contrastanti, aggiunsero sfarzo e splendore a molte corti reali.

Le opere per tastiere venivano spesso scritte dai compositori per proprio divertimento o come materiale didattico. Tali opere sono le opere mature di J. S. Bach, i capolavori intellettuali generalmente riconosciuti dell'era barocca: "Il clavicembalo ben temperato", "Variazioni Goldberg" e "L'arte della fuga".

La musica barocca è stata divisa in tre periodi: musica barocca antica (1600-1654), musica barocca matura (1654-1707) e musica tardo barocca (1707-1760).

Musica del primo Barocco

La creazione del suo stile recitativo da parte del compositore italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) e lo sviluppo coerente dell'opera italiana possono essere considerati il ​​punto di transizione convenzionale tra l'epoca barocca e quella rinascimentale. L'inizio degli spettacoli d'opera a Roma e soprattutto a Venezia significava già il riconoscimento e la diffusione del nuovo genere in tutto il Paese. Tutto ciò era solo una parte di un processo più ampio che ha catturato tutte le arti e si è manifestato particolarmente chiaramente nell'architettura e nella pittura. I compositori del Rinascimento prestavano attenzione all'elaborazione di ciascuna parte di un'opera musicale, praticamente senza prestare attenzione al confronto di queste parti. Ciascuna parte separatamente poteva suonare in modo eccellente, ma il risultato armonioso dell'aggiunta era più una questione di casualità che di regolarità. L'apparizione del basso generale indicava un cambiamento significativo nel pensiero musicale - vale a dire che l'armonia, che è "l'unione delle parti in un tutto", è importante quanto le parti melodiche (polifonia) stesse. Il pensiero armonico esisteva anche tra alcuni compositori dell'epoca precedente, ad esempio Carlo Gesualdo, ma in epoca barocca divenne generalmente accettato. È necessario aggiungere che il termine "armonia" è qui usato nel significato di "combinazione dei suoni in consonanze e nella loro sequenza naturale", cioè armonia gerarchica, accordale, tonale. Una figura significativa del primo periodo barocco, la cui posizione era dalla parte del cattolicesimo, in opposizione alla crescente influenza ideologica, culturale e sociale del protestantesimo, fu Giovanni Gabrieli. Le sue opere appartengono allo stile “Alto Rinascimento” (il periodo di massimo splendore del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo della strumentazione (l'assegnazione di compiti specifici a un determinato strumento) indicano chiaramente che fu uno dei compositori che influenzò l'emergere di un nuovo stile.

Musica del Barocco maturo

Il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa è spesso chiamato assolutismo. L’assolutismo raggiunse il suo apogeo sotto il re francese Luigi XIV. Per tutta l'Europa, la corte di Luigi era un modello. Compresa la musica eseguita a corte. La maggiore disponibilità di strumenti musicali (soprattutto tastiere) diede impulso allo sviluppo della musica da camera. Il barocco maturo differisce dal primo barocco per l'ampia diffusione del nuovo stile e la maggiore separazione delle forme musicali, soprattutto nell'opera. Nella teoria musicale, il barocco maturo è definito dall'attenzione dei compositori all'armonia e dai tentativi di creare sistemi coerenti di istruzione musicale. Negli anni successivi, ciò portò alla comparsa di molti lavori teorici.

Un rappresentante di spicco dei compositori di corte della corte di Luigi XIV fu Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Già all'età di 21 anni ricevette il titolo di "compositore di corte di musica strumentale". Il lavoro creativo di Lully è stato fin dall'inizio strettamente connesso al teatro. Dopo l'organizzazione della musica da camera di corte e la composizione di “airs de cour”, iniziò a scrivere musica per balletto. Ma la cosa principale nel lavoro di Lully era ancora scrivere opere.

Il compositore e violinista Arcangelo Corelli (1653-1713) è famoso per il suo lavoro sullo sviluppo del genere del concerto grosso. Corelli fu uno dei primi compositori a far pubblicare ed eseguire le sue opere in tutta Europa.

Musica tardo barocca

La linea precisa tra barocco maturo e tardo barocco è oggetto di dibattito; si colloca tra il 1680 e il 1720. In larga misura la complessità della sua definizione è dovuta al fatto che in diversi paesi gli stili cambiavano in modo asincrono; le innovazioni già accettate come regola in un luogo erano nuove scoperte in un altro. L'Italia, grazie ad Arcangelo Corelli e ai suoi allievi Francesco Geminiani e Pietro Locatelli, diventa il primo paese in cui il Barocco passa dal periodo maturo a quello tardo. Una pietra miliare importante può essere considerata il primato quasi assoluto della tonalità come principio strutturante della composizione musicale. Ciò è particolarmente evidente nelle opere teoriche di Jean Philippe Rameau, che prese il posto di Lully come principale compositore francese. Le forme scoperte dal periodo precedente raggiunsero maturità e grande variabilità; concerto, suite, sonata, concerto grosso, oratorio, opera e balletto non avevano più caratteristiche nazionali chiaramente definite.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - Compositore italiano, nato a Venezia. La fama di Vivaldi non proveniva da concerti o legami a corte, ma dalla pubblicazione delle sue opere, che includevano sonate per trio, sonate per violino e concerti. Sono stati pubblicati ad Amsterdam e distribuiti ampiamente in tutta Europa. Fu a questi generi strumentali, a quel tempo ancora in via di sviluppo (sonata barocca e concerto barocco), che Vivaldi diede il suo contributo più significativo.

Johann Sebastian Bach nacque il 21 marzo 1685 a Eisenach, in Germania. Durante la sua vita compose più di 1.000 opere di vari generi, esclusa l'opera. Ma durante la sua vita non ottenne alcun successo significativo. Negli ultimi anni della sua vita e dopo la morte di Bach, la sua fama di compositore iniziò a declinare: il suo stile era considerato antiquato rispetto al fiorente classicismo. Era meglio conosciuto e ricordato come interprete, insegnante e padre dei Bach più giovani, in particolare Carl Philipp Emmanuel, la cui musica era più famosa.

Solo l'esecuzione della Passione secondo Matteo di Mendelssohn, 79 anni dopo la morte di J. S. Bach, ravvivò l'interesse per la sua opera. Ora J. S. Bach è uno dei compositori più famosi di tutti i tempi.

L'arte e l'architettura del XVIII secolo erano dominate da due stili fondamentali: il barocco e il classicismo. Non è un caso che abbiano convissuto fianco a fianco per parecchio tempo, nella stessa epoca. È impossibile non notare la loro stretta relazione, sebbene esistano anche molti tratti caratteristici inerenti solo a una direzione specifica. Qual è la differenza tra Barocco e Classicismo e come, guardando un dipinto o un edificio, puoi determinare a quale stile appartengono?

Definizione

Barocco- uno stile artistico originario dell'Italia e diffuso nell'arte europea fino alla metà del XVIII secolo.

Barocco

Classicismo- uno stile artistico caratteristico dell'arte europea e particolarmente chiaramente manifestato nella seconda metà del XVIII secolo.

Classicismo

Confronto

Barocco e classicismo sono movimenti antagonisti, anche se ne hanno parecchi caratteristiche comuni, perché si sono formati nella stessa epoca.

Caratteristiche caratteristiche dello stile	Barocco	Classicismo
Sono comuni	Progettato per dimostrare lusso e ricchezza. Maggiore emotività. Dinamismo. L'essenza della vita è nel movimento e nella lotta di elementi mutevoli. Irrazionalismo, misticismo, espressione. Teatralità enfatizzata, decoratività, esaltazione.	L'incarnazione dei migliori esempi dell'antichità. Calma e raffinatezza. Chiarezza e concisione. Nobile semplicità. Ricerca della perfezione. Razionalismo. Seguendo i principi di ordine, uniformità, coerenza.
Nell'architettura	Pretenziosità e complessità delle forme. Sfilata e pomposità. La popolarità delle illusioni spaziali che distorcono le proporzioni di un edificio. Dimensioni gigantesche. Giochi di luci e ombre.	Sensazione di grandezza. Layout chiaro, scala e severità delle forme. Equilibrio delle parti, armonia delle proporzioni. Regolarità della pianificazione. Funzionalità, ordine.
All'interno	Splendore, grandezza, ricchezza, portata spaziale. Predominanza di linee curve, verniciatura. Abbondanza di decori e intarsi. Ricchezza della decorazione (oro, marmo, mosaico, osso). Ornamento ornato sofisticato. L'arredamento è molto massiccio e di forma complessa, ricco di decorazioni.	Forme geometriche chiare. Contenimento nell'arredamento. Utilizzo di materiali costosi nella decorazione, ma senza fronzoli. Semplicità delle linee, armonia degli accostamenti cromatici. L'ornamento con motivi antichi, rigorosi e geometrici. Massima funzionalità e design degli arredi.
Nell'art	Dinamismo delle composizioni. Interesse per i trionfi, manifestazioni estatiche della natura. Grandiosità, tensione drammatica.	Composizione equilibrata, sviluppo logico della trama. Mancanza di espressione di emozioni forti.

Sito delle conclusioni

1. Il barocco è caratterizzato da forme sfrenate e dinamiche. Il classicismo è caratterizzato dall'armonia e dall'equilibrio di tutti i dettagli.
2. Il barocco mette in primo piano il lusso, lo splendore, lo splendore, lo sfarzo e la ricchezza delle decorazioni. Il classicismo valorizza la sobrietà e la semplicità delle linee; l'arredamento è usato con molta attenzione.
3. Utilizzato nel Barocco illusioni spaziali, distorcendo le proporzioni e aggiungendo scala. Il classicismo si basa sull'armonia delle proporzioni, originate dall'antica tradizione.