Tale trattamento del libro porterà il filologo all'orrore e all'ammirazione allo stesso tempo. Gli scultori hanno trasformato l'oggetto arte verbale in un capolavoro visivo. In molti casi, la forma dialoga con il contenuto. E nelle opere di Guy Laramie, il libro è incarnato in un paesaggio in miniatura.
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Alcuni perforano l'immagine, altri la ritagliano, altri aggiungono colore e lo scrittore Jonathan Safran Foer ha scritto deliberatamente il libro-scultura "The Tree of Codes". Ha ritagliato le parole da "La strada dei coccodrilli" di Bruno Schulz. Il testo rimanente, traslucido attraverso le pagine, crea un nuovo lavoro con diverse opzioni Senso. L'autore ha provato a pubblicare un libro, ma in America si sono rifiutati di stamparlo. Nessuna tipografia ha intrapreso una tale tecnologia processo difficile. Una piccola edizione è stata stampata in Belgio. I lettori sono rimasti sorpresi quando hanno trovato pagine tagliate sotto una normale copertina di un libro.
Il teatro delle ombre è stato trasformato in una versione statica. Lo scultore costruisce la figura e posiziona la fonte di luce in modo tale che l'ombra della scultura sembri un'immagine naturalistica. La figura stessa spesso non ha contorni riconoscibili. Qualsiasi cosa può servire come materiale per questo: dalla spazzatura alle parti delle bambole. Ma l'ombra può essere così reale che vuoi controllare se è dipinta sul muro.
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Lo scherzo dei bambini è diventato una forma d'arte. Su una superficie polverosa con un pennello o un dito, gli artisti copiano capolavori del mondo o creano disegni originali. Uno di noti rappresentanti Dirty Car Art Scott Wade, decora non solo il suo veicolo, ma anche le auto estranei. A volte, se l'auto è troppo pulita, Scott ci getta deliberatamente dello sporco. Non vuoi lavare via questi capolavori, quindi i proprietari di quelli dipinti con il fango Veicolo risparmiare sull'autolavaggio.
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Gli oggetti dell'ambiente esterno sono ricoperti di filato. Le persone che decorano le strade con tessuti a maglia sono chiamate bombardieri di filato. Il fondatore della direzione è Magda Sayegh. Il suo gruppo ha lavorato a maglia comodi maglioni per autobus, automobili, statue, alberi, panchine in tutto il mondo.
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Questa direzione include non solo i disegni sul corpo, ma anche qualsiasi azione, il cui principale strumento visivo è il corpo umano. Impianti e ogni sorta di modifica fanno dell'artista un oggetto d'arte. Nell'arte d'avanguardia sono note autodimostrazioni poco attraenti di artisti, che liberano il corpo dal quadro delle norme sociali. Gli artisti scioccano il pubblico con il dolore. artista cinese Yang Zhichao ha sopportato l'impianto di piante nella sua pelle senza anestesia. Dopo lo spettacolo "Planting Grass", il corpo di Yang Zhichao è stato lasciato con cicatrici da piante senza radici.
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Il maestro cinese, Huang Tai Shan, è considerato un classico dell'intaglio delle foglie. Rimuove parte dello strato superiore della foglia, lasciando una struttura vegetale traslucida. Artista dalla Spagna Lorenzo Duran tagli con un coltello immagini naturali e modelli con linee chiare.
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L'illuminazione è nota da allora fine XIX secolo. fotocamera accesa esposizione prolungata corregge le linee dal movimento della sorgente luminosa. Pablo Picasso amava questa tecnica. Famoso per la sua serie di opere "Light Drawings by Picasso", realizzate in una stanza buia di un piccolo lampadina elettrica con il fotografo Guyon Mili.
Questa arte è stata chiamata luce congelata dai fotografi russi Artyom Dolgopolov e Roman Palchenkov, e il nome è rimasto.
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Tele viventi
Sin dai tempi antichi, gli artisti hanno lottato per il volume del raffigurato. Dall'invenzione della prospettiva in pittura alla tecnologia dei cinema 3D. Ma nel XXI secolo, il contrario delle immagini tridimensionali sta guadagnando popolarità. Le persone o gli oggetti sono ricoperti di vernice e incisi ambiente in modo che appaiano visivamente bidimensionali. Dipinti con acrilici e latte, i modelli di Alexa Mead restano immobili per diverse ore mentre gli spettatori sono abbagliati dall'illusione. E Cynthia Greig fa sembrare gli oggetti come disegni grafici piatti in una fotografia.
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I maestri di questo tipo di creatività, al contrario, giocano con prospettiva e piani per creare un'immagine tridimensionale. Un disegno stampato su superfici 2D sembra essere voluminoso da una certa angolazione.
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Negli anni '60 anni del secolo scorso, i concettualisti americani hanno portato le installazioni dai musei alla natura. Molto spesso, le opere di land art sono composizioni su larga scala strettamente correlate all'ambiente in cui si trovano. La natura è coinvolta nell'installazione. Ad esempio, Walter de Maria ha installato sul campo 400 parafulmini identici. In un temporale, il campo di fulmini è immagine impressionante da scariche di elettricità costantemente tremolanti.
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Foto principale da artchival.proboards.com
Gli artisti del passato difficilmente potevano immaginare quali strane forme avrebbe assunto l'arte contemporanea.
E questo ha assunto le seguenti forme:
1. Anamorfosi. Questo tipo di arte contemporanea implica una tecnica pittorica che può essere compresa appieno guardandola solo da un certo luogo o da una certa angolazione. Alcuni dipinti possono essere visti solo guardandoli allo specchio. Questa forma d'arte apparve durante il periodo di Leonardo da Vinci (XV secolo).
Nel corso dei secoli si è sviluppata l'anamorfosi forma moderna sembra arte di strada. Con questo tipo di disegni, gli artisti imitano davvero le crepe nel terreno o i buchi nei muri.
Opera di Istvan Oros
2. Fotorealismo. Questo tipo di arte è nato negli anni '60 del secolo scorso e gli artisti hanno cercato di riprodurlo immagini realistiche, che non differirebbe dalla fotografia. Catturato dalla fotocamera i più piccoli dettagli ha creato una "immagine di un'immagine della vita". I critici sono ambivalenti sul fotorealismo, alcuni di loro ritengono che la produzione meccanica di oggetti d'arte prevalga piuttosto sulle idee e sullo stile.
3. Disegni su macchine sporche. I professionisti di questo tipo di arte non cercano di raffigurare una banale scritta "lavami" su un'auto sporca. Gli specialisti usano pennelli e pennelli speciali per il loro lavoro. In quest'area, il 52esimo Scott Wade è considerato il principale maestro ( Grafico). Ha creato molti disegni originali e sorprendenti usando nient'altro che lo sporco sui finestrini delle auto. A proposito, ha iniziato usando uno strato di polvere sulle strade del Texas come tela. Lì ha disegnato caricature usando piccoli rami e le sue stesse dita.
Oggi, Wade è invitato a promuovere i suoi prodotti da grandi aziende e mostre d'arte.
Il lavoro di Scott Wade
4. L'uso di fluidi corporei per la produzione di opere d'arte. Questo è naturalmente strano, ma molti artisti usano i loro fluidi corporei nel loro lavoro. Qualunque persona istruita ne ha sentito parlare, ma al 100% ciò di cui ha sentito parlare è solo "la punta di uno spiacevole iceberg".
Ad esempio, Hermann Nitsch, un artista austriaco, usa la sua urina o il sangue del bestiame per il suo lavoro. Queste dipendenze sono apparse durante la seconda guerra mondiale, quando era bambino. E ora, a causa della sua dipendenza da un'insolita forma d'arte, è stato assicurato più volte alla giustizia.
L'artista brasiliano Vinicius Quesada usa solo il proprio sangue nelle sue opere, senza ricorrere al sangue degli animali. I suoi dipinti hanno una sfumatura malaticcia di verde, giallo e rosso e si esprimono in un'atmosfera surreale molto cupa.
Hermann Nitsch e il suo lavoro
5. Dipinti con il mio corpo. Nell'arte contemporanea, non solo artisti che usano i fluidi per produrre dipinti proprio corpo sono popolari. Abbastanza famosi e richiesti sono i maestri che scrivono opere con il proprio corpo.
Kira Ain Warseji crea ritratti astratti usando i suoi seni. È stata criticata parecchio per questo. Tuttavia, questa donna è un'artista a tutti gli effetti che lavora secondo lo schema classico, utilizzando colori e pennelli.
Ce n'è dell'altro strani artisti che, invece di un pennello, usano parti del corpo del tutto non destinate a questo scopo. Ad esempio, Ani K. - disegna con la lingua e Stephen Marmer ( insegnante di scuola) - disegna i glutei.
"Ani K al lavoro"
6. Immagine 3D. al massimo artista famoso in questa zona c'è un maestro di Los Angeles Mead Alexa. Il suo lavoro utilizza vernice acrilica non tossica, facendo sembrare i suoi assistenti come dipinti bidimensionali inanimati. Mead ha presentato la sua tecnica al pubblico nel 2009. Un'altra figura significativa nel campo è l'artista e fotografa di Detroit Cynthia Greig. Nelle sue opere d'arte utilizza oggetti domestici ordinari e pratici, piuttosto che persone. Li copre con vernice bianca o carbone. Da questo, le cose dal lato sembrano piatte e bidimensionali.
Una delle opere di Alexa Meade
7. Arte e ombre. Non si sa esattamente quando l'umanità iniziò a usare l'ombra per le opere d'arte. Ma, nonostante tutto, gli artisti contemporanei hanno raggiunto vette senza precedenti. I maestri usano le ombre per posizionare vari oggetti e persino per creare immagini d'ombra di parole, oggetti e persone.
L'arte delle ombre ha una reputazione leggermente inquietante, tuttavia, ciò non impedisce agli "artisti delle ombre" di utilizzare questo stile per sviluppare temi di devastazione, declino, orrore.
L'opera dell'artista Teodosio Aurea
8. "Graffiti al contrario". Questa forma d'arte prevede la creazione di dipinti rimuovendo lo sporco, ma senza aggiungere vernice. Molto spesso gli artisti usano le lavatrici, rimuovendo lo sporco dalle facciate delle case, mentre creano bellissime opere arte. Questo tipo l'arte dal pubblico è considerata piuttosto controversa, motivo per cui le persone che si dedicano ai "graffiti al contrario" hanno quasi sempre scontri con la polizia.
Il lavoro dell'artista Moose
9. Illusioni di body art. L'umanità è stata impegnata a disegnare sul corpo letteralmente sin dal suo inizio. Sia i Maya che gli antichi egizi praticavano la body art. Questo tipo di arte comporta l'utilizzo del corpo umano come tela su cui creare un'opera d'arte capace di angoli diversi ingannare l'osservatore. Le illusioni sul corpo possono sembrare una ferita, un'auto o un animale. Maestro giapponese Hikaru Cho è diventato famoso per aver disegnato personaggi dei cartoni animati sul corpo umano.
Opera di Hikaru Cho
10. Disegnare con la luce. Il disegno con la luce iniziò ad essere utilizzato nel 1914, per scopi pratici: durante la produzione, le autorità registravano il movimento dei lavoratori. Dopo aver analizzato i dati, i dipendenti si sono licenziati o hanno cercato modi per trovare un modo più semplice per il personale di lavorare.
Nel 1935, l'artista surrealista Man Ray usò una macchina fotografica con otturatore aperto per fotografarsi in piedi in flussi di luce. Per molto tempo nessuno poteva indovinare che tipo di riccioli di luce fossero visualizzati nella foto. Solo nel 2009, grazie a progresso tecnico divenne chiaro che questi non erano riccioli casuali, ma un'immagine speculare della firma dell'artista stesso.
Arte contemporanea del XXI secolo, più precisamente, la fine del XX - l'inizio del XXI secolo. Questo sarà discusso in questo articolo, il terzo di una serie. Guida all'arte contemporanea. Continueremo la nostra conoscenza dell'arte contemporanea. Considera le tendenze più sorprendenti tra la fine del XX e l'inizio del XXI secolo.
Arte in cui c'è poco significato, ma molto significato (Alexander Genis)
Arte della fine del XX - inizio del XXI secolo- onnivoro, ironico, velenoso, democratico - chiamato tramonto grande epoca. I postmodernisti si sono trovati in una situazione in cui tutto è stato detto prima di loro. E tutto ciò che devono fare è utilizzare ciò che hanno creato, mescolare stili, creare arte, se non nuova, ma riconoscibile...
Nei 2 precedenti articoli della serie, abbiamo considerato:
- Parte 3. Fine del XX - inizio del XXI secolo ( prendere in considerazione in questo articolo)
Come nei 2 articoli precedenti, per ogni tipo di art verranno indicati i luoghi: città, musei, siti dove puoi vedere i loro lavori rappresentanti di spicco. Questo articolo, come i due precedenti, può diventare un altro un incentivo per te a nuovi viaggi!
Dall'articolo imparerai: l'arte è la direzione più sorprendente della fine del XX secolo - inizio del XXI secolo.
- neorealismo;
- Arte minima;
- Postmoderno;
- Iperrealismo;
- installazione;
- Ambiente;
- videoarte;
- Graffiti;
- Transavanguardia;
- Arte del corpo;
- Stuckismo;
- neoplasticismo;
- Arte di strada;
- Arte postale;
- Nessuna arte.
1. NEOREALISMO. Questa è l'arte dell'Italia del dopoguerra, che ha lottato con il pessimismo del dopoguerra.
Il nuovo fronte dell'arte ha unito astrattisti e realisti ed è durato solo 4 anni. Ma ne sono usciti artisti famosi Interpreti: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto Treccani. Rappresentavano in modo vivido ed espressivo lavoratori e contadini.
Tendenze simili sono apparse in altri paesi, ma la scuola del neorealismo, apparsa in America grazie agli sforzi del muralista Diego Rivera, è considerata la scuola più brillante.
Guarda: Renato Guttuso - Palazzo Chiaramonte (Palermo, Italia), affreschi di Diego Rivera - Palazzo Presidenziale (Città del Messico, Messico).
Frammento di un affresco di Diego Rivera per l'Hotel Prado di Città del Messico "Dream of domenica pomeriggio nel Parco Alameda, 1948
2. MINIMO ART. Questa è la direzione dell'avanguardia. Utilizza forme semplici ed esclude qualsiasi associazione.
Questa direzione è apparsa negli Stati Uniti alla fine degli anni '60. I minimalisti chiamarono Marcel Duchamp (ready-made), Piet Mondrian (neoplasticismo) e Kazimir Malevich (suprematismo) i loro diretti predecessori, chiamarono il suo quadrato nero la prima opera di arte minimale.
Sono state realizzate composizioni estremamente semplici e geometricamente corrette - scatole di plastica, barre di metallo, coni imprese industriali da schizzi di artisti.
Aspetto:
Opere di Donald Judd, Carl Andre, Saul Levitt - Guggenheim Museum (New York, USA), Museum of Modern Art (New York, USA), Metropolitan Museum of Art (New York, USA).
3. POSTMODERNO. Questo è un lungo elenco di tendenze irrealistiche della fine del XX secolo.
Vanchegi Mutu. Collage "Organi genitali di una donna adulta", 2005 La ciclicità è caratteristica dell'arte, ma il postmoderno è stato il primo esempio di "negazione della negazione". All'inizio, il modernismo ha rifiutato i classici, e poi il postmodernismo ha rifiutato il modernismo, come aveva precedentemente rifiutato i classici. I postmodernisti sono tornati a quelle forme e stili che erano prima del modernismo, ma a un livello superiore.
Il postmodernismo è un prodotto dell'epoca le ultime tecnologie. Pertanto esso caratteristica salienteè una miscela di stili, immagini, epoche diverse e sottoculture. La cosa principale per i postmoderni era citare, destreggiarsi abilmente con le citazioni.
Guarda: Tate Gallery (Londra, Regno Unito), Museo Nazionale Centro d'arte contemporanea Pompidou (Parigi, Francia), Guggenheim Museum (New York, USA).
4. IPERREALISMO. Arte che imita la fotografia.
Chuck Vicino. "Roberto", 1974 Quest'arte è anche chiamata superrealismo, fotorealismo, realismo radicale o realismo freddo. Questa direzione è apparsa in America negli anni '60 e dopo 10 anni si è diffusa in Europa.
Gli artisti di questa direzione copiano esattamente il mondo come lo vediamo nella foto. Nelle opere degli artisti si legge una certa ironia sul tecnogeno. Gli artisti raffigurano per lo più scene della vita di una metropoli moderna.
Aspetto: opere di Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (New York, USA), Brooklyn Museum (USA).
5. INSTALLAZIONE. Questa è una composizione nella galleria, che può essere creata da qualsiasi cosa, l'importante è che ci sia un sottotesto e un'idea.
Molto probabilmente, questa direzione non esisterebbe se non fosse per l'iconico orinatoio di Duchamp. I nomi dei maggiori installatori mondiali: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis e Kabakov.
La cosa principale nell'installazione è il sottotesto stesso e lo spazio in cui gli artisti si scontrano con oggetti banali.
Guarda: Tate Modern (Londra, Regno Unito), Guggenheim Museum (New York, USA).
6. AMBIENTE. È l'arte di creare una composizione 3D che imita il mondo reale.
Come tendenza nell'arte, l'ambiente è apparso negli anni '20 del XX secolo. L'artista dadaista era in anticipo sui tempi di diversi decenni quando presentò al pubblico la sua opera “Merz Building” - una struttura tridimensionale di articoli diversi e materiali, adatti solo alla contemplazione.
Mezzo secolo dopo, Edward Kienholtz e George Siegel iniziarono a lavorare in questo genere e ci riuscirono. Nel loro lavoro, hanno necessariamente introdotto un elemento scioccante di fantasia delirante.
Vedi: opere di Edvard Kienholz e George Siegel - Museum of Modern Art (Stoccolma, Svezia).
7. VIDEO ART. Questa direzione è nata nell'ultimo terzo del XX secolo a causa della comparsa di videocamere portatili.
Questo è un altro tentativo di riportare l'arte alla realtà, ma ora con l'aiuto della tecnologia video e informatica. L'americano Nam June Paik ha filmato un video del Papa che cammina per le strade di New York e ne è diventato il primo videoartista.
Gli esperimenti di Nam June Paik hanno influenzato la televisione, video musicali(si trovava in fondo al canale MTV), effetti computerizzati nei film. Il lavoro di June Pike, Bill Viola ha reso questa direzione artistica un campo di sperimentazione. Hanno gettato le basi per "video sculture", "video installazioni" e "video opere".
Guarda: video arte che spazia dallo psichedelico al sociale (popolare in Cina, Chen-che-yen su Youtube.com)
8. GRAFFITI. Iscrizioni e disegni sui muri delle case che portano un messaggio audace.
Apparso per la prima volta negli anni '70 Nord America. I galleristi di uno dei quartieri di Manhattan erano imparentati con il loro aspetto. Divennero mecenati d'arte dei portoricani e giamaicani che vivevano accanto a loro. I graffiti combinano elementi della sottocultura urbana ed etnica.
Nomi dalla storia dei graffiti: Keith Hering, Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. Scandaloso persona famosa Banksy è un artista di graffiti britannico. Ci sono cartoline con il suo lavoro in tutti i negozi di souvenir britannici.
Guarda: Graffiti Museum (New York, USA), opere di Banksy - su banksy.co.uk.
9. TRANSAVANGARD. Una delle tendenze della pittura postmoderna. Combina il passato, la nuova pittura e l'espressività.
Il lavoro dell'artista transavanguardia Alexander Roitburd L'autore del termine transavanguardia - critico contemporaneo Bonito Oliva. Con questo termine ha definito l'opera di 5 suoi connazionali: Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicolo de Maria. Il loro lavoro è caratterizzato da: una combinazione stili classici, mancanza di attaccamento a scuola nazionale, scenario del piacere estetico e della dinamica.
Guarda: Museo Collezione Peggy Guggenheim (Venezia, Italia), Museo d'Arte Moderna a Palazzo (Venezia, Italia), Galleria d'Arte Moderna (Milano, Italia)
10. CORPO ART. Una delle direzioni dell'azionismo. Il corpo funge da tela.
La body art è una delle manifestazioni della cultura punk degli anni '70. È direttamente correlato alla moda per i tatuaggi e il nudismo che apparve allora.
Le immagini dal vivo vengono create proprio di fronte al pubblico, registrate su video e poi trasmesse nella galleria. Bruce Nauman raffigurante un orinatoio di Duchamp in una galleria. Il duo Gilbert e George sono sculture viventi. Rappresentavano il tipo di un inglese medio.
Vedi: ad esempio, sul sito web dell'artista Orlan orlan.eu.
11. STAKISMO. Associazione artistica britannica di pittura figurativa. Opposto ai concettualisti.
La prima mostra è stata a Londra nel 2007 come protesta contro la Tate Gallery. Secondo una versione, hanno protestato in relazione all'acquisto di opere di artisti da parte della galleria per elusione della legge. Il rumore nella stampa ha attirato l'attenzione sugli impilatori. Ora ci sono più di 120 artisti nel mondo. Il loro motto è: un artista che non disegna non è un artista.
Il termine stackismo è stato proposto da Thomson. L'artista Tracey Emin ha esclamato al suo fidanzato Billy Childish: il tuo dipinto è bloccato, bloccato, bloccato! (Ing. Bloccato! Bloccato! Pila!)
Guarda: sul sito stackist stickism.com. Opere di Charlie Thomson e Billy Childish alla Tate Gallery (Londra, UK).
12. NEOPLASTICISMO. Arte astratta. Intersezione di linee perpendicolari di 3 colori.
L'ideologo della regia è l'olandese Piet Mondrian. Considerava il mondo illusorio, quindi il compito dell'artista è purificare la pittura dalle forme sensuali (figurative) in nome di forme estetiche (astratte).
L'artista ha suggerito di farlo nel modo più conciso possibile con l'aiuto di 3 colori: blu, rosso e giallo. Hanno riempito i posti tra le linee perpendicolari.
Il neoplasticismo ispira ancora designer, architetti e grafici industriali.
Aspetto:opere di Piet Mondrian e Theo Vanna Doesburg in Museo Civico L'Aia.
13. ARTE DI STRADA. Arte per la quale la città è una mostra o una tela
L'obiettivo di un artista di strada è quello di coinvolgere istantaneamente un passante in un dialogo con l'aiuto della sua installazione, scultura, poster o stencil.
In Europa, ora sono popolari "shufiti" (installazioni di stivali appesi agli alberi) e "knitta" (iscrizioni di tessuti luminosi lavorati a maglia su semafori, alberi, antenne di automobili).
IN Sud America"pis" o "muralismo" (disegno o iscrizione della trama eseguito magistralmente) sono popolari.
Guarda: La Llotja, Old School of Art, Barcellona. Intere sezioni di street art iniziarono ad essere esposte da Sotheby's a Londra.
14. POSTA ART. Movimento internazionale senza scopo di lucro. Utilizza la posta elettronica e la posta ordinaria per distribuire opere d'arte.
Inizialmente, la mail art si è formata come una fusione di tendenze artistiche popolari negli anni '60: concettualismo, arte del libro, video arte, body art.
La mail art è mailing opera d'arte. L'originale viene inviato a un solo destinatario. E le riproduzioni possono essere inviate a più destinatari via e-mail o posta ordinaria.
I mail artist usano lettere, buste, cartoline, pacchi, francobolli, francobolli. La tecnica più comune è il collage. È stato reso popolare Artista americano RayJohnson - figura luminosa reti. Le gallerie ospitano spesso mostre di mail art.
L'opera di mail art non sono solo cartoline disegnate da artisti o dilettanti, ma quelle che sono passate per posta, hanno francobolli, francobolli, iscrizioni. Pertanto, gli impiegati delle poste sono coautori della mail art.
Vedi: mail art opera sul sito.
15. NO-ART. Si tratta di progetti che esistono esclusivamente sul web.
Ma questo non è un progetto di rete. Riconoscere le opere di net-art non è così facile. Sono caratterizzati da semplicità e semplicità.
Dalle opere di artisti che lavorano in programmi professionali, differiscono per grinta, imparzialità e velocità.
L'arte è creata per deliziare, sorprendere e talvolta scioccare il pubblico.
I creativi sono sempre un po' pazzi. La loro fantasia non ha limiti. Di fronte a te sono i più specie insolite arte contemporanea.
1. L'anamorfosi è una tecnica per creare immagini che possono essere pienamente comprese solo da un certo punto o angolo. In alcuni casi, un'immagine normale appare solo se si guarda l'immagine attraverso uno specchio. Uno dei primi esempi famosi anamorfosi sono alcune delle opere di Leonardo da Vinci datate al XV secolo.
2. Fotorealismo. Il movimento fotorealista è emerso negli anni '60. I creatori hanno cercato di creare incredibili immagini realistiche che sono indistinguibili dalle fotografie. Hanno copiato anche i più piccoli dettagli dalle fotografie, creando i propri dipinti. C'è anche un movimento chiamato superrealismo, o iperrealismo, che abbraccia sia la scultura che la pittura. Era piuttosto influenzato dalla moderna cultura della pop art.
3. Dipingere auto sporche. Disegnare su un'auto non lavata spesso non è considerato tale alta arte, poiché la maggior parte di questi "artisti" raramente scrive qualcosa di più di "lavami". Ma un designer americano di 52 anni di nome Scott Wade è diventato famoso per i suoi incredibili disegni che crea sui finestrini delle auto spolverate dalle strade del Texas. Wade originariamente dipingeva sui finestrini delle auto con le dita o con i bastoncini, ma ora usa strumenti e pennelli speciali.
4. Uso di fluidi corporei di cui all'art. Può sembrare strano, ma ci sono molti artisti che creano le loro opere utilizzando i fluidi corporei. Ad esempio, l'artista austriaco Hermann Nitsch usa l'urina e grande quantità sangue animale. L'artista brasiliano Vinicius Quesada è ben noto per la sua serie di dipinti intitolata Blood and Piss Blues. Sorprendentemente, Quesada funziona solo con il proprio sangue. I suoi dipinti creano un'atmosfera oscura e surreale.
5. Disegnare con parti del corpo. IN Ultimamenteè cresciuta la popolarità degli artisti che usano parti del proprio corpo per disegnare. Ad esempio, Tim Patch, noto con lo pseudonimo di "Pricasso" (in onore del grande Artista spagnolo Pablo Picasso), disegna con il suo... organo riproduttivo. Inoltre, l'artista australiano di 65 anni usa regolarmente i glutei e lo scroto come pennello. Patch fa questo tipo di lavoro da più di dieci anni e la sua popolarità cresce ogni anno.
6. Visualizzazione 3D inversa. Mentre l'anamorfosi mira a far sembrare gli oggetti 2D come oggetti 3D, il rendering 3D inverso è progettato per fare l'opposto: far sembrare un oggetto 3D un disegno o un dipinto. L'artista più notevole in quest'area è Alexa Meade di Los Angeles. Usa vernici acriliche non tossiche per far sembrare le persone dipinti inanimati bidimensionali.
7. Arte dell'ombra. Le ombre sono di natura fugace, quindi è difficile dire quando le persone hanno iniziato a usarle per la prima volta nell'arte. artisti contemporanei ha raggiunto una straordinaria maestria nel lavorare con l'ombra. Dispongono vari oggetti in modo tale da creare un'ombra da essi belle immagini persone, parole o oggetti. Poiché le ombre sono tradizionalmente associate a qualcosa di misterioso o mistico, molti artisti usano il tema dell'orrore o della devastazione nel loro lavoro.
8. Graffiti inversi. Simile alla pittura di macchine sporche, l'arte dei graffiti inversi consiste nel creare immagini rimuovendo lo sporco piuttosto che aggiungendo vernice. Gli artisti usano spesso i tubi dell'acqua per rimuovere lo sporco e lo sporco di scarico dai muri, creando immagini fantastiche. Il movimento è nato grazie a Artista inglese Paul "Moose" Curtis, che dipinse un quadro sulla parete nera e fumosa di un ristorante dove stava lavando i piatti adolescenza. Un altro Artista britannico Ben Long crea i suoi dipinti sul retro delle roulotte usando il dito per rimuovere lo sporco dagli scarichi.
L'arte esiste da quando esiste l'uomo. Ma gli artisti antichi coinvolti in arte rock, riusciva a malapena a immaginare quali strane forme possa assumere l'arte moderna.
1. Anamorfosi
L'anamorfosi è una tecnica per creare immagini che possono essere viste e comprese completamente solo guardandole sotto certo angolo, o con determinato luogo. In alcuni casi, l'immagine corretta può essere vista solo guardando un'immagine speculare del dipinto. Uno dei primi esempi di anamorfosi fu dimostrato da Leonardo da Vinci nel XV secolo. Altri esempi storici di questa forma d'arte apparvero durante il Rinascimento.
Nel corso dei secoli, questa tecnica si è evoluta. Tutto è iniziato con immagini tridimensionali ottenute su carta comune, e via via è arrivato arte di strada quando gli artisti imitano vari buchi nei muri o crepe nel terreno.
E il più interessante esempio moderno- stampa anamorfica. Un giorno, gli studenti Joseph Egan e Hunter Thompson, studenti di graphic design, hanno applicato sui muri dei corridoi del loro college dei testi distorti, che potevano essere letti solo guardandoli da un certo punto.
2. Fotorealismo
A partire dagli anni '60, il movimento fotorealista ha cercato di creare immagini estremamente realistiche che fossero quasi indistinguibili da foto reali. Copiando i più piccoli dettagli catturati dalla fotocamera, gli artisti fotorealisti hanno cercato di creare "un'immagine dell'immagine della vita".
Un altro movimento noto come superrealismo (o iperrealismo) comprende non solo la pittura ma anche la scultura. Anche questo movimento è sotto forte influenza pop art moderna cultura. Ma mentre nella pop art cercano di rimuovere le immagini quotidiane dal contesto, il fotorealismo, al contrario, si concentra su immagini ordinarie, Vita di ogni giorno ricreato con la massima accuratezza possibile.
Gli artisti fotorealisti più famosi includono Richard Estes, Audrey Flack, Chuck Close e lo scultore Dway Hanson. Il movimento è molto controverso tra i critici, che ritengono che l'abilità meccanica prevalga chiaramente sullo stile e sulle idee in esso contenute.
3. Disegnare su macchine sporche
Attingendo allo sporco che si è accumulato molto tempo fa macchina lavata, è anche considerata un'arte, i cui migliori rappresentanti si sforzano di raffigurare iscrizioni un po 'più banali come "lavami".
Un graphic designer di 52 anni di nome Scott Wade è diventato molto famoso per i suoi incredibili disegni che ha creato usando lo sporco sui finestrini delle auto.
E l'artista ha cominciato usando come tela uno spesso strato di polvere sulle strade del Texas, sulle strade ha disegnato varie caricature, e le ha create con le sue stesse dita, chiodi e rametti.
4. Uso di fluidi corporei nell'art
Può sembrare strano, ma ci sono molti artisti che usano i fluidi corporei nel loro lavoro. Potresti averlo già letto da qualche parte, ma molto probabilmente era solo la punta di questo disgustoso iceberg.
Ad esempio, l'artista austriaco Hermann Nitsch usa la propria urina e un gran numero di sangue animale. Dipendenze simili sorsero in lui da bambino, che caddero sul Secondo guerra mondiale, e queste alleanze sono state controverse nel corso degli anni, ci sono state persino diverse cause legali.
Un altro artista brasiliano di nome Vinicius Quesada lavora con il proprio sangue e non usa sangue animale. I suoi dipinti, con dolorose sfumature di rosso, giallo e verde, trasmettono un'atmosfera molto cupa e surreale.
5. Disegnare con parti del proprio corpo
Non solo gli artisti che utilizzano fluidi corporei sono in aumento. Sta guadagnando popolarità anche l'uso di parti del proprio corpo come pennelli. Prendi Tim Patch. È meglio conosciuto con lo pseudonimo di "Pricasso", che prese in onore del grande artista spagnolo Pablo Picasso. È anche noto per aver usato il proprio pene come pennello. Questo australiano di 65 anni non ama limitarsi a nulla, quindi oltre al pene usa anche i glutei e lo scroto per disegnare. Patch fa questo lavoro insolito da più di 10 anni. E la sua popolarità sta crescendo di anno in anno.
E Kira Ain Warseji usa i propri seni per dipingere ritratti astratti. Sebbene sia spesso criticata, rimane comunque un'artista a tutti gli effetti che lavora quotidianamente (dipinge anche senza usare il seno).
6. Invertire le immagini 3D
Mentre l'anamorfosi cerca di far sembrare gli oggetti 2D come 3D, il 3D inverso cerca di far sembrare un oggetto 3D come un disegno 2D.
L'artista più notevole in quest'area è Alexa Meade di Los Angeles. Nel suo lavoro, Mead usa prodotti non tossici colori acrilici, con cui fa sembrare i suoi assistenti dei quadri bidimensionali inanimati. Mead ha iniziato a sviluppare questa tecnica nel 2008 ed è stata presentata al pubblico nel 2009.
Il lavoro di Mead è solitamente una persona seduta contro un muro, e dipinta in modo tale che lo spettatore abbia l'illusione che davanti a lui ci sia una normale tela con ritratto ordinario. Potrebbero essere necessarie diverse ore per creare un'opera del genere.
Un'altra figura significativa in questo campo è Cynthia Greig, artista e fotografa con base a Detroit. A differenza di Mid, Greig non usa persone nel suo lavoro, ma ordinarie articoli casalinghi. Li copre con carboncino e vernice bianca per farli sembrare piatti dall'esterno.
7. Ombre nell'arte
Le ombre sono intrinsecamente fugaci, quindi è difficile dire quando le persone hanno iniziato a usarle per creare arte. Ma i moderni "artisti delle ombre" hanno raggiunto vette senza precedenti nell'uso delle ombre. Gli artisti utilizzano un attento posizionamento di vari oggetti per creare bellissime immagini in ombra di persone, oggetti o parole.
Gli artisti più importanti in quest'area sono Kumi Yamashita e Fred Erdekens.
Naturalmente, le ombre hanno una reputazione alquanto inquietante e molti "artisti delle ombre" usano temi di orrore, devastazione e degrado urbano nelle loro opere. Tim Noble e Sue Webster sono famosi per questo. Il loro lavoro più famoso si chiama Dirty White Trash, in cui un mucchio di spazzatura getta un'ombra su due persone che bevono e fumano. In un'altra opera, si vede l'ombra di un uccello, forse l'ombra di un corvo, che becca un paio di teste mozzate impalate su pali.
8 Graffiti inversi
Come dipingere su auto sporche, i "graffiti inversi" implicano la creazione di un dipinto rimuovendo lo sporco in eccesso, piuttosto che aggiungendo vernice. Gli artisti usano spesso potenti rondelle per rimuovere lo sporco dai muri e nel processo creare belle immagini. Tutto è iniziato con l'artista Paul "Muse" Curtis, che ha dipinto il suo primo quadro su una parete annerita dalla nicotina di un ristorante dove lavava i piatti.
Un altro artista degno di nota è Ben Long dal Regno Unito, che pratica una versione in qualche modo semplificata di "graffiti al contrario" usando il proprio dito per rimuovere la sporcizia dagli scarichi delle auto sui muri. I suoi disegni durano sorprendentemente a lungo, fino a sei mesi, a patto che non vengano spazzati via dalla pioggia o distrutti da vandali.
9. Illusioni di body art
Letteralmente tutti sono stati impegnati a disegnare sul corpo per molti secoli. Anche gli antichi egizi e maya si cimentarono in questo. Tuttavia, l'illusion body art porta questa antica pratica a un livello completamente nuovo. nuovo livello. Come suggerisce il nome, l'illusione della body art prevede l'uso di corpo umano come una tela, ma sulla tela si crea qualcosa che può ingannare l'osservatore. Le illusioni sul corpo possono variare da persone dipinte come animali o macchine a immagini di buchi o ferite aperte nel corpo.
10. Dipingere con la luce
Stranamente, i primissimi praticanti del light painting non lo percepivano come arte. Frank e Lillian Gilbreth hanno affrontato il problema dell'aumento dell'efficienza dei lavoratori dell'industria. Nel 1914, la coppia iniziò a usare la luce e una macchina fotografica per registrare alcuni movimenti delle persone. Studiando i modelli di luce risultanti, speravano di trovare modi per rendere il lavoro del personale più facile e semplice.
E nell'arte, questo metodo iniziò ad essere utilizzato nel 1935, quando l'artista surrealista Man Ray usò una macchina fotografica con un otturatore aperto per scattare foto di se stesso in piedi in flussi di luce. Per molto tempo nessuno ha indovinato che tipo di riccioli chiari sono raffigurati nella foto. E solo nel 2009 è diventato chiaro che non si trattava di un insieme di riccioli di luce casuali, ma di un'immagine speculare della firma dell'artista.