L'impressionismo è uno dei movimenti più famosi della pittura francese, se non il più famoso. E ha avuto origine tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70 del XIX secolo e ha influenzato in gran parte l'ulteriore sviluppo dell'arte di quel tempo.
Impressionismo nella pittura
Il nome stesso impressionismo" è stato coniato da un critico d'arte francese di nome Louis Leroy dopo aver visitato la prima mostra impressionista nel 1874, dove criticò il dipinto di Claude Monet "Impression: Rising Sun" ("impressione" in francese suona come "impressione").
Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, Frederic Bazille sono i principali rappresentanti dell'impressionismo.
L'impressionismo nella pittura è caratterizzato da tratti rapidi, spontanei e liberi. Il principio guida era un'immagine realistica dell'ambiente luminoso.
Gli impressionisti cercavano di catturare momenti fugaci su tela. Se in quel preciso momento l'oggetto appare di un colore innaturale, a causa di un certo angolo di incidenza della luce o del suo riflesso, allora l'artista lo raffigura così: ad esempio, se il sole dipinge di rosa la superficie di uno stagno, allora sarà scritto in rosa.
Caratteristiche dell'impressionismo
Parlando delle caratteristiche principali dell'impressionismo, è necessario nominare quanto segue:
- immagine immediata e otticamente accurata di un momento fugace;
- fare tutto il lavoro all'aperto: niente più schizzi preparatori e lavori di finitura in studio;
- l'uso del colore puro sulla tela, senza pre-miscelazione sulla tavolozza;
- l'uso di schizzi di vernice brillante, tratti di varie dimensioni e gradi di spazzamento, che si sommano visivamente a un'immagine solo se visti da lontano.
Impressionismo russo
Il ritratto di riferimento in questo stile è considerato uno dei capolavori della pittura russa: "La ragazza con le pesche" di Alexander Serov, per il quale l'impressionismo, tuttavia, divenne solo un periodo di passione. L'impressionismo russo comprende anche opere scritte tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo da Konstantin Korovin, Abram Arkhipov, Philip Malyavin, Igor Grabar e altri artisti.
Questa affiliazione è piuttosto condizionale, poiché l'impressionismo russo e quello francese classico hanno le loro specificità. L'impressionismo russo era più vicino alla materialità, all'oggettività delle opere, gravitava verso il significato artistico, mentre l'impressionismo francese, come accennato in precedenza, cercava semplicemente di rappresentare momenti di vita, senza filosofie inutili.
In effetti, l'impressionismo russo adottò dai francesi solo il lato esterno dello stile, i metodi della sua pittura, ma non assimilò il pensiero pittorico stesso incorporato nell'impressionismo.
L’impressionismo moderno continua le tradizioni dell’impressionismo classico francese. Nella pittura moderna del XXI secolo, molti artisti lavorano in questa direzione, ad esempio Laurent Parcelier, Karen Tarleton, Diana Leonard e altri.
Capolavori nello stile dell'impressionismo
"Terrazza di Sainte-Adresse" (1867), Claude Monet
Questo dipinto può essere definito il primo capolavoro di Monet. È ancora il dipinto più popolare del primo impressionismo. Anche qui c'è il tema preferito dell'artista: i fiori e il mare. La tela raffigura diverse persone che si rilassano su una terrazza in una giornata soleggiata. Sulle sedie, con le spalle al pubblico, sono raffigurati i parenti dello stesso Monet.
L'intera immagine è inondata di luce solare intensa. I confini netti tra terra, cielo e mare vengono separati, ordinando la composizione verticalmente con l'aiuto di due pennoni, tuttavia la composizione non ha un centro chiaro. I colori delle bandiere si abbinano alla natura circostante, sottolineando la diversità e la ricchezza dei colori.
"Ballo al Moulin de la Galette" (1876), Pierre-Auguste Renoir
Questo dipinto raffigura una tipica domenica pomeriggio nella Parigi del XIX secolo al Moulin de la Galette, un caffè con pista da ballo all'aperto, che prende il nome dal vicino mulino a vento, emblematico di Montmartre. La casa di Renoir si trovava accanto a questo caffè; frequentava i balli della domenica pomeriggio e si divertiva a guardare le coppie felici.
Renoir mostra un vero talento e combina l'arte del ritratto di gruppo, della natura morta e della pittura di paesaggio in un unico dipinto. L'uso della luce in questa composizione e la morbidezza dei tratti rappresentano al meglio lo stile per un vasto pubblico. impressionismo. Questo dipinto è diventato uno dei dipinti più costosi mai venduti all'asta.
Boulevard Montmartre di notte (1897), Camille Pissarro
Sebbene Pissarro sia famoso per i suoi dipinti di vita rurale, dipinse anche un gran numero di bellissime scene urbane del XIX secolo a Parigi. Gli piaceva dipingere la città per i giochi di luce durante il giorno e la sera, per le strade illuminate sia dalla luce del sole che dai lampioni.
Nel 1897, affittò una stanza sul boulevard Montmartre e lo dipinse in diversi momenti della giornata, e quest'opera fu l'unica della serie catturata dopo il calare della notte. La tela è piena di macchie blu intenso e giallo brillante delle luci della città. In tutte le immagini del ciclo "tabloid", il nucleo principale della composizione è la strada che si allontana.
Ora il dipinto è alla National Gallery di Londra, ma durante la vita di Pissarro non ha mai esposto da nessuna parte.
Puoi guardare un video sulla storia e le condizioni della creatività dei principali rappresentanti dell'impressionismo qui:
Oggi l'impressionismo è percepito come un classico, ma nell'era della sua formazione è stata una vera svolta rivoluzionaria nell'arte. L'innovazione e le idee di questa tendenza hanno cambiato completamente la percezione artistica dell'arte nei secoli XIX e XX. E l'impressionismo moderno nella pittura eredita i principi che sono già diventati canonici e continua la ricerca estetica nel trasferimento di sensazioni, emozioni e luce.
Prerequisiti
Ci sono diverse ragioni per la comparsa dell'impressionismo, questo è un intero complesso di prerequisiti che hanno portato a una vera rivoluzione nell'arte. Nel XIX secolo si stava preparando una crisi nella pittura francese, dovuta al fatto che la critica "ufficiale" non voleva accorgersene e lasciava entrare nelle gallerie varie nuove forme emergenti. Pertanto, la pittura nell'impressionismo è diventata una sorta di protesta contro l'inerzia e il conservatorismo delle norme generalmente accettate. Inoltre, le origini di questa tendenza dovrebbero essere ricercate nelle tendenze inerenti al Rinascimento e associate ai tentativi di trasmettere la realtà vivente. Gli artisti della scuola veneziana sono considerati i primi progenitori dell'impressionismo, poi gli spagnoli presero questa strada: El Greco, Goya, Velazquez, che influenzarono direttamente Manet e Renoir. Anche il progresso tecnologico ha avuto un ruolo nella formazione di questa scuola. Pertanto, l'avvento della fotografia ha dato origine a una nuova idea nell'arte di catturare emozioni e sensazioni momentanee. È questa impressione immediata che gli artisti della direzione in esame si sforzano di “afferrare”. Inoltre, questa tendenza è stata influenzata dallo sviluppo della scuola all'aria aperta, fondata dai rappresentanti della scuola di Barbizon.
Storia dell'impressionismo
Nella seconda metà del XIX secolo si sviluppò una situazione critica nell'arte francese. I rappresentanti della scuola classica non accettano le innovazioni dei giovani artisti e non li permettono al Salon, l'unica mostra che apre la strada ai clienti. Scoppiò uno scandalo quando il giovane Édouard Manet presentò la sua opera Colazione sull'erba. Il dipinto suscitò l'indignazione della critica e del pubblico e all'artista fu vietato di esporlo. Manet partecipa quindi al cosiddetto “Salone dei Respinti” insieme ad altri pittori a cui non è stato permesso di partecipare alla mostra. L'opera ricevette un'enorme risposta e attorno a Manet iniziò a formarsi una cerchia di giovani artisti. Si riunivano nei caffè, discutevano dei problemi dell'arte contemporanea, discutevano di nuove forme. Appare una società di pittori, che verranno chiamati gli impressionisti in onore di un'opera di Claude Monet. Questa comunità comprendeva Pissarro, Renoir, Cezanne, Monet, Basil, Degas. La prima mostra di artisti di questa tendenza ebbe luogo nel 1874 a Parigi e si concluse, come tutte le successive, con un fallimento. In realtà, l’impressionismo in musica e pittura copre un periodo di soli 12 anni, dalla prima mostra all’ultima, tenutasi nel 1886. Successivamente, la direzione inizia a dividersi in nuove tendenze, alcuni artisti muoiono. Ma questo periodo ha fatto una vera rivoluzione nella mente dei creatori e del pubblico.
Principi ideologici
A differenza di molte altre aree, la pittura nell’impressionismo non era associata a profonde visioni filosofiche. L'ideologia di questa scuola era l'esperienza momentanea, l'impressione. Gli artisti non si sono posti compiti sociali, hanno cercato di trasmettere la pienezza e la gioia di essere nella vita di tutti i giorni. Pertanto, il sistema di genere dell'impressionismo era generalmente molto tradizionale: paesaggi, ritratti, nature morte. Questa direzione non è un'associazione di persone basata su visioni filosofiche, ma una comunità di persone che la pensano allo stesso modo, ognuna delle quali conduce le proprie ricerche nello studio della forma dell'essere. L'impressionismo sta proprio nell'unicità della visione degli oggetti ordinari, è focalizzato sull'esperienza individuale.
Tecnica
È abbastanza facile riconoscere la pittura nell'impressionismo da alcuni tratti caratteristici. Prima di tutto, vale la pena ricordare che gli artisti di questa direzione erano amanti accaniti del colore. Evitano quasi del tutto il nero e il marrone a favore di una tavolozza ricca e vibrante, spesso fortemente evidenziata. La tecnica impressionista è caratterizzata da tratti brevi. Si sforzano di ottenere l'impressione generale, piuttosto che un accurato disegno dei dettagli. Le tele sono dinamiche, intermittenti, che corrispondono alla percezione umana. I pittori si sforzano di disporre i colori sulla tela in modo tale da ottenere intensità o affinità coloristica nell'immagine, non mescolano i colori sulla tavolozza. Gli artisti lavoravano spesso all'aria aperta, e questo si rifletteva nella tecnica, in cui non c'era tempo per asciugare gli strati precedenti. Le vernici venivano applicate una accanto all'altra o una sopra l'altra, utilizzando un materiale opaco che permetteva di creare l'effetto di un "bagliore interno".
I principali rappresentanti della pittura francese
Il luogo di nascita di questa tendenza è la Francia, è qui che l'impressionismo è apparso per la prima volta nella pittura. Gli artisti di questa scuola vissero a Parigi nella seconda metà del XIX secolo. Hanno presentato le loro opere in 8 mostre impressioniste e queste tele sono diventate dei classici della direzione. Sono i francesi Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot e altri i progenitori della tendenza che stiamo considerando. L'impressionista più famoso, ovviamente, è Claude Monet, la cui opera incarna pienamente tutte le caratteristiche di questa tendenza. Inoltre, la corrente è giustamente associata al nome di Auguste Renoir, che considerava il suo compito artistico principale la trasmissione del gioco del sole; inoltre, era un maestro del ritratto sentimentale. L'impressionismo comprende anche artisti di spicco come Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.
Impressionismo in altri paesi
A poco a poco, la direzione si sta diffondendo in molti paesi, l'esperienza francese è stata ripresa con successo in altre culture nazionali, anche se si tratta più di opere e tecniche individuali che dell'attuazione coerente delle idee. La pittura tedesca nell'impressionismo è rappresentata principalmente dai nomi di Lesser Uri, Max Liebermann, Lovis Corinth. Negli Stati Uniti, le idee sono state implementate da J. Whistler, in Spagna - da J. Sorolla, in Inghilterra - da J. Sargent, in Svezia - da A. Zorn.
Impressionismo in Russia
L'arte russa nel XIX secolo fu significativamente influenzata dalla cultura francese, quindi anche gli artisti russi non poterono evitare di lasciarsi trasportare dalla nuova tendenza. L'impressionismo russo nella pittura è rappresentato in modo più coerente e fruttuoso nell'opera di Konstantin Korovin, così come nelle opere di Igor Grabar, Isaac Levitan, Valentin Serov. Le peculiarità della scuola russa consistevano nella natura studiosa delle opere.
Cos'era l'impressionismo nella pittura? Gli artisti fondatori hanno cercato di catturare le impressioni momentanee del contatto con la natura e i creatori russi hanno anche cercato di trasmettere il significato filosofico più profondo dell'opera.
L'impressionismo oggi
Nonostante siano trascorsi quasi 150 anni dalla comparsa della direzione, l'impressionismo moderno nella pittura non ha perso la sua rilevanza oggi. A causa dell'emotività e della facilità di percezione, i dipinti in questo stile sono molto popolari e persino di successo commerciale. Pertanto, molti artisti in tutto il mondo stanno lavorando in questa direzione. Pertanto, l'impressionismo russo nella pittura è presentato nel nuovo museo di Mosca con lo stesso nome. Ci sono mostre regolari di autori contemporanei, come V. Koshlyakov, N. Bondarenko, B. Gladchenko e altri.
Capolavori
Gli amanti moderni delle belle arti spesso chiamano l'impressionismo nella pittura la loro direzione preferita. I dipinti di artisti di questa scuola vengono venduti alle aste a prezzi favolosi e le collezioni nei musei godono di grande attenzione da parte del pubblico. I principali capolavori dell'impressionismo sono considerati i dipinti di C. Monet "Acque" e "Sole nascente", O. Renoir "Ballo al Moulin de la Galette", C. Pissarro "Boulevard Montmartre di notte" e "Ponte Bouldieu a Rouen in una giornata piovosa", Degas "Assenzio", anche se questo elenco può essere continuato quasi all'infinito.
Tratti audaci, colori vivaci, scene di vita quotidiana, pose franche e, soprattutto, una descrizione accurata della luce... Solo una piccola parte delle caratteristiche di uno dei movimenti artistici più popolari. L'impressionismo apparve in Francia a metà del XIX secolo. Prima della sua comparsa, le nature morte, i ritratti e persino i paesaggi venivano solitamente creati dagli artisti nei loro studi. I primi impressionisti ruppero i canoni tradizionali e uscirono letteralmente nei campi: iniziarono a creare all'aria aperta, catturando scene realistiche della vita contemporanea. Sebbene inizialmente pesantemente criticato, l’impressionismo portò presto a una tendenza simile nella musica e nella letteratura. Offriamo di ammirare i dipinti più famosi di questo movimento rivoluzionario nell'arte.
Bar delle Folies Bergère, Édouard Manet, 1882
L'ultima grande opera di Manet e semplicemente la più grande opera d'arte. La tela raffigura il famoso cabaret di Parigi, spesso visitato dall'artista stesso. Per trasmettere l'atmosfera di quel periodo e rendere la scena più complessa, ha raffigurato sullo sfondo uno specchio, che riflette l'enorme numero di persone che riempiono la stanza. Di fronte alla folla e allo spettatore, invece, dietro il bancone c'è una barista solitaria assorta nei suoi pensieri. Uno dei ricercatori del lavoro di Manet osserva che le arance nella foto sono la prova diretta che stiamo parlando di una prostituta. La data e la firma dello stesso Manet sono riportate sull'etichetta di una delle bottiglie, che si trova nell'angolo in basso a sinistra.
Una serie di "Ninfee" di Claude Monet è chiamata dai professionisti solo come la "Cappella Sistina dell'Impressionismo". Il ciclo è composto da circa 250 dipinti realizzati dall'artista negli ultimi trent'anni della sua vita sul sito della sua casa a Giverny. Oggi sono esposti nei musei di tutto il mondo. È sorprendente che Monet ne abbia scritte la maggior parte quando soffriva di cataratta agli occhi e perse la lente sinistra.
Ballo al Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876
Il famoso capolavoro dell’impressionismo è spesso descritto dagli storici della pittura come “la più bella tela artistica del XIX secolo”. Il dipinto raffigura una tipica domenica pomeriggio al Moulin de la Galette a Montmartre. Sotto il cielo aperto, Renoir ha raffigurato una pista da ballo e un caffè vicino a casa sua: all'artista piaceva guardare le coppie felici e aggraziate. Per lui era l’ambiente ideale per la creatività. “Ballo al Moulin de la Galette” è un abile ritratto di gruppo, natura morta e paesaggio allo stesso tempo. Inoltre, questa è l'opera più ambiziosa di Renoir: l'artista non ha mai raffigurato aspetti della vita quotidiana su una tela di tali dimensioni - 131x175 cm La versione ridotta del dipinto è tra le dieci opere d'arte più costose vendute.
Impressione. Sol Levante, Claude Monet, 1872
Un dipinto iconico che ha dato un nome all'intero movimento artistico (dal francese impression - "impressione") e ne è diventato la quintessenza. Inizialmente, la tela, creata da Monet nel porto di Le Havre, fu fatta a pezzi dai critici, e il termine “impressionismo” nacque in una recensione satirica del giornalista Louis Leroy, che scrisse: “Carta da parati, e quelle sarebbero sembrate finite , non che questa sia una “Impressione”!” Un dettaglio interessante: se fai una copia in bianco e nero di quest'opera, il sole scomparirà quasi completamente.
Colazione sull'erba Edouard Manet 1862-1863
La scena raffigurante una donna nuda che cena con due uomini completamente vestiti fu inizialmente considerata un insulto: l'artista fu accusato di decadenza e di cattivo gusto. Alla foto non è stato permesso di partecipare al Salon di Parigi. Era davvero una dichiarazione audace a favore della libertà della personalità dell'artista.
Strada parigina in una giornata piovosa, Gustave Caillebotte, 1877
Considerata una delle opere più celebri della vita urbana del XIX secolo. Il dipinto raffigura Piazza Dublino vicino all'incrocio con Via Moskva vicino alla stazione di Parigi Saint-Lazare. La colonna della lanterna e la linea dell'orizzonte, per così dire, dividono l'immagine in quattro quadranti. Tutte le persone qui si muovono in direzioni diverse, come se enfatizzassero la loro impersonalità, isolamento, solitudine in una città in via di sviluppo. Inoltre, Caillebotte trasmette magistralmente la sensazione di pioggia con l'aiuto dell'illuminazione e dell'assenza di forti ombre sulla strada.
La colazione dei rematori, Pierre-Auguste Renoir
La colazione dei rematori, Pierre-Auguste Renoir, 1880-1881
Un ritratto romanticizzato degli amici di Renoir che si godono una serata su un balcone lungo la Senna. Tra le persone nella foto puoi vedere la futura moglie dell'autore (la modella Alina Sharigo - una signora con un cane), e un altro famoso impressionista - Gustave Caillebotte (a destra con un cappello di paglia). Il dipinto rappresenta la natura mutevole della società francese alla fine del XIX secolo a seguito della rivoluzione industriale.
Pont Boildieu a Rouen in una giornata piovosa, Camille Pizarro, 1896
Questo famoso dipinto di Degas è una rappresentazione artistica dell'esclusione sociale nella Parigi durante la sua fase di boom. Il dipinto raffigura una donna che guarda con indifferenza un bicchiere di assenzio davanti a sé e, ovviamente, non la prima. Seduto accanto a lei c'è un uomo che sembra un alcolizzato. In effetti, i ruoli degli eroi “umiliati e insultati” sono stati interpretati dall'artista Marcelin Debutin e dall'attrice Ellen Andre. Inizialmente, i critici rimasero scioccati dall’atmosfera di degrado e decadenza che regnava sulla tela. E alcuni lo hanno visto come un avvertimento contro il bere eccessivo.
Pavimento in parquet, Gustave Caillebotte, 1875
Uno dei primi dipinti raffiguranti la classe operaia urbana. Caillebotte esemplifica un incrollabile interesse per la vita di tutti i giorni. Nota con quanta precisione l'artista ha catturato la luce che entra dalla finestra e le ombre. Il dipinto è realistico quanto una fotografia, ma venne comunque rifiutato dalle mostre e dai salotti d'arte più prestigiosi: la raffigurazione di uomini operai seminudi era considerata un "soggetto volgare".
Dettagli Categoria: Una varietà di stili e tendenze nell'arte e le loro caratteristiche Inserito il 04/01/2015 14:11 Visualizzazioni: 10630L'impressionismo è una tendenza artistica nata nella seconda metà del XIX secolo. Il suo obiettivo principale era trasmettere impressioni fugaci e mutevoli.
L'emergere dell'impressionismo è associato alla scienza: alle ultime scoperte dell'ottica e della teoria dei colori.
Questa direzione ha influenzato quasi tutti i tipi di arte, ma si è manifestata più chiaramente nella pittura, dove il trasferimento di colore e luce era la base del lavoro degli artisti impressionisti.
Significato del termine
Impressionismo(fr. Impressionnisme) da impressione - impressione). Questo stile di pittura apparve in Francia alla fine degli anni '60 dell'Ottocento. Era rappresentato da Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Ma il termine stesso apparve nel 1874, quando il dipinto di Monet “Impression. Sole nascente (1872). Nel titolo del dipinto, Monet intendeva trasmettere solo la sua fugace impressione del paesaggio.
C. Monet “Impressione. Alba" (1872). Museo Marmottan Monet, Parigi
Successivamente, il termine "impressionismo" nella pittura cominciò ad essere inteso in modo più ampio: uno studio attento della natura in termini di colore e illuminazione. L’obiettivo degli impressionisti era quello di rappresentare situazioni e movimenti istantanei, per così dire, “casuali”. Per fare questo, hanno utilizzato varie tecniche: angoli complessi, asimmetria, frammentazione delle composizioni. L'immagine degli artisti impressionisti diventa, per così dire, un momento congelato di un mondo in costante cambiamento.
Il metodo artistico degli impressionisti
I generi più popolari degli impressionisti sono i paesaggi e le scene della vita urbana. Erano sempre scritti "all'aria aperta", cioè direttamente dalla natura, in natura, senza schizzi e schizzi preliminari. Gli impressionisti notarono e riuscirono a trasmettere sulla tela colori e sfumature, solitamente invisibili ad occhio nudo e ad uno spettatore disattento. Ad esempio, renderizzare il blu nelle ombre o il rosa al tramonto. Hanno scomposto i toni complessi nei colori puri costituenti dello spettro. Da ciò, la loro pittura si è rivelata leggera e tremolante. I pittori impressionisti applicavano la pittura in tratti separati, in modo libero e persino distratto, quindi i loro dipinti si vedono meglio da lontano: è con questo aspetto che viene creato l'effetto di un vivace sfarfallio di colori.
Gli impressionisti abbandonarono il contorno, sostituendolo con piccoli tratti separati e contrastanti.
K. Pissarro, A. Sisley e C. Monet preferivano paesaggi e scene urbane. A O. Renoir piaceva rappresentare le persone in seno alla natura o all'interno. L'impressionismo francese non ha sollevato questioni filosofiche e sociali. Non si sono rivolti ad argomenti biblici, letterari, mitologici e storici inerenti all'accademismo ufficiale. Sulle tele pittoresche appariva invece l'immagine della quotidianità e della modernità; l'immagine di persone in movimento, mentre si rilassano o si divertono. I loro soggetti principali sono il flirt, la danza, la gente nei bar e nei teatri, le gite in barca, le spiagge e i giardini.
Gli impressionisti cercavano di catturare un'impressione fugace, i più piccoli cambiamenti in ogni soggetto, a seconda dell'illuminazione e dell'ora del giorno. A questo proposito, i cicli di dipinti di Monet "Haystacks", "Cattedrale di Rouen" e "Parlamento di Londra" possono essere considerati il risultato più alto.
C. Monet "Cattedrale di Rouen al sole" (1894). Museo d'Orsay, Parigi, Francia
"Cattedrale di Rouen" è una serie di 30 dipinti di Claude Monet, che rappresentano vedute della cattedrale a seconda dell'ora del giorno, dell'anno e dell'illuminazione. Questo ciclo è stato scritto dall'artista negli anni Novanta dell'Ottocento. La cattedrale gli ha permesso di mostrare la relazione tra la struttura costante e solida dell'edificio e la luce mutevole e facilmente giocosa che cambia la nostra percezione. Monet si concentra sui singoli frammenti della cattedrale gotica e sceglie il portale, la torre di San Martino e la torre di Albane. A lui interessa solo il gioco della luce sulla pietra.
C. Monet "Cattedrale di Rouen, portale ovest, tempo nebbioso" (1892). Museo d'Orsay, Parigi
C. Monet “Cattedrale di Rouen, portale e torre, effetto mattutino; armonia bianca" (1892-1893). Museo d'Orsay, Parigi
C. Monet "Cattedrale di Rouen, portale e torre al sole, armonia d'azzurro e d'oro" (1892-1893). Museo d'Orsay, Parigi
Dopo la Francia, gli artisti impressionisti compaiono in Inghilterra e negli Stati Uniti (James Whistler), in Germania (Max Lieberman, Lovis Corinth), in Spagna (Joaquin Sorolla), in Russia (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).
Sul lavoro di alcuni artisti impressionisti
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet, fotografia 1899
Pittore francese, uno dei fondatori dell'impressionismo. Nato a Parigi. Appassionato di disegno fin da bambino, già all'età di 15 anni si dimostrò un talentuoso fumettista. Eugene Boudin, artista francese, precursore dell'impressionismo, lo introdusse alla pittura di paesaggio. Monet in seguito entrò all'università presso la Facoltà di Lettere, ma rimase deluso e lo lasciò, iscrivendosi allo studio di pittura di Charles Gleyre. Nello studio incontra gli artisti Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille. Erano praticamente coetanei, avevano opinioni simili sull'arte e presto formarono la spina dorsale del gruppo impressionista.
La fama di Monet fu portata dal ritratto di Camille Donsier, dipinto nel 1866 ("Camille, o un ritratto di una signora in abito verde"). Camilla nel 1870 divenne la moglie dell'artista.
C. Monet "Camilla" ("La signora in verde") (1866). Kunsthalle, Brema
C. Monet "Passeggiata: Camille Monet con il figlio Jean (Donna con l'ombrello)" (1875). Galleria Nazionale d'Arte, Washington
Nel 1912, i medici diagnosticarono a K. Monet una doppia cataratta, dovette sottoporsi a due operazioni. Avendo perso la lente dell'occhio sinistro, Monet riacquistò la vista, ma iniziò a vedere la luce ultravioletta come blu o viola, motivo per cui i suoi dipinti acquisirono nuovi colori. Ad esempio, quando dipingeva le famose "Ninfee", Monet vedeva i gigli bluastri nella gamma degli ultravioletti, per gli altri erano semplicemente bianchi.
C. Monet “Ninfee”
L'artista morì il 5 dicembre 1926 a Giverny e fu sepolto nel cimitero della chiesa locale.
Camille Pissarro (1830-1903)
C. Pissarro “Autoritratto” (1873)
Pittore francese, uno dei primi e più coerenti rappresentanti dell'impressionismo.
Nato sull'isola di San Tommaso (Indie occidentali), in una famiglia borghese di ebreo sefardita e originario della Repubblica Dominicana. Fino all'età di 12 anni ha vissuto nelle Indie Occidentali, all'età di 25 anni si è trasferito a Parigi con tutta la sua famiglia. Qui studiò alla Scuola di Belle Arti e all'Accademia di Svizzera. I suoi insegnanti furono Camille Corot, Gustave Courbet e Charles-Francois Daubigny. Iniziò con paesaggi rurali e vedute di Parigi. Pissarro esercitò una forte influenza sugli impressionisti, sviluppando autonomamente molti dei principi che costituivano la base del loro stile pittorico. Era amico degli artisti Degas, Cézanne e Gauguin. Pizarro è stato l'unico partecipante a tutte le 8 mostre impressioniste.
Morì nel 1903 a Parigi. Fu sepolto nel cimitero di Père Lachaise.
Già nei suoi primi lavori l'artista prestava particolare attenzione alla rappresentazione di oggetti illuminati nell'aria. Da allora la luce e l'aria sono diventate il tema principale dell'opera di Pissarro.
C. Pissarro “Boulevard Montmartre. Pomeriggio soleggiato" (1897)
nel 1890 Pizarro si interessò alla tecnica del puntinismo (applicazione separata dei tratti). Ma dopo un po' ritornò ai suoi soliti modi.
Negli ultimi anni della sua vita, la vista di Camille Pissarro si deteriorò notevolmente. Ma continuò a lavorare e creò una serie di vedute di Parigi, piene di emozioni artistiche.
K. Pissarro "Via di Rouen"
L'angolazione insolita di alcuni dei suoi dipinti è spiegata dal fatto che l'artista li ha dipinti dalle camere d'albergo. Questa serie è stata uno dei più alti risultati dell'impressionismo nel trasferimento della luce e degli effetti atmosferici.
Pissarro dipinse anche ad acquerello e creò una serie di acqueforti e litografie.
Ecco alcune delle sue interessanti dichiarazioni sull'arte dell'impressionismo: "Gli impressionisti sono sulla strada giusta, la loro arte è sana, si basa sulle sensazioni ed è onesta".
“Felice è colui che riesce a vedere la bellezza nelle cose ordinarie, dove gli altri non vedono nulla!”
C. Pissarro “Il primo gelo” (1873)
Impressionismo russo
L'impressionismo russo si è sviluppato tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. È stato influenzato dal lavoro degli impressionisti francesi. Ma l’impressionismo russo ha una pronunciata specificità nazionale e per molti aspetti non coincide con le idee dei libri di testo sull’impressionismo classico francese. L'oggettività e la materialità predominano nella pittura degli impressionisti russi. Ha un maggior carico di significato e una minore dinamizzazione. L'impressionismo russo è più vicino dell'impressionismo francese al realismo. Gli impressionisti francesi enfatizzavano l'impressione di ciò che vedevano, mentre i russi aggiungevano anche un riflesso dello stato interiore dell'artista. Il lavoro doveva essere completato in una sessione.
Una certa incompletezza dell'impressionismo russo crea il "soggezione per la vita" che li caratterizzava.
L'impressionismo include il lavoro di artisti russi: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov e altri.
V. Serov "La ragazza con le pesche" (1887)
Questa immagine è considerata lo standard dell'impressionismo russo nel ritratto.
Valentin Serov "La ragazza con le pesche" (1887). Tela, olio. 91×85 cm Galleria Statale Tretyakov
Il dipinto è stato dipinto nella tenuta di Savva Ivanovich Mamontov ad Abramtsevo, che acquistò dalla figlia dello scrittore Sergei Aksakov nel 1870. Il ritratto raffigura la dodicenne Vera Mamontova. La ragazza è raffigurata seduta al tavolo; indossa una camicetta rosa con un fiocco blu scuro; sul tavolo c'è un coltello, pesche e foglie.
“Tutto quello che volevo era la freschezza, quella freschezza speciale che senti sempre nella natura e che non vedi nelle foto. Ho scritto per più di un mese e l'ho esaurita, poverina, a morte, volevo davvero preservare la freschezza della pittura con completa completezza - così facevano i vecchi maestri ”(V. Serov).
Impressionismo in altre forme d'arte
Nella letteratura
Nella letteratura, l’impressionismo come tendenza separata non ha preso forma, ma le sue caratteristiche si sono riflesse naturalismo E simbolismo .
Edmond e Jules Goncourt. Foto
I principi naturalismo può essere rintracciato nei romanzi dei fratelli Goncourt e di George Eliot. Ma Emile Zola fu il primo a usare il termine "naturalismo" per riferirsi alla propria opera. Intorno a Zola si raggrupparono gli scrittori Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans e Paul Alexis. Dopo la pubblicazione della raccolta Medan Evenings (1880) con storie franche sui disastri della guerra franco-prussiana (inclusa la storia di Maupassant Dumpling), fu loro assegnato il nome del gruppo Medan.
Emilio Zola
Il principio naturalistico in letteratura è stato spesso criticato per la sua mancanza di artisticità. Ad esempio, I. S. Turgenev ha scritto su uno dei romanzi di Zola che "si scava molto nei vasi da notte". Anche Gustave Flaubert era critico nei confronti del naturalismo.
Zola mantenne rapporti amichevoli con molti pittori impressionisti.
Simbolisti simboli usati, eufemismo, suggerimenti, mistero, mistero. Lo stato d'animo principale catturato dai simbolisti era il pessimismo, che arrivava alla disperazione. Tutto ciò che è “naturale” sembrava essere solo “apparenza”, priva di valore artistico autonomo.
Pertanto, l'impressionismo in letteratura era espresso dall'impressione privata dell'autore, dal rifiuto di un'immagine oggettiva della realtà, dall'immagine di ogni momento. Di fatto, ciò ha portato all’assenza di trama e storia, alla sostituzione del pensiero con la percezione e della ragione con l’istinto.
G. Courbet "Ritratto di P. Verlaine" (1866 circa)
Un esempio lampante di impressionismo poetico è la raccolta Romances Without Words (1874) di Paul Verlaine. In Russia, l'influenza dell'impressionismo fu sperimentata da Konstantin Balmont e Innokenty Annensky.
V. Serov "Ritratto di K. Balmont" (1905)
Innokenty Annensky. Foto
Questi sentimenti hanno influenzato anche la drammaturgia. Nelle commedie c'è una percezione passiva del mondo, un'analisi degli stati d'animo, degli stati mentali. I dialoghi concentrano fugaci impressioni disparate. Queste caratteristiche sono caratteristiche del lavoro di Arthur Schnitzler.
Nella musica
L'impressionismo musicale si sviluppò in Francia nell'ultimo quarto del XIX secolo. - l'inizio del XX secolo. È stato espresso più chiaramente nelle opere di Eric Satie, Claude Debussy e Maurice Ravel.
Eric Sati
L'impressionismo musicale è vicino all'impressionismo nella pittura francese. Non hanno solo radici comuni, ma anche relazioni di causa-effetto. I compositori impressionisti cercarono e trovarono non solo analogie, ma anche mezzi espressivi nelle opere di Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes e Henri de Toulouse-Lautrec. Naturalmente, i mezzi della pittura e i mezzi dell'arte musicale possono essere collegati tra loro solo con l'aiuto di paralleli associativi speciali e sottili che esistono solo nella mente. Se guardi l'immagine vaga di Parigi “sotto la pioggia autunnale” e gli stessi suoni “soffocati dal rumore delle gocce che cadono”, allora qui puoi solo parlare della proprietà dell'immagine artistica, ma non dell'immagine reale.
Claude Debussy
Debussy scrive "Nuvole", "Stampe" (la più figurativa delle quali, uno schizzo sonoro ad acquerello - "Giardini sotto la pioggia"), "Immagini", "Riflessi sull'acqua", che evocano associazioni dirette con il famoso dipinto di Claude Monet "Impressione: Alba". Secondo le parole di Mallarmé, i compositori impressionisti impararono a “sentire la luce”, a trasmettere in suoni il movimento dell'acqua, la vibrazione delle foglie, il soffio del vento e la rifrazione della luce solare nell'aria della sera.
Maurizio Ravel
M. Ravel ha collegamenti diretti tra pittura e musica nel suo sonoro-pittorico "Il gioco dell'acqua", il ciclo di brani "Riflessioni", la raccolta per pianoforte "Rustle of the Night".
Gli impressionisti hanno creato opere d'arte raffinate e allo stesso tempo chiare nei mezzi espressivi, emotivamente sobrie, prive di conflitti e rigorose nello stile.
Nella scultura
O. Rodin "Il bacio"
L'impressionismo nella scultura si esprimeva nella libera plasticità delle forme morbide, che crea un complesso gioco di luce sulla superficie del materiale e una sensazione di incompletezza. Nelle pose dei personaggi scultorei viene catturato il momento del movimento e dello sviluppo.
O. Rodin. Fotografia 1891
Questa direzione comprende le opere scultoree di O. Rodin (Francia), Medardo Rosso (Italia), P.P. Trubetskoy (Russia).
V. Serov "Ritratto di Paolo Trubetskoy"
Pavel (Paolo) Trubetskoy(1866-1938) - scultore e artista, lavorò in Italia, Stati Uniti, Inghilterra, Russia e Francia. Nato in Italia. Il figlio illegittimo di un emigrante russo, il principe Pyotr Petrovich Trubetskoy.
Fin dall'infanzia scolpisco e dipingo da solo. Non aveva istruzione. Nel periodo iniziale del suo lavoro realizza busti-ritratto, opere di piccole arti plastiche e partecipa a concorsi per la realizzazione di grandi sculture.
P. Trubetskoy "Monumento ad Alessandro III", San Pietroburgo
La prima mostra delle opere di Paolo Trubetskoy ebbe luogo negli Stati Uniti nel 1886. Nel 1899 lo scultore venne in Russia. Partecipa al concorso per la realizzazione di un monumento ad Alessandro III e, inaspettatamente per tutti, riceve il primo premio. Questo monumento ha causato e continua a causare valutazioni contrastanti. È difficile immaginare un monumento più statico e pesante. E solo una valutazione positiva della famiglia imperiale ha permesso al monumento di prendere il posto giusto: hanno trovato somiglianze con l'originale nell'immagine scultorea.
I critici credevano che Trubetskoy lavorasse nello spirito dell '"impressionismo obsoleto".
L'immagine di Trubetskoy del brillante scrittore russo si è rivelata più "impressionistica": qui c'è chiaramente movimento - nelle pieghe della camicia, nella barba fluente, nel giro della testa, c'è persino la sensazione che lo scultore sia riuscito a catturare la tensione del pensiero di L. Tolstoj.
P. Trubetskoy "Busto di Leone Tolstoj" (bronzo). Galleria statale Tretyakov
“Un nuovo mondo è nato quando gli impressionisti lo hanno dipinto”
Henri Kahnweiler
19esimo secolo. Francia. Nella pittura è successo l’impensabile. Un gruppo di giovani artisti ha deciso di scuotere una tradizione lunga 500 anni. Invece di un disegno chiaro, hanno usato un’ampia pennellata “sciatta”.
E hanno abbandonato completamente le solite immagini. Raffigurare tutti. E signore di facile virtù e gentiluomini di dubbia reputazione.
Il pubblico non era pronto per la pittura impressionista. Sono stati ridicolizzati e rimproverati. E, soprattutto, non hanno comprato nulla da loro.
Ma la resistenza è stata spezzata. E una parte degli impressionisti visse abbastanza da vedere il loro trionfo. È vero, avevano già più di 40 anni. Come Claude Monet o Auguste Renoir. Alcuni aspettavano il riconoscimento solo alla fine della loro vita, come Camille Pissarro. Qualcuno non è stato all'altezza, come Alfred Sisley.
Che rivoluzionario ha fatto ciascuno di loro? Perché il pubblico non li ha accettati per così tanto tempo? Ecco 7 dei più famosi impressionisti francesi. Chi conosce il mondo intero.
1. Édouard Manet (1832 - 1883)
Edoardo Mane. Autoritratto con tavolozza. 1878 Collezione privataManet era più vecchio della maggior parte degli impressionisti. Era la loro principale ispirazione per il cambiamento.
Lo stesso Manet non pretendeva di essere il leader dei rivoluzionari. Era un uomo di mondo. Sognavo premi ufficiali.
Ma ha aspettato molto tempo per il riconoscimento. Il pubblico voleva vedere le dee greche. O, nel peggiore dei casi, nature morte. Per fare bella figura in sala da pranzo. Manet voleva dipingere la vita moderna. Ad esempio, le cortigiane.
Il risultato è stato "Colazione sull'erba". Due dandy riposano in compagnia di dame di facili costumi. Uno di loro, come se nulla fosse, si siede accanto a uomini vestiti.
Edoardo Mane. Colazione sull'erba. 1863, Parigi Confronta la sua "Colazione sull'erba" con "Romani in declino" di Thomas Couture. Il dipinto di Couture ha fatto scalpore. L'artista divenne subito famoso.
"Colazione sull'erba" è stata accusata di volgarità. Alle donne incinte non era raccomandato in tutta serietà di guardarla.
Tommaso Alta Moda. Romani in declino. 1847 Museo d'Orsay, Parigi. artchive.ru Nella pittura di Couture vediamo tutti gli attributi dell'accademismo (pittura tradizionale dei secoli XVI-XIX). Colonne e statue. Popolo apollineo. Colori tenui tradizionali. Il manierismo delle posture e dei gesti. Una trama di una vita lontana di un popolo completamente diverso.
“Colazione sull’erba” di Manet è un formato diverso. Prima di lui nessuno ritraeva così facilmente le cortigiane. Vicino ai cittadini rispettabili. Sebbene molti uomini di quel tempo trascorressero il loro tempo libero in questo modo. Vita vera di persone vere.
Una volta ho scritto a una signora rispettabile. Brutto. Non poteva lusingarla con un pennello. La signora rimase delusa. Lo lasciò in lacrime.
Edoardo Mane. Angelina. 1860 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org Quindi ha continuato a sperimentare. Ad esempio, con il colore. Non ha cercato di rappresentare il cosiddetto colore naturale. Se vedeva l'acqua grigio-marrone come un blu brillante, la raffigurava come un blu brillante.
Questo, ovviamente, ha infastidito il pubblico. Dopotutto, anche il Mar Mediterraneo non può vantare un blu come quello dell'acqua di Manet, scherzavano.
Edoardo Mane. Argenteuil. 1874 Museo delle Belle Arti, Tournai, Belgio. wikipedia.org Ma resta il fatto. Manet ha cambiato radicalmente lo scopo della pittura. L'immagine è diventata l'incarnazione dell'individualità dell'artista. Chi scrive come vuole. Dimentica schemi e tradizioni.
Tutte le innovazioni non lo hanno perdonato per molto tempo. Il riconoscimento è atteso solo alla fine della vita. Quando non ne aveva più bisogno. Stava morendo agonizzante a causa di una malattia incurabile.
2. Claude Monet (1840 - 1926)
Claude Monet. Autoritratto con berretto. 1886 Collezione privata Claude Monet può essere definito un Cristoforo impressionista. Poiché è stato fedele a questa direzione per tutta la sua lunga vita.
Non dipinse oggetti e persone, ma una costruzione monocromatica di luci e macchie. Tratti separati. Tremore dell'aria.
Claude Monet. Piscina per bambini. 1869 Museo Metropolitano d'Arte, New York. Metmuseum.org Monet non dipingeva solo la natura. Era anche bravo nei paesaggi urbani. Uno dei più famosi - .
C'è molta fotografia in questo dipinto. Ad esempio, il movimento viene trasmesso utilizzando un'immagine sfocata.
Presta attenzione, gli alberi e le figure distanti sembrano essere confusi.
Claude Monet. Boulevard des Capucines a Parigi. 1873 (Galleria d'arte europea e americana dei secoli XIX-XX), Mosca Davanti a noi c'è un momento fermo della vivace vita di Parigi. Nessuna messa in scena. Nessuno è in posa. Le persone sono raffigurate come una raccolta di tratti. Tale mancanza di trama e l’effetto “fermo immagine” sono la caratteristica principale dell’impressionismo.
Verso la metà degli anni ’80, gli artisti erano rimasti delusi dall’impressionismo. L'estetica è, ovviamente, buona. Ma la mancanza di trama di molti oppressi.
Solo Monet continuava a persistere. Ipertrofia dell'impressionismo. Ciò che si è sviluppato in una serie di dipinti.
Ha raffigurato lo stesso paesaggio decine di volte. In diversi momenti della giornata. In diversi periodi dell'anno. Per mostrare quanto la temperatura e la luce possano cambiare la stessa visione rendendola irriconoscibile.
Così apparvero innumerevoli pagliai.
Dipinti di Claude Monet al Museum of Fine Arts di Boston. A sinistra: Mucchi di fieno al tramonto a Giverny, 1891 A destra: Mucchi di fieno (effetto neve), 1891
Tieni presente che le ombre in questi dipinti sono colorate. E non grigio o nero, come era consuetudine prima degli impressionisti. Questa è un'altra loro caratteristica.
Monet è riuscito a godere del successo e del benessere materiale. Dopo i 40 anni si era già dimenticato della povertà. Ha ottenuto una casa e un bellissimo giardino. E lo fece per il suo piacere per molti anni a venire.
Leggi il dipinto più iconico del maestro nell'articolo
3. Auguste Renoir (1841 - 1919)
Pierre-Auguste Renoir. Auto ritratto. 1875 Sterling e Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest L'impressionismo è il dipinto più positivo. E il più positivo tra gli impressionisti fu Renoir.
Non troverai drammaticità nei suoi dipinti. Non ha nemmeno usato la vernice nera. Solo la gioia di esistere. Anche il Renoir più banale sembra bellissimo.
A differenza di Monet, Renoir dipingeva le persone più spesso. I paesaggi per lui erano meno significativi. Nei suoi dipinti, i suoi amici e conoscenti si rilassano e si godono la vita.
Pierre-Auguste Renoir. Colazione dei vogatori. 1880-1881 Collezione Phillips, Washington, Stati Uniti. wikimedia.commons.org Non troverai in Renoir e premurosità. Era molto felice di unirsi agli impressionisti. Quali sondaggi hanno rifiutato le trame.
Come lui stesso ha affermato, finalmente ha la possibilità di scrivere fiori e di chiamarli semplicemente “Fiori”. E non inventare storie su di loro.
Pierre-Auguste Renoir. Donna con un ombrellone in giardino. 1875 Museo Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com Renoir si sentiva meglio in compagnia delle donne. Chiese alle sue ancelle di cantare e scherzare. Più la canzone era stupida e ingenua, meglio era per lui. Le chiacchiere di un uomo lo stancavano. Non c'è da stupirsi che Renoir sia noto per i suoi nudi.
La modella nel dipinto “Nude in Sunlight” sembra apparire su uno sfondo astratto colorato. Perché per Renoir non c'è nulla di secondario. L'occhio della modella o l'area dello sfondo sono equivalenti.
Pierre-Auguste Renoir. Nudo alla luce del sole. 1876 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org Renoir ha vissuto una lunga vita. E non posare mai pennello e tavolozza. Anche quando le sue mani erano completamente ammanettate dai reumatismi, legò la spazzola al braccio con una corda. E ha dipinto.
Come Monet, aspettava il riconoscimento dopo 40 anni. E ho visto i miei dipinti al Louvre, accanto alle opere di maestri famosi.
Leggi l'articolo su uno dei ritratti più affascinanti di Renoir
4. Edgar Degas (1834 - 1917)
Edgar Degas. Auto ritratto. 1863 Museo Calouste Gulbenkian, Lisbona, Portogallo. cultured.com Degas non era un impressionista classico. Non gli piaceva lavorare all'aria aperta (open air). Con lui non troverai una tavolozza volutamente illuminata.
Al contrario, amava una linea chiara. Ha un sacco di nero. E ha lavorato esclusivamente in studio.
Ma è sempre messo alla pari con gli altri grandi impressionisti. Perché era un impressionista del gesto.
Angoli inaspettati. Asimmetria nella disposizione degli oggetti. Personaggi presi alla sprovvista. Tutti questi sono gli attributi principali dei suoi dipinti.
Ha fermato il momento della vita, non permettendogli di riprendere i sensi. Guarda almeno la sua “Orchestra dell'Opera”.
Edgar Degas. Orchestra dell'Opera. 1870 Museo d'Orsay, Parigi. commons.wikimedia.org In primo piano c'è lo schienale di una sedia. Il musicista ci dà le spalle. E sullo sfondo, le ballerine sul palco non rientravano nella “cornice”. Le loro teste vengono "tagliate" senza pietà dal bordo dell'immagine.
Pertanto, i ballerini da lui tanto amati non sono sempre raffigurati in bellissime pose. A volte semplicemente si allungano.
Ma tale improvvisazione è immaginaria. Naturalmente, Degas ha pensato attentamente alla composizione. Questo è solo un effetto fermo immagine, non un vero fermo immagine.
Edgar Degas. Due ballerini. 1879 Museo Shelbourne, Wermouth, Stati Uniti Edgar Degas amava dipingere le donne. Ma la malattia o le caratteristiche del corpo non gli permettevano di avere un contatto fisico con loro. Non si è mai sposato. Nessuno lo ha mai visto con una donna.
L'assenza di trame reali nella sua vita personale aggiungeva alle sue immagini un erotismo sottile e intenso.
Edgar Degas. Stella del balletto. 1876-1878 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.comons.org Si prega di notare che nella foto "Ballet Star" è disegnata solo la ballerina stessa. I suoi colleghi nel backstage sono appena distinguibili. Solo poche gambe.
Ciò non significa che Degas non abbia finito il quadro. Questa è l'accoglienza. Mantieni a fuoco solo le cose più importanti. Fai sparire il resto, illeggibile.
Leggi altri dipinti del maestro nell'articolo.
5. Berthe Morisot (1841 - 1895)
Edoardo Mane. Ritratto di Berthe Morisot. 1873 Museo Marmottan Monet, Parigi. Bertha Morisot è raramente messa in prima fila tra i grandi impressionisti. Sono sicuro che non sia meritato. Solo in lei troverai tutte le principali caratteristiche e tecniche dell'impressionismo. E se ti piace l'impressionismo, adorerai il suo lavoro con tutto il cuore.
Morisot lavorò velocemente e con impeto. Trasferire la tua impressione sulla tela. Le figure sembrano sul punto di dissolversi nello spazio.
Berthe Morisot. Estate. 1880 Museo Fabre, Montpellier, Francia. Come Degas, spesso non completava alcuni dettagli. E anche parti del corpo della modella. Non è possibile distinguere le mani della ragazza nel dipinto “Estate”.
Il percorso di Morisot verso l'espressione di sé è stato difficile. Non solo era impegnata nella pittura “sciatta”. Era ancora una donna. A quei tempi, una donna avrebbe dovuto sognare di sposarsi. Successivamente, tutti gli hobby furono dimenticati.
Pertanto, Berta ha rifiutato a lungo il matrimonio. Finché non trovò un uomo che trattava rispettosamente la sua occupazione. Eugene Manet era il fratello del pittore Edouard Manet. Desiderava doverosamente il cavalletto e i colori di sua moglie.
Berthe Morisot. Eugenio Manet con sua figlia a Bougival. 1881 Museo Marmottan Monet, Parigi. Ma eravamo ancora nel XIX secolo. No, Morisot non portava i pantaloni. Ma non poteva permettersi la completa libertà di movimento.
Non poteva andare al parco a lavorare da sola. Non accompagnato da qualcuno vicino. Non potevo sedermi da solo in un bar. Pertanto, i suoi dipinti rappresentano persone della cerchia familiare. Marito, figlia, parenti.
Berthe Morisot. Una donna con un bambino in un giardino a Bougival. 1881 Museo Nazionale del Galles, Cardiff. Morisot non ha aspettato il riconoscimento. Morì all'età di 54 anni di polmonite. Non ha venduto quasi nessuno dei suoi lavori durante la sua vita. Nel certificato di morte nella colonna "occupazione" c'era un trattino. Era impensabile che una donna potesse essere definita artista. Anche se lo era davvero.
Leggi i dipinti del maestro nell'articolo
6. Camille Pissarro (1830 - 1903)
Camille Pissarro. Auto ritratto. 1873 Museo d'Orsay, Parigi. wikipedia.org Camille Pissarro. Non conflittuale, ragionevole. Molti lo consideravano un insegnante. Anche i colleghi più capricciosi non parlavano male di Pissarro.
Era un fedele seguace dell'impressionismo. Nel disperato bisogno, con cinque figli e una moglie, continuava a lavorare sodo con lo stesso stile. E non sono mai passato alla pittura da salone. Per diventare più popolare. Non si sa dove abbia preso la forza di credere pienamente in se stesso.
Per non morire affatto di fame, Pissarro dipingeva dei ventagli. che furono prontamente venduti. E il vero riconoscimento gli è arrivato dopo 60 anni! Quando finalmente riuscì a dimenticare la necessità.
Camille Pissarro. Diligenza a Louveciennes. 1869 Museo d'Orsay, Parigi L'aria nei dipinti di Pissarro è densa e densa. Fusione insolita di colore e volume.
L'artista non aveva paura di dipingere i fenomeni più mutevoli della natura. Che apparirà per un attimo e scomparirà. Prima neve, sole gelido, ombre lunghe.
Camille Pissarro. Gelo. 1873 Museo d'Orsay, Parigi Le sue opere più famose sono vedute di Parigi. Con ampi viali, folla vanitosa ed eterogenea. Di notte, di giorno, con tempo diverso. Qualcosa in comune con una serie di dipinti di Claude Monet.