Il paesaggio definiva più chiaramente il volto della cultura cinese medievale. In Cina, molto prima che in altri paesi, è stata fatta una sorta di scoperta estetica della natura ed è apparsa la pittura di paesaggio. Formatosi all'alba del Medioevo, non solo divenne espressione dell'ideale spirituale del tempo, ma portò anche le sue tradizioni stabili attraverso i secoli, conservandole fino ai nostri giorni, senza perdere né la poesia né un legame vivo con il mondo . Nonostante l'insolito del linguaggio artistico, ci emoziona ancora con una profonda penetrazione poetica nel mondo naturale, la sottigliezza della sua comprensione, la sincerità del sentimento. La vigilanza, l'inconfondibile accuratezza del disegno, il desiderio degli artisti di comprendere il mondo nella sua diversità sono la forza e il fascino della pittura paesaggistica tradizionale cinese, che ci fa provare un'eccitazione emotiva quando la conosciamo.
R La prima apparizione del paesaggio nell'arte cinese è associata al rapporto speciale dell'uomo con la natura, che si è sviluppato nell'antichità. In Cina - un paese di alte montagne e grandi fiumi, dove la vita del contadino dipendeva interamente dalla volontà degli elementi e l'uomo stesso era considerato parte della natura - il mondo naturale divenne molto presto oggetto di riflessione filosofica. L'inevitabile ripetizione dei cicli naturali, il cambiamento delle stagioni e degli stati d'animo della natura associati alla vita umana, già nei tempi antichi, era spiegata dall'interazione di due grandi principi polari: buio passivo e luce attiva, femminile e maschile - yin e yang.
Li Zhaodao. Viaggiatori in montagna.
Frammento di cartiglio su seta.
Fine VII - inizio VIII secolo Collezione del Museo del Palazzo, Taiwan
L'armonia dell'Universo era determinata dall'unione creatrice di queste due grandi forze dell'universo, e il ciclo della natura era rappresentato come il risultato dell'alternanza di cinque elementi (acqua, legno, fuoco, metallo e terra), ognuno dei quali che corrispondeva al lato del mondo, la stagione.
Le montagne e l'acqua nelle menti dei cinesi incarnavano le forze più importanti dell'universo: energia e pace, attività e passività. I cinesi li adoravano come santuari. Il concetto stesso del paesaggio "shan shui" deriva da una combinazione di due geroglifici: "shan" - montagna e "shui" - acqua. Pertanto, i motivi principali del paesaggio cinese sono stati fissati nel termine stesso "shan shui" e sono stati incarnati i concetti di base dell'antica filosofia naturale.
Il sistema di simboli e forme originariamente stabilito si sviluppò gradualmente e divenne più complesso. Le immagini della natura, dapprima astrattamente simboliche, e poi sempre più vive e spirituali, hanno preso il posto principale nell'arte. In una fase molto precoce in Cina, tutta la vita umana ha cominciato a essere commisurata alla natura, attraverso la quale le persone hanno cercato di comprendere le leggi dell'essere.
Naturalmente, il paesaggio non ha esaurito l'intera varietà di generi della pittura medievale cinese. Un posto significativo apparteneva anche alla pittura quotidiana, incentrata sulla rappresentazione della vita e delle varie attività della nobiltà di corte. Tra i diversi generi c'era una certa divisione delle sfere emotive. Piena di interesse per la vita quotidiana di una persona, temi moralizzanti, conversazioni e passeggiate di cortigiani, la pittura di genere ha tratto trame da storie, romanzi, prosa didattica, mentre la pittura di paesaggio, influenzando le sfere della filosofia e dei sentimenti elevati, a cui nulla di meschino e l'accidentale era misto, cercava consonanza nella poesia.
DI un'enorme influenza sulla formazione della vita spirituale della Cina medievale fu esercitata da tre fondati a metà del I millennio a.C. insegnamenti filosofici - confucianesimo, buddismo e taoismo, che hanno svolto un ruolo cruciale nello sviluppo di tutta l'arte medievale cinese e in particolare della pittura di paesaggio. Ognuno di loro copriva la propria area di problemi. Confucianesimo, sorto nei secoli VI-V. AVANTI CRISTO. come dottrina etica e morale, cercava di sostanziare e rafforzare l'ordine stabilito nello stato. Sulla base delle leggi dell'antichità patriarcale, stabilì un intero sistema di regole per vari tipi di arte e sviluppò tradizioni stabili nel campo della storia, della musica, della poesia e della pittura.
A differenza del confucianesimo, il taoismo, anch'esso sorto nel VI-V secolo. AC, incentrato sulle leggi che prevalgono in natura. Il posto principale in questa dottrina era occupato dalla teoria della legge universale della natura - "tao". Intesa come il percorso dell'Universo, l'eterna circolazione dei processi in atto sulla terra e nel cielo, la categoria del "tao" ha occupato uno dei posti principali nella filosofia e nell'arte della Cina. Il fondatore della dottrina Lao Tzu credeva che l'obiettivo principale di una persona fosse comprendere la sua unità e armonia con il mondo, cioè seguire la via del "tao". Gli appelli dei taoisti alla fuga dal trambusto, alla vita senza pretese di un eremita in un folto di foreste tra le montagne, hanno contribuito al risveglio in una persona di contemplazione, una visione poetica del mondo.
Il buddismo, che si diffuse in Cina nel IV-V secolo, adottò molti dei principi del taoismo. Sia il buddismo che il taoismo predicavano il distacco dal trambusto mondano, uno stile di vita contemplativo, si completavano a vicenda e, insieme al confucianesimo, hanno agito per secoli come lati inseparabili di un'unica cultura cinese.
P Il costante appello alla natura come fonte per acquisire saggezza ha formato uno speciale pensiero spaziale panteistico del popolo cinese. Si è manifestato sia nell'architettura che nella pittura. L'architettura e la pittura paesaggistica della Cina medievale erano profondamente correlate. Sia l'architettura, basata sulla soluzione di ampi problemi spaziali, sia la pittura erano, per così dire, diverse forme di espressione di idee comuni sul mondo, soggette a leggi generali. Come un paesaggista cinese, gli architetti cinesi percepivano i loro palazzi e templi come parte integrante dello sconfinato insieme naturale.
Una sottile comprensione delle peculiarità della natura nazionale ha aiutato i pittori a sviluppare le proprie tecniche uniche che generalizzano le leggi della pittura. Nel corso di una lunga ricerca, hanno trovato una forma peculiare di dipinti a rotolo lunghi, simili a nastri, orientati orizzontalmente e verticalmente che li aiutano a mostrare il mondo nella sua immensità universale. Tale seta o carta, a volte strisce di molti metri, incollate su una spessa base di carta dopo il lavoro e arrotolate attorno a un rullo di legno, venivano conservate in apposite custodie eleganti ed estratte solo per la visione. Dipingere un dipinto di paesaggio era considerato un atto sacro.
L'artista, utilizzando pennello, inchiostro e vernici minerali a base d'acqua che penetrano facilmente su carta e seta, ha lavorato rapidamente, senza apportare modifiche, utilizzando metodi collaudati nel tempo: ogni posizione della mano e della mano del maestro corrispondeva alle caratteristiche del linea calligrafica, a volte tagliente e fragile, a volte flessibile e fluida. . C'era una stretta relazione tra pittura e calligrafia. La combinazione di linea e macchia con la superficie della seta o della carta era uno dei segreti dell'espressività e della ricchezza associativa dei dipinti di rotoli di paesaggi cinesi.
La padronanza delle sfumature, unita alla nitidezza e alla potenza del tratto, ha contribuito a trasmettere il senso del tremolio delle piante, l'ariosità delle distanze, lo stato di movimento e di pace nella natura. Pergamene-racconti orizzontali e pergamene-viaggio erano paragonate a una storia, venivano lette gradualmente, si svolgevano tra le mani e richiedevano molto tempo per abituarsi alla trama. I rotoli verticali erano appesi per la visualizzazione sul muro e aiutavano l'occhio a coprire immediatamente le distese raffigurate su di essi. Entrambi includevano inserti di testo calligrafico che completavano e approfondivano l'idea espressa dall'artista, introducendo nuovi accenti decorativi nel quadro.
E pieno di profondo significato simbolico, il paesaggio cinese shan shui non è mai stato dipinto direttamente dal vero e non era una rappresentazione accurata di alcuna località. Era piuttosto un'immagine poetica che riassumeva l'idea dell'artista della natura nei suoi vari stati, tratti caratteristici del paesaggio cinese.
Il linguaggio della pittura e il linguaggio della poesia in Cina erano insolitamente strettamente interconnessi. Il mondo, visto attraverso gli occhi di un artista cinese nella sua immensità e unità armoniosa, è stato costruito secondo leggi speciali sviluppate nel corso dei secoli. Il paesaggio, posto su un lungo rotolo orizzontale o verticale, era compreso dal maestro come da una vista a volo d'uccello ed era visivamente distante da una persona. Era diviso secondo il principio dello scaglione in più piani rialzati l'uno sopra l'altro, motivo per cui gli oggetti distanti si sono rivelati i più alti e l'orizzonte è salito a un'altezza insolita.
L'inquadratura più vicina con dettagli ben delineati - alberi, pietre e arbusti - occupava la parte inferiore dell'immagine ed era separata dalle inquadrature lontane da una distesa d'acqua, nuvole o un velo di nebbia, creando una sensazione di aria, spazio, un enorme distanza tra loro. La composizione del rotolo era, per così dire, a tempo indeterminato, non aveva confini ben definiti e lo spettatore ipotizzava ciò che vedeva con la sua immaginazione, completando ciò che l'artista gli suggeriva con un suggerimento. La prospettiva lineare caratteristica dei paesaggi europei è stata qui sostituita da una diffusa. L'artista ha introdotto nella pittura la quarta dimensione: l'inizio temporale, costringendo lo spettatore a vagare con lui attraverso l'immagine e ad unirsi a tutti i cambiamenti che avvengono in natura. La sensazione dell'immensità del mondo è stata accresciuta dall'inclusione nella composizione di minuscole figure di viaggiatori con bagagli o eremiti che vagano lungo un tortuoso sentiero di montagna, pescatori congelati nelle loro fragili barche.
Nella maestosa immagine del mondo costruita da un pittore cinese medievale, ogni oggetto è stato elevato al livello di un simbolo, evocando molte associazioni. Poche tecniche pittoriche nella foto potrebbero trasmettere il silenzio autunnale, le grida degli uccelli in volo, il risveglio primaverile della natura.
Già nell'VIII secolo i pittori cinesi, insieme a vernici minerali trasparenti, iniziarono a utilizzare un inchiostro nero, le cui sfumature grigio-argento li aiutavano a trasmettere con particolare completezza il sentimento di unità e interezza del mondo. La pressione del pennello, la chiarezza delle linee e la morbidezza dei lavaggi hanno permesso loro di ottenere in tali dipinti monocromatici l'impressione di diversità colorata, armonia cromatica, ariosità e profondità. La superficie bianca opaca del rotolo potrebbe essere percepita dall'occhio come una superficie acquosa, e come una distesa celeste, e come una foschia nebbiosa che avvolge le montagne.
H Non tutti i dipinti cinesi raffiguranti la natura possono essere chiamati paesaggi. Accanto alla classica forma monumentale di immagini di montagne e acque, si sono formate altre forme più da camera: piccole e piene di dettagli colorati, frammenti di natura o manifestazioni private della sua vita. Questi includono un genere di pittura molto popolare oggi - "fiori-uccelli", che include un mondo enorme e diversificato di piante, animali, uccelli e insetti.
Lee Kan. Bambù.Inchiostro su carta. XIII secolo Galleria d'arte, Kansas City
Zhao Mengfu. Pecore e capre.
Inchiostro su carta. La fine del XIII - l'inizio del XIV secolo. Smithsonian Institute, Washington
Nelle opere di questo genere si rifletteva vividamente l'idea filosofica del "grande nel piccolo", rivelando l'idea buddista-taoista secondo cui l'anima dell'Universo è contenuta in ogni parte della natura, anche insignificante e poco appariscente. Il vasto mondo di simboli e credenze popolari, desideri di felicità, bontà e ricchezza era associato nell'antica Cina con immagini di piante, uccelli e alberi. Così, la peonia era considerata un segno di ricchezza, il susino meihua che sbocciava all'inizio della primavera era un segno di vitalità, il bambù simboleggiava la saggezza di uno scienziato, il pino con i suoi aghi sempreverdi era associato alla longevità. Ma ogni piccola manifestazione della natura, che fosse un filo d'erba su cui striscia un insetto, o uno stelo di loto appassito, era percepita dagli artisti non come qualcosa di isolato, ma come parte di un grande mondo unico.
Yuan Shouping. Peonia.
XVII secolo Museo Statale di Arte Orientale, Mosca
Sulla base di ciò, si sono formate una comprensione dei mezzi tecnici, comuni al paesaggio, e la percezione dello sfondo neutro dell'immagine come ambiente spaziale in cui vive l'oggetto raffigurato. Gli acquerelli trasparenti o l'inchiostro nero con la sua sottile gradazione di sfumature corrispondevano alla leggerezza e alla libertà dell'immagine. La maestria del tratto lineare, unita alle macchie di inchiostro, ha sostituito il chiaroscuro, creando l'illusione del volume. L'espressività della linea stessa era il criterio principale per il valore artistico dell'opera.
Qi Baishi. Polli su una palma.
Carta, inchiostro. Fine 19° - inizio 20° secolo
Museo Statale di Arte Orientale, Mosca
Questa caratteristica della pittura tradizionale cinese, sviluppatasi per un lungo periodo del Medioevo, non ha perso la sua vitalità fino ai giorni nostri. Nel flusso multiforme, contraddittorio e impetuoso della vita moderna, queste tradizioni, che si sono stabilizzate per secoli e sono diventate dei classici, hanno in gran parte conservato la loro vitalità. Il segreto della loro forza sta nella flessibilità e diversità del linguaggio artistico, comprensibile e vicino alle persone, capace di riempirsi costantemente di nuovi contenuti.
L'intera storia della pittura paesaggistica cinese, fino all'inizio del XX secolo, è una catena di ricerche e scoperte di mezzi di espressione artistica per l'ampia riflessione nell'arte delle idee umane sul mondo.
IN Nei tempi antichi, la natura era per gli abitanti della Cina qualcosa di formidabile, che dominava le loro vite. Allo stesso tempo, era anche una generosa donatrice di benedizioni della vita, dando alle persone calore, riparo e cibo. Negli utensili rituali e sulle pareti delle tombe, le forze della natura erano impresse in segni-simboli convenzionali. Erano: un uccello, un drago, una cicala, modelli di tuoni, fulmini e nuvole. Nel periodo dell'alto medioevo (IV-V secolo), sotto l'influenza delle idee taoiste e buddiste, poeti e artisti cinesi iniziarono a percepire la natura non solo dal lato utilitaristico, ma anche nel suo significato estetico, la capacità di eccitare, per essere in sintonia con gli stati spirituali dell'uomo.
Già i primi rotoli che ci sono pervenuti, scritti dall'artista Gu Kaizhi (344–406), mostrano che motivi lirici associati alla natura, sconosciuti in passato, sono penetrati nella pittura narrativa cinese, che ha avuto origine prima della pittura di paesaggio. Ciò è dimostrato dal dipinto del maestro "La fata del fiume Luo", creato come illustrazione per il poema di Cao Zhi (192–232) e racconta lo spirito di una giovane ragazza che vive nel fiume Luo e si è innamorata con una persona terrena. In un lungo rotolo orizzontale, che comprende una serie di scene separate, il paesaggio condizionale, che unisce la composizione e viene introdotto come sfondo, crea un'atmosfera generale, aiuta a rivelare lo stato d'animo della poesia. La bellezza sfuggente dei sentimenti umani è stata rivelata per la prima volta dal pittore attraverso l'esibizione della natura.
Gu Kaizhi. Fata fiume Lo. 4° secolo Galleria d'arte più libera, Washington
Anche lo sviluppo del pensiero estetico era nuovo per l'arte cinese di quel tempo. Con la partecipazione di Gu Kaizhi iniziarono a svilupparsi le prime regole teoriche per dipingere quadri, che dal V secolo. sono stati riassunti e formulati dall'artista e teorico dell'arte Xie He nelle Sei leggi della pittura, dove i requisiti principali erano trasmettere non tanto la somiglianza esterna quanto lo stupore interiore, il respiro della vita. Espresse in formule brevi, queste regole furono commentate e utilizzate dai pittori cinesi per tutto il Medioevo.
X Sebbene i motivi paesaggistici come sfondo siano stati trovati nelle opere di artisti del IV-V secolo, il paesaggio come genere indipendente prese forma solo nel VII secolo. e si sviluppò ampiamente solo nei secoli VIII-X.
Le caratteristiche della pittura paesaggistica cinese hanno potuto manifestarsi in modo più completo e vivido durante il periodo dell'unificazione del paese e della creazione di due grandi imperi: Tang (618-907) e Song (960-1279), le cui conquiste culturali , con molte caratteristiche di differenza, ha lasciato un segno brillante nella storia. L'ascesa ha sperimentato una varietà di aree di creatività: architettura e pittura, scultura e arti applicate, poesia e prosa. Attivo nella sua politica di conquista, lo stato Tang mantenne legami con molti paesi, assorbì molti fenomeni dall'esterno nella sua cultura. Anche l'arte del periodo Tang era intrisa di uno sguardo in ampiezza, di un potente pathos creativo. Enorme, popoloso, festoso e fiorente è il mondo raffigurato nelle pitture murali dei templi buddisti, nei dipinti su rotoli.
La cultura Sung si è sviluppata in un contesto storico completamente diverso. Le conquiste dei nomadi tagliarono prima le regioni settentrionali del paese, e nel XIII secolo. I mongoli soggiogarono il resto dello stato. Nel 1127, in connessione con il trasferimento della capitale a sud, ad Hangzhou, il periodo Sung si sciolse in due diverse fasi: il North Sung (960–1127) e il South Sung (1127–1279).
Le persone dell'epoca Sung sono caratterizzate da una drammatica visione del mondo diversa dalla precedente. I problemi interni hanno preso il primo posto nelle loro vite, l'interesse per tutto ciò che è locale, la loro natura, le loro leggende sono aumentate. Sentimento, immaginazione, visione filosofica del mondo contraddistinguono artisti e poeti del periodo Sung. Ripensano l'antica filosofia e creano un nuovo insegnamento: il neo-confucianesimo, che si basa sull'idea che il mondo è uno, l'uomo e la natura sono uno.
Durante i periodi Tang e Song, la forma dei rotoli verticali e orizzontali fu stabilita e canonizzata secondo vari compiti artistici. Nel periodo Tang, con il suo interesse per la scrittura quotidiana, si preferivano i rotoli orizzontali, nel periodo Song, con il suo desiderio di generalizzazioni filosofiche, verticali,
I paesaggi Tang sono pieni di pathos che afferma la vita e ammirazione entusiasta per la bellezza e la grandezza del mondo. Sono narrativi, prolissi e pieni di dettagli architettonici. Le cronache ci hanno conservato i nomi dei famosi paesaggisti Tang. I più importanti tra loro erano Li Sixun (651–716), suo figlio Li Zhaodao (670–730) e Wang Wei (699–775), sia poeta che artista. Il loro lavoro mostra quanto fossero diversi i compiti della pittura di paesaggio già a quel tempo.
P I paesaggi di Li Sixun e Li Zhaodao sono di colore brillante e saturo, che ricordano le miniature orientali con il loro prezioso splendore di colori e contorni netti. Le montagne blu e verde malachite sono circondate da un bordo dorato, molti dettagli sono inclusi nella composizione. La realtà serve al pittore come materiale per quelle forme iperboliche in cui confluisce la sua ispirazione. Enormi montagne sono in contrasto con la scala delle persone intervallate da piccoli punti luminosi ai loro piedi.
I paesaggi di Wang Wei, un artista che si sviluppò già nel secolo successivo e che fu fortemente influenzato dagli insegnamenti della setta buddista di Chan, che si sviluppò in quel periodo, negando il lato esteriore, frontale del buddismo e predicando la contemplazione della natura come un modo per comprendere la verità, sono morbidi e ariosi. In loro tutto è molto più subordinato all'atmosfera lirica. Wang Wei guarda il mondo con gli occhi di un contemplatore e di un poeta, e questo spiega il suo nuovo stile pittorico. Rifiuta una tavolozza multicolore, scrive solo con inchiostro nero con sfocature, ottenendo attraverso l'unità tonale l'impressione dell'integrità del mondo.
Come pittore, fu il primo a trovare una forma visibile per quelle emozioni che si incarnavano nelle sue poesie. Wang Wei unisce così tanto le immagini della pittura e della poesia che i contemporanei dicevano: "Le sue poesie sono come immagini e i suoi dipinti sono come poesie". L'importanza attribuita da Wang Wei alla pittura di paesaggio nella vita spirituale di una persona è evidenziata dai versi ispirati del trattato “I segreti della pittura” da lui scritto: “Le figure lontane sono tutte senza bocca, gli alberi lontani sono senza rami. Picchi lontani - senza pietre. Sono come le sopracciglia, sottili, strette. Correnti lontane - senza onda; sono uguali in altezza alle nuvole. Tale è la rivelazione!” Wang Wei, per così dire, ha predeterminato il percorso di una nuova era nella pittura, quando il primo stadio della gioiosa conoscenza della natura è stato sostituito dalla ricerca di profonde generalizzazioni filosofiche sul significato dell'essere.
Lo stile chiaro e multicolore di Li Sixun e Li Zhaodao ha gettato le basi per una regia chiamata "gongbi" (pennellata attenta). Lo stile monocromatico di Wang Wei, con il suo eufemismo, sottolineando l'ariosità dello spazio, era chiamato "sei" (letteralmente - scrivere un'idea).
M L'anera di Wang Wei si è rivelata la più vicina ai pittori del successivo periodo Song, i quali, sforzandosi principalmente di trasmettere l'unità e l'armonia della natura, sono andati ancora oltre nella loro ricerca. Fu nel periodo post-Tang in Cina che furono fatte le principali scoperte nel campo della costruzione spaziale dei dipinti, del loro ritmo costruttivo, tonalità e profondità dei sentimenti.
L'immagine della natura è separata da tutto ciò che è privato. Lo spazio è inteso dagli artisti come simbolo dell'infinito del mondo. L'affollamento caratteristico dei paesaggi Tang è scomparso. Le figure umane di viaggiatori, pescatori o eremiti sono così piccole che sottolineano solo il potere naturale. Il mondo rappresentato nei dipinti di Fang Kuan (X - inizio XI secolo), Guo Xi (XI secolo) e Xu Daoning è aspro e potente. Sembra sconfinato ed enorme, pieno di pace maestosa. Attraverso la bellezza della natura, gli artisti raccontano l'armonia dell'universo.
Fan Quan. Viaggiatori al ruscello di montagna.
Scorri su seta. Fine del X - inizi dell'XI secolo. Collezione del Museo del Palazzo, Taiwan
I dipinti dei pittori Sung sono monocromi, cioè sono scritti con un inchiostro nero con sfocature. Montagne e fiumi, cascate e laghi tranquilli, persi tra le cime delle montagne: tutto è catturato nei dipinti dei pittori Sung con grande forza espressiva. Così, come per ricreare nella memoria il suo lungo viaggio lungo il Fiume Giallo, Guo Xi cattura in tutto il suo rotolo orizzontale, chiamato "Autunno nella Valle del Fiume Giallo", tutto ciò che è passato davanti ai suoi occhi: montagne, alberi autunnali, capanne annegate dalle onde autunnali nebbia. Infinitamente distante e vario è questo paesaggio grandioso, come se fosse visto dall'artista dall'alto.
L'intero paesaggio è costruito sulle sfumature dell'inchiostro, a volte leggero e arioso, a volte adagiato sulla seta con pennellate pesanti e forti. Sono così riflessivi nella loro varietà ritmica, così ricchi nella loro tonalità che lo spettatore percepisce il colore nero della carcassa come una gamma colorata del mondo reale, soggetta a un unico stato d'animo. Lo spazio vuoto della pergamena crea una sensazione di vasto spazio aereo.
Gli artisti cinesi del X-XI secolo cercavano modi diversi per trasmettere la vita della natura. Oltre ai grandi rotoli paesaggistici, in questo periodo sorsero piccole composizioni paesaggistiche, che servivano da decorazione per ventagli e schermi. L'idea dell'unità del mondo si esprimeva sia attraverso il maestoso paesaggio che attraverso i suoi piccoli frammenti. Tali miniature erano particolarmente amate alla corte dell'Accademia di pittura della capitale, dove lo stesso imperatore fungeva da artista e collezionista. Gli album sono stati creati da piccoli quadri dipinti su seta e carta, dove è stata catturata la vita di fiori o animali, piante e insetti. Per ogni piccola scena venivano inventati nomi poetici, spesso integrati da poesie di famosi poeti.
IN Alla fine dell'XI - inizio del XII secolo, nella pittura paesaggistica cinese si erano già sviluppate diverse tendenze pittoriche, comprendendo in modo diverso i compiti di rappresentare la vita della natura, ma nel complesso formando un unico stile dell'epoca. Queste aree includevano artisti-scienziati del gruppo di dilettanti Wenzhenhua, poeti e pittori che non facevano parte dell'Accademia Imperiale, artisti-monaci della setta Chan (contemplazione), appartati dal clamore mondano, così come membri dell'Accademia Imperiale che ha eseguito gli ordini del tribunale. I pittori-scienziati Su Shi e Mi Fei, che predicavano la libera creatività, ei pittori della setta Chan, con il loro desiderio di comprendere intuitivamente il significato segreto delle cose, determinarono in gran parte i gusti della seconda metà dell'XI secolo.
Lo spirito della pittura di paesaggio subì un cambiamento ancora più significativo durante la dinastia Song meridionale (1127–1279), quando, dopo che i Jurchen conquistarono il nord del paese, la corte imperiale e l'Accademia di pittura si trasferirono a sud, a Hangzhou. I paesaggi epici di quel tempo furono sostituiti da un paesaggio molto più intimo e vicino alle persone. Il dolore e la sofferenza, i ricordi amari di terre care al cuore hanno intensificato l'amorevole attenzione degli artisti alla loro natura.
Xiao Gui. Flussi e montagne limpidi e lontani.
Frammento di rotolo su carta. Prima metà del XIII secolo
Gli stati d'animo trasmessi attraverso il paesaggio dai pittori dell'Accademia di pittura di Hangzhou Li Di (XII secolo), Li Tan (XI-XII secolo), Ma Yuan (XII-XIII secolo) e Xia Gui (XII-XIII secolo) sono ventilati con grande lirismo, triste e ansioso. Gli artisti dipingono piccoli quadri, privi della loro antica solennità. La struttura della composizione sta cambiando, gravitando sempre più verso l'asimmetria e l'ariosità. "Pastore con bufali" - Il dipinto di Li Di raffigurante le pianure innevate del nord, non include più né enormi rocce né corsi d'acqua. L'occhio copre facilmente tutto il suo piccolo spazio. I rapporti di scala nitidi scompaiono e un posto più grande nella natura viene dato a una persona: un contemplatore e un poeta. Questa nuova inclusione dell'uomo nella natura è particolarmente evidente nei dipinti di Ma Yuan e Xia Gui. Spesso nei loro paesaggi lirici laconici, asimmetrici e pieni d'aria, il gesto, la postura o la testa all'insù del poeta-contemplatore accresce ulteriormente l'emotività dell'immagine visiva.
L'idea della fusione tra uomo e natura è particolarmente acuta nell'opera dei pittori della setta buddista Chan-mu qi, i cui dipinti, pieni di accenni, tensione drammatica, si sono allontanati ancora di più dalla sonorità decorativa del Tang paesaggi e il pathos epico dei paesaggi del Sole del Nord. Nella pittura, i pittori Chan hanno cercato di cogliere ciò che si rivelava improvvisamente e in modo univoco all'occhio nella sua naturale libertà.
Numerosi generi di pittura continuarono a svilupparsi nell'arte cinese durante tutto il periodo Sung. Ma il paesaggio ha sempre dominato tra loro. Il pensiero dei pittori di questo tempo può essere chiamato paesaggio, poiché era attraverso il paesaggio che venivano trasmessi i pensieri e i sentimenti più importanti dell'epoca.
IN durante il regno della dinastia mongola Yuan (1279-1364), quando il paese fu sotto il dominio straniero per quasi un secolo, la pittura di paesaggio si riempì di nuovo di nuovi sentimenti, acquisì una nuova direzione. In esso prevalevano stati d'animo di sconforto, nostalgia, risuonavano note di protesta. Avendo trovato rifugio in province lontane, i pittori hanno cercato attraverso le immagini della natura in forma allegorica di trasmettere allo spettatore le loro preoccupazioni.
Dipinto monocromatico del XIV secolo. ha raggiunto una straordinaria raffinatezza e sottigliezza nel trasmettere sfumature di umore. Di particolare importanza sono le iscrizioni calligrafiche incluse nella composizione, cariche di un accenno, sottotesto nascosto, comprensibile agli iniziati. Anche le immagini stesse erano simboliche. Molto spesso veniva raffigurato il bambù, che si piegava sotto un forte vento, ma non si spezzava e si raddrizzava di nuovo. Ha personificato uno spirito risoluto, una persona nobile, in grado di resistere ai crudeli colpi del destino.
NiZan. Scenario.
1362. Inchiostro su carta. Smithsonian Institute, Washington
Il pittore più lirico e sottile del periodo Yuan fu Ni Zan (1301–1374), un calligrafo e poeta che trascorse la vita lontano dalla corte nelle province. I suoi paesaggi, dipinti su morbida carta bianca con inchiostro nero, sono semplici e laconici. Di solito raffigurano gruppi di alberi autunnali e piccole isole perse nelle distese d'acqua. Con una linea sottile e aggraziata, il maestro ricrea la purezza fragile e trasparente delle distanze autunnali, sempre alimentate dall'atmosfera di solitudine e tristezza.
Il più grande tra i pittori di corte del XIV secolo. erano Zhao Mengfu e Wang Zhenpeng. Lo stile del loro lavoro ha determinato i gusti della nobiltà mongola, con la sua inclinazione verso i colori vivaci e la scrittura quotidiana. Zhao Mengfu divenne famoso per i suoi rotoli paesaggistici, realizzati nello stile dei paesaggi decorativi Tang, comprese le immagini di cavalieri mongoli a caccia.
Il periodo Ming (1368-1644), iniziato dopo la liberazione del paese dal dominio mongolo, entrò nella vita artistica della Cina come un periodo complesso e controverso. Nei secoli XV-XVI. La Cina sta vivendo un periodo di ripresa economica e spirituale. Le città stanno crescendo e rinascendo, si stanno costruendo nuovi complessi architettonici, l'artigianato artistico si distingue per un'enorme varietà. Ma entro il 17 ° secolo l'impero è in declino. Nel 1644 il paese era nelle mani dei Manciù, che lo governarono fino al 1911.
Con l'adesione della dinastia Manchu Qing, iniziò una nuova e tutt'altro che inequivocabile fase nello sviluppo della cultura cinese. Sebbene i Manciù cercassero di aumentare lo splendore e lo splendore delle città cinesi, si basavano principalmente sulle fondamenta delle tradizioni feudali conservatrici e cercavano di regolare la vita umana. La pittura della Cina durante il tardo Medioevo rifletteva tutti i modi contraddittori di sviluppare la cultura dei periodi Ming e Qing. Queste contraddizioni erano particolarmente acute nella pittura di paesaggio, che rispondeva agli eventi dell'epoca.
La rinascita dello stato cinese dopo la secolare dominazione dei mongoli determinò in gran parte la sua direzione. Il desiderio di far rivivere l'arte e le conquiste spirituali del passato, di preservare le tradizioni originali, ha portato i circoli ufficiali a orientare gli artisti a imitare il passato. L'Accademia di pittura di recente apertura ha cercato di far rivivere con la forza l'antico splendore della pittura Tang e Sung. Gli artisti erano vincolati da prescrizioni per argomenti, trame e metodi di lavoro. I disobbedienti venivano severamente puniti. Tuttavia, i germogli del nuovo si facevano ancora strada.
Dai Jin. Il ritorno dei viaggiatori in un temporale. 15 ° secolo
Per quasi sei secoli di dominio delle dinastie Ming e Qing, molti pittori di talento hanno lavorato in Cina, di regola erano in opposizione all'Accademia di pittura e appartenevano al gruppo di artisti-scienziati liberi della direzione "wenzhenhua" . Lontano dalla capitale, nel sud del Paese, si sono formate diverse scuole d'arte, più libere dalla pressione delle autorità ufficiali. I fondatori di queste scuole - Dai Jin (metà del XV secolo) - Zhejiang, Shen Zhou (1427-1507) e Wen Zhengming (1470-1559) - Suzhou, rimanendo all'interno della tradizione, riuscirono a creare una serie di maestosi paesaggi realizzati in la maniera di Ma Yuan e Xia Gui, ma contraddistinta da una maggiore frammentazione e abbondanza di dettagli.
ShenZhou. Paesaggio con un viaggiatore. 1485
Alla ricerca del rinnovamento del genere del paesaggio e del genere dei “fiori e uccelli”, si sono fatti avanti anche altri artisti. Tra questi, Xu Wei (1521–1593) si mostrò più attivo, sforzandosi di superare l'eclettismo e il freddo virtuosismo coltivati all'Accademia di pittura. Le composizioni abbozzate, audaci e inaspettate da lui create nello spirito dei maestri della setta Chan si opponevano all'intuizione delle fredde esigenze predeterminate della corte. Paesaggi impetuosi, taglienti, a volte volutamente disattenti, dipinti raffiguranti rami di bambù, succosi grappoli d'uva nascondono una grande capacità di immagini. Nell'apparente casualità di frammenti di natura, l'artista ha sempre saputo cogliere le dinamiche della vita del mondo. Dietro la voluta trascuratezza delle macchie d'inchiostro si avverte la grande abilità dell'artista nel ricreare ritmi in sintonia con il suo temperamento.
H e la fase che ha completato lo sviluppo del feudalesimo cinese (secoli XVII-XVIII), con la massima nitidezza, è stata indicata la profondità del divario tra il razionalismo degli schemi accademici e le nuove direzioni che corrispondono ai compiti dell'epoca.
Conosciuto con il soprannome Badashanzhen (Beato eremita delle montagne), l'artista Zhu Da (1625-1705) e Shi Tao (1630-1717) - i successori delle tradizioni dei monaci della setta Chan, che si ritirarono nel monastero dopo la conquista del paese da parte dei Manciù, nei loro piccoli ma audaci schizzi di album allegorici , che raffigurano un uccello arruffato su un ramo di un albero spoglio, o uno stelo di loto spezzato, si è allontanata ancora di più dai paesaggi accademici.
Zhu Sì. Due uccelli su un albero secco.
Metà del XVII secolo Carta, inchiostro. Collezione Sumitomo, Okso, Giappone
Nel XVIII sec. un gruppo di artisti chiamati "Yangzhou eccentrics" (erano Luo Ping, Zheng Xie, Li Shan e altri) ha continuato questa tradizione. Le loro opere, eseguite nello spirito di "regole senza regole", segnate da semplicità, libertà e freschezza, differivano nettamente dall'aridità e dalla congestione della pittura di corte della capitale.
Nei secoli XIX-XX. questa linea fu continuata dai pittori Chen Shizeng (1876–1924), Wu Changshi (1842–1927), Ren Bongyan (1840–1896), e poi Qi Baishi (1860–1957), Huang Binhong (1864–1955) e Pan Tianshou (1897).-1972), che è riuscito a costruire un ponte dal passato al presente.
Avvicinando visivamente ed emotivamente la natura all'uomo, hanno continuato la stessa linea di interpretazione espressiva e inaspettata di essa, iniziata da Xu Wei, Shi Tao e Zhu Da. Allo stesso tempo, si sono allontanati dall'ansia mistica e dalla tensione dei sentimenti caratteristici di quest'ultimo, cercando la semplicità e l'accessibilità delle immagini.
Nonostante l'apparente vicinanza alle immagini medievali, i dipinti di questi artisti, con i loro succosi frutti terreni, fiori luminosi e rumorosi stormi di passeri, segnavano già una fase qualitativamente nuova nello sviluppo del paesaggio cinese e della pittura di fiori e uccelli.
I generi di paesaggio, pittura di fiori e uccelli amati dal popolo cinese, con tutti i cambiamenti della vita e delle tendenze stilistiche, grazie alla loro eccezionale capacità e capacità di assimilare nuove idee, hanno mantenuto la loro vitalità fino ad oggi.
Pittura di paesaggio cinese
Il paesaggio definiva più chiaramente il volto della cultura cinese medievale. In Cina, molto prima che in altri paesi, è stata fatta una sorta di scoperta estetica della natura ed è apparsa la pittura di paesaggio. Formatosi all'alba del Medioevo, non solo divenne espressione dell'ideale spirituale del tempo, ma portò anche le sue tradizioni stabili attraverso i secoli, conservandole fino ai nostri giorni, senza perdere né la poesia né un legame vivo con il mondo . Nonostante l'insolito del linguaggio artistico, ci emoziona ancora con una profonda penetrazione poetica nel mondo naturale, la sottigliezza della sua comprensione, la sincerità del sentimento. La vigilanza, l'inconfondibile accuratezza del disegno, il desiderio degli artisti di comprendere il mondo nella sua diversità costituiscono la forza e il fascino della pittura di paesaggio tradizionale cinese, che ci fa provare un'eccitazione emotiva quando la conosciamo. . In Cina - un paese di alte montagne e grandi fiumi, dove la vita del contadino dipendeva interamente dalla volontà degli elementi e l'uomo stesso era considerato parte della natura - il mondo naturale divenne molto presto oggetto di riflessione filosofica. L'inevitabile ripetizione dei cicli naturali, il cambio delle stagioni e gli umori della natura associati alla vita umana, già nei tempi antichi, erano spiegati dall'interazione dei due principi polari più importanti: buio passivo e luce attiva, femminile e maschile - yin e yang L'armonia dell'Universo era determinata dall'unione creatrice di queste due grandi forze dell'universo, e il ciclo della natura sembrava essere il risultato dell'alternanza di cinque elementi (acqua, legno, fuoco, metallo e terra) , ognuno dei quali corrispondeva al lato del mondo, la stagione. Le montagne e l'acqua nelle menti dei cinesi incarnavano le forze più importanti dell'universo: energia e pace, attività e passività. I cinesi li adoravano come santuari. Il concetto stesso del paesaggio "shan shui" deriva da una combinazione di due geroglifici: "shan" - montagna e "shui" - acqua. Pertanto, i motivi principali del paesaggio cinese sono stati fissati nel termine stesso "shan shui" e sono stati incarnati i concetti di base dell'antica filosofia naturale. Il sistema di simboli e forme originariamente stabilito si sviluppò gradualmente e divenne più complesso. Le immagini della natura, dapprima astrattamente simboliche, e poi sempre più vive e spirituali, hanno preso il posto principale nell'arte. In una fase molto precoce in Cina, tutta la vita umana ha cominciato a essere commisurata alla natura, attraverso la quale le persone hanno cercato di comprendere le leggi dell'essere. Naturalmente, il paesaggio non ha esaurito l'intera varietà di generi della pittura medievale cinese. Un posto significativo apparteneva anche alla pittura quotidiana, incentrata sulla rappresentazione della vita e delle varie attività della nobiltà di corte. Tra i diversi generi c'era una certa divisione delle sfere emotive. Piena di interesse per la vita quotidiana di una persona, temi moralizzanti, conversazioni e passeggiate di cortigiani, la pittura di genere ha tratto trame da storie, romanzi, prosa didattica, mentre la pittura di paesaggio, influenzando le sfere della filosofia e dei sentimenti elevati, a cui nulla di meschino e l'accidentale era misto, cercava consonanza nella poesia.
Un'enorme influenza sulla formazione della vita spirituale della Cina medievale si è formata a metà del primo millennio aC. insegnamenti filosofici - confucianesimo, buddismo e taoismo, che hanno svolto un ruolo cruciale nello sviluppo di tutta l'arte medievale cinese e in particolare della pittura di paesaggio. Ognuno di loro copriva la propria area di problemi. Confucianesimo, sorto nei secoli VI-V. AVANTI CRISTO. come dottrina etica e morale, cercava di sostanziare e rafforzare l'ordine stabilito nello stato. Sulla base delle leggi dell'antichità patriarcale, stabilì un intero sistema di regole per vari tipi di arte e sviluppò tradizioni stabili nel campo della storia, della musica, della poesia e della pittura, a differenza del confucianesimo, del taoismo, anch'esso sorto nel VI-V secolo . AC, incentrato sulle leggi che prevalgono in natura. Il posto principale in questa dottrina era occupato dalla teoria della legge universale della natura - "tao". Intesa come il percorso dell'Universo, l'eterna circolazione dei processi in atto sulla terra e nel cielo, la categoria del "tao" ha occupato uno dei posti principali nella filosofia e nell'arte della Cina. Il fondatore della dottrina Lao Tzu credeva che l'obiettivo principale di una persona fosse comprendere la sua unità e armonia con il mondo, cioè seguire la via del "tao". Gli appelli dei taoisti a fuggire dal trambusto, alla vita senza pretese di un eremita in un folto di foreste tra le montagne hanno contribuito al risveglio della contemplazione in una persona, una visione poetica del mondo.Il buddismo, che si diffuse in Cina nel IV-V secolo, adottò molte delle disposizioni del taoismo. Sia il buddismo che il taoismo predicavano il distacco dal trambusto mondano, uno stile di vita contemplativo, si completavano a vicenda e, insieme al confucianesimo, hanno agito per secoli come lati inseparabili di un'unica cultura cinese.Il costante appello alla natura come fonte per acquisire saggezza formò un speciale pensiero spaziale panteistico del popolo cinese. Si è manifestato sia nell'architettura che nella pittura. L'architettura e la pittura paesaggistica della Cina medievale erano profondamente correlate. Sia l'architettura, basata sulla soluzione di ampi problemi spaziali, sia la pittura erano, per così dire, diverse forme di espressione di idee comuni sul mondo, soggette a leggi generali. Come un paesaggista cinese, gli architetti cinesi percepivano i loro palazzi e templi come parte integrante di uno sconfinato insieme naturale: una sottile comprensione delle peculiarità della natura nazionale ha aiutato i pittori a sviluppare le proprie tecniche uniche che generalizzano le leggi della pittura. Nel corso di una lunga ricerca, hanno trovato una forma peculiare di dipinti a rotolo lunghi, simili a nastri, orientati orizzontalmente e verticalmente che li aiutano a mostrare il mondo nella sua immensità universale. Tale seta o carta, a volte strisce di molti metri, incollate su una spessa base di carta dopo il lavoro e arrotolate attorno a un rullo di legno, venivano conservate in apposite custodie eleganti ed estratte solo per la visione. Dipingere un dipinto di paesaggio era considerato un atto sacro.
L'artista, utilizzando pennello, inchiostro e vernici minerali a base d'acqua che penetrano facilmente su carta e seta, ha lavorato rapidamente, senza apportare modifiche, utilizzando metodi collaudati nel tempo: ogni posizione della mano e della mano del maestro corrispondeva alle caratteristiche del linea calligrafica, a volte tagliente e fragile, a volte flessibile e fluida. . C'era una stretta relazione tra pittura e calligrafia. La combinazione di linea e macchia con la superficie della seta o della carta era uno dei segreti dell'espressività e della ricchezza associativa dei dipinti di rotoli di paesaggi cinesi. La padronanza delle sfumature, unita alla nitidezza e alla potenza del tratto, ha contribuito a trasmettere il senso del tremolio delle piante, l'ariosità delle distanze, lo stato di movimento e di pace nella natura. Pergamene-racconti orizzontali e pergamene-viaggio erano paragonate a una storia, venivano lette gradualmente, si svolgevano tra le mani e richiedevano molto tempo per abituarsi alla trama. I rotoli verticali erano appesi per la visualizzazione sul muro e aiutavano l'occhio a coprire immediatamente le distese raffigurate su di essi. Entrambi includevano inserti di testo calligrafico che completavano e approfondivano l'idea espressa dall'artista, introducendo nuovi accenti decorativi nel quadro. Pieno di profondo significato simbolico, il paesaggio cinese shan shui non è mai stato dipinto direttamente dal vero e non era una rappresentazione accurata di alcuna località. Era piuttosto un'immagine poetica, che generalizzava l'idea dell'artista della natura nei suoi vari stati, i tratti caratteristici paesaggio cinese... Il linguaggio della pittura e il linguaggio della poesia in Cina erano insolitamente strettamente interconnessi. Il mondo, visto attraverso gli occhi di un artista cinese nella sua immensità e unità armoniosa, è stato costruito secondo leggi speciali sviluppate nel corso dei secoli. Il paesaggio, posto su un lungo rotolo orizzontale o verticale, era compreso dal maestro come da una vista a volo d'uccello ed era visivamente distante da una persona. Era diviso secondo il principio dello scaglione in più piani rialzati l'uno sopra l'altro, motivo per cui gli oggetti distanti si sono rivelati i più alti e l'orizzonte è salito a un'altezza insolita. L'inquadratura più vicina con dettagli ben delineati - alberi, pietre e arbusti - occupava la parte inferiore dell'immagine ed era separata dalle inquadrature lontane da una distesa d'acqua, nuvole o un velo di nebbia, creando una sensazione di aria, spazio, un enorme distanza tra loro. La composizione del rotolo era, per così dire, a tempo indeterminato, non aveva confini ben definiti e lo spettatore ipotizzava ciò che vedeva con la sua immaginazione, completando ciò che l'artista gli suggeriva con un suggerimento. La prospettiva lineare caratteristica dei paesaggi europei è stata qui sostituita da una diffusa. L'artista ha introdotto nella pittura la quarta dimensione: l'inizio temporale, costringendo lo spettatore a vagare con lui attraverso l'immagine e ad unirsi a tutti i cambiamenti che avvengono in natura. La sensazione dell'immensità del mondo è stata accresciuta dall'inclusione nella composizione di minuscole figure di viaggiatori con bagagli o eremiti che vagano lungo un tortuoso sentiero di montagna, pescatori congelati nelle loro fragili barche.Nella maestosa immagine del mondo costruita da un medievale Pittore cinese, ogni oggetto è stato elevato al grado di simbolo, evocando molte associazioni. Poche tecniche pittoriche nella foto potrebbero trasmettere il silenzio autunnale, le grida degli uccelli in volo, il risveglio primaverile della natura.
Già nell'VIII secolo i pittori cinesi, insieme a vernici minerali trasparenti, iniziarono a utilizzare un inchiostro nero, le cui sfumature grigio-argento li aiutavano a trasmettere con particolare completezza il sentimento di unità e interezza del mondo. La pressione del pennello, la chiarezza delle linee e la morbidezza dei lavaggi hanno permesso loro di ottenere in tali dipinti monocromatici l'impressione di diversità colorata, armonia cromatica, ariosità e profondità. La superficie bianca opaca del rotolo potrebbe essere percepita dall'occhio come una superficie acquosa, e come una distesa celeste, e come una foschia nebbiosa che avvolge le montagne. Non tutti i dipinti cinesi raffiguranti la natura possono essere chiamati paesaggi. Accanto alla classica forma monumentale di immagini di montagne e acque, si sono formate altre forme più da camera: piccole e piene di dettagli colorati, frammenti di natura o manifestazioni private della sua vita. Questi includono un genere di pittura molto popolare oggi - "fiori-uccelli", che include un mondo enorme e diversificato di piante, animali, uccelli e insetti. Nelle opere di questo genere si rifletteva vividamente l'idea filosofica del "grande nel piccolo", rivelando l'idea buddista-taoista secondo cui l'anima dell'Universo è contenuta in ogni parte della natura, anche insignificante e poco appariscente. Il vasto mondo di simboli e credenze popolari, desideri di felicità, bontà e ricchezza era associato nell'antica Cina con immagini di piante, uccelli e alberi. Così, la peonia era considerata un segno di ricchezza, il susino meihua che sbocciava all'inizio della primavera era un segno di vitalità, il bambù simboleggiava la saggezza di uno scienziato, il pino con i suoi aghi sempreverdi era associato alla longevità. Ma ogni piccola manifestazione della natura, che fosse un filo d'erba su cui striscia un insetto, o uno stelo di loto appassito, era percepita dagli artisti non come qualcosa di isolato, ma come parte di un grande mondo unico. Sulla base di ciò, si sono formate una comprensione dei mezzi tecnici, comuni al paesaggio, e la percezione dello sfondo neutro dell'immagine come ambiente spaziale in cui vive l'oggetto raffigurato. Gli acquerelli trasparenti o l'inchiostro nero con la sua sottile gradazione di sfumature corrispondevano alla leggerezza e alla libertà dell'immagine. La maestria del tratto lineare, unita alle macchie di inchiostro, ha sostituito il chiaroscuro, creando l'illusione del volume. L'espressività della linea stessa era il criterio principale per il valore artistico dell'opera. Questa caratteristica della pittura tradizionale cinese, sviluppatasi per un lungo periodo del Medioevo, non ha perso la sua vitalità fino ai giorni nostri. Nel flusso multiforme, contraddittorio e impetuoso della vita moderna, queste tradizioni, che si sono stabilizzate per secoli e sono diventate dei classici, hanno in gran parte conservato la loro vitalità. Il segreto della loro forza sta nella flessibilità e diversità del linguaggio artistico, comprensibile e vicino alle persone, capace di riempirsi costantemente di nuovi contenuti sul mondo.
Nei tempi antichi, la natura era per gli abitanti della Cina qualcosa di formidabile, che dominava le loro vite. Allo stesso tempo, era anche una generosa donatrice di benedizioni della vita, dando alle persone calore, riparo e cibo. Negli utensili rituali e sulle pareti delle tombe, le forze della natura erano impresse in segni-simboli convenzionali. Erano: un uccello, un drago, una cicala, modelli di tuoni, fulmini e nuvole. Nel periodo dell'alto medioevo (IV-V secolo), sotto l'influenza delle idee taoiste e buddiste, poeti e artisti cinesi iniziarono a percepire la natura non solo dal lato utilitaristico, ma anche nel suo significato estetico, la capacità di eccitare, per essere in sintonia con gli stati spirituali dell'uomo. Già i primi rotoli che ci sono pervenuti, scritti dall'artista Gu Kaizhi (344–406), mostrano che motivi lirici associati alla natura, sconosciuti in passato, sono penetrati nella pittura narrativa cinese, che ha avuto origine prima della pittura di paesaggio. Ciò è dimostrato dal dipinto del maestro "La fata del fiume Luo", creato come illustrazione per il poema di Cao Zhi (192–232) e racconta lo spirito di una giovane ragazza che vive nel fiume Luo e si è innamorata con una persona terrena. In un lungo rotolo orizzontale, che comprende una serie di scene separate, il paesaggio condizionale, che unisce la composizione e viene introdotto come sfondo, crea un'atmosfera generale, aiuta a rivelare lo stato d'animo della poesia. La bellezza inafferrabile dei sentimenti umani fu rivelata per la prima volta dal pittore attraverso l'esibizione della natura.Anche lo sviluppo del pensiero estetico era nuovo per l'arte cinese di questo tempo. Con la partecipazione di Gu Kaizhi iniziarono a svilupparsi le prime regole teoriche per dipingere quadri, che dal V secolo. sono stati riassunti e formulati dall'artista e teorico dell'arte Xie He nelle Sei leggi della pittura, dove i requisiti principali erano trasmettere non tanto la somiglianza esterna quanto lo stupore interiore, il respiro della vita. Espresse in formule sintetiche, queste regole furono commentate e utilizzate dai pittori cinesi per tutto il Medio Evo. Sebbene i motivi del paesaggio come sfondo si trovassero nelle opere degli artisti del IV-V secolo, il paesaggio come genere autonomo prese forma solo da il VII secolo. e si sviluppò ampiamente solo nei secoli VIII-X.
Le caratteristiche della pittura paesaggistica cinese hanno potuto manifestarsi in modo più completo e vivido durante il periodo dell'unificazione del paese e della creazione di due grandi imperi: Tang (618-907) e Song (960-1279), le cui conquiste culturali , con molte caratteristiche di differenza, ha lasciato un segno brillante nella storia. L'ascesa ha sperimentato una varietà di aree di creatività: architettura e pittura, scultura e arti applicate, poesia e prosa. Lo stato Tang, attivo nella sua politica di conquista, mantenne legami con molti paesi, assorbì molti fenomeni dall'esterno nella sua cultura. Anche l'arte del periodo Tang era intrisa di uno sguardo in ampiezza, di un potente pathos creativo. Un mondo enorme, popoloso, festoso e fiorente appare nelle pitture murali dei templi buddisti, nella pittura su rotoli.La cultura Sung si è sviluppata in un contesto storico completamente diverso. Le conquiste dei nomadi tagliarono prima le regioni settentrionali del paese, e nel XIII secolo. I mongoli soggiogarono il resto dello stato. Nel 1127, in connessione con il trasferimento della capitale a sud, ad Hangzhou, il periodo Sung si divise in due diverse fasi: il Nord Sung (960–1127) e il Sud Sung (1127–1279). I tempi cantati sono caratterizzati da una drammatica visione del mondo diversa dalla precedente. I problemi interni hanno preso il primo posto nelle loro vite, l'interesse per tutto ciò che è locale, la loro natura, le loro leggende sono aumentate. Sentimento, immaginazione, visione filosofica del mondo contraddistinguono artisti e poeti del periodo Sung. Ripensano l'antica filosofia e creano un nuovo insegnamento: il neo-confucianesimo, che si basa sull'idea che il mondo è uno, l'uomo e la natura sono uno.Durante i periodi Tang e Song, fu stabilita la forma dei rotoli verticali e orizzontali e canonizzato secondo vari compiti artistici. Nel periodo Tang, con il suo interesse per la scrittura quotidiana, si preferivano i rotoli orizzontali, nel periodo Song, con il suo desiderio di generalizzazioni filosofiche, verticali,
I paesaggi Tang sono pieni di pathos che afferma la vita e ammirazione entusiasta per la bellezza e la grandezza del mondo. Sono narrativi, prolissi e pieni di dettagli architettonici. Le cronache ci hanno conservato i nomi dei famosi paesaggisti Tang. I più importanti tra loro erano Li Sixun (651–716), suo figlio Li Zhaodao (670–730) e Wang Wei (699–775), sia poeta che artista. Il loro lavoro mostra quanto fossero diversi i compiti della pittura di paesaggio già a quel tempo. I paesaggi di Li Sixun e Li Zhaodao sono di colore brillante e saturo, che ricordano le miniature orientali con il loro prezioso splendore di colori e contorni netti. Le montagne blu e verde malachite sono circondate da un bordo dorato, molti dettagli sono inclusi nella composizione. La realtà serve al pittore come materiale per quelle forme iperboliche in cui confluisce la sua ispirazione. Enormi montagne sono in contrasto con la scala delle persone intervallate da piccoli punti luminosi ai loro piedi per comprendere la verità, morbida e ariosa. In loro tutto è molto più subordinato all'atmosfera lirica. Wang Wei guarda il mondo con gli occhi di un contemplatore e di un poeta, e questo spiega il suo nuovo stile pittorico. Rifiuta una tavolozza multicolore, scrive solo con inchiostro nero con sfocature, ottenendo attraverso l'unità tonale l'impressione dell'integrità del mondo. Come pittore, fu il primo a trovare una forma visibile per quelle emozioni che si incarnavano nelle sue poesie. Wang Wei unisce così tanto le immagini della pittura e della poesia che i contemporanei dicevano: "Le sue poesie sono come immagini e i suoi dipinti sono come poesie". L'importanza attribuita da Wang Wei alla pittura di paesaggio nella vita spirituale di una persona è evidenziata dai versi ispirati del trattato “I segreti della pittura” da lui scritto: “Le figure lontane sono tutte senza bocca, gli alberi lontani sono senza rami. Picchi lontani - senza pietre. Sono come le sopracciglia, sottili, strette. Correnti lontane - senza onda; sono uguali in altezza alle nuvole. Tale è la rivelazione!” Wang Wei, per così dire, ha predeterminato il percorso di una nuova era nella pittura, quando il primo stadio della gioiosa conoscenza della natura è stato sostituito dalla ricerca di profonde generalizzazioni filosofiche sul significato dell'essere.
Lo stile chiaro e multicolore di Li Sixun e Li Zhaodao ha gettato le basi per una regia chiamata "gongbi" (pennellata attenta). Lo stile monocromatico di Wang Wei, con il suo understatement, enfatizzava l'ariosità dello spazio, era chiamato “sei” (letteralmente, scrivere un'idea). Fu nel periodo post-Tang in Cina che furono fatte le principali scoperte nel campo della costruzione spaziale dei dipinti, del loro ritmo costruttivo, tonalità e profondità dei sentimenti. L'immagine della natura è separata da tutto ciò che è privato. Lo spazio è inteso dagli artisti come simbolo dell'infinito del mondo. L'affollamento caratteristico dei paesaggi Tang è scomparso. Le figure umane di viaggiatori, pescatori o eremiti sono così piccole che sottolineano solo il potere naturale. Il mondo rappresentato nei dipinti di Fang Kuan (X - inizio XI secolo), Guo Xi (XI secolo) e Xu Daoning è aspro e potente. Sembra sconfinato ed enorme, pieno di pace maestosa. Attraverso la bellezza della natura, gli artisti raccontano l'armonia dell'Universo. I dipinti dei pittori Sung sono monocromi, cioè sono scritti con un inchiostro nero con sfocature. Montagne e fiumi, cascate e laghi tranquilli, persi tra le cime delle montagne: tutto è catturato nei dipinti dei pittori Sung con grande forza espressiva. Così, come per ricreare nella memoria il suo lungo viaggio lungo il Fiume Giallo, Guo Xi cattura in tutto il suo rotolo orizzontale, chiamato "Autunno nella Valle del Fiume Giallo", tutto ciò che è passato davanti ai suoi occhi: montagne, alberi autunnali, capanne annegate dalle onde autunnali nebbia. Infinitamente distante e vario è questo paesaggio grandioso, come se fosse visto dall'artista dall'alto. L'intero paesaggio è costruito sulle sfumature dell'inchiostro, a volte leggero e arioso, a volte adagiato sulla seta con pennellate pesanti e forti. Sono così riflessivi nella loro varietà ritmica, così ricchi nella loro tonalità che lo spettatore percepisce il colore nero della carcassa come una gamma colorata del mondo reale, soggetta a un unico stato d'animo. Lo spazio vuoto della pergamena crea una sensazione di vasto spazio aereo.
Gli artisti cinesi del X-XI secolo cercavano modi diversi per trasmettere la vita della natura. Oltre ai grandi rotoli paesaggistici, in questo periodo sorsero piccole composizioni paesaggistiche, che servivano da decorazione per ventagli e schermi. L'idea dell'unità del mondo si esprimeva sia attraverso il maestoso paesaggio che attraverso i suoi piccoli frammenti. Tali miniature erano particolarmente amate alla corte dell'Accademia di pittura della capitale, dove lo stesso imperatore fungeva da artista e collezionista. Gli album sono stati creati da piccoli quadri dipinti su seta e carta, dove è stata catturata la vita di fiori o animali, piante e insetti. Per ogni piccola scena venivano inventati nomi poetici, spesso integrati da poesie di famosi poeti Alla fine dell'XI - inizio del XII secolo, diverse aree della pittura si svilupparono nella pittura paesaggistica cinese, comprendendo in modo diverso i compiti di raffigurare la vita di natura, ma nel complesso formando un unico stile dell'epoca. Queste aree includevano artisti-scienziati del gruppo di dilettanti Wenzhenhua, poeti e pittori che non facevano parte dell'Accademia Imperiale, artisti-monaci della setta Chan (contemplazione), appartati dal clamore mondano, così come membri dell'Accademia Imperiale che ha eseguito gli ordini del tribunale. I pittori-scienziati Su Shi e Mi Fei, che predicavano la libera creatività, ei pittori della setta Chan, con il loro desiderio di comprendere intuitivamente il significato segreto delle cose, determinarono in gran parte i gusti della seconda metà dell'XI secolo.
Lo spirito della pittura di paesaggio subì un cambiamento ancora più significativo durante la dinastia Song meridionale (1127–1279), quando, dopo che i Jurchen conquistarono il nord del paese, la corte imperiale e l'Accademia di pittura si trasferirono a sud, a Hangzhou. I paesaggi epici di quel tempo furono sostituiti da un paesaggio molto più intimo e vicino alle persone. Il dolore e la sofferenza, i ricordi amari di terre care al cuore hanno intensificato l'amorevole attenzione degli artisti alla loro natura. Gli stati d'animo trasmessi attraverso il paesaggio dai pittori dell'Accademia di pittura di Hangzhou Li Di (XII secolo), Li Tan (XI-XII secolo), Ma Yuan (XII-XIII secolo) e Xia Gui (XII-XIII secolo) sono ventilati con grande lirismo, triste e ansioso. Gli artisti dipingono piccoli quadri, privi della loro antica solennità. La struttura della composizione sta cambiando, gravitando sempre più verso l'asimmetria e l'ariosità. "Pastore con bufali" - Il dipinto di Li Di raffigurante le pianure innevate del nord, non include più né enormi rocce né corsi d'acqua. L'occhio copre facilmente tutto il suo piccolo spazio. I rapporti di scala nitidi scompaiono e un posto più grande nella natura viene dato a una persona: un contemplatore e un poeta. Questa nuova inclusione dell'uomo nella natura è particolarmente evidente nei dipinti di Ma Yuan e Xia Gui. Spesso nei loro paesaggi lirici laconici, asimmetrici e pieni d'aria, il gesto, la postura o la testa all'insù del poeta-contemplatore accresce ulteriormente l'emotività dell'immagine visiva.
L'idea della fusione tra uomo e natura è particolarmente acuta nell'opera dei pittori della setta buddista Chan-mu qi, i cui dipinti, pieni di accenni, tensione drammatica, si sono allontanati ancora di più dalla sonorità decorativa del Tang paesaggi e il pathos epico dei paesaggi del Sole del Nord. Nella pittura, i pittori Chan hanno cercato di catturare ciò che si è rivelato improvvisamente e in modo univoco nella loro libertà naturale.Numerosi generi di pittura hanno continuato a svilupparsi nell'arte cinese durante tutto il periodo Sung. Ma il paesaggio ha sempre dominato tra loro. Il pensiero dei pittori di questo tempo può essere chiamato paesaggio, poiché era attraverso il paesaggio che venivano trasmessi i pensieri e i sentimenti più importanti dell'epoca nuova direzione. In esso prevalevano stati d'animo di sconforto, nostalgia, risuonavano note di protesta. Avendo trovato rifugio in province lontane, i pittori hanno cercato attraverso le immagini della natura in forma allegorica di trasmettere allo spettatore le loro preoccupazioni. Dipinto monocromatico del XIV secolo. ha raggiunto una straordinaria raffinatezza e sottigliezza nel trasmettere sfumature di umore. Di particolare importanza sono le iscrizioni calligrafiche incluse nella composizione, cariche di un accenno, sottotesto nascosto, comprensibile agli iniziati. Anche le immagini stesse erano simboliche. Molto spesso veniva raffigurato il bambù, che si piegava sotto un forte vento, ma non si spezzava e si raddrizzava di nuovo. Ha personificato uno spirito risoluto, una persona nobile, in grado di resistere ai crudeli colpi del destino.
Il pittore più lirico e sottile del periodo Yuan fu Ni Zan (1301–1374), un calligrafo e poeta che trascorse la vita lontano dalla corte nelle province. I suoi paesaggi, dipinti su morbida carta bianca con inchiostro nero, sono semplici e laconici. Di solito raffigurano gruppi di alberi autunnali e piccole isole perse nelle distese d'acqua. Con un tratto sottile e aggraziato, il maestro ricrea la purezza fragile e trasparente delle distanze autunnali, sempre alimentate dall'atmosfera di solitudine e tristezza.Il più grande tra i pittori di corte del XIV secolo. erano Zhao Mengfu e Wang Zhenpeng. Lo stile del loro lavoro ha determinato i gusti della nobiltà mongola, con la sua inclinazione verso i colori vivaci e la scrittura quotidiana. Zhao Mengfu divenne famoso per i suoi rotoli paesaggistici, realizzati nello stile dei paesaggi decorativi Tang, comprese le immagini della caccia dei cavalieri mongoli.Il periodo Ming (1368-1644), che iniziò dopo la liberazione del paese dal dominio mongolo, entrò nella vita artistica della Cina come un momento difficile e controverso. Nei secoli XV-XVI. La Cina sta vivendo un periodo di ripresa economica e spirituale. Le città stanno crescendo e rinascendo, si stanno costruendo nuovi complessi architettonici, l'artigianato artistico si distingue per un'enorme varietà. Ma entro il 17 ° secolo l'impero è in declino. Nel 1644 il paese era nelle mani dei Manciù, che lo governarono fino al 1911. Con l'adesione della dinastia Manchu Qing, iniziò una nuova e tutt'altro che inequivocabile fase nello sviluppo della cultura cinese. Sebbene i Manciù cercassero di aumentare lo splendore e lo splendore delle città cinesi, si basavano principalmente sulle fondamenta delle tradizioni feudali conservatrici e cercavano di regolare la vita umana. La pittura della Cina durante il tardo Medioevo rifletteva tutti i modi contraddittori di sviluppare la cultura dei periodi Ming e Qing. Queste contraddizioni erano particolarmente acute nella pittura di paesaggio, che rispondeva agli eventi dell'epoca. La rinascita dello stato cinese dopo la secolare dominazione dei mongoli determinò in gran parte la sua direzione. Il desiderio di far rivivere l'arte e le conquiste spirituali del passato, di preservare le tradizioni originali, ha portato i circoli ufficiali a orientare gli artisti a imitare il passato. L'Accademia di pittura di recente apertura ha cercato di far rivivere con la forza l'antico splendore della pittura Tang e Sung. Gli artisti erano vincolati da prescrizioni per argomenti, trame e metodi di lavoro. I disobbedienti venivano severamente puniti. Tuttavia, i germogli del nuovo si facevano ancora strada.
Per molti millenni, la pittura cinese ha continuato a svilupparsi e prosperare. Eminenti artisti cinesi che creano dipinti nel tradizionale stile Guohua vendono le loro creazioni alle aste per enormi quantità di oltre un milione di dollari.
Il paesaggio è uno dei generi più richiesti e preferiti dagli artisti. È lui che occupa un posto speciale in tutta la pittura cinese, il cui spirito vive sulle pendici di montagne silenziose e nelle valli di fiumi veloci.
Il paesaggio tradizionale cinese è la base per apprendere tutte le tecniche pittoriche della cultura orientale. Grazie a un insieme relativamente piccolo di mezzi visivi, si ottiene una pienezza, un rilievo e un'espressività inimmaginabili dell'immagine. Tali opere d'arte non hanno solo bellezza esteriore, ma anche pienezza interna, tra cui poesia, filosofia, calligrafia e persino musica.
La pittura di paesaggio è lo stile di base dell'estetica cinese
Le principali disposizioni della pittura cinese sono state sviluppate nel corso di molti secoli, il che ha determinato lo stile di sviluppo eccezionale, originale e unico delle belle arti della Cina. Sarebbe opportuno ricordare il famoso trattato analitico "Una parola sulla pittura da un giardino con un granello di senape", il cui primo volume fu pubblicato nel 1679 ed era dedicato alla pittura di paesaggio.
Ogni opera di un artista cinese racchiude e mostra i fondamenti della filosofia dell'antica Cina.
Il nome stesso del paesaggio cinese - "shan shui" - contiene una descrizione del paesaggio naturale caratteristico di questo territorio, dove il carattere "shan" 山 significa montagna, e "shui" 水 significa acqua.
La pittura di paesaggio cinese raffigura la realtà circostante sotto forma di un mondo sconfinato, animato e sfaccettato, in cui l'unica, grande e potente Divinità è invisibile, ma tangibile.
È l'elemento della spiritualità che consente allo spettatore di sperimentare appieno l'armonia interiore ed esteriore, che ha un effetto positivo sullo stato psicologico di una persona nel suo insieme.
Sentendo sottilmente tutte le caratteristiche della natura della Cina, nel corso degli anni gli artisti sono stati in grado di sviluppare tecniche speciali nella pittura che possono trasmetterle pienamente nel processo di creazione di un'immagine.
Molto spesso, il paesaggio è stato realizzato su seta con l'aiuto dell'inchiostro. Per creare l'impressione del crepuscolo, l'artista ha utilizzato sfumature tenui, mezzitoni e vernici. La peculiare asimmetria della composizione, le linee dolcemente curve del letto del fiume, i ruscelli della cascata, i rami degli alberi hanno conferito al paesaggio una particolare raffinatezza. Un'incredibile combinazione di diverse energie naturali - alberi, rocce, acqua, nebbia e nuvole - ha trasmesso allo spettatore un'immagine completa e armoniosa del mondo.
Un dettaglio importante è che il paesaggio cinese stesso non è un vero riflesso di nessuna parte dell'area, ma la creazione dell'autore, frutto della sua percezione della realtà circostante, fantasia. Creando un'immagine, l'artista sembra intraprendere un viaggio nel suo mondo interiore, attraverso il cui prisma riflette pensieri, ricordi e percezione della realtà. Grazie a questa tecnica, lo spettatore che studia il paesaggio ne è in una certa misura anche il creatore, poiché cerca di svelare il "segreto" dell'artista attraverso le proprie emozioni e il proprio atteggiamento.
Il significato spirituale del paesaggio è spesso integrato da dichiarazioni filosofiche o linee poetiche eseguite con una calligrafia perfetta.
Una caratteristica del paesaggio cinese è un chiaro disegno di dettagli nella parte inferiore del primo piano dell'immagine (figure di persone, pietre, alberi, arbusti), separati dalle immagini sullo sfondo da nuvole d'aria, un velo di nebbia o acqua. Questa tecnica ti consente di creare una sensazione di completezza e spaziosità. Minuscole sagome di persone si inseriscono armoniosamente nel quadro: viaggiatori stanchi con bagagli, pescatori vegetativi su piccole imbarcazioni, eremiti pacifici su un sentiero tortuoso.
Le tecniche artistiche inerenti al paesaggio cinese consentono di trasmettere miracolosamente silenziosamente le grida lontane di uccelli lontani, il silenzio e la tranquillità della natura autunnale, o il suo risveglio e risveglio in primavera.
È interessante notare che, mentre lavorano sul paesaggio, gli artisti cinesi non lasciano confini delineati, il che ci consente di indovinare le idee del maestro.
Anticamente i dipinti erano tele di seta o di carta, che a volte raggiungevano diversi metri. Sono stati conservati incollandoli su carta spessa, che è stata piegata attorno a un rullo di legno e riposta in un'apposita custodia. Sono stati estratti esclusivamente per la visione e dispiegati gradualmente, consentendo al pubblico di vivere appieno ogni dettaglio del paesaggio.
A proposito, questa è una delle principali differenze tra la pittura cinese e quella europea. La pittura cinese è simbolica e lo spettatore è incoraggiato a leggere il dipinto e capire.
Scorri con un paesaggio: un'icona per i cinesi
Come trovare i tratti comuni tra un paesaggio e un'icona, come vederne il significato filosofico e come è opportuno “aggirare” le regole che esistono da tempo immemorabile?
Comprendere tutte queste sfumature è possibile solo con l'aiuto di uno studio completo e approfondito delle tecniche e dei metodi di riproduzione tradizionale del paesaggio, leggendo antichi testi filosofici e canoni classici della pittura. Eminenti maestri guohua credevano che solo padroneggiando le fondamenta incrollabili e seguendo l'abilità degli antichi virtuosi, si potessero migliorare le proprie capacità e persino sviluppare uno stile d'autore unico.
Puoi anche acquisire tali abilità seguendo un corso di pittura cinese nel nostro club Two Empires, dopodiché ognuno sarà in grado di creare autonomamente un paesaggio nella tecnica e nelle dimensioni che preferisce. E in futuro - per padroneggiare tecniche e metodi nuovi e più complessi della moderna pittura cinese.
Artisti famosi del passato
Uno dei più famosi artisti cinesi del XX secolo, 齐百石 (1 gennaio 1864 - 16 settembre 1957) - vero nome Chun Zhi, nacque in una famiglia povera. Per molto tempo ha aiutato la sua famiglia facendo i lavori domestici. Ma grazie al suo talento e alla sua perseveranza, grazie al suo straordinario approccio alla pittura cinese, è diventato un artista famoso e popolare con una reputazione mondiale. Qi Baishi è spesso definito il Picasso della Cina.
Qi Baishi era un artista versatile, ha lavorato in diversi generi di pittura tradizionale cinese. Possiede molti paesaggi.
(张大千 Zhang Dagians, 1899 -1983) altro grande maestro della pittura tradizionale cinese. "Il genio di cinque secoli": così Xu Beihong ha chiamato il maestro nella prefazione alla raccolta di opere di Daqian.
Zhang Daqian, un meraviglioso artista e calligrafo, ha vissuto una vita difficile, ha cambiato molte volte il suo luogo di residenza, ha vissuto in diversi paesi, alla fine della sua vita si è stabilito a Taiwan, dove è morto.
Nel suo testamento, Zhang Daqian ha donato la casa e tutti gli oggetti al Taipei Gugong Museum. Lì è stato creato un memoriale.
Questo artista è riuscito a raggiungere le vette più alte dell'arte. A causa del pittore oltre 40mila opere! Tuttavia, il suo lavoro è uno dei più venduti al mondo.
Con una nuova tecnica di inchiostro intermittente e ampie pennellate, Zhang Daqian ha spinto la pittura paesaggistica cinese a una nuova fase del suo sviluppo.
Xu Beihong 徐悲鸿 Xú Bēihóng (1895-1953), pittore e grafico cinese, rappresentante della scuola di Shanghai. Nato nella famiglia di un artista e poeta. Per molto tempo ha vissuto in Francia e ha studiato arte europea. Fu lì in Francia che fu posato lo stile realistico della pittura. Ha viaggiato molto in Europa. Può essere tranquillamente definito un riformatore della pittura cinese, poiché è stato uno dei primi a combinare le tradizioni della pittura cinese ed europea.
In Cina esiste un museo dedicato alla vita e all'opera del grande maestro, padre della moderna pittura cinese.
L'artista è principalmente noto per i suoi dipinti di cavalli meravigliosamente dipinti, la maggior parte dei quali sono stati creati nel tradizionale stile cinese, cioè inchiostro o acquerello su seta o carta.
Ma Xu Beihong ha anche dipinto molti dipinti nel genere del paesaggio cinese. La maggior parte delle opere sono state create con la tecnica dei paesaggi monocromatici, ma nel suo lavoro sono presenti anche diversi paesaggi colorati.
In cinese, il paesaggio è indicato dalla parola 山水 ( shan shui), che si traduce in russo come " montagna e acqua" O " montagne e acqua". Da un lato, questa stessa combinazione indica in modo eloquente che tipo di paesaggi hanno dipinto i maestri cinesi: queste sono immagini del mondo delle montagne e dei fiumi. Ma "montagna" e "acqua" non sono solo i nomi dei motivi pittorici prediletti dai pittori cinesi. Prima di tutto, si tratta di designazioni per righe di oggetti appartenenti a una delle due classi. Il binomio 山水 è simile al noto binomio 阴阳 ( Yin Yang).
Paesaggio tradizionale cinese non scritto dalla natura. Da un lato, i paesaggi nella tecnologia gongbi(pennello attento) - e soprattutto se si tratta di una monumentale tela verticale o orizzontale di molti metri - sono stati scritti per molto tempo, a volte per diversi mesi. D'altra parte, nella tradizione non c'era alcuna intenzione di trasmettere una reale somiglianza con un luogo particolare. La vera esperienza di sperimentare certe bellezze naturali, così come tutto il materiale pittorico accumulato dalla tradizione precedente, è stata compresa dall'artista - e il risultato di questa accumulazione e comprensione è stata una nuova immagine. E ogni paesaggio non era il ritratto di un luogo particolare, ma una sorta di modello generalizzato del mondo, la sua immagine, formata e catturata dall'artista.
Gli spettatori e gli intenditori previsti dei rotoli paesaggistici erano persone che non erano inferiori ai pittori né per istruzione né per esperienza in materia di tradizione e cultura. Pertanto, il processo di creazione e successiva percezione di un rotolo pittorico ha sempre implicato una sorta di dialogo tra artista e spettatore. Il dialogo è andato su almeno due livelli: lo spettatore ha letto COME è stato scritto e COSA è stato scritto. La divulgazione del COME una pergamena può essere presentata schematicamente in tre fasi: prima - questo può essere designato come livello macro - è stato considerato il paesaggio in generale, è stato valutato lo schema compositivo scelto e sviluppato dall'artista, sono state evidenziate le sue caratteristiche, un è stata fatta una conclusione sulla tipicità o, al contrario, su eventuali innovazioni introdotte dall'autore ecc. Quindi lo spettatore si è spostato al livello intermedio - il livello dei singoli oggetti raffigurati sul rotolo e le loro relazioni: alberi, pietre, rocce, cascate, figure di persone ed edifici - COME l'artista li ha costruiti l'uno rispetto all'altro. Poi è stato possibile immergersi nel COME funziona il pennello dell'artista: apprezzare il virtuosismo e la maestria del pennello, la sua forza e le tecniche utilizzate. In certe fasi dello sviluppo del paesaggio tradizionale cinese, c'erano impressionanti manuali sulla pittura, che descrivevano e delineavano in dettaglio COME (con quali tratti, macchie, punti) dovevano essere dipinti certi oggetti naturali. Ciò corrisponde a una delle sei leggi pittoriche formulate già nel V secolo d.C. artista e teorico di nome Xie He - legge sulla conformità dell'immagine al genere delle cose. Dopo aver apprezzato la complessità della creazione di un'immagine a livello micro, lo spettatore è tornato di nuovo al paesaggio nel suo insieme, ma ora guardare l'immagine significava già tutte le informazioni ottenute a diversi livelli di "inclusione" nell'immagine.
COSA un rotolo di paesaggio è sempre il messaggio dell'artista allo spettatore, il cui tema è essenzialmente lo stesso. "Montagne e acque" è sempre un'immagine, modello mondiale, che riflette idee moderne sulle caratteristiche della sua struttura e funzionamento. Il mondo - e l'uomo in esso. Il modello ha subito modifiche nel tempo, alcuni aspetti della sua struttura e principi di lavoro sono stati accentuati o, al contrario, "sono andati nella nebbia", ma l'atteggiamento nei confronti del paesaggio come immagine del mondo, sancito nei trattati teorici, è stato conservato. E a questo proposito, il genere paesaggistico è stato apprezzato più di altri.
Anche le immagini della natura erano apprezzate elevata funzione applicativa che avevano nella vita di una persona istruita. La contemplazione del paesaggio era una delle forme di svago preferite di funzionari e scienziati intellettuali. Come sapete, i cinesi tradizionali vivevano in una sintesi culturale dei tre principali insegnamenti: confucianesimo, taoismo e buddismo. Il confucianesimo ha determinato la natura della vita quotidiana del funzionario: le peculiarità del suo comportamento nella società, i suoi doveri ufficiali e familiari, le norme che gli hanno permesso di creare e mantenere il suo "volto". Quanto al taoismo e al buddismo, grazie a loro sorse un certo spazio interiore, libero da routine e formalità, in cui una persona poteva ritirarsi, rimanendo sola o in una cerchia di persone a lui vicine nello spirito. Il godimento delle immagini di "montagne e acque" corrispondeva a ciò che nel taoismo era designato come "libero vagabondaggio dello spirito", "viaggio mentale". All'alba della formazione del taoismo, una delle cui origini erano i rituali sciamanici della Cina meridionale, il "viaggio mentale" era probabilmente compiuto da adepti in uno stato di trance, intossicazione da droghe - e gli sciamani viaggiavano attraverso i paesaggi interiori di alcuni spazi mistici. Tali stati furono in seguito molto apprezzati dall'élite creativa, ma non solo l'ebbrezza poteva diventare uno stimolo per il "volo dello spirito". L'immagine di montagne e acque ha fornito la base per una sorta di processo meditativo, durante il quale la coscienza dello spettatore poteva, dopo aver goduto dell'immagine, allontanarsi da essa e intraprendere il proprio viaggio. Questo potrebbe essere un ricordo e un'esperienza dell'esperienza passata di vere passeggiate in montagna o un vagare attraverso luoghi immaginari in cui si dispiegava lo spazio fondamentalmente aperto del rotolo, continuato dall'immaginazione dello spettatore, o una riflessione sul messaggio formulato dall'artista e letto dallo spettatore, che ha un bagaglio di memoria culturale simile a lui, o riflessione su temi filosofici...
Puoi citare estratti dal trattato "Sulla sublime essenza di foreste e ruscelli" artista e teorico della pittura Gu Xi(vissuto durante la dinastia Song settentrionale, nell'XI secolo):
"... Vedute di foreste e ruscelli, immagini di distanze nebbiose spesso ci si aprono come in un sogno; i nostri occhi e le nostre orecchie non le percepiscono. Ma sotto la mano di un abile artigiano, riappaiono davanti a noi. E poi, senza uscire di casa, possiamo essere trasportati in gole profonde, per ascoltare le grida delle scimmie e il cinguettio degli uccelli, per vedere montagne bagnate di luce e ruscelli scintillanti di bagliore.Questo spettacolo non ci dà gioia?Non ci tocca i nostri cuori? Ecco perché l'arte della pittura è così apprezzata nel mondo. Prenderla alla leggera significa annebbiare la tua visione spirituale e inquinare i puri impulsi dell'anima..."
"...Chi parla seriamente di pittura dice questo: ci sono montagne e acque attraverso le quali puoi andare; ci sono quelle che puoi guardare; ci sono quelle dove puoi camminare, e ci sono quelle dove puoi stabilirti. Un'immagine del genere può essere definita davvero meravigliosa ... "
"... Ecco una montagna, ma è possibile non studiare con essa la vista di molte altre montagne! In primavera, foschia e nuvole sulle montagne si diffondono in una serie continua e le persone sono gioiose. In estate, il le montagne sono belle, hanno una fitta ombra dagli alberi - le persone sono serenamente calme.In autunno, le montagne sono di luce trasparente, come se ondeggiassero e cadessero - le persone sono severe.In inverno, le montagne sono nascoste dalla foschia oscura - le persone sono nascosti. Quando si guardano tali dipinti, le persone hanno la sensazione di essere effettivamente in montagna. Questo è il significato di tali dipinti. .."
"... Quando vedi strade bianche in una foschia grigia, le percorri mentalmente. Quando vedi la luce dell'alba della sera nei fiumi, in pianura, osservi mentalmente il tramonto. Quando vedi eremiti e abitanti delle montagne in montagna, vivi mentalmente con loro. Quando vedi rocce con sorgenti in luoghi inespugnabili, vaghi mentalmente tra di loro. Le persone che guardano queste immagini hanno un tale stato d'animo, come se fossero davvero in questi luoghi. Questo è il fascino esteriore di tali immagini ... "
"... Le persone nel mondo pensano che le immagini siano create da un semplice movimento del pennello. Non capiscono quanto sia difficile dipingere. Chuang Tzu dice: "L'artista si toglie i vestiti e si siede a gambe incrociate". Ecco un giusto giudizio sull'opera del pittore "Il maestro deve nutrire serenità e gioia nel suo cuore. I suoi pensieri devono essere calmi e armoniosi, poiché si dice: "Che il cuore sia calmo". Quindi tutti i sentimenti umani e tutti le proprietà delle cose si manifesteranno nel cuore e altrettanto involontariamente scenderanno dalla punta del pennello sulla seta..."
In Cina non era consuetudine tenere i rotoli appesi. Da un lato, ciò si spiega con la preoccupazione per la durabilità delle opere: da una lunga permanenza in uno stato allungato, la base del rotolo si è gradualmente allungata, deformata, sull'opera potrebbero comparire crepe e lacerazioni. Pertanto, preziosi rotoli venivano conservati in stanze speciali in casi speciali. E ora nei musei e nelle gallerie d'arte in Cina, l'esposizione cambia abbastanza spesso: le opere, come si suol dire, possono riposare. D'altra parte, come già accennato, il godimento del quadro era una delle forme di svago preferite dai cinesi colti. Questa potrebbe essere, ad esempio, una buona occasione per il proprietario del dipinto ei suoi amici per incontrarsi e trascorrere del tempo insieme. Un rotolo verticale era appeso a una cornice speciale e il pubblico si abbandonava alla contemplazione, sedendosi attorno ad esso. Un rotolo orizzontale - e potevano essere molto lunghi, molti metri di lunghezza - veniva svolto su un apposito tavolo: da destra a sinistra, aprendone frammento per frammento, fermandosi, esaminando e proseguendo - fino alla sua estremità sinistra. E poi nella direzione opposta, da sinistra a destra. Questo processo di apertura e piegatura del rotolo potrebbe richiedere diverse ore.
In Cina, prima di conoscere la pittura europea, non esisteva il concetto di prospettiva lineare. D'altra parte, si è sviluppato un concetto molto particolare di organizzare lo spazio in un rotolo di paesaggio. Si tratta di "tre distanze" (三元) dipinti di "montagne e acque". Questo concetto è stato formulato e sviluppato dal già citato pittore e teorico dell'XI secolo Guo Xi. C'è il suo lavoro dedicato a una spiegazione dettagliata delle caratteristiche e delle proprietà di ciascuna delle tre distanze e del significato dell'intero concetto nel suo insieme. Questo è un argomento molto interessante, ma complesso: non lo toccheremo qui. Cercherò solo di mostrare visivamente cosa si intende per ognuna delle tre distanze a livello compositivo e noterò le caratteristiche dello spazio del cartiglio costruito sulla base di queste distanze.
Tre distanze: alta, profonda e uniforme.
alta distanza significa guardare dai piedi di una montagna alla sua cima. I volumi sono prevalentemente sviluppati, modellati verticalmente. L'attenzione dello spettatore è una montagna, una catena montuosa (Kuan Tong "Ritardo all'attraversamento di un ruscello di montagna").
profonda distanza- questo è un insieme di strati di catene montuose che si sovrappongono l'un l'altro con scoperte di gole tra di loro. La nebbia spesso turbina in queste gole. Lo sguardo, spostandosi dai volumi vicini a quelli più distanti, come se si approfondisse nello spazio del quadro (Guo Xi "Monastero tra le montagne innevate" e Fan Kuan "Guardando il ruscello, mi siedo da solo")
« Montagna"è una designazione alternativa per la forza attiva" yang”: la montagna è rivolta verso l'alto, questo è un simbolo del movimento yang ascendente. Allo stesso tempo, la "montagna" è tutto ciò che si trova sulla montagna e obbedisce alle sue dinamiche: si tratta di pietre, singole rocce, alberi, erbe, arbusti, cioè vegetazione montana, aree pianeggianti adiacenti alla montagna, ecc. " Acqua"a sua volta è un riflesso dell'inizio passivo" yin”: “l'acqua” si sposta sempre verso il basso, la sua dinamica è sempre soggetta alle peculiarità della situazione attuale. La classe "acqua" comprende tutti gli oggetti che rappresentano l'acqua nei suoi vari stati fisici: fiumi e ruscelli di montagna, ruscelli e cascate, superfici fluviali coperte di neve e ghiaccio, nuvole e nebbie - indispensabile per la pittura di paesaggio e motivo pittorico molto significativo. Quindi, se in linea con una delle idee tradizionali cinesi sull'Universo, il mondo è inteso come il risultato di innumerevoli interazioni diverse tra forze " yang"e" yin ", quindi il paesaggio - quadro "montagne e acque"- ne è un buon esempio.
Concetto " Yin Yang”, che divenne la base dell'intera cultura cinese, fu originariamente formulata nell'ambito dell'omonima scuola “ yin-yang-chia"(VI - IV secolo a.C.). Per il confucianesimo, con il suo orientamento pedagogico, l'idea fondamentale era la rappresentazione dell'Universo come luogo interazioni di tre forze-principio-entità: Cielo, Terra e Uomo. Pertanto, nei dipinti cinesi che rappresentano "montagne e acque", il tema dell'Uomo, l'Uomo con la lettera maiuscola, che occupa il suo posto tra Cielo e Terra - tra acque e montagne, suona sempre e certamente. Il tema dell'uomo è presentato nella pittura di paesaggio in modo molto diverso: si tratta di singole figure di persone impegnate in varie attività (agricoltori, mercanti, viaggiatori, pescatori, eremiti) e di diversi edifici architettonici (capanne individuali, villaggi, moli di barche, edifici monastici), e tracce di attività umana (strade, ponti), ecc.
Lo scopo dei cinesi dipinti d'arteè quello di esprimere l'essenza del soggetto, e non solo la somiglianza esterna. I maestri cinesi non hanno dipinto paesaggi reali, ma mondi immaginari e ideali.
Un'immagine del genere, realizzata secondo le tradizioni della pittura cinese, incoraggia a pensare all'alto.
La pittura paesaggistica cinese è una sorta di opera d'arte surreale paragonabile ai dipinti di Dali nella pittura europea.
Ma, a differenza di molti dipinti europei, le creazioni degli artisti cinesi sono piene di significato profondo, simbolico e hanno un'energia speciale. Anche il modo della loro scrittura è molto diverso da quello europeo.
Questa è un'arte molto antica che è diventata sempre più perfetta nel tempo. Fino ad ora, gli artisti cinesi rimangono fedeli alle tradizioni del passato.
Quando un maestro dipinge un quadro, non lo correggerà mai. Per questo motivo, il suo lavoro può essere definito un'opera d'arte spontanea.
Ma molto più interessante è il lavoro preliminare che l'artista fa prima di dipingere il quadro. Questo lavoro si chiama "trovare il qi". Per catturare l'energia della vita che sboccia al mattino e per esprimerla nella trama dell'immagine, l'artista deve prima fondersi con la trama.
I dipinti dei maestri cinesi hanno sempre uno stato d'animo contemplativo. Calma contemplazione mentale della trama e distinzione della bellezza in essa: questa è la pratica a cui ricorrono i veri maestri del pennello.
I soggetti tradizionali dei dipinti cinesi sono uccelli e fiori, paesaggi, ritratti e animali.
Immagini della natura
Per secoli, i paesaggi hanno costituito la maggior parte della pittura cinese. Sono familiari a chiunque si consideri un amante dell'arte cinese. Contemplativi, enigmatici e sconcertanti, hanno sempre catturato l'immaginazione degli occidentali e sono stati dipinti da maestri cinesi nella loro forma originale per migliaia di anni.
Le aspre montagne di questi dipinti sono di natura semplice, ma ci vuole tempo e fatica per capire un simile dipinto.
Gli elementi principali dei dipinti cinesi sono montagne, cascate e fiumi. Gli stessi cinesi chiamano tale pittura acqua di montagna.
La montagna è il cuore del paesaggio cinese. È al centro di un vasto paesaggio, che si precipita verso il cielo. In altri dipinti, le montagne sono un ripido monolite di verde, ricoperto di rocce e creste rocciose.
La nebbia che circonda le montagne simboleggia lo spazio spirituale che lo spettatore deve riempire. Il paesaggio che circonda la montagna invita lo spettatore a prendere parte alla sua bellezza ea riflettere sul significato della montagna, o talvolta sul vasto vuoto che la circonda.
La nebbia che circonda la montagna è una dimensione spirituale che lo spettatore deve riempire mentre contempla il paesaggio.
Secondo le credenze tradizionali cinesi, le montagne sono considerate sacre. Gli immortali vivono in loro e i loro blocchi sono così vicini al paradiso, sia in senso spirituale che fisico.
Un senso di equilibrio nella foto è portato da altri elementi del paesaggio: sentieri e fiumi. Arano lo spazio dell'immagine, dirigendo il contemplatore verso la montagna.
A volte, nonostante ci sia una montagna al centro dell'immagine, le stelle e la Luna saranno la vera anima dell'opera. Spesso nei paesaggi di acqua di montagna ci sono elementi come barche, pietre, alberi, edifici, persone, sole, templi. Sono solo una piccola parte di un vasto paesaggio.
La calligrafia può essere presente anche nei dipinti della natura. È una poesia. Completano il paesaggio e lo spiegano.
La contemplazione di un'immagine del genere suggerisce davvero quanto siano piccole le persone nella vasta e grande distesa dell'universo. La pittura di paesaggio cinese è strettamente correlata a