Takie traktowanie książki doprowadzi filologa jednocześnie do przerażenia i podziwu. Rzeźbiarze obrócili obiekt sztuka słowna w wizualne arcydzieło. W wielu przypadkach forma przemawia za treścią. A w pracach Guya Laramiego książka jest ucieleśniona w miniaturowym krajobrazie.
Culturelogia.ru
Niektórzy drążą obraz, inni go wycinają, inni dodają koloru, a pisarz Jonathan Safran Foer celowo napisał książkę-rzeźbę „Drzewo kodów”. Wyciął słowa z „Ulicy Krokodyli” Brunona Schulza. Pozostały tekst, prześwitujący przez strony, tworzy nową pracę różne opcje oznaczający. Autor próbował opublikować książkę, ale w Ameryce odmówiono jej wydrukowania. Żadna drukarnia nie podjęła się tak technologicznie trudny proces. Małe wydanie zostało wydrukowane w Belgii. Czytelnicy byli zaskoczeni, gdy pod zwykłą okładką książki znaleźli wycięte strony.
Teatr cieni został przekształcony w wersję statyczną. Rzeźbiarz konstruuje postać i ustawia źródło światła w taki sposób, aby cień z rzeźby wyglądał jak naturalistyczny obraz. Sama postać często nie ma rozpoznawalnych konturów. Wszystko może służyć jako materiał: od śmieci po części lalek. Ale cień może być tak realny, że chcesz sprawdzić, czy jest namalowany na ścianie.
artchive.ru
Żart dla dzieci stał się formą sztuki. Na zakurzonej powierzchni pędzlem lub palcem artyści kopiują lub tworzą światowe arcydzieła oryginalne rysunki. Jeden z znani przedstawiciele brudny samochód, Scott Wade, ozdabia nie tylko swój pojazd, ale także samochody nieznajomi. Czasami, jeśli samochód jest zbyt czysty, Scott celowo rzuca na niego brud. Nie chce się zmywać takich arcydzieł, więc właściciele tych malowanych błotem Pojazd zaoszczędzić na myciu samochodu.
www.autoblog.com
Obiekty środowiska zewnętrznego są pokryte przędzą. Ludzie, którzy ozdabiają ulice dzianinami, nazywani są przędzalnikami. Założycielką kierunku jest Magda Sayegh. Jej grupa zrobiła na drutach przytulne swetry na autobusy, samochody, pomniki, drzewa, ławki na całym świecie.
art-on.ru
Ten kierunek obejmuje nie tylko rysunki na ciele, ale także wszelkie działania, których głównym narzędziem wizualnym jest ludzkie ciało. Implanty i wszelkiego rodzaju modyfikacje czynią artystę obiektem artystycznym. W sztuce awangardowej znane są nieatrakcyjne autodemonstracje artystów, wyzwalające ciało z ram społecznych norm. Artyści szokują publiczność bólem. Chiński artysta Yang Zhichao znosił wszczepianie roślin w skórę bez znieczulenia. Po przedstawieniu „Planting Grass” na ciele Yang Zhichao pozostały blizny po nieukorzenionych roślinach.
www.artsy.net
Mistrz z Chin, Huang Tai Shan, uważany jest za klasyka rzeźbienia w liściach. Usuwa część wierzchniej warstwy liścia, pozostawiając półprzezroczystą strukturę roślinną. Artysta z Hiszpanii Lorenza Durana tnie nożem naturalne obrazy i wzory z wyraźnymi liniami.
art-veranda.ru
Od tego czasu znane jest oświetlenie koniec XIXw wiek. włączony aparat długa ekspozycja naprawia linie z ruchu źródła światła. Pablo Picasso lubił tę technikę. Zasłynął z cyklu prac „Light Drawings by Picasso”, wykonanych w ciemnym pokoju małego żarówka z fotografem Guyonem Mili.
Ta sztuka została nazwana zamrożonym światłem przez rosyjskich fotografów Artema Dołgopołowa i Romana Palczenkowa i nazwa ta została.
hiveminer.com
Żywe płótna
Od czasów starożytnych artyści dążyli do objętości przedstawionego. Od wynalezienia perspektywy w malarstwie do technologii kin 3D. Ale w XXI wieku odwrotność obrazów trójwymiarowych zyskuje na popularności. Osoby lub przedmioty są pokryte farbą i wpisane środowisko tak aby wizualnie wydawały się dwuwymiarowe. Malowane akrylami i mlekiem modele Alexy Mead stoją nieruchomo przez kilka godzin, podczas gdy widzowie są oszołomieni iluzją. A Cynthia Greig sprawia, że obiekty na fotografii wyglądają jak płaskie rysunki graficzne.
www.faktroom.ru
Wręcz przeciwnie, mistrzowie tego typu twórczości bawią się perspektywą i płaszczyznami, aby stworzyć trójwymiarowy obraz. Rysunek wydrukowany na powierzchniach 2D pod pewnym kątem wydaje się obszerny.
hdviewer.com
w latach 60 ubiegłego stulecia amerykańscy konceptualiści przenieśli do natury instalacje z muzeów. Najczęściej dzieła sztuki lądowej to wielkoformatowe kompozycje, które są ściśle związane z otoczeniem, w którym się znajdują. Natura jest zaangażowana w instalację. Na przykład Walter de Maria zainstalował na boisku 400 identycznych piorunochronów. Podczas burzy pojawia się Pole Błyskawicy imponujący obraz od ciągle migoczących wyładowań elektrycznych.
www.faqindecor.com
Główne zdjęcie z artchival.proboards.com
Artyści z przeszłości nie mogli sobie nawet wyobrazić, jakie dziwne formy przybiera sztuka współczesna.
A to przybrało następujące formy:
1. Anamorfoza. Ten rodzaj sztuki współczesnej implikuje technikę malarską, którą można w pełni zrozumieć, patrząc na nią tylko z określonego miejsca lub pod określonym kątem. Niektóre obrazy można zobaczyć tylko patrząc na nie w lustrze. Ta forma sztuki pojawiła się w czasach Leonarda da Vinci (XV wiek).
Na przestrzeni wieków rozwinęła się anamorfoza nowoczesna forma wygląda jak sztuka uliczna. W tego rodzaju rysunkach artyści naprawdę imitują pęknięcia w ziemi lub dziury w ścianach.
Praca Istvána Orosa
2. Fotorealizm. Ten rodzaj sztuki powstał w latach 60. ubiegłego wieku, a artyści starali się go odtworzyć realistyczne obrazy, który nie różniłby się od fotografii. Uchwycone przez kamerę najmniejsze szczegóły stworzył „obraz obrazu życia”. Krytycy mają ambiwalentny stosunek do fotorealizmu, niektórzy z nich uważają, że mechaniczna produkcja obiektów sztuki przeważa nad pomysłami i stylem.
3. Rysunki na brudnych samochodach. Profesjonaliści tego typu sztuki nie starają się przedstawiać banalnego napisu „umyj mnie” na brudnym samochodzie. Specjaliści używają do swojej pracy specjalnych pędzli i pędzli. W tej dziedzinie 52. Scott Wade jest uważany za wiodącego mistrza ( Grafik). Stworzył wiele oryginalnych i niesamowitych rysunków, używając jedynie brudu na szybach samochodowych. Nawiasem mówiąc, zaczął od użycia warstwy kurzu na teksańskich drogach jako płótna. Tam rysował karykatury za pomocą małych gałązek i własnych palców.
Dziś Wade jest zapraszany do promowania swoich produktów przez duże korporacje i wystawy sztuki.
Praca Scotta Wade'a
4. Wykorzystanie płynów ustrojowych do produkcji dzieł sztuki. Jest to oczywiście dziwne, ale wielu artystów używa swoich płynów ustrojowych w swojej pracy. Każdy wykształcona osoba słyszał o tym, ale w 100% to, o czym słyszał, to tylko „wierzchołek nieprzyjemnej góry lodowej”.
Na przykład Hermann Nitsch, austriacki artysta, używa do swoich prac moczu lub krwi bydła. Uzależnienia te pojawiły się w czasie II wojny światowej, kiedy był dzieckiem. A teraz, z powodu swojego uzależnienia od niezwykłej formy sztuki, kilka razy stawał przed wymiarem sprawiedliwości.
Brazylijski artysta Vinicius Quesada używa w swoich pracach wyłącznie własnej krwi, bez uciekania się do krwi zwierząt. Jego obrazy mają chorobliwy odcień zieleni, żółci i czerwieni i są wyrażone w bardzo mrocznej, surrealistycznej atmosferze.
Hermann Nitsch i jego praca
5. Obrazy z własnym ciałem. W sztuce współczesnej nie tylko artyści, którzy używają fluidów do tworzenia obrazów własne ciało są popularne. Dość znani i poszukiwani są mistrzowie, którzy piszą dzieła własnym ciałem.
Kira Ain Warseji tworzy abstrakcyjne portrety wykorzystując swoje piersi. Była za to bardzo krytykowana. Jednak ta kobieta jest pełnoprawną artystką, która pracuje według klasycznego schematu, używając farb i pędzli.
Czy jest coś więcej dziwni artyści którzy zamiast pędzla używają części ciała zupełnie nieprzeznaczonych do tego celu. Na przykład Ani K. - rysuje językiem i Stephen Marmer ( nauczyciel szkolny) - rysuje pośladki.
„Ani K w pracy”
6. obraz 3D. najbardziej sławny artysta w tej dziedzinie jest mistrz z Los Angeles, Mead Alexa. W swoich pracach wykorzystuje nietoksyczną farbę akrylową, dzięki czemu jego asystenci wyglądają jak nieożywione dwuwymiarowe obrazy. Mead zaprezentował publicznie swoją technikę w 2009 roku. Inną znaczącą postacią w tej dziedzinie jest artystka i fotografka z Detroit, Cynthia Greig. W swoich pracach wykorzystuje zwykłe i praktyczne przedmioty gospodarstwa domowego, a nie ludzi. Pokrywa je białą farbą lub węglem drzewnym. Z tego powodu rzeczy z boku wyglądają płasko i dwuwymiarowo.
Jedno z dzieł Alexy Meade
7. Sztuka i cienie. Nie wiadomo dokładnie, kiedy ludzkość zaczęła wykorzystywać cień do dzieł sztuki. Ale mimo wszystko współcześni artyści osiągnęli niespotykane wyżyny. Mistrzowie używają cieni do pozycjonowania różnych przedmiotów, a nawet do tworzenia cieniowych obrazów słów, przedmiotów i ludzi.
Sztuka cieni ma nieco przerażającą reputację, jednak nie przeszkadza to „artystom cieni” w używaniu tego stylu do rozwijania motywów dewastacji, upadku, horroru.
Praca artysty Teodosio Aurea
8. „Odwrócone graffiti”. Ta forma sztuki polega na tworzeniu obrazów poprzez usuwanie brudu, ale bez dodawania farby. Bardzo często artyści podczas tworzenia używają pralek, usuwając brud z elewacji domów piękne prace sztuka. Ten typ sztuka przez publiczność jest uważana za dość kontrowersyjną, dlatego osoby zajmujące się „odwrotnym graffiti” prawie zawsze mają starcia z policją.
Praca artysty Moose
9. Iluzje sztuki ciała. Ludzkość była zaangażowana w czerpanie z ciała dosłownie od samego początku. Zarówno Majowie, jak i starożytni Egipcjanie uprawiali sztukę ciała. Ten rodzaj sztuki polega na wykorzystaniu ludzkiego ciała jako płótna, na którym można stworzyć dzieło sztuki różne kąty oszukać obserwatora. Iluzje na ciele mogą wyglądać jak rana, samochód lub zwierzę. Japoński mistrz Hikaru Cho zasłynął z rysowania postaci z kreskówek na ludzkim ciele.
Grafika autorstwa Hikaru Cho
10. Rysowanie światłem. Rysowanie światłem zaczęto wykorzystywać w 1914 r., do celów praktycznych – w produkcji władze rejestrowały ruch robotników. Po przeanalizowaniu danych pracownicy albo odchodzili, albo szukali sposobów na znalezienie łatwiejszego sposobu pracy.
W 1935 roku surrealistyczny artysta Man Ray użył aparatu z otwartą migawką, aby sfotografować siebie stojącego w strumieniach światła. Przez długi czas nikt nie mógł zgadnąć, jakie jasne loki są widoczne na zdjęciu. Dopiero w 2009 roku dzięki postęp techniczny stało się jasne, że nie były to przypadkowe loki, ale lustrzane odbicie podpisu samego artysty.
Sztuka współczesna XXI wieku, a dokładniej koniec XX - początek XXI wieku. Zostanie to omówione w tym artykule, trzecim z serii. Przewodnik po sztuce współczesnej. Kontynuujemy naszą znajomość ze sztuką współczesną. Rozważ najbardziej uderzające trendy końca XX - początku XXI wieku.
Sztuka, w której jest mało znaczenia, ale wiele znaczeń (Alexander Genis)
Sztuka przełomu XX i XXI wieku- wszystkożerny, ironiczny, trujący, demokratyczny - zwany zmierzchem wielka epoka. Postmoderniści znaleźli się w sytuacji, w której wszystko zostało im powiedziane. A wystarczy, że wykorzystają to, co stworzyli, mieszają style, tworzą sztukę, jeśli nie nową, to rozpoznawalną…
W dwóch poprzednich artykułach z tej serii rozważaliśmy:
- Część 3. Koniec XX - początek XXI wieku ( rozważyć w tym artykule)
Podobnie jak w 2 poprzednich artykułach, dla każdego rodzaju sztuki zostaną wskazane miejsca - miasta, muzea, zabytki gdzie można zobaczyć ich prace wybitni przedstawiciele. Ten artykuł, podobnie jak dwa poprzednie, może stać się kolejnym zachęta do nowych podróży!
Z artykułu dowiesz się: sztuka jest najbardziej uderzającym kierunkiem końca XX wieku - początku XXI wieku.
- neorealizm;
- minimalna sztuka;
- postmodernistyczny;
- hiperrealizm;
- instalacja;
- Środowisko;
- sztuka wideo;
- graffiti;
- Transawangarda;
- sztuka ciała;
- Stuckizm;
- neoplastycyzm;
- Sztuka uliczna;
- Sztuka pocztowa;
- Żadna sztuka.
1. NEOREALIZM. To sztuka powojennych Włoch, które zmagały się z powojennym pesymizmem.
Nowy front sztuki zjednoczył abstrakcjonistów i realistów i trwał tylko 4 lata. Ale wyszli z tego znany artysta Obsada: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto Treccani. Barwnie i wyraziście przedstawiali robotników i chłopów.
Podobne tendencje pojawiły się w innych krajach, ale szkoła neorealizmu, która pojawiła się w Ameryce dzięki staraniom muralisty Diego Rivery, jest uważana za najjaśniejszą szkołę.
Obejrzyj: Renato Guttuso - Pałac Chiaramonte (Palermo, Włochy), freski Diego Rivery - Pałac Prezydencki (Meksyk, Meksyk).
Fragment fresku Diego Rivery dla hotelu Prado w Meksyku „Sen o niedzielne popołudnie w Alameda Parku, 1948
2. SZTUKA MINIMALNA. To jest kierunek awangardy. Posługuje się prostymi formami i wyklucza wszelkie skojarzenia.
Ten kierunek pojawił się w USA pod koniec lat 60. Minimaliści nazywali Marcela Duchampa (ready-made), Pieta Mondriana (neoplastycyzm) i Kazimierza Malewicza (suprematyzm) swoimi bezpośrednimi poprzednikami, a jego czarny kwadrat nazwali pierwszym dziełem sztuki minimalnej.
Wykonano niezwykle proste i geometrycznie poprawne kompozycje - plastikowe pudełka, metalowe pręty, stożki przedsiębiorstwa przemysłowe ze szkiców artystów.
Patrzeć:
Prace Donalda Judda, Carla Andre, Saula Levitta - Guggenheim Museum (Nowy Jork, USA), Museum of Modern Art (Nowy Jork, USA), Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork, USA).
3. POSTNOWOCZESNE. To długa lista nierealistycznych trendów końca XX wieku.
Vanchegi Mutu. Kolaż "Narządy płciowe dorosłej kobiety", 2005 Cykliczność jest charakterystyczna dla sztuki, ale postmodernizm był pierwszym przykładem „negacji negacji”. Na początku modernizm odrzucił klasykę, a następnie postmodernizm odrzucił modernizm, tak jak wcześniej odrzucił klasykę. Postmoderniści wrócili do tych form i stylów, które były przed modernizmem, ale na wyższym poziomie.
Postmodernizm jest wytworem epoki najnowsze technologie. Dlatego to istotna funkcja to mieszanka stylów, obrazów, różne epoki i subkultury. Dla postmodernistów najważniejsze było cytowanie, zręczne żonglowanie cytatami.
Obejrzyj: Tate Gallery (Londyn, Wielka Brytania), Muzeum Narodowe sztuka współczesna Centre Pompidou (Paryż, Francja), Muzeum Guggenheima (Nowy Jork, USA).
4. HIPERREALIZM. Sztuka naśladująca fotografię.
Chuck Zamknij. "Roberta", 1974 Sztuka ta nazywana jest także superrealizmem, fotorealizmem, radykalnym realizmem lub zimnym realizmem. Kierunek ten pojawił się w Ameryce w latach 60., a po 10 latach rozpowszechnił się w Europie.
Artyści tego kierunku dokładnie kopiują świat, jaki widzimy na zdjęciu. W pracach artystów odczytuje się pewną ironię wobec technogenu. Artyści przedstawiają głównie sceny z życia współczesnej metropolii.
Patrzeć: prace Chucka Close, Dona Eddy'ego, Richarda Estesa - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (Nowy Jork, USA), Brooklyn Museum (USA).
5. INSTALACJA. To jest kompozycja w galerii, którą można stworzyć ze wszystkiego, najważniejsze, że jest podtekst i pomysł.
Najprawdopodobniej ten kierunek nie istniałby, gdyby nie kultowy pisuar Duchampa. Nazwiska największych światowych instalatorów: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis i Kabakov.
W instalacji najważniejszy jest sam podtekst i przestrzeń, w której artyści zderzają się z banalnymi przedmiotami.
Oglądaj: Tate Modern (Londyn, Wielka Brytania), Muzeum Guggenheima (Nowy Jork, USA).
6. ŚRODOWISKO. To sztuka tworzenia kompozycji 3D, która naśladuje rzeczywisty świat.
Jako nurt w sztuce, environment pojawił się w latach 20. XX wieku. Dadaistyczny artysta wyprzedził swoją epokę o kilkadziesiąt lat, prezentując publiczności swoje dzieło „Budynek Merz” – trójwymiarową strukturę różne przedmioty i materiały, nadające się jedynie do kontemplacji.
Pół wieku później Edward Kienholtz i George Siegel zaczęli pracować w tym gatunku i odnieśli sukces. W swojej pracy koniecznie wprowadzili szokujący element urojeniowej fantazji.
Zobacz: prace Edvarda Kienholza i George'a Siegela - Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Sztokholm, Szwecja).
7. SZTUKI WIDEO. Kierunek ten powstał w ostatniej trzeciej połowie XX wieku w związku z pojawieniem się przenośnych kamer wideo.
To kolejna próba przywrócenia sztuki do rzeczywistości, tym razem za pomocą wideo i technologii komputerowej. Amerykanin Nam June Paik nakręcił wideo przedstawiające papieża spacerującego ulicami Nowego Jorku i został pierwszym artystą wideo.
Eksperymenty Nam June Paika wywarły wpływ na telewizję, filmy muzyczne(stał na dole kanału MTV), efekty komputerowe w filmach. Prace June Pike, Billa Violi uczyniły ten kierunek artystyczny polem do eksperymentów. Położyli podwaliny pod „rzeźby wideo”, „instalacje wideo” i „opery wideo”.
Oglądaj: sztuka wideo, od psychodelicznych po społecznościowe (popularne w Chinach, Chen-che-yen na Youtube.com)
8. GRAFFITI. Inskrypcje i rysunki na ścianach domów niosące odważne przesłanie.
Po raz pierwszy pojawił się w latach 70 Ameryka północna. Z ich wyglądem byli związani właściciele galerii jednej z dzielnic Manhattanu. Zostali mecenasami sztuki Portorykańczyków i Jamajczyków, którzy mieszkali obok nich. Graffiti łączą w sobie elementy subkultury miejskiej i etnicznej.
Nazwiska z historii graffiti: Keith Hering, Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. Skandaliczny znana osoba Banksy to brytyjski artysta graffiti. We wszystkich brytyjskich sklepach z pamiątkami są pocztówki z jego pracami.
Oglądaj: Graffiti Museum (Nowy Jork, USA), prace Banksy'ego - nabanksy.co.uk.
9. TRANSAWANGARDA. Jeden z nurtów malarstwa postmodernistycznego. Łączy w sobie przeszłość, nowe malarstwo i ekspresję.
Dzieło transawangardowego artysty Alexandra Roitburda Twórca terminu transawangarda - współczesny krytyk Bonito Oliva. Tym terminem zdefiniował twórczość 5 swoich rodaków – Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicolo de Maria. Ich twórczość charakteryzuje się: kombinacją klasyczne style, brak przywiązania do szkoła narodowa, ustawienie dla estetycznej przyjemności i dynamiki.
Oglądaj: Peggy Guggenheim Collection Museum (Wenecja, Włochy), Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Palazzo (Wenecja, Włochy), Galeria Sztuki Nowoczesnej (Mediolan, Włochy)
10. SZTUKI CIAŁA. Jeden z kierunków akcjonizmu. Ciało działa jak płótno.
Body art to jeden z przejawów kultury punkowej lat 70. Jest to bezpośrednio związane z pojawiającą się wówczas modą na tatuaże i nudyzm.
Obrazy na żywo powstają na oczach widzów, są rejestrowane na wideo, a następnie emitowane w galerii. Bruce Nauman przedstawiający pisuar Duchampa w galerii. Duet Gilbert i George to żywe rzeźby. Przedstawiali typ przeciętnego Anglika.
Zobacz: np. na stronie artysty Orlan orlan.eu.
11. STAKIZM. Brytyjskie stowarzyszenie malarstwa figuratywnego. W przeciwieństwie do konceptualistów.
Pierwsza wystawa odbyła się w Londynie w 2007 roku jako protest przeciwko Tate Gallery. Według jednej wersji protestowali oni w związku z kupowaniem przez galerię dzieł artystów z obejściem prawa. Hałas w prasie zwrócił uwagę na układarki. Obecnie na świecie jest ponad 120 artystów. Ich motto brzmi: artysta, który nie rysuje, nie jest artystą.
Termin stackism został zaproponowany przez Thomsona. Artystka Tracey Emin wykrzyknęła do swojego chłopaka Billy'ego Childisha: Twój obraz utknął, utknął, utknął! (Inż. Utknął! Utknął! Stos!)
Oglądaj: na stronie internetowej stackistów Stuckism.com. Prace Charliego Thomsona i Billy'ego Childisha w Tate Gallery (Londyn, Wielka Brytania).
12. NEOPLASTIZM. Sztuka abstrakcyjna. Przecięcie prostopadłych linii 3 kolorów.
Ideologiem kierunku jest Holender Piet Mondrian. Uważał świat za iluzoryczny, więc zadaniem artysty jest oczyszczenie malarstwa z form zmysłowych (figuratywnych) w imię form estetycznych (abstrakcyjnych).
Artysta zasugerował, aby zrobić to tak zwięźle, jak to możliwe, za pomocą 3 kolorów - niebieskiego, czerwonego i żółtego. Wypełniali miejsca między prostopadłymi liniami.
Neoplastycyzm wciąż inspiruje projektantów, architektów i grafików przemysłowych.
Patrzeć:dzieła Pieta Mondriana i Theo Vanny Doesburga Muzeum Miejskie Haga.
13. SZTUKA ULICZNA. Sztuka, dla której miasto jest wystawą lub płótnem
Celem artysty ulicznego jest błyskawiczne wciągnięcie przechodnia w dialog za pomocą swojej instalacji, rzeźby, plakatu czy szablonu.
W Europie popularne są obecnie „shufiti” (instalacje butów zawieszonych na drzewach) i „knitta” (napisy z jasnych dzianin na światłach, drzewach, antenach samochodowych).
W Ameryka Południowa Popularne są „pis” lub „muralizm” (po mistrzowsku wykonany rysunek fabularny lub napis).
Obejrzyj: La Llotja, Old School of Art, Barcelona. W Sotheby's w Londynie zaczęto wystawiać całe sekcje sztuki ulicznej.
14. SZTUKA POCZTY. Międzynarodowy ruch non-profit. Używa poczty e-mail i zwykłej do dystrybucji dzieł sztuki.
Początkowo mail art powstał jako połączenie popularnych w latach 60. trendów artystycznych - konceptualizmu, sztuki książki, sztuki wideo, body artu.
Mail art to mailing grafika. Oryginał wysyłany jest tylko do jednego adresata. A reprodukcje mogą być wysyłane do kilku odbiorców e-mailem lub pocztą tradycyjną.
Artyści pocztowi używają listów, kopert, pocztówek, paczek, znaczków, znaczków. Najpopularniejszą techniką jest kolaż. Został spopularyzowany amerykański artysta Ray Johnson- jasna postać sieci. W galeriach często odbywają się wystawy sztuki pocztowej.
Dzieło sztuki pocztowej to nie tylko pocztówki zaprojektowane przez artystów lub amatorów, ale te, które przeszły przez pocztę, mają pieczątki, stemple, napisy. Tym samym pracownicy poczty są współautorami sztuki pocztowej.
Zobacz: prace pocztowe na stronie.
15. BRAK SZTUKI. Są to projekty istniejące wyłącznie w sieci.
Ale to nie jest projektowanie sieci. Rozpoznanie dzieł net-artu nie jest takie proste. Charakteryzują się prostotą i bezpośredniością.
Od prac artystów pracujących w profesjonalnych programach różnią się zapałem, bezstronnością i szybkością.
Sztuka powstaje po to, by zachwycać, zaskakiwać, a czasem szokować publiczność.
Kreatywni ludzie są zawsze trochę szaleni. Ich fantazja nie ma granic. Przed tobą jest najwięcej niezwykły gatunek Sztuka współczesna.
1. Anamorfoza to technika tworzenia obrazów, które można w pełni zrozumieć tylko z określonego punktu lub kąta. W niektórych przypadkach normalny obraz pojawia się tylko wtedy, gdy patrzysz na obraz przez lustro. Jeden z najwcześniejszych słynne przykłady anamorfozy to tylko niektóre dzieła Leonarda da Vinci datowane na XV wiek.
2. Fotorealizm. Ruch fotorealistyczny pojawił się w latach 60. Twórcy starali się stworzyć niesamowite realistyczne obrazy które są nie do odróżnienia od fotografii. Kopiowali nawet najdrobniejsze szczegóły ze zdjęć, tworząc własne obrazy. Istnieje również ruch zwany superrealizmem lub hiperrealizmem, który obejmuje zarówno rzeźbę, jak i malarstwo. Był pod dużym wpływem współczesnej kultury pop-artu.
3. Malowanie brudnych samochodów. Rysowanie na nieumytym samochodzie często nie jest uważane za takie wysoki poziom artystyczny, ponieważ większość z tych „artystów” rzadko pisze coś więcej niż „umyj mnie”. Ale 52-letni amerykański projektant Scott Wade zasłynął z niesamowitych rysunków, które tworzy na szybach samochodów odkurzonych z teksańskich dróg. Wade pierwotnie malował na szybach samochodowych palcami lub pałeczkami, ale teraz używa specjalnych narzędzi i pędzli.
4. Stosowanie płynów ustrojowych w art. Może się to wydawać dziwne, ale jest wielu artystów, którzy tworzą swoje prace za pomocą płynów ustrojowych. Na przykład austriacki artysta Hermann Nitsch używa moczu i świetna ilość krew zwierzęca. Brazylijski artysta Vinicius Quesada jest dobrze znany ze swojej serii obrazów Blood and Piss Blues. Co ciekawe, Quesada działa tylko z własną krwią. Jego obrazy tworzą mroczną, surrealistyczną atmosferę.
5. Rysowanie częściami ciała. W Ostatnio wzrosła popularność artystów, którzy do rysowania wykorzystują części własnego ciała. Na przykład Tim Patch, znany pod pseudonimem „Pricasso” (na cześć wielkiego Hiszpański artysta Pablo Picasso), rysuje swoim... narządem rozrodczym. Ponadto 65-letni australijski artysta regularnie używa swoich pośladków i moszny jako pędzla. Patch wykonuje tego rodzaju prace od ponad dziesięciu lat, a jego popularność rośnie z roku na rok.
6. Odwrócona wizualizacja 3D. Podczas gdy anamorfoza ma na celu sprawienie, aby obiekty 2D wyglądały jak obiekty 3D, odwrotne renderowanie 3D ma na celu odwrotne działanie - aby obiekt 3D wyglądał jak rysunek lub obraz. Najbardziej znaną artystką w tej dziedzinie jest Alexa Meade z Los Angeles. Używa nietoksycznych farb akrylowych, aby ludzie wyglądali jak dwuwymiarowe nieożywione obrazy.
7. Sztuka cienia. Cienie są z natury ulotne, więc trudno powiedzieć, kiedy ludzie po raz pierwszy zaczęli ich używać w sztuce. współcześni artyści osiągnął niesamowite mistrzostwo w pracy z cieniem. Układają różne przedmioty w taki sposób, że tworzy z nich cień piękne zdjęcia ludzie, słowa lub przedmioty. Ponieważ cienie tradycyjnie kojarzą się z czymś tajemniczym lub mistycznym, wielu artystów wykorzystuje w swoich pracach motyw horroru lub dewastacji.
8. Odwróć graffiti. Podobnie jak malowanie brudnych samochodów, sztuka odwróconego graffiti polega na tworzeniu obrazów poprzez usuwanie brudu, a nie dodawanie farby. Artyści często używają węży wodnych do usuwania brudu i usuwania brudu ze ścian, tworząc niesamowite zdjęcia. Ruch narodził się dzięki angielski artysta Paul "Moose" Curtis, który namalował obraz na zadymionej czernią ścianie restauracji, w której zmywał naczynia adolescencja. Inny brytyjski artysta Ben Long tworzy swoje obrazy z tyłu przyczep kempingowych, używając palca do usuwania brudu z rur wydechowych.
Sztuka istnieje tak długo, jak ludzie. Ale starożytni artyści zaangażowani w sztuka naskalna, trudno sobie wyobrazić, jakie dziwne formy może przybierać sztuka współczesna.
1. Anamorfoza
Anamorfoza to technika tworzenia obrazów, które można w pełni zobaczyć i zrozumieć, patrząc na nie pod spodem pewien kąt, lub z pewne miejsce. W niektórych przypadkach prawidłowy obraz można zobaczyć tylko patrząc na lustrzane odbicie obrazu. Jeden z najwcześniejszych przykładów anamorfozy został zademonstrowany przez Leonarda da Vinci w XV wieku. Inne historyczne przykłady tej formy sztuki pojawiły się w okresie renesansu.
Na przestrzeni wieków technika ta ewoluowała. Wszystko zaczęło się od trójwymiarowych obrazów uzyskanych na zwykłym papierze i stopniowo osiągnęło Sztuka uliczna kiedy artyści imitują różne dziury w ścianach, czy pęknięcia w ziemi.
I najciekawsze współczesny przykład- nadruk anamorficzny. Pewnego dnia studenci, Joseph Egan i Hunter Thompson, studenci projektowania graficznego, umieścili zniekształcone teksty na ścianach w korytarzach swojej uczelni, które można było odczytać tylko wtedy, gdy patrzyło się na nich z określonego punktu.
2. Fotorealizm
Począwszy od lat 60. ruch fotorealistów dążył do tworzenia niezwykle realistycznych obrazów, które były prawie nie do odróżnienia od prawdziwe zdjęcia. Odwzorowując najdrobniejsze szczegóły uchwycone przez aparat, fotorealistyczni artyści starali się stworzyć „obraz obrazu życia”.
Inny ruch znany jako superrealizm (lub hiperrealizm) obejmuje nie tylko malarstwo, ale także rzeźbę. Również ten ruch jest poniżej silny wpływ nowoczesny pop-art kultura. Ale podczas gdy w pop-arcie starają się usuwać codzienne obrazy z kontekstu, fotorealizm wręcz przeciwnie, koncentruje się na obrazach zwykłych, Życie codzienne odtworzony z największą możliwą dokładnością.
Do najbardziej znanych artystów fotorealistów należą Richard Estes, Audrey Flack, Chuck Close i rzeźbiarz Dway Hanson. Ruch jest bardzo kontrowersyjny wśród krytyków, którzy uważają, że umiejętności mechaniczne wyraźnie przeważają w nim nad stylem i pomysłami.
3. Rysowanie na brudnych samochodach
Rysowanie na brudzie, który nagromadził się na nim dawno temu umyty samochód, jest również uważany za sztukę, której najlepsi przedstawiciele starają się przedstawiać nieco bardziej banalne napisy, takie jak „umyj mnie”.
52-letni grafik Scott Wade stał się bardzo znany ze swoich niesamowitych rysunków, które tworzył za pomocą brudu na szybach samochodowych.
A artysta zaczął od użycia grubej warstwy kurzu na drogach Teksasu jako płótna, na drogach narysował różne karykatury, które stworzył własnymi palcami, paznokciami i małymi gałązkami.
4. Stosowanie płynów ustrojowych w art
Może się to wydawać dziwne, ale jest wielu artystów, którzy w swojej pracy wykorzystują płyny ustrojowe. Być może już gdzieś o tym czytałeś, ale najprawdopodobniej był to tylko wierzchołek tej obrzydliwej góry lodowej.
Na przykład austriacki artysta Hermann Nitsch używa własnego moczu i duża liczba krew zwierzęca. Podobne nałogi powstały w nim jako dziecko, które padło na Drugiego wojna światowa, a te lojalności były kontrowersyjne przez lata, było nawet kilka procesów sądowych.
Inny artysta z Brazylii, Vinicius Quesada, pracuje własną krwią i nie używa krwi zwierzęcej. Jego obrazy, w bolesnych odcieniach czerwieni, żółci i zieleni, oddają bardzo mroczną, surrealistyczną atmosferę.
5. Rysowanie częściami własnego ciała
Rosną nie tylko artyści używający płynów ustrojowych. Popularność zyskuje również wykorzystywanie części własnego ciała jako pędzli. Weź Tima Patcha. Bardziej znany jest pod pseudonimem „Pricasso”, który przyjął na cześć wielkiego hiszpańskiego artysty Pabla Picassa. Znany jest również z używania własnego penisa jako pędzla. Ten 65-letni Australijczyk nie lubi się w niczym ograniczać, dlatego oprócz penisa do rysowania wykorzystuje również pośladki i mosznę. Patch zajmuje się tym niezwykłym biznesem od ponad 10 lat. A jego popularność rośnie z roku na rok.
A Kira Ain Warseji używa własnych piersi do malowania abstrakcyjnych portretów. Choć często spotyka się z krytyką, to jednak pozostaje pełnoprawną artystką, która na co dzień pracuje (maluje też bez użycia piersi).
6. Odwróć obrazy 3D
Podczas gdy anamorfoza próbuje sprawić, by obiekty 2D wyglądały jak 3D, odwrócenie 3D próbuje sprawić, by obiekt 3D wyglądał jak rysunek 2D.
Najbardziej znaną artystką w tej dziedzinie jest Alexa Meade z Los Angeles. W swojej pracy Mead używa substancji nietoksycznych farba akrylowa, za pomocą którego sprawia, że jej asystenci wyglądają jak nieożywione dwuwymiarowe obrazy. Mead zaczął rozwijać tę technikę w 2008 roku, a publicznie został zaprezentowany w 2009 roku.
Praca Meada to zwykle osoba siedząca pod ścianą, namalowana w taki sposób, że widz ma złudzenie, że ma przed sobą zwykłe płótno z zwykły portret. Stworzenie takiej pracy może zająć kilka godzin.
Inną znaczącą postacią w tej dziedzinie jest Cynthia Greig, artystka i fotografka mieszkająca w Detroit. W przeciwieństwie do Mida, Greig nie wykorzystuje w swojej pracy ludzi, ale zwyczajnych artykuły gospodarstwa domowego. Pokrywa je węglem drzewnym i białą farbą, aby z zewnątrz wyglądały płasko.
7. Cienie w sztuce
Cienie są z natury ulotne, więc trudno powiedzieć, kiedy ludzie po raz pierwszy zaczęli ich używać do tworzenia dzieł sztuki. Ale współcześni „artyści cieni” osiągnęli bezprecedensowe wyżyny w używaniu cieni. Artyści ostrożnie ustawiają różne przedmioty, aby stworzyć piękne cienie przedstawiające ludzi, przedmioty lub słowa.
Najbardziej znanymi artystami w tej dziedzinie są Kumi Yamashita i Fred Erdekens.
Oczywiście cienie mają nieco przerażającą reputację, a wielu „artystów cieni” wykorzystuje w swoich pracach motywy horroru, dewastacji i rozkładu miejskiego. Z tego słyną Tim Noble i Sue Webster. Ich najsłynniejsze dzieło nosi tytuł Dirty White Trash, w którym sterta śmieci rzuca cień na dwie pijące i palące osoby. W innym dziele widać cień ptaka, być może kruka, dziobiącego parę odciętych głów wbitych w paliki.
8 odwróconych graffiti
Podobnie jak malowanie na brudnych samochodach, „odwrócone graffiti” polega na stworzeniu obrazu poprzez usunięcie nadmiaru brudu, a nie dodanie farby. Artyści często używają potężnych myjek do usuwania brudu ze ścian i przy okazji tworzenia piękne zdjęcia. Wszystko zaczęło się od artysty Paula „Muse” Curtisa, który namalował swój pierwszy obraz na poczerniałej od nikotyny ścianie restauracji, w której zmywał naczynia.
Innym godnym uwagi artystą jest Ben Long z Wielkiej Brytanii, który praktykuje nieco uproszczoną wersję „odwróconego graffiti”, używając własnego palca do usuwania brudu z rur wydechowych samochodów na ścianach. Jego rysunki trwają zaskakująco długo, do sześciu miesięcy, o ile nie zostaną zmyte przez deszcz lub zniszczone przez wandali.
9. Iluzje sztuki ciała
Dosłownie wszyscy od wielu stuleci zajmują się rysowaniem na ciele. Nawet starożytni Egipcjanie i Majowie próbowali w tym swoich sił. Jednak iluzoryczna sztuka ciała przenosi tę starożytną praktykę na zupełnie nowy poziom. nowy poziom. Jak sama nazwa wskazuje, body art iluzja polega na wykorzystaniu Ludzkie ciało jak płótno, ale na płótnie powstaje coś, co może zmylić obserwatora. Iluzje na ciele mogą obejmować ludzi namalowanych jako zwierzęta lub maszyny, a także obrazy dziur lub ran ziejących w ciele.
10. Malowanie światłem
Co dziwne, pierwsi adepci malarstwa światłem nie postrzegali go jako sztuki. Frank i Lillian Gilbrethowie zajęli się problemem zwiększenia wydajności pracowników przemysłowych. W 1914 roku para zaczęła używać światła i kamery do rejestrowania niektórych ruchów ludzi. Badając powstałe wzory świetlne, mieli nadzieję znaleźć sposoby na ułatwienie i uproszczenie pracy personelu.
A w sztuce metoda ta zaczęła być stosowana w 1935 roku, kiedy surrealistyczny artysta Man Ray użył aparatu z otwartą migawką, aby zrobić sobie zdjęcie stojąc w strumieniach światła. Przez bardzo długi czas nikt nie zgadł, jakie jasne loki są przedstawione na zdjęciu. I dopiero w 2009 roku stało się jasne, że nie był to zestaw przypadkowych jasnych loków, ale lustrzane odbicie podpisu artysty.