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Tutto sulla regia. Dirigere spettacoli di massa. Utilizzo delle informazioni ricevute

I media, l'intrattenimento sotto forma di film, spettacoli, opere teatrali, produzioni teatrali e simili sono diventati saldamente radicati nelle nostre vite. Adesso non possiamo nemmeno immaginare come vivremmo e ci divertiremmo se non ci fossero la TV e il teatro. Ma qualcuno inventa tutte queste produzioni e film, sviluppa una sceneggiatura, incarna ciò che è stato concepito nel gioco degli attori. Questo è ciò di cui parleremo in questo articolo.

In ogni film, spettacolo e produzione appare la professione "Regista". Sotto il nome misterioso si nasconde un certo descrizione del lavoro. Sebbene una persona lontana dall'industria del cinema comprenda l'elenco delle azioni del regista in modo piuttosto vago. O forse non lo rappresenta affatto. Allora, che tipo di professione è un regista?

Il regista infatti è la persona più importante sulla scena: la recitazione, la presenza e il tipo di scenografia, la qualità del film, la giusta scelta del lancio, la composizione degli scrittori, la recitazione vocale, gli effetti speciali e così via. La professione di "direttore" implica la comunicazione continua con molte persone e la loro gestione. Senza di lui, ci sarebbe caos e totale incomprensione tra le persone sul sito.

Professione "Direttore": descrizione

Questa professione è molto complessa, capiente, ma anche affascinante. Il direttore può essere paragonato al direttore d'orchestra. È lui che dirige le azioni di tutti gli specialisti presenti sul set. Il suo compito è raggiungere la produttività nelle interazioni delle persone, coordinare la sequenza e la necessità di esibirsi compiti diversi, trasmettere a personale creativo cosa e da chi è richiesto esattamente e, soprattutto, in quale lasso di tempo e in quale forma. Professione "Regista" - la più importante nel campo delle produzioni cinematografiche e teatrali. È grazie a queste persone che vengono presentati alla nostra attenzione capolavori davvero emozionanti e affascinanti del cinema e delle produzioni mondiali.

Storia della professione

La storia della professione di "Regista" non è così lunga come si potrebbe pensare. Apparve solo nella seconda metà del XIX secolo. Prima di questo, non esisteva una posizione del genere. Sembrerebbe, come funzionavano allora i teatri? A quei tempi, le rappresentazioni venivano messe in scena dagli stessi autori delle opere, oppure compagnia di recitazione In totale. La necessità di registi è apparsa con l'aumento del numero dei cinema, nonché con l'avvento dell'industria cinematografica.

La domanda per la professione

La professione "Regista cinematografico" è una delle più prestigiose al momento. Sfondare sugli schermi più grandi, lavorare su film che milioni di persone vedranno in seguito è il sogno caro di molte persone che hanno legato la propria vita alla regia. Tuttavia, non tutti possono davvero raggiungere tali traguardi. Al momento, il regista può essere impegnato non solo nel montaggio cinematografico, ma anche nell'accompagnare vacanze e concerti di varie dimensioni, mettere in scena spettacoli nei teatri, lavorare con un gruppo di animatori e così via. Quindi possiamo dire che la domanda è nella media. È quasi inesistente nel grande cinema, ma in ambienti molto modesti è sufficiente, ma non ci sono abbastanza persone che vogliono lavorare di tanto in tanto, e anche per un piccolo compenso.

Qualità umane

Per entrare in una buona posizione in questa professione, dovresti avere una serie di determinati qualità umane. La professione "Direttore del montaggio cinematografico e teatrale" è esclusivamente creativa. Un candidato alla carica di regista deve avere uno straordinario senso della bellezza. Portare la recitazione al livello perfetto, sentire le componenti temporali della produzione, vedere quali sono necessari effetti aggiuntivi e principali, illuminazione, sequenza di azioni e così via. Il regista deve vedere l'immagine nel suo insieme e allo stesso tempo in parti, in modo da non perdere di vista nessun dettaglio importante. Inoltre, le capacità comunicative dovrebbero essere ben sviluppate. Tuttavia, devi lavorare costantemente enorme quantità maggior parte persone diverse, spiega loro i loro compiti, trova un approccio con tutti.

Competenze e abilità del regista

Puoi imparare la professione di regista nei college, accademie, università, istituti di cultura e cinematografia. Almeno uno in ogni città offre l'opportunità di imparare questo mestiere. La professione di "Regista teatrale e cinematografico" richiede un'ottima conoscenza sia della lingua straniera che nazionale, sia moderna che storica. Il regista deve comprendere i generi, essere in grado di esprimere correttamente i suoi pensieri, sia oralmente che per iscritto. Sviluppato in modo importante oratorio e discorso alfabetizzato. Nessun direttore può ottenere nulla in questo settore senza dati sulla leadership. Immaginazione, visione ampia, abilità artistica personale, capacità di prendere rapidamente le decisioni più inaspettate: tutto questo deve essere posseduto dal regista. Le peculiarità della professione richiedono un costante miglioramento di questi dati.

Responsabilità del direttore

Questa persona è responsabile della selezione della sceneggiatura, della sua lettura e della sua correzione. Il suo compito è collaborare con sceneggiatori e produttori, per trovare fondi per l'adattamento cinematografico. regista" e "regista" significa partecipazione diretta alla produzione e all'organizzazione di un adattamento cinematografico o di una rappresentazione teatrale. Queste persone selezionano i candidati idonei per un ruolo particolare, conducono con loro il lavoro preparatorio, spiegano l'essenza del ruolo futuro, le sfumature del il gioco, stabilisci il tempo per le riprese e le prove fase finale I compiti del direttore includono il controllo del livello adeguato in tutte le fasi del lavoro. Deve assicurarsi della qualità del suono, dell'illuminazione, della musica, dello scenario, degli stilisti e così via. Del regista fa parte il collaboratore più importante tra tutti i rappresentanti sul set. Inoltre, è un organizzatore, manager e manager tutto in uno. Tra i suoi compiti c'è anche la promozione della prole, la pubblicità, la vendita al cinema o al teatro. Senza la sua partecipazione attiva, nessuno sentirà mai parlare di un nuovo capolavoro.

Le università più famose

Quasi tutti i registi russi sono laureati in due famose università di Mosca. Questo è tutto russo istituto statale Cinematografia intitolata a S.A. Gerasimov (VGIK) e queste due università hanno prodotto molti individui creativi e di talento. È abbastanza difficile arrivarci. E molto probabilmente dovrai studiare su base retribuita. Ci sono solo 5-8 posti economici. Ma le prospettive che queste istituzioni educative offrono ai loro studenti valgono il denaro che deve essere pagato per l’istruzione. L'educazione e la fama del luogo in cui viene ricevuta è molto punto importante nella carriera pubblica.

I pro e i contro di essere un regista

Il lavoro del regista è piuttosto laborioso, richiede la piena dedizione da parte della persona. Per raggiungere una posizione più o meno invidiabile, dovrai lavorare molto duramente. A volte anche tutto il giorno. Cerca opportunità, trova e stabilisci contatti utili, resta in contatto con molte persone giuste allo stesso tempo. Inoltre, dovrai investire molte emozioni e i tuoi sentimenti nel processo creativo e nel processo di trasmissione del tuo punto di vista alle persone intorno a te. Dovrai lavorare molto, per molto tempo, duramente e non sempre con una buona paga. Forse per ottenere buon progetto, dovrai partecipare a diversi concorsi gratuitamente. Ma se il piano è già incarnato, il rispetto, la posizione nella società e il lato materiale della questione non mancheranno di piacere.

Aspettative di stipendio

Puoi iniziare una carriera con A seconda del costo totale del progetto, lo stipendio degli assistenti varia da ventimila a quarantamila. Direttori e produttori di varie conferenze e mostre su larga scala, varie presentazioni progettate per un gran numero di i partecipanti possono ricevere uno stipendio compreso tra settanta e duecentomila rubli per progetto.

Stimare gli stipendi medi in questa professione è piuttosto difficile. I registi di successo possono guadagnare milioni per i loro film, mentre i registi e le produzioni a basso budget possono lavorare per pochi centesimi. In teatro il regista può ricevere sia una percentuale del ricavato dell'intera rappresentazione, sia uno stipendio chiaramente fisso. Lo stipendio di solito in questi casi va dai trentacinque ai cinquantamila rubli al mese. Il tasso di interesse può essere più redditizio, ma non promette stabilità.

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SCUOLA REGIONALE DI CULTURA DI VORONEZH

Rapporto

Oggetto: Fondamenti della direzione del KDP

sul tema: Regia, concetto ed essenza.

Completato dallo studente del 1° anno

MSKD Sakharova I.S.

Controllato: Bukharova O.V.

Bobrov 2017

introduzione

Nozioni di base sulla regia

Sistema Stanislavskij

Conclusione

introduzione

In senso letterale, la parola "direttore" (dal verbo francese "gestire") è un manager. A metà del secolo scorso il concetto di "regista" non implicava altro. Lo spettacolo è stato provato e recitato dagli attori, mentre il regista si è assicurato che i costumi, gli oggetti di scena, i truccatori e le luci servissero gli attori bene e in tempo. Dizionario esplicativo V.I. Dahl dice: "Il regista è il manager degli attori, stabilisce cosa dare e cosa mettere, assegnando i ruoli". Direttore - dal latino "io gestisco", la professione di regista è una professione del 20 ° secolo. Prima di questo, nessuna epoca conosceva una simile specialità. Anche se il teatro da tempo immemorabile, fin dall'antichità, è stato controllato: c'è sempre stato qualcuno a capo di esso, qualcuno ne ha sempre diretto la vita. Nel dizionario di Brockhaus ed Efron (1699) c'è la seguente definizione del concetto di "regista": "Un regista è una persona che dirige gli attori, recita spettacoli, determina il repertorio, distribuisce i ruoli, gestisce i costumi, le scene".

Sulla scena russa, l'era del regista iniziò sul serio nel 1898, quando l'attore dilettante Stanislavskij e lo scrittore Nemirovich-Danchenko decisero di creare un teatro pubblico artistico. Il mondo intero ora sa dell'incontro di queste due persone allo "Slavianski Bazaar". Ma la storia del teatro russo inizia molto prima. Nel XIX secolo Gogol e Ostrovsky gettarono le basi della regia artistica sul palcoscenico (russo), continuata da K.S. Stanislavsky e V.I. Nemirovich-Danchenko.

Il compito del drammaturgo è scrivere buon gioco, il compito dell'attore è recitare bene in questa commedia, e il compito del regista è metterla in scena bene. Dopotutto, la professione del regista è una produzione audace e professionale di un'opera teatrale a tutti gli effetti. Con talento artistico, con talento organizzativo, una mente onnicomprensiva dà al regista il diritto di occupare il primo posto a capo del teatro.

Nozioni di base sulla regia

La regia in senso moderno - come creatività personale, iniziò a formarsi intensamente nel teatro europeo solo nei secoli XV-XVI. Un ruolo importante in questo senso è stato svolto dall'apparizione del palco: il trasferimento di spettacoli teatrali da palcoscenici di strada, piazza, fiera ai locali chiusi del palazzo e poi a edifici appositamente costruiti. Lo sfondo visibile delle esibizioni cominciò a essere sviluppato con cura, il che diede vita a un aspetto significativo teatro europeo 17-19 secoli, la figura di un artista-decoratore, che in un modo o nell'altro svolgeva la funzione di regista.

Negli anni '90 del XIX secolo, il dizionario di Efron e Brockhaus definiva la professione di regista come segue: "... Ai nostri tempi, sebbene l'autore sia presente alle prove, non ne ha più bisogno, si prende cura dei dettagli della produzione; questa è la preoccupazione del regista, dal quale si richiede non solo una conoscenza approfondita della scena, della letteratura e dell'archeologia, ma anche molto tatto e capacità di andare d'accordo con gli artisti. La cosa principale in questo articolo è la selezione della regia come professione separata e l'interesse per questa professione.

Tutto ciò preparò il teatro al gigantesco salto che compì nella seconda metà del XIX secolo, segnato dall'attività di R. Wagner e L. Kroneg al Teatro di Meiningen e culminato in una sorta di rivoluzione nelle arti dello spettacolo al Teatro di Meiningen. a cavallo tra il XIX e il XX secolo, quando i registi di tutto il mondo divennero i direttori creativi delle troupe teatrali. Questo fenomeno è stato segnato dall'apparizione di un'intera galassia di "grandi" che hanno determinato il volto della professione del regista per molti anni a venire: in Russia - K. Stanislavsky, vs. Meyerhold, A. Tairov, E. Vakhtangov; in Francia - A. Antoine, J. Capo; in Germania - M. Reinhardt; In Inghilterra - G. Craig. La regia è emersa come una forma indipendente di attività creativa.

Molte sono le formulazioni che definiscono il significato della professione di Direttore. Da "dirigere è uno stile di vita" a "un regista è una persona che pensa in termini di spazio". Ma allo stesso tempo, per così dire, sorgono molte diverse professioni registe: regista teatrale, regista d'opera, coreografo, direttore di un teatro drammatico musicale, regista di pantomima, regista di circo, regista di cinema (fiction, documentari, divulgazione scientifica , animazione), regista televisivo, regista-regista, ecc. e così via. Tuttavia, con una sana riflessione, arrivi molto presto alla conclusione che esiste una sola professione di regista: il regista, e tutta l'assurdità di cui sopra è associata solo alla differenza di tecnologie nelle varie arti spazio-temporali. Si può dire in modo molto approssimativo che un regista, uno specialista, che realizza la sua idea creativa con l'ausilio di mezzi specifici della sua professione, la realizza nel tempo e nello spazio, creando opere di arti spazio-temporali. Pertanto, il lavoro del regista consiste, per così dire, in due fasi principali: ideazione e realizzazione (messa in scena).

L'idea è l'idea iniziale del regista del suo lavoro futuro, il suo prototipo più o meno cosciente, da cui inizia il processo creativo.

Piano, applicazione, schizzo, spiegazione: queste sono le forme più comuni per fissare l'idea. Alcuni registi dipingono la loro idea su carta in modo molto dettagliato, cercando di concretizzarla nel modo più accurato possibile (il regista francese René Clair possiede la frase: "Il mio film è già pronto - resta solo da girare"). Altri registi, come Michelangello Antonionni, cercano di non specificare l'idea prima di iniziare il lavoro sul set.

Nella realizzazione dell'intenzione del regista prevale la visualizzazione, cioè riproduzione mediante la direzione di un'immagine esterna sensualmente concreta della realtà.

Tuttavia, nonostante tutta l'importanza del lavoro preparatorio, l'idea, il momento principale del lavoro del regista ricade sul lavoro sul set (il periodo delle prove in teatro, il periodo delle riprese al cinema e in TV). E non importa come il regista si prepari al lavoro, in questa fase il suo lavoro ha sempre un carattere di improvvisazione.

L'improvvisazione è l'atto creativo momentaneo del creare opera d'arte, fantasia su un determinato argomento. È nel processo di improvvisazione che le caratteristiche dell'individualità creativa del regista si manifestano più chiaramente.

È necessario il regista individualità creativa, l'originalità unica della personalità, conferendo un carattere unico ai risultati del suo lavoro. La portata e la dignità di ciò che il regista crea, o di ciò che è in grado di creare, sono determinate da ciò che è come individuo. La regia è, per sua stessa natura, un'attività creativa, autoriale, "drammatica". Solo l'individualità creativa nell'arte ha l'intuizione, la capacità di vedere direttamente il significato olistico nascosto nei fenomeni della realtà, questo "principio inconscio, istintivo-figurativo e stimolo per la creatività". (Bergson). Solo l'individualità nell'arte è in grado di creare il proprio concetto artistico - un'interpretazione figurativa della vita, Il concetto racchiude sia l'intera opera del regista che ciascuna delle sue singole opere, ne contiene una certa dominante semantica.

Per realizzare la sua idea, il regista utilizza un intero complesso di mezzi visivi ed espressivi, cioè un sistema di mezzi materiali e metodi storicamente stabiliti per creare immagini artistiche. Nella loro specifica totalità e interconnessione, i mezzi visivi ed espressivi formano la forma artistica di un'opera d'arte, incarnandone il contenuto. In quanto elementi di una forma artistica, i mezzi figurativi ed espressivi hanno un significato tecnico-costruttivo, compositivo-strutturale e, allo stesso tempo, sono portatori di significato figurativo.

La ricchezza e la figuratività dei mezzi visivi ed espressivi è un indicatore dell'abilità artistica di un'opera d'arte. Di norma, più complesso è il concetto di un'opera, più sofisticati sono i mezzi visivi ed espressivi utilizzati dal regista. Raggiungono l'apice della complessità nella cosiddetta arte intellettuale ed elitaria.

L'intellettualismo nell'arte della regia lo è tipo speciale, modo, forma, magazzino concettuale e filosofico del pensiero artistico, in cui il mondo appare come un dramma di idee, i cui personaggi personificano e attraverso le loro azioni trasmettono (giocano in volti) i pensieri dell'autore, esprimono vari aspetti del suo concetto artistico. L'intellettualismo nell'arte è solitamente associato all'uso del cosiddetto pensiero parabolico, all'inclusione nell'opera di una parabola o ad altri elementi inseriti che sembrano lontani dai problemi in essa discussi. Tuttavia, l'uscita da questi problemi non avviene in linea retta, ma lungo una parabola, che, per così dire, restituisce al problema il pensiero che si è allontanato di lato. La filosofia diventa così non solo il contenuto, ma anche la struttura dell'opera d'arte, cambiandone la tipologia stessa: concetto di performance, concetto di balletto, concetto di film. L'opera diventa portatrice di informazioni artistiche.

Le informazioni artistiche rivelano le specificità messaggio artistico, che consiste nel fatto che ha un impatto emotivo, non è trasmesso da linguaggi normalizzati standard, ma è un sistema di immagini artistiche individualizzate. Spesso combinandone diversi informazioni artistiche in un unico insieme, il regista utilizza il metodo del collage, ovvero l'inclusione di oggetti o temi dissimili in un'opera d'arte con l'aiuto del montaggio, per migliorare l'impatto ideologico ed estetico complessivo. Questo metodo è stato utilizzato da Bertolt Brecht e Evgeny Vakhtangov, Yuri Lyubimov e Erwin Piscator, Federico Fellini e Andrei Tarkovsky.

Il collage è l'organizzazione dei mezzi figurativi ed espressivi secondo il principio parabolico, ed è la base strutturale dell'intellettualismo nella regia, fornendo numerosi paralleli e contrasti semantici. Opera con ogni sorta di approssimazioni, analogie, variazioni, ripetizioni, a volte svolgendo il ruolo di leitmotiv. Modificando episodi, fotogrammi, mise-en-scènes, repliche, il regista crea un collage intellettuale visibile che trasporta informazioni artistiche e figurative. Montare, organizzare il materiale, questo è il lavoro del regista, il suo modo di essere nell'arte.

Il regista, in quanto creatore di ruoli, esercita la sua volontà creativa non con i propri mezzi materiali e visivi da lui creati, ma attraverso la creatività dell'attore, fondendo la sua iniziativa artistica con la sua volontà, incarnando la sua intenzione nelle sue azioni verbali e fisiche . Il regista funge da catalizzatore dell'arte della recitazione, usurpando i diritti dell'attore per usarli nell'interesse dell'integrità della produzione.

Pertanto, il materiale principale della creatività del regista è l'Attore, che esprime l'intenzione del regista attraverso il suo apparato psicofisico. L'attore è al centro degli eventi scenici. È un collegamento vivente tra il testo dell'autore, la decisione scenica del regista e la percezione dello spettatore. Utilizzando materiale vario, compresi elementi eterogenei della produzione, il regista forma quel "labirinto di collegamenti" che, secondo Leone Tolstoj, racchiude l'essenza dell'arte. Le costruzioni sceniche tridimensionali, il suono e, soprattutto, i movimenti e le posture dell'attore, intrecciati insieme dalla volontà del regista, danno origine a uno spettacolo fondamentalmente nuovo fenomeno artistico. Creando e operando con la messa in scena, la regia acquisisce un oggetto estetico che le è proprio, che va oltre la competenza di altre forme d'arte. Si tratta di frammenti di spazio visivamente impressi con i loro continui cambiamenti nel tempo.

L'intero complesso di mezzi artistici ed espressivi consente al regista di realizzare le sue fantasie, la sua finzione artistica nella produzione. La finzione artistica è un tipo di azione in cui compaiono personaggi ed eventi che inizialmente esistono solo nell'immaginazione degli autori della produzione, e poi nell'immaginazione dello spettatore. Un'azione legata alla finzione è un'azione "frivola" che non impone alcun obbligo agli autori della produzione (regista e drammaturgo). La messa in scena è una finzione artistica realizzata nello spazio e nel tempo, poiché nasce interamente dalla fantasia degli autori. In esso la finzione è realizzata da almeno due "pretendenti": il regista e gli attori.

Lavorare con un attore è uno dei problemi chiave della regia. Esistono tre tipi di rapporto tra attore e regista. Il primo è quello ideale, cosa piuttosto rara: una completa coincidenza creativa, creatività congiunta e ricerca della verità. Il secondo: il regista e l'attore si avvicinano l'uno all'altro, come i minatori che scavano un tunnel da due lati. E il terzo, il più deludente, è la completa discrepanza di opinioni e desideri, quando il regista impone semplicemente il disegno del ruolo all'attore resistente.

Nell'arte della regia, il problema del rapporto tra l'individuo e il tipico è uno dei più complessi e confusi. L'individuo nell'arte (dal latino individuum - indivisibile) è la riproduzione degli aspetti essenziali della realtà nelle loro "forme della vita stessa", uniche e individualmente distintive. (Chernyshevskij). Il tipico nell'arte si esprime attraverso l'individuo. Come metodo di generalizzazione artistica, l'individuo non si riduce a fissare indiscriminatamente tutti i tratti, i tratti caratteriali, le caratteristiche degli oggetti raffigurati. Implica una selezione rigorosa. È attraverso l'individuo che i personaggi acquisiscono una caratteristica, il cui grado e forza impressionante dipende dalla capacità del regista di dedurre il personaggio dalle circostanze che lo determinano, dalla situazione storica, dall'ambiente. Caratteristico (dal carattere greco - caratteristica distintiva, caratteristica) - generale, essenziale nel carattere di un personaggio, evento, paesaggio, interno, esperienza. Tipico (dai tipi greci - campione, impronta, forma) è un'incarnazione potenziata e iperbolica delle proprietà della realtà artisticamente conoscibile nelle persone, negli eventi, nei fatti rappresentati in un'opera d'arte. Nel tipico, la caratteristica raggiunge il massimo di corrispondenza tra l'individuale e il generale, diventa completa e assoluta. Il rafforzamento del ruolo tipico nel teatro ha portato all'emergere di ruoli: il tipo di ruolo dell'attore, corrispondente alla sua età, aspetto e stile di gioco (il ruolo di soubrettes, amante dell'eroe, ingenuo, ecc. ).

Lo spettatore vuole vedere in un'opera d'arte non solo un riflesso della realtà, ma una sorta di realtà idealizzata, in cui sia i valori positivi che quelli negativi sono accentuati al massimo in una forma sensuale-figurativa. Innanzitutto il Personaggio subisce questo processo di idealizzazione. Carattere (dal latino persona - maschera, volto) - immagine artistica una persona che agisce in una data situazione. Il personaggio, oltre alle emozioni (di cui è portatore), è dotato di un certo aspetto e tratti comportamentali. Essendo un modo di sviluppo artistico delle caratteristiche di una persona, il carattere è di fondamentale importanza non solo in visioni drammatiche arte, ma anche in ogni altra forma figurativa. I tratti caratteriali hanno diversi gradi di certezza: alcuni di essi sono direttamente incarnati in un'immagine visiva, mentre altri sono presenti indirettamente in un'opera d'arte, come appello all'immaginazione del pubblico, entrando nella coscienza percepente sotto forma di immagini opzionali . In un'opera d'arte, i personaggi sono correlati tra loro, formando una sorta di sistema, che è il centro della costruzione artistica, l'oggetto più importante della composizione. I requisiti principali che sorgono durante l'incarnazione di un personaggio, modellando il suo carattere sono l'accuratezza e il dettaglio. Il regista crea i suoi personaggi indirettamente, attraverso l'attore. L'attore è portatore di segni, centro di informazioni sulla storia raccontata, sugli aspetti psicologici e caratteristica plastica carattere, sulla connessione con lo spazio scenico o con il corso della rappresentazione. Anche se il suo ruolo nella produzione sembra relativo e sostituibile (oggetto, scena, suono, mezzi tecnici), egli rimane l'obiettivo e il significato di ogni pratica drammatica. È qui che nasce la specificità del rapporto di fiducia tra regista e attore.

La percezione umana delle immagini spaziali avviene sempre nel tempo, è sempre discreta (discontinua). Il regista facilita questa percezione fissando nella sua produzione dei limiti temporali, secondo i quali la nostra percezione è divisa in misure ritmiche separate. Nel lavoro del regista il tempo non è solo oggetto di rappresentazione, ma anche mezzo di espressione.

Ecco come si presenta la struttura del tempo nelle arti spazio-temporali: - tempo empirico - tempo nella realtà che serve da materia per l'opera; - ora della favola- organizzazione della trama nel tempo; - tempo dello spettatore: tiene conto della durata della percezione.

Un'altra componente essenziale nel lavoro del regista è la soluzione dei problemi spaziali. La struttura dello spazio nelle arti performative si divide in tre componenti: 1) Lo spazio in cui si trovano gli oggetti; 2) Lo spazio in cui si trova il pubblico; 3) Il piano della scena (schermo) che riflette il primo e suggerisce il secondo.

Il principio della struttura dello spazio è lo stesso principio implementato nella struttura del tempo, poiché entrambe le categorie - spazio e tempo - sono strettamente correlate. Tuttavia, ci sono anche differenze strutturali e funzionali significative tra loro. Inoltre, ci sono differenze significative nell'espressività artistica dello spazio nella regia volumetrica ( Teatro del dramma, balletto, opera, palcoscenico, circo) e planare (cinema, televisione, teatro delle marionette). Espressività artistica spazio arte volumetricaè incastonato nella fusione dello spazio della scena, spazio scenico E auditorium, con l'indispensabile libertà nella scelta dell'angolo di visuale da parte dello spettatore.

L'espressività artistica dello spazio delle arti piane è dovuta all'unità dello spazio filmato, rappresentato e percepito, che è caratterizzato dalla geometria della percezione dello spettatore di uno schermo piatto.

In entrambi i casi queste unità sono sistemi dinamici subordinati leggi generali. Transizione da piano generale a uno grande, il cambiamento della messa in scena in una frontale, è già una modifica di questa unità: lo spazio dal profondo, di regola, si trasforma in uno piatto. Di conseguenza, la posizione spaziale dello spettatore cambia, per così dire: il punto di vista "di lato" è sostituito dal punto di vista "dall'interno" dello spazio rappresentato.

La struttura dello spazio (così come del tempo) è in una certa misura predeterminata dal tipo, dal genere o dalla direzione stilistica dell'opera.

Luoghi comuni, verità banali, miti dell'arte: la loro conoscenza o meno determina spesso la scelta della professione. Dissipare i miti e apprendere un terreno comune consente a un regista alle prime armi di decidere. Forse questa consapevolezza porterà qualcuno a dire: "Non fa per me. Non mi interessa". E, grazie a Dio, ci sarà un dilettante in meno.

Se l'interesse per la professione non è scomparso, allora prima di iniziare a studiarla fondamenti tecnologici, l'attenzione dovrebbe essere prestata solo ai più comuni fondamenti teorici arte drammatica, per capire perché le persone lo fanno da migliaia di anni, perché parliamo di recitazione, perché la parola "gioco" è così spesso usata in relazione a questo tipo di attività.

Principi base della regia moderna

La regia artistica consiste nell'organizzazione creativa di tutti gli elementi della performance al fine di creare un'unica opera d'arte armoniosamente integra. Il regista raggiunge questo obiettivo sulla base del suo idea creativa e supervisionare le attività creative di tutti coloro che sono coinvolti nel lavoro collettivo sulla rappresentazione teatrale dello spettacolo. Grazie alla regia, la performance nel suo insieme acquisisce unità stilistica e una finalità ideologica generale (quello che Stanislavskij chiamava il super-compito della performance). Pertanto, contemporaneamente alla crescita delle esigenze ideologiche ed estetiche per lo spettacolo, il concetto stesso di regia artistica si espanse e si approfondì e il suo ruolo nel complesso complesso delle varie componenti del teatro aumentò continuamente.

La composizione dell'intenzione del regista comprende: 1. interpretazione ideologica dell'opera (la sua interpretazione creativa); 2. caratteristiche dei singoli personaggi; 3. determinazione delle caratteristiche stilistiche e di genere della performance dell'attore in questa performance; 4. decisione dell'esecuzione nel tempo (in ritmi e tempi); 5. soluzione della performance nello spazio (sotto forma di mise-en-scene e allestimenti); 6. natura e principi della progettazione decorativa e musicale-rumore.

Parlando della decisione del regista sullo spettacolo, non si può non ricordare gli insegnamenti profondi e fruttuosi di Vl. I. Nemirovich-Danchenko sulle "tre verità": la verità della vita, la verità del sociale e la verità del teatro. Queste tre verità sono strettamente connesse tra loro e nella loro unità vengono chiamate, secondo l'insegnamento, interazione e compenetrazione. È impossibile rivelare la verità sociale della realtà rappresentata, ignorando la sua verità vitale: in questo caso, la verità sociale suonerà come una nuda astrazione, come uno schema, e si rivelerà poco convincente. La verità della vita, portata al di fuori della verità sociale, darà vita ad un'arte naturalistica meschina, superficiale, primitiva. Ma entrambe le verità - sia vitali che sociali - non potranno rivelarsi se non trovano per se stesse una luminosa verità nella loro unità. forma teatrale e non si trasformerà così in verità teatrale. Succede che un regista, a cui non si può rimproverare un atteggiamento indifferente nei confronti della vita, cerchi attivamente e coscienziosamente in un'opera teatrale i motivi della passione creativa e ancora non li trova.

Riconosce i meriti artistici e ideologici dell'opera ed è pronto a concordare che l'opera è necessaria e utile e che dovrebbe essere messa in scena. Ma allo stesso tempo aggiunge: lo metta qualcun altro! Ciò significa che l'atto di fecondazione creativa non è avvenuto. E senza questo la nascita organica di un'idea creativa è impossibile. Ecco perché il regista non deve staccarsi dalla vita, deve vivere secondo i suoi interessi, rafforzare i suoi legami con la gente, assorbire in sé le impressioni vive che la realtà regala ogni ora, ogni secondo. Leggere e pensare, forse più a fondo, in ogni opera teatrale che cerca di riflettere questa realtà, ma non intraprendere un lavoro che non lo affascina veramente.

Qualunque sia il genere dell'opera teatrale, semplice o complessa, il regista è obbligato a realizzarla tutta nello spettacolo caratteristiche del genere. E per questo, lui stesso deve sperimentare profondamente e sinceramente tutte le relazioni, tutti i sentimenti dell'autore nei confronti del soggetto dell'immagine: il suo amore e odio, il suo dolore e disprezzo, la sua gioia e tenerezza, la sua rabbia e indignazione, la sua presa in giro e tristezza.

Solo un atteggiamento profondamente e appassionatamente vissuto dal regista nei confronti dell'immagine è in grado di fornire nitidezza, luminosità ed espressività della forma. Un atteggiamento indifferente nei confronti della vita dà origine o a una pallida e pietosa forma naturalistica di imitazione esteriore della vita, o a buffonate formalistiche e ogni sorta di colpi di scena.

Sistema Stanislavskij

direttore della creatività pittorica Stanislavskij

Il sistema di Stanislavskij: gli insegnamenti di K.S. Stanislavskij sul lavoro del regista e attore sulla commedia e sul ruolo. Stanislavskij considerava la definizione dell'azione attraverso la performance e il suo super-compito i momenti necessari del lavoro di prova.

Nel sistema di Stanislavskij: il problema della padronanza cosciente dei processi creativi subconsci è risolto; viene esplorato il percorso della trasformazione organica dell'attore in un personaggio. Sistema K.S. Stanislavskij è un tutto unico, inestricabilmente legato. Ogni sua sezione, ogni parte, ogni posizione e ogni principio è organicamente connesso con tutti gli altri principi, parti e sezioni. Pertanto, qualsiasi sua divisione (in sezioni, argomenti, ecc.) è teorica, condizionale. Tuttavia, per studiare il sistema di K.S. Stanislavskij, come ogni scienza, è possibile solo in parte. Lo stesso Stanislavskij lo ha sottolineato. connessione sezioni separate sistemi tra loro si riflette anche nell’“Indice” proposto. Il suo compito è aiutare uno studio speciale delle questioni principali e più importanti del sistema. Lo studio del sistema richiede la propria conoscenza della fonte, cioè la lettura, prima di tutto, dello stesso Stanislavskij - i suoi scritti pubblicati e le registrazioni documentarie dei suoi studi e delle sue conversazioni.

K.S. Stanislavskij non ha lasciato un libro speciale dedicato alla regia artistica. Nel frattempo, non era solo un regista brillante, ma ha creato un'intera tendenza nell'arte della regia. La riforma dell'arte del regista, portata avanti da Stanislavskij, si basa su una nuova comprensione dell'essenza di questa professione, una comprensione derivante dal "sistema" e quindi organicamente connessa ad esso.

Nella sua pratica di regia, K.S. Stanislavskij ha fatto ampio uso di tutti i mezzi espressivi a disposizione del regista, subordinandoli invariabilmente a un unico obiettivo: l'incarnazione dell'idea dell'opera. Ma di tutti questi numerosi mezzi, considerava l'arte della recitazione della “scuola di esperienza” quella principale e decisiva.

La capacità di comprendere correttamente l'opera, cioè la capacità di scoprirla contenuto ideologico in unità con il conflitto che si sviluppa in esso, con la trama; la capacità di ricreare sul palco la lotta che ne deriva drammatico conflitto recita e costringe gli attori ad "agire in modo genuino, produttivo e opportuno secondo l'azione di ciascun ruolo, la capacità di unire la squadra attorno a compiti creativi e la capacità di educarla adeguatamente" - tutto ciò è alla base dell'abilità di dirigere nella comprensione di K.S. Stanislavskij.

Pratica K.S. Stanislavskij e le registrazioni documentarie del processo del suo lavoro di regia forniscono una grande quantità di materiale per studiare le capacità di regia di K.S. Stanislavskij: la sua capacità di trovare decisioni registiche di opere teatrali, scene, immagini che colpiscono per profondità e accuratezza e la capacità di incarnare queste decisioni nell'arte degli attori.

Capacità di regia di K.S. Stanislavskij è registrato con la massima completezza nei libri: “Il piano del regista per Otello”; Gorchakov. lezioni di regia; Toporkov. Stanislavskij alle prove.

Con una lettura attenta, questi libri possono dare un'idea chiara non solo della varietà delle sue tecniche, ma anche delle caratteristiche del metodo creativo unificato del regista Stanislavskij.

“È necessario che di corsa in corsa la prestazione cresca in tutte le sue direzioni. Innanzitutto, sulla linea della formazione dell'idea in essa incorporata dall'autore e del sempre maggiore sviluppo di un'azione trasversale in essa: la lotta delle forze, cioè attori pro e contro l'idea. Pertanto, il regista, conducendo queste prove “sotto la matita”, dovrebbe notare i principali difetti nella formazione dello spettacolo lungo le linee indicate, e non le singole sciocchezze.

Conclusione

L'arte della regia è l'arte di creare un'unica opera artistica armoniosamente integra di arte teatrale con l'aiuto dell'organizzazione creativa di tutti gli elementi dello spettacolo.

La regia è la più giovane delle arti teatrali. La recitazione esiste da quando esiste il teatro e l'arte della drammaturgia esiste da quasi altrettanto tempo. È noto dalla storia del teatro che per molti secoli la produzione dell'opera è stata diretta sia da drammaturghi, sia dagli attori principali della troupe, o semplicemente da imprenditori. E solo dalla fine del XIX secolo, quando, secondo l'espressione appropriata di Yu.K. Gerasimov, "è sorto l'istituto della regia, che si è realizzato in forma integrale e sovrana", il processo di sviluppo dell'arte teatrale ha cominciato ad essere diretto dalla regia. È così che è iniziato nuova fase nella storia del teatro: se prima venivano rappresentate le rappresentazioni, ora si comincia a crearle. Il regista crea, cioè "compone" un'opera d'arte teatrale, che gli permette di definirsi il suo autore.

Il regista non agisce come un organizzatore del processo creativo, non come un insegnante, non come un interprete del contenuto dell'opera, ma come un creatore, autore, "scrittore", rappresentante sovrano dell'arte della regia. La regia è quindi l'arte della composizione plastica di uno spettacolo.

Elenco della letteratura usata

1. D. Vertov, Articoli, diari, piani, M., 1966

2. Karp Vyacheslav Ilyich, Nozioni di base sulla regia, M, 2003

3. Kuleshov L.V., Arte del cinema, M., 1929

4. Kuleshov L.V., Fondamenti di regia, M., 1941

5. Kuleshov L.V., Inquadratura e montaggio, Mosca, 1961; Pudovkin V.I., Articoli selezionati, M., 1955.

6. Popov A.D., Integrità artistica della performance, M., 1959, p. 207.

7. Reisz K., Tecnica del montaggio cinematografico, - trad. dall'inglese, [M., I960].

8. Felonov L., Il montaggio come forma d'arte, M., 1966

9. Kheifit. I. Sul cinema. Arte, M., 1966

10. Eisenstein S.M., Articoli selezionati, Mosca, 1956.

11. Eisenstein S.M., Opere selezionate, volume 2, M., 1964

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Compito del regista

È impossibile parlare con gli attori in un linguaggio scientifico asciutto, e io stesso non sono una persona della scienza, e quindi non potrei intraprendere un lavoro diverso dal mio. Il mio compito è parlare con l'attore nella sua lingua: non filosofare sull'arte, ma scoprire in forma semplice i metodi della psicotecnica praticamente necessari per lui, principalmente nel regno interiore dell'esperienza artistica e della reincarnazione.

K.S.Stanislavskij

Per ogni regista, il materiale principale nel suo lavoro è il lavoro dell'attore. Nessuno dei problemi della regia moderna acquisirà un vero valore artistico se non si rivela nell'attore. Cioè, se gli attori non creano, non pensano e non sentono, se sono passivi e creativamente inerti, il regista non ha niente da fare, non c'è niente da cui creare una performance, semplicemente non ha il materiale necessario nelle sue mani. Pertanto, le questioni relative al lavoro del regista con l'attore nel processo di creazione di uno spettacolo sono le più urgenti nella pratica creativa di qualsiasi teatro. È necessario evocare un processo creativo nell'attore, risvegliare la sua natura organica per una creatività costante, piena e indipendente. Il regista deve saper "interpretare" il ruolo, saper mostrare "come si recita", rivelare all'attore tutto ciò che fa sulla scena. E questo è il suo compito principale. Quando si verifica questo processo, nascerà anche il secondo dovere del regista: sostenere continuamente questo processo, non lasciarlo svanire e indirizzarlo verso un obiettivo specifico in conformità con il concetto ideologico e artistico generale dello spettacolo. Il regista deve sentire l'individualità dell'attore, nel processo di lavoro monitorare continuamente come l'attore riflette le intenzioni dell'autore e del regista, e allo stesso tempo vedere dove chiamano la fantasia e i desideri dell'attore e fino a che punto si può insistere su questo o quel compito. Seguire la volontà dell'attore e allo stesso tempo indirizzarla, correggerla, senza lasciarla sentire sotto pressione.

Il regista non lavora con un attore, ma con un'intera squadra, quindi il compito più importante è coordinare costantemente i risultati del lavoro di tutti gli attori tra loro, e in modo tale che alla fine si crei un'armonia ideologica e olistica armoniosamente olistica. si ottiene un lavoro artistico di arte teatrale. Il regista risolve tutti questi compiti difficili nel processo di esecuzione della sua funzione principale: l'organizzazione creativa dell'azione scenica.

Al centro di ogni azione c'è sempre l'uno o l'altro conflitto che provoca una collisione, una lotta, un'interazione tra i personaggi dell'opera. Identificare i conflitti attraverso l'interazione degli attori sul palco e viene chiamato il regista. Ciò dà origine a un'altra qualità del regista: essere l'organizzatore dell'intera performance. Ma svolgere questa funzione in modo convincente - in modo che gli attori sulla scena lavorino in modo veritiero, organico e lo spettatore creda nell'autenticità delle loro azioni - è impossibile con il metodo dell'ordine, del comando, della pressione. Il regista deve affascinare l'attore con i suoi compiti, ispirarlo a realizzarli, eccitare la sua immaginazione, risvegliare la sua fantasia artistica, "attirarlo" discretamente sulla retta via della vera creatività.

Il compito principale di ogni vera creatività nell'arte realistica è la rivelazione dell'essenza dei fenomeni della vita rappresentati, la scoperta delle sorgenti nascoste di questi fenomeni, le loro leggi interne. Pertanto, una profonda conoscenza della vita è la base di ogni creatività artistica. È impossibile creare senza la conoscenza della vita. Questo vale sia per il regista che per l'attore. Se presumiamo che il regista abbia un certo bagaglio di conoscenze, osservazioni di vita, pensieri e giudizi sulla vita che deve essere rappresentata sul palco, e l'attore non ha alcun bagaglio a questo riguardo, allora l'attore sarà costretto a obbedire meccanicamente la volontà del regista, l'influenza del regista sull'attore sarà unilaterale, l'interazione creativa non avrà luogo.

Immagina l'immagine inversa: l'attore conosce bene la vita e il regista è giovane e inesperto. Cosa succede in questo caso? L'attore ha l'opportunità di creare e influenzare il regista con la sua creatività, purtroppo non c'è interazione e il regista perde il suo ruolo da protagonista ed è costretto a restare indietro impotente lavoro creativo squadra di recitazione. Pertanto, entrambe le opzioni - sia quella in cui il regista sopprime arbitrariamente la personalità creativa dell'attore, sia quella in cui, a causa dell'ignoranza della vita, perde il suo ruolo da protagonista - hanno un effetto altrettanto negativo sul lavoro complessivo - sulla performance .

La questione è completamente diversa se il regista e l'attore conoscono e comprendono entrambi quei fenomeni della vita che l'autore dell'opera ha reso oggetto di riflessione creativa. Quindi si creano le giuste relazioni creative tra loro, si verifica l'interazione o la co-creazione.

Il regista dà all'attore qualche indicazione riguardo a questo o quel momento del ruolo: qualche gesto, frase, intonazione. L'attore, accettata l'indicazione, la comprende, la digerisce internamente sulla base della propria conoscenza della vita. Di conseguenza, le istruzioni del regista e la conoscenza dell'attore interagiscono e formano, per così dire, una sorta di "lega" o sintesi. L'attore non riprodurrà meccanicamente e senza pensare ciò che il regista gli ha chiesto, ma in modo creativo. Eseguendo il compito del regista, mostrerà contemporaneamente se stesso, la propria personalità creativa. Il regista, dopo aver dato il suo pensiero, lo riceverà indietro sotto forma di una "pittura" scenica, cioè un certo movimento, gesto, intonazione, lo riceverà arricchito e luminoso. Ecco perché il regista deve, con tutti i mezzi a sua disposizione, risvegliare la volontà creativa e l'iniziativa dell'attore, instillare nell'attore la sete di conoscenza, di osservazione, il desiderio di indipendenza creativa.

"Influenza e convinci gli altri con il tuo esempio: allora avrai una grande carta vincente tra le mani e non ti diranno:" Al dottore! Guarisci te stesso!" oppure "Insegna agli altri, rivolgiti a te stesso!". Il tuo esempio è il modo migliore per guadagnare autorità."

K.S.Stanislavskij

Un vero regista non è solo un insegnante di teatro per un attore, ma anche un insegnante di vita.

Il corretto benessere di un attore sul palco

Risvegliare e indirizzare l'iniziativa creativa dell'attore nella giusta direzione è il dovere più importante del regista. La direzione necessaria è determinata dal concetto ideologico dell'intera performance. Questa idea dovrebbe essere soggetta all'interpretazione ideologica di ciascun ruolo individuale. È necessario che l'attore segua liberamente la strada indicata dal regista, senza sentire alcuna violenza nei suoi confronti. Il regista non solo non deve schiavizzare l'attore, ma al contrario deve tutelare la sua libertà creativa, perché la libertà lo è condizione necessaria e il segno più importante del corretto benessere creativo dell'attore, e quindi della creatività stessa.

Supponiamo che il regista abbia indicato all'attore una certa messa in scena e che l'attore sia obbligato a eseguirla. inoltre, è obbligato ad adempierlo ogni volta, ad ogni prova, e poi ad ogni rappresentazione. Deve realizzarlo perché questa messa in scena non è casuale, è pensata dal regista, sentita e contiene un certo significato. Rivela questo frammento dell'opera e il comportamento dei personaggi in questo modo e non altrimenti. E significa che questa, e non qualche altra messa in scena, deve essere eseguita dall'attore. E il nocciolo della questione sta nel fatto che l'attore deve eseguire questa unica messa in scena possibile in modo tale che il processo di rappresentazione sia il suo bisogno organico. E questo accadrà solo quando l'attore capirà, sentirà che il comportamento assegnatogli è assolutamente necessario e obbligatorio per l'immagine data in determinate circostanze. È questa messa in scena, questo gesto, questa intonazione. Allora non avrà più bisogno di realizzare un'altra messa in scena. E questo sentimento di bisogno interiore di farlo, e non altrimenti, provocherà un sentimento di libertà.

Soddisfare questo requisito non è facile. Solo quando il necessario viene fatto con senso di libertà, quando necessità e libertà si fondono, l'attore ha l'opportunità di creare. Finché l’attore usa la sua libertà non come una necessità cosciente, ma come una sua arbitrarietà personale e soggettiva, non crea. La creatività è sempre associata alla libera sottomissione a determinati requisiti, determinate restrizioni e norme. E se l'attore soddisfa meccanicamente i requisiti che gli vengono posti, anche lui non crea. In entrambi i casi, non esiste una creatività a tutti gli effetti. Sia l'arbitrarietà soggettiva dell'attore che il gioco razionale, quando l'attore si costringe con la forza a soddisfare determinati requisiti, non sono ancora creatività. L'elemento di coercizione nell'atto creativo deve essere del tutto assente. Questo atto deve essere quanto più libero e allo stesso tempo soggetto alla necessità.

Come è possibile raggiungere questo obiettivo? Innanzitutto è necessario avere moderazione e pazienza, per non accontentarsi finché lo svolgimento del compito non diventa un bisogno organico dell'attore. Per fare ciò, il regista deve affascinare l'attore con questo compito. Deve spiegare e affascinare, influenzando allo stesso tempo sia la mente, sia il sentimento, sia l'immaginazione dell'attore, fino a quando l'atto creativo non sorge da solo, cioè fino a quando il risultato degli sforzi del regista non viene espresso sotto forma di una reazione involontaria e del tutto libera, come se del tutto involontaria, dell'attore. Riguarda il disegno psicologico interno, l'esatta selezione dei mezzi di espressione recitativa. Innanzitutto sta cambiando il modo di pensare. Queste due persone, un attore e un regista, la pensano diversamente. Non diverso, ma diverso. E poiché vuoi penetrare il segreto del loro pensiero e sei costantemente in procinto di comprenderlo, ottieni gioia estetica.

Non puoi dare allo spettatore l'opportunità di indovinare cosa farà dopo l'attore. Se è davanti all'attore, allora è prigioniero di un modo di esibirsi arcaico. L'artista deve condurre lo spettatore, controllandone le emozioni.

Pertanto, il benessere creativo dell'attore si esprime nel fatto che, essendo sul palco, percepisce qualsiasi influenza precedentemente nota come inaspettata e risponde ad essa liberamente e allo stesso tempo correttamente. È questa sensazione di benessere che il regista dovrebbe cercare di evocare nell'attore e poi mantenerla diligentemente.

Il linguaggio dei compiti di regia - Azioni

Il modo più "dannoso" di lavorare alla regia è chiedere all'attore un "problema" immediato una certa sensazione in una certa forma, cioè la richiesta di un risultato immediato. L'attore, con tutto il suo desiderio, non può farlo senza violare la sua natura naturale. Aiutare l'attore a portare avanti questa preparazione è il vero compito del regista. E questa preparazione consiste nel suggerire all'attore non un sentimento e non una forma della sua espressione, ma un'azione che condurrà l'attore al sentimento desiderato ed evocherà la reazione desiderata. Da un certo punto di vista, il "nemico" più importante nella recitazione è la designazione dei sentimenti invece della loro vera presenza. L'affermazione di Stanislavskij secondo cui non è possibile interpretare un sentimento è intesa da molti come l'assenza, la distruzione dell'emotività in generale.

Se parliamo di metodologia, allora il regista e l'attore devono raggiungere una "alta temperatura" di intensità emotiva sul palco, dopodiché possono prendersi cura dell'espressività dei mezzi. Il regista deve saper suggerire all'attore non un sentimento, ma l'azione giusta per ogni momento della sua vita scenica. Quindi, il linguaggio degli incarichi di regia dovrebbe essere il linguaggio dell’azione, non il linguaggio dei sentimenti.

Modulo incarico regia

Qualsiasi istruzione del regista può essere impartita sia sotto forma di spiegazione verbale sia sotto forma di spettacolo del regista. La spiegazione verbale è giustamente considerata la forma principale di istruzioni di regia, ma è impossibile cavarsela solo con le parole. Lo spettacolo è, ovviamente, necessario, anche se ciò comporta un pericolo molto serio di spersonalizzazione creativa degli attori. E' ovvio buon regista nei suoi spettacoli non procederà dal proprio materiale interpretativo, ma da quello dell'attore con cui lavora.

Una fase molto importante nel lavoro del regista con gli attori è il cosiddetto periodo di lavoro a tavola sullo spettacolo. Ciò sta gettando le basi per le prestazioni future. Il modo in cui procede questo periodo dipende in larga misura risultato finale. Il regista deve trasmettere l'idea all'attore in modo che lui, l'idea, diventi l'idea creativa dell'intera squadra.

Il lavoro del regista sulla messa in scena.

La messa in scena è solitamente chiamata la disposizione degli attori sul palco in determinate relazioni fisiche tra loro e con l'ambiente materiale che li circonda. Lo scopo della messa in scena è esprimere le loro relazioni e azioni psicologiche interne attraverso relazioni fisiche esterne tra gli attori. Lo sviluppo preliminare della messa in scena sotto forma di una partitura dettagliata è naturale per un regista alle prime armi o inesperto quanto l'improvvisazione lo è per un maestro maturo. Il lavoro del regista sulla messa in scena consiste nel mobilitare l'immaginazione del regista, che gli consente, in primo luogo, di vedere il palco e gli attori muoversi attorno ad esso in determinate combinazioni tra loro e, in secondo luogo, di recitare internamente, vivere ogni messa in scena per ciascuno degli interpreti. . Il risultato finale dovrebbe essere in accordo con gli attori e nella loro interazione tra loro.

Rimuovere le barriere creative

Uno dei seri ostacoli al raggiungimento del risultato desiderato nella recitazione è la mancanza di attenzione al partner e all'ambiente scenico che circonda l'attore. Tale ostacolo viene superato, ad esempio, come segue: dopo la successiva ripetizione di un pezzo responsabile di del ruolo, il regista ferma l'attore nel punto più patetico e lo invita a dare un'occhiata più da vicino al suo partner. Consideriamo, ad esempio, un bottone della giacca di un partner (di che colore è, di cosa è fatto, quanti buchi ci sono), poi un'acconciatura, poi i suoi occhi e quando il regista vede che l'attore si è concentrato su l'oggetto datogli, puoi continuare il testo.

Un problema altrettanto serio è la tensione muscolare. Qui a volte è sufficiente dire all'attore di rilasciare, ad esempio, mano destra, o viso, fronte, collo, in modo che l'attore si sbarazzi del morsetto creativo. In effetti gli ostacoli sono tanti e diversi, ma il regista deve sapere che non si dovrebbe mai andare oltre senza ottenere una resa impeccabile di questo brano dal punto di vista della verità artistica.

Si può immaginare quale conoscenza del materiale recitativo, quale occhio acuto, quale sensibilità e intuizione debba avere un regista per realizzare le sue idee! Fortunatamente tutte queste qualità si sviluppano se il regista apprezza e ama l'attore, se non tollera nulla di meccanico sulla scena, se non si accontenta finché la performance dell'attore non diventa organica, eseguita internamente e artisticamente veritiera.

Direttore- questa è una persona impegnata nella messa in scena di un film, dirige il processo di ripresa o le prove, se parliamo di teatro. Per essere più precisi, i registi sul set Alcuni: ha chiamato il direttore generale direttore di produzione, i suoi più stretti aiutanti sono giusti registi. In entrambi i casi, la base del suo lavoro è.

Oggi molti sognano di diventare registi, perché la professione sta diventando sempre più prestigiosa. Famosi maestri del loro mestiere ricevono riconoscimenti e premi, vanno sul tappeto rosso, rilasciano interviste, comunicano i migliori attori e attrici. Tuttavia, il lavoro del regista non è sempre stato così. All'inizio, nella fase di nascita della professione, il regista è stato coinvolto nello sviluppo della sceneggiatura, ha lavorato con gli attori e ha supervisionato il processo di ripresa. Ma i tempi sono cambiati e hanno imposto sempre nuove responsabilità che rendono la professione interessante e difficile allo stesso tempo.

Cosa fa un regista

Ora, per avere successo nella sua attività, il regista deve avere un ottimo talento per le idee di alta qualità, per le sceneggiature sorprendenti, i tempi di uscita dell'immagine, le esigenze del pubblico. Cerca fondi, interessa investitori e produttori, seleziona attori e troupe cinematografica, gestisce il processo di creazione e montaggio del film. Infatti, man mano che cresce la gamma dei compiti del direttore, ci sono sempre meno barriere e restrizioni.

Gli specialisti domestici sono per molti versi diversi da quelli occidentali, poiché i registi di Hollywood non riconoscono coloro che si mettono al di sopra degli altri. Pertanto, fanno il massimo lavoro, fanno ogni sforzo per garantire che l'immagine sia di alta qualità e di successo.

I direttori nazionali spesso diventano arroganti dopo il primo successo, rifiutano di adempiere a determinati doveri, a seguito dei quali perdono rapidamente popolarità. Solo maniaci del lavoro selezionati e veri talenti sono ancora interessanti per gli spettatori.

Diritti e responsabilità lavorative del direttore

È responsabilità del regista coordinare l'intero processo di realizzazione di un film, motivo per cui è lui che vince i premi o subisce un crollo completo se il suo film fallisce. Il lavoro del regista implica una dedizione completa, poiché lo specialista non solo seleziona attentamente la sceneggiatura, la adatta alla sua visione e attitudine, cioè crea, seleziona il cast ottimale, che diventerà l'incarnazione ideale di determinate immagini, trova un approccio a ciascuno di essi.

Dopo la fine del processo di ripresa, il lavoro del regista non finisce, poiché è obbligato a controllare il montaggio, l'imposizione del suono e gli effetti speciali. Questi ultimi svolgono spesso un ruolo decisivo nella qualità e nella popolarità di un dipinto. Solo dopo che tutto il lavoro è stato completato e il film è uscito, il regista può considerare il suo lavoro finito e attendere elogi o critiche da parte di esperti e spettatori ordinari.

La tipica descrizione del lavoro di un regista include diritti e obblighi, di solito contiene anche una clausola sulla responsabilità delle parti del contratto. A compiti ufficiali il regista teatrale, ad esempio, comprende lo sviluppo del repertorio, la produzione di spettacoli, l'organizzazione del lavoro educativo. Predisposizione del budget di spesa e del piano delle entrate Soldi spesso affidato anche al regista.

In generale, le funzioni di un direttore sono un insieme di doveri di un buon manager e la regia come professione implica un pensiero appropriato e eccellenti capacità organizzative.

Concezione e realizzazione

Ideazione e realizzazione sono i due pilastri su cui si regge la regia moderna. Molti registi descrivono le loro idee in modo molto dettagliato, alcuni, al contrario, credono che l'improvvisazione lo sia carta vincente regia pratica. Certo, è sciocco sottovalutare l'importanza della fase preparatoria, ma la storia della regia dice che i momenti lavorativi più importanti si svolgono ancora sul set. Può essere un palcoscenico teatrale o un set cinematografico. Indubbiamente, senza attori sarebbe impossibile realizzare tutta la ricchezza dell'immaginazione del regista.

Le funzioni principali del regista includono il lavoro con gli attori. Naturalmente, idealmente, la comprensione creativa del regista e degli attori dovrebbe essere esattamente la stessa. Tuttavia, in pratica, è più spesso possibile osservare una situazione in cui o si sforzano l'uno verso l'altro, o ciò che fa il regista non può essere chiamato altro che l'impianto attivo dell'unico punto di vista corretto.

A volte anche gli eminenti maestri non ritengono necessario ascoltare l'opinione dell'esecutore testamentario della loro “beata” volontà. Ma quello che fa il regista è anche la creazione dei personaggi. Non può essere realizzato aggirando l'anima e il potenziale creativo dell'attore.

Secondo principi classici regia distinguere le seguenti componenti dell'idea (basi della regia):

  • interpretazione creativa della sceneggiatura;
  • descrizione del personaggio;
  • determinazione delle caratteristiche del gioco di recitazione;
  • ritmi e tempi nell'aspetto temporale dell'opera;
  • soluzione spaziale (il cosiddetto spazio di regia);
  • design decorativo e sonoro.

In conclusione, va notato che l'adempimento tempestivo e completo dei compiti del regista renderà un principiante diligente un vero maestro.

Nomi e cognomi dei maggiori registi del mondo e del Paese sono sulla bocca di tutti. Tuttavia, poche persone sanno come ottenere questa professione, dove studiare e come trovare un lavoro. Scopritelo leggendo la nostra recensione dettagliata.

Richiesta

Pagabilità

concorrenza

barriera d'ingresso

prospettive

Un regista è una persona che gestisce tutti i processi creativi in ​​teatro, cinema o televisione. Ha una gamma abbastanza ampia di compiti, la cui attuazione competente ti consentirà di creare un vero capolavoro. I primi registi sono apparsi contemporaneamente a spettacoli teatrali. Per la prima volta vengono menzionati nel dizionario di Dahl come persone che controllano il gioco degli attori e la creazione di uno spettacolo. Ma il concetto stesso di regia nasce solo alla fine del XIX secolo. È stato utilizzato come insieme o subordinazione di tutti i processi nel teatro a un concetto. Questa idea ha avuto origine contemporaneamente a Parigi e Berlino. Nel 20° secolo, la regia iniziò a svilupparsi rapidamente nel cinema. Ma va ricordato che le origini di quest'arte restano nel teatro, da dove è stata trasferita l'esperienza della regia.

Descrizione

La regia ha uno sviluppo enorme in questi giorni. Ora questa non è una persona, ma tutta una serie di specialisti che riferiscono al direttore. A seconda del tipo di lavoro, viene determinata l'essenza della professione. Ci sono tali direzioni di regia:

L'essenza della professione del regista è la gestione dei processi di ripresa. Vede il quadro generale e capisce chiaramente come dovrebbe essere ogni personaggio. Il regista è l'interprete della sceneggiatura, che trasmette l'idea dell'autore agli attori e ne controlla l'attuazione.

Quali specialità studiare

Per avere la possibilità di ottenere un lavoro come regista, dovresti scegliere una delle seguenti specialità:

  • Regia teatrale.
  • Regia cinematografica.
  • Regia di film non-fiction.
  • Regia di film d'animazione.
  • Regia cinematografica.
  • Dirigere film di saggistica e film per la televisione.
  • Regia di spettacoli teatrali e festivi.
  • Regia dello spettacolo.
  • Regia scenica.
  • Regia circense.
  • Dirigere.

Tutte le specialità di cui sopra ti permetteranno di lavorare come regista. Dovresti scegliere in base all'ambito in cui vorresti mostrare il tuo talento: cinema, teatro, televisione, circo, palcoscenico, ecc.

Dove studiare

più alto istituzioni educative, in cui la regia viene insegnata non tanto nel nostro Paese, ma le più prestigiose sono:

  • Università Russa delle Arti Teatrali (GITIS).
  • Tutto russo Università Statale Cinematografia intitolata a S.A. Gerasimov (VGIK).
  • Università statale di cultura e arte di Mosca (MGUKI).
  • Università umanitaria dei sindacati di San Pietroburgo.
  • Istituto Teatrale. B. Schukin.

Queste università non sono le uniche, ma sono riconosciute come le più prestigiose. Se sei riuscito a iscriverti a uno di essi e a laurearti con successo, sicuramente non rimarrai senza lavoro.

Cosa devi fare nel lavoro e nella specializzazione

Ciascun amministratore svolge una serie di responsabilità manageriali:

Il regista, nell'insieme dei suoi compiti, funge da collegamento tra tutte le componenti del processo di ripresa. Una buona regia è la garanzia del successo di qualsiasi film o spettacolo.

Chi è adatto a questa professione

Questa professione è adatta alle persone forti e volitive. Il direttore deve essere un leader nato ed essere in grado di gestire contemporaneamente un numero enorme di dipendenti. Deve essere un professionista nel suo campo e avere un enorme talento creatività. Il regista è imparziale e non sceglie favoriti: questo è importante squadra creativa. Questo specialista dovrebbe essere colto, artistico e intellettualmente sviluppato. Una visione ampia è il miglior assistente alla regia.

Richiesta

Questa professione non è molto richiesta. Poche persone osano investire in registi giovani e sconosciuti.

Quanto guadagnano le persone che svolgono questa professione?

Gli onorari del direttore dipendono da dove è occupato. Se questi piccoli teatri o circhi non sono molto redditizi, lo stipendio è di circa 15-30mila al mese. Spettacoli su larga scala in teatri e riprese grandi e famosi sono figure completamente diverse. Gli importi non sono stati resi noti.

È facile trovare lavoro

Se tu famoso regista, allora saranno i progetti stessi a trovarti. È difficile per i principianti. Gli investitori sono solitamente alla ricerca di professionisti eminenti, non di laureati. La regia è a disposizione di coloro che hanno contatti e sponsor solidi. Sono il fattore decisivo e aiutano a raggiungere le persone.

Come si costruisce solitamente una carriera?

L'inizio di una carriera è la posizione di assistente alla regia. Svolgerai piccoli incarichi e otterrai la cosa più importante: pratica ed esperienza. Dopotutto, guardando il lavoro di un professionista, acquisirai molto rapidamente i suoi anni di esperienza.

Il regista è la fase successiva dello sviluppo. Se non stai lavorando a un progetto troppo grande, questo è l'apice. Negli eventi su larga scala, sei un assistente alla regia. Controlli i processi del secondo piano e hai l'opportunità di mostrare le tue qualità di regia. Il tuo lavoro viene controllato e corretto dal regista. È lui che corregge le carenze e ti insegna le sottigliezze più significative di questo lavoro.

Il regista teatrale è l'apice di una carriera. Ottieni tutto il potere e gli assistenti che si prenderanno cura dei processi secondari. Ora sei tu al comando direzioni creative lavoro. Questa posizione spetta solo ai direttori più esperti e affermati.

Prospettive per la professione

La prospettiva principale della professione è la partecipazione a progetti cinematografici famosi. Di conseguenza, potrai guadagnare popolarità e amore da parte del pubblico e degli investitori. Ti forniranno ulteriore lavoro e compensi solidi. Scatti di alta qualità e ammirevole film della critica: un passaggio al mondo del cinema straniero. Questo è un livello completamente diverso e un'opportunità per guadagnare somme consistenti.