Domanda:
« Dimmi, per favore, hai da qualche parte lo schizzo più approssimativo, che mostri da dove inizi? In un certo senso, cosa mostrerebbe come crei il tuo personaggio basandoti su cerchi e triangoli?
Voglio davvero sviluppare il mio stile, ma non posso fare a meno di un paio di consigli da parte di una persona che sa come disegnare persone così carine».
Domanda: « Ho questa domanda: quando disegno lo stesso personaggio più volte, mi fa incazzare il fatto che ogni volta sembri diverso.
Per l'amor del cielo, come fai a far sì che tutti i personaggi abbiano lo stesso aspetto in ogni sezione del fumetto?»
Risposta: Queste domande sono in qualche modo correlate, quindi cercherò di dare una risposta generale.
1. La struttura dell'immagine.
Una breve descrizione di dove inizio (e finisco) il disegno.
L'essenza dell'intero processo è iniziare con forme semplici e finire con un disegno dettagliato. Nel primo disegno viene realizzato uno schizzo sotto forma di figure di base e linee di riferimento.
Porterò chiarezza. L'immagine mostra una coppia di idioti che corrono in un campo di grano.
Inizio con uno schizzo semplice e sciatto di forme e linee di riferimento. In questa fase, mi preoccupo solo della somiglianza esterna dei personaggi e del trasferimento riuscito della dinamica nelle loro pose.
Per prima cosa mi sbarazzo di gesti incomprensibili, pose innaturali, proporzioni ridicole e gradualmente “ingombra” la composizione, riempiendo il disegno.
Una volta che sono soddisfatto del disegno approssimativo, inizio a dipingerlo sopra, disegnando alcune delle prime linee.
A questo punto, il tuo disegno probabilmente si trasformerà in qualcosa di terribile. E tutto perché sei un artista sporco e sciatto.
Ma non preoccuparti. E' così che dovrebbe essere.
Quando la bozza del disegno principale è pronta, procedo al disegno dettagliato. Non cancellerò ancora lo schizzo iniziale, perché i tratti di riferimento, che rappresentano i contorni dei personaggi e i loro movimenti, aiuteranno nella resa dettagliata. Ti aiuteranno a capire dove disegnare le cuciture sui vestiti, dove aggiungere le pieghe, come dovrebbero giacere i capelli e la pelliccia sull'una o sull'altra parte del personaggio, ecc.
In questa immagine ho già eliminato tutte le linee di riferimento, le ho sfocate in alcuni punti e le ho rese più chiare in alcuni punti. In questa fase preferisco lavorare a matita, ma è anche pratica comune inchiostrare prima il disegno e poi cancellare tutto il lavoro a matita.
2. L'uniformità del carattere.
Come faccio a disegnare lo stesso personaggio da diverse angolazioni?
Indipendentemente dalla posizione del capo, le regole stabilite rimangono le stesse.
Queste linee blu nella figura in alto, che suggeriscono la forma della testa e indicano le linee di mezzo, mi bastano per sapere come si trovano le altre figure, come quelle cerchiate in rosso nella figura sotto.
E alla fine, otteniamo un personaggio che sembra lo stesso da diverse angolazioni. E tutto perché è creato sulla base di cifre secondo lo stesso principio.
Infine, ricorda sempre che, sebbene queste tecniche iniziali possano aiutarti a fare rapidi progressi, non possono sostituire la pratica. Non arrenderti se questa tecnica non funziona la prima volta... o 98 tentativi successivi. Continua a disegnare.
3. Come disegnare "Pretty Boys".
L'essenza stessa dell'attrattiva di un personaggio (che di solito include il concetto di "carina") è un argomento completamente separato: vasto e, inoltre, difficilmente suscettibile di schiacciamento. Non posso proprio parlarne qui, se posso, ma almeno ti darò un paio di consigli da tenere a mente se vuoi creare un personaggio attraente:
- Attrattiva. Non è un segreto che alcune proporzioni siano naturalmente visivamente attraenti. Tienili a mente quando crei il tuo personaggio. Spesso i personaggi risultano carini se sono raffigurati secondo le proporzioni del viso di un bambino: fronte alta, guance carnose, occhi grandi e altri tratti del viso situati uno vicino all'altro.
(La Disney ha adottato di norma questa pratica. Pertanto, disegnare personaggi famosi classici ti aiuterà a capire come rendere attraenti i tuoi personaggi e, in generale, a familiarizzare con la struttura del disegno. Prova a disegnare un cacciatore dai cartoni animati di Looney Tunes e Tex. Avory" per imparare a creare personaggi carini e divertenti, non carini e zuccherosi).
- Pulizia.
Assicurati che il viso del tuo personaggio non diventi cupo o brutto a causa di un numero eccessivo di linee non necessarie. Comprendi l'importanza di salvare le battute. Semplifica lo schizzo in modo che l'enfasi cada sulle sue caratteristiche più importanti e attraenti; quelli che riflettono l'essenza del personaggio e ti permettono di trasmettere il suo stato d'animo. Ciò non solo rende più semplice disegnare un personaggio da diverse angolazioni più e più volte, ma ne facilita anche la lettura.
- Espressività. La chiave per rendere un personaggio avvincente o semplicemente simpatico è raggiungere la semplicità del disegno eliminando le linee non necessarie, nonché un'espressione schietta e comprensibile sul viso che trasmetta pienamente i pensieri o i sentimenti del personaggio. Le espressioni ambigue, vuote o indistinguibili sul viso non hanno un tale fascino. Dai al personaggio l'opportunità di agire, reagire ed essere veramente vivo.
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Oggi nell’articolo risponderemo alle domande:
Come creare un eroe volumetrico? Cosa determina il "volume" dell'eroe? Cosa lo rende vivo, unico e fa entrare in empatia i lettori?
Cos'è la profondità e come calcolarla?
Innanzitutto, definiamo la profonditàNONÈ.
La profondità NON è:
- caratteristica;
- peculiarità;
- caratteristiche bizzarre ed eccentriche;
- non un tratto caratteriale dominante.
Allora, cos'è la profondità?
Un personaggio brillante si distingue non per uno, ma per molte caratteristiche e tratti, molti dei quali possono contraddirsi a vicenda. È da questa contraddizione dei tratti caratteriali che nasce la profondità.
Avanziamo la tesi:
Profonditàè una contraddizione.
Questa è la cosa più semplice, ma più importante da ricordare quando parliamo di volume.
La contraddizione potrebbe essere:
- all'interno di un carattere forte (un conflitto interno che nasce da due tratti contraddittori; ad esempio, in Macbeth questo è un conflitto di ambizione e colpa);
- tra caratterizzazione e vero personaggio (coraggioso uomo grasso, gentile orco, affascinante ladro);
- tra carattere e comportamento (Ricordiamo, ad esempio, "Il Signore degli Anelli" di Tolkien. Aragorn è un re per vocazione: proviene da una famiglia di sovrani e il trono gli appartiene di diritto. Ma rifiuta il suo destino e si mette su la maschera di un ranger e di un vagabondo).
Le contraddizioni devono essere coerenti, logiche e coerenti. Se posizioni l'eroe come un personaggio positivo, qualsiasi sua cattiva azione deve essere giustificata, compresa e accettata/perdonata dai lettori.
L'esempio più eclatante di un carattere multidimensionale èFrazione.
Ecco un elenco parziale delle sue controversie:
- religioso: blasfemo;
- amorevole e gentile - senza cuore e sadico;
- coraggioso: codardo;
- calmo e cauto - impulsivo e imprudente;
- spietato: compassionevole;
- orgoglioso: si sente dispiaciuto per se stesso;
- spiritoso: triste;
- stanco - energico;
- ragionevole: confuso;
- sano di mente: pazzo;
- ingenuo - sofisticato.
Il personaggio principale non deve avere una quantità così grande di contraddizioni. Ma dovrebbero essere almeno 3-4. I personaggi minori hanno 2-3 contraddizioni. Ai posti di blocco - non più di uno.
Il personaggio principale dovrebbe avere il maggior numero di contraddizioni tra tutti i personaggi del tuo lavoro.
Anche più dell'antagonista (o altrettanto). Se il cattivo ha più contraddizioni dell'eroe, lo sostituirà automaticamente.
Perché sono necessarie le contraddizioni?
È molto interessante per i lettori osservare personaggi ambigui e contraddittori. Suscitano interesse e attirano l'attenzione. Più interessanti sono le contraddizioni, più intrigante sarà il personaggio che otterrai.
Esempi di contraddizioni nei caratteri:
1. "Il Signore degli Anelli" Tolkien. Frodo.
Il piccolo hobbit è coraggioso e altruista.
2. "Breaking Bad". Walt.
Compassionevole - crudele.
3. "Jeeves, sei un genio!" Casa di legno. Jeeves.
Il servitore è intelligente e un gentiluomo.
4. "Frankenstein" Shelley. Frankenstein.
Un mostro terribile, con un cuore sensibile e una sete di amore e comprensione.
5. Re del "Miglio Verde". Giovanni Caffè.
L'enorme schiavo negro è gentile e compassionevole.
Conclusione:
La profondità dei personaggi dipende da quanto forti e giustificate siano le contraddizioni nel personaggio.
L'abilità di creare contraddizioni non solo rende il tuo personaggio più interessante e sfaccettato, ma influenzerà anche direttamente la componente trama dell'opera.
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Come inventare un personaggio? Questa domanda viene posta da quasi tutti gli autori che si sforzano di rendere il proprio lavoro quanto più interessante, colorato e credibile possibile. Dopotutto, se l'eroe non sembra reale, l'intera opera viene percepita come fantasia o utopia.
Per renderlo più conveniente, considereremo prima la creazione dei personaggi principali, e poi quelli secondari, che alcuni Autori privano della loro attenzione.
Quindi, creare un personaggio principale è un processo meticoloso. È necessario coprire tutti gli aspetti, tutte le sfaccettature, perché il personaggio principale non è un guscio vuoto di cui nessuno scriverebbe. Questa è, prima di tutto, una persona, sebbene inventata, ha pensieri, sentimenti, nonché abitudini e principi. E spesso gli Autori ci presentano solo una piccola frazione di quel mondo interiore.
Innanzitutto, i lettori dovrebbero immaginare approssimativamente come appare un particolare personaggio. Dopotutto, ogni autore, come artista, disegna immagini con le parole e i lettori inconsciamente immaginano cosa sta succedendo. Pertanto, è necessario designare almeno una sagoma: un eroe alto o basso, magro o pieno o forse curvo. Non è necessario descrivere ogni centimetro del corpo, basta descrivere i principali segni esterni: colore dei capelli e degli occhi, ancora, altezza e fisico. E per dare all'eroe un'individualità nell'aspetto (anche se il personaggio è un biondo dagli occhi azzurri con una corporatura atletica, a cui tutte le ragazze corrono dietro), possono essere necessari un paio di tratti distintivi. Ad esempio, un grande neo sul collo, che non può essere ignorato, o un tatuaggio a forma di drago o una cicatrice sulla guancia. Questo eroe sarà ricordato.
In secondo luogo, devi descrivere il personaggio. Non è corretto in un'opera in cui la narrazione è condotta per conto di questo personaggio principale, scrivere qualcosa del tipo: "Sono intelligente, gentile, affettuoso, coraggioso ...". Anche se il personaggio si definisce intelligente o codardo, ad esempio, deve farlo in modo diverso. Per esempio:
"Alla fine ho risolto questa complessa equazione con i poteri, saltando immediatamente in piedi e, sotto gli sguardi ammirati dei miei compagni di classe, ho messo la soluzione sulla cattedra. Lui mi ha guardato sorpreso: nessuno nella nostra classe riusciva a trovare la soluzione radici dell'equazione. Ero follemente orgoglioso perché ora tutti sanno quanto sono intelligente!"
Ma in questo caso non bisogna dimenticare che, avendo raccontato in questo modo la mente dell'eroe, l'Autore rivela anche altre qualità: nel mio esempio il personaggio sembra un po' vanaglorioso, si può anche immaginare come si avvicina al tavolo dell'insegnante , alzando orgogliosamente la testa. Se l'opera è scritta in terza persona o l'eroe è descritto da un altro personaggio, allora si applica lo stesso concetto: "Azione - valutazione". Tali piccole descrizioni dovrebbero essere presenti in tutto il testo, non solo nei pensieri del personaggio, ma anche nel suo comportamento, nelle sue azioni - dopotutto, i lettori valutano l'eroe proprio secondo questi criteri, riferendolo a personaggi più positivi o più negativi in il lavoro.
Vale la pena fermarlo: personaggi negativi e positivi. Se l'Autore davvero non scrive un'opera utopica, allora va ricordato che non ci sono persone buone o cattive in ogni cosa. È qui che risiede l'individualità: una persona è coraggiosa, ma un po 'stupida, quindi si trova in vari guai; il secondo è intelligente e astuto, quindi evita codarda il pericolo, preoccupandosi solo di se stesso; e il terzo è intelligente e coraggioso, ma allo stesso tempo assolutamente vizioso. Ancora una volta, tutto è fantasia dell'Autore, ma gli eroi più positivi dovrebbero avere almeno una cattiva abitudine (mangiarsi le unghie per l'eccitazione) o un tratto sgradevole (sbattere la porta ed essere scortese), nonostante il fatto che tali eroi molto probabilmente aspirano alla perfezione. , e quelli più negativi hanno, ad esempio, una segreta passione per i gattini, quando un adolescente egoista e presuntuoso viene improvvisamente toccato e inizia a prendersi cura di un gattino abbandonato.
Una biografia non è la parte più importante nella descrizione di un personaggio in piccole opere, ma una parte necessaria in grandi opere. Almeno una menzione, ma deve esserlo, poiché è durante l'infanzia che vengono stabiliti i principi di base e gli "scenari di vita" (alcuni piani per lo sviluppo di eventi, modelli ereditati) e qualche evento importante - la morte di genitori o tradimento di un amico - possono spiegare la comparsa nel carattere di tratti come sfiducia, delusione nella vita.
Lo stesso vale per il comportamento. Un giovane galante non sbatterà la porta proprio di fronte a una ragazza e un ubriacone non si inchinerà al suo conoscente. Ancora una volta, l'esempio è forzato e nella maggior parte dei casi l'autore non pensa nemmeno a come parlano esattamente i suoi personaggi, ma non dovrebbero esserci discrepanze.
Pertanto, sono emersi diversi punti principali per la creazione del personaggio principale:
1. Descrizione dell'aspetto. Contro i francobolli: un certo "gusto" che conferisce individualità.
2. Descrizione del personaggio. Contro i francobolli: un'abitudine o un tratto diametralmente opposto al carattere (peggiore o migliore).
3. Discorso e comportamento del personaggio.
Forse ogni autore integrerà questo elenco con qualche altro elemento che renderà speciale la sua storia: il mio elenco funge da struttura, da base. Passiamo dal personaggio principale al personaggio secondario.
I personaggi secondari sono le persone che circondano il personaggio principale. Compagni di classe, conoscenti che passano di corsa, a volte anche i genitori. I personaggi secondari aiutano a creare l'atmosfera della realtà dell'opera, nonostante non influenzino realmente la trama principale. Pertanto, con la loro creazione, tutto è molto più semplice: a volte il lettore non pensa nemmeno a cosa sia, lo stesso zio Petya, menzionato nel quinto capitolo, nel terzo paragrafo.
In primo luogo, se in tutta la storia appare ancora un personaggio minore (ad esempio, gli stessi genitori), puoi anche descriverne la sagoma, creare un'immagine vaga in modo che il lettore non dimentichi chi è questa persona e immaginare più pienamente cosa sta succedendo. L'autore stesso voleva trasmettergli. Questo può essere fatto con una frase così discreta:
"Sono passato davanti a una nonna molto grassa, seduta su una panchina vicino all'ingresso, e l'ho salutata: mi ha guardato accigliata, ma non ha detto nulla, borbottando solo qualcosa sottovoce".
E il lettore si aggrappa a questa "nonna molto grassa" con lo sguardo, ricordandola.
In secondo luogo, puoi evidenziare alcuni tratti del personaggio principale che ti aiuteranno a ricordare il personaggio in dieci capitoli, anche se ne hai dimenticato il nome. Ad esempio, il coraggioso zio Vanja, che in gioventù sconfisse un orso; la capricciosa zia Vika, sempre insoddisfatta di chi la circonda.
In terzo luogo, la parola e il comportamento giocano un ruolo importante anche nei personaggi minori. Per gli stessi motivi dei personaggi principali, perché se le qualità sociali e i costumi differiscono, l'eroe diventa falso.
Il modo più semplice è disegnare personaggi secondari da conoscenti. Almeno puoi associarli a loro in modo che l'Autore stesso non dimentichi chi è chi. I personaggi secondari sono descritti dai personaggi principali o dall'esterno, ed è come pensare a qualcuno che conosci. Non puoi ricorrere a questo metodo, ma comunque.
Pertanto, ci sono un paio di punti per creare eroi secondari:
1. Creare un'immagine della frase esterna e interna.
2. Il discorso e il comportamento del personaggio.
Ripeto, questo è molto più semplice da fare che creare un personaggio principale che rivelerà sempre più sfaccettature del suo mondo interiore nel corso della storia.
Anche l'eroe o il timbro dell'eroe più comune può acquisire individualità con l'aiuto dell'Autore. Creare un eroe non è difficile, ma deve essere preso il più seriamente possibile. Spero che il mio articolo ti aiuti.
Tutti hanno un personaggio dei cartoni animati preferito, ma come sono nati? Molta ricerca e amore sono necessari per creare simboli universalmente riconosciuti.
Quindi oggi ti daremo dieci ottimi consigli su tutto ciò che devi sapere sul design dei personaggi utilizzando gli straordinari esempi di Envato Market.
1. Scelta di un tema
Iniziare il design di un nuovo personaggio è come fissare una tela bianca. È emozionante ma spaventoso e può persino farti tremare le ginocchia. La chiave per mantenere la calma in questo momento è innanzitutto scegliere un argomento.
Guarda, questo personaggio ha sicuramente un tema marino?
Cosa vuoi che qualcuno veda, senta o capisca immediatamente quando guarda i tuoi personaggi? Lascia che quella sensazione alimenti l'aspetto generale del tuo tema.
Inizia semplificando l'argomento in risposte di una sola parola che descrivano il personaggio. Parole come occidentale, retrò e futuristico rappresentano periodi di tempo diversi. Sul lato opposto dello spettro, le parole nerd, freddo o malvagio mostrano più stile e carattere.
Una volta scelto un tema, fai un elenco di dettagli che ti aiuteranno a rafforzarlo. Spunta tutto ciò che si adatta perfettamente al tuo personaggio.
Autunno e animale sono due parole fantastiche per aiutarti con il tuo tema.2. Sviluppo del contesto
Chiudi gli occhi. Immagina che il tuo personaggio attraversi ogni fase della sua vita. Dal momento in cui nascono nel tuo mondo, fino al loro ultimo appuntamento, che tipo di vita ti aspetti che viva il tuo personaggio?
Questo pupazzo di neve semplicemente non potrebbe esistere senza vivere in un freddo paesaggio invernale.Lo sfondo include tutte le informazioni di base che devi sapere. Per crearlo, immergiti nell'esplorazione di luoghi, culture, professioni, ecc. diversi. Conoscere il tuo personaggio è come creare un nuovo migliore amico. Devi sapere assolutamente tutto di loro in modo da poter trasferire il retroscena nel loro design.
Di seguito è riportato un elenco di base di domande che possono aiutarti in questo.
- Dove vivono?
- Chi sono i loro genitori?
- Qual è il loro lavoro?
- Chi è il loro migliore amico?
- Che cibo gli piace?
- Qual è il loro colore preferito?
Tutti sanno che SpongeBob SquarePants vive in un ananas e lavora come cuoco al Krusty Krab. Allora, vedi quali indizi puoi ottenere da queste risposte?
Come influenzerebbe questo i tuoi personaggi se provenissero dagli Stati Uniti invece che dalla Spagna? O vissuto in climi diversi? Non importa quanto ti senti stupido, rispondi a tutte queste domande nel miglior modo possibile e aggiungi anche altre domande all'elenco. Se hai bisogno di ulteriore aiuto, inizia da dove sai.
3. Dai al tuo personaggio un nome e una personalità.
Ciao il mio nome è ___.
Il tuo personaggio è tuo figlio. L'hai letteralmente fatto nascere dalla tua mente creativa solo pochi minuti fa, quindi è naturale che tu gli abbia dato un nome adatto.
Il tuo personaggio assomiglia a Sally, Joe o Spot? I nomi dei bambini sono estremamente creativi al giorno d'oggi, quindi perché non essere altrettanto creativo con i nomi dei tuoi personaggi? Ricerca l'origine, il significato e la pronuncia corretta per trovare quella più adatta.
E quando finalmente inizi a disegnarli, continua a controllare se è ancora associato a quel nome. Forse il tuo personaggio è cambiato da "Steve" a "Stefan", quindi, se necessario, assicurati che ci sia abbastanza spazio per cambiare il nome con uno appropriato.
Le persone sono attratte dagli individui. Rivedi te stesso o qualcuno che conosci nei tuoi personaggi? Proprio come con il retroscena, assicurati di comprendere la personalità del tuo personaggio, da ciò che gli piace al tipo di battute che potrebbe fare. Dopotutto, più cose sai, meglio alla fine si trasformerà in un design davvero eccezionale.
4. Selezionare una vista. Uomo, animale o qualcos'altro?
Decidere se il tuo progetto include un essere umano o un animale è una vera sfida. Forse non sono nessuno dei due, ma invece un fiore hippie rosa, o
Non tutti i personaggi devono essere umani o qualcuno del pianeta Terra. E a seconda della tua storia, la persona potrebbe non essere nemmeno in buona forma. Dopotutto, gli esseri umani sono piuttosto unidimensionali, quindi considera i cambiamenti che ti vengono in mente quando scegli un nuovo look.
Il bello degli animali è che possono essere sia teneri che feroci.
Se non sei ancora sicuro di quali tratti dovrebbe avere il tuo personaggio, creane uno tuo! Per ottenere un'anatomia corretta, potresti voler dargli caratteristiche animali o umane solo per comodità. Alla fine, tuttavia, il resto dei dettagli dipende da te, quindi divertiti a esplorare ciò che puoi inventare.
5. Alto, basso, magro o alto?
Hai mai notato che gli assistenti sono solitamente più piccoli dell'eroe?
Per quanto ingiusto possa sembrare, questa giustapposizione mirata consente allo spettatore di vedere il protagonista come un leader più fiducioso rispetto alla sua controparte più piccola.
Un modo fantastico per aggiungere una personalità distintiva al tuo personaggio è esplorare diversi tipi di corpo. Poiché la società ha già legato alcuni tratti stereotipati della personalità a determinate forme e dimensioni, percepiamo automaticamente la personalità di un personaggio dal suo aspetto.
Ecco un suggerimento:
Disegna la testa separatamente dal corpo del personaggio. Quindi disegna tre diversi tipi di corpo e sostituiscili con la testa disegnata. Quale sembra il migliore e perché?
Questo esempio dovrebbe mostrarti immediatamente il potere di scegliere diverse opzioni per il corpo. Ma sentitevi liberi di andare contro le immagini consolidate per non cadere preda degli stereotipi.
6. Tutto sull'umore: colori
Tutti i colori hanno un significato. Quindi scegli saggiamente per creare l'atmosfera per i tuoi progetti.
Di solito interpretiamo i colori vivaci come felici ed energici, mentre i colori più scuri mantengono il loro valore. Il rosso è la scelta giusta per la rabbia e la passione. E il verde ha un enorme legame con la natura e il denaro.
Se non sai quale colore scegliere per il tuo personaggio, provali tutti finché non ne trovi uno che funzioni. Sperimenta con i colori, scegliendo anche quelli che normalmente non prenderesti in considerazione. Rendi il duro davvero rosa o dai capelli blu all'uomo d'affari.
Andare oltre la norma non solo aiuterà a migliorare il loro aspetto, ma li renderà anche più memorabili per il tuo pubblico.
7. Crea pose dinamiche
So che vuoi che le cose siano facili, ma sii paziente. Oltre alle viste standard anteriore e posteriore, prova a crearne di dinamiche con un'ampia gamma di movimenti.
Puoi imparare tutto su come si sente un personaggio o cosa può fare prestando attenzione al linguaggio del corpo. Prendi ciò che hai imparato dalla tua storia passata per creare pose dinamiche.
Un buon punto di partenza è esplorare le pose attraverso la fotografia. Le foto di ricerca generali dicono molto su ciò che ti viene in mente automaticamente quando usi una determinata parola. Ad esempio, la parola "relax" potrebbe mostrare una persona seduta a gambe incrociate, come il mouse in alto a sinistra nell'esempio sopra.
Creare pose dinamiche è particolarmente importante quando presenti il tuo lavoro in modo professionale. Fai saltare i tuoi personaggi fuori dallo schermo e in grembo al tuo cliente con la stessa energia che irradiano. Queste pose dimostrano anche che hai un'incredibile gamma e adattabilità come artista, quindi usa pose dinamiche per mostrare il tuo meraviglioso talento!
8. Un po' di stile? Vestiti ed accessori
Ti piace fare shopping? Risparmia soldi e prova il tuo senso dello stile unico con la moda dei personaggi!
Si può dire molto dei personaggi dal modo in cui si vestono. Ogni personaggio mai creato è noto per la sua "uniforme". Da non confondere con i normali abiti da lavoro, l'uniforme del tuo personaggio è l'abbigliamento generale che vedrai quando la indosserà.
Crea ogni uniforme con precisione. Presta attenzione ai piccoli dettagli come i bottoni, le cuciture e il taglio generale. Magari il tuo personaggio si trova abbastanza a suo agio con abiti comodi, o viceversa preferisce un bel vestito e una cravatta.
Questo simpatico omino di pan di zenzero, ad esempio, utilizza semplici linee di glassa colorata per l'outfit.
Quando le cose non funzionano, prova a semplificare le cose. Alla fine, dovrai ricolorare e disegnare questo personaggio molte più volte, così potrai scegliere abiti facili da ricreare, qualunque sia l'angolazione.
9. Il carattere esprime emozioni
Fai una faccia stupida. Ora disegnalo. Come apparirebbe il tuo personaggio con la stessa espressione?
L'espressione è lo strumento di comunicazione definitivo nel design dei personaggi. Se catturi il tuo personaggio in qualsiasi momento della giornata, quale espressione avrà sul suo volto?
Per saperne di più sulle emozioni caratteristiche, prendi una tecnica tradizionale della vecchia scuola che gli artisti hanno utilizzato fin dall'inizio dei tempi. Siediti davanti a uno specchio e crea una dozzina di volti diversi che esprimono una vasta gamma di emozioni. Gli occhi, le sopracciglia e la bocca tendono a mostrare emozioni abbastanza facilmente, quindi studia queste aree per determinare la differenza tra ciascuna espressione.
Padroneggiare le emozioni ti avvicina di più al perfezionamento del design del tuo personaggio. Prima che tu te ne accorga, sarai in grado di creare tantissime espressioni in un batter d'occhio!
10. Testare versioni alternative
Il design è un esperimento. Forse il tuo personaggio starebbe meglio con un cappello o un vestito completamente diverso. Utilizza il tuo design originale come modello in modo da poter testare versioni alternative.
Chiedi a qualcuno di esprimere la sua opinione sul tuo progetto in questa fase. A volte siamo così presi dal guardare il nostro lavoro che non riusciamo a vedere cosa manca. Vanno bene tutti i colori? Hai bisogno di un taglio di capelli? Il secondo paio di occhi potrebbe notare ciò che ti sei perso.
Carattere- una persona animata immaginaria con un certo carattere e dati esterni unici. Nelle arti visive, i personaggi rientrano in due categorie principali: animati e statici. La differenza fondamentale tra un personaggio animato e un personaggio statico sta nella speciale costruzione del personaggio, grazie alla quale il lavoro degli animatori con l'eroe sarà notevolmente facilitato.
SVILUPPO DELL'IMMAGINE DEL PERSONAGGIO
La ricerca dell'immagine del personaggio è la fase più responsabile e interessante. Quando si sceglie un'immagine, è necessario tenere conto non solo delle qualità personali dell'eroe, ma anche della sua combinazione armoniosa con il mondo esterno. Inoltre, il personaggio deve essere espressivo e "non banale", avere un certo fascino.
Per prima cosa devi studiare i materiali introduttivi (TOR, sceneggiatura, descrizione letteraria e regista dei personaggi), comunicare con il regista, che cercherà di trasmettere i suoi pensieri all'artista nel modo più accurato possibile. Conoscere le peculiarità dello stile del progetto, di cui parlerà lo scenografo o il regista, se non è presente uno scenografo nel progetto nella fase di creazione dei personaggi. Sulla base dei risultati della conoscenza del progetto, vale la pena realizzare una serie di schizzi, annotando di persona alcuni dei punti più importanti che saranno utili nell'ulteriore lavoro con il personaggio.
Prima di tutto, è necessario presentare gli episodi più brillanti della sceneggiatura letta e cercare di introdurre concetti semplici delle scene più impressionanti con il personaggio principale. Questo viene fatto per sentire le caratteristiche principali del personaggio futuro: la sua massa, la postura, il fisico.
Dopo che sei riuscito a catturare un'immagine che si adatta alla tua opinione, che ha contorni sfocati, ma più o meno comprensibili, puoi iniziare a perfezionare lo stile, cercando la forma di acconciature, vestiti, oggetti personali senza entrare nei dettagli. In questa fase, non dovresti aggrapparti a qualche immagine ottenuta con successo. Il compito dell'artista è quello di disegnare molte opzioni diverse che non sono correlate tra loro., da cui verrà poi selezionato quello di maggior successo.
Inoltre, non dovresti dimenticare che il personaggio dovrebbe essere facile da "leggere" per lo spettatore. Per verificare la "leggibilità" del carattere è sufficiente dipingerlo di nero., dopo di che la sagoma del personaggio dovrebbe essere riconoscibile e apparire piuttosto impressionante.
La fase successiva è la "corsa" del personaggio.
La versione selezionata, ma finora grezza, viene rappresentata in azione. Per fare questo, devi disegnare il personaggio nelle sue solite pose. I dettagli non necessari vengono eliminati nel corso del lavoro e sostituiti con nuovi più adatti all'eroe e più convenienti con cui lavorare.
La fase finale nella creazione dell'immagine del personaggio, di regola, inizia dopo l'approvazione e l'adeguamento dell'opzione più adatta scelta dal regista (cliente). Ora il compito dell'artista è lavorare con i dettagli e portare l'immagine.
Il tocco finale: dipingere il personaggio.
La versione finale del carattere a colori è accompagnata da commenti che indicano i valori cromatici utilizzati per ogni singolo elemento dell'immagine in RGB o CMYK (a seconda del software utilizzato nel progetto). L'uso di stilistiche non tradizionali quando si applicano luci e ombre al personaggio implica un ulteriore sviluppo dello schema luce-ombra.
POSE CARATTERISTICHE DEL PERSONAGGIO
Le pose caratteristiche del personaggio completano la descrizione dell'immagine letteraria dell'eroe. Aiutano a mostrare visivamente il carattere dell'eroe, le sue abitudini e il suo comportamento. Il compito chiave dell'artista è trasmettere l'idea del regista nel modo più accurato possibile, dotando l'eroe delle sue qualità (secondo la sceneggiatura).
Le pose caratteristiche del personaggio sono "Naturale" (facile), "Abituale" (riflessiva) e "Messa in scena" (emotiva):
- "pose naturali"- questi sono gli stati calmi del personaggio in posizione eretta con supporto su una gamba. Meno comunemente, entrambe le gambe sono di supporto, con un centro di gravità uniformemente distribuito.
- "Posture abituali" - posizioni del corpo caratteristiche dell'eroe, prese di riflesso in accordo con l'umore del personaggio, ad esempio: premurosità, eccitazione, stanchezza.
- "Pose sceniche"- pose deliberatamente esagerate prese dall'eroe in presenza di una terza persona, ad esempio: flirt, gioia, sorpresa, vergogna.
Indipendentemente dal tipo, la posa dovrebbe essere piuttosto luminosa ed espressiva. L'effetto desiderato si ottiene attraverso la postura*, il posizionamento di braccia e gambe, la posizione della testa, le espressioni facciali e i gesti.
Fatto curioso:
Quando creano personaggi, molti artisti inavvertitamente dotano i loro personaggi di una postura distorta, dal punto di vista medico. Se consideriamo i vari tipi di postura secondo F. Staffel, la curvatura della colonna vertebrale è inerente a quasi tutti i tipi:
- "Piano-concavo"La schiena è tipica delle donne. Una tale curva della schiena enfatizza bene le forme femminili nella vita e nei fianchi;
- "schiena piatta"tipico dell'ambiente militare, quando è necessario esagerare il portamento;
- "Rotondo indietro", di regola, appartiene a un giovane allampanato e insicuro o a un vecchio alto e magro;
- I mostri con un torso potente hanno una "schiena concava e rotonda".
Fare clic sull'immagine per visualizzare l'immagine a grandezza naturale e con qualità al 100%.
La posizione della testa, combinata con espressioni facciali e gesti, trasmette in modo più espressivo l'umore del personaggio. La testa ha cinque posizioni fondamentali: dritta, giù, su, su, lateralmente, di lato.
La posizione della testa del personaggio è direttamente correlata al suo umore. Ad esempio: una testa sollevata enfatizzerà la fiducia, l'arroganza o il sogno ad occhi aperti; omesso: rabbia e aggressività, stanchezza o tristezza; leggermente abbassato con un'inclinazione laterale - imbarazzo e flirt, e in posizione diritta - sorpresa, paura o irritazione. Nonostante alcuni schemi, ci sono tecniche che violano questi principi, ma questo può già essere considerato un'eccezione alla regola.
A differenza degli artisti esperti che fanno affidamento sulla propria esperienza e intuizione, gli artisti alle prime armi non sarebbero fuori luogo leggere letteratura speciale sulla psicologia delle espressioni facciali e dei gesti, soprattutto perché questo argomento è piuttosto interessante e aiuta l'artista a identificare determinati modelli in comportamento umano in modo autonomo.
COSTRUZIONE DEL PERSONAGGIO
Quando crea un personaggio animato, l'artista non deve solo immaginare come si muoverà il personaggio, ma anche spiegarlo chiaramente all'animatore, che successivamente lavorerà con il personaggio. Per fare ciò, il personaggio viene smontato nei cosiddetti "spazi vuoti", dopodiché diagramma di costruzione del personaggio.
Come sappiamo, qualsiasi oggetto complesso è costituito da forme semplici (cerchi, ovali, triangoli, rettangoli). Il compito dell'artista è smontare dettagliatamente il suo personaggio in forme semplici, mostrare come sono collegati lungo le linee assiali e chiarire le proporzioni. Lo schema di costruzione del carattere dovrebbe essere semplice, logico, conveniente e comprensibile. Quanto più competente è lo schema di costruzione, tanto più facile sarà lavorare ulteriormente con il personaggio. Vale la pena notare che la tecnica di creazione di un personaggio è individuale per ogni artista: alcuni costruiscono immediatamente un personaggio durante la creazione, altri disegnano un personaggio senza costruirlo, concentrandosi sulla propria esperienza e intuizione. Tuttavia, indipendentemente dalla tecnica di creazione del personaggio, sarà comunque necessario smontarlo in "spazi vuoti", a meno che, ovviamente, non si tratti di uno stile di animazione speciale, dove solo l'immagine è importante e la costruzione del personaggio non gioca un ruolo importante .
Ecco come potrebbe apparire un personaggio.
Non di rado ci sono casi in cui diventa necessario adattare (adattare) un personaggio statico da un'illustrazione per un progetto di animazione. Per fare ciò è sufficiente ricostruire il personaggio, scomponendolo in "spazi vuoti", semplificando allo stesso tempo i piccoli dettagli.
Un esempio di personaggio statico adattato (adattato) all'animazione.
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Gli animali vengono trattati allo stesso modo degli esseri umani.
EMOZIONI DEL PERSONAGGIO
Qualsiasi personaggio dovrebbe essere in grado di esprimere le proprie emozioni agli eventi attuali.. Più luminose e diverse sono le espressioni facciali del personaggio, più interessante è la sua reazione a un particolare evento. Lo stile del personaggio definisce la struttura all'interno della quale le emozioni vengono create in una forma esagerata, il cui grado dipende dalla "fumettistica" del personaggio.
A seconda della complessità del progetto, la mappa delle emozioni può essere molto diversa. Le emozioni specifiche e la loro quantità richiesta per un particolare progetto sono solitamente determinate dai termini di riferimento.
CHIARIMENTO DEI DETTAGLI
Gli accessori, i capi di abbigliamento e l'acconciatura del personaggio svolgono un ruolo importante nella creazione di un'immagine unica e memorabile. Nel processo di sviluppo dei dettagli, è importante non solo incarnare visivamente l'idea della posizione di elementi aggiuntivi nell'immagine del personaggio, ma anche chiarire come "funzionano" questi dettagli. L'artista deve comprendere lo scopo funzionale degli elementi da lui inventati, la loro applicazione pratica, l'interazione con il personaggio, come si muoveranno nell'animazione, al fine di trasmetterlo visivamente nel set di documenti di sviluppo del personaggio.
Per chiarire i dettagli vengono creati fogli aggiuntivi.
TAVOLA DI COMPARAZIONE
Tabella comparativa dei personaggi (righello) - un foglio a righe su cui sono posizionati tutti i personaggi del film d'animazione in modo tale che con l'aiuto di linee comparative o di una griglia in scala sia possibile dimostrare chiaramente la relazione proporzionale dei personaggi ( principalmente la loro altezza).
I caratteri cameo, di regola, non sono inclusi nella tabella comparativa. Per loro viene creato un foglio separato, legato al "righello" mediante una griglia in scala. Oppure viene fatto un confronto con l'eroe del tavolo (con il quale interagisce il personaggio episodico).