Famose nature morte di artisti olandesi del XVII secolo. Segni segreti della natura morta olandese

15.03.2019

Gli artisti olandesi hanno ottenuto grandi risultati nel creare arte in una direzione realistica, raffigurante naturalmente la realtà, proprio perché tale arte era richiesta nella società olandese.

Per Artisti olandesi la pittura da cavalletto era importante nell'arte. Le tele degli olandesi di questo periodo non hanno le stesse dimensioni delle opere di Rubens, e risolvono preferibilmente compiti non monumentali-decorativi; i clienti dei pittori olandesi erano inviati della dirigenza dominante dell'organizzazione, ma anche di seconda classe - borghesi e artigiani.

Una delle preoccupazioni principali dei pittori olandesi era l'uomo e l'ambiente. Il posto principale nella pittura olandese era il genere quotidiano e il ritratto, il paesaggio e la natura morta. Meglio, in modo imparziale e profondo, i pittori raffigurati mondo naturale, tanto più significative ed impegnative erano le loro trame dell'opera.

I pittori olandesi producevano opere in vendita e vendevano i loro dipinti alle fiere. Le loro opere furono acquistate principalmente da persone degli strati superiori della società: contadini ricchi, artigiani, commercianti e proprietari di fabbriche. Persone semplici non poteva permetterselo e guardava e ammirava i dipinti con piacere. La disposizione generale dell'arte nel periodo di massimo splendore del XVII secolo privò consumatori potenti come la corte, la nobiltà e la chiesa.

Le opere furono prodotte in un formato piccolo, pensato per adattarsi agli arredi modesti e di non grandi dimensioni delle case olandesi. La pittura da cavalletto divenne uno dei passatempi preferiti degli olandesi, poiché era in grado di rappresentare la realtà delle azioni con grande affidabilità e diversità. I dipinti degli olandesi raffigurano la realtà del loro paese, vicino a loro; volevano vedere ciò che era loro molto familiare: il mare e le navi, la natura della loro terra, la loro casa, le attività della vita quotidiana, le cose che li circondavano ovunque.

Un'importante attrazione per lo studio dell'ambiente apparve nella pittura olandese in forme così naturali e con una continuità così chiara come in nessun altro luogo dell'arte olandese di questi tempi. In relazione a ciò, è collegata anche la profondità della sua scala: in esso si sono formati ritratti e paesaggi, nature morte e generi quotidiani. Alcuni di essi, la natura morta e la pittura di tutti i giorni, furono i primi ad emergere in forme mature in Olanda e fiorirono a tal punto da diventare l'unico esempio di questo genere.

Nei primi due decenni si manifesta chiaramente la tendenza principale nella ricerca dei principali artisti olandesi, in contrasto con le corrette tendenze artistiche: il desiderio di una riproduzione fedele della realtà, per l'accuratezza della sua espressione. Non è un caso che gli artisti olandesi siano stati attratti dall'arte di Caravaggio. Il lavoro dei cosiddetti caravaggisti di Utrecht - G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen - ha mostrato un impatto sulla cultura artistica olandese.

Crearono pittori olandesi degli anni '20 e '30 del XVII secolo vista principale un dipinto adatto a piccole figure raffigurante scene della vita dei contadini comuni e delle loro attività quotidiane. Negli anni '40 e '50, la pittura quotidiana era uno dei generi principali, i cui autori acquisirono nella storia il nome di "piccolo olandese", sia per la semplicità della trama, sia per le piccole dimensioni dei dipinti, o forse per entrambi. Le immagini dei contadini nei dipinti sono ricoperte da tratti di bonario umorismo Adriana van Ostade. Era uno scrittore democratico della vita quotidiana e un narratore divertente. Jan Steen.

Uno dei maggiori ritrattisti olandesi, fu il fondatore del ritratto realistico olandese Franz Hals. Ha creato la sua fama con i ritratti di gruppo delle corporazioni di tiro, in cui ha espresso gli ideali della giovane repubblica, i sentimenti di libertà, uguaglianza e cameratismo.

L'apice della creatività del realismo olandese è Harmen van Rijn Rembrandt, contraddistinto da straordinaria vitalità ed emotività, profonda umanità di immagini e grande ampiezza tematica. Dipinse dipinti storici, biblici, mitologici e di tutti i giorni, ritratti e paesaggi, e fu uno dei più grandi maestri dell'acquaforte e del disegno. Ma qualunque sia la tecnica con cui lavorava, al centro della sua attenzione era sempre la persona, il suo mondo interiore. Trovava spesso i suoi eroi tra i poveri olandesi. Nelle sue opere, Rembrandt unisce la forza e la penetrazione delle caratteristiche psicologiche con un'eccezionale padronanza della pittura, in cui i toni netti del chiaroscuro acquisiscono l'importanza principale.

Durante il primo terzo del XVII secolo emersero le vedute del paesaggio realistico olandese, che fiorirono a metà del secolo. Il paesaggio dei maestri olandesi non è la natura in generale, come nei dipinti dei classicisti, ma un paesaggio nazionale, specificamente olandese: mulini a vento, dune del deserto, canali su cui scivolano le barche d'estate e con i pattinatori d'inverno. Gli artisti hanno cercato di trasmettere l'atmosfera della stagione, dell'aria umida e dello spazio.

La natura morta ha avuto uno sviluppo prominente nella pittura olandese e si distingue per le sue piccole dimensioni e il suo carattere. Pietro Claës E Willem Heda molto spesso raffiguravano le cosiddette colazioni: piatti con prosciutto o torta su un tavolo servito in modo relativamente modesto. La presenza recente di una persona è palpabile nel disordine e nella naturalezza con cui sono disposte le cose che le sono appena servite. Ma questo disordine è solo apparente, poiché la composizione di ogni natura morta è attentamente studiata. In una disposizione abile, gli oggetti sono mostrati in modo tale da sentire la vita interiore delle cose; non per niente gli olandesi chiamavano la natura morta "still leven" - "vita tranquilla", e non "nature morte" - " natura morta”.

Natura morta. Peter Claes e Willem Heda

Sottigliezza e veridicità nella ricostruzione della realtà sono combinate dai maestri olandesi con un acuto senso della bellezza, rivelato in ogni suo fenomeno, anche il più appariscente e quotidiano. Questa caratteristica del genio artistico olandese si manifesta, forse più chiaramente, nella natura morta; non è un caso che questo genere fosse uno dei preferiti in Olanda.

Gli olandesi chiamavano la natura morta "stilleven", che significa "vita tranquilla", e questa parola esprime in modo incomparabilmente più accurato il significato che i pittori olandesi attribuiscono alla rappresentazione delle cose rispetto a "nature morte" - natura morta. Negli oggetti inanimati vedevano una vita speciale e nascosta associata alla vita di una persona, al suo modo di vivere, alle sue abitudini, ai suoi gusti. I pittori olandesi creavano l'impressione di un "disordine" naturale nella disposizione delle cose: mostravano una torta tagliata, un limone sbucciato con la buccia appesa a spirale, un bicchiere di vino non finito, una candela accesa, un libro aperto - sembra sempre che qualcuno abbia toccato questi oggetti, li abbia semplicemente usati, si avverte sempre la presenza invisibile di una persona.

Maestri principali Natura morta olandese della prima metà del XVII secolo furono Pieter Claes (1597/98-1661) e Willem Heda (1594-ca. 1680). Uno dei temi preferiti delle loro nature morte sono le cosiddette “colazioni”. In “Colazione con Aragosta” di V. Kheda, gli oggetti varie forme e i materiali - caffettiera, bicchiere, limone, pentola di terracotta, piatto d'argento, ecc. - vengono confrontati tra loro così da rivelare le caratteristiche e l'attrattiva di ciascuno. Utilizzando una varietà di tecniche, Heda trasmette perfettamente la materia e la specificità della sua texture; Pertanto, i riflessi della luce giocano in modo diverso sulla superficie del vetro e del metallo: sul vetro - leggero, con contorni netti, sul metallo - pallido, opaco, sul vetro dorato - brillante, luminoso. Tutti gli elementi della composizione sono uniti da luce e colore: una combinazione di colori grigio-verde.

In "Natura morta con candela" di P. Klass, non solo l'accuratezza della riproduzione delle qualità materiali degli oggetti è notevole, ma la composizione e l'illuminazione conferiscono loro una grande espressività emotiva.

Le nature morte di Klass e Kheda sono piene di un'atmosfera speciale che avvicina l'un l'altro: questa è un'atmosfera di intimità e conforto, che dà origine all'idea della vita consolidata e tranquilla di una casa borghese , dove regna la prosperità e dove in ogni cosa si avverte la cura delle mani dell'uomo e gli occhi attenti del proprietario. I pittori olandesi affermano il valore estetico delle cose e la natura morta, per così dire, glorifica indirettamente lo stile di vita con cui la loro esistenza è indissolubilmente legata. Pertanto, può essere considerato una delle incarnazioni artistiche di un tema importante dell'arte olandese: il tema della vita di un privato. Ha ricevuto la sua decisione principale nel immagine di genere.[&&] Rotenberg I.E. Arte dell'Europa occidentale XVII secolo Mosca, 1971;

Nella seconda metà del XVII secolo si verificarono dei cambiamenti nella società olandese: il desiderio di aristocrazia della borghesia aumentò. Le modeste "Colazioni" di Klas e Heda lasciano il posto a ricchi "dessert" Abraham van Beijern E Willem Kalf, che comprendeva spettacolari piatti di terracotta, vasi d'argento, calici preziosi e conchiglie in nature morte. Sta diventando sempre più difficile strutture compositive, più decorativo - vernici. Successivamente la natura morta perde la sua democrazia, intimità, spiritualità e poesia. Si trasforma in una magnifica decorazione per le case dei clienti di alto rango. Nonostante il loro carattere decorativo e la loro abile esecuzione, le ultime nature morte anticipano il declino della grande pittura realistica olandese, iniziata nel inizio XVIII secolo e causato dalla degenerazione sociale della borghesia olandese nell’ultimo terzo del XVII secolo, la diffusione di nuove tendenze artistiche associate all’attrazione della borghesia per i gusti della nobiltà francese. L’arte olandese sta perdendo i legami con la tradizione democratica, perdendo la sua base realistica, perdendo la sua identità nazionale ed entrando in un periodo di declino a lungo termine.

La natura morta ("Stilleven" - che significa "vita tranquilla" in olandese) - è un ramo unico e piuttosto popolare della pittura olandese. La pittura di natura morta olandese del XVII secolo è caratterizzata dalla ristretta specializzazione dei maestri olandesi all'interno del genere. Il tema "Fiori e frutti" di solito include una varietà di insetti. I "trofei di caccia" sono, prima di tutto, trofei di caccia: uccelli e selvaggina uccisi. "Colazioni" e "Dessert", così come immagini di pesci - vivi e addormentati, vari uccelli - sono solo alcuni dei più argomenti famosi Nature morte. Nel loro insieme, questi soggetti individuali caratterizzano il vivo interesse degli olandesi per i temi della vita quotidiana, le loro attività preferite e la passione per l’esotismo di terre lontane (le composizioni contengono conchiglie e frutti stravaganti). Spesso nelle opere con motivi di natura “viva” e “morta” è presente un sottotesto simbolico facilmente comprensibile per uno spettatore colto del XVII secolo.

Pertanto, la combinazione di singoli oggetti potrebbe servire come accenno alla fragilità dell'esistenza terrena: rose appassite, un bruciatore di incenso, una candela, un orologio; o associati ad abitudini condannate dalla moralità: schegge, pipe fumanti; o indicato storia d'amore; scrittura, strumenti musicali, braciere. Non c'è dubbio che il significato di queste composizioni sia molto più ampio del loro contenuto simbolico.

Le nature morte olandesi attraggono, prima di tutto, la loro espressività artistica, completezza e capacità di rivelare la vita spirituale del mondo oggettivo. Preferendo dipinti di grandi dimensioni con abbondanza di tutti i tipi di oggetti, i pittori olandesi si limitano a pochi oggetti di contemplazione, ricercando la massima unità compositiva e cromatica.

La natura morta è uno dei generi in cui l'olandese tratti nazionaliè apparso particolarmente chiaro. Nature morte raffiguranti utensili umili, così comuni nella pittura olandese e rarissimi in quella fiamminga, oppure nature morte con oggetti domestici delle classi agiate. Nature morte di Pieter Claes e Willem Heda, avvolte in una luce fredda e diffusa, dalla cromia quasi monocroma, o più tardi nature morte di Willem Kalf, dove, per volere dell'artista, l'illuminazione dorata fa rivivere le forme e i colori vibranti di oggetti del crepuscolo. Hanno tutti caratteristiche nazionali comuni che non permettono loro di essere mescolati con i dipinti di un'altra scuola, inclusa quella affine fiamminga. Nella natura morta olandese c'è sempre un sentimento di calma contemplazione e un amore speciale per trasmettere forme reali del mondo tangibilmente materiale.

De Heem ha ottenuto riconoscimenti in tutto il mondo per le sue magnifiche immagini di fiori e frutti. Dettagli dell'immagine fino a i più piccoli dettagli lo unì ad una brillante scelta di colori e ad un raffinato gusto compositivo. Dipinse fiori in mazzi e vasi, nei quali spesso svolazzavano farfalle e insetti, ghirlande di fiori in nicchie, finestre e immagini di Madonne in toni grigi, ghirlande di frutta, nature morte con bicchieri pieni di vino, uva e altri frutti e prodotti. Hem ha utilizzato magistralmente le possibilità del colore e ha raggiunto un alto grado di trasparenza; le sue immagini della natura inanimata sono completamente realistiche. I suoi dipinti sono presenti in quasi tutte le principali gallerie d'arte. La pittura di natura morta, che si distingueva per il suo carattere, si diffuse ampiamente nell'Olanda del XVII secolo. Gli artisti olandesi sceglievano un'ampia varietà di oggetti per le loro nature morte, sapevano disporli perfettamente e rivelavano le caratteristiche di ogni oggetto e la sua vita interiore, indissolubilmente legata alla vita umana. I pittori olandesi del XVII secolo Pieter Claes (c. 1597 - 1661) e Willem Heda (1594 - 1680/1682) dipinsero numerose versioni di "colazioni", raffiguranti prosciutti, panini rossi, torte di more, fragili bicchieri di vetro riempiti per metà di vino sul tavolo, con straordinaria abilità nel trasmettere il colore, il volume, la consistenza di ogni oggetto. Nel disordine si nota la presenza recente di una persona, la casualità della disposizione delle cose che gli sono appena servite. Ma questo disordine è solo apparente, poiché la composizione di ogni natura morta è rigorosamente pensata e trovata. Una sobria tavolozza tonale grigio-dorata, olivastra unisce gli oggetti e conferisce una sonorità speciale a quei colori puri che enfatizzano la freschezza di un limone appena tagliato o la morbida seta di un nastro blu. Col tempo, le “colazioni” dei maestri della natura morta, i pittori Claes e Heda, lasciano il posto ai “dessert” degli artisti olandesi Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). Le nature morte di Beyeren sono rigorose nella composizione, emotivamente ricche e colorate. Nel corso della sua vita, Willem Kalf dipinse in modo libero e democratico “cucine” - pentole, verdure e nature morte aristocratiche nella selezione di squisiti oggetti preziosi, pieni nobiltà riservata, come vasi d'argento, tazze, conchiglie sature della combustione interna dei colori. IN ulteriori sviluppi la natura morta segue lo stesso percorso di tutta l'arte olandese, perdendo la sua democrazia, la sua spiritualità e poesia, il suo fascino. La natura morta si trasforma in decorazione per la casa di clienti di alto rango. Nonostante tutta la loro decoratività e abile esecuzione, le ultime nature morte anticipano il declino della pittura olandese. La degenerazione sociale e la nota aristocratizzazione della borghesia olandese nell'ultimo terzo del XVII secolo danno origine a una tendenza alla convergenza con le visioni estetiche della nobiltà francese e portano all'idealizzazione immagini artistiche, la loro macinazione. L’arte sta perdendo i legami con la tradizione democratica, perdendo le sue basi realistiche ed entrando in un periodo di declino a lungo termine. Gravemente esaurita dalle guerre con l'Inghilterra, l'Olanda sta perdendo la sua posizione di grande potenza commerciale e di importante centro artistico.

Willem Heda (1594 ca. - 1682 ca.) fu uno dei primi maestri della pittura di natura morta olandese del XVII secolo, il cui lavoro fu molto apprezzato dai suoi contemporanei. Particolarmente popolare in Olanda era questo tipo di dipinto chiamato “colazione”. Sono stati creati per soddisfare tutti i gusti: dai ricchi ai più modesti. Il dipinto “Colazione con granchio” si distingue per le sue grandi dimensioni, insolite per una natura morta olandese (Appendice I). Lo schema cromatico generale dell'opera è freddo, grigio-argento con alcune macchie rosate e marroni. Kheda ha raffigurato in modo squisito una tavola apparecchiata su cui gli elementi che compongono la colazione sono disposti in un disordine attentamente studiato. Sul piatto c'è un granchio, raffigurato con tutte le sue peculiarità, accanto ad esso c'è un limone ingiallito, la cui buccia tagliata con grazia, arricciandosi, pende. A destra ci sono le olive verdi e un delizioso panino dalla crosta dorata. I vasi in vetro e metallo aggiungono solidità alla natura morta, il loro colore quasi si fonde con la tavolozza generale.

Giovanni Calvino Giovanni Calvino(1509-1564) - riformatore della chiesa e fondatore di uno dei movimenti del protestantesimo. La base della chiesa calvinista sono le cosiddette congregazioni: comunità autonome governate da un pastore, un diacono e anziani scelti tra i laici. Il calvinismo era molto popolare nei Paesi Bassi nel XVI secolo. insegnava che le cose di tutti i giorni hanno significati nascosti e che dietro ogni immagine dovrebbe esserci una lezione morale. Gli oggetti raffigurati nelle nature morte hanno molteplici significati: erano dotati di connotazioni edificanti, religiose o di altro tipo. Ad esempio, le ostriche erano considerate un simbolo erotico, e questo era ovvio ai contemporanei: le ostriche presumibilmente stimolavano la potenza sessuale e Venere, la dea dell'amore, nacque da una conchiglia. Da un lato le ostriche alludevano alle tentazioni mondane, dall'altro il guscio aperto significava un'anima pronta a lasciare il corpo, cioè prometteva la salvezza. Regole severe Naturalmente, non c'era modo di leggere una natura morta e lo spettatore ha indovinato sulla tela esattamente quei simboli che voleva vedere. Inoltre, non dobbiamo dimenticare che ogni oggetto faceva parte della composizione e poteva essere letto in modi diversi, a seconda del contesto e del messaggio complessivo della natura morta.

Natura morta di fiori

Fino al XVIII secolo, un mazzo di fiori, di regola, simboleggiava la fragilità, perché le gioie terrene sono transitorie come la bellezza di un fiore. Il simbolismo delle piante è particolarmente complesso e ambiguo e la letteratura popolare ha aiutato a coglierne il significato. Europa XVI-XVII libri di stemmi secolari, dove illustrazioni allegoriche e motti erano accompagnati da testi esplicativi. Composizioni floreali non era facile da interpretare: lo stesso fiore aveva tanti significati, a volte direttamente opposti. Ad esempio, il narciso indicava l'amor proprio e allo stesso tempo era considerato un simbolo della Madre di Dio. Nelle nature morte, di regola, entrambi i significati dell'immagine venivano preservati e lo spettatore era libero di scegliere uno dei due significati o di combinarli.

Le composizioni floreali erano spesso integrate con frutta, piccoli oggetti e immagini di animali. Queste immagini esprimevano l'idea principale dell'opera, sottolineando il motivo della caducità, del decadimento, della peccaminosità di tutto ciò che è terreno e dell'incorruttibilità della virtù.

Jan Davids de Heem. Fiori in un vaso. Tra il 1606 e il 1684 Museo statale dell'Ermitage

Nel dipinto di Jan Davids de Heem Jan Davids de Heem(1606-1684) è stato un artista olandese noto per le sue nature morte floreali. Alla base del vaso, l'artista ha raffigurato simboli di mortalità: fiori appassiti e spezzati, petali sgretolati e baccelli di piselli secchi. Ecco una lumaca: è associata all'anima di un peccatore Altre immagini negative includono rettili e anfibi (lucertole, rane), nonché bruchi, topi, mosche e altri esseri viventi che strisciano sul terreno o vivono nel fango.. Al centro del bouquet vediamo simboli di modestia e purezza: fiori di campo, viole e nontiscordardimé. Sono circondati da tulipani, che simboleggiano la bellezza sbiadita e lo spreco insensato (coltivare i tulipani in Olanda era considerata una delle attività più vane e, per di più, costosa); rose e papaveri rigogliosi, che ricordano la fragilità della vita. La composizione è coronata da due grandi fiori che hanno un significato positivo. L'iride blu rappresenta la remissione dei peccati e indica la possibilità di salvezza attraverso la virtù. Il papavero rosso, tradizionalmente associato al sonno e alla morte, ha cambiato interpretazione a causa della sua posizione nel bouquet: qui denota il sacrificio espiatorio di Cristo Anche nel Medioevo si credeva che i fiori di papavero crescessero sulla terra irrigata dal sangue di Cristo.. Altri simboli di salvezza sono le spighe di pane e una farfalla seduta su uno stelo rappresenta l'anima immortale.

Jan Baumann. Fiori, frutti e una scimmia. Prima metà del XVII secolo Museo storico e artistico Serpukhov

Dipinto di Jan Bauman Jan (Jean-Jacques) Bauman(1601-1653) - pittore, maestro della natura morta. Ha vissuto e lavorato in Germania e nei Paesi Bassi."Fiori, frutti e una scimmia" - buon esempio multistrato semantico e ambiguità della natura morta e degli oggetti su di essa. A prima vista, la combinazione di piante e animali sembra casuale. In effetti, questa natura morta ci ricorda anche la caducità della vita e la peccaminosità dell'esistenza terrena. Ogni oggetto raffigurato trasmette una certa idea: una lumaca e una lucertola in questo caso indicare la mortalità di tutto ciò che è terreno; un tulipano adagiato vicino a una ciotola di frutta simboleggia il rapido appassimento; le conchiglie sparse sul tavolo suggeriscono un imprudente spreco di denaro Nell’Olanda del XVII secolo, collezionare vari tipi di “curiosità”, comprese le conchiglie, era molto popolare.; e la scimmia con la pesca indica il peccato originale e la depravazione. D'altra parte, una farfalla svolazzante e frutti: grappoli d'uva, mele, pesche e pere parlano dell'immortalità dell'anima e del sacrificio espiatorio di Cristo. Su un altro livello allegorico, i frutti, i frutti, i fiori e gli animali presentati nell'immagine rappresentano quattro elementi: conchiglie e lumache - acqua; farfalla: aria; frutti e fiori - terra; scimmia - fuoco.

Natura morta in una macelleria

Pietro Aartsen. La macelleria o la cucina con la scena della fuga in Egitto. 1551 Museo d'arte della Carolina del Nord

L'immagine della macelleria è stata tradizionalmente associata all'idea della vita fisica, alla personificazione dell'elemento terra, nonché alla golosità. Dipinto da Peter Aertsen Peter Aartsen ( 1508-1575) - Artista olandese, noto anche come Pieter il Lungo. Tra le sue opere ci sono scene di genere basate su storie gospel, nonché immagini di mercati e negozi. Quasi tutto lo spazio è occupato da una tavola imbandita di cibo. Vediamo molti tipi di carne: pollame ucciso e carcasse preparate, fegato e prosciutto, prosciutti e salsicce. Queste immagini simboleggiano l'eccesso, la gola e l'attaccamento ai piaceri carnali. Ora rivolgiamo la nostra attenzione allo sfondo. Sul lato sinistro dell'immagine, nell'apertura della finestra, si trova una scena evangelica della fuga in Egitto, che contrasta nettamente con la natura morta in primo piano. La Vergine Maria porge l'ultimo pane a una mendicante. Si noti che la finestra si trova sopra il piatto, dove due pesci giacciono trasversalmente (simbolo della crocifissione) - un simbolo del cristianesimo e di Cristo. A destra sullo sfondo c'è una taverna. Un gruppo allegro si siede a un tavolo accanto al fuoco, beve e mangia ostriche, che, come ricordiamo, sono associate alla lussuria. Accanto al tavolo è appesa una carcassa macellata, a indicare l'inevitabilità della morte e la natura fugace delle gioie terrene. Un macellaio in camicia rossa diluisce il vino con l'acqua. Questa scena riecheggia l'idea principale della natura morta e si riferisce alla parabola del figliol prodigo Ricordiamo che nella parabola del figliol prodigo ci sono diverse trame. Uno di loro racconta del figlio più giovane che, avendo ricevuto una proprietà da suo padre, vendette tutto e spese i soldi in una vita dissoluta.. La scena nell'osteria, così come la macelleria piena di piatti, parla di una vita oziosa, dissoluta, di attaccamento ai piaceri terreni, piacevoli per il corpo, ma distruttivi per l'anima. Nella scena della fuga in Egitto, i personaggi praticamente voltano le spalle allo spettatore: si addentrano nell'immagine, lontano dalla macelleria. Questa è una metafora per la fuga da una vita dissoluta piena di gioie sensuali. Rinunciarvi è uno dei modi per salvare l'anima.

Natura morta in una pescheria

La natura morta del pesce è un'allegoria dell'elemento acqua. Questo tipo di lavori, come le macellerie, spesso facevano parte del cosiddetto ciclo degli elementi primordiali IN Europa occidentale Erano comuni cicli pittorici di grandi dimensioni, costituiti da più dipinti e, di regola, appesi in una stanza. Ad esempio, il ciclo delle stagioni (dove l'estate, l'autunno, l'inverno e la primavera venivano rappresentati con l'ausilio di allegorie) o il ciclo degli elementi primari (fuoco, acqua, terra e aria). e, di regola, venivano creati per decorare le sale da pranzo del palazzo. In primo piano ci sono dipinti di Frans Snyders Frans Snyders(1579-1657) - Pittore fiammingo, autore di nature morte e composizioni animali barocche."Fish Shop" raffigura molti pesci. Qui si trovano posatoi e storioni, carassi, pesci gatto, salmoni e altri frutti di mare. Alcuni sono già stati fatti a pezzi, altri aspettano il loro turno. Queste immagini di pesci non portano alcun sottotesto: glorificano la ricchezza delle Fiandre.

Frans Snyders. Pescheria. 1616

Accanto al ragazzo vediamo un cesto con i doni che ha ricevuto per il giorno di San Nicola Nel cattolicesimo, il giorno di San Nicola viene tradizionalmente celebrato il 6 dicembre. In questa festa, come a Natale, ai bambini vengono offerti regali.. Ciò è indicato da scarpe rosse di legno legate al cestino. Oltre a dolci, frutta e noci, il cestino contiene anche delle bacchette - come accenno all'educazione con "bastone e carota". Il contenuto del cestino parla delle gioie e dei dolori della vita umana, che si sostituiscono costantemente. La donna spiega al bambino che i bambini obbedienti ricevono doni e i bambini cattivi ricevono punizioni. Il ragazzo si ritrasse inorridito: pensava che invece dei dolci avrebbe ricevuto colpi con le verghe. Sulla destra vediamo un'apertura finestra attraverso la quale possiamo vedere la piazza della città. Un gruppo di bambini sta sotto le finestre e saluta con gioia il burattinaio giullare sul balcone. Il giullare è un attributo integrale delle feste popolari.

Natura morta con tavola apparecchiata

In numerose varianti di tavola sulle tele dei maestri olandesi vediamo pane e torte, noci e limoni, salsicce e prosciutti, aragoste e gamberi, piatti con ostriche, pesce o conchiglie vuote. Queste nature morte possono essere comprese a seconda dell'insieme degli oggetti.

Gerrit Willems Heda. Prosciutto e argenteria. 1649 Museo statale Belle Arti dal nome. A. S. Pushkina

In un dipinto di Gerrit Willems Heda Gerrit Willems Heda(1620-1702) - autore di nature morte e figlio dell'artista Willem Claes Heda. vediamo un piatto, una brocca, un calice di vetro alto e un vaso rovesciato, un vasetto di senape, un prosciutto, un tovagliolo spiegazzato e un limone. Questo è il set tradizionale e preferito di Heda. La disposizione degli oggetti e la loro scelta non sono casuali. L'argenteria simboleggia le ricchezze terrene e la loro futilità, il prosciutto simboleggia i piaceri carnali e un limone dall'aspetto attraente, acido all'interno, rappresenta il tradimento. Una candela spenta indica fragilità e fugacità. esistenza umana, un pasticcio sul tavolo è per la distruzione. Un bicchiere "flute" di vetro alto (nel XVII secolo tali bicchieri venivano usati come contenitori di misurazione con segni) è fragile come la vita umana e allo stesso tempo simboleggia la moderazione e la capacità di una persona di controllare i propri impulsi. In generale, in questa natura morta, come in molte altre “colazioni”, il tema della vanità e dell'insensatezza dei piaceri terreni viene interpretato con l'aiuto degli oggetti.

Pietro Claës. Natura morta con braciere, aringhe, ostriche e pipa fumante. 1624 Sotheby's/Collezione privata

La maggior parte degli oggetti raffigurati nella natura morta di Pieter Claes Pietro Claës(1596-1661) - Artista olandese, autore di numerose nature morte. Insieme a Heda, è considerato il fondatore della scuola di natura morta di Harlem con i suoi dipinti monocromi geometrici. sono simboli erotici. Le ostriche, la pipa, il vino rimandano a brevi e dubbi piaceri carnali. Ma questa è solo un'opzione per leggere una natura morta. Guardiamo queste immagini da una prospettiva diversa. Quindi le conchiglie sono simboli della fragilità della carne; una pipa, con la quale non solo fumavano, ma facevano anche bolle di sapone, è un simbolo dell'improvvisa morte. Un contemporaneo di Claes, il poeta olandese Willem Godschalk van Fokkenborch, scrisse nella sua poesia “La mia speranza è fumo”:

Come puoi vedere, essere è come fumare la pipa,
E davvero non so quale sia la differenza:
Uno è solo un gioco da ragazzi, l'altro è solo un fumo. Per. Evgenij Vitkovskij

Il tema della caducità dell'esistenza umana si contrappone all'immortalità dell'anima, e i segni di fragilità si rivelano improvvisamente simboli di salvezza. Il pane e il bicchiere di vino sullo sfondo sono associati al corpo e al sangue di Gesù e indicano il sacramento del sacramento. L'aringa, un altro simbolo di Cristo, ci ricorda il digiuno e il cibo quaresimale. E i gusci aperti con le ostriche possono cambiare il loro significato negativo nell'esatto opposto, denotando l'anima umana, separata dal corpo e pronta per entrare nella vita eterna.

Diversi livelli di interpretazione degli oggetti dicono in modo discreto allo spettatore che una persona è sempre libera di scegliere tra lo spirituale e l'eterno e il transitorio terreno.

Vanitas, o natura morta dello "Scienziato".

Il genere della cosiddetta natura morta “scientifica” era chiamato vanitas - tradotto dal latino significa "vanità delle vanità", in altre parole - "memento mori" ("ricorda la morte"). Questo è il tipo più intellettuale di natura morta, un'allegoria dell'eternità dell'arte, della fragilità della gloria terrena e della vita umana.

Jurian van Streck. Vanità. 1670 Museo statale di belle arti dal nome. A. S. Pushkina

Spada ed elmo con lussuose piume in un dipinto di Jurian van Streck Jurian van Streck(1632-1687) - Artista di Amsterdam, famoso per le sue nature morte e ritratti. indicano la natura fugace della gloria terrena. Il corno da caccia simboleggia la ricchezza che non può essere portata con te in un'altra vita. Nelle nature morte “scientifiche” ci sono spesso immagini di libri aperti o di carte con iscrizioni disposte con noncuranza. Non solo ti invitano a pensare agli oggetti raffigurati, ma ti permettono anche di usarli per lo scopo previsto: leggere pagine aperte o riprodurre musica scritta su un taccuino. Van Streck ha disegnato uno schizzo della testa di un ragazzo e un libro aperto: questa è la tragedia di Sofocle "Elettra", tradotta in olandese. Queste immagini indicano che l'arte è eterna. Ma le pagine del libro sono arricciate e il disegno è spiegazzato. Questi sono segni dell'inizio della corruzione, suggerendo che dopo la morte anche l'arte non sarà più utile. Il teschio parla anche dell'inevitabilità della morte, ma la spiga di grano intrecciata attorno ad esso simboleggia la speranza della risurrezione e della vita eterna. Entro la metà del XVII secolo, un teschio intrecciato con una spiga di grano o un'edera sempreverde sarebbe diventato un soggetto obbligatorio per la rappresentazione nelle nature morte in stile vanitas.

Fonti

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Zvezdina Yu.N. Emblematici nel mondo della natura morta antica. Sul problema della lettura di un simbolo.
Tarasov Yu.A. Olandese natura morta XVII secolo.
Shcherbacheva M. I. La natura morta nella pittura olandese.
Immagine visibile e significato nascosto. Allegorie ed emblemi nella pittura delle Fiandre e dell'Olanda della seconda metà del XVI-XVII secolo. Catalogo della mostra. Museo Pushkin im. A. S. Pushkin.

Willem Claes Hedda. Natura morta con torta, 1627

L’età “d’oro” della natura morta fu il XVII secolo, quando finalmente prese forma come genere pittorico autonomo, soprattutto nelle opere degli olandesi e Artisti fiamminghi. Allo stesso tempo, il termine “vita tranquilla e congelata” (olandese stilleven, tedesco Stilleben, inglese still-life) sembrava denotare le nature morte. I primi "stilleven" avevano una trama semplice, ma anche allora gli oggetti raffigurati su di essi portavano e carico semantico: pane, un bicchiere di vino, pesce - simboli di Cristo, un coltello - un simbolo di sacrificio, limone - un simbolo di sete inestinguibile; noci nel guscio: un'anima incatenata dal peccato; la mela ricorda l'autunno.

A poco a poco, il linguaggio simbolico del dipinto si è arricchito.

Franciscus Geysbrechts, XVII secolo.

I simboli presenti sulle tele avevano lo scopo di ricordarci la fragilità della vita umana e la caducità dei piaceri e delle conquiste:

Il teschio ricorda l'inevitabilità della morte.

I frutti marci sono un simbolo di invecchiamento.

I frutti maturi simboleggiano la fertilità, l'abbondanza, in senso figurato ricchezza e prosperità.

Molti frutti hanno un proprio significato: l'Autunno è rappresentato dalle pere, dai pomodori, dagli agrumi, dall'uva, dalle pesche e dalle ciliegie e, ovviamente, dalla mela. Fichi, prugne, ciliegie, mele o pesche hanno connotazioni erotiche.

Germogli di grano, rami di edera o di alloro (raramente) sono simbolo di rinascita e del ciclo della vita.

Conchiglie marine, a volte lumache vive: la conchiglia di un mollusco è i resti di un animale un tempo vivente; significa morte e mortalità.

La lumaca strisciante è la personificazione del peccato mortale della pigrizia.

Le grandi vongole denotano la dualità della natura, simbolo della lussuria, un altro dei peccati capitali.

Bolle di sapone: la brevità della vita e l'improvvisa morte; un riferimento all'espressione homo bulla - "una persona è una bolla di sapone".

Una candela morente e fumante (cenere) o una lampada a olio; cappuccio per spegnere le candele: una candela accesa è un simbolo dell'anima umana, il suo spegnimento simboleggia la partenza.

Tazze, giocando a carte o dadi, scacchi (raramente) - un segno di errore obiettivo nella vita, la ricerca del piacere e una vita peccaminosa. Le pari opportunità nel gioco d’azzardo significavano anche un riprovevole anonimato.

Una pipa da fumo è un simbolo di piaceri terreni fugaci e sfuggenti.

Una maschera di carnevale è segno dell'assenza di una persona al suo interno. Destinato anche alla mascherata festosa, al piacere irresponsabile.

Specchi, sfere di vetro (specchio): uno specchio è un simbolo di vanità, inoltre è anche un segno di riflessione, ombra e non un fenomeno reale.

Beyeren. Natura morta con aragosta, 1667

Piatti rotti, solitamente bicchieri di vetro. Un bicchiere vuoto opposto a uno pieno simboleggia la morte.

Il vetro simboleggia la fragilità, la porcellana bianca come la neve simboleggia la purezza.

Il mortaio e il pestello sono simboli della sessualità maschile e femminile.

La bottiglia è un simbolo del peccato dell'ubriachezza.

Un coltello ci ricorda la vulnerabilità e la mortalità umana.

Clessidra e orologi meccanici: la transitorietà del tempo.

Strumenti musicali, note: la brevità e la natura effimera della vita, simbolo delle arti.

Libri e Mappe geografiche(mappa mundi), la penna è un simbolo della scienza.Il globo, sia la terra che il cielo stellato.

Tavolozza con pennelli, Corona di alloro(di solito sulla testa del cranio) - simboli della pittura e della poesia.

Le lettere simboleggiano le relazioni umane.

Gli strumenti medici ricordano le malattie e la fragilità del corpo umano.

Portafogli con monete, scatole con gioielli: gioielli e cosmetici hanno lo scopo di creare bellezza, attrattiva femminile, allo stesso tempo sono associati alla vanità, al narcisismo e al peccato mortale dell'arroganza. Segnalano anche l'assenza dei loro proprietari sulla tela.

Armi e armature sono un simbolo di potere e potenza, una designazione di ciò che non può essere portato con sé nella tomba.

Corone e tiare papali, scettri e sfere, ghirlande di foglie sono segni di dominio terreno transitorio, che si oppone all'ordine mondiale celeste. Come le maschere, simboleggiano l'assenza di chi le indossava.

Chiavi: simboleggiano il potere della casalinga nella gestione delle forniture.

Le rovine simboleggiano la vita transitoria di coloro che un tempo le abitavano.

Le nature morte spesso raffiguravano insetti, uccelli e animali. Mosche e ragni, ad esempio, erano considerati simboli di avarizia e malvagità, mentre lucertole e serpenti erano simboli di inganno. Gamberi o aragoste rappresentavano avversità o saggezza.

Jacques André Joseph Aved. Intorno al 1670.

Il libro è la tragedia “Elettra” di Sofocle: in questo caso il simbolo ha più valori. Inserendolo nella composizione, l'artista ricorda l'inevitabilità della punizione per ogni crimine, non sulla terra, ma in cielo, poiché è proprio questo pensiero che permea la tragedia. Il motivo antico in tali nature morte spesso simboleggiava la continuità dell'arte. Sul frontespizio c'è il nome del traduttore, il famoso poeta olandese Joost van den Vondel, le cui opere su argomenti antichi e biblici erano così attuali da essere addirittura perseguitato. È improbabile che l'artista abbia collocato Vondel per caso: è possibile che, parlando della vanità del mondo, abbia deciso di menzionare la vanità del potere.

La spada e l'elmo sono l'emblema della gloria militare transitoria.

Pennacchio bianco e rosso - centro compositivo dipinti. Le piume significano sempre vanità e vanità. Il dipinto è datato in base all'elmo piumato. Lodewijk van der Helst lo raffigurò con un simile elmo nel suo ritratto postumo dell'ammiraglio Stirlingwerf nel 1670. L'elmo dell'ammiraglio è presente in molte altre nature morte di van Streck.

Ritratto di un sanguigno. A differenza dell'olio, la sanguigna è molto mal conservata, così come la carta a differenza della tela. Questo foglio parla dell’inutilità degli sforzi dell’artista; i bordi sfilacciati e strappati hanno lo scopo di rafforzare questa idea.

La frangia dorata è la vanità del lusso.

Il teschio è un attributo di Kronos (Saturno) nella cultura antica, cioè un simbolo del tempo. Anche la Ruota della Fortuna era raffigurata con un teschio. Per i cristiani è segno di vanità mondana, contemplazione mentale della morte, attributo della vita eremitica. Con lui furono raffigurati San Francesco d'Assisi, San Girolamo, Maria Maddalena e l'apostolo Paolo. Il teschio è anche simbolo della vita eterna di Cristo, crocifisso sul Golgota, dove, secondo la leggenda, fu sepolto il teschio di Adamo. L'orecchio avvolto attorno al teschio è un simbolo dell'immortalità dell'anima (“Io sono il pane della vita” - Giovanni 6:48), speranza per la vita eterna.

Una pila di vecchie carte è la vanità della conoscenza.

Un corno da polvere appeso a una catena è un soggetto molto caratteristico della natura morta olandese. Qui, a quanto pare, dovrebbe essere interpretato come qualcosa che porta la morte, in contrasto con la cornucopia

Adrian van Utrecht."Vanitas". 1642.

mughetti, viole, nontiscordardime circondati da rose, garofani, anemoni - simboli di modestia e purezza;

un grande fiore al centro della composizione è la “corona della virtù”;

i petali sbriciolati vicino al vaso sono segni di fragilità;

un fiore appassito è un accenno alla scomparsa dei sentimenti;

gli iris sono un segno della Vergine Maria;

le rose bianche sono amore platonico e simbolo di purezza;

le rose rosse sono simbolo dell'amore appassionato e simbolo della Vergine Maria;

i fiori rossi sono un simbolo del sacrificio espiatorio di Cristo;

Il giglio bianco non è solo un bel fiore, ma anche un simbolo della purezza della Vergine Maria;

i fiori blu e blu scuro ricordano il cielo azzurro;

il cardo è un simbolo del male;

garofano: un simbolo del sangue versato di Cristo;

papavero - un'allegoria del sonno, dell'oblio, un simbolo di uno dei peccati capitali: la pigrizia;

anemone: aiuto nella malattia;

tulipani - un simbolo di bellezza che sta rapidamente scomparendo; coltivare questi fiori era considerata una delle attività più vane e futili; il tulipano simboleggiava anche l'amore, la simpatia, la comprensione reciproca; un tulipano bianco - falso amore, un tulipano rosso - amore appassionato (in Europa e America il tulipano è associato alla primavera, alla luce, alla vita, ai colori ed è considerato un fiore accogliente e accogliente ; in Iran, Turchia e altri paesi dell'Oriente, il tulipano era associato a sentimenti di amore e di erotismo).

Natura morta olandese dei secoli XVI-XVII: un pezzo unico gioco intellettuale, in cui allo spettatore veniva chiesto di svelare alcuni segni. Ciò che era facilmente comprensibile dai contemporanei non è chiaro a tutti oggi e non sempre.

Cosa significano gli oggetti raffigurati dagli artisti?

Giovanni Calvino (1509-1564, teologo francese, riformatore della chiesa, fondatore del calvinismo) insegnò che le cose quotidiane hanno significati nascosti e che dietro ogni immagine dovrebbe esserci una lezione morale. Gli oggetti raffigurati nelle nature morte hanno molteplici significati: erano dotati di connotazioni edificanti, religiose o di altro tipo. Ad esempio, le ostriche erano considerate un simbolo erotico, e questo era ovvio ai contemporanei: le ostriche presumibilmente stimolavano la potenza sessuale e Venere, la dea dell'amore, nacque da una conchiglia. Da un lato le ostriche alludevano alle tentazioni mondane, dall'altro il guscio aperto significava un'anima pronta a lasciare il corpo, cioè prometteva la salvezza. Naturalmente, non c'erano regole rigide su come leggere una natura morta e lo spettatore indovinava esattamente i simboli sulla tela che voleva vedere. Inoltre, non dobbiamo dimenticare che ogni oggetto faceva parte della composizione e poteva essere letto in modi diversi, a seconda del contesto e del messaggio complessivo della natura morta. Natura morta floreale

Fino al XVIII secolo, un mazzo di fiori, di regola, simboleggiava la fragilità, perché le gioie terrene sono transitorie come la bellezza di un fiore. Il simbolismo delle piante è particolarmente complesso e ambiguo, e a coglierne il significato aiutavano i libri di emblemi, diffusi in Europa nei secoli XVI e XVII, dove illustrazioni allegoriche e motti erano accompagnati da testi esplicativi. Le composizioni floreali non erano facili da interpretare: lo stesso fiore aveva molti significati, a volte direttamente opposti. Ad esempio, il narciso indicava il narcisismo ed era allo stesso tempo considerato un simbolo della Madre di Dio. Nelle nature morte, di regola, entrambi i significati dell'immagine venivano preservati e lo spettatore era libero di scegliere uno dei due significati o di combinarli.

Jan Davids de Heem.
Fiori in un vaso.

Nel dipinto di Jan Davids de Heem, alla base del vaso, l'artista ha raffigurato simboli di mortalità: fiori appassiti e spezzati, petali sgretolati e baccelli di piselli secchi. Ecco una lumaca: è associata all'anima di un peccatore. Al centro del bouquet vediamo simboli di modestia e purezza: fiori di campo, viole e nontiscordardimé. Sono circondati da tulipani, che simboleggiano la bellezza sbiadita e lo spreco insensato (coltivare i tulipani in Olanda era considerata una delle attività più vane e, per di più, costosa); rose e papaveri rigogliosi, che ricordano la fragilità della vita. La composizione è coronata da due grandi fiori che hanno un significato positivo. L'iride blu rappresenta la remissione dei peccati e indica la possibilità di salvezza attraverso la virtù. Il papavero rosso, tradizionalmente associato al sonno e alla morte, ha cambiato interpretazione a causa della sua posizione nel bouquet: qui significa il sacrificio espiatorio di Cristo.

Altri simboli di salvezza sono le spighe di pane e una farfalla seduta su uno stelo rappresenta l'anima immortale.

Jan Baumann.
Fiori, frutti e una scimmia. Prima metà del XVII secolo.

Il dipinto di Jan Bauman “Fiori, frutti e una scimmia” è un buon esempio del significato multistrato e dell'ambiguità di una natura morta e degli oggetti su di essa. A prima vista, la combinazione di piante e animali sembra casuale. In effetti, questa natura morta ci ricorda anche la caducità della vita e la peccaminosità dell'esistenza terrena. Ogni oggetto raffigurato trasmette una certa idea: la lumaca e la lucertola in questo caso indicano la mortalità di tutte le cose terrene; un tulipano adagiato vicino a una ciotola di frutta simboleggia il rapido appassimento; le conchiglie sparse sul tavolo suggeriscono un imprudente spreco di denaro; e la scimmia con la pesca indica il peccato originale e la depravazione. D'altra parte, una farfalla svolazzante e frutti: grappoli d'uva, mele, pesche e pere parlano dell'immortalità dell'anima e del sacrificio espiatorio di Cristo. Su un altro livello allegorico, i frutti, i frutti, i fiori e gli animali presentati nell'immagine rappresentano quattro elementi: conchiglie e lumache - acqua; farfalla: aria; frutti e fiori - terra; scimmia - fuoco.

Natura morta in una macelleria

Pietro Aartsen.
La macelleria o la cucina con la scena della fuga in Egitto. 1551

L'immagine della macelleria è stata tradizionalmente associata all'idea della vita fisica, alla personificazione dell'elemento terra, nonché alla golosità. Dipinto da Peter Aertsen

Quasi tutto lo spazio è occupato da una tavola imbandita di cibo. Vediamo molti tipi di carne: pollame ucciso e carcasse preparate, fegato e prosciutto, prosciutti e salsicce. Queste immagini simboleggiano l'eccesso, la golosità e l'attaccamento ai piaceri carnali. Ora rivolgiamo la nostra attenzione allo sfondo. Sul lato sinistro dell'immagine, nell'apertura della finestra, c'è una scena evangelica della fuga in Egitto, che contrasta nettamente con la natura morta in primo piano. La Vergine Maria porge l'ultimo pane a una mendicante. Si noti che la finestra si trova sopra il piatto, dove due pesci giacciono trasversalmente (simbolo della crocifissione) - un simbolo del cristianesimo e di Cristo. A destra sullo sfondo c'è una taverna. Un gruppo allegro si siede a un tavolo accanto al fuoco, beve e mangia ostriche, che, come ricordiamo, sono associate alla lussuria. Accanto al tavolo è appesa una carcassa macellata, a indicare l'inevitabilità della morte e la natura fugace delle gioie terrene. Un macellaio in camicia rossa diluisce il vino con l'acqua. Questa scena riecheggia l'idea principale della natura morta e si riferisce alla parabola del figliol prodigo. La scena nell'osteria, così come la macelleria piena di piatti, parla di una vita oziosa, dissoluta, di attaccamento ai piaceri terreni, piacevoli per il corpo, ma distruttivi per l'anima. Nella scena della fuga in Egitto, i personaggi praticamente voltano le spalle allo spettatore: si addentrano nell'immagine, lontano dalla macelleria. Questa è una metafora per la fuga da una vita dissoluta piena di piaceri sensuali. Rinunciarvi è uno dei modi per salvare l'anima.

Natura morta in una pescheria

La natura morta del pesce è un'allegoria dell'elemento acqua. Opere di questo genere, come le macellerie, facevano spesso parte del cosiddetto ciclo elementare e, di norma, venivano realizzate per decorare le sale da pranzo dei palazzi. In primo piano nel dipinto "The Fish Shop" di Frans Snyders sono raffigurati molti pesci. Qui si trovano posatoi e storioni, carassi, pesci gatto, salmoni e altri frutti di mare. Alcuni sono già stati fatti a pezzi, altri aspettano il loro turno. Queste immagini di pesci non portano alcun sottotesto: glorificano la ricchezza delle Fiandre.

Frans Snyders.
Pescheria. 1616

Accanto al ragazzo vediamo un cesto con i doni che ha ricevuto per il giorno di San Nicola. Ciò è indicato dalle scarpe rosse di legno legate al cestino. Il cestino contiene, oltre a dolci, frutta e noci, anche dei bastoncini, come suggerimento educativo con "bastone e carota". Il contenuto del cestino parla delle gioie e dei dolori della vita umana, che si sostituiscono costantemente. La donna spiega al bambino che i bambini obbedienti ricevono doni e i bambini cattivi ricevono punizioni. Il ragazzo si ritrasse inorridito: pensava che invece dei dolci avrebbe ricevuto colpi con le verghe. Sulla destra vediamo un'apertura finestra attraverso la quale possiamo vedere la piazza della città. Un gruppo di bambini sta sotto le finestre e saluta con gioia il burattinaio giullare sul balcone. Il giullare è un attributo integrale delle feste popolari.

Natura morta con tavola apparecchiata

Gerrit Willems Heda.
Prosciutto e argenteria. 1649

Nel dipinto di Gerrit Willems Heda vediamo un piatto, una brocca, un alto calice di vetro e un vaso rovesciato, un vasetto di senape, un prosciutto, un tovagliolo spiegazzato e un limone. Questo è il set tradizionale e preferito di Heda. La disposizione degli oggetti e la loro scelta non sono casuali. L'argenteria simboleggia le ricchezze terrene e la loro futilità, il prosciutto simboleggia i piaceri carnali e un limone dall'aspetto attraente ma acido all'interno rappresenta il tradimento. Una candela spenta indica la fragilità e la fugacità dell'esistenza umana, un disordine sul tavolo indica la distruzione. Un bicchiere "flute" di vetro alto (nel XVII secolo tali bicchieri venivano usati come contenitori di misurazione con segni) è fragile come la vita umana e allo stesso tempo simboleggia la moderazione e la capacità di una persona di controllare i propri impulsi. In generale, in questa natura morta, come in molte altre “colazioni”, il tema della vanità e dell'insensatezza dei piaceri terreni viene interpretato con l'aiuto degli oggetti.

Pietro Claës.
Natura morta con braciere, aringhe, ostriche e pipa fumante. 1624

La maggior parte degli oggetti raffigurati nella natura morta di Peter Claes sono simboli erotici. Le ostriche, la pipa, il vino rimandano a brevi e dubbi piaceri carnali. Ma questa è solo un'opzione per leggere una natura morta. Guardiamo queste immagini da una prospettiva diversa. Quindi le conchiglie sono simboli della fragilità della carne; una pipa, con la quale non solo fumavano, ma facevano anche bolle di sapone, è un simbolo dell'improvvisa morte. Un contemporaneo di Claes, il poeta olandese Willem Godschalk van Fockenborch, scrisse nella sua poesia “La mia speranza è fumo”:

Come puoi vedere, essere è come fumare la pipa,
E davvero non so quale sia la differenza:
Uno è solo un gioco da ragazzi, l'altro è solo un fumo.

Il tema della caducità dell'esistenza umana si contrappone all'immortalità dell'anima, e i segni di fragilità si rivelano improvvisamente simboli di salvezza. Il pane e il bicchiere di vino sullo sfondo sono associati al corpo e al sangue di Gesù e indicano il sacramento del sacramento. L'aringa - un altro simbolo di Cristo - ci ricorda il digiuno e il cibo quaresimale. E i gusci aperti con le ostriche possono cambiare il loro significato negativo nell'esatto opposto, denotando l'anima umana, separata dal corpo e pronta per entrare nella vita eterna.

Diversi livelli di interpretazione degli oggetti dicono sottilmente allo spettatore che una persona è sempre libera di scegliere tra lo spirituale e l'eterno e il transitorio terreno.

Vanitas, o natura morta dello "Scienziato".

Jurian van Streck.
Vanità. 1670

La spada e l'elmo con un lussuoso pennacchio nel dipinto di Jurian van Streck indicano la natura fugace della gloria terrena. Il corno da caccia simboleggia la ricchezza che non può essere portata con te in un'altra vita. Nelle nature morte “scientifiche” ci sono spesso immagini di libri aperti o di carte con iscrizioni disposte con noncuranza. Non solo ti invitano a pensare agli oggetti raffigurati, ma ti permettono anche di usarli per lo scopo previsto: leggere pagine aperte o riprodurre musica scritta su un taccuino. Van Streck ha raffigurato uno schizzo della testa di un ragazzo e un libro aperto: questa è la tragedia Elettra di Sofocle, tradotta in olandese. Queste immagini indicano che l'arte è eterna. Ma le pagine del libro sono arricciate e il disegno è spiegazzato. Questi sono segni dell'inizio della corruzione, suggerendo che dopo la morte anche l'arte non sarà più utile. Il teschio parla anche dell'inevitabilità della morte, ma la spiga di grano intrecciata attorno ad esso simboleggia la speranza della risurrezione e della vita eterna. Entro la metà del XVII secolo, un teschio intrecciato con una spiga di grano o un'edera sempreverde sarebbe diventato un soggetto obbligatorio per la rappresentazione nelle nature morte in stile vanitas.

Insieme a dipinto di paesaggio La pittura di natura morta, che si distingueva per il suo carattere intimo, si diffuse ampiamente nell'Olanda del XVII secolo. Gli artisti olandesi sceglievano un'ampia varietà di oggetti per le loro nature morte, sapevano disporli perfettamente e rivelavano le caratteristiche di ogni oggetto e la sua vita interiore, indissolubilmente legata alla vita umana.
I pittori olandesi del XVII secolo Pieter Claes (c. 1597 - 1661) e Willem Heda (1594-1680/1682) dipinsero numerose versioni di "colazioni", raffiguranti prosciutti, panini rossi, torte di more, fragili bicchieri di vetro riempiti per metà di vino sul tavolo. tavolo, trasmettendo magistralmente in modo sorprendente il colore, il volume, la trama di ogni oggetto. Nel disordine si nota la presenza recente di una persona, la casualità della disposizione delle cose che gli sono appena servite. Ma questo disordine è solo apparente, poiché la composizione di ogni natura morta è rigorosamente pensata e trovata. Una sobria tavolozza tonale grigio-dorata, olivastra unisce gli oggetti e conferisce una sonorità speciale a quei colori puri che enfatizzano la freschezza di un limone appena tagliato o la morbida seta di un nastro blu.
Col tempo, le “colazioni” dei maestri della natura morta, i pittori Claes e Heda, lasciano il posto ai “dessert” degli artisti olandesi Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). Le nature morte di Beyeren sono rigorose nella composizione, emotivamente ricche e colorate. Per tutta la sua vita, Willem Kalf dipinse in modo libero e democratico “cucine”: pentole, verdure e nature morte aristocratiche nella selezione di oggetti squisiti e preziosi, pieni di sobria nobiltà, come vasi d'argento, tazze, conchiglie sature della combustione interna di colori.
Nel suo ulteriore sviluppo, la natura morta segue lo stesso percorso di tutta l'arte olandese, perdendo la sua democrazia, la sua spiritualità e poesia, il suo fascino. La natura morta si trasforma in decorazione per la casa di clienti di alto rango. Nonostante tutta la loro decoratività e abile esecuzione, le ultime nature morte anticipano il declino della pittura olandese.
La degenerazione sociale e la nota aristocratizzazione della borghesia olandese nell'ultimo terzo del XVII secolo diedero origine a una tendenza alla convergenza con le visioni estetiche della nobiltà francese, portando all'idealizzazione delle immagini artistiche e alla loro riduzione. L’arte sta perdendo i legami con la tradizione democratica, perdendo le sue basi realistiche ed entrando in un periodo di declino a lungo termine. Gravemente esaurita dalle guerre con l'Inghilterra, l'Olanda sta perdendo la sua posizione di grande potenza commerciale e di importante centro artistico.

L'opera di Frans Hals e il ritratto olandese della prima metà del XVII secolo.

Frans Hals(Olandese Frans Hals, IPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Anversa - 1666, Haarlem) - un eccezionale ritrattista della cosiddetta età dell'oro dell'arte olandese.

1 Biografia
2 Fatti interessanti
3 Galleria
4 Note
5 Letteratura
6 Collegamenti

Biografia

« Ritratto di famiglia Isaac Massa e sua moglie"

Hals nacque intorno al 1582-1583 dal tessitore fiammingo François Frans Hals van Mechelen e dalla sua seconda moglie Adriantje. Nel 1585, dopo la caduta di Anversa, la famiglia Hals si trasferì ad Haarlem, dove l'artista visse tutta la sua vita.

Nel 1600-1603 il giovane artista studiò con Karel van Mander, sebbene l’influenza di questo rappresentante del Manierismo non sia tracciata nelle opere successive di Hals. Nel 1610 Hals divenne membro della Gilda di St. Luca e comincia a lavorare come restauratore presso il Comune della città.

Hals creò il suo primo ritratto nel 1611, ma la fama arrivò ad Hals dopo aver realizzato il dipinto “Banchetto degli ufficiali della compagnia di fucilieri di St. Giorgio" (1616).

Nel 1617 sposò Lisbeth Reyners.

“Il primo stile di Hals era caratterizzato da una predilezione per i toni caldi e una modellazione chiara delle forme utilizzando tratti pesanti e densi. Negli anni venti del Seicento, Hals, insieme ai ritratti, dipinse scene di genere e composizioni su temi religiosi ("Evangelista Luca", "Evangelista Matteo", 1623-1625 circa).

Louvre "Zingaro", Parigi

Negli anni 1620-1630. Ha scritto Hals tutta la linea ritratti raffiguranti rappresentanti pieni di energia vitale gente comune(“Giurante con liuto”, 1620-1625, “Merry Drinking Companion”, “Malle Babbe”, “Gypsy”, “Mulatto”, “Fisherman Boy”; tutto - intorno al 1630).

L'unico ritratto presente tutta altezzaè il "Ritratto di Willem Heythuissen" (1625-1630).

"Nello stesso periodo, Hals riformò radicalmente il ritratto di gruppo, rompendo con i sistemi compositivi convenzionali, introducendo nelle opere elementi di situazioni di vita, garantendo una connessione diretta tra l'immagine e lo spettatore ("Banchetto degli ufficiali del fucile di Sant'Adriano compagnia di fucilieri di San Giorgio", 1627, "Ritratto di gruppo della compagnia di fucilieri di S. Adriano", 1633; "Ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio", 1639 ). Non volendo lasciare Haarlem, Hals rifiutò gli ordini se questo significava andare ad Amsterdam. L'unico ritratto di gruppo iniziato ad Amsterdam dovette essere completato da un altro artista.

Negli anni 1620-1640, periodo della sua massima popolarità, Hals dipinse molti doppi ritratti di coppie sposate: il marito nel ritratto a sinistra e la moglie a destra. L'unico dipinto in cui la coppia è raffigurata insieme è il “Ritratto di famiglia di Isacco Massa e sua moglie” (1622).

"Reggenti della Casa per Anziani"

Nel 1644 Hals divenne presidente della Gilda di S. Luca. Nel 1649 dipinse un ritratto di Cartesio.

« Caratteristiche psicologiche approfondire i ritratti del 1640. ("I reggenti dell'ospedale di St. Elizabeth", 1641, ritratto di un giovane, 1642-50 circa, "Jasper Schade van Westrum", 1645 circa); Nella colorazione di queste opere comincia a predominare un tono grigio-argento. Le opere successive di Hals vengono eseguite in modo molto libero e composte in modo sobrio. combinazione di colori, costruito sui contrasti dei toni del bianco e del nero ("Man in Black Clothes", 1650-52 circa, "V. Cruz", 1660 circa); alcuni di loro mostravano un sentimento di profondo pessimismo (“The Regents of the Home for the Aged”, “The Regents of the Home for the Aged”, entrambi del 1664)”.

“Nella sua vecchiaia, Hals smise di ricevere ordini e cadde in povertà. L'artista morì in un ospizio di Haarlem il 26 agosto 1666.

Maggior parte grande incontro I dipinti dell'artista sono di proprietà del Museo Khalsa di Haarlem.

Il fondatore del ritratto realistico olandese fu Frans Hals (Hals) (1580-1666 circa), la cui eredità artistica con la sua nitidezza e potenza di copertura mondo interiore persona va ben oltre la cultura nazionale olandese. Artista con un'ampia visione del mondo, coraggioso innovatore, distrusse i canoni della ritrattistica di classe (nobile) emersi prima di lui nel XVI secolo. Non era interessato a una persona raffigurata secondo il suo status sociale in una posa maestosamente solenne e in un costume cerimoniale, ma a una persona in tutta la sua essenza naturale, carattere, con i suoi sentimenti, intelletto, emozioni. Nei ritratti di Hals sono rappresentati tutti gli strati della società: borghesi, fucilieri, artigiani, rappresentanti delle classi inferiori; le sue simpatie speciali sono dalla parte di queste ultime, e nelle loro immagini ha mostrato la profondità di un talento potente e purosangue. La democrazia della sua arte è dovuta ai legami con le tradizioni dell'era della rivoluzione olandese. Hals ha ritratto i suoi eroi senza abbellimenti, con la loro morale senza cerimonie e il potente amore per la vita. Hals ha ampliato la portata del ritratto con l'introduzione elementi della trama, catturando coloro che sono ritratti in azione, in una specifica situazione di vita, enfatizzando le espressioni facciali, i gesti, le pose, catturati istantaneamente e accuratamente. L'artista ha ricercato l'intensità emotiva e la vitalità delle caratteristiche dei soggetti ritratti, trasmettendone l'energia incontenibile. Hals non solo ha riformato i ritratti individuali su commissione e di gruppo, ma è stato il creatore di un ritratto confinante genere quotidiano.
Hals è nato ad Anversa, poi si è trasferito ad Haarlem, dove ha vissuto tutta la sua vita. Era una persona allegra, socievole, gentile e spensierata. La personalità creativa di Khalsa prese forma all'inizio degli anni '20 del XVII secolo. I ritratti di gruppo degli ufficiali della compagnia di fucilieri di St. George (1627, Haarlem, Museo Frans Hals) e della compagnia di fucilieri di St. Adrian (1633, ibid.) gli valsero una grande popolarità. Durante la festa vengono presentate persone forti ed energiche che hanno preso parte attiva alla lotta di liberazione contro i conquistatori spagnoli. Uno stato d'animo allegro con un tocco di umorismo unisce ufficiali di diversi caratteri e modi. Non c'è nessun personaggio principale qui. Tutti i presenti sono uguali partecipanti alla celebrazione. Hals ha superato la connessione puramente esterna dei personaggi caratteristica dei ritratti dei suoi predecessori. L'unità della composizione asimmetrica è raggiunta da una comunicazione vivace, da una rilassata libertà di disposizione delle figure, unite da un ritmo ondulatorio.
Il pennello energico dell'artista scolpisce i volumi delle forme con brillantezza e forza. Flussi di sole scivolano sui volti, brillano nei pizzi e nella seta, brillano negli occhiali. La tavolozza colorata, dominata da abiti neri e colletti bianchi, è ravvivata dai sonori baltetti da ufficiale giallo oro, viola, blu e rosa. Pieni di autostima e allo stesso tempo liberi e rilassati, gesticolanti, i borghesi olandesi appaiono nei ritratti di Hals, trasmettendo uno stato immediatamente catturato. Un ufficiale con un cappello a tesa larga, le braccia sui fianchi, sorride provocatoriamente (1624, Londra, Wallace Collection). La naturalezza e la vivacità delle pose, la nitidezza della caratterizzazione e la massima abilità nell'usare il contrasto tra bianco e nero nella pittura sono accattivanti.
I ritratti di Hals sono vari nei temi e nelle immagini. Ma quelli ritratti sono uniti da caratteristiche comuni: integrità della natura, amore per la vita. Hals è un pittore della risata, di un sorriso allegro e contagioso. Con frizzante gioia, l'artista fa rivivere i volti dei rappresentanti della gente comune, dei visitatori delle taverne e degli scugnizzi di strada. I suoi personaggi non si chiudono in se stessi, rivolgono lo sguardo e i gesti verso lo spettatore.
L’immagine della “Zingara” (1630 circa, Parigi, Louvre) è piena di un respiro amante della libertà. Hals ammira la posizione orgogliosa della sua testa in un'aureola di capelli vaporosi, il suo sorriso seducente, lo scintillio vivace dei suoi occhi, la sua espressione di indipendenza. Il contorno vibrante della silhouette, i raggi di luce scorrevoli, le nuvole che corrono, contro le quali è raffigurata la zingara, riempiono l'immagine con il brivido della vita. Ritratto di Malle Babbe (inizio 1630, Berlino - Dahlem, Galleria d'arte), la proprietaria della taverna, non a caso soprannominata la “strega di Harlem”, si sviluppa in una piccola scena di genere. Una brutta vecchia con uno sguardo ardente e astuto, che si volta bruscamente e sorride ampiamente, come se rispondesse a uno dei clienti abituali della sua taverna. Un gufo minaccioso incombe con una sagoma cupa sulla sua spalla. Colpisce l’acutezza, la visione, la forza cupa e la vitalità dell’immagine che ha creato. L'asimmetria della composizione, la dinamica e la ricchezza della pennellata spigolosa accrescono l'ansia della scena.
Verso la metà del XVII secolo, i cambiamenti avvenuti nella società olandese erano chiaramente visibili; Man mano che si rafforza la posizione della borghesia, che ha perso il contatto con le masse, essa acquisisce un carattere sempre più conservatore. L'atteggiamento dei clienti borghesi verso artisti realisti. Anche Khals perse la sua popolarità, arte democratica che divenne estraneo alla borghesia degenerante, che correva dietro la moda aristocratica.
L'ottimismo del maestro che affermava la vita fu sostituito da pensiero profondo, ironia, amarezza e scetticismo. Il suo realismo divenne psicologicamente più approfondito e critico, la sua abilità più raffinata e perfetta. Anche il colore del Khalsa cambiò, acquisendo maggiore sobrietà; nella gamma tonale fredda e grigio-argento predominante, tra il bianco e il nero, piccole macchie di colore rosato o rosso, accuratamente individuate, acquisiscono una sonorità speciale. Il sentimento di amarezza e delusione è palpabile nel “Ritratto di un uomo in abiti neri” (1660 circa, San Pietroburgo, Hermitage), in cui le più sottili sfumature colorate del viso si arricchiscono e prendono vita accanto al sobrio, quasi toni monocromatici in bianco e nero.
Il risultato più alto di Hals sono i suoi ultimi ritratti di gruppo dei reggenti e dei reggenti (amministratori) di una casa di cura, eseguiti nel 1664, due anni prima della morte dell'artista, che si laureò da solo percorso di vita al rifugio. Pieni di vanità, freddi e devastati, assetati di potere e arroganti, i vecchi amministratori seduti al tavolo del gruppo “Ritratto dei reggenti di una casa per anziani” (Harlem, Frans Hals Museum. La mano del vecchio artista infallibilmente applica con precisione tratti liberi e rapidi. La composizione è diventata calma e rigorosa. La scarsità dello spazio, la disposizione delle figure, la luce uniformemente diffusa, che illumina equamente tutti i soggetti raffigurati, contribuiscono a focalizzare l'attenzione sulle caratteristiche di ciascuno di essi. Il colore lo schema è laconico con una predominanza di toni neri, bianchi e grigi.I ritratti tardivi di Hals stanno accanto alle creazioni più straordinarie del mondo pittura di ritratto: nel loro psicologismo sono vicini ai ritratti del più grande dei pittori olandesi: Rembrandt, che, come Hals, conobbe la fama della sua vita entrando in conflitto con l'élite borghese della società olandese.

Frans Hals nacque intorno al 1581 ad Anversa da una famiglia di tessitori. Da giovane venne ad Haarlem, dove visse quasi costantemente fino alla sua morte (nel 1616 visitò Anversa e, a metà degli anni Trenta, Amsterdam). Poco si sa della vita di Hulse. Nel 1610 entrò nella Gilda di San Luca e nel 1616 entrò nella camera dei retori (attori dilettanti). Molto rapidamente Hals divenne uno dei ritrattisti più famosi di Haarlem.
Nei secoli XV-XVI. nella pittura dei Paesi Bassi c'era la tradizione di dipingere ritratti solo di rappresentanti dei circoli dominanti, gente famosa e artisti. L'arte di Hals è profondamente democratica: nei suoi ritratti possiamo vedere un aristocratico, un cittadino ricco, un artigiano e persino una persona dal basso. L'artista non cerca di idealizzare le persone raffigurate, la cosa principale per lui è la loro naturalezza e unicità. I suoi nobili si comportano rilassati come rappresentanti degli strati inferiori della società, che nei dipinti di Khals sono raffigurati come persone allegre che non sono prive di autostima.
I ritratti di gruppo occupano un posto importante nel lavoro dell’artista. Le migliori opere di questo genere furono i ritratti degli ufficiali della compagnia di fucilieri St. George (1627) e della compagnia di fucilieri St. Hadrian (1633). Ogni personaggio nei dipinti ha il suo personalità brillante, e allo stesso tempo queste opere si distinguono per la loro integrità.
Hals dipinse anche ritratti su commissione raffiguranti ricchi borghesi e le loro famiglie in pose rilassate (“Ritratto di Isaac Massa”, 1626; “Ritratto di Hethuisen”, 1637). Le immagini di Hals sono vivaci e dinamiche; sembra che le persone nei ritratti parlino con un interlocutore invisibile o si rivolgano allo spettatore.
I rappresentanti dell’ambiente popolare nei ritratti di Khals si distinguono per la loro vivida espressività e spontaneità. Nelle immagini dei ragazzi di strada, dei pescatori, dei musicisti e dei visitatori delle taverne si può sentire la simpatia e il rispetto dell'autore. Il suo “Gypsy” è notevole. La giovane donna sorridente sembra sorprendentemente viva, il suo sguardo sornione è rivolto al suo interlocutore, invisibile allo spettatore. Hals non idealizza il suo modello, ma l'immagine di una zingara allegra e arruffata delizia con il suo fascino vivace.
Molto spesso, i ritratti di Hulse includono elementi di una scena di genere. Queste sono le immagini di bambini che cantano o giocano strumenti musicali("I ragazzi che cantano", 1624–1625). Con lo stesso spirito venne rappresentata la famosa “Malle Babbe” (inizi degli anni Trenta del Seicento), che rappresentava una nota proprietaria di una taverna di Haarlem, che i visitatori alle sue spalle chiamavano la strega di Haarlem. L'artista ha raffigurato in modo quasi grottesco una donna con un enorme boccale di birra e un gufo sulla spalla.
Negli anni Quaranta del Seicento. Il Paese mostra segnali di svolta. Sono passati solo pochi decenni dalla vittoria della rivoluzione e la borghesia ha già cessato di essere una classe progressista basata sulle tradizioni democratiche. La veridicità della pittura di Hals non attira più clienti facoltosi che vogliono vedersi nei ritratti meglio di quanto non siano in realtà. Ma Hulse non abbandonò il realismo e la sua popolarità crollò. Nel dipinto di questo periodo compaiono note di tristezza e delusione (“Ritratto di un uomo con un cappello a tesa larga”). La sua tavolozza diventa più severa e calma.
All'età di 84 anni, Hulse creò due dei suoi capolavori: ritratti di gruppo di reggenti (amministratori) e reggenti di una casa di cura (1664). Questi ultimi lavori Le opere del maestro olandese si distinguono per l'emotività e la vivida individualità delle sue immagini. Le immagini dei reggenti - uomini e donne anziani - emanano tristezza e morte. Questa sensazione è enfatizzata anche dalla combinazione di colori in nero, grigio e bianco.
Hals morì nel 1666 in profonda povertà. La sua arte sincera e di affermazione della vita ha avuto una grande influenza su molti artisti olandesi.

Dipinto di Rembrandt.

	Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669), pittore, disegnatore e incisore olandese. L'opera di Rembrandt, intrisa del desiderio di una comprensione profondamente filosofica della vita, del mondo interiore dell'uomo con tutta la ricchezza delle sue esperienze spirituali, segna l'apice dello sviluppo dell'olandese arte XVII secolo, uno dei picchi della cultura artistica mondiale. Patrimonio artistico Rembrandt si distingue per la sua eccezionale diversità: dipinse ritratti, nature morte, paesaggi, scene di genere, dipinti su temi storici, biblici e mitologici. Rembrandt era un maestro insuperabile del disegno e dell'acquaforte. Dopo un breve studio all'Università di Leida (1620), Rembrandt decise di dedicarsi all'arte e studiò pittura con J. van Swanenburch a Leida (1620 circa-1623) e P. Lastman ad Amsterdam (1623); nel 1625-1631 lavorò a Leida. I dipinti di Rembrandt del periodo di Leida sono caratterizzati da una ricerca di indipendenza creativa, sebbene in essi sia ancora evidente l'influenza di Lastman e dei maestri del caravaggismo olandese (“Portare al tempio”, 1628-1629 circa, Kunsthalle, Amburgo). Nei dipinti “L'apostolo Paolo” (1629-1630 circa, Museo Nazionale, Norimberga) e “Simeone nel tempio” (1631, Mauritshuis, L'Aia), utilizzò dapprima il chiaroscuro come mezzo per esaltare la spiritualità e l'espressività emotiva dei soggetti. immagini. In questi stessi anni Rembrandt lavorò intensamente sul ritratto, studiando le espressioni facciali del volto umano. Nel 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove presto sposò la ricca patrizia Saskia van Uylenburgh. Gli anni Trenta del Seicento rappresentano per Rembrandt un periodo di felicità familiare e di enorme successo artistico. Il dipinto “La lezione di anatomia del dottor Tulp” (1632, Mauritshuis, L’Aia), in cui l’artista risolve il problema in modo innovativo ritratto di gruppo, conferendo alla composizione una facilità vitale e unendo i ritratti in un'unica azione, portò a Rembrandt un'ampia fama. Nei ritratti dipinti per numerosi ordini, Rembrandt van Rijn ha trasmesso con cura i lineamenti del viso, i vestiti e i gioielli (il dipinto “Ritratto di un Burgrave”, 1636, Galleria di Dresda).

Negli anni Quaranta del Seicento si stava preparando un conflitto tra l’opera di Rembrandt e le limitate esigenze estetiche della società contemporanea. Si manifestò chiaramente nel 1642, quando il dipinto “Ronda di notte” (Rijksmuseum, Amsterdam) suscitò proteste da parte dei clienti che non accettarono l'idea principale del maestro: invece del tradizionale ritratto di gruppo, creò una composizione eroicamente allegra con una scena di un esibizione della gilda dei tiratori al segnale di allarme, cioè . essenzialmente un quadro storico che evoca ricordi della lotta di liberazione del popolo olandese. L'afflusso di ordini per Rembrandt sta diminuendo, le circostanze della sua vita sono oscurate dalla morte di Saskia. L'opera di Rembrandt sta perdendo la sua efficacia esterna e le sue note di maggiore precedentemente intrinseche. Scrive tranquille scene bibliche e di genere piene di calore e intimità, rivelando sottili sfumature di esperienze umane, sentimenti di vicinanza spirituale e familiare ("David e Jonathan", 1642, "Sacra Famiglia", 1645, entrambi all'Ermitage, San Pietroburgo ).

Tutto valore più alto sia nella pittura che nella grafica di Rembrandt, si acquisisce il miglior gioco di luci e ombre, creando un'atmosfera speciale, drammatica, emotivamente intensa (il foglio grafico monumentale “Cristo guarisce i malati” o “Il foglio dei cento fiorini”, 1642-1646 circa ; paesaggio pieno di dinamica di aria e luce “Tre alberi”, acquaforte, 1643). Gli anni Cinquanta del Seicento, pieni di difficili prove di vita per Rembrandt, inaugurarono il periodo della maturità creativa dell’artista. Rembrandt si rivolge sempre più al genere del ritratto, raffigurando le persone a lui più vicine (numerosi ritratti della seconda moglie di Rembrandt, Hendrikje Stoffels; “Ritratto di una vecchia”, 1654, Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo; “Figlio Tito che legge”, 1657, Kunsthistorisches Museo, Vienna).

A metà degli anni Cinquanta del Seicento Rembrandt acquisì competenze pittoriche mature. Gli elementi di luce e colore, indipendenti e anche in parte opposti nei primi lavori dell’artista, si fondono ora in un unico insieme interconnesso. La calda massa rosso-marrone, ora divampante, ora sbiadita, tremante di vernice luminosa esalta l'espressività emotiva delle opere di Rembrandt, come se le riscaldasse con un caldo sentimento umano. Nel 1656 Rembrandt fu dichiarato debitore insolvente e tutte le sue proprietà furono vendute all'asta. Si trasferì nel quartiere ebraico di Amsterdam, dove trascorse il resto della sua vita in circostanze estremamente anguste. Creato da Rembrandt nel 1660 composizioni bibliche riassumere i suoi pensieri sul significato della vita umana. Negli episodi che esprimono lo scontro tra oscurità e luce nell'animo umano (“Assur, Haman ed Ester”, 1660, Museo Pushkin, Mosca; “La caduta di Haman” o “David e Uriah”, 1665, State Hermitage, San Pietroburgo ), una tavolozza ricca e calda, uno stile di pittura flessibile e impasto, un intenso gioco di ombre e luci, una trama complessa della superficie colorata servono a rivelare collisioni complesse ed esperienze emotive, affermare il trionfo del bene sul male.

Intriso di dramma severo ed eroismo quadro storico“Congiura di Giulio Civile” (“Congiura dei Batavi”, 1661, frammento conservato, Museo Nazionale, Stoccolma). IN L'anno scorso vita, Rembrandt creò il suo capolavoro principale: la tela monumentale “Il ritorno del figliol prodigo” (circa 1668-1669, Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo), che incarnava tutte le questioni artistiche, morali ed etiche creatività tardiva artista. Con straordinaria abilità, ricrea in lui tutta una serie di sentimenti umani complessi e profondi, soggiogati mezzi artistici rivelando la bellezza della comprensione umana, della compassione e del perdono. Il momento culminante del passaggio dalla tensione dei sentimenti alla risoluzione delle passioni è incarnato in pose scultoree espressive, gesti liberi, nella struttura emotiva del colore, lampeggiando brillantemente al centro dell'immagine e sfumando nello spazio ombreggiato dello sfondo. Il grande pittore, disegnatore e incisore olandese Rembrandt van Rijn morì il 4 ottobre 1669 ad Amsterdam. L'influenza dell'arte di Rembrandt è stata enorme. Ciò influenzò non solo il lavoro dei suoi studenti più immediati, tra i quali Carel Fabricius si avvicinò di più alla comprensione dell'insegnante, ma anche l'arte di ogni artista olandese più o meno significativo. L'arte di Rembrandt ha avuto un profondo impatto sullo sviluppo del mondo intero arte realistica successivamente.

Rembrandt Harmens van Rijn(Olandese Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Artista, disegnatore e incisore olandese, grande maestro del chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. È riuscito a incarnare nelle sue opere l'intero spettro delle esperienze umane con una tale ricchezza emotiva che l'arte non aveva mai conosciuto prima. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, rivelano allo spettatore un tempo senza tempo mondo spirituale esperienze e sentimenti umani.

1 Biografia

1.1 Anni di apprendistato
1.2 Influenza di Lastman e dei caravaggisti
1.3 Workshop a Leida
1.4 Sviluppare il proprio stile
1.5 Successo ad Amsterdam
1.6 Dialogo con gli italiani
1.7 "Ronda notturna"
1.8 Periodo di transizione
1.9 Tardo Rembrandt
1.10 Lavori recenti

2 Problemi di attribuzione
3 Studenti di Rembrandt
4 Fama postuma
5 Al cinema
6 Note
7 Collegamenti

Biografia

Anni di apprendistato

Rembrandt Harmenszoon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) nella numerosa famiglia del ricco proprietario di mulini Harmen Gerritszoon van Rijn a Leida. Anche dopo la Rivoluzione Olandese la famiglia materna rimase fedele alla religione cattolica.

"Allegoria della musica" del 1626 - un esempio dell'influenza di Lastman sul giovane Rembrandt

A Leida Rembrandt frequentò la scuola di latino all'università, ma mostrò il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu mandato a studiare belle arti al pittore storico di Leida Jacob van Swanenburch, cattolico di fede. I ricercatori non hanno identificato le opere di Rembrandt di questo periodo e la questione dell'influenza di Svanenburch sulla formazione del suo modo creativo rimane aperto: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.

Nel 1623 Rembrandt studiò ad Amsterdam con Pieter Lastman, che completò uno stage in Italia e si specializzò in studi storici, mitologici e storie bibliche. Ritornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il proprio laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Nel giro di pochi anni aveva acquisito una notevole fama.