Un fenomeno culturale unico XVII secolo è chiamata la natura morta floreale olandese, che ha avuto un'influenza significativa su tutto ulteriori sviluppi pittura in Europa.
Con amore e attenzione, gli artisti hanno scoperto la bellezza della natura e del mondo delle cose, mostrandone la ricchezza e la diversità. Mazzi di rose, nontiscordardimé e tulipani di Ambrosius Bosschaert il Vecchio, che divenne il fondatore della pittura di nature morte floreali come movimento indipendente, affascinano e attirano lo sguardo.
ABROSIUS BOSCHART IL VECCHIO 1573-1621
Bosschaert ha iniziato la sua carriera ad Anversa nel 1588. Dal 1593 al 1613 lavorò a Middelburg, poi a Utrecht (dal 1616) e a Breda.
Sulle tele di Bosshart, farfalle o conchiglie sono spesso raffigurate accanto a mazzi di fiori. In molti casi, i fiori vengono toccati dall’appassimento, il che introduce nei dipinti di Bosshart un motivo allegorico della fragilità dell’esistenza ( vanità)
Tulipani, rose, garofani bianchi e rosa, nontiscordardime e altri fiori in un vaso.
A prima vista, i mazzi di fiori sembrano dipinti dalla natura, ma guardando più da vicino diventa ovvio che sono costituiti da piante che fioriscono in tempo diverso.L'impressione di naturalezza e verosimiglianza nasce dal fatto che le immagini colori individuali sulla base di “studi” individuali su vasta scala
Un frammento ingrandito di uno schizzo di Jan Van Huysum, conservato al Met.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Sered. 17 ° secolo
Questo era il metodo di lavoro abituale dei pittori. nature morte floreali. Gli artisti hanno eseguito accurati disegni ad acquerello e tempera, disegnando fiori dal vero, in angoli diversi e sotto un'illuminazione diversa, e questi disegni poi li hanno serviti ripetutamente - li hanno ripetuti nei dipinti.
Giacobbe Morrel. "Due Tulipani"
Come materiale di lavoro furono utilizzati anche disegni di altri artisti, incisioni provenienti da collezioni a stampa e atlanti botanici.
I clienti, nobili e borghesi, apprezzavano nelle nature morte che i fiori raffigurati fossero “come se fossero vivi”. Ma queste immagini non erano naturalistiche. Sono romantici e poetici. La natura in loro si trasforma attraverso la pittura.
Natura morta con fiori in un vaso 1619
“Ritratti” di fiori, dipinti su pergamena ad acquerello e tempera, furono creati per album floristici in cui i giardinieri cercavano di immortalare piante strane. Le immagini dei tulipani sono particolarmente numerose. Quasi ogni natura morta olandese contiene tulipani.
Ambrosius Bosshart "Fiori in un vaso", 1619.Rijksmuseum, Amsterdam.
Nel XVII secolo In Olanda si verificò un vero e proprio boom dei tulipani; a volte una casa veniva ipotecata per un raro bulbo di tulipano.
I tulipani arrivarono in Europa nel 1554. Furono inviati ad Augusta dall'ambasciatore tedesco presso la corte turca, Busbeck. Durante i suoi viaggi per il paese, rimase affascinato dalla vista di questi fiori delicati.
Ben presto i tulipani si diffusero in Francia e Inghilterra, Germania e Olanda. I proprietari di bulbi di tulipano a quei tempi erano persone veramente ricche: persone di sangue reale o persone a loro vicine. A Versailles si sono svolte celebrazioni speciali in onore dello sviluppo di nuove varietà.
Natura morta con fiori.
Non solo i nobili olandesi, ma anche i comuni borghesi potevano permettersi di possedere bellissime nature morte.
Il numero di nature morte di fiori olandesi è enorme, ma ciò non le toglie nulla valore artistico. Dopo le aste situazione economica L'Olanda divenne meno brillante; pittoresche collezioni provenienti dalle case dei borghesi finirono nei palazzi dei nobili e dei re europei.
Mazzo di fiori 1920
Al centro di questo bouquet vediamo un croco, ma è enorme. Alcune informazioni su questo fiore che ci è familiare.
Il croco è una pianta medicinale, afrodisiaca e colorante. Dai suoi stami viene prodotta un'eccellente spezia: lo zafferano, che viene aggiunto ai dolci orientali. La patria del croco è la Grecia e Asia minore. Proprio come i giacinti e i gigli, il croco divenne l'eroe dei miti degli antichi greci e fu raffigurato nei soggetti dei dipinti di palazzo.
Secondo l'antica leggenda, la terra era ricoperta di giacinti e crochi per il matrimonio e la prima notte di nozze di Era e Zeus.
Un'altra leggenda descrive la storia di un giovane di nome Crocus, che con la sua bellezza attirò l'attenzione di una ninfa, ma rimase indifferente alla sua bellezza. Allora la dea Afrodite trasformò il giovane in un fiore e la ninfa in un convolvolo, creando così un'unione inscindibile.
Fiori in un vaso di vetro.
Il desiderio degli artisti di diversificare la composizione dei loro bouquet li ha costretti a viaggiare diverse città, e realizza disegni dal vero nei giardini degli amanti dei fiori ad Amsterdam, Utrecht, Bruxelles, Haarlem, Leiden. Anche gli artisti dovevano attendere il mutare delle stagioni per catturare il fiore desiderato.
Fiori. 1619
Fiori in un vaso cinese.
Fiori in un cestino.
Natura morta con fiori in una nicchia.
Fiori in una nicchia.
Nelle nature morte di frutta e fiori, una combinazione apparentemente casuale di rappresentanti di flora e fauna apparentemente non correlati incarnava indirettamente idee sulla peccaminosità deperibile di tutte le cose terrene e, al contrario, sull'incorruttibilità della vera virtù cristiana.
Quasi tutti i “personaggi” di una natura morta linguaggio complesso i simboli denotavano una certa idea: la mortalità di tutto ciò che è terreno (ad esempio una lucertola o una lumaca), stupida peccaminosità e fragilità vita umana, che potrebbe simboleggiare, in particolare, il tulipano.
Fiori in un vaso di vetro.1606
Secondo le idee dei fiamminghi e degli olandesi, questo fiore delicato non era solo l'incarnazione visibile di una bellezza che svaniva rapidamente, ma la sua coltivazione era percepita da molti come una delle professioni più vane ed egoistiche);
Le conchiglie esotiche d'oltremare, un tempo un oggetto da collezione alla moda, suggerivano una spesa imprudente di denaro; una scimmia con una pesca è tradizionalmente considerata un simbolo del peccato originale.
Natura morta con fiori in una bottiglia di vetro verde.
D'altra parte, una mosca sulla stessa pesca o rosa evocava solitamente associazioni con il simbolismo della morte, del male e del peccato; uva e noci spezzate - accennano alla Caduta e, allo stesso tempo, al sacrificio espiatorio di Cristo sulla croce, Bacche rosse di ciliegie mature - un simbolo dell'amore divino, mentre una farfalla svolazzante personifica l'anima salvata dei giusti.
Cestino.
La direzione artistica di Ambrosius Bosschaert è stata continuata dai suoi tre figli - Ambrosius Bosschaert il Giovane, Abraham Bosschaert e Johannes Bosschaert, nonché da suo genero Balthasar van der Ast. Le loro opere, generalmente piuttosto numerose, sono invariabilmente molto richiesti alle aste d'arte.
Fonti.
La natura morta olandese ispira anche gli artisti moderni; un tempo era una sorta di svolta che non poteva passare inosservata. La natura morta olandese è interessante non solo per gli intenditori d'arte, ti invito a goderti i dipinti e la storia.
La natura morta olandese aveva diverse direzioni, ad esempio erano molto popolari le immagini di selvaggina e uccelli morti, che appartenevano alla categoria "Trofei di caccia". Ora mi sembra che queste nature morte non siano molto piacevoli da guardare per i "dilettanti" alle carcasse di animali, ma nel XVII secolo questo era visto in modo più semplice.
Melchior de Hondecoeter "Trofei di caccia"
Un’altra direzione della natura morta olandese sono “Colazione” e “Dessert”, immagini di cibi cotti, che sono più piacevoli; spesso nei dipinti si possono vedere frutti di mare, pollame e un’abbondanza di frutta.
BALTHASAR VAN DER AST “Piatto con frutta e conchiglie” 1630 g
Il movimento più piacevole della natura morta olandese del XVII secolo è Fiori e frutti, che potrebbero essere raffigurati insieme in un unico dipinto, quasi sempre i dipinti contengono immagini di insetti, spesso farfalle.
BALTHASAR VAN DER AST “Natura morta con frutta”
La natura morta olandese aveva significato simbolico, non era solo un'immagine di prodotti, fiori, ecc. l'idea principale caratteristica della natura morta olandese di quel tempo era la caducità di tutto ciò che è terreno e l'inevitabilità della morte. Con l'aiuto di oggetti simbolici come un orologio, rose appassite, una candela, gli artisti dicevano che nulla in questo mondo dura per sempre, inoltre alcuni oggetti indicavano abitudini condannate dalla moralità, come fumare la pipa, o intrigare attraverso la scrittura. , strumenti musicali ecc. Sfortunatamente, in pittura moderna il simbolismo è perduto e perfino gli esperti di pittura non riescono a spiegare il significato di tutti i simboli Pittura olandese 17 ° secolo E in quei tempi lontani, gli olandesi si riunivano la sera nella casa del proprietario della natura morta, la guardavano e discutevano sul significato di questo o quel simbolo: sbiadito Corona di alloro-caducità della fama, monete di vanità, ecc.
Jan Davids de Heem 
Jan Davids de Heem
Si prega di notare che nelle immagini Artisti olandesi Nel XVII secolo i fiori sembrano disegnati dal vero, ma non è sempre stato così, perché le composizioni consistono in piante che fioriscono e portano frutti in tempi diversi. Durante il periodo di fioritura della pianta, gli artisti la dipingevano con cura in diverse illuminazione, da diverse angolazioni, ecc., era un pezzo grezzo, che veniva poi utilizzato molte volte dagli artisti nelle loro nature morte. Per arricchire le loro nature morte, gli artisti olandesi andavano a realizzare disegni di fiori nei giardini di famosi amanti dei fiori ad Amsterdam, Bruxelles, Leida, ecc.
Le nature morte floreali in Olanda erano popolari tra i nobili e la nobiltà; quasi tutte le nature morte floreali del XVII secolo in Olanda includevano tulipani, a quel tempo il paese stava vivendo un boom dei tulipani. Potevano ipotecare una casa per un bulbo di tulipano raro; coltivare tulipani era considerato un privilegio degli aristocratici. C'è un caso noto in cui un mugnaio scambiò il suo mulino con un bulbo di tulipano; un bulbo di tulipano era considerato una buona dote. I tulipani a quel tempo erano monocolore, meno spesso bicolore. Ora puoi capire perché i tulipani si trovano spesso nelle nature morte degli artisti olandesi.
Jan Davids de Heem 
Jan Davids de Heem
Una delle più artisti famosi chi ha scritto Natura morta olandese C'era Jan Davids de Hem, i suoi dipinti erano molto popolari e si distinguevano per i colori intensi, il realismo e un alto grado di trasparenza dei colori.
Alcune delle più belle nature morte olandesi di Jan Davids de Heem.
Pietro Klas. Natura morta con un bicchiere di vino e una ciotola d'argento. 1630
Hai ricevuto la tua istruzione, ma stai lavorando nella tua professione? Il tuo primo lavoro è l'ultimo? Sei sposato con il tuo primo amore? Vivi nella stessa città in cui sei nato? Nella casa che hai ereditato? Mangi dallo stesso servizio di famiglia dei tuoi genitori? Bere vino dallo stesso bicchiere d'annata?
L'uomo moderno risponderà a tutte queste domande: no. Olandese del XVII secolo - sì. Non erano disposti a cambiare quanto lo eravamo noi. Erano sistemati, fedeli alle loro radici, agli obblighi matrimoniali e agli affari, martellavano ad un certo punto. Puoi immaginarlo? artista contemporaneo Ho continuato a scrivere e riscrivere lo stesso tema, la stessa trama, per anni, decenni, tutta la mia vita! Un uomo del XVII secolo potrebbe farlo. Entrare nello stesso fiume centinaia di volte. Raggiungere risultati sorprendenti.
Pietro Klas. Natura morta con teschio. 1628
Due famosi contemporanei, residenti onorari della città di Haarlem, Pieter Claes e Willem Claes Heda, nel corso della loro vita hanno dipinto non solo le stesse nature morte, hanno dipinto... lo stesso bicchiere di vino! E Head, del resto, aveva un figlio, anche lui artista, e anche lui, come avrete intuito, aveva un debole per questo bicchiere. Incredibile, non è vero? Questa è una percezione completamente diversa del tempo e il riempimento della propria vita.
Willem Claes Heda. 1631
Mi chiedo come sia successo per loro? Ecco cosa ha scritto Klas, 30 anni, del suo bicchiere. Passano due anni, si dice: non dovrei scrivere di nuovo il mio bicchiere? E così ogni pochi anni! Un bicchiere è a destra, un bicchiere è a sinistra, un bicchiere è in piedi, un bicchiere è sdraiato. Un bicchiere in compagnia della selvaggina, in compagnia del pesce. Con una torta, con della frutta, con un teschio... Forse questo malattia mentale, comune nel XVII secolo? Una sorta di ossessione. E oggi l’umanità si è ripresa… O, al contrario, siamo così malati che non riusciamo a concentrarci seriamente su nulla…
Quindi, la natura morta olandese, le avventure di un bicchiere, ammira, è difficile trovare qualcosa di più bello di questi capolavori sobri, quasi monocromatici nella storia della pittura.
Willem Claes Heda. 1632
Willem Claes Heda. 1632
Pietro Klas. Natura morta con ostriche. 1633
Willem Claes Heda. 1634
Willem Claes Heda. 1634
Willem Claes Heda. 1635
Willem Claes Heda. 1643
Gerrit Willems Heda (figlio). 1645
Pietro Klas. 1647
Willem Claes Heda. 1648
Willem Claes Heda. 1650
Willem Claes Heda. 1657
Pietro Klas. 1660
Elena Konkova - brillante rappresentante moderno élite intellettuale, che lo Spirito del tempo (o, se preferite, Zeitgeist) veste di forme glamour, senza dimenticare il contenuto interiore.
In questo film parlerà degli aspetti mistici Pittura europea, rivelerà significato segreto, crittografato negli attributi terrificanti, divertenti e semplicemente insoliti delle nature morte olandesi, e inviterà con grazia tutti a iniziare a collezionare questo tipo arti visive, o dipingere in quanto tale...
Di seguito è riportato il materiale che completerà leggermente la serie visiva creata dalla signora Konkova nella parola stampata.
Così, nel 1581, gli abitanti dei Paesi Bassi settentrionali, dopo molti anni di guerra per la liberazione dal dominio spagnolo, proclamarono la Repubblica indipendente delle Province Unite. Tra questi in economico e culturalmente L'Olanda era in testa, quindi presto l'intero paese cominciò a chiamarsi così. organizzazione sociale I nuovi Paesi Bassi cambiarono poco rispetto al XVI secolo, ma seguirono cambiamenti significativi nella vita spirituale. Il calvinismo divenne la religione di stato. Questa dottrina non riconosceva le icone e l'arte sacra in generale (questo movimento nel protestantesimo prende il nome dal suo fondatore, il teologo francese Giovanni Calvino (1509-1564).
Gli artisti olandesi dovettero inevitabilmente abbandonare i temi religiosi e cercarne di nuovi. Si sono rivolti alla realtà che li circondava, agli eventi quotidiani che accadevano giorno dopo giorno nella stanza accanto o nella strada accanto. E i clienti – il più delle volte non nobili, ma borghesi scarsamente istruiti – apprezzavano soprattutto le opere d’arte per il fatto che erano “proprio come la vita”.
I dipinti divennero beni di mercato e il benessere del pittore dipendeva interamente dalla sua capacità di compiacere il cliente. Pertanto, l'artista ha trascorso tutta la sua vita migliorando in un certo genere. Il mood che permea le opere Scuola olandese, e anche il loro formato piccolo, di regola, suggerisce che molti di loro non erano destinati ai palazzi, ma a soggiorni modesti ed erano indirizzati all'uomo comune.
Olandese natura morta XVII V. stupisce per la sua ricchezza di temi. In ogni centro artistico del paese, i pittori preferivano le proprie composizioni: a Utrecht - di fiori e frutti, a L'Aia - di pesce. Ad Haarlem scrivevano colazioni modeste, ad Amsterdam - dessert lussuosi e all'Università di Leida - libri e altri oggetti per lo studio della scienza o simboli tradizionali della vanità mondana - un teschio, una candela, clessidra.
Nelle nature morte risalenti agli inizi XVII secolo, gli oggetti sono disposti in rigoroso ordine, come reperti in una vetrina di un museo. In tali dipinti i dettagli sono dotati significato simbolico. Le mele ricordano la caduta di Adamo e l'uva ricorda il sacrificio espiatorio di Cristo. Una conchiglia è una conchiglia lasciata da una creatura che un tempo viveva in essa, i fiori appassiti sono un simbolo di morte. Una farfalla nata da un bozzolo significa resurrezione. Tali sono, ad esempio, i dipinti di Balthasar van der Ast (1590-1656).
Per gli artisti della prossima generazione, le cose non ricordano più tanto verità astratte quanto servono a creare indipendenza immagini artistiche. Nei loro dipinti, oggetti familiari acquisiscono una bellezza speciale, precedentemente inosservata. Il pittore di Haarlem Pieter Klas (1597-1661) sottolinea in modo sottile e abile l'originalità di ogni piatto, bicchiere, pentola, trovando per ognuno di essi il quartiere ideale. Nelle nature morte del suo connazionale Willem Claesz Heda (1594 circa-1680 circa) regna il disordine pittoresco. Molto spesso scriveva “colazioni interrotte”. Una tovaglia spiegazzata, oggetti di servizio mescolati, cibo appena toccato: tutto qui ricorda la recente presenza di una persona. I dipinti sono animati da diversi punti luce e ombre multicolori su vetro, metallo, tela (“Colazione con granchio”, 1648).
Nella seconda metà del XVII secolo. La natura morta olandese, come un paesaggio, divenne più spettacolare, complessa e multicolore. I dipinti di Abraham van Beijeren (1620 o 1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693) raffigurano grandiose piramidi fatte di stoviglie costose e frutti esotici. Qui ci sono argento cesellato, maiolica bianco-azzurra e calici fatti di conchiglie, fiori, grappoli d'uva, frutti semi-sbucciati.
Possiamo dire che il tempo ha agito come l'obiettivo di una fotocamera: con un cambiamento nella lunghezza focale, la scala dell'immagine è cambiata fino a quando nell'inquadratura sono rimasti solo gli oggetti e l'interno e le figure sono stati espulsi dall'immagine. Natura morta La “natura morta” si trova in molti dipinti di artisti olandesi del XVI secolo. È facile rappresentarlo nella forma pittura indipendente tavola apparecchiata da " Ritratto di famiglia» Martin van Heemskerck (1530 circa. Musei statali, Kassel) o un vaso con fiori dalla composizione di Jan Brueghel il Vecchio. Lo stesso Jan Brueghel ha fatto qualcosa del genere, scrivendo nel suo inizio XVII V. le prime nature morte floreali indipendenti. Apparvero intorno al 1600: questa volta è considerata la data di nascita del genere.
In quel momento non c’erano parole per definirlo. Il termine “natura morta” ha origine in Francia nel XVIII secolo. e tradotto letteralmente significa “natura morta”, “natura morta” (nature morte). In Olanda, i dipinti raffiguranti oggetti erano chiamati "stilleven", che può essere tradotto sia come "natura morta, modello" sia come "vita tranquilla", che trasmette in modo molto più accurato le specificità della natura morta olandese. Ma questo concetto generale entrò in uso solo a partire dal 1650, e prima di allora i dipinti venivano chiamati in base al soggetto dell'immagine: blumentopf - un vaso con fiori, banketje - una tavola apparecchiata, fruytage - frutti, toebackje - nature morte con accessori per fumatori, doodshoofd - quadri con un teschio. Già da questa elencazione si evince quanto grande fosse la varietà degli oggetti raffigurati. In effetti, tutto il mondo oggettivo che li circondava sembrava riversarsi sui dipinti degli artisti olandesi.
Nell'arte, ciò significò una rivoluzione nientemeno che quella che gli olandesi compirono nella sfera economica e sociale, conquistando l'indipendenza dal potere della Spagna cattolica e creando il primo Stato democratico. Mentre i loro contemporanei in Italia, Francia e Spagna si concentravano sulla creazione di enormi composizioni religiose per altari di chiese, tele e affreschi su soggetti mitologia antica Per sale del palazzo, gli olandesi dipingevano piccoli quadri con vedute di angoli del loro paesaggio nativo, balli ad una festa di paese o un concerto casalingo in una casa borghese, scene in una taverna rurale, per strada o in una casa di riunione, tavole imbandite con colazione o dessert , cioè una natura “bassa”, senza pretese, non oscurata dall'antico o dal rinascimentale tradizione poetica, tranne forse per la poesia olandese contemporanea. Il contrasto con il resto d’Europa era netto.
I dipinti venivano raramente creati su ordinazione, ma venivano per lo più venduti liberamente nei mercati per tutti e erano destinati a decorare le stanze delle case dei residenti delle città e persino dei residenti delle zone rurali, quelli che erano più ricchi. Più tardi, nel 18 e XIX secoli, quando la vita in Olanda divenne più difficile e scarsa, queste collezioni di dipinti domestici furono ampiamente vendute all'asta e acquistate con entusiasmo per collezioni reali e aristocratiche in tutta Europa, da dove alla fine migrarono in musei più grandi pace. Quando dentro metà del 19 V. gli artisti di tutto il mondo si dedicarono alla rappresentazione della realtà che li circondava, dipinti di maestri olandesi del XVII secolo. è servito da modello per loro in tutti i generi.
Una caratteristica della pittura olandese era la specializzazione degli artisti per genere. All'interno del genere della natura morta esisteva addirittura una divisione secondo argomenti specifici, e diverse città avevano i loro tipi preferiti di natura morta, e se il pittore si trasferiva in un'altra città, spesso cambiava bruscamente la sua arte e cominciava a dipingere quelle varietà del genere che erano popolari in quel luogo.
Haarlem divenne la città natale di aspetto caratteristico Natura morta olandese - “colazione”. I dipinti di Peter Claes raffigurano una tavola apparecchiata con piatti e stoviglie. Un piatto di latta, un'aringa o un prosciutto, un panino, un bicchiere di vino, un tovagliolo spiegazzato, un limone o un ramo d'uva, posate: la selezione scarsa e precisa degli articoli crea l'impressione di una tavola apparecchiata per una persona. La presenza di una persona è indicata dal disordine “pittoresco” introdotto nella disposizione delle cose e dall'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuto dalla trasmissione di un ambiente luce-aria. Il tono dominante grigio-marroncino unisce gli oggetti in un’unica immagine, mentre la natura morta stessa diventa un riflesso dei gusti e dello stile di vita individuali di una persona.
Un altro residente di Haarlem, Willem Heda, ha lavorato nella stessa vena di Klas. La colorazione dei suoi dipinti è ferma In misura maggiore subordinato all'unità tonale, è dominato da un tono grigio-argento, fissato dall'immagine di utensili in argento o peltro. Per questa colorata moderazione, i dipinti iniziarono a essere chiamati “colazioni monocromatiche”.
A Utrecht si sviluppò una natura morta floreale rigogliosa ed elegante. I suoi principali rappresentanti sono Jan Davids de Heem, Justus van Huysum e suo figlio Jan van Huysum, che divenne particolarmente famoso per la sua scrittura attenta e i suoi colori chiari.
A L'Aia, il centro della pesca marina, Pieter de Putter e il suo allievo Abraham van Beijeren hanno portato alla perfezione la rappresentazione dei pesci e degli altri abitanti del mare, il colore dei loro dipinti brilla con la lucentezza delle squame, in cui macchie di rosa, rosso, colori blu. L'Università di Leida ha creato e migliorato il tipo di natura morta filosofica "vanitas" (vanità delle vanità). Nei dipinti di Harmen van Steenwijk e Jan Davids de Heem, oggetti che incarnano gloria e ricchezza terrena (armature, libri, attributi d'arte, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti) sono giustapposti a un teschio o a una clessidra come promemoria della caducità della vita. Una natura morta da “cucina” più democratica è nata a Rotterdam nell’opera di Floris van Schoten e Francois Reykhals, e i suoi migliori risultati sono associati ai nomi dei fratelli Cornelis e Herman Saftleven.
A metà del secolo, il tema delle “colazioni” modeste venne trasformato, nelle opere di Willem van Aalst, Jurian van Streck e soprattutto Willem Kalf e Abraham van Beyeren, in lussuosi “banchetti” e “dessert”. Calici dorati, porcellane cinesi e maioliche di Delft, tovaglie di tappeti, frutti del sud sottolineano il gusto per la grazia e la ricchezza che si affermò nella società olandese a metà del secolo. Di conseguenza, le colazioni “monocromatiche” vengono sostituite da un sapore succoso, ricco di colori e caldo dorato. L'influenza del chiaroscuro di Rembrandt fa risplendere i colori dei dipinti di Kalf dall'interno, poeticizzando il mondo oggettivo.
I maestri nella raffigurazione di “trofei di caccia” e “cortili di pollame” furono Jan-Baptiste Wenix, suo figlio Jan Wenix e Melchior de Hondecoeter. Questo tipo di natura morta divenne particolarmente diffuso nella seconda metà - fine del secolo in connessione con l'aristocratizzazione dei borghesi: la costituzione di possedimenti e l'intrattenimento della caccia. Dipingere due ultimi artisti mostra un aumento della decoratività, del colore e del desiderio di effetti esterni.
La straordinaria capacità dei pittori olandesi di trasmettere il mondo materiale in tutta la sua ricchezza e diversità fu apprezzata non solo dai contemporanei, ma anche dagli europei nei secoli XVIII e XIX; videro nelle nature morte, prima di tutto e solo questa brillante maestria di trasmettere la realtà. Tuttavia, per se stessi XVII olandese Per secoli questi dipinti furono carichi di significato, offrirono cibo non solo per gli occhi, ma anche per la mente. I dipinti sono entrati in dialogo con il pubblico, raccontando loro importanti verità morali, ricordando loro l'inganno delle gioie terrene, la futilità delle aspirazioni umane, indirizzando i pensieri verso riflessioni filosofiche sul significato della vita umana.
Le "nature morte olandesi" più popolari sono rimaste le nature morte floreali. Hanno ispirato lo spettatore a pensare a temi morali e religiosi. Composto da fiori belli e vari (tulipani, iris, rose, delphinium, viole - "viole del pensiero", garofani, papaveri, anemoni, giacinti, narcisi, campanelle, mughetti, nontiscordardimé, margherite, aquilegia, tacetas) , il bouquet era un pittoresco inno alla bellezza della creazione divina e, attraverso di essa, alla saggezza e alla generosità del Signore, che ha permesso che questa bellezza fosse catturata per sempre.
A prima vista, i mazzi sembrano dipinti dalla natura, ma dopo un esame più attento diventa evidente che sono costituiti da piante che fioriscono in tempi diversi. L'impressione di naturalezza e di realisticità illusionistica nasce dal fatto che le immagini dei singoli colori si basano su studi individuali della natura. Questo era il metodo di lavoro abituale per i pittori di nature morte di fiori. Gli artisti hanno realizzato disegni accurati in acquerello e tempera, disegnando fiori dalla vita, da diverse angolazioni e sotto diverse luci, e questi disegni poi li hanno serviti ripetutamente - li hanno ripetuti nei dipinti. Come materiale di lavoro furono utilizzati anche disegni di altri artisti, incisioni provenienti da collezioni a stampa e atlanti botanici.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Sered. 17 ° secolo
Balthasar van der Ast. "Tulipano".1690. Parigi.
Gerard van Spaendo. "Mazzo".
Giacobbe Morrel. "Due Tulipani"
Tulipani.
http://picasaweb.google.com/manon.and.gabrielle/m NpGmI#
I clienti, nobili e borghesi, apprezzavano nelle nature morte che i fiori raffigurati fossero “come se fossero vivi”. Ma queste immagini non erano naturalistiche. Sono romantici e poetici. La natura in loro si trasforma attraverso la pittura.
“Ritratti” di fiori, dipinti su pergamena ad acquerello e tempera, furono creati per album floristici in cui i giardinieri cercavano di immortalare piante strane. Le immagini dei tulipani sono particolarmente numerose. Quasi ogni natura morta olandese contiene tulipani. Nel XVII secolo In Olanda si verificò un vero e proprio boom dei tulipani; a volte una casa veniva ipotecata per un raro bulbo di tulipano.
I tulipani arrivarono in Europa nel 1554. Furono inviati ad Augusta dall'ambasciatore tedesco presso la corte turca, Busbeck. Durante i suoi viaggi per il paese, rimase affascinato dalla vista di questi fiori delicati. Ben presto i tulipani si diffusero in Francia e Inghilterra, Germania e Olanda. I proprietari di bulbi di tulipano a quei tempi erano persone veramente ricche: persone di sangue reale o persone a loro vicine. A Versailles si sono svolte celebrazioni speciali in onore dello sviluppo di nuove varietà.
Non solo i nobili olandesi, ma anche i comuni borghesi potevano permettersi di possedere bellissime nature morte. Il numero di nature morte floreali olandesi è enorme, ma ciò non toglie nulla al loro valore artistico. Dopo le aste, quando la situazione economica dell'Olanda divenne meno brillante, pittoresche collezioni provenienti dalle case borghesi finirono nei palazzi dei nobili e dei re europei.
Il desiderio degli artisti di diversificare la composizione dei loro bouquet li ha costretti a viaggiare in diverse città e a realizzare disegni a grandezza naturale nei giardini degli amanti dei fiori ad Amsterdam, Utrecht, Bruxelles, Haarlem e Leida. Anche gli artisti dovevano attendere il mutare delle stagioni per catturare il fiore desiderato.