Biografia di P Cézanne. Paul Cezanne e il suo famoso Monte Sainte-Victoire. Anni di scuola e formazione del carattere

Biografia

Lavori

Il patrimonio artistico di Cézanne ammonta a più di 800 opere ad olio, senza contare gli acquerelli e altre opere. Nessuno può contare il numero di opere distrutte come imperfette dallo stesso artista nel corso degli anni della sua lunga carriera. percorso creativo. Al Salon d'autunno di Parigi del 1904, un'intera sala fu dedicata all'esposizione dei dipinti di Cézanne. Questa mostra è diventata il primo vero successo, inoltre, un trionfo dell'artista.

Individualità

Le opere di Cézanne portano l'impronta della vita interiore dell'artista. Sono pieni di energia interna di attrazione e repulsione. Inizialmente le contraddizioni erano inerenti sia al mondo mentale dell’artista che alle sue aspirazioni artistiche. Nella vita quotidiana di Cézanne, il temperamento del sud era combinato con la solitudine e l'ascetismo, la pietà - con i tentativi di liberarsi dai vincoli del suo temperamento. tradizioni religiose. Fiducioso nel suo genio, Cézanne fu tuttavia eternamente ossessionato dal timore di non trovare i mezzi esatti per esprimere attraverso i mezzi della pittura ciò che vedeva e voleva esprimere in un dipinto. Parlava sempre della sua incapacità di "realizzare" propria visione, dubitavo sempre di poterlo fare, e ogni nuova foto divenne sia una confutazione che una conferma di ciò.

Evidentemente Cézanne aveva molte paure e fobie, e il suo carattere instabile trovò rifugio e salvezza nell'opera di un pittore. Forse è stata proprio questa circostanza a servire motivo principale lavoro così fanatico di Cézanne sui suoi dipinti. Sospettoso e poco socievole, Cézanne divenne parte integrante del suo lavoro e uomo forte. La creatività lo guarì dalle sue contraddizioni spirituali irrisolte tanto più intensamente e permanentemente.

IN anni maturi il sentimento delle proprie contraddizioni psicologiche e dell'incoerenza del mondo circostante è stato gradualmente sostituito nell'opera di Cézanne da un sentimento non tanto di incoerenza quanto della misteriosa complessità del mondo. Le contraddizioni passarono in secondo piano e venne alla ribalta la comprensione della brevità del linguaggio dell'esistenza stessa. Ma se questo linguaggio è laconico, c’è la possibilità di esprimerlo in un certo numero di segni o forme fondamentali. Fu in questa fase che emersero le opere migliori, più profonde e significative di Cézanne.

I primi lavori

I primi lavori di Cézanne sono caratterizzati da temperamento, scene oscure e segni di assenza Istituto professionale. In base alle loro trame, possono essere classificati come romanticismo, ma la scelta stessa delle trame è sicuramente associata ai gravi problemi mentali dell'autore. Tutto questo nel suo insieme: sia i soggetti delle opere che la scuola di disegno e pittura francamente debole, hanno predeterminato l'impossibilità sia di esporre che di vendere queste opere. Ma è interessante notare quali artisti influenzarono Cézanne in questo periodo. Questi sono Paolo Veronese, Tintoretto, Eugene Delacroix e Honoré Daumier. Questi pittori sono accomunati da uno stile capriccioso, che attraeva il giovane Cézanne, che si distingueva per improvvisi cambiamenti di umore e chiari segni di esperienze emotive complesse e altamente drammatiche.

Paesaggi di Cézanne

Successivamente, conoscenza e collaborazione con Camille Pizarro ha portato la tavolozza di Cezanne a diventare molto più leggera e le sue pennellate a diventare più separate. L'influenza di Pizarro si rifletteva nel fatto che i paesaggi prendevano forma posto chiave nelle opere di Cézanne. È difficile dire che Cézanne non sarebbe arrivato a questo senza Pizarro. Molto probabilmente sarebbe arrivato, ma forse molto più tardi e non in modo così deciso. Nei paesaggi di Pizarro, Cézanne è attratto dalla capacità dell'autore di organizzare lo spazio. Questa caratteristica si è rivelata simile alle aspirazioni interiori dello stesso Cézanne. Ma l’influenza di Pizarro non fece emergere nella pittura di Cézanne gli interessi principali degli impressionisti: la luce e l’aria. Cézanne ha seguito un suo percorso particolare, dettato dalle sue caratteristiche personali. Non era interessato alla variabilità, ma alla stabilità delle combinazioni di colori e forme in natura. Divenne, per così dire, un impressionista al contrario. Se gli impressionisti cercavano innumerevoli opzioni per il cambiamento, e il temporaneo, l'istantaneo nelle loro opere prendeva posto di primo piano, Cézanne cercava l'eterno, qualcosa che non obbedisce al tempo e rimane sempre uguale.

Caratteristica in questo senso è la differenza fondamentale tra i paesaggi di Cezanne e quelli di Pizarro. Non sono affatto interessati a Cézanne piani diversi spazio. Riunisce tutti i piani in un unico campo pittorico, cercando di esprimere non la molteplicità dello spazio, ma la sua integrità e unicità. Le prospettive individuali nei paesaggi di Cézanne sembrano fluttuare l'una sull'altra. Cézanne usa spesso la prospettiva inversa e sferica per sembrare di guardare nello spazio dall'esterno, da qualche parte in un'altra dimensione. Nei paesaggi di Cézanne non ci sono quasi linee assolutamente rette: o si piegano o hanno una pendenza.

Lo stile di Cézanne

Nel suo lavoro, l'artista ha cercato, a costo di sforzi titanici, di conciliare classico e modernità, Poussin e natura, le leggi del grande stile e il diritto alla scelta individuale. Naturalmente, nell'era del trionfo della scelta individuale, nessuno stile poteva più essere un modello per gli artisti, ognuno dei quali ora sceglieva liberamente la propria strada nell'arte, obbedendo esclusivamente alle proprietà interiori della sua anima, e non alle esigenze di la comunità artistica. Pertanto, il compito che Cézanne si era prefissato era, in linea di principio, impossibile, il che predeterminava i costanti dubbi dell’artista. È impossibile affermare allo stesso tempo libertà e canoni. Ma i risultati artistici specifici che Cézanne ottenne nel suo lavoro furono così impressionanti da suscitare il rispetto tra i rappresentanti dei più grandi artisti. direzioni diverse nella pittura.

I dipinti di Cézanne hanno ricordato a tutti gli sperimentatori che la connessione tra classico e modernità è la base per garantire che l'arte dei colori e delle forme non perda i criteri artistici nel processo del suo sviluppo, sostituendoli con la completa arbitrarietà dei pittori che danno priorità esclusivamente all'originalità invece delle leggi dell'armonia e della bellezza. Non è un caso che uno degli artisti le cui opere influenzarono maggiormente Cezanne fu Nicolas Poussin, il massimo rappresentante del classicismo. Il classicismo portava in sé le leggi della stabilità e dell'equilibrio, che corrispondevano in gran parte alla vera natura delle cose, le leggi mondo esistente. I disegni di Poussin, composizioni rigorose e stagionate, equilibrate e armoniose, erano simili a ciò che lo stesso Cézanne cercava nella natura e nella pittura. Cézanne credeva, proprio come i rappresentanti del Rinascimento e del classicismo, che la base dell'esistenza è l'ordine, non il caos, e che la forza creativa mette tutto in ordine, costruendo l'armonia dal caos. Cezanne era anche legato alle barriere protettive che il classicismo poneva sulla strada di un approccio arbitrario alla risoluzione dei problemi pittorici e dei problemi di espressione della forma.

Espressività fine a se stessa, espressività fine a se stessa, uso di certo tecniche pittoriche per creare l'uno o l'altro effetto espressivo, contraddicevano le opinioni di Cézanne, per il quale la pittura non era, prima di tutto, arte, ma un mezzo di cognizione, dando a una persona l'opportunità di entrare direttamente in contatto con certi fondamenti di l'universo. Storicamente, questo approccio, ovviamente, esprimeva il desiderio dello spirito europeo di tornare a qualcosa base religiosa, e in questo senso la pittura di Cézanne può essere paragonata a arte religiosa epoche diverse. Cézanne aveva un atteggiamento negativo nei confronti della pittura di molti dei suoi contemporanei - innovatori, come Gauguin, Van Gogh, Seurat e altri, proprio perché vedeva nelle loro opere il predominio dell'arbitrarietà, dell'interpretazione individuale del mondo sulla ricerca dell'essenza leggi fondamentali della sua reale esistenza, che avrebbe dovuto esprimere in ultima analisi la pittura dello stesso Cézanne. Per lo stesso motivo, Cézanne era un oppositore dell'approccio decorativo nella pittura, perché la decoratività rimuoveva il volume dalla pittura, privando lo spazio del quadro della tridimensionalità. E sebbene la tridimensionalità lo sia pittura- un'illusione creata artificialmente, Cézanne considerava questa illusione la più grande conquista della pittura rinascimentale, perché l'immagine del volume avvicinava la pittura alla realtà, dal punto di vista di Cézanne. Pertanto, Cézanne definì le opere di Gauguin “quadri cinesi dipinti”. Lo stesso Cézanne credeva che le forme della natura formassero in definitiva un'unità organica e che alla base di tutto ciò che esiste c'è un certo numero limitato di forme fondamentali.

La pittura di Cezanne, in un certo senso, divenne una rinascita nell'arte delle antiche tradizioni pitagoriche, sebbene Cezanne, ovviamente, sentisse solo la coincidenza delle sue visioni finali con questa tradizione e non seguisse consapevolmente il pitagorismo. Qui possiamo piuttosto dire che il pitagorismo, a sua volta, esprimeva solo alcune intuizioni caratteristiche di persone diverse epoche storiche, indipendentemente dal fatto che queste persone conoscano o meno le opinioni dei Pitagorici. Ciò significa che Cézanne arrivò per la prima volta alle sue convinzioni da solo, e solo allora si rese conto con quale tradizione erano legate. Cézanne divenne infine il fondatore della pittura delle forme Arte europea, una delle direzioni di cui, subito dopo Cezanne, fu il cubismo. Ma il cubismo, anche nella persona di Picasso, si è rivelato più povero di contenuti rispetto al dipinto di Cezanne, perché ha perso quelle qualità puramente pittoriche, la ricchezza di colore e la scrittura multistrato che Cezanne ha ottenuto come risultato del duro lavoro. Inoltre, il cubismo per Picasso era solo una fase, un esperimento consapevole, gioco d'arte, e non cercando i fondamenti dell'essere, quindi il contenuto interno delle opere di Picasso dell'era cubista è molto più povero di contenuto i migliori lavori Cezanne.

Nel corso del tempo, quando Cézanne si interessò agli acquerelli, ne adottò alcune tecniche pittura ad acquerello nella pittura a olio: iniziò a dipingere su tele bianche, appositamente non primerizzate. Di conseguenza strato di vernice su queste tele diventava più leggero, come se illuminasse dall'interno. Cezanne cominciò a limitarsi a tre colori: verde, blu e ocra, mescolati, naturalmente, al colore bianco della tela stessa. Cézanne aveva bisogno di questo approccio alla scelta dei colori per ottenere il contenuto più significativo con il minimo dei mezzi. risultato artistico. Durante questo periodo, la scultura delle forme su tela, così come la loro generalizzazione, divenne più laconica.

I risultati del lavoro di Cézanne

I risultati del lavoro di Cézanne non possono essere espressi in formulazioni inequivocabili. Molto dipende dalla tradizione all’interno della quale questi risultati vengono interpretati. Se comprendiamo questi risultati non nel quadro paneuropeo, ma specificamente francese tradizione artistica, allora possiamo dire che Cézanne ha cercato ed è riuscito a coniugare nella sua opera due protagonisti Tradizioni francesi: classicismo e romanticismo, intelligenza e passione, equilibrio e slancio, armonia ed esuberanza di sentimenti.

Nella storia dell'arte, è stata la fecondità dei tentativi di Cezanne di creare un nuovo grande stile, e non lo stile stesso di Cezanne come canone artistico, a costituire la sua fama. Ciò è tanto più vero in quanto dalle opere di Cezanne si possono trarre molteplici conclusioni artistiche. Sono multidimensionali, che di per sé è caratteristico di molte opere eccezionali di epoche diverse, ma la multidimensionalità nell'era delle ricerche artistiche libere assume un significato speciale. Ognuno può prendere per sé dalle opere di Cézanne ciò che vuole, e non ciò che il canone artistico precedentemente dettava. Ecco perché il lavoro di Cezanne rimane unico” dispensa d'arte"per gli artisti contemporanei.

La cosa principale quando si percepiscono i dipinti di Cézanne è non cedere alla tentazione di costruire sulla loro base alcuna teoria, artistica o filosofica. Lo stesso Cézanne non ha mai avuto teorie. L'essenza del suo approccio è stata definita proprio dall'assenza di qualsiasi mediazione teorica tra l'artista e la natura delle cose. Lo sguardo diretto, l'assorbimento diretto e la trasmissione della risposta della natura sulla tela erano per lui un approccio naturale alla pittura, che Cézanne considerava un modo di contatto diretto con la verità, che non rientra nel quadro dei pensieri e delle parole.

• Ragazza al pianoforte (Ouverture del Tannhäuser). OK. . Eremo, San Pietroburgo
• Mazzo di fiori in un vaso blu. - . Eremo, San Pietroburgo
• Ponte sulla Marna a Creteil (rive della Marna). - . Museo Pushkin im. A. S. Pushkin, Mosca
• Fumatore. - . Eremo, San Pietroburgo
• Monte S. Vittoria. - . Eremo, San Pietroburgo

Cézanne sull'art

• “Gli artisti dovrebbero dedicarsi interamente allo studio della natura e cercare di creare dipinti che siano istruttivi. Parlare di arte è quasi inutile. Il lavoro che aiuta un uomo a raggiungere il successo nei suoi affari è una compensazione sufficiente per la mancanza di comprensione mostrata dagli sciocchi. Uno scrittore si esprime attraverso le astrazioni, mentre un artista concretizza i suoi sentimenti e percezioni attraverso il disegno e il colore. Un artista non dovrebbe essere troppo scrupoloso, né troppo sincero, né troppo dipendente dalla natura; l’artista è, in misura maggiore o minore, padrone del suo modello e soprattutto del suo mezzo espressivo”.

• “La mia età e la mia salute non mi permetteranno di realizzare il sogno per cui ho lottato per tutta la vita. Ma sarò sempre grato a quegli amanti dell'arte intelligenti che, nonostante la mia esitazione, hanno capito cosa stavo cercando di ottenere per aggiornare la mia arte. Credo che tu non sostituisca il passato con la tua arte, ma aggiungi solo un nuovo collegamento ad esso”.

• “Bisogna andare nella direzione dei classici, ma attraverso la natura, cioè attraverso la sensazione”.

• "Il mio metodo è l'odio immagine fantastica. Scrivo solo la verità."

• “Il colore è il punto in cui il nostro cervello entra in contatto con l’universo.”

• "Voglio colpire Parigi con una carota e una mela."

• “Lavorare senza guardare indietro a nessuno e acquisire forza: questo è l’obiettivo dell’artista. E non me ne frega niente di tutto il resto!”

• “Quando fai anche un piccolo progresso nel tuo lavoro, questa è una ricompensa sufficiente per non essere compreso dagli sciocchi.”

• Traduzione: "Il lavoro che ti rende bravo nel tuo mestiere è una ricompensa sufficiente per essere frainteso dagli sciocchi".

• Un'altra opzione di traduzione: "Il lavoro di un artista, con il quale raggiunge la perfezione nel suo mestiere, è una ricompensa sufficiente per il fatto che gli sciocchi non lo capiscono".

• "L'approvazione degli altri è uno stimolante; a volte bisogna guardarsi da essa. La consapevolezza del proprio potere rende umili."

• “Ho ottenuto un certo successo. Perché così tardi e perché con tanta difficoltà? L'arte è davvero un sacerdozio che richiede anime pure che si sono donati interamente a lui?”

• “Non ho nulla da nascondere nell’arte. Solo la forza originaria, cioè il temperamento, può condurre una persona alla meta che deve raggiungere”.

• "Mi sento come se stessi facendo progressi ogni giorno, anche se molto lentamente."

• “Anche con un temperamento piccolo, puoi essere un vero pittore, e puoi dipingere bene senza essere un colorista speciale e senza una comprensione molto sottile dell'armonia. Basta avere un sentimento artistico, ed è questo sentimento lo spauracchio di tutti i borghesi. Gli istituti, le borse di studio, le distinzioni, sono inventati solo per gli sciocchi, i buffoni e i mascalzoni. Smetti di criticare e inizia a dipingere. La salvezza è in lei”.

• Non ci sono linee né forme, ci sono solo contrasti. Questi contrasti non sono generati dal bianco e nero, ma dalla sensazione del colore. La forma è creata da un preciso rapporto di toni. Quando i toni sono giustapposti armoniosamente e senza omissioni, l'immagine si crea da sola.

• L'effetto coloristico è la cosa principale nell'immagine, rende l'immagine un tutt'uno, la organizza; questo effetto dovrebbe basarsi su una macchia di colore dominante.

• Modello e colore sono inseparabili; Mentre scrivi, disegna, e quanto più armonioso diventa il colore, tanto più accurato diventa il disegno. Quando il colore raggiunge ricchezza più grande, il modulo diventa completo. I contrasti e le relazioni tonali sono l'intero segreto del disegno e della modellazione.

• "Il dipinto è qui, dentro", disse, colpendosi la fronte.

Maslenitsa

Questo dipinto di Cézanne ha anche un altro nome tradizionale: "Pierrot e Arlecchino". Cézanne ci ha lavorato per due anni, il che non era affatto adatto all'artista un caso raro. Pertanto, modelli in opere che si trascinano per molto tempo, solitamente c'erano conoscenti e parenti dell'artista: nessun altro avrebbe accettato di posare decine o centinaia di volte. Naturalmente, dopo le prime sedute, Cezanne avrebbe potuto scrivere a memoria, ma principi artistici Cézanne rifiutò completamente questo approccio. L'artista doveva vedere ciò che stava dipingendo per non cedere alla tentazione del casuale, soggetto al desiderio di espressività e di interpretazione della natura. Suo figlio Paul ha posato per Cézanne nel costume di Arlecchino e l'amico di suo figlio Louis Guillaume ha posato nel costume di Pierrot.

La vivida trama di quest'opera di Cézanne ha fatto sì che i critici d'arte e gli spettatori non professionisti vogliano attribuirle un'idea speciale o un significato speciale. Ma qui in realtà non c'è niente di tutto ciò. Cézanne, come sempre, ha cercato a Maslenitsa di trovare risposte a domande puramente artistiche e sensuali, risposte che non possono essere formulate a parole. Sì, i movimenti di Pierrot e Arlecchino, se guardati bene, sono tesi e spezzati, come se queste persone fossero marionette controllate dalla mano di un burattinaio invisibile, ma è sbagliato pensare che così fosse piano ideologico artista: originale o maturato in corso d'opera. Cézanne non ha mai inserito significati così diretti e simbolici nel suo lavoro.

Ciò che attira l'attenzione non è lo strato di eventi “esterno” dell'opera, cioè cosa e chi è raffigurato su di essa, ma come viene raffigurato esattamente. Innanzitutto si tratta di una strana irregolarità prospettica per un approccio lineare: le figure di Pierrot e Arlecchino esistono come in dimensioni spaziali diverse. I personaggi nella foto vanno in vacanza insieme, ma dentro spazio artistico le opere sembrano essere separate in diversi sistemi di coordinate. Ciò non è casuale, ma non è in alcun modo collegato all’idea dei burattini umani che giacciono in superficie per un osservatore esterno. Cezanne ha lavorato a Maslenitsa per così tanto tempo solo perché voleva sentire e percepire sensualmente qualcosa di importante per se stesso. Ciò che era importante per Cézanne in questo periodo era il desiderio di vedere come funziona il mondo nei suoi “eidos” spaziali. Il tentativo di svelare le caratteristiche dello spazio formato dalla natura stessa ha portato ai movimenti fratturati e tesi dei personaggi del dipinto. L'opera, come molte altre opere chiave di Cézanne, è essenzialmente incompiuta, anche se questo quasi non si riflette nel suo strato esterno: la trama è espressa, la composizione sembra essere completata. Ma la completezza della ricerca, anche nell’ambito di un piccolo passo, in un’unica opera, era generalmente assolutamente insolita per Cézanne, che era in movimento costante alla verità artisticamente espressa. Da questo punto di vista, Cezanne, in linea di principio, non può aver completato le opere, quindi “Maslenitsa” semplicemente non va oltre la regola generale per Cezanne.

Galleria

Letteratura

• Yavorskaya N.V. Cezanne. - M., 1936.
• Perryucho A. Cezanne. Per. dal francese - M., 1966.
• Comp. Yavorskaya N.V. Paul Cézanne: corrispondenza. Memorie dei contemporanei. - M., 1972.
• Comp. Barskaya A. L. Paul Cézanne: album. - 1975.
• Lindsay J. Paolo Cézanne. Per. dall'inglese = J. Lindsay. Cézanne: la sua vita e l'arte. - L.: Evelyn, Adams e Mackay, 1969. - M.: Arte, 1989. - P. 416 pp. - ISBN 5-210-00021-4
• Venturi L. V. 1-2 // Cézanne, son arte, son oeuvre. - Parigi, 1936.
• Rewald J. Il calvario di Paul Cézanne. - Londra, 1950.
• Novotny F. Cezanne und das Ende wissenschftlicher Perspektive. - Vienna, 1938.
• Badt K. Die Kunst Cézannes. - Monaco, 1956.

Collegamenti

Paul Cézanne (francese Paul Cézanne; 1839-1906) - Artista francese-pittore, brillante rappresentante post impressionismo.

BIOGRAFIA DELL'ARTISTA

Paul Cezanne è nato il 19 gennaio 1839 nell'antica città francese di Aix-en-Provence. L'unico figlio di un padre rude e avido, Paul, da bambino non aveva praticamente nulla a che fare con la pittura, ma ha ricevuto un'ottima educazione in altri settori. Studiare è stato facile ed efficace per lui. Ha ricevuto costantemente premi scolastici in latino, greco e in matematica.

Il disegno e la pittura erano inclusi nel corso delle discipline obbligatorie, ma nella sua giovinezza Paul non vinse alcun alloro speciale in questo campo. È interessante notare che il premio annuale di disegno del college è andato a un compagno di classe del giovane Cézanne, il futuro classicista Emile Zola. Vale la pena notare che i due eccezionali francesi sono riusciti a portare avanti la loro forte amicizia infantile per tutta la vita. Sì e scelta percorso di vita Ero quasi completamente determinato dal consiglio amichevole di Emil.

Nel 1858, Cézanne superò gli esami di laurea presso l'Università di Aix, entrando nella facoltà di diritto operante presso l'università. Completamente privo di interesse per la legge, il giovane Paul fu costretto a farlo su insistenza del suo genitore prepotente. Ha “soffrito” in questa scuola per due anni, e durante questo periodo ha preso fermamente la decisione di dedicarsi alla pittura.

Il figlio e il padre riuscirono a raggiungere un compromesso: Louis Auguste dotò suo figlio di un laboratorio dove, tra una pratica legale e l'altra, poteva dedicare tempo allo studio abilità artistica sotto la direzione dell'artista locale Joseph Gibert.

Nel 1861, il padre mandò comunque il figlio a Parigi per una vera formazione pittorica. Visitando l'Atelier Suisse, l'impressionabile Paul Cezanne, sotto l'influenza di artisti locali, si allontanò rapidamente dallo stile accademico e iniziò la ricerca proprio stile. Ritornato brevemente ad Aix, Paul seguì poi nuovamente il suo amico Zola nella capitale. Sta cercando di entrare all'Ecole de Bozar, ma gli esaminatori hanno considerato il lavoro che ha presentato troppo “violento”, il che, tuttavia, non era poi così lontano dalla realtà.

Tuttavia, 23 anni è l'età pieno di speranza, e Cézanne, non troppo turbato, continuava a scrivere. Ogni anno presenta le sue creazioni al Salon. Ma la giuria esigente ha respinto tutti i dipinti dell’artista. L'orgoglio ferito ha costretto Cézanne a immergersi sempre più profondamente nel suo lavoro, sviluppando gradualmente il proprio stile. Alcuni riconoscimenti, insieme ad altri impressionisti, arrivarono a Cézanne a metà degli anni '70. Diversi ricchi borghesi acquistarono molte delle sue opere.

Nel 1869 Maria-Hortensia Fike divenne la moglie di Paul. Hanno vissuto insieme per quarant'anni. Cézanne, sua moglie e suo figlio Paul si spostavano costantemente da un posto all'altro, finché finalmente, nel 1885, Ambroise Vollard organizzò mostra personale artista. Ma i debiti legati alla morte della madre costringono l'artista a vendere la tenuta di famiglia. A cavallo del secolo apre proprio studio, continuando a lavorare instancabilmente fino al 22 ottobre 1906, una polmonite interrompe il suo complesso e fruttuoso percorso di vita.

CREAZIONE

Avvicinatosi presto a Camille Pissarro, Édouard Manet e Claude Monet, Cézanne partecipò alle mostre impressioniste nel 1874 e nel 1877, ma già in questo periodo stava prendendo forma il suo sistema pittorico. Fondamentalmente divergendo da questo periodo dal metodo dell'impressionismo, Paul Cézanne non era interessato alla dinamica dell'ambiente luce-aria e alla variabilità del colore nell'atmosfera, ma ai modelli stabili di combinazioni e forme di colori, alla materialità del soggetto E mondi naturali(“Casa dell'Impiccato ad Auvers”, 1872-1873, Museo d'Orsay, Parigi).

Comprendendo con perseveranza queste leggi, Cézanne dedicò molto tempo allo sviluppo dello stesso motivo alla ricerca della costruttività strutturale. forme naturali(numerose immagini della montagna Sainte-Victoire, tra cui al Corthold Institute, Londra, 1887; all'Hermitage, San Pietroburgo, intorno al 1900; e in altre collezioni).

Operando principalmente con gradazioni di tre colori primari (verde, blu e giallo), a volte sottili e trasparenti, a volte in netto contrasto, applicate con tratti corposi densi, li usò per indicare i piani spaziali e il grado di illuminazione. Il peso materiale della trama colorata è armoniosamente combinato nelle opere di Cezanne con un design audace e laconico, una forma scultorea strutturalmente chiara, plasticamente generalizzata e un chiaro equilibrio compositivo (“Autoritratto”, 1879-1885, “Pierrot e Arlecchino” , 1888, “Pesche e pere”, 1895, - tutto nel Museo Pushkin, Mosca).

Nei paesaggi con la loro ampia copertura panoramica di un paesaggio pieno di luce, Cézanne realizza un'epopea maestosa ("Le rive della Marna", 1888, Museo statale Belle Arti, Mosca).

Nelle nature morte, sottolineando la struttura dell'oggetto, come se lo appesantisse con l'aiuto di texture colorate e l'uso del colore puro, l'artista rivela materialità e rigorosa plasticità mondo oggettivo(“Vaso di geranio e frutta”, 1890-1894, Metropolitan Museum of Art; “Natura morta con drappeggio”, 1898-1899, Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo). L'opera di Cézanne, uno dei principali maestri del postimpressionismo, che si sforzò di creare una sorta di arte classica, privo di tutto ciò che è transitorio e fugace, alla rivelazione della grandezza immutabile e dell'equilibrio armonioso della natura, l'unità organica delle sue forme, ha avuto un'enorme influenza sia su molti artisti del XX secolo che su interi movimenti arti visive, che, di regola, sviluppava aspetti individuali dell'eredità di Cézanne (cubismo, raggismo, cosiddetta pittura simultanea, ecc.).

Nel suo lavoro, l'artista ha cercato, a costo di sforzi titanici, di conciliare classico e modernità, Poussin e natura, le leggi del grande stile e il diritto alla scelta individuale. Naturalmente, nell'era del trionfo della scelta individuale, nessuno stile poteva più essere un modello per gli artisti, ognuno dei quali ora sceglieva liberamente la propria strada nell'arte, obbedendo esclusivamente alle proprietà interiori della sua anima, e non alle esigenze di la comunità artistica. Pertanto, il compito che Cézanne si era prefissato era, in linea di principio, impossibile, il che predeterminava i costanti dubbi dell’artista. È impossibile affermare allo stesso tempo libertà e canoni. Ma i risultati artistici specifici che Cézanne ottenne nel suo lavoro furono così impressionanti da suscitare rispetto tra i rappresentanti di vari movimenti pittorici.

La pittura di Cezanne, in un certo senso, divenne una rinascita nell'arte delle antiche tradizioni pitagoriche, sebbene Cezanne, ovviamente, sentisse solo la coincidenza delle sue visioni finali con questa tradizione e non seguisse consapevolmente il pitagorismo. Qui possiamo piuttosto dire che il pitagorismo, a sua volta, esprimeva solo alcune intuizioni caratteristiche di persone di diverse epoche storiche, indipendentemente dal fatto che queste persone conoscano o meno le opinioni dei pitagorici. Ciò significa che Cézanne arrivò per la prima volta alle sue convinzioni da solo, e solo allora si rese conto con quale tradizione erano legate.

Cezanne alla fine divenne il fondatore della pittura delle forme nell'arte europea, una delle direzioni della quale, subito dopo Cezanne, fu il cubismo. Ma il cubismo, anche nella persona di Picasso, si è rivelato più povero di contenuti rispetto al dipinto di Cezanne, perché ha perso quelle qualità puramente pittoriche, la ricchezza di colore e la scrittura multistrato che Cezanne ha ottenuto come risultato del duro lavoro. Inoltre, il cubismo per Picasso era solo un palcoscenico, un esperimento consapevole, un gioco artistico e non una ricerca dei fondamenti dell'essere, quindi il contenuto interno delle opere di Picasso dell'era cubista è molto più povero del contenuto delle migliori opere di Cézanne .

Nel corso del tempo, quando Cézanne si interessò agli acquerelli, trasferì alcune delle tecniche della pittura ad acquerello alla pittura a olio: iniziò a dipingere su tele bianche, appositamente non primerizzate. Di conseguenza, lo strato di vernice su queste tele è diventato più leggero, come se brillasse dall'interno. Cezanne cominciò a limitarsi a tre colori: verde, blu e ocra, mescolati, naturalmente, al colore bianco della tela stessa. Cézanne aveva bisogno di questo approccio alla scelta dei colori per ottenere il risultato artistico più significativo con il minimo dei mezzi. Durante questo periodo, la scultura delle forme su tela, così come la loro generalizzazione, divenne più laconica.

Il patrimonio artistico di Cézanne ammonta a più di 800 opere ad olio, senza contare gli acquerelli e altre opere. Nessuno può contare il numero di opere distrutte come imperfette dallo stesso artista nel corso degli anni del suo lungo percorso creativo. Al Salon d'autunno di Parigi del 1904, un'intera sala fu dedicata all'esposizione dei dipinti di Cézanne. Questa mostra è diventata il primo vero successo, inoltre, un trionfo dell'artista.

Le opere di Cézanne portano l'impronta della vita interiore dell'artista. Sono pieni di energia interna di attrazione e repulsione. Inizialmente le contraddizioni erano inerenti sia al mondo mentale dell’artista che alle sue aspirazioni artistiche. Nella vita quotidiana di Cézanne, il temperamento del sud era combinato con la solitudine e l'ascetismo, la pietà - con i tentativi di liberarsi dalle tradizioni religiose che vincolavano il suo temperamento. Fiducioso nel suo genio, Cézanne fu tuttavia eternamente ossessionato dal timore di non trovare i mezzi esatti per esprimere attraverso i mezzi della pittura ciò che vedeva e voleva esprimere in un dipinto. Ha sempre parlato della sua incapacità di "realizzare" la propria visione, ha sempre dubitato di poterlo fare, e ogni nuova immagine ne è diventata sia una confutazione che una conferma.

Evidentemente Cézanne aveva molte paure e fobie, e il suo carattere instabile trovò rifugio e salvezza nell'opera di un pittore. Forse è stata proprio questa circostanza a servire come motivo principale del lavoro fanatico di Cézanne sui suoi dipinti. Sospettoso e poco socievole, Cézanne divenne una persona integra e forte nel suo lavoro. La creatività lo guarì dalle sue contraddizioni spirituali irrisolte tanto più intensamente e permanentemente.

DICHIARAZIONI DELL'ARTISTA SULL'ART

“Gli artisti dovrebbero dedicarsi interamente allo studio della natura e cercare di creare dipinti che siano istruttivi. Parlare di arte è quasi inutile. Il lavoro che aiuta un uomo a raggiungere il successo nei suoi affari è una compensazione sufficiente per la mancanza di comprensione mostrata dagli sciocchi. Uno scrittore si esprime attraverso le astrazioni, mentre un artista concretizza i suoi sentimenti e percezioni attraverso il disegno e il colore. Un artista non dovrebbe essere troppo scrupoloso, né troppo sincero, né troppo dipendente dalla natura; l’artista è, in misura maggiore o minore, padrone del suo modello e soprattutto del suo mezzo espressivo”.

“La mia età e la mia salute non mi permetteranno di realizzare il sogno per cui ho lottato per tutta la vita. Ma sarò sempre grato a quegli amanti dell'arte intelligenti che, nonostante la mia esitazione, hanno capito cosa stavo cercando di ottenere per aggiornare la mia arte. Credo che tu non sostituisca il passato con la tua arte, ma aggiungi solo un nuovo collegamento ad esso”.

“Bisogna andare nella direzione dei classici, ma attraverso la natura, cioè attraverso la sensazione”.

“Il mio metodo è l’odio per l’immagine fantastica. Scrivo solo la verità."

“Il colore è il punto in cui il nostro cervello entra in contatto con l’universo.”

"Voglio colpire Parigi con una carota e una mela."

“Lavorare senza guardare indietro a nessuno e acquisire forza: questo è l’obiettivo dell’artista. E non me ne frega niente di tutto il resto!”

“Quando fai anche un piccolo progresso nel tuo lavoro, questa è una ricompensa sufficiente per non essere compreso dagli sciocchi.”

Traduzione: "Il lavoro che ti rende bravo nel tuo mestiere è una ricompensa sufficiente per essere frainteso dagli sciocchi".

Un'altra opzione di traduzione: "Il lavoro di un artista, con il quale raggiunge la perfezione nel suo mestiere, è una ricompensa sufficiente per il fatto che gli sciocchi non lo capiscono".

“L’approvazione degli altri è uno stimolo, da cui a volte bisogna guardarsi. La coscienza della propria forza rende umili”.

“Ho ottenuto un certo successo. Perché così tardi e perché con tanta difficoltà? L'arte è davvero un sacerdozio che richiede anime pure che vi si dedichino interamente?

“Non ho nulla da nascondere nell’arte. Solo la forza originaria, cioè il temperamento, può condurre una persona alla meta che deve raggiungere”.

"Mi sento come se stessi facendo progressi ogni giorno, anche se molto lentamente."

“Anche con un temperamento piccolo, puoi essere un vero pittore, e puoi dipingere bene senza essere un colorista speciale e senza una comprensione molto sottile dell'armonia. Basta avere un sentimento artistico, ed è questo sentimento lo spauracchio di tutti i borghesi. Gli istituti, le borse di studio, le distinzioni, sono inventati solo per gli sciocchi, i buffoni e i mascalzoni. Smetti di criticare e inizia a dipingere. La salvezza è in lei”.

Non ci sono linee né forme, ci sono solo contrasti. Questi contrasti non sono generati dal bianco e nero, ma dalla sensazione del colore. La forma è creata da un preciso rapporto di toni. Quando i toni sono giustapposti armoniosamente e senza omissioni, l'immagine si crea da sola.

L'effetto coloristico è la cosa principale nell'immagine, rende l'immagine un tutt'uno, la organizza; questo effetto dovrebbe basarsi su una macchia di colore dominante.

Modello e colore sono inseparabili; Mentre scrivi, disegna, e quanto più armonioso diventa il colore, tanto più accurato diventa il disegno. Quando il colore raggiunge la sua massima ricchezza, la forma diventa completa. I contrasti e le relazioni tonali sono l'intero segreto del disegno e della modellazione.

"Il dipinto è qui, dentro", disse, colpendosi la fronte.

BIBLIOGRAFIA

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Paul Cézanne (1839–1906) è un famoso artista francese, uno dei rappresentanti del postimpressionismo.

Paolo Cézanne. Auto ritratto

Biografia di Paul Cézanne

nei primi anni

L'artista è nato nel 1839 nella città di Aix-en-Provence, nel sud della Francia. Suo padre era un famoso usuraio, anche se molti lo consideravano avido e malvagio. Nella sua infanzia, Cézanne non era affatto attratto dalla pittura; studiò altre scienze. Si è diplomato al liceo e poi è andato al college, dove ha ricevuto un'educazione tradizionale. È stato studente diligente, era eccellente in molte scienze, per alcune ha anche ricevuto premi. Fino alla fine della sua vita scrisse poesie.

Fin dalla giovane età l'artista era interessato all'arte, ma non sapeva fare nulla. Al liceo il disegno era inserito nell'elenco delle materie obbligatorie, ne fu attratto e dall'età di 15 anni studiò presso scuola d'arte, ma non ha mai ricevuto il premio annuale per migliori disegni. Le prime opere di Cézanne si distinguono per la loro oscurità e gli evidenti difetti in termini di tecnica del disegno, che dimostrano la sua mancanza di professionalità. Le trame dei dipinti possono essere attribuite maggiormente al romanticismo, ma le idee di tali trame sono associate a stato mentale artista.

Casa dell'Impiccato

Vita e arte

Lavori Paolo Cézanne contenerne particelle mondo interiore. I quadri ti attraggono, ma allo stesso tempo ti respingono. Il pittore era spesso tormentato da sentimenti contrastanti. L'artista era troppo sicuro di sé, ma allo stesso tempo aveva sempre paura di non riuscire a mostrare accuratamente la sua idea nella foto. Era sempre insoddisfatto di non poter immaginare ciò che voleva sulla tela, spesso dubitava di se stesso. Paul aveva i nervi vacillanti ed aveva costantemente paura di qualcosa. La pittura lo ha aiutato a trovare la pace. Il lavoro lo ha aiutato a ritrovare se stesso. Con il passare degli anni, la sua incoerenza lasciò il posto a pensieri sul mistero e sull'incomprensibilità del mondo.

Nelle sue opere, Cézanne ha cercato disperatamente di mescolare classici e arte Moderna. Questo compito era impossibile da completare e questa era la causa della sua frustrazione. Ma anche quelle opere che ha creato sono state forzate grande quantità gli spettatori e gli altri artisti iniziano a rispettarlo. I dipinti dell’artista servivano a ricordare agli altri che in ogni momento bisogna ricordare i classici e mantenere, almeno un po’, il contatto con essi.

Biografia di Paul Cézanne aggiornato: 12 settembre 2017 da: Valentina

Paul Cézanne (francese Paul Cézanne; 1839-1906) è un artista-pittore francese, un importante rappresentante del postimpressionismo.

Cézanne nasce ad Aix-en-Provence il 19 gennaio 1839. Era l'unico figlio di un padre prepotente ed è cresciuto nella tranquilla Aix-en-Provence, l'antica capitale della provincia Francia meridionale, 15 miglia nell'entroterra di Marsiglia. Il padre dell'artista, Louis-Auguste Cézanne, sicuro di sé e determinato, si recò a Parigi per studiare il commercio dei cappelli. Ritornato ad Aix dopo diversi anni di apprendistato, investe i suoi risparmi nel commercio all'ingrosso e nel commercio all'ingrosso commercio al dettaglio cappelli, ci riuscì e col tempo cominciò a prestare soldi ai fabbricanti di feltri. Ben presto quest'uomo "rude e avido" - così lo ricordavano gli amici d'infanzia di Cézanne - divenne l'usuraio di maggior successo ad Aix.

Da bambino Cézanne aveva poca idea della buona pittura, ma sotto molti altri aspetti ricevette un'ottima educazione. Dopo la laurea Scuola superiore Frequentò la Saint Joseph's School e poi studiò al Collège Bourbon dai 13 ai 19 anni. La sua educazione fu pienamente coerente con la tradizione e con le esigenze sociali e religiose del tempo. Cezanne ha studiato bene e ha ricevuto numerosi premi in matematica, latino e Lingue greche. Per tutta la sua vita successiva, lesse con entusiasmo autori classici, scrisse poesie latine e francesi e prima Gli ultimi giorni ha potuto citare a memoria intere pagine di Apuleio, Virgilio e Lucrezio.

CON nei primi anni Cézanne era attratto dall'arte, ma, a prima vista, non aveva talenti pronunciati. Il disegno era materia obbligatoria sia alla scuola di San Giuseppe che al Collège Bourbon, e all'età di 15 anni iniziò a frequentare la libera accademia di disegno. Tuttavia, Cézanne non ricevette mai il premio annuale per il disegno al college: gli venne assegnato nel 1857 migliore amico il giovane Paul - Emile Zola.

Il patrimonio artistico di Cézanne è costituito da più di 800 opere ad olio, senza contare gli acquerelli e altre opere. Nessuno può contare il numero di opere distrutte come imperfette dallo stesso artista nel corso degli anni del suo lungo percorso creativo. Al Salon d'autunno di Parigi del 1904, un'intera sala fu dedicata all'esposizione dei dipinti di Cézanne. Questa mostra è diventata il primo vero successo, inoltre, un trionfo dell'artista.

Le opere di Cézanne portano l'impronta della vita interiore dell'artista. Sono pieni di energia interna di attrazione e repulsione. Inizialmente le contraddizioni erano inerenti sia al mondo mentale dell’artista che alle sue aspirazioni artistiche. Nella vita quotidiana di Cézanne, il temperamento del sud era combinato con la solitudine e l'ascetismo, la pietà - con i tentativi di liberarsi dalle tradizioni religiose che vincolavano il suo temperamento. Fiducioso nel suo genio, Cézanne fu tuttavia eternamente ossessionato dal timore di non trovare i mezzi esatti per esprimere attraverso i mezzi della pittura ciò che vedeva e voleva esprimere in un dipinto. Ha sempre parlato della sua incapacità di "realizzare" la propria visione, ha sempre dubitato di poterlo fare, e ogni nuova immagine ne è diventata sia una confutazione che una conferma.

Cézanne, ovviamente, era caratterizzato da molte paure e fobie, e il suo carattere instabile trovò rifugio e salvezza nell'opera di un pittore. Forse è stata proprio questa circostanza a servire come motivo principale del lavoro fanatico di Cézanne sui suoi dipinti. Sospettoso e poco socievole, Cézanne divenne una persona integra e forte nel suo lavoro. La creatività lo guarì dalle sue contraddizioni spirituali irrisolte tanto più intensamente e permanentemente.

Negli anni maturi, il sentimento delle proprie contraddizioni psicologiche e dell'incoerenza del mondo circostante è stato gradualmente sostituito nell'opera di Cézanne da un sentimento non tanto di incoerenza quanto della misteriosa complessità del mondo. Le contraddizioni passarono in secondo piano e venne alla ribalta la comprensione della brevità del linguaggio dell'esistenza stessa. Ma se questo linguaggio è laconico, c’è la possibilità di esprimerlo in un certo numero di segni o forme fondamentali. Fu in questa fase che emersero le opere migliori, più profonde e significative di Cézanne.

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