"Giocatori di carte"

Autore

Paolo Cézanne

Un paese Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile post impressionismo

L'artista è nato nel sud della Francia, nella piccola città di Aix-en-Provence, ma ha iniziato a dipingere a Parigi. Vero successoè arrivato a lui dopo una mostra personale organizzata dal collezionista Ambroise Vollard. Nel 1886, 20 anni prima della sua partenza, si trasferì in periferia città natale. I giovani artisti chiamavano i suoi viaggi “un pellegrinaggio ad Aix”.

130x97 centimetri
1895
prezzo
$ 250 milioni
venduto nel 2012
all'asta privata

Il lavoro di Cézanne è facile da capire. L'unica regola dell'artista era il trasferimento diretto di un oggetto o di una trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non causano sconcerto nello spettatore. Cezanne ha combinato nella sua arte due principali Tradizioni francesi: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di trame colorate, ha dato alla forma degli oggetti una straordinaria plasticità.

La serie di cinque dipinti “Giocatori di carte” fu dipinta nel 1890–1895. La loro trama è la stessa: molte persone giocano con entusiasmo al poker. Le opere differiscono solo per il numero dei giocatori e per la dimensione della tela.

Quattro dipinti sono conservati in musei in Europa e in America (Museo d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e il quinto, fino a poco tempo fa, era un ornamento della collezione privata dell'armatore miliardario greco Georg Embirikos. Poco prima di morire, nell'inverno del 2011, decise di metterlo in vendita. I potenziali acquirenti dell’opera “gratuita” di Cezanne erano il mercante d’arte William Acquavella e il gallerista di fama mondiale Larry Gagosian, che offrirono circa 220 milioni di dollari per essa. Di conseguenza, il dipinto è andato alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni e nel febbraio 2012 è stato concluso il più grande affare d'arte nella storia della pittura. Lo ha riferito la giornalista Alexandra Pierce su Vanity Fair. Ha scoperto il costo del dipinto e il nome del nuovo proprietario, quindi l'informazione è penetrata nei media di tutto il mondo.

Nel 2010 sono stati aperti in Qatar il Museo Arabo di Arte Moderna e il Museo Nazionale del Qatar. Ora le loro collezioni stanno crescendo. Forse la quinta versione di The Card Players fu acquistata dallo sceicco per questo scopo.

Piùdipinto costosonel mondo

Proprietario
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

La dinastia al-Thani governa il Qatar da oltre 130 anni. Circa mezzo secolo fa qui furono scoperte enormi riserve di petrolio e gas, che resero immediatamente il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi, questo piccolo paese ha il più grande PIL pro capite. Lo sceicco Hamad bin Khalifa al-Thani prese il potere nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei familiari. Il merito dell'attuale sovrano, secondo gli esperti, sta nella chiara strategia per lo sviluppo del Paese e nella creazione di un'immagine di successo dello Stato. Il Qatar ora ha una costituzione e un primo ministro, e le donne hanno il diritto di voto alle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'emiro del Qatar a fondare il canale di notizie Al-Jazeera. Le autorità dello stato arabo prestano grande attenzione alla cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile espressionismo astratto

Jack the Sprinkler - questo era il soprannome dato a Pollock dal pubblico americano per la sua particolare tecnica pittorica. L'artista ha abbandonato pennello e cavalletto e ha versato la vernice sulla superficie della tela o del pannello di fibra durante un movimento continuo attorno e all'interno di essi. CON nei primi anni amava la filosofia di Jiddu Krishnamurti, il cui messaggio principale è che la verità viene rivelata durante una libera “effusione”.

122x244 cm
1948
prezzo
$ 140 milioni
venduto nel 2006
all'asta Sotheby's

Il valore del lavoro di Pollock non sta nel risultato, ma nel processo. Non è un caso che l’autore chiami la sua arte “action painting”. Con la sua mano leggera, divenne la principale risorsa dell'America. Jackson Pollock ha mescolato vernice con sabbia, vetro rotto, ma scriveva con un cartoncino, una spatola, un coltello, una paletta. L'artista era così popolare che negli anni '50 furono trovati imitatori anche in URSS. Il dipinto “Numero 5” è riconosciuto come uno dei più strani e costosi al mondo. Uno dei fondatori della DreamWorks, David Geffen, lo acquistò per una collezione privata e nel 2006 lo vendette all'asta di Sotheby's per 140 milioni di dollari al collezionista messicano David Martinez. Tuttavia, lo studio legale ha presto emesso un comunicato stampa per conto del suo cliente, affermando che David Martinez non era il proprietario del dipinto. Solo una cosa è certa: il finanziere messicano c’è davvero Ultimamente raccolte di opere d'arte moderna. Difficilmente si sarebbe perso un “pesce grosso” come “Numero 5” di Pollock.

3

"Donna III"

Autore

Willem de Kooning

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile espressionismo astratto

Originario dei Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948 ebbe luogo mostra personale artista. I critici d'arte apprezzarono le complesse e nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore un grande artista modernista. Ha sofferto di alcolismo per gran parte della sua vita, ma la gioia di creare nuova arte si avverte in ogni opera. De Kooning si distingue per l'impulsività della sua pittura e per i tratti ampi, motivo per cui a volte l'immagine non rientra nei confini della tela.

121x171 cm
1953
prezzo
$ 137 milioni
venduto nel 2006
all'asta privata

Negli anni ’50, nei dipinti di de Kooning apparvero donne con gli occhi vuoti, il seno massiccio e i lineamenti brutti. "Woman III" è stata l'ultima opera di questa serie ad essere messa all'asta.

Dagli anni '70, il dipinto era conservato nel Museo d'Arte Moderna di Teheran, ma dopo l'introduzione di rigide regole morali nel paese, hanno cercato di liberarsene. Nel 1994, l’opera fu esportata dall’Iran e 12 anni dopo il suo proprietario David Geffen (lo stesso produttore che vendette “Number 5” di Jackson Pollock) vendette il dipinto al milionario Steven Cohen per 137,5 milioni di dollari. È interessante notare che in un anno Geffen iniziò a svendere la sua collezione di dipinti. Ciò ha dato origine a molte voci: ad esempio, che il produttore abbia deciso di acquistare il quotidiano Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte è stata espressa un'opinione sulla somiglianza di “Donna III” con il dipinto “Dama con l'ermellino” di Leonardo da Vinci. Dietro il sorriso a trentadue denti e la figura informe dell'eroina, l'intenditore della pittura vedeva la grazia di una persona di sangue reale. Ciò è evidenziato anche dalla corona mal disegnata che corona la testa della donna.

4

"Ritratto di AdeleBloch-Bauer I"

Autore

Gustav Klimt

Un paese Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile moderno

Gustav Klimt nacque nella famiglia di un incisore ed era il secondo di sette figli. I tre figli di Ernest Klimt divennero artisti, ma solo Gustav divenne famoso in tutto il mondo. Ha trascorso gran parte della sua infanzia in povertà. Dopo la morte del padre, divenne responsabile dell'intera famiglia. Fu in questo periodo che Klimt sviluppò il suo stile. Qualsiasi spettatore si blocca davanti ai suoi dipinti: il franco erotismo è chiaramente visibile sotto i sottili tratti d'oro.

138x136cm
1907
prezzo
$ 135 milioni
venduto nel 2006
all'asta Sotheby's

Il destino del dipinto, che si chiama " Mona austriaca Lisa”, potrebbe facilmente diventare la base per un bestseller. Il lavoro dell’artista ha causato un conflitto tra un intero stato e una signora anziana.

Quindi, il “Ritratto di Adele Bloch-Bauer I” raffigura un’aristocratica, la moglie di Ferdinand Bloch. Il suo ultimo desiderio era consegnare il dipinto all'austriaco Galleria di Stato. Tuttavia Bloch annullò la donazione nel suo testamento e i nazisti espropriarono il dipinto. Successivamente, la Galleria acquistò con difficoltà l'Adele d'oro, ma poi apparve un'ereditiera: Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.

Nel 2005 è iniziato il processo di alto profilo "Maria Altmann contro la Repubblica d'Austria", a seguito del quale il film "è partito" con lei per Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: si sono svolte trattative sui prestiti, la popolazione ha donato denaro per acquistare il ritratto. Il bene non ha mai sconfitto il male: Altman ha alzato il prezzo a 300 milioni di dollari. Al momento del procedimento aveva 79 anni ed è passata alla storia come la persona che ha cambiato il testamento di Bloch-Bauer a favore degli interessi personali. Il dipinto fu acquistato da Ronald Lauder, proprietario della New Gallery di New York, dove si trova ancora oggi. Non per l'Austria, per lui Altman ha ridotto il prezzo a 135 milioni di dollari.

5

"Grido"

Autore

Edvard Munch

Un paese Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

Il primo dipinto di Munch, divenuto famoso in tutto il mondo, “La ragazza malata” (ne esistono cinque copie) è dedicato alla sorella dell’artista, morta di tubercolosi all’età di 15 anni. Munch è sempre stato interessato al tema della morte e della solitudine. In Germania la sua pittura pesante e maniacale provocò addirittura uno scandalo. Tuttavia, nonostante i soggetti depressivi, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi "Scream" per esempio.

73,5x91 cm
1895
prezzo
$ 119,992 milioni
venduto 2012
all'asta Sotheby's

Il titolo completo del dipinto è Der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco come “il grido della natura”). Il volto di un essere umano o di un alieno esprime disperazione e panico, le stesse emozioni che lo spettatore prova guardando l'immagine. Uno di opere chiave l'espressionismo mette in guardia da temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una versione, l'artista lo ha creato sotto l'influenza di un disturbo mentale di cui ha sofferto per tutta la vita.

Il dipinto è stato rubato due volte diversi musei, ma è stata restituita. Leggermente danneggiato dopo il furto, L'Urlo è stato restaurato ed è stato nuovamente esposto al Museo Munch nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, l'opera è diventata una fonte di ispirazione: Andy Warhol ne ha creato una serie di copie stampate e la maschera del film "Scream" è stata realizzata a immagine e somiglianza dell'eroe del film.

Munch ha scritto quattro versioni dell'opera per un soggetto: quella che si trova in una collezione privata è realizzata a pastello. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non si è pentito di “Scream” importo record. Fondatore di Apollo Advisors, L.P. e i Consulenti Lions, L.P. noto per il suo amore per l'arte. Black è un mecenate del Dartmouth College, del Museum of Modern Art e del Lincoln Art Center. Museo Metropolitano arti Lui ha collezione più grande dipinti artisti contemporanei e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di un busto e foglie verdi"

Autore

Pablo Picasso

Un paese Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

È spagnolo di origine, ma per spirito e luogo di residenza è un vero francese. Picasso aprì il suo studio d'arte a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi andò a Parigi e trascorse maggior parte vita. Ecco perché il suo cognome ha il doppio accento. Lo stile inventato da Picasso si basa sulla negazione dell'idea che un oggetto raffigurato su tela possa essere visto solo da un'angolazione.

130x162 centimetri
1932
prezzo
$ 106,482 milioni
venduto nel 2010
all'asta Christie's

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato la ballerina Olga Khokhlova, che presto divenne sua moglie. Ha posto fine al vagabondaggio e si è trasferito con lei in un lussuoso appartamento. A quel punto, il riconoscimento aveva trovato l'eroe, ma il matrimonio era stato distrutto. Una delle più quadri costosi il mondo è stato creato quasi per caso - da Grande amore, che, come sempre con Picasso, fu di breve durata. Nel 1927 si interessò alla giovane Marie-Therese Walter (lei aveva 17 anni, lui 45). Segretamente da sua moglie, partì con la sua amante in una città vicino a Parigi, dove dipinse un ritratto, raffigurante Maria Teresa nell'immagine di Dafne. La tela fu acquistata dal commerciante di New York Paul Rosenberg e nel 1951 la vendette a Sidney F. Brody. I Brody mostrarono il dipinto al mondo solo una volta e solo perché l'artista aveva compiuto 80 anni. Dopo la morte del marito, la signora Brody ha messo l'opera all'asta da Christie's nel marzo 2010. Nel corso di sessant’anni, il prezzo è aumentato più di 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto lo acquistò per 106,5 milioni di dollari. Nel 2011, in Gran Bretagna si è svolta una "mostra di un dipinto", dove è stato pubblicato per la seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Il sesso e le feste lo sono gli unici posti dove devi apparire di persona", ha detto l'artista cult della pop art, regista, uno dei fondatori della rivista Interview, il designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Harper's Bazaar, ha disegnato copertine di dischi e disegnato scarpe per l'azienda I.Miller. Negli anni '60 apparvero dipinti raffiguranti simboli dell'America: zuppa Campbell e Coca-Cola, Presley e Monroe, che lo resero una leggenda.

358x208cm
1963
prezzo
$ 100 milioni
venduto nel 2008
all'asta privata

Gli anni '60 di Warhol erano il nome dato all'era della pop art in America. Nel 1962 lavora a Manhattan presso lo studio Factory, dove si riuniscono tutti i bohémien di New York. I suoi rappresentanti di spicco: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e altri personaggi famosi nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha testato la tecnica della serigrafia: ripetizione ripetuta di un'immagine. Ha utilizzato questo metodo anche durante la creazione di “The Eight Elvises”: allo spettatore sembra di vedere le riprese di un film in cui la star prende vita. Qui c'è tutto ciò che l'artista ha amato così tanto: un'immagine pubblica vantaggiosa per tutti, il colore argento e una premonizione di morte come messaggio principale.

Ci sono due galleristi d'arte che promuovono oggi il lavoro di Warhol sul mercato mondiale: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. Il primo ha speso 200 milioni di dollari nel 2008 per acquisire più di 15 opere di Warhol. Il secondo compra e vende i suoi quadri come cartoline di Natale, solo a un prezzo più alto. Ma non furono loro, bensì il modesto consulente d’arte francese Philippe Segalot ad aiutare l’intenditore d’arte romano Annibale Berlinghieri a vendere “Otto Elvis” a un acquirente sconosciuto per una cifra record per Warhol: 100 milioni di dollari.

8

"Arancia,Rosso Giallo"

Autore

Marco Rothko

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile espressionismo astratto

Uno dei creatori della pittura a colori è nato a Dvinsk, in Russia (ora Daugavpils, in Lettonia), in una numerosa famiglia di farmacista ebreo. Nel 1911 emigrarono negli Stati Uniti. Rothko studiò al dipartimento d'arte dell'Università di Yale e vinse una borsa di studio, ma i sentimenti antisemiti lo costrinsero a lasciare gli studi. Nonostante tutto, i critici d'arte idolatrarono l'artista e i musei lo perseguitarono per tutta la vita.

206x236cm
1961
prezzo
$ 86,882 milioni
venduto nel 2012
all'asta Christie's

Primo esperienze artistiche I dipinti di Rothko erano di orientamento surrealista, ma col tempo semplificò la trama in macchie di colore, privandole di ogni oggettività. All’inizio avevano sfumature brillanti, e negli anni ’60 divennero marroni e viola, fino a diventare neri al momento della morte dell’artista. Mark Rothko ha messo in guardia dal cercare qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore ha voluto dire esattamente quello che ha detto: solo colore che si dissolve nell'aria, e niente più. Consigliava di osservare le opere da una distanza di 45 cm, in modo che lo spettatore venisse “attirato” nel colore, come in un imbuto. Fai attenzione: la visione secondo tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè la consapevolezza dell'infinito, la completa immersione in se stessi, il rilassamento e la purificazione arrivano gradualmente. Il colore nei suoi dipinti vive, respira e ha un forte impatto emotivo (si dice, a volte curativo). L’artista ha dichiarato: “Lo spettatore dovrebbe piangere mentre li guarda”, e casi del genere sono realmente accaduti. Secondo la teoria di Rothko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale vissuta da lui mentre lavorava al dipinto. Se tu potessi capirlo così livello sottile, allora non ti sorprenderà che i critici spesso paragonino queste opere d’arte astratta alle icone.

L’opera “Orange, Red, Yellow” esprime l’essenza della pittura di Mark Rothko. Il suo prezzo iniziale all’asta di Christie’s a New York è di 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo doppio rispetto a quello stimato. Il nome del fortunato proprietario del dipinto, come spesso accade, non viene reso noto.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Un paese
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Bacon, omonimo assoluto e anche lontano discendente del grande filosofo, iniziarono quando suo padre lo rinnegò, incapace di accettare le inclinazioni omosessuali del figlio. Bacon andò prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce si confusero in tutta Europa. Durante la sua vita, le sue opere furono esposte in importanti mostre centri culturali mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5x198 cm (ciascuno)
1976
prezzo
$ 86,2 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's

I musei prestigiosi cercavano di possedere i dipinti di Bacon, ma il pubblico inglese non aveva fretta di sborsare per tale arte. Il leggendario primo ministro britannico Margaret Thatcher disse di lui: “L’uomo che dipinge questi quadri terrificanti”.

L'artista stesso considerava il dopoguerra il periodo di inizio del suo lavoro. Di ritorno dal servizio, riprese a dipingere e creò importanti capolavori. Prima della partecipazione a “Trittico, 1976”, l’opera più costosa di Bacon era “Studio per un ritratto di papa Innocenzo X” (52,7 milioni di dollari). Nel “Trittico, 1976” l'artista ha raffigurato la trama mitica della persecuzione di Oreste da parte delle Furie. Naturalmente Oreste è lo stesso Bacone e le Furie sono il suo tormento. Per più di 30 anni il dipinto è stato in una collezione privata e non ha partecipato a mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta il costo. Ma cosa sono pochi milioni per un intenditore d'arte, per di più generoso? Roman Abramovich iniziò a creare la sua collezione negli anni '90, nella quale fu notevolmente influenzato dalla sua amica Dasha Zhukova, che divenne Russia moderna gallerista alla moda. Secondo dati non ufficiali, l'uomo d'affari possiede personalmente opere di Alberto Giacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a 100 milioni di dollari. Nel 2008 diventa proprietario del Trittico. A proposito, nel 2011 è stata acquisita un'altra preziosa opera di Bacon: "Tre schizzi per un ritratto di Lucian Freud". Fonti nascoste dicono che Roman Arkadyevich divenne di nuovo l'acquirente.

10

"Laghetto con ninfee"

Autore

Claude Monet

Un paese Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L’artista è riconosciuto come il fondatore dell’impressionismo, che ha “brevettato” questo metodo nelle sue tele. La prima opera significativa è stata il dipinto “Colazione sull'erba” (la versione originale dell'opera di Edouard Manet). Nella sua giovinezza disegnava caricature, e vero dipinto intrapreso durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aria aperta. A Parigi condusse uno stile di vita bohémien e non lo abbandonò nemmeno dopo aver prestato servizio nell'esercito.

210x100cm
1919
prezzo
$ 80,5 milioni
venduto nel 2008
all'asta Christie's

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, era anche appassionato di giardinaggio e amava molto animali selvatici e fiori. Nei suoi paesaggi lo stato della natura è momentaneo, gli oggetti sembrano sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è rafforzata da grandi tratti; da una certa distanza diventano invisibili e si fondono in un'immagine strutturata e tridimensionale. Nei dipinti del defunto Monet, il tema dell'acqua e della vita in essa occupa un posto speciale. Nella città di Giverny, l'artista aveva il suo stagno, dove coltivava ninfee dai semi portati appositamente dal Giappone. Quando i loro fiori sbocciarono, iniziò a dipingere. La serie “Ninfee” è composta da 60 opere che l'artista ha dipinto nell'arco di quasi 30 anni, fino alla sua morte. La sua vista è peggiorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, del periodo dell'anno e del tempo, l'aspetto dello stagno cambiava costantemente e Monet voleva catturare questi cambiamenti. Attraverso un lavoro attento, è arrivato a comprendere l'essenza della natura. Alcuni dei dipinti della serie sono conservati nelle principali gallerie del mondo: Museo Nazionale Arte occidentale(Tokyo), Orangerie (Parigi). Una versione del successivo "Stagno con ninfee" è andata nelle mani di un acquirente sconosciuto per una cifra record.

11

Falsa stella T

Autore

Jasper Johns

Un paese Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò alla scuola di design di New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Kooning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del XX secolo. Nel 2012 ha ricevuto la Medaglia Presidenziale della Libertà, la più alta onorificenza civile degli Stati Uniti.

137,2x170,8 centimetri
1959
prezzo
$ 80 milioni
venduto nel 2006
all'asta privata

Come Marcel Duchamp, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurandoli su tela e in scultura nel pieno rispetto dell'originale. Per le sue opere ha utilizzato oggetti semplici e comprensibili: una bottiglia di birra, una bandiera o delle carte. Non esiste una composizione chiara nel film False Start. L’artista sembra giocare con lo spettatore, spesso etichettando “erroneamente” i colori nel dipinto, invertendo il concetto stesso di colore: “Volevo trovare un modo per rappresentare il colore in modo che potesse essere determinato con qualche altro metodo”. Il suo dipinto più esplosivo e “incerto”, secondo i critici, è stato acquistato da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutonudosul divano"

Autore

Amedeo Modigliani

Un paese Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Modigliani fu spesso malato fin dall'infanzia; durante un delirio febbrile, riconobbe il suo destino di artista. Studiò disegno a Livorno, Firenze, Venezia e nel 1906 andò a Parigi, dove fiorì la sua arte.

65x100 centimetri
1917
prezzo
$ 68,962 milioni
venduto nel 2010
all'asta Sotheby's

Nel 1917 Modigliani incontrò la diciannovenne Jeanne Hébuterne, che divenne la sua modella e poi sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per 31,3 milioni di dollari, l'ultimo record prima della vendita di "Nudo seduto su un divano" nel 2010. Il dipinto è stato acquistato da un acquirente sconosciuto per il prezzo massimo per Modigliani a questo momento prezzo. Le vendite attive di opere sono iniziate solo dopo la morte dell’artista. Morì in povertà, malato di tubercolosi, e il giorno dopo anche Jeanne Hébuterne, incinta di nove mesi, si suicidò.

13

"Aquila su un pino"

Autore

Qi Baishi

Un paese Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile Guohua

L'interesse per la calligrafia ha portato Qi Baishi alla pittura. All'età di 28 anni divenne allievo dell'artista Hu Qingyuan. Il Ministero della Cultura cinese gli ha conferito il titolo di "Grande Artista" persone cinesi", nel 1956 ricevette Premio Internazionale pace.

10×26 cm
1946
prezzo
$ 65,4 milioni
venduto nel 2011
all'asta Guardiano della Cina

Qi Baishi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante a cui molti non attribuiscono importanza, e questa è la sua grandezza. Un uomo senza istruzione divenne un professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso disse di lui: “Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina c’è Qi Baishi”. La composizione “Aquila su un pino” è riconosciuta come l’opera più grande dell’artista. Oltre alla tela, comprende due rotoli di geroglifici. Per la Cina l’importo per l’acquisto dell’opera rappresenta un record: 425,5 milioni di yuan. Il solo rotolo dell'antico calligrafo Huang Tingjian è stato venduto per 436,8 milioni.

14

"1949-A-N. 1"

Autore

Clyfford Ancora

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile espressionismo astratto

All’età di 20 anni visitai il Metropolitan Museum of Art di New York e rimasi deluso. Successivamente si iscrisse a un corso presso la Student Arts League, ma se ne andò 45 minuti dopo l'inizio della lezione: si rivelò "non adatto a lui". La prima mostra personale ha suscitato risonanza, l'artista ha ritrovato se stesso e con essa il riconoscimento

79x93cm
1949
prezzo
$ 61,7 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's

Still lasciò in eredità tutte le sue opere, più di 800 tele e 1.600 opere su carta, ad una città americana dove verrà aperto un museo a lui intitolato. Denver divenne una città del genere, ma la sola costruzione risultò costosa per le autorità e per completarla furono messe all'asta quattro opere. È improbabile che le opere di Still vengano nuovamente messe all'asta, il che ha aumentato il loro prezzo in anticipo. Il dipinto “1949-A-No.1” è stato venduto per una cifra record per l’artista, anche se gli esperti avevano previsto una vendita massima di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematista"

Autore

Kazimir Malevich

Un paese Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile Suprematismo

Malevich ha studiato pittura a Kiev scuola d'arte, poi all'Accademia delle arti di Mosca. Nel 1913 iniziò a dipingere quadri geometrici astratti in uno stile che chiamò Suprematismo (dal latino “dominanza”).

71x88,5 cm
1916
prezzo
$ 60 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's

Il dipinto è stato conservato nel Museo della Città di Amsterdam per circa 50 anni, ma dopo una disputa durata 17 anni con i parenti di Malevich, il museo lo ha ceduto. L’artista dipinse quest’opera nello stesso anno del “Manifesto del Suprematismo”, quindi Sotheby’s annunciò ancor prima dell’asta che non sarebbe stata venduta per meno di 60 milioni di dollari. collezione privata. E così è successo. È meglio guardarlo dall'alto: le figure sulla tela ricordano una veduta aerea della terra. A proposito, qualche anno prima, gli stessi parenti avevano espropriato un'altra “Composizione suprematista” dal Museo MoMA per venderla all'asta Phillips per 17 milioni di dollari.

16

"Bagnanti"

Autore

Paolo Gauguin

Un paese Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile post impressionismo

Fino all'età di sette anni, l'artista ha vissuto in Perù, poi è tornato in Francia con la famiglia, ma i suoi ricordi d'infanzia lo hanno spinto costantemente a viaggiare. In Francia iniziò a dipingere e divenne amico di Van Gogh. Trascorse anche diversi mesi con lui ad Arles, finché Van Gogh non gli tagliò l'orecchio durante una lite.

93,4x60,4 cm
1902
prezzo
$ 55 milioni
venduto nel 2005
all'asta Sotheby's

Nel 1891 Gauguin organizzò una vendita dei suoi dipinti per utilizzare il ricavato per viaggiare nelle profondità dell'isola di Tahiti. Lì ha creato opere in cui ci si sente connessione sottile natura e uomo. Gauguin viveva in una capanna dal tetto di paglia e sulle sue tele sbocciava un paradiso tropicale. Sua moglie era la tahitiana Tehura, 13 anni, il che non ha impedito all'artista di intrattenere relazioni promiscue. Avendo contratto la sifilide, partì per la Francia. Tuttavia, lì era affollato per Gauguin e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato il "secondo tahitiano": fu allora che fu dipinto il dipinto "Bagnanti", uno dei più lussuosi della sua opera.

17

"Narcisi e tovaglia nei toni del blu e del rosa"

Autore

Henri Matisse

Un paese Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fauvismo

Nel 1889 Henri Matisse venne colpito da un attacco di appendicite. Quando si stava riprendendo da un intervento chirurgico, sua madre gli comprò dei colori. All'inizio Matisse copiò cartoline a colori per noia, poi copiò le opere di grandi pittori che vide al Louvre e all'inizio del XX secolo inventò uno stile: il fauvismo.

65,2x81 cm
1911
prezzo
$ 46,4 milioni
venduto nel 2009
all'asta Christie's

Dipinto "Narcisi e tovaglia in blu e toni rosa» appartenne a lungo a Yves Saint Laurent. Dopo la morte dello stilista, tutta la sua collezione d'arte passò nelle mani del suo amico e amante Pierre Berger, che decise di metterla all'asta da Christie's. La perla della collezione venduta era il dipinto “Narcisi e una tovaglia nei toni del blu e del rosa”, dipinto su una normale tovaglia invece che su tela. Come esempio di Fauvismo, è pieno dell'energia del colore, i colori sembrano esplodere e urlare. Della famosa serie di dipinti dipinti su tovaglie, oggi quest'opera è l'unica presente in una collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

RoyLee

htenstein

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York e, dopo essersi diplomato, è andato in Ohio, dove ha frequentato corsi d'arte. Nel 1949 il Liechtenstein conseguì il master belle arti. Il suo interesse per i fumetti e la sua capacità di usare l'ironia lo hanno reso un artista di culto del secolo scorso.

91x91cm
1964
prezzo
$ 44,882 milioni
venduto nel 2012
all'asta Sotheby's

Un giorno, la gomma da masticare cadde nelle mani di Lichtenstein. Ha ridisegnato l'immagine dall'inserto su tela ed è diventato famoso. Questa storia tratta dalla sua biografia contiene l'intero messaggio della pop art: il consumo è il nuovo dio e non esiste l'involucro di caramelle di gomma da masticare. meno bellezza che nella Gioconda. I suoi dipinti ricordano fumetti e cartoni animati: Lichtenstein ha semplicemente ingrandito l'immagine finita, ha disegnato raster, ha utilizzato la serigrafia e la serigrafia. Il dipinto “La ragazza addormentata” è appartenuto per quasi 50 anni ai collezionisti Beatrice e Philip Gersh, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Pie Mondrian

Un paese Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile neoplasticismo

Mio vero nome– Cornelis – l’artista cambiò in Mondrian quando si trasferì a Parigi nel 1912. Insieme all'artista Theo van Doesburg fondò il movimento del Neoplasticismo. Il linguaggio di programmazione Piet prende il nome da Mondrian.

27x127cm
1944
prezzo
$ 40 milioni
venduto nel 1998
all'asta Sotheby's

L'artista più “musicale” del Novecento si guadagnava da vivere con le nature morte acquerellate, anche se divenne famoso come artista neoplastico. Si trasferì negli Stati Uniti negli anni '40 e lì trascorse il resto della sua vita. Il jazz e New York sono ciò che lo ha ispirato di più! Dipinto “Vittoria. Boogie-Woogie" ne è il miglior esempio. I caratteristici quadrati netti sono stati ottenuti utilizzando il nastro adesivo, il materiale preferito di Mondrian. In America fu definito “l’immigrato più famoso”. Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent lanciò abiti “Mondrian” famosi in tutto il mondo con grandi stampe a quadri.

20

"Composizione n. 5"

Autore

BasilicoKandinsky

Un paese Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca e suo padre era della Siberia. Dopo la rivoluzione, cercò di collaborare con il governo sovietico, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non erano state create per lui, e non senza difficoltà emigrò in Germania.

275x190cm
1911
prezzo
$ 40 milioni
venduto nel 2007
all'asta Sotheby's

Kandinsky fu uno dei primi ad abbandonare completamente la pittura di oggetti, per la quale ricevette il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti furono classificati come “arte degenerata” e non furono esposti da nessuna parte. Nel 1939 Kandinsky prese la cittadinanza francese e a Parigi partecipò liberamente al processo artistico. I suoi quadri “suonano” come fughe, per questo molti vengono chiamati “composizioni” (il primo è stato scritto nel 1910, l'ultimo nel 1939). “Composizione n. 5” è una delle opere chiave di questo genere: “La parola “composizione” mi suonava come una preghiera”, ha detto l'artista. A differenza di molti dei suoi seguaci, progettò ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se stesse scrivendo degli appunti.

21

"Studio di una donna in blu"

Autore

Fernando Léger

Un paese Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-post-impressionismo

Léger ha ricevuto una formazione in architettura e poi ha frequentato l'Ecole des Beaux-Arts di Parigi. L'artista si considerava un seguace di Cézanne, era un apologista del cubismo e nel XX secolo ebbe successo anche come scultore.

96,5x129,5cm
1912-1913
prezzo
$ 39,2 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's

David Norman, presidente del dipartimento internazionale dell'impressionismo e del modernismo di Sotheby's, ritiene che l'enorme cifra pagata per “The Lady in Blue” sia completamente giustificata. L'immagine appartiene a famosa collezione Leger (l'artista ha dipinto tre dipinti su un soggetto, l'ultimo dei quali è oggi in mani private. - Ndr), e la superficie della tela è stata conservata nella sua forma originale. L'autore stesso ha donato quest'opera alla galleria Der Sturm, poi è finita nella collezione di Hermann Lang, collezionista tedesco di modernismo, e ora appartiene ad un acquirente sconosciuto.

22

“Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernesto LudovicoKirchner

Un paese Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per Espressionismo tedesco Kirchner è diventato una persona iconica. Tuttavia autorità locali Lo accusarono di aderire all'"arte degenerata", che influenzò tragicamente il destino dei suoi dipinti e la vita dell'artista, che si suicidò nel 1938.

95x121cm
1913
prezzo
$ 38,096 milioni
venduto nel 2006
all'asta Christie's

Dopo essersi trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. È stato ispirato dal trambusto e dal nervosismo della grande città. Nel dipinto, venduto nel 2006 a New York, lo stato ansioso dell'artista è particolarmente sentito: le persone in una strada di Berlino assomigliano a uccelli: aggraziate e pericolose. Fu l'ultima opera della famosa serie venduta all'asta; le altre sono conservate nei musei. Nel 1937 i nazisti trattarono Kirchner duramente: 639 delle sue opere furono confiscate. gallerie tedesche, distrutti o venduti all'estero. L'artista non potrebbe sopravvivere a questo.

23

"Vacanzesta"ballerino"

Autore

Edgar Degas

Un paese Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di Degas come artista inizia con il suo lavoro come copista al Louvre. Sognava di diventare “famoso e sconosciuto” e alla fine ci è riuscito. Alla fine della sua vita, sordo e cieco, l'ottantenne Degas continuò a frequentare mostre e aste.

64x59 cm
1879
prezzo
$ 37,043 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's

"Le ballerine sono sempre state per me solo una scusa per rappresentare tessuti e catturare il movimento", ha detto Degas. Scene della vita delle ballerine sembrano essere state spiate: le ragazze non posano per l’artista, ma semplicemente diventano parte dell’atmosfera catturata dallo sguardo di Degas. “Resting Dancer” fu venduto per 28 milioni di dollari nel 1999 e meno di 10 anni dopo fu acquistato per 37 milioni di dollari: oggi è l’opera più costosa dell’artista mai messa all’asta. Molta attenzione Degas prestò attenzione alle montature, le disegnò lui stesso e proibì che venissero modificate. Mi chiedo quale cornice è installata sul dipinto venduto?

24

"Pittura"

Autore

Joan Mirò

Un paese Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile spagnola, l'artista si schierò dalla parte repubblicana. Nel 1937 fuggì dal regime fascista a Parigi, dove visse in povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Mirò dipinse il dipinto “Aiuta la Spagna!”, attirando l'attenzione di tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 centimetri
1927
prezzo
$ 36,824 milioni
venduto nel 2012
all'asta Sotheby's

Il secondo titolo del dipinto è “ Stella blu" L'artista lo dipinse nello stesso anno in cui annunciò: “Voglio uccidere la pittura” e derideva senza pietà le tele, graffiando la vernice con i chiodi, incollando piume sulla tela, ricoprendo le opere di spazzatura. Il suo obiettivo era sfatare i miti sul mistero della pittura, ma dopo aver affrontato questo, Miro ha creato il suo mito: l'astrazione surreale. La sua “Pittura” appartiene al ciclo dei “quadri onirici”. All’asta, quattro acquirenti si sono battuti per questo, ma una telefonata in incognito ha risolto la controversia e “Pittura” è diventata il dipinto più costoso dell’artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein

Un paese Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile pittura monocroma

L'artista è nato in una famiglia di pittori, ma ha studiato lingue orientali, navigazione, il mestiere di doratore di cornici, buddismo Zen e molto altro ancora. La sua personalità e le sue buffonate sfacciate erano molte volte più interessanti dei dipinti monocromi.

153x199x16cm
1960
prezzo
$ 36,779 milioni
venduto nel 2012
all'asta di Christie's

La prima mostra di opere monocromatiche gialle, arancioni e rosa non suscitò interesse del pubblico. Klein si offese e la volta successiva presentò 11 tele identiche, dipinte con blu oltremare mescolato con una speciale resina sintetica. Ha persino brevettato questo metodo. Il colore è passato alla storia come “internazionale”. Colore blu Klein." L’artista vendeva anche il vuoto, creava dipinti esponendo la carta alla pioggia, dando fuoco al cartone, realizzando stampe del corpo di una persona su tela. In una parola, ho sperimentato come meglio potevo. Per creare “Blue Rose” ho utilizzato pigmenti secchi, resine, sassolini e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

Sir Lawrence Alma-Tadema

Un paese Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile neoclassicismo

Lo stesso Sir Lawrence aggiunse al suo cognome il prefisso “alma” per poter essere elencato per primo nei cataloghi d'arte. IN Inghilterra vittoriana i suoi dipinti erano così richiesti che all'artista fu assegnato il cavalierato.

213,4x136,7 cm
1902
prezzo
$ 35,922 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's

Il tema principale del lavoro di Alma-Tadema era l'antichità. Nei dipinti ci ha provato i più piccoli dettagli per rappresentare l'era dell'Impero Romano, per questo ho anche studiato scavi archeologici sulla penisola appenninica, e nella sua casa londinese riprodusse gli interni storici di quegli anni. Soggetti mitologici divenne per lui un'altra fonte di ispirazione. L'artista era estremamente richiesto durante la sua vita, ma dopo la sua morte fu rapidamente dimenticato. Ora l'interesse sta rinascendo, come dimostra il costo del dipinto “Alla ricerca di Mosè”, che è sette volte superiore alla stima pre-vendita.

27

"Ritratto di funzionario nudo addormentato"

Autore

Luciano Freud

Un paese Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile pittura figurativa

L'artista è il nipote di Sigmund Freud, il padre della psicoanalisi. Dopo l'instaurazione del fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò in Gran Bretagna. Le opere di Freud si trovano al Wallace Collection Museum di Londra, dove nessun artista contemporaneo ha mai esposto in precedenza.

219,1x151,4 cm
1995
prezzo
$ 33,6 milioni
venduto nel 2008
all'asta Christie's

Mentre gli artisti alla moda del 20° secolo creavano “macchie di colore sul muro” positive e le vendevano per milioni, Freud dipingeva quadri estremamente naturalistici e li vendeva a prezzi ancora più alti. "Catturo le grida dell'anima e la sofferenza della carne che sfiorisce", ha detto. I critici ritengono che tutto ciò sia “l’eredità” di Sigmund Freud. I dipinti furono esposti e venduti così attivamente che gli esperti iniziarono a dubitare: hanno proprietà ipnotiche? Il ritratto di un ufficiale nudo addormentato, venduto all'asta, secondo il Sun, è stato acquistato da un intenditore di bellezza e dal miliardario Roman Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

Xuno Gris

Un paese Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è diplomato alla Scuola di Arti e Mestieri. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nella cerchia degli artisti più influenti dell'epoca: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, e lavorò anche con Sergei Diaghilev e la sua troupe.

5x100cm
1913
prezzo
$ 28,642 milioni
venduto nel 2010
all'asta Christie's

Gris, di a parole mie, era impegnato in “un’architettura planare e colorata”. I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato un solo tratto casuale, il che rende la creatività simile alla geometria. L'artista creò la propria versione del cubismo, sebbene rispettasse molto Pablo Picasso, il padre fondatore del movimento. Il successore gli dedicò addirittura la sua prima opera in stile cubista, “Omaggio a Picasso”. Il dipinto “Violino e chitarra” è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell’artista. Durante la sua vita, Gris fu famoso e favorito da critici e critici d'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo e sono conservate in collezioni private.

29

"RitrattoCampi di Eluard"

Autore

Salvador Dalì

Un paese Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo sono io", disse Dalì quando fu espulso dal gruppo surrealista. Nel tempo divenne l'artista surrealista più famoso. Il lavoro di Dalì è ovunque, non solo nelle gallerie. Ad esempio, è stato lui a inventare la confezione di Chupa Chups.

25x33 cm
1929
prezzo
$ 20,6 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's

Nel 1929, il poeta Paul Eluard e sua moglie russa Gala vennero a visitare il grande provocatore e attaccabrighe Dalì. L'incontro fu l'inizio di una storia d'amore durata più di mezzo secolo. Durante questa visita storica è stato dipinto il dipinto “Ritratto di Paul Eluard”. "Ho sentito che mi era stata affidata la responsabilità di catturare il volto del poeta, dal cui Olimpo ho rubato una delle muse", ha detto l'artista. Prima di incontrare Gala, era vergine ed era disgustato al pensiero di fare sesso con una donna. Triangolo amoroso esistette fino alla morte di Eluard, dopo di che divenne il duetto Dali-Gala.

30

"Anniversario"

Autore

Marc Chagall

Un paese Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile avanguardia

Moishe Segal nacque a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, cambiò nome e si avvicinò ai principali artisti d'avanguardia dell'epoca. Negli anni '30, durante la presa del potere da parte dei nazisti, partì per gli Stati Uniti con l'aiuto del console americano. Ritornò in Francia solo nel 1948.

80x103cm
1923
prezzo
$ 14,85 milioni
venduto nel 1990
all'asta di Sotheby's

Il dipinto "Anniversario" è riconosciuto come uno dei i migliori lavori artista. Contiene tutte le caratteristiche del suo lavoro: le leggi fisiche del mondo vengono cancellate, il sentimento di una fiaba è preservato nello scenario della vita borghese e l'amore è al centro della trama. Chagall non disegnava le persone dalla vita, ma solo dalla memoria o dall'immaginazione. Il dipinto “Anniversario” raffigura l’artista stesso e sua moglie Bela. Il dipinto è stato venduto nel 1990 e da allora non è più stato messo all'asta. È interessante notare che il MoMA del Museum of Modern Art di New York ospita esattamente lo stesso, solo sotto il nome "Compleanno". A proposito, è stato scritto prima, nel 1915.

preparato il progetto
Tatiana Palasova
la valutazione è stata compilata
secondo l'elenco www.art-spb.ru
rivista tmn n. 13 (maggio-giugno 2013)

Elenco di artisti surrealisti (con dipinti), sia moderni che alcuni classici. Seguendo il link potrete arrivare all'articolo dove potrete visionarlo più foto e racconta in dettaglio l'artista.

Artisti surrealisti. Galleria. Elenco.

Tutti i surrealisti presenti sul mio sito sono raccolti qui. Le immagini sono cliccabili; se passi il mouse sopra l'immagine, verrà visualizzato il titolo e facendo clic sull'immagine verrai indirizzato a un articolo con l'artista. Dopo la galleria c'è un elenco di artisti con breve descrizione, un dipinto di ciascun artista e, ancora, il link all'articolo. Per chi è più conveniente, più breve.

Artisti surrealisti. Salvador Dalì.

Non c'è bisogno di presentarlo. Cos’è il surrealismo senza Salvador Dalì? Ho tutta una serie di articoli su El Salvador sul sito: vedi la sezione Salvador Dalì nella colonna di destra del sito. Di seguito sono riportati gli articoli più popolari.

Artisti surrealisti. Renè Magritte.

Questo è il secondo pilastro su cui poggia il surrealismo moderno. L'esatto opposto di Salvador, divenne comunque uno degli artisti surrealisti più riconoscibili di tutti i tempi. I dipinti di Magritte sono come enigmi con uno strano senso dell'umorismo, in contrasto con il flusso violento dei desideri subconsci e delle fobie di Dalì. Basta guardare il dipinto “Figlio dell'uomo” e “Il tradimento delle immagini” (il famoso “questa non è una pipa”).

La Memoire (La memoria)

Artisti surrealisti contemporanei. Alexey Ezhov.

Alexey Ezhov è un surrealista russo che dipinge quadri nello stile dei maestri olandesi. Mi ricorda un po' Bosch. Ama disegnare animali meccanizzati. I motivi preferiti sono i pesci e le persone in un ambiente medievale.

Artisti surrealisti del nostro tempo. Jacek Jerka

Jacek Jerka è un maestro polacco che ha preso molto anche dalle tecniche degli artisti olandesi. Funziona nel genere dell'illustrazione surreale. I motivi preferiti sono il revival dei meccanismi (come la sveglia dei dinosauri) e la natura. Si distingue per la passione per i dettagli meticolosi e la composizione sovraccarica nelle sue opere.

narodziny_zycia, uno dei dipinti di Jacek Jerka per il film di Daalder “Strawberry Fields”

Artisti surrealisti. Yuri Laptev.

Laptev è un artista della Crimea. Funziona in un modo piuttosto insolito per i surrealisti tecnica dell'acquerello. Come Yerka, Laptev è allo stesso tempo un surrealista e un illustratore. Nonostante l’evidente surrealismo delle opere, si possono trovare immagini familiari a tutti i “nati in URSS”.

Artisti surrealisti. Johnson Tsang.

Tsang è uno scultore surrealista di Hong Kong. Un amante del collegamento degli esseri viventi con gli esseri non viventi o degli esseri umani con le piante. Specializzata in ceramica e fusione di acciaio inossidabile. Molte delle sue creazioni decorano gli aeroporti di Hong Kong.

Scultura in ceramica.

Giuseppe Arcimboldo.

Giuseppe non è proprio un surrealista, ma gli è vicino come chiunque altro. È interessante notare che questo artista ha vissuto e lavorato molto prima di Salvador Dalì e persino di Giorgio de Chirico. Online la gente si è innamorata dei suoi ritratti vegetali. Sono dell'opinione che, dal punto di vista puramente tecnico, non sia meno surrealista dei surrealisti moderni, perché l'unica cosa che lo distingue dai surrealisti “veri” è l'assenza di un'ideologia corrispondente. La tecnica artistica e l'originalità sono sorprendenti. Non ho dubbi che i suoi dipinti grotteschi godessero di un notevole successo tra gli aristocratici.

Dipinto dal ciclo elementare – Acqua

Dipinti surreali di Vasko Taskovski.

Questo è uno dei miei artisti preferiti. È poco conosciuto dal grande pubblico, ma invano. Nato in Jugoslavia. I suoi dipinti sono sorprendenti nella loro qualità epica. Inoltre, è uno dei pochi artisti che può vantare una forte personalità. Solo una persona estremamente lontana dall'arte potrebbe confondere i suoi dipinti, ad esempio, con El Salvador. I motivi preferiti sono i cavalli e l'ambiente.

Sur deco di Boris Indrikov.

Indrikov è un artista surrealista russo che lavora all'intersezione tra Art Nouveau, surrealismo e realismo fantastico. I suoi dipinti sembrano surreali, ma allo stesso tempo delicati e decorativi. Anche uno dei miei artisti preferiti. Sta bene in un museo ed è bello da appendere al muro, e sta benissimo sulla pagina di un libro.

L'artista surrealista russo Vladimir Kush.

Vladimir Kush è un altro artista surrealista. Lavora in uno stile in qualche modo simile a Salvador Dalì. Tuttavia, un occhio esperto determinerà inequivocabilmente di chi è l'immagine. Anche un bel lavoro. Così piacevole e contemplativo. Non forte come Vasco, più un artista commerciale. Come Indrikov, piacerà anche a chi non ama particolarmente il surrealismo. I motivi preferiti sono le farfalle.

Libro dei libri

Artisti surrealisti. L'artista ucraino Ivan Marchuk.

Ivan Marchuk è uno dei più artisti famosi surrealisti dell'Ucraina. Tuttavia, Marchuk lavora non solo nello stile del surrealismo, ma scrive anche in modo abbastanza indipendente paesaggi realistici. La tecnica caratteristica dell’artista è l’uso di linee sovrapposte, che danno visivamente l’effetto di mescolare i colori (una tecnica in qualche modo simile alla pittura divisionista).

Marchuk.

Artisti surrealisti. Surrealismo ad acquerello di Jonathan Wolstenholme.

Jonathan Wolstenholme è un acquarellista da me noto per una serie di illustrazioni surreali che definirei “la vita dei libri meravigliosi”. I motivi preferiti sono i libri (il tuo capitano è ovvio).

Dipinti ad acquerello Wolstenholme

Creazione Artista polacco Marcin Owczarek è principalmente associato a idee distopiche e problemi globali del 21° secolo. Nelle sue opere controverse, riesce a creare un'atmosfera unica di surrealismo cupo, misterioso e talvolta persino tragico che regna intorno. A prima vista, queste illustrazioni sono scioccanti e disgustose, ma se le guardi dall'altra parte e approfondisci l'essenza di ciò che sta accadendo, allora la società moderna ha sicuramente qualcosa a cui pensare...

“Il mio lavoro si concentra principalmente sull’umanità e ambiente, nonché sui problemi globali del 21° secolo. Nelle mie opere cerco di mostrare tutto ciò che la società moderna deve affrontare ogni giorno: l'influenza dannosa delle nuove tecnologie, le paure eternamente perseguite, la deformità morale, la mutazione genetica, i problemi sociali e ambientali, la sovrappopolazione del pianeta, comportamenti immorali e cattive abitudini... Tutto questo e molto altro comporta in un modo o nell'altro una serie di conseguenze che portano al collasso..."- dice Marcin a proposito di una serie di sue illustrazioni chiamata "Terra distopica".

Grazie al surrealismo, molti artisti e fotografi riescono non solo a combinare l'incompatibile, ma anche a rivelare l'essenza dell'io umano. - una straordinaria serie di fotografie in cui prendono vita non solo i desideri e i segreti più proibiti, ma anche gli incubi con le paure che sono inerenti a ogni persona...

Sono presenti anche le opere dell'artista polacco Leszek Bujnowski. Funziona in modo misterioso, triste e allo stesso tempo infantilmente carino e talvolta anche difficile da seguire qualsiasi logica. Dopotutto, le sue illustrazioni uniche, create utilizzando la grafica digitale, non sono altro che il mondo nascosto che regna nel subconscio umano.

Surrealismo (dal francese Surrealisme - superrealismo) - movimento estetico, che ha avuto origine in Francia nei primi decenni del XX secolo. Il surrealismo si è manifestato più chiaramente nella pittura, nella letteratura e nel cinema di Francia, Spagna, Stati Uniti... I più grandi artisti surrealisti sono diventati allo stesso tempo i pittori più famosi del 20° secolo: Salvador Dalì, Joan Mirò, Max Ernst. Nel cinema, il surrealismo è associato ai nomi di Luis Buñuel e Georges Sadoul, nella letteratura: Andre Breton, Robert Desnos, Louis Aragon, Paul Eluard, Rene Char, Henri Michaud.

La categoria principale dell'estetica surrealista è la cosiddetta scrittura automatica, cioè la creatività senza controllo cosciente, che si basa solo su impulsi subconsci. Nel formularlo, i teorici del surrealismo si affidarono agli insegnamenti del filosofo intuizionista francese Henri Bergson e alla psicoanalisi di Freud e Jung. Naturalmente, in realtà questo tipo di creatività è praticamente impossibile - al contrario, molti dipinti di Salvador Dalì danno l'impressione di strutture simboliche attentamente costruite, ogni elemento delle quali non solo è decifrabile, ma lo richiede anche con urgenza. Un'altra cosa è che quasi tutte le opere dei surrealisti sono focalizzate sull'interpretazione, non raffigurano oggetti, ma le loro idee e immagini. Di conseguenza, la percezione di dipinti e testi surreali richiede che lo spettatore e il lettore abbiano una certa preparazione mentale ed emotiva, che consenta loro di trovare linguaggio reciproco. Il desiderio di esprimere i propri pensieri e le proprie emozioni in un linguaggio complicato, saltando fondamentalmente i ponti logici, l'associatività violenta e stravagante e la saturazione del testo con significati indiretti rendono la lettura di opere surreali un lavoro emozionante, ma non sempre facile.

È generalmente accettato che la parola stessa surrealismo sia stata “inventata” da Guillaume Apollinaire, usandola per la prima volta in una delle sue opere teatrali nel 1918 e nell’articolo dello stesso anno “Lo Zeitgeist e i poeti”. Come termine, fu usato per la prima volta due anni dopo, in un articolo del futuro maestro di questo movimento, il poeta Breton, dedicato allo stesso Apollinaire. Pubblicato nello stesso anno testo classico surrealismo - il libro “Magnetic Paths” di Breton e Soupault, che, secondo gli autori, mostra le possibilità rivoluzionarie della scrittura automatica. Pertanto, il surrealismo iniziò non con testi individuali, ma immediatamente con una sorta di “libro di campioni”, un’antologia, che comprendeva opere di generi diversi: storie più o meno coerenti, appunti frammentari e poesie.

Nel suo auto-commento al libro, Breton definisce una delle sue caratteristiche principali la velocità di scrittura elevata e in continua evoluzione, che caratterizza da questo punto di vista i vari testi contenuti nel libro. Allo stesso tempo, l'autore ha definito la storia "Eclipse" completamente coerente e strutturata razionalmente la più veloce (e quindi la più automatica). Ed ecco come appare una delle poesie del libro – “Tende” dal ciclo “I detti del granchio eremita”:

Le trappole per topi dell'anima hanno spento il riscaldatore del meridiano bianco dei sacramenti
Biella della nave
zattera di salvataggio
Bellissime alghe di diversi colori cadono magnificamente
L'emozione dei ritorni notturni
Bilance piatte a due teste

Successivamente, nel 1922-1923, i surrealisti condussero una serie di sessioni oniriche (“epidemia di sogni”), in cui il poeta Robert Desnos dettava ciò che vedeva nei suoi sogni e rispondeva alle domande dei partecipanti alla sessione; le risposte sono state registrate e poi pubblicate come trascrizioni. Secondo Breton, Desnos leggeva “in se stesso come in un libro aperto e non si preoccupava affatto di salvare questi fogli di carta sparsi nel vento della sua vita”.

Nel 1924, lo stesso Breton creò il “Manifesto del Surrealismo”, in cui elenca i nomi accuratamente selezionati dei predecessori della nuova direzione. Tra questi troviamo Swift, il marchese de Sade, Chateaubriand, Hugo, Poe, Baudelaire e altri scrittori famosi del passato. Inoltre, ognuno di loro, secondo Breton, risulta essere un surrealista in un'area: Swift è un surrealista nel causticismo, Sade nel sadismo, Rimbaud nella pratica della vita e in molti altri modi, e così via.

Contemporaneamente iniziano a essere pubblicate le riviste “Surrealism” e “Surrealist Revolution”. Allo stesso 1924 risale l'opuscolo collettivo dei surrealisti sulla morte del classico della letteratura francese Anatole France - un altro manifesto del movimento emergente, che rifletteva chiaramente un altro importante principio dell'estetica surrealista - un appello al cosiddetto umorismo nero .

Nel 1924 apparve il dramma surrealista “I segreti dell'amore” di Roger Vitrac (messo in scena nel 1927). Nonostante il fatto che nella maggior parte dei casi forma pura il surrealismo si è manifestato soprattutto nella poesia e nella mancanza di trama prosa breve, anche la drammaturgia occupava un posto importante nel suo arsenale. Secondo Breton “le forme del linguaggio surrealista sono le più adatte al dialogo”, che è ciò che i surrealisti facevano nei loro giochi quotidiani, che poi pubblicavano come opere collettive. Oltre alle registrazioni delle sessioni oniriche di Desnos, c'erano, ad esempio, gioco di parole"Exquisite Corpse", i cui partecipanti hanno firmato i verbi predicativi con parole subordinate ai loro nomi soggetti invisibili. Ciò che accade come risultato di tali giochi è noto: questo è un passatempo abbastanza comune nella vita quotidiana di scolari e studenti di tutto il mondo. Ma solo i surrealisti decisero di dichiarare questo semplice gioco un'opera d'arte, poiché coincideva completamente con la loro idea di spontaneità processo creativo, la sua imprevedibilità.

La stessa tecnica è stata utilizzata in altri giochi, ad esempio quando si compongono dialoghi coerenti in cui chi risponde non conosce la domanda posta. Il risultato sono le seguenti definizioni: “Cos’è il suicidio? - Tante chiamate assordanti; Qual è la gioia della vita? - Questa è una palla nelle mani di uno scolaro; Cos'è la pittura? "È un po' di fumo bianco." Questi dialoghi sono abbastanza simili a quelli che i surrealisti componevano per i loro eroi giocate individuali, non può essere definito del tutto privo di significato - al contrario, una collisione inaspettata di frasi costringe il lettore a guardarle significato nascosto, e questo di solito ha successo. Soprattutto quando gli autori di domande e risposte... scrittori professionisti, costruendo abilmente e con fantasia le loro osservazioni.

L'azione della maggior parte delle opere surrealiste, i cui autori furono T. Tzara, J. Ribmont-Dessaigne, Breton e Soupault, si svolge nella stessa vena apparentemente assurda. Così, nell’opera di quest’ultimo “Per favore” (1920) troviamo dialoghi scritti in modo giocoso:

Paolo: ti amo. (Lungo bacio.)

Valentina: Nuvola di latte in una tazza di tè...

Per quanto riguarda i grandi generi, ha senso parlare solo della maggiore o minore influenza dell'estetica surrealista, che per definizione è incapace di organizzare un testo voluminoso e coerente. Tuttavia, quando i surrealisti si discostano un po’ dal principio dell’automatismo, riescono a creare una storia e perfino un romanzo. Così, la storia di Breton "Nadia", la prima prosa di Aragon e i romanzi di R. Crevel, pur mantenendo l'atmosfera di sorpresa e caos di ciò che sta accadendo, che è obbligatoria per il surrealismo, e dimostrando una bizzarra visione soggettiva del mondo, a allo stesso tempo risultano abbastanza leggibili. È vero, nella maggior parte dei casi questa prosa si adatta con grande difficoltà alle idee tradizionali sui generi - piuttosto, qui abbiamo davanti a noi una sorta di mutanti di genere.

Ad esempio, nel 1925, B. Pere e P. Naville crearono il “Bureau of Surrealist Research”; A questo punto, il movimento aveva già ricevuto la sua piattaforma teorica; scrittori di prosa, artisti e registi si unirono ai poeti teorici. Nello stesso anno, i surrealisti pubblicarono sulle pagine della loro rivista una serie di appelli - ai governi del mondo (“Aprite le carceri. Sciogliete l'esercito”), ai rettori delle università europee, al Papa (con un accusa caratteristica: “Voi avete messo Dio in tasca”), ai primari dei manicomi. Tutti contengono accuse rabbiose contro l’ordine mondiale esistente. Al contrario, gli appelli alle scuole buddiste e al Dalai Lama sono una sorta di richieste di aiuto e di guida spirituale, non senza però una certa ironia (“Inventaci nuove case”).

Continuando l’autodeterminazione teorica del surrealismo, nel 1927 Louis Aragon creò il suo “Trattato sullo stile”, confermando in esso il fondamentale rifiuto della letteratura surrealista di aderire alle regole di ortografia. Nel contesto della dottrina generale della scrittura automatica, ciò sembra abbastanza logico, e i surrealisti osservarono costantemente l’anti-governo proposto da Aragon. Fu da loro che i poeti di vari orientamenti iniziarono a rifiutarsi consapevolmente di utilizzare il tradizionale sistema "prosaico" di segni di punteggiatura nella poesia.

In generale, i poeti surrealisti hanno ampliato significativamente la gamma dei mezzi artistici della poesia europea. In primo luogo, hanno stabilito il predominio del verso libero (verso libero), che non vincola il poeta con le tradizionali restrizioni formali sotto forma di metro sillabico, rima, strofa regolare e così via. Non meno importante è stato il rifiuto della connessione logica obbligatoria degli elementi, il passaggio dalla struttura rigida di un testo poetico a un flusso di coscienza lirico, che include associazioni casuali sia naturali che completamente arbitrarie su termini di parità. Infine, sono i surrealisti che sono all'origine di tendenze nella poesia mondiale moderna come il concretismo e la poesia visiva. In questo senso, possiamo dire che quasi tutta la poesia moderna ha le sue origini nella pratica creativa del surrealismo, che ha finalmente liberato la coscienza dell'artista dalla parola.

Nello stesso 1927, come il trattato di Aragon, apparve "Visioni di mezzo addormentato" dell'artista Max Ernst, una sorta di continuazione degli esperimenti di Desnos. E l'anno successivo, Breton e Aragon registrarono e pubblicarono i loro "Giochi surrealisti" - un'altra esperienza nella creazione di un nuovo genere, di cui i surrealisti ne avevano già inventati parecchi a quel tempo. Inoltre, la maggior parte di loro ha dimostrato le pretese dei poeti della nuova direzione di risolvere non solo problemi artistici, ma anche psicoterapeutici.

Infine, nel 1929, Breton scrisse il secondo manifesto del surrealismo, riassumendo l'esistenza decennale di un nuovo movimento artistico. Il nuovo lavoro elenca ancora una volta i suoi predecessori e valuta il loro contributo alla creazione del surrealismo, analizzando l'esperienza surrealisti moderni, è stato delineato un programma di nuove azioni, questa volta adattato alle idee dell'occulto.

Allo stesso tempo, alla fine degli anni ’20, si stava delineando una spaccatura nel campo surrealista. In seguito, un gruppo di surrealisti radicali si unì al movimento marxista in Francia, alcuni di loro parteciparono al movimento di Resistenza, aderendo anche al Partito Comunista.

Successivamente, i percorsi dei surrealisti divergevano in direzioni diverse. Eluard e Aragon abbandonarono la complessità delle immagini inerenti all'estetica surrealista e gradualmente si dedicarono a forme neoclassiche di poesia e prosa, che erano pienamente coerenti con le loro simpatie per l'ideologia comunista. Altri poeti e artisti continuano le loro ricerche formali, aprendo nuovi e nuovi orizzonti di creatività focalizzati sul subconscio.

L'interesse per il surrealismo divampò ripetutamente nei decenni successivi. Pertanto, la sua influenza si fece sentire nell'opera di molti poeti latinoamericani, nella poesia e nel dramma degli Stati Uniti e Paesi slavi negli anni Quaranta e Cinquanta, poi negli anni Settanta. Si può dire con certezza che le tecniche sviluppate dai surrealisti hanno avuto e continuano ad avere un impatto costante sull'arte del XX secolo.

La poesia russa ha adottato alcune tecniche di scrittura surreale piuttosto tardi, negli anni '80 -'90. Elementi di immaginario surreale si possono trovare in alcune poesie di I. Brodsky, G. Sapgir, G. Aiga; L'artista e poeta Lev Kropivnitsky ha lavorato in modo più coerente con la poetica surrealista negli anni '70 -'80.

Di norma, viene subito in mente Dalì, ma il surrealismo è pieno di molti altri meravigliosi e artisti di talento. Non basta un post per parlare di tutti, e scegliere i 10 migliori tra i surrealisti sarà per me una vera tortura. Pertanto, presento alla vostra attenzione i primi dieci, solo 10 di quelli i cui nomi mi sono venuti in mente per primi, per essere onesti;)

1. Salvador Dalì (1904-1989)- A Sembrerebbe che quest'uomo non abbia bisogno di presentazioni e il suo nome è noto anche a chi è lontano dall'arte. Salvador è una delle più grandi figure del surrealismo e mondo dell'arte generalmente. Oltretutto opere uniche, Dalì è noto per le sue immagini insolite e stravaganti.

"Non sono surrealista , Sono il surrealismo"

- Salvador ha parlato di sé senza eccessiva modestia. Leggendo libri su di lui, guardando biografie, spesso puoi sentire da chi lo circonda che letteralmente tutto ciò che l'artista ha toccato era già diventato surrealismo.

“Sono completamente normale. E quello che è anormale è quello che non capisce il mio dipinto, quello a cui non piace Velasquez, quello a cui non interessa che ore sono sui miei quadranti scorrevoli - mostrano l'ora esatta” - Salvador Dalì

2. Max Ernst (1891-1976)-almeno uno in più brillante rappresentante surrealismo, maestro frottage e collage . Ernst non ha studiato da nessuna parte, dicono che sia un artista autodidatta. Fatto interessante: Dal 1909 studiò filosofia all'Università di Bonn, ma abbandonò presto questo studio per dedicarsi interamente all'arte. Durante i suoi studi, ha studiato a fondo la psicologia e si è interessato all'arte dei malati di mente.

E nel 1930, l’artista collaborò con Salvador Dalì e Luis Buñuel nel film “Un Chien Andalou”. Non voglio perdermi in chiacchiere, che si possono già trovare su Internet, e andrò direttamente ad alcuni dipinti di Ernest:

3. René Magritte (1898-1967)- I dipinti di questo artista si basano sull’effetto di rimuovere una cosa dal suo significato abituale, ad esempio vediamo una pipa, ma poi c’è la firma “Questa non è una pipa”. In Magritte, a differenza di altri grandi surrealisti, gli oggetti non perdono quasi mai la loro “oggettività”: non si diffondono, non si trasformano nelle proprie ombre. Tuttavia, la strana combinazione di questi oggetti colpisce e fa pensare.

“Il surrealismo è la realtà liberata dal significato banale”

- Renè Magritte

4. Jacek Jerka (nato a 1952)- Yerka è lo pseudonimo creativo del talentuoso artista polacco Jacek Kowalski. L'artista ha vinto il prestigioso World Fantasy Award come miglior artista nel campo della pittura fantastica.

« Mi sembra che gli anni '50 siano stati una sorta di età dell'oro. Questi sono gli anni felici della mia infanzia, pieni della magia del mondo che mi circonda. Nel mio lavoro questo si riflette negli edifici, nei mobili e in vari ninnoli prebellici. Se dovessi disegnare un computer, applicherei sicuramente anche ad esso l’estetica prebellica » - dice Jacek Yerka

5. Vladimir Kush (anno di nascita: 1965)- nato e cresciuto a Mosca, ora vive alle Hawaii. Kush ha 4 gallerie negli Stati Uniti e prevede di aprirne altre in tutto il mondo in futuro. È stato davvero difficile scegliere solo 4 opere per questo post! Il suo mondo fantastico attira e risveglia involontariamente il desiderio di ritrovarsi lì:

6. Konstantin Kalinovich (nato nel 1959)- un artista straordinario originario della Russia. Membro corrispondente della Royal Society of Painters and Engravers (Gran Bretagna), titolare grande quantità premi e riconoscimenti internazionali nel campo della grafica stampata. Le opere dell'artista si trovano nella Royal Academy of Arts (Londra, UK), nella Biblioteca Nazionale Russa (San Pietroburgo, Russia), nel Cedar Rapids Art Museum (Iowa, USA), nell'Università del Galles (Aberystwyth, UK ), nel Davis Museum (Wellesley, USA), così come in collezioni private paesi diversi pace.

7. Rafał Olbinski (nato nel 1947) - L'illustratrice polacca vive e lavora da molto tempo negli Stati Uniti. Tuttavia, il suo sviluppo come artista ha avuto luogo nella sua nativa Polonia, dove Rafal è cresciuto e cresciuto nell'ambiente culturale della comunità teatrale. Non c'è dubbio che Olbinsky abbia talento, ma è proprio così che, secondo me, gli manca l'individualità.

8. Alex Andreev (nato nel 1972)- artista di San Pietroburgo. Molto probabilmente ti sei imbattuto spesso nei suoi disegni su Internet.

Scrive brevemente di sé: “Non ci sono scarafaggi nella mia testa. Molto tempo fa furono divorati da altre creature molto più grandi e pericolose.

9. Todd Schorr (nato nel 1954)- un artista unico che lavora nel genere del surrealismo pop. I dipinti di Todd Schorr sono una delizia di esperienze di cultura pop, una miscela folle di luci al neon di Las Vegas, vecchi cartoni animati Disney, viaggi con l'LSD, imbonitori del mercato di Tangeri, misticismo di Lewis Carroll, dipinti di Dalì e Picasso, copertine di riviste TIME, grandi spettacoli circensi. . Todd Schorr vive e lavora a Beverly Hills, in California. È uno dei più costosi e artisti di successo STATI UNITI D'AMERICA.

10. Greg Simkins (nato nel 1975)- Non mentirò quando lo definirò uno dei miei surrealisti moderni preferiti. Per qualche tempo Greg è stato impegnato nei graffiti con il soprannome Craola. Ha anche preso parte allo sviluppo di giochi per computer come Tony Hawk 2X, Spiderman 2 e Ultimate Spiderman, oltre a lavorare con aziende come Disney, Mattel, Vans e Converse. Non dovette rimanere a lungo un artista sconosciuto e presto conseguì una laurea arti artistiche nello studio d'arte della California State University, Long Beach.

Sto aggiungendo solo 4 dei suoi lavori, ma consiglio vivamente di dare un'occhiata al resto!

.... Lo so, lo so che è ora di finirla qui! Ne erano previsti solo 10, ma non posso fare a meno di inserirli nell’incredibile elenco Segno UN Raiden UN (nato nel 1963). Collezionisti di tutto il mondo danno la caccia ai suoi dipinti. Tra i suoi clienti figurano celebrità come Stephen King, Alton Brown, Leonardo DiCaprio, Danny Elfman, Chris Carter, Bridget Fonda e molti altri.

Nelle parole di Raiden: “Voglio premettere questo dicendo che in realtà non sono io a dipingere i miei quadri. Tutto questo è Magic Monkey. Viene nel mio studio a tarda notte, quando tutto tace. Cose insondabili accadono quando la maggior parte delle persone dorme. Aiuto la Scimmia Magica, ma fa quasi tutto lei. Il mio lavoro più grande è aiutarla ad apparire. È estremamente stravagante. Emisfero destro il cervello è molto importante; Devo cambiare idea da pensiero logico al creativo, per liberare sensazioni libere. Se comincio a pensare molto, sarebbe meglio andare a fare un pisolino o giocare con mio figlio. Perché tutto dovrebbe avvenire in modo naturale, quasi inconsciamente. Quando credi, tutto accadrà. Lo sentirai. È come una magia. Arriva la scimmia, bussa alla porta, tiriamo fuori colori e pennelli dalla scatola, andiamo a creare arte”.

Ci sono molte controversie sulle sue opere: alcuni le trovano malvagie e l'artista è malato di mente, mentre altri vedono un significato nei dipinti di Mark e ammirano i suoi dipinti. Decidi tu quale tipo sei:

Cari pettegole e pettegole, qual è la tua opinione sul surrealismo e quali opere ti sono piaciute di più? Quanto si è allontanato il surrealismo moderno dal surrealismo iniziale (se, ovviamente, può essere caratterizzato in questo modo) e in quale direzione? Sarò felice di ascoltare! Non dire addio;)